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La banda liderada por Dave Mustaine entró al estudio para comenzar los trabajos de lo que será su álbum Nº16, sucesor del exitoso «Dystopia» del 2016.

David Ellefson, Kiko Loureiro, Dirk Verbeuren y la misma cuenta de MEGADETH en redes sociales han ido subiendo una serie de imágenes para mostrar el proceso de preproducción, que puedes ver más abajo.

MEGADETH girará por Sudamérica durante el segundo semestre de este año, aprovechando su paso por Rock In Rio (Brasil) en octubre.

Haciendo la previa al regreso de Angra en Chile, programado para el sábado 9 de junio, conversamos con su líder y fundador Rafael Bittencourt, único integrante original que queda en la actual formación de los brasileños.

El guitarrista pone todas sus fichas en esta nueva formación, comenta sobre las opiniones de los fans en redes sociales, su relación con Kiko Loureiro fuera de la banda, apuesta por una gira con sus 3 vocalistas y repasa sus recuerdos con nuestro país. 

He leído en varios comentarios la comparación entre «Omni» y «Temple of Shadows». A muchos les recuerda este gran disco de su carrera, y por lo mismo quería preguntarte, ¿en qué medida sientes que «Omni» rescata esos sonidos de «Temple of Shadows»? 

R: Bueno, «Temple of Shadows» es una referencia también para mí. Es una referencia para los fans, pero también para mí mismo, ya que es una gran obra, una «masterpiece», una obra prima. Cuando Kiko se fue de la banda, yo me quedé un poco pensativo, sintiendo como un desafío muy grande de mostrar a las personas que yo podría hacer un gran disco sin Kiko. Entonces, tuve a «Temple of Shadows» como una gran referencia, recordando todo el proceso de las composiciones, cómo fue el pensamiento, el proceso, las directrices que nos guiaron en aquél álbum. Ahora el proceso fue de mucha concentración y mucha cooperación. Si bien ya no tenía a Kiko, tenía a 4 grandes músicos para hacer una gran obra juntos. Entonces, propuse la estructura del disco, propuse los estilos que serían trabajados, cómo sería la forma del álbum, así juntos los 5 pudiéramos hacer un gran disco a la misma altura que el «Temple».

«Secret Garden» fue visto como un álbum de transición, mientras que «Omni» deja una marca de todo lo que es Angra actualmente: elementos más progresivos, baladas, agresividad, ¿qué tan distintos fueron los procesos de composición y grabación entre un álbum y otro?

R: Así es, «Secret Garden» fue un álbum de transición. Empezamos la estructura del álbum con algunas canciones que ya estaban listas. No fue pensado con una dirección antes del comienzo de la producción. Fue una colección de ideas de todos los que estaban componiendo y que después fueron unidas por el productor, así que es muy diferente el resultado. En «Omni», imaginé un disco que tuviese todos los estilos de Angra, desde «Angels Cry» en adelante. Las grandes características de Angra tenían que star sonando en «Omni», justamente para probarles a todos que esta formación es también una gran formación, una formación que en un futuro será recordada como una clásica, ¡como la tercera gran formación de Angra!

En ese sentido, ¿cómo viste la adaptación de Fabio en este caso como integrante oficial de Angra, con respecto a Secret Garden?

R: ¡Fue buenísima! Porque después de «Secret Garden», durante la gira mundial, empezamos a hacernos más cercanos, a quedar más familiarizados con nosotros y con mucha confianza. De ahí él tomó a Angra como su parte principal. En mi opinión, esta fue lo más importante para tener a Fabio como un cantante oficial, porque sin haberlo presionado para que se fuera de Rhapsody of Fire, Fabio se fue de la banda y dijo que Angra era su actividad principal. Entonces, ha cambiado toda la perspectiva con esto de tener un cantante oficial en la banda, es mucho mejor. La imagen de la banda es más sólida y consistente, entonces la adaptación fue muy natural y muy buena, porque a él le gusta mucho estar en Angra y a nosotros nos gusta mucho tener a Fabio, que es uno de los mejores cantantes de Power Metal hoy en día.

Angra ha pasado por distintas formaciones a través de los años, quedando tú Rafa como único integrante original en la banda. A tu juicio, ¿cuál es o son los elementos que hacen que Angra siga manteniéndose en pie? ¿Qué hace que la gente pueda seguir diciendo “esto es Angra”?

R: En primer lugar son muchos elementos, hay una base fuerte de Power Metal, pero con la intención de mezclar otros estilos de Metal. Angra propone una libertad estilística, especialmente que mezcla todos estilos de Metal. Para mí el Metal no debería tener tantas fronteras de estilos, porque a mí me gustan muchos estilos diferentes de Metal y no intento quedarme sólo en Metal melódico, o sinfónico o thrash, power, o progresivo. Me gustan muchos estilos diferentes de Metal, principalmente éste. Hay una intención melódica con mucha melancolía, una melancolía que viene de la música portuguesa del fado portugués, que fue una influencia muy grande en la música brasileña. Después, los ritmos afrobrasileños, los ritmos latinos que están presentes, las orquestas y también la mezclas de componentes que vienen del Pop y otros estilos variados. Entonces, lo que más caracteriza a Angra es la libertad de estilos y la gran mezcla de ellos.

Has tenido un gran protagonismo como cantante este último tiempo, ¿en qué momento decidiste comenzar a cantar algunos temas en los conciertos y luego incluso grabar nuevas canciones con tu voz?

R: Sí, había una gran duda con respecto de tener un cantante definitivo en la banda, así que me puse a cantar preparándome un poco para la posibilidad de tener que hacer algunos conciertos con Angra sin cantante. No era bueno tener un cantante no muy conocido, tal vez fuese mejor tener un miembro de la banda como yo, más que un nuevo cantante. Pero Fabio es muy conocido por todos, es muy amado por todos y está más que preparado para todo lo que Angra hace. Entonces a mí me gusta mucho cantar, siempre que estoy componiendo las melodías estoy cantando, muchas veces empiezo las canciones por la melodía y no por las guitarras ni por los ritmos Es muy común que empiezo las canciones cantando las líneas, entonces me gusta mucho cantar. A Fabio siempre le acomoda mucho que yo cante alguna canción o algunas partes. Considerando el hecho de que nosotros proponemos la variedad como uno de los grandes elementos dela banda, tener una segunda voz es también un símbolo de variedad.

Pasando a otro tema, llevas una amistad de muchos años con Kiko Loureiro, por lo mismo, ¿cómo ha sido la relación entre ambos este último tiempo?

R: ¡Sí! me junto con Kiko frecuentemente, así que lo vi varias veces anteriormente. Este año nos hemos juntado unas 2 o 3 veces juntos ya, así que es un miembro de mi familia, es un amigo muy cercano, entonces siempre una alegría porque yo estoy muy orgulloso, muy feliz por todo lo que ha conquistado y está siempre ayudando para otras personas también puedan conquistar las mismas cosas. Él no sólo es un gran guitarrista, sino un gran manager de su propia carrera. Entonces es siempre muy bueno estar hablando sobre las cosas de la rutina, cosas más simples, y también asuntos más serios. Hasta el día de hoy, Kiko está muy involucrado en el antiguo catálogo de la banda, así que hay muchos asuntos de negocios en que Kiko aún está presente.

Pasando a otro tema, Rafa. En tiempos donde las Redes Sociales son un termómetro de opinión, ¿qué tanta atención pones a los comentarios de los fans en estas redes? ¿Con cuánta frecuencia recoges eopiniones de lo que lees?

R: Yo no estoy tan conectado, pero Felipe y Bruno están siempre muy atentos a todo tipo de comentarios, sean positivos o más destructivos. Lo que pasa es que esto termina siendo muy constructivo al final de cuentas, porque hoy en día tenemos un termómetro muy directo sobre la aprobaciones o las objeciones del público al respecto de todo. Todos los detalles: el color de los pantalones, el color de las poleras, todo, ¡todo es asunto para discusión! A los fans de hoy en día les gusta mucho desperdiciar el tiempo discutiendo todo al respecto de las bandas, y les gusta mucho también crear el odio con la banda. Entonces, los fans son muy apasionados y a ellos les gusta mucho ocupar el tiempo comentando lo que odian y lo que aman. Esto es bueno para nosotros, que estamos siempre mirando las opiniones  y así podemos crear una especie de guía para un proyecto más acertado.

Helloween con Andi Deris y Michael Kiske, el mismo Fabio con Luca Turilli en Rhapsody, ¿en qué medida piensas que estas reuniones de compañeros separados hace varios años sea una buena idea? Y te pregunto directamente por Angra, ¿podemos imaginar un show o gira con André Matos y Edu Falaschi juntos?

(Risas) ¡Me gusta mucho la idea! yo pienso que sería una buena idea. Ahora no es el mejor momento porque es muy importante afirmar esta formación, porque yo quiero que los fans miren a Fabio y a todos en Angra con el mismo respeto que tienen por los antiguos miembros. Y luego que ese respeto por la actual formación esté construido, esté sólido, entonces quiero hacer una gira con los 3 cantantes, músicos invitados y una gran gira de celebración de la historia de Angra.

Pasamos a calentar motores ante una nueva visita de Angra a Chile. Con tantas ya que han hecho a nuestro país, ¿recuerdas alguna en especial por alguna anécdota?

R: Siempre me ha gustado mucho Chile. La mejor fue visita fue cuando yo viajé como turista para probar los vinos en Casablanca, las vinícolas, Concha y Toro y muchas otras. También fui al volcán Villarrica y también a otro volcán en el Sur. Siempre estoy con el deseo de estar en Chile como turista, porque en gira no tenemos tanto tiempo para conocer el país. A mí me gusta mucho Chile, pienso que es el país más admirable de Sudamérica, por las personas, por la educación, la organización, economía, todo. A mí me parece un país muy fuerte, muy estable en comparación con otros en Sudamérica, específicamente con Brasil, que ahora es una gran bagunça (N. de la R: término portugués que significa «desorden», «desmadre», etc). El público siempre se ha portado muy bien con Angra, siempre hemos sido muy bien recibidos. Es una pasión pero con mucho respeto, hay también una muy buena educación del público con la música, la gente sabe apreciar la buena música, así que es muy bueno estar en Chile por eso.

Contando también todas las visitas de Angra en Chile, ¿qué podemos esperar de especial para el próximo 9 de junio en Santiago?

R: Bueno, lo primero es que estaremos presentando la nueva formación, una formación que ahora está muy solida y muy buena. Yo pienso que es la más madura de todo el tiempo. Es una mezcla de la pasión joven de Bruno, por ejemplo, que tiene la misma edad de la banda. Bruno tiene 27 años de edad y Angra tiene 26 años de edad, ¡esto es una curiosidad! Yo estoy desde el comienzo de la banda, entonces, es la mezcla de la pasión por la música con la experiencia. Hoy en día tenemos madurez como amigos, como compañeros, hay menos peleas, convivimos en armonía, entonces el público será testigo del comienzo de la síntesis. Yo digo síntesis porque en la retórica griega, primero presentamos la tesis luego la antítesis y en un tercer momento la síntesis. Entonces, la tesis fue presentada por mí, por Andre (Matos) por Kiko (Loureiro) con la idea de la banda, los momentos melódicos, sinfónicos, historia brasileña, y todo. Después con el cambio de la formación veo la antítesis, que sería con la batería más agresiva, con un vocalista como Edú como cantante ,un poco mas agresivo y también la banda un poco más progresiva con «Temple of Shadows». Ahora en la síntesis, nosotros tenemos una mezcla de todo lo que pasó, entonces el público de Chile será testigo de la tercera era de Angra, la era de la síntesis, la era de «Omni».

por Guille Salazar

Angra vuelve a visitar nuestro país como parte del tour promocional de “Omni” el Sábado 9 de Junio a las 21hrs. en Club Blondie.
Los tickets se venden bajo sistema Eventrid y sin cargo en tiendas The Knife (Eurocentro) y Kmuzzik (Av. Providencia 2169, local 99 – Galería Interprovidencia).

Los precios son:

Preventa General 1: $20.000
Preventa General 2: $25.000

Echo the horns and thus we reborn in glory” (“ØMNI – Silence Inside”) El decimosexto día del presente mes de febrero fue el lanzamiento de «ØMNI», el nuevo disco de la banda paulista Angra, bajo el sello earMUSIC y la producción de Jens Bogren. Angra, que por décadas ha puesto nuestro continente en el mapa del Metal internacional, nos sorprende con un álbum muy bien logrado, que, si bien no tiene una narrativa interna, comparte muchos aspectos con «Temple of Shadows» como, por ejemplo, la capacidad de alternar sonidos pesados y devenires melódicos, lo que se traduce en mayor énfasis en la composición integral. El significado etimológico del latín omni es “todo”, justamente lo que parece buscar este álbum en la identidad artística de Angra.

Actualmente conformado por Rafael Bittencourt y Marcelo Barbosa en guitarras, Felipe Andreoli en bajo, Bruno Valverde en batería y Fabio Lione como vocalista, Angra nos entrega en primer término Light of Trascendence, que abre el álbum de manera muy similar a Spread Your Fire! de «Temple of Shadows«, es decir, postulándose como la canción más orientada hacia el Power Metal y con mayoría de elementos en común con la constelación de bandas que forman el género. Muy cerca de esta definición se encuentra también Travelers of Time, en cuyos primeros segundos podemos reconocer el sello de Angra al integrar la percusión batucada en la parte rítmica. Con una buena utilización de voces de complemento, llama la atención el pre-coro y las secciones instrumentales que luego se abren hacia el verso vocalizado por Rafael Bittencourt, una genialidad que también marca el sello de Angra, sobre todo desde «Temple of Shadows«, que es, en concepto personal, el cénit de la banda.

No es raro en Angra -ni en muchas bandas que conocemos- escuchar la participación de invitados, generalmente de gran trayectoria. La ventana escogida para esto es Black Widow’s Web, que cuenta con la voz de Sandy Leah Lima, integrante del precoz dúo de hermanos convenientemente llamado Sandy & Júnior, que durante los ’90 sonó profusamente en radios brasileñas con su música pop. La otra invitada es la inconfundible Alissa White-Gluz, frontwoman de Arch Enemy desde el 2014, año en que dejó su anterior banda The Agonist. El intro de la canción queda a cargo de la primera invitada mencionada, cuya dulce voz abre la canción como si fuera un libro de cuentos de hadas. Sin embargo, con la caída de tono del segundo acorde de guitarra, queda claro que el cuento tendrá un giro oscuro. Después del primer verso de Fabio, aparece la voz gutural de Alissa para añadirse al resto de la canción en alternancia con el maestro lírico de Rhapsody. En el coro se logra una evocación bastante particular: la voz de Lione en este álbum se siente más adaptada al sonido de Angra que en el álbum anterior, «Secret Garden«; por consecuencia -como también pasa a ratos con Travelers of Time– se puede sentir el estilo de Edu Falaschi (Almah) en la voz de Lione con una sutileza casi sugestiva o psicológica. Da para pensar en el talento de Fabio para adaptar el estilo, o, por otra parte, en cómo la propiedad, conciencia y conocimiento que Angra posee sobre la voz adecuada para la banda fue moldeando al vocalista italiano.

Inevitable no acordarse de «Rebirth« con Insania, canción que inicia con un coro orquestado emulando la mística del álbum anteriormente mencionado. Felipe Andreoli destaca en el arreglo del bajo, demostrando una vez más su enorme talento que viene acompañando a Angra desde el nuevo milenio.

Debo confesar que tengo cierta debilidad por las baladas de la diosa del fuego, Always More es una de las que formará parte del conjunto de canciones donde hay joyas como Rebirth, Sprouts of Time, Abandoned Fate y Lease of Life, entre otras. Sin embargo, me atrevo a decir que el laurel va para The Bottom of my Soul, compuesta e interpretada por el capitán de la nave, Rafael Bittencourt. Su oculto talento vocal ya ha sido demostrado con Silent Call, pero en esta ocasión, la interpretación no va hacia la templanza, sino a la angustia, un sentimiento que Rafa plasma en su voz y le da una intensidad única al coro. Simplemente majestuosa.

Angra no deja de lado su virtuosismo, War Horns es de aquellas canciones que conforman el lado progresivo de la banda. Como no se le puede decir invitado a alguien que es de la casa, no se puede tratar como invitado al gran Kiko Loureiro, quien colaboró con su talento en el solo y composición de esta canción. La visita del actual escudero de Dave Mustaine trajo consigo esa capacidad de crítica distópica que se suele ver en Megadeth; en fusión con las temáticas teológicas de Bittencourt, el resultado es una canción potente en contenido, citando pasajes de la Biblia que auguran el comienzo de un apocalipsis armado.

Caveman nos trae de vuelta -y en acento- los elementos folclóricos que caracterizan a Angra. La temática es muy interesante ya que posee relación evidente con el “mito (o alegoría) de la caverna” descrita en «La República» de Platón. Esta consiste, en síntesis, en la tensión de realidades sensibles e ideológicas del ser humano, donde un individuo, parte de un grupo de prisioneros ideológicos, debe enfrentar las sombras con la verdad de la luz proveniente del exterior de la caverna y todo lo real que habita fuera de ella (“From thoughts without words / Just shadows of real things”). Básicamente “Matrix” o “Alicia en el país de las maravillas”. Por otra parte, Magic Mirror deleita en el aspecto técnico y progresivo, con un interludio elaborado que atrapa en su dinamismo, al igual que Newborn Me y su escala de ritmos. De todas formas, hay que dibujar la línea de comparación con «Secret Garden» (y también «Aqua«), ya que en «ØMNI« no prima el aspecto técnico que destaca a Magic Mirror.

El cierre del álbum se conforma por una canción homóloga del álbum dividida en dos partes temáticas: Silence Inside y Infinite Nothing. Con climas muy dispares entre sí, la primera se va abriendo paso de forma dramática. Con el dúo Bittencourt/Lione en las voces, los versos se conforman entre la guitarra en wah-wah y las sinfonías que luego dan más carácter a la canción y la sumergen en mayor oscuridad hasta cerrar en un fade acompañado de instrumentos folk. Infinite Nothing, por su parte, es una sinfonía encore a modo de outro como Gate XIII del glorioso «Temple of Shadows«.

Angra logró en «ØMNI» lo que ha tratado de hacer desde esta nueva etapa: conformar los elementos que le dan cohesión a su música sin que ninguno se haga sombra entre ellos. Con ansias se espera la gira de este nuevo capítulo, que celebra los casi treinta años de la banda como líder del Prog-Power sudamericano.

 

Gabriel Rocha

ANGRA ha lanzado un video clip para la canción «War Horn» de su nuevo trabajo “ØMNI”, primer disco sin Kiko Loureiro quien fue reemplazado por Marcelo Barbosa de ALMAH, con lo que Rafael Bittencourt pasa a ser el único integrante original de la formación del «Angels Cry». «ØMNI» será publicado el 16 de Febrero via earMUSIC.

Pueden escuchar “War Horn” en el siguiente enlace:

No olvidar que ANGRA confirmó visita a nuestro país como parte del tour promocional de su próximo disco “ØMNI” el Sábado 9 de Junio a las 21hrs. en Club Blondie. Los tickets se pondrán ya están a la venta bajo sistema Eventrid y sin cargo en tiendas The Knife (Eurocentro) y Kmuzzik (Av. Providencia 2169, local 99 – Galería Interprovidencia).

Los precios son:

Preventa General 1: $20.000
Preventa General 2: $25.000

«OMNI» es el nombre del próximo trabajo de la legendaria agrupación brasileña ANGRA. Este será el segundo disco con Fabio Lione en voces y el primero sin el guitarrista Kiko Loureiro, quien dejó la agrupación para sumarse a MEGADETH. En su reemplazo, los brasileños sumaron al guitarrista Marcelo Barbosa. El trabajo ha sido producido por Jens Bogren en Suecia

Como parte del anuncio de lanzamiento de «OMNI», ANGRA confirmó que saldrá de gira aunque por ahora solo hay confirmadas fechas en Europa.

Hace algún tiempo que no revisábamos discos del recuerdo, y qué mejor momento para hacerlo que en medio de la conmemoración de los veinte años de “Holy Land”, el segundo disco de los brasileños de Angra, sin dudas una de las bandas más importantes de Metal salidas desde este sector del mundo, y que ha logrado desde sus inicios mantener un sello, una esencia, un “sabor” que los distingue palmariamente de otras grandes bandas del estilo. Esa influencia brasileña e indigenista de su música, junto a elementos progresivos y otros neoclásicos y sinfónicos, son parte relevante de una estructura diferente al resto y que incluso los ha hecho una agrupación más entrañable y querida que otras.

Qué duda cabe: “Holy Land” juega un papel determinante en el catálogo de los paulistas. Una placa que desborda inspiración por todas partes, desde el primer hasta el último segundo, por cierto con algunos momentos más destacados que otros –como todo en la vida–, y que de todas maneras consolidó en aquel tiempo lo sólidamente insinuado un fantástico primer disco como “Angels Cry”. Producido por Charlie Bauerfeind y Sascha Paeth, a gusto personal, “Holy Land” es el disco donde Angra alcanza su madurez, encuentra definitivamente su sonido –que en su primera placa estaba algo más orientada a lo neoclásico–, toma mayores riesgos, busca ser un aporte innovador y nos regala joyas que perduran hasta el día de hoy.

Ya con su arte de tapa –con el mapa antiguo y la brújula en Brasil– y con los sonidos de la introducción Crossing uno ya puede ir haciéndose una pequeña idea de para dónde nos quieren llevar los brasileños, aunque sin lograr a esas alturas imaginarnos el nivel de aventura que nos harán vivir. Esta intro fue compuesta por Giovanni Pierluigi da Palestrina, compositor italiano del siglo XVI, y su nombre original es O Crux Ave, situándonos en la Europa de mitad del milenio pasado, poniéndonos la camisa con vuelitos escandalosos luego de pedirle dinero y especies valiosas a los reyes de turno y subiéndonos al barco para ir a encontrar nuevos mundos, con el sonido del mar y la lluvia torrencial.

La conexión de Crossing con Nothing To Say es estremecedora y es una declaración de principios de Angra: el teclado con su volumen creciente y, sobre todo, la percusión afro/brasileña, van a ser protagonistas durante gran parte del disco. Es increíble como un riff con solamente una nota es capaz de generar todo un ambiente y expectación, produciendo su primera gran explosión con la percusión/batucada que hace “terminar el inicio” de este tema, por decirlo de alguna forma. Ahí se quedan solos Kiko Loureiro y Rafael Bittencourt para dar pie al movimiento más Power de esta obra maestra, donde ya el barco zarpa hacia nuevas tierras con el bajo potente de Luis Mariutti y la batería de Ricardo Confessori. Y qué decir del ingreso de André Matos, con sus agudos inconfundibles, irrepetibles y a estas alturas casi incantables, con un puente hermoso y un coro magistral y levantapuños con el “Living forevermore, leaving today / Back from this land, I’ve got nothing to say!!”. Los pasajes inspirados de este tema son demasiados como para relatarlos uno por uno, y es difícil priorizarlos, desde lo más Power europeo hasta el quiebre neoclásico tan “Angels Cry” y su final definitivamente perfecto. Demasiada música esto, pásenle la copa a los brasileños y vámonos todos para la casa, en serio.

El desafío de hacer un disco a la altura de un tema como el anterior era enorme, y Angra lo hace de buena manera con un corte de otra índole, como Silence And Distance, otra obra maestra pero cortada con un cuchillo distinto. Matos y el piano nos hacen creer que es una balada, y si lo fuera sería una muy bonita. Pero cuando el tema agarra intensidad con los instrumentos restantes se convierte realmente en otra cosa, una delicia con tintes progresivos, quizás un poquito menos “arrojada” que Nothing To Say pero de ninguna manera menos inspirada. El coro, francamente hermoso con la voz de Matos acompañada por otras voces en segundo plano, también es de los momentos más fascinantes de este trabajo. Y terminar como al inicio también les funciona. Brillante.

Carolina IV, a criterio personal, es tranquila y simplemente una de las diez mejores canciones de Heavy/Power Metal de la historia, y quien escribe estas líneas es capaz de defender esta aseveración parapetándose con una AK-47 o de la manera que sea necesaria. Con este metafórico viaje a bordo de una carabela llamada Carolina IV, a la usanza de las embarcaciones de aquellas épocas con nombres femeninos, la exploración de Angra alcanza otro nivel, no sólo por los sonidos tribales y las incrustaciones neoclásicas, sino que acudiendo además a un coro que le canta a Iemanjá, o Janaína, que es una “orisha” ancestral de la religión yoruba africana, trasladada a América en el tiempo del tráfico de esclavos, que simboliza a la reina de los mares y que quiere decir algo así como “madre cuyos hijos son peces”.

A estas alturas si una persona está leyendo estas líneas sabe de qué tratan los diez minutos de Carolina IV y esta reseña no pretende ser tan descriptiva, pero si hay un concepto con el que uno podría intentar definirla es el de sincretismo musical. El sincretismo –muy básicamente– es un concepto que generalmente se aplica en el ámbito religioso, con la unión y comunión de dos o más rasgos muy diferentes, y ejemplos tenemos varios, especialmente con la llegada del cristianismo y la adaptación de cultos ancestrales a sus normas, como lo que se ve La Tirana o las misas en Isla de Pascua con rituales Rapa Nui. En Carolina IV los elementos clásicos, progresivos, tribales y por supuesto de Heavy Metal encuentran una amalgama sin igual, una obra maestra irrepetible, y nos lleva a tomar un río hacia el cielo cada vez que tenemos la suerte de escucharla. Sólo aportar con un dato que no mucha gente sabe: la sección ultra brasileña en flauta que comienza pasados los 4:18 es una referencia/homenaje a la canción “Bebê”, del compositor y multiinstrumentista brasileño Hermeto Pascoal. Modestamente les sugiero que busquen alguna foto en Google del compositor y es ver al Viejito Pascuero tocando acordeón, es una cosa entrañable.

Pero volvamos al disco. Es claro que Holy Land es una canción que sería prácticamente imposible de incluir en algún otro disco de Heavy Metal de la historia, o que al menos suene armónica y contextualizada. Pero no sólo en este disco cabe perfecto, sino que además el disco se llama así, lo que le da otro brillo y la hace aun más “defendible”. Porque es cierto que no es una canción derechamente de Metal, quizás ni siquiera sea de Rock, pero más allá de las etiquetas, es un tema que probablemente sólo podría haber compuesto Angra, y el sello de identidad de la banda está pocas veces mejor consagrado que en Holy Land. Con su ritmo atrapante, orgullosamente brasileño desde el primer hasta el último segundo –pese a ser cantada en inglés–, a no pocos metaleros fundamentalistas les provoca al menos alguna gana de mover la patita, por último a escondidas para mantener la imagen, no le contemos a nadie, pero seamos sinceros.

Quizás The Shaman no sea tan brillante como los temas de la primera mitad del disco, probablemente sea un poco menos fácil de escuchar que las anteriores, algo menos “oreja”, pero es un tema interesantísimo. Es posible estimar que es la canción más progresiva del disco. Ya los navegantes, luego de su larga travesía para llegar a la tierra santa, se encuentran con un chamán que les da un consejo tan sencillo como contundente: calentar el alma cuando el cuerpo se congele. La parte narrada (extraída del trabajo “Música Popular do Norte Nº 4” de Marcus Pereira) le aporta un aura más misteriosa a un tema con momentos muy altos, especialmente con el trabajo de las voces de Matos interpretando a distintos personajes en el precoro.

Make Believe es un tema realmente bonito, la primera balada del disco, probablemente con menos influjo tribal e indigenista que el resto de este trabajo, pero no por ello menos emotivo. Probablemente una crítica que se le pueda hacer al disco dice relación con el volumen del teclado de Matos en contraposición a las guitarras, apreciación que personalmente considero válida, aunque cuesta imaginarse a “Holy Land” con otro tipo de sonido. Y quizás sea en Make Believe donde ello sea algo más evidente que en resto de las canciones de esta placa. De todas formas el vuelo y la intensidad que va tomando el tema hacia el final no tienen desperdicio, particularmente cuando emergen las guitarras de Kiko y Rafa en plenitud. Ojo con la versión acústica también, que para varios es aun mejor que la original.

Probablemente Z.I.T.O. sea el tema más clásicamente Power de todo el disco. Con su inicio a percusión y teclado que dan un aura de viaje misterioso, nos lleva a un ritmo Power prácticamente incesante. Quizás para algunos los agregados de teclado en los riffs estén un poco de más, pero personalmente me parecen increíbles y precisos. Y qué decir del coro con su “Like a teenager discovery / What’s more delightful than this? / Try to remember how good it was / Feeling the life as it is / To believe!” con las segundas voces apoyando, siguen siendo estremecedoras pese al inexorable paso del tiempo. Ojalá algún día sepamos lo que realmente quiere decir “Z.I.T.O.”, un secreto bien guardado por la banda y respecto del cual han circulado diversas versiones, nunca confirmadas, como que sería la sigla de “Zur Incognita Terra Oceanus” (sigla que parece algo acomodaticia al concepto del disco), o que se refieren al diminutivo de un conocido (cosa que parece más probable tomando en cuenta los diminutivos en portugués, de hecho al exfutbolista Zico le dicen así porque se llama Arthur Antunes Coimbra y de pequeño le decían Arthurzico). Aunque quizás sea mejor que siga siendo un misterio.

Deep Blue no es una balada común. La influencia de la música sacra de hace varios siglos es muy evidente, aunque obviamente modernizada, primero con la voz de Matos y luego con el desarrollo instrumental. Uno realmente puede imaginarse observando la inmensidad del mar, sin más compañía que uno mismo, reflexionando acerca de la vida y pensando como dice el coro: “Waiting for someday when the ocean and sky / will cover up the land in deep blue / Renaissance is over and I wonder: / Should I always be the same once again?”. La influencia sacra se nota muchísimo en el comienzo y sobre todo hacia mediados del tema con los arreglos corales, con esa lentitud y pesadumbre que confirman el aire de espiritualidad reflexiva de esta canción.

La bella balada acústica Lullaby For Lucifer, con la guitarra de Bittencourt y la voz de Matos, junto el sonido de las aves y el mar, en poco más de dos minutos cierra las puertas, con delicadeza y sensibilidad, a un trabajo atrevido, definidor del sonido de la banda e incluso vanguardista. Los créditos no van sólo para los cinco músicos y la producción, sino que además para toda la amplia serie de músicos que colaboraron con instrumentos tan ajenos conceptualmente al Metal como el berimbau, el djembe o el didgeridoo, por sólo nombrar algunos.

Personalmente, conocí a la banda en esos años, cuando su “último” disco era precisamente este, antes de “Fireworks” y por lo mismo antes que vinieran a Chile, lo cual es algo que ayuda a decir que es una placa que ha envejecido muy bien, que como decíamos, desparrama inspiración en prácticamente todas las canciones, y que pese a sus increíblemente múltiples influencias, Angra fue capaz de hacerlas sonar como un todo compacto, hacerle sentir al oyente que todas partes, por diversas que sean, forman parte de un mismo contexto. Un disco maravilloso, alucinante y extremadamente valiente, y que con justos merecimientos es calificado por muchos no sólo como el mejor disco de la banda, sino que uno de las mejores placas del Heavy/Power Metal, al menos de los años ’90. Para disfrutarlo por siempre.

 

 

kiko loureiro

MEGADETH sigue con la promoción de su último trabajo de estudio «Dystopia». Con ese motivo ahora la banda norteamericana lanzó el video clip para el single «Conquer Or Die», el cual muestra todo el talento del nuevo guitarrista de la banda Kiko Loureiro.

El video se puede ver a continuación:

 

 

Megadeth en Chile

Es cierto que es la enésima visita de Megadeth por estas tierras, pero muchos aún no nos aburrimos de verlos tocando. Y es que la banda del «colorado» despierta esa fidelidad incondicional  que hace que cada visita a nuestro país nos deje ese «algo» que muchas veces resulta inexplicable.

Esta vez habría algunas novedades respecto a los shows anteriores. La primera de ellas desde luego era que interpretarían canciones de «Dystopia«, álbum que sin dudas enmendó el rumbo y trajo de vuelta la agresividad y el vértigo que los hizo tan conocidos. Seguido de esto viene quizás lo más interesante de presenciar: una nueva formación, donde tanto uno «de los nuestros» como Kiko Loureiro, como el baterista belga Dirk Verbeuren tenían la misión de ganarse el cariño del público chileno y demostrar que la camiseta no les pesa bajo ninguna circunstancia. Eso sí, antes de esto Saken debía calentar los motores en un Teatro Caupolicán que poco a poco comenzaba a recibir a los metaleros que se agolpaban en las ubicaciones que iban quedando.

SAKEN

Siendo las 19:54 hrs., y ya con unos 2.500 espectadores en el Teatro, se apagan las luces para dar comienzo a la presentación de los compatriotas, que vendrían a defender en vivo su última placa llamada «Dense & Thick» (2015) con la que nuevamente se han ido abriendo paso dentro de la escena nacional. Sin dudas un golpe enérgico para ellos mismos fue la tremenda ovación que se llevaron una vez que sonaron los primeros acordes de una poderosa intro con la que fueron calentando los ánimos antes de interpretar el primer track en sí. Rápidamente arremeten con ese hachazo que es Fuck & Roll, canción que por lo demás desataría el primer mosh pit luego de que el vocalista Carlos Quezada exclamara «Vamos!» incitando a todos a que se unieran a él. En una primera impresión me pareció que el sonido estaba saturado y a un volumen un tanto elevado, pero esto de ninguna forma impidió que Álvaro Font se luciera con cada una de sus intervenciones en las seis cuerdas. Un punto aparte es la base rítmica de André Bravo y Rodrigo Velázquez, que nos sorprendió a todos con un breakdown ejecutado a la perfección durante la parte media.

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La primera revisión a «Hell Within» (1997) vendría con la brutal Nasty Gods. Imposible no destacar el trabajo de pies y sobre el ride de André, quien en las partes instrumentales realiza los cambios de tiempo como si nada, llevándose así todos los aplausos. Por su parte, los más entusiastas del público apoyaban con los típicos «Eh! Eh! Eh!«, mientras que el resto seguía muy de cerca la performance de los santiaguinos. Mismo asunto con MDFK, donde fácilmente presenciamos la mejor interpretación del frontman, que a estas alturas demostraba una confianza absoluta en lo que nos estaban presentando. Una gran postal fue cuando buena parte de la cancha se animó a cantar el estribillo con los puños en alto en repetidas ocasiones.

Mientras de fondo sonaba la bella Into The Garden Of My Evil Dreams, los músicos ya se alistaban para el siguiente tema. La escogida de cara a la segunda mitad del show fue 13 (Man In Black), donde la intro sonó como un verdadero cañón que entre otras cosas sirvió para traer de vuelta el mosh y los saltos descontrolados una vez que Carlos comienza a escupir el primer verso. Por su parte, Álvaro se despachó el solo de guitarra con una soltura envidiable, siempre apoyado por André y Rodrigo, que continuarían arrollando todo a su paso durante XFF (The Circle of the Snake), ya que musicalmente hablando, acá la banda mostró su mejor faceta con un ritmo frenético que no se toma pausas.

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Antes de despedirse, el vocalista da las palabras de agradecimiento correspondientes para luego gritar «Queremos verlos a todos ahora, motherfuckers!«, desatando la locura conforme tocaban la clásica Pieces. A muchos nos llamó la atención como poco a poco construyeron el outro, de tal manera que cuando los instrumentalistas alcanzaron una perfecta sincronía, fueron capaces de hacer temblar el piso del teatro demostrando toda su potencia. De esta forma, a las 20:27 hrs. ponen fin a su presentación donde demostraron con creces que merecían estar sobre el escenario de un concierto de tal magnitud e importancia. Por sobre todo hay que destacar la cohesión entre los músicos y los asistentes ya que estos últimos respondieron de muy buena manera ante la propuesta de los nacionales, viéndose reflejado en las ovaciones cerradas que recibió la agrupación una y otra vez. ¡Bien por Saken!

Setlist de Saken:

  1. Intro
  2. Fuck & Roll (Love Song)
  3. Nasty Gods
  4. MDFK
  5. Into The Garden Of My Evil Dreams
  6. 13 (Man In Black)
  7. XFF (Circle of the Snake)
  8. Pieces

 MEGADETH

¡¿Día martes y el Caupolicán lleno?! En serio lo decimos, desde hace años que no veía tanta gente dentro del recinto de San Diego, situación que no sólo es satisfactoria ya que Megadeth sigue demostrando el poder de convocatoria que tiene, sino que también fue signo de que viviríamos una noche redonda en todos los aspectos posibles, con 4.500 personas que adquirieron todas las entradas del show. El primer aspecto a destacar, desde luego es la gran escenografía que se encontraba armada sobre el escenario. Una especie de colisionador -que contaba con pantallas pequeñas sobre su estructura- tenía la batería ubicada al centro haciéndola mucho más visible. Todo esto acompañado con máquinas de humo que como veríamos, ayudarían a ambientar cada canción. Como si esto fuera poco, todo el aparataje estaba coronado con una gran pantalla central en lo alto del teatro, dando cuenta de la calidad visual a la que nos enfrentaríamos.

Mientras aguardábamos el inicio del show, no deja de sorprender el amplio rango etario que había entre la audiencia. Gente de todas las edades observaba a modo de entretención cómo algunos se pasaban desde la platea hacia la cancha. Si bien todos lo lograron con éxito, los más desafortunados sufrían una estrepitosa caída entre la gente que se encontraba más próxima a los palcos.
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Tras mirar el reloj repetidas veces, finalmente a las 21:07 hrs. se apagan las luces y se produce esa estrepitosa reacción con la que aumenta la adrenalina y la ansiedad por que los músicos salga a escena. Mientras escuchamos Prince of Darkness de fondo, es justamente cuando en las pantallas aparecen las clásicas grúas que van formando el logo de la banda pieza por pieza, aumentando cada vez más la tensión de cara a lo que se vendría. Rápidamente se deja ver el recién ingresado Dirk Verbeuren, quien enérgicamente saluda a los presentes para luego pegar un par de platillazos y hacer que el resto de los músicos salgan a escena arremetiendo con el clásico incombustible llamado Hangar 18. ¿Qué se puede mencionar que no se haya nombrado antes? Unos cuantos acordes y Megadeth ya tenía a todo el público en el bolsillo. Tal vez solo resta mencionar las imágenes conspiracionistas relacionadas a la ufología que se proyectaban en cada una de las pantallas. O que en esta oportunidad la atención para varios de nosotros estaba puesta sobre Kiko Loureiro, ya que esta era su primera «prueba de fuego» y debía demostrar que estaba ahí para dar cátedra en cada uno de los solos de esta canción. ¡Y vaya que cumplió! Si bien quienes seguimos a Kiko desde Angra y lo hemos visto en vivo varias veces conocemos de sobra sus capacidades, siempre está presente cierta incertidumbre, puesto que ahora se encontraba tocando con una banda de las ligas mayores del Metal mundial.

Dejando de lado esto último, es notable como cada uno de los asistentes sabe qué hacer en cada momento del tema. Me explico: hay partes donde todos cantan las estrofas, luego debes corear la melodía de las guitarras y otras en las que hay que saltar con los cambios de tiempo de la batería. Está también la parte de los solos, donde luego de cada redoble todos gritan al unísono «ME-GA-DETH!» como si de eso dependiera su vida. ¡Qué temazo señores! Debo decir además que si alguno esperaba otro corte para empezar el concierto, déjeme decirle que pecó de ingenuo, ya que es de conocimiento público que el «colorado» tiene sus caballos de batalla y en esto no transa ni por un segundo.

La primera revisión a «Dystopia» vendría de la mano del opening track del álbum. The Threat Is Real partió con el líder y frontman solo en escena tocando el riff inicial para que luego se le una el resto de la banda. Pero vamos por parte. Dirk destacó de sobremanera tocando como un reloj de principio a fin. David Ellefson y Kiko apoyando continuamente las segundas voces en los coros y finalmente Mustaine que es un show en sí mismo. Buenos solos, la sección de cuerdas robándose las miradas al centro del escenario, y nosotros a su vez atentos a cada detalle. El resultado no es otro que una cohesión impresionante de esta nueva alineación. Destacable a su vez es lo que sucedía tras escena, ya que veíamos como Vic Rattlehead era perseguido por la policía a través del mundo descrito en el concepto del LP.

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Llega la primera interacción entre Dave y la audiencia con un «Good evening!» que fue respondido por todos inmediatamente. Las correspondientes palabras de agradecimiento y nos adelanta que el próximo corte está dedicado al difunto baterista Nick Menza. De esta forma presenta la infaltable Tornado of Souls, que dicho sea de paso, mostró a un Mustaine que en su rostro no podía ocultar la felicidad en relación a la respuesta de los presentes. Tanto así que nos incitó a cantar el coro en ambas ocasiones. Y sus deseos son órdenes, puesto que no había nadie que no se supiera el «But now I’m safe in the eye of the tornado / I can’t replace the lies, that let a 1000 days go…». Por otro lado y como es costumbre, siempre va creciendo la expectación sobre cómo será ejecutado el solo de guitarra. Es la marca registrada y los fanáticos somos exigentes en este aspecto. Espero entonces no ser el único que piense esto, pero me parece que Kiko dio la impresión de que estaba en el living de su casa. ¡Lo tocó como si nada! Y si la memoria no me falla, creo que le puso algo de su cosecha por un par de segundos dándole un toque más personalizado. Por último, mención especial para los dos mosh pits en la parte posterior de la cancha que no cesaron en ningún momento. Gran, gran momento.

Cuando revisamos «Dystopia» hace algunos meses, hicimos hincapié en lo compleja e interesante que resultaba ser Poisonous Shadows. Por tanto, en base a lo ya demostrado en los tracks anteriores, no esperaba menos respecto a su ejecución en vivo. Tras la intro acústica, la banda simplemente dio clase sobre cómo llevar una pieza musical de esta naturaleza. En tanto, los juegos de luces pasaron a ser más sobrios y sin tanta parafernalia, respondiendo solamente a los cambios de la canción. Si bien bajó un poco las revoluciones, pronto entenderíamos la función que cumpliría dentro del setlist. Digo esto porque seamos sinceros, ¿cuántos se imaginaban que lo siguiente sería Rattlehead? La mezcla de sorpresa y euforia no se dejó esperar y es totalmente entendible. Cuantas veces nos decíamos a nosotros mismos «Ojalá toquen algo del Killing» y de la nada Megadeth arremete con esto. Recapitulemos cómo fue. La banda abandona el escenario y a los pocos segundos vuelve Mustaine saludando a lo largo de todo el plató a los que estaban más próximos a la reja. Tras los «Olé Olé Olé, Mustaine, Mustaine» recibe una bandera que con mucho cuidado la coloca sobre el atril de su micrófono. Es entonces cuando nuevamente da las gracias y nos desafía diciendo «les comenté que íbamos a tocar algunas cosas antiguas… a ver si la reconocen«. Así, de la nada comienza con el riff para luego exclamar «Well, here I come!». Listo. Un descontrol total en todo el recinto, que tuvo su clímax durante el «You, your head, is pounding with pain / You shake loose parts of your brain». Punto aparte fueron las viñetas de cómics que mostraban bocetos de Vic para darle un toque vintage al asunto. ¡El público chileno la merecía!

Y si lo anterior fue descontrol, lo que siguió fue caos con todas sus letras. Wake Up Dead es otra infaltable y fue recibida como tal. Al igual que con Hangar 18, acá prácticamente nos encontramos con una coreografía de parte de los presentes. Cánticos, headbanging saltos y el respectivo mosh. Todos los saben y no dudan en ponerlo en práctica. Como es costumbre, el outro es conectado con In My Darkest Hour. Y acá me quiero detener un segundo. Sin exagerar, TODOS cantaron la letra de principio a fin. El Caupolicán se convertía en un karaoke donde cada uno iba poniendo lo mejor de sí en su interpretación. Digo esto porque no es una canción para andarla coreando feliz de la vida, sino más bien es una especie de catarsis colectiva plasmada en cada verso y en cada gesticulación de Mustaine. No puedo dejar de mencionar como durante el «I walk, I walk alone into the promised land / There’s a better place for me but it’s far, far away…» casi la totalidad de la cancha se separó dejando un gran espacio al centro cual wall of death, para posteriormente desatar un mosh descomunal que fue acompañado con una bengala proveniente desde la platea. Por esto digo derechamente que aquí vivimos el mejor momento de la jornada.

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Continuaríamos con la dupla compuesta por Conquer or Die y Fatal Illusion, ambas extraídas de «Dystopia». La primera al ser una pieza instrumental, dio paso a que toda la banda se luciera y demostrara sus atributos. Sabiendo que durante toda la canción el protagonista es Loureiro, Ellefson y Mustaine supieron restarse y pasar a segundo plano para que el músico brasileño hiciera de las suyas al frente del escenario. La segunda en tanto trajo de vuelta la agresividad una vez que se rompe la calma gracias a la intervención del bajo. Para destacar también es como los mencionados David y Dave cantan a dúo algunos versos de gran manera. Un aspecto que salió a la luz durante ambos temas, es el hecho de que dentro de la sección de cuerdas, Kiko pone esa pizca de espontaneidad y carisma que quizás al resto le cueste más. No me malentiendan, es cierto que todos son cercanos al público chileno y siempre muestran su gratitud, pero él lo lleva en sus venas y simplemente es el que más irradia felicidad produciendo un matiz necesario y más que interesante.

Nuevamente el frontman queda solo dirigiéndose a la audiencia y nos pregunta «Are you feeling good?!«. Ante la obvia respuesta dice que es momento de tocar algo del «Cryptic Writings» (1997) y nos asegura que el siguiente track hace alusión a una antigua polola de un amigo muy cercano, que era una «hooker«. Fue entonces cuando varios supimos que se refería a She-Wolf. Rápidamente comienzan a proyectarse imágenes frenéticas de un lobo a medida que la canción avanzaba, llegando al punto cúlmine en ese estribillo que es imposible no corearlo enérgicamente. Hacia el final, no queda otra cosa que resaltar lo bien que sonó la armonía de guitarras y lo bien que se mostró Dirk en cada uno de los pasajes.

Es entonces momento de que Mr. Ellefson se tome el escenario con Dawn Patrol. Quizás para muchos pasó desapercibido, pero debido al accidente que sufrió hace poco en una de sus piernas, el bajista debió utilizar una bota ortopédica que a su vez le ayudaba a desplazarse con más facilidad. También contaba con soportes cerca de su micrófono que permitían apoyar el pie para descansar de vez en cuando. Prácticamente no se notó ya que su performance no se vio opacada en ningún instante. Volviendo al tema, como todos sabemos esta es la señal inequívoca de que volverá el caos al centro de la cancha de la mano de Poison Was The Cure. Dicho y hecho, ya que una vez que toda la banda desata su poder, vuelve el mosh acompañado por otra bengala desde el mismo sector de la platea. Eso sí, nadie se queda sin gritar «Taste me!» acercándonos al final.

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Sweating Bullets sería la primera revisión al «Countdown to Extinction» (1992). Mustaine la presentó como la canción de alguien que está «loco» (lo dijo en español), y como era de esperarse, el Colorado dejó que cantáramos el primer verso para luego unirse él en el coro. Todos saltando y esperando el momento justo para levantar el puño y cantar el «… i’m chomping at the bit and my palms are getting wet / Sweating bullets!«. Mientras tanto, a través de las pantallas viajábamos por el mismo manicomio que se aprecia en el videoclip de la canción. Ojo que este aspecto es más que plausible, ya que visualmente el show fue completísimo. Está la banda, están las máquinas de humo, están las proyecciones y está la escenografía. No había forma de aburrirse o de encontrar alguna monotonía, ya que todo estaba planeado al detalle. Y bueno, siguiendo con los clásicos, qué mejor que À Tout Le Monde. Una vez que escuchamos las primeras notas de la intro, Dave nos anima a que cantemos con él. Cómo no hacerlo si es de esas canciones en las que a varios les entra una basurita al ojo. Nuevamente el teatro parecía ser una sola voz, más aún durante el sing along, donde todos acompañamos con aplausos mientras cantamos el estribillo como ya lo hemos hecho tantas veces. ¡Otra postal para el recuerdo!

Llega el turno de que Dirk sea el centro de atención absoluto y cumplió con creces al dar inicio a Trust. Todo acompañado con un excelente juego de luces a medida que iba golpeando su batería. Pronto se le une David y en un segundo ya estaba toda la cancha saltando y coreando el riff a todo pulmón. ¿Se dieron cuenta si alguno de los asistentes no se sabía el coro? Sé que puede sonar redundante, pero simplemente no puedo dejar de mencionarlo ya que la complicidad a estas alturas resultaba conmovedora. Un hecho no menor es que Kiko fue el encargado de secundar los coros, labor que históricamente le ha tocado a Ellefson. Sin dudas un cambio que logra renovar su ejecución en vivo.

Antes de escuchar el último par rescatado del último álbum, Dave hizo un gran gesto al acercarse a la reja para tomar todas las banderas que allí se encontraban para luego colgarlas sobre los atriles de los micrófonos de sus compañeros. Pasamos así a deleitarnos con Post American World donde el doble bombo parecía destruir todo a su paso. Al igual que su versión en estudio, los solos tocados entre cada estrofa la hacen bastante entretenida de ver y escuchar. De la misma forma es notable como después del interludio acústico va subiendo la tensión hasta que todo explota en una parte instrumental que sonó como un cañón. Súbitamente pasamos al title track Dystopia, del cual en primera instancia debo decir que esperaba que fuera recibida de mejor forma. Quiero pensar que muchos estaban atentos a las pantallas que mostraban como seguía la cacería por Vic, esta vez a través de una carretera próxima a la ciudad en la que estábamos situados. Luego vimos como cada uno de los integrantes cumplía una función específica para lanzar un misil hacia la mascota de la banda. Todo esto sucedía mientras la composición era interpretada de gran forma vocalmente hablando, más unas segundas voces muy bien logradas. Personalmente, una de mis favoritas del LP que mereció mucho más.

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Ya acercándonos al final de la velada, llegaba el momento de hacer retumbar todo el Caupolicán. En lo alto se leía «… For the people» y ya sabíamos lo que vendría. Sí, me refiero precisamente a Symphony of Destruction. Digan lo que digan, es imposible no contagiarse con el «Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth«, es efectivo y es una inyección a la vena para aquellos que pudieran estar cansados. Siempre me ha llamado la atención lo bien que funciona la pausa que hacen durante los versos «A warring for the heaves / A peaceful man stands tall«. En base a esto, probablemente en este punto presenciamos la mejor interpretación de Mustaine en toda la noche. Y no es algo menor, ya que el líder se mostró bastante sólido en cada una de sus líneas durante toda la noche.

«Última canción y nos despedimos«. No, mentira. Todos sabemos que esto nunca es así, pero siempre hay que disfrutar como si fuera cierto. Bombo marcando, aplausos para acompañar y Ellefson comienza con la intro de Peace Sells. Aparecen las imágenes relacionadas al dólar, al New World Order, y obviamente, a la paz mundial. Toda la banda nos incita a cantar el estribillo lo más fuerte posible y respondemos de gran forma a esta petición. De aquí en adelante entramos a territorios conocidos. Aparece el Vic Rattlehead humano y una vez que se pregunta «Can you put a price on peace?» el caos en la cancha es cosa de segundos. 22:38 hrs. y la banda se despedía en lo que sería el único encore programado.

Mientras lo más precipitados ya empezaban a pedir Holy Wars, los gritos de «Megadeth! Megadeth! Megadeth!» se fueron haciendo cada vez más ensordecedores una vez que Dave volvió a escena. Diciendo lo mucho ama nuestro país, nuevamente nos desafía al decir que el siguiente concierto de la gira será en Argentina y hay que asegurarse de que nos escuchen desde acá. Obviamente los abucheos y pifias bajaron de inmediato y pronto se dejaron escuchar algunos «C-H-I» y un cántico de «Chile campeón, Chile campeón, Chile campeón«. Pasado el momento cliché, apenas nos anuncia que el último track de la jornada es Holy Wars… The Punishment Due, cada uno de los presentes se encargó de poner las últimas fuerzas que iban quedando para finalizar una jornada épica lo más alto posible. Destacable fue la proyección de retratos de varios líderes mundiales conforme avanzaba la letra de la canción, mientras toda la cancha giraba sin parar. Como siempre, terminado el solo de guitarra, Mustaine suele presentar a cada uno de los músicos, donde la ovación fue cerrada para cada uno de ellos. Luego suele exagerar su gesticulación durante la última estrofa como solo él sabe hacerlo. Así, a las 22:51 hrs. comienzan a despedirse definitivamente ante un público que lo dio todo y que demostró porque es una de las mejores audiencias dentro del Metal. El frontman nos asegura que volverán pronto y cierra la noche con el clásico «You’ve been great, we’ve been Megadeth, good night!«.

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Todo está dicho prácticamente. Kiko Loureiro y Dirk Verbeuren dieron la impresión de llevar años en la banda, mientras que David Ellefson y Dave Mustaine siguen siendo esa institución a prueba de balas que está al frente de una de las agrupaciones más queridas en nuestro país. Personalmente, no caben dudas que ha sido el mejor show desde la noche épica del año 2012 en la que escuchamos «Countdown to Extinction» en su totalidad.

Un punto que siempre puede generar discordia sin dudas es el setlist escogido. Es cierto que la base es prácticamente la misma que han venido tocando hace algunos años, pero admitamos que estando dentro del show, poco y nada importa este aspecto, ya que la entrega es total de parte de ambas partes. Los buenos discos se defienden en vivo y prueba de ello fue lo ocurrido la noche del martes. Un sonido realmente impecable, la selección justa de canciones de su último trabajo y los clásicos que todos queremos escuchar. Señoras y señores, ¡Megadeth lo hizo de nuevo!

Setlist de Megadeth:

1. Hangar 18
2. The Threat Is Real
3. Tornado of Souls
4. Poisonous Shadows
5. Rattlehead
6. Wake Up Dead
7. In My Darkest Hour
8. Conquer or Die
9. Fatal Illusion
10. She-Wolf
11. Dawn Patrol
12. Poison Was The Cure
13. Sweating Bullets
14. A Tout Le Monde
15. Trust
16. Post American World
17. Dystopia
18. Symphony of Destruction
19. Peace Sells
Encore
20. Holy Wars…The Punishment Due

GALERÍA

Megadeth

Es cierto que Megadeth ha venido bastantes veces a Chile. Quienes ya peinan algunas canas podrán recordar sus primeras visitas de fines de los ’90, o ya pasando a la década pasada el inolvidable show en el Court Central del Estadio Nacional –para varios ese fue su primer show–, o además formando partes de carteles de festivales como el Maquinaria 2011 o como banda invitada del increíble show de Black Sabbath en el Estadio Monumental.

Pero esta nueva visita de Megadeth tiene algo diferente, y que a diferencia de muchas bandas de trayectorias análogas, tiene que ver con el presente de la banda.

Probablemente “Dystopia” sea el mejor trabajo de Megadeth en muchísimo tiempo. Quizás “Endgame” (2009) se le pueda acercar en cuanto a su nivel de inspiración, pero más a cuentagotas y sin el nivel de consistencia que definitivamente muestra el último trabajo de los muchachos de Mustaine, una verdadera joyita, tan sólida como quizás inesperada considerando la inestabilidad y poco apacible vida interna que muchas veces ha demostrado Megadeth, y sus algo erráticos trabajos precedentes.

Y en el corte y confección del disco sin ninguna duda hay un factor importante, que dice relación por supuesto con sus ejecutantes. Y para nosotros es lógico centrar ello en Kiko Loureiro, a quien es inevitable sentir como “uno de los nuestros”, tanto a nivel de cercanía geográfica como de influencias musicales. Que un tipo salido del “riñón” del Power Metal, de una banda no sólo tan trascendente a nivel mundial como Angra –y además representativa de una tierra cercana–, no sólo haya llegado como refuerzo a Megadeth, sino que sea factor trascendente en refrescar y derechamente revivir a un “tanque” de la música mundial, es motivo de orgullo más allá de la música.

Pero ese buen presente sin dudas debe ser ratificado en vivo, que es donde se ven los gallos. Es cierto que la voz del colorado californiano no es la misma de antes, pero en estudio, este Megadeth versión 2016 se nota una banda fresca, inspirada y con ganas de seguir siendo referencia, no sólo por su glorioso pasado –que por cierto, también será revisado y nunca serán suficientes veces para vibrar con Holy Wars o con Hangar 18–, sino que fundamentalmente por un presente alentador. Y hay que verlos. Perderse a Megadeth con Kiko en Chile definitivamente no es opción.

DARÍO SANHUEZA DE LA CRUZ

Últimas entradas para Megadeth en Chile por Ticketek: http://goo.gl/x6kTxU

Megadeth

Cuando se confirmó a Kiko Loureiro como guitarrista de Megadeth, se generó en varios un sentimiento de alegría que fue creciendo a medida que se iban dando a conocer los pormenores de «Dystopia», esta nueva placa. Para muchos fanáticos del Power Metal -más allá de que haya dejado de lado sus funciones en Angra– la sensación de que «uno de los nuestros» llegaba a una banda de tal importancia, creó una gran expectativa en cuanto al desempeño que tendría el músico brasileño. Por otro lado, para los que no estaban tan familiarizados con su trabajo, la situación generaba al menos bastante curiosidad.

Ahora bien, siendo Megadeth una de mis bandas favoritas, sentía cierto temor en lo que Dave Mustaine tenía para ofrecernos. A modo muy personal, considero que su último álbum rescatable fue «The System Has Failed» (2004), lo que sumado al incierto presente de los norteamericanos tras la salida de Chris Broderick y Shawn Drover, bajo ninguna perspectiva la tarea parecía fácil.

Pero tras la tormenta viene la calma, y una vez abierto el mercado de pases, Chris Adler (Lamb of God) y el ya mencionado Kiko Loureiro llegaban a poner las cosas en su lugar, respaldados absolutamente con el talento mostrado a través de los años en sus bandas natales. De todas formas, historia archiconocida bajo el mandato del «colorado». Veamos que nos propone este «Dystopia».

The Threat Is Real parte de inmediato con un riff agresivo y vertiginoso, con el cual es imposible no recordar los mejores tiempos de la agrupación. Prontamente se suman los demás instrumentos, brindando una especie de midtempo para que Mustaine escupa los primeros versos con su tono y temáticas características. Es imposible no destacar las intervenciones de las guitarras al final de cada estrofa de la canción, consiguiendo excelentes matices conforme avanzan los minutos. Por último, Chris Adler sin ser protagonista cumple su función llevando muy bien todo el tema. Sin dudas es un gran comienzo para el álbum.

Dystopia nos presenta toda una declaración de principios. Es cierto que existe una gran semejanza con Hangar 18, más aún terminada la intro, donde el «colorado» se despacha unas frases incisivas con una excelente melodía, coronada con el estribillo que simplemente exclama «Dystopia!«. Pasada la parte media, se produce un quiebre donde nos brindan una sección instrumental más que destacable. Al igual que su predecesora, Fatal Illusion da cuenta de lo bien que suena la banda en su conjunto. La calma de los primeros segundos se rompe con el bajo de David Ellefson, para luego mantener un ritmo aplastante donde Chris muestra su excelente trabajo con los pies. Como ya es una tónica en este disco, los solos de ambos guitarristas son de excelente factura.

Death From Within probablemente es el track más pesado de todo el disco. Imposible no hacer headbanging para acompañar el tiempo muy bien marcado por la batería. Luego pasamos a un coro muy bien logrado que está hecho para ser cantado en vivo junto a una gran audiencia. «On the march, no place to run / Time has come, nowhere to hide…» exclama Dave con una rabia a flor de piel que te incita a levantar el puño.

A un ritmo marcial se le suma un guitarreo acústico para marcar el inicio de Bullet to the Brain. Esta vez una atmósfera un poco más oscura nuevamente da paso a un entretenido estribillo, donde las guitarras explotan para darle más fuerza al tema. Todo muy bien acompañado por Ellefson y Adler, que aquí particularmente hacen un excelente trabajo realizando los cambios necesarios para que la canción varíe en los momentos indicados.

Post American World y Poisonous Shadows son las primeras en contar con Kiko Loureiro en los créditos. La primera lamentablemente suena algo monótona y repetitiva. Digo esto porque al final del día pienso que la gran performance vocal de Mustaine se podría haber aprovechado de mejor manera. Canta con los «dientes apretados» cada una de las palabras que pronuncia, dándole gran intensidad a su interpretación. Por otro lado, es de destacar el quiebre acústico que da paso a otro solo de marca registrada. La segunda es un corte donde la banda explora distintos pasajes en donde realmente se nota la mano de Loureiro, que literalmente «las hace todas». Uno de los tracks más complejos, donde hay arreglos orquestales, secciones de piano y guitarras acústicas. Digno de escuchar con suma atención.

Imposible no recordar Sweating Bullets con el fraseo inicial de Look Who’s Talking. Por suerte eso es solo al comienzo ya que prontamente la canción toma rumbos propios y se vuelve un temazo de aquellos. Cambios de tiempo, buen coro y letra, excelente el acompañamiento de las guitarras durante cada estrofa, impecable instrumentalmente y así podría seguir enumerando sus virtudes. Personalmente, mi favorita dentro del disco.

Loureiro vuelve a las composiciones en Conquer or Die, una pieza instrumental que sin brillar en demasía permite que toda la banda se luzca para afrontar la parte final del álbum, puesto que se conecta de manera perfecta con Lying In State. Siendo una de las menos extensas, está llena de fuerza y agresividad desatada con una banda que suena como cañón. A diferencia de algunos de los temas escuchados anteriormente, la clave acá es dejar de lado algunas pretensiones y simplemente hacer thrash a la vieja usanza.

The Emperor se basa en un riff y ritmo mucho más simple y «oreja», si se le quiere llamar de alguna forma. Incluso por momentos logra rescatar algunos elementos del Punk, sobre todo en el sonido algo más crudo ocupado en las guitarras. El coro es totalmente efectivo ya que rápidamente te queda dando vuelta en la cabeza el «You look so perfect, perfect, the emperor has no clothes / So bloody perfect, perfect, the emperor has no clothes». Es la canción que más se aleja de la idea principal de «Dystopia», pero no por eso deja de ser una composición más que entretenida.

Last Dying Wish es uno de esos temas con los que Megadeth se va a la segura. Dave «canta» la mayor parte de la letra con una voz de anunciador (similar a la utilizada en Headcrusher) para dar paso a otro estribillo muy pegajoso. Lo demás es dar paso a secciones instrumentales que no aburren por ni un segundo. Por último, un cover a Fear pone término al decimoquinto álbum de los americanos. Foreign Policy plasma el concepto general de este trabajo en una versión que no se guardó absolutamente nada como ending track.

Tras un panorama que parecía totalmente adverso, la sensación es plenamente satisfactoria. A los que se sintieron decepcionados tras «Super Collider», les aseguro que esta placa enmienda el rumbo que parecía perdido. Para mí, lo que hace brillar a este LP por sobre cualquier aspecto, es el avasallador sonido de las guitarras. La escuela clásica implantada hace décadas, sumada a la nueva perspectiva que provee Kiko terminan por crear un huracán de fondo que no se toma pausas. Por otro lado, Chris Adler sin hacer un gran disco, suena bastante sólido y aprueba sin problemas. Y un punto que no se puede dejar de lado es la voz de Mustaine, quien realiza un trabajo plausible dentro de lo que permiten sus capacidades, claro está. Las líricas conspirativas y paranoicas no se hacen esperar y por momentos sorprende con su interpretación.

Megadeth sin duda necesitaba nuevos aires y el factor Loureiro/Adler vaya que funcionó a la perfección.

 

Megadeth en Chile | 2 de agosto 2016 | Teatro Caupolicán

En el marco del «Dystopia World Tour» llegará MEGADETH al Teatro Caupolicán el próximo 2 de agosto con su renovada formación, a la que además de los legendarios Dave Mustaine y David Ellefson, se suman Chris Adler y Kiko Loureiro.

Las entradas para el show saldrán a la venta este viernes 5 de febrero, desde las 10:00 horas, a través de Ticketek, tiendas Falabella y Cines Hoyts. Sin recargo podrás encontrarlas en The Knife, Rockmusic (Eurocentro) y Kmuzzik (Interprovidencia)

Los precios son:

Platea Alta: $25.000
Platea Baja: $30.000
Cancha: $35.000
Palco de Pie: $45.000

 

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En una entrevista reciente con Revolver, el líder de MEGADETH Dave Mustaine dijo que siente que la versión actual de MEGADETH tiene el mejor lineup en la historia de la banda.

«Ellefson me decía el otro día ‘esta es la mejor la banda en la que hemos tocado juntos, y con la que nos hemos llevado mejor’. Y estaba pensando en ello, hemos tenido alineaciones donde todos hemos sido muy amable con los demás, y luego hubo otros momentos en los que teníamos gente super, super talentosa, pero con los que no podíamos congeniar. Pero Kiko tiene todo lo que Marty Friedman y Chris Poland tenía, todo en uno, y es muy, muy agradable estar con él. Y ojalá pudiéramos clonar a Adler para que podamos contar con él y que LAMB OF GOD también pudiera. Navidad llegó temprano para mí» comentó Mustaine.

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La nueva formación de MEGADETH, integrada por Dave Mustaine, David Ellefson, Kiko Loureiro y Chris Adler, estrenó el primer videoclip de su próximo álbum «Dystopia», que saldrá al mercado el 22 enero.

El tracklist del disco es:

01. The Threat Is Real
02. Dystopia
03. Fatal Illusion
04. Death From Within
05. Bullet To the Brain
06. Post American World
07. Poisonous Shadows
08. Look Who’s Talking
09. Conquer Or Die
10. Lying In State
11. The Emperor
12. Last Dying Wish
13. Foreign Policy

Mira aquí el video de «The Threat Is Real», el primero animado en la historia del grupo:

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«Fatal Illusion» se titula el primer single de MEGADETH con nueva formación, que además de los legendarios Dave Mustaine y David Ellefson, incluye a Kiko Loureiro en guitarra y Chris Adler en batería. El álbum llevará como título «Dystopia» y saldrá al mercado el 22 enero del 2016.

El tracklist será:

01. The Threat Is Real
02. Dystopia
03. Fatal Illusion
04. Death From Within
05. Bullet To the Brain
06. Post American World
07. Poisonous Shadows
08. Look Who’s Talking
09. Conquer Or Die
10. Lying In State
11. The Emperor
12. Last Dying Wish
13. Foreign Policy

Escucha la canción «Fatal Illusion» aquí:

Megadeth - Dystopia

Megadeth reloj

MEGADETH ha colocado en su sitio oficial un reloj en cuenta regresiva que al llegar a cero, el 16 de Octubre, revelará el primer single de la nueva formación de la banda americana, con el guitarrista de ANGRA Kiko Loureiro y el baterista de LAMB OF GOD Chris Adler. La canción lleva el nombre de «Fatal Illusion» y será el primer adelanto del quinceavo disco de MEGADETH, el que se espera salga al mercado en los primeros meses del próximo año.

El tracklist del nuevo trabajo de MEGADETH, que aún no tiene nombre, es:

“Death From Within”
“Fatal Illusion”
“Conquer… Or Die!”
“Lying In State”
“Me Hate You”
“The Emperor’s New Clothes”
“Dystopia”
“Bullet To The Brain”
“Last Dying Wish”
“Post American World”
“Look Who’s Talking”
“The Threat Is Real”
“Poisonous Shadows”
“Melt The Ice Away” (Budgie cover)
“Foreign Policy” (Fear cover)

megadeth

Marcelo Barbosa

Los brasileños ANGRA revelaron el nombre del guitarrista que reemplazará a Kiko Loureiro en los shows que este no pueda hacer por sus compromisos con MEGADETH. El elegido por la banda es Marcelo Barbosa, conocido por ser miembro fundador de ALMAH, además de ser el dueño de GTR, la más grande escuela de música de Brasilia, y columnista de varias revistas especializadas de guitarra como Guitar Class y Guitar Player.

Rafael Bittencourt

En una entrevista para el medio brasileño Ligadoamusica.com, el guitarrista de ANGRA Rafael Bittencourt aclaró que sin Kiko Loureiro no hay ANGRA:

«Kiko sigue siendo el guitarrista de ANGRA. Pero con los compromisos de su agenda con MEGADETH, puede que tengamos que reemplazarlo un tiempo. Pero no de forma permanente. No tengo planes de seguir en grandes proyectos con ANGRA sin Kiko. Pero vamos a tener que tener un reemplazo para cuando él no pueda estar»

 

Angra

Hace unos días, el guitarrista de ANGRA Kiko Loureiro comentaba que era probable que la banda brasileña tuviera que buscar un reemplazante para él ahora que es parte de MEGADETH debido al esfuerzo físico que esto conlleva. Ahora, en una entrevista para Revolver Magazine, el otro guitarrista de la banda Rafael Bittencourt reveló que es muy posible que empiecen pronto la busqueda del que tomará el espacio de Kiko:

«Como hermano y amigo, estamos orgullosos de él. Pienso que ha trabajado su camino a algo más grande desde un principio, y se lo merece. Se lo ha ganado por su tremendo esfuerzo. En este momento, él está logrando finalizar el tour mundial de ‘Secret Garden’ con nosotros, junto con su primer tour con MEGADETH. Pero pronto, eso ya no será posible, así que tomará a MEGADETH como prioridad, y lo más probable es que se vuelva su única banda. Así que, ya que pronto no podremos contar con él, la solución será encontrar un sustituto»

Kiko Loureiro llegó a MEGADETH junto con Chris Adler de LAMB OF GOD hace poco para reemplazar a Chris Broderick y Shawn Drover quienes partieron para formar ACT OF DEFIANCE.

Kiko Loureiro

En una entrevista reciente para una programa de radio brasileño, el actual guitarrista de MEGADETH y miembro fundador de ANGRA Kiko Loureiro confesó que podría alejarse por un tiempo de la agrupación brasileña.

«Sobre ANGRA, lo vamos a intentar, pero probablemente voy tener que parar por un tiempo. No hemos tomado ninguna decisión pero en algún momento tendremos que hacerlo, si es que llego a colapsar físicamente. Siento el apoyo de la banda y ellos están bien. Y eso bueno, porque si estuvieran mal, habría un espacio que llenar. Pero están bien, son sólidos, lo cual permite busca un reemplazante, pero es algo que aún no decidimos, en este momento quizás es hablar más de lo que puede ser»

Kiko Loureiro, actualmente parte de MEGADETH, se encuentra con su nueva banda grabando un nuevo disco de estudio que debería estar ya disponible antes de fin de año.

Megadeth

MEGADETH terminó recientemente de grabar su 15avo disco de estudio y ya prepara su lanzamiento para fines de este año o comienzos del otro.

Este será el estreno de la nueva formación, que incluye a Kiko Loureiro de ANGRA en guitarras y a Chris Adler de LAMB OF GOD en baterías. Las mezclas del disco corrieron por cuenta de Josh Wilbur, quien ha trabajado antes con LAMB OF GOD, ALL THAT REMAINS y GOJIRA. La producción, en cambio, ha sido obra del mismo Dave Mustaine en conjunto con Toby Wright (ALICE IN CHAINS, KORN).

El tracklist del trabajo, aún sin nombre, es:

01. Death From Within
02. Fatal Illusion
03. Conquer… Or Die!
04. Lying In State
05. Me Hate You
06. The Emperor’s New Clothes
07. Dystopia
08. Bullet To The Brain
09. Last Dying Wish
10. Post American World
11. Look Who’s Talking
12. The Threat Is Real
13. Poisonous Shadows
14. Melt The Ice Away (BUDGIE cover)
15. Foreign Policy (FEAR cover)