Entradas

Arjen Lucassen reveló al primer guitarrista invitado a «Transitus», el nuevo trabajo de AYREON que se lanzará este mismo año. El elegido es el legendario Joe Satriani y Lucassen lo presentó en sus RRSS de la siguiente forma:

«El guitarrista es… ¡Steve Petrucciani! En serio… Estoy muy orgulloso de decirles que el único e inigualable Joe Satriani tocó este salvaje y loco solo en mi nuevo álbum! Y realmente disfrutó haciéndolo, me siento tan honrado…»

 

Satriani se suma a los ya confirmados Amanda Somerville, Paul Manzi de THE SWEET, Tommy Karevik de KAMELOT, Cammie Gilbert de OCEANS OF SLUMBER, Michael Mills y Tom Baker, actor de Dr. Who.

Arjen Lucassen confirmó que Amanda Somerville será parte de «Transitus», el nuevo trabajo de la Metal Opera AYREON.

Somerville se suma a los ya confirmados Tommy Karevik de KAMELOT, Cammie Gilbert de OCEANS OF SLUMBER, Michael Mills y el actor Tom Baker de Dr. Who.

Pueden ver el video de presentación de Amanda a continuación:

 

Arjen Lucassen empezó a revelar los invitados al nuevo disco de AYREON titulado «Transitus». Los primeros confirmados son Tommy Karevik de KAMELOT y SEVENTH WONDER, Cammie Gilbert de OCEANS OF SLUMBER, Michael Mills de TOEHIDER y el actor Tom Baker, conocido mundialmente por haber interpretado a Dr Who.

Les dejamos los videos de presentación:

 

 

El compositor holandés Arjen Lucassen acaba de confirmar que, tras 3 años de trabajo, ya está en el proceso final del nuevo album de AYREON. El título de la obra será «Transitus» y se espera su lanzamiento para este mismo año.

«Estoy feliz de anunciar que mi nuevo álbum será… ¡un AYREON! El título es ‘Transitus’. Pronto habrá muchos más juegos de adivinanzas, que empiecen las especulaciones»

 

Pocos discos han sido tan largamente anunciados y generado tanta expectación en la historia del Power Metal como “Legacy of the Dark Lands”, la obra orquestal de Blind Guardian que remonta sus inicios al ya lejano 1996. En Noviembre de este año, bajo el nombre de Blind Guardian Twilight Orchestra, los teutones lanzaron al mercado su primer álbum 100% orquestal, fruto de 22 años de trabajo entre Hansi Kürsch y Andre Oblrich, autores intelectuales de esta obra.

No obstante lo demandante que fue este lanzamiento para Hansi y compañía, el proyecto orquestal es solo una de las cosas que ha mantenido ocupado al líder de Blind Guardian por estos tiempos. La reciente gira mundial con Demons & Wizards y el próximo lanzamiento de su nuevo álbum “III”, además de las grabaciones del nuevo disco de los Bardos han hecho de este 2019 un año tremendamente productivo (y ajetreado) para el líder del “Guardián”. 

En el marco del lanzamiento de “Legacy of the Dark Lands”, Hansi Kürsch se dio el espacio para conversar con PowerMetal.cl no solo de este álbum, sino que de todas las actividades que mencionamos anteriormente, además de otros temas relacionados al futuro de Blind Guardian (incluyendo una potencial incorporación), sus participaciones en Ayreon y sus planes de visitar Chile.

Por Hernán Bórquez

¡Hola Hansi! Hernán por acá, desde PowerMetal.cl. ¿Cómo estás por estos días?

¡Hola, Hernán! Bueno, es una temporada muy ajetreada… recién terminando todas las giras y la producción de Demons & Wizards, y antes de eso había recién terminado la producción de “Legacy of the Dark Lands”, luego el lanzamiento de “Legacy of the Dark Lands”, ahora su correspondiente promoción y luego a promocionar lo nuevo de Demons & Wizards, así que es un año muy interesante y emocionante para mí… y sí, todo bien.

Con respecto a “Legacy of the Dark Lands”, en una reciente entrevista dijiste que este álbum fue un “paso natural” en la carrera de Blind Guardian. ¿Te refieres a que era natural hacerlo porque el sonido de Blind Guardian ha estado evolucionando hacia un sonido cada vez más orquestal? ¿O quieres decir que después de 22 años de trabajo, lo natural era por fin lanzar el álbum orquestal? Cuéntanos sobre eso…

Lo natural era lanzarlo… lo anti-natural fue cuánto tiempo nos tomó lanzarlo… pero fue muy, muy natural, y se sintió muy bien lanzarlo finalmente. Si observas la carrera de Blind Guardian desde “Follow the Blind” en adelante, verás que hay un objetivo de explorar nuevas dimensiones y nuevos universos, y desde ese disco, con la canción Follow the Blind, comenzamos a trabajar cuidadosamente y en dosis muy pequeñas con instrumentación clásica y música clásica. Eso creció con los años y se convirtió en algo grande cuando hicimos “Nightfall in Middle Earth”. Por ese entonces también comenzamos a trabajar en estas canciones orquestales, que en primera instancia podríamos decir que estaban consideradas como canciones “normales” que iban a ser parte del “Nightfall in Middle Earth”, en particular This Storm y Dark Cloud’s Rising, y eso fue por la puras ganas de experimentar con elementos orquestales sin que la banda estuviera involucrada… y bueno, Andre y yo sentimos que el resultado fue sorprendente, realmente nos ha mantenido entusiasmados a lo largo de todos estos años, y continuamos trabajando en estas canciones… y esta experiencia tuvo un gran impacto en Blind Guardian, pues desde entonces nos volvimos más orquestales… y por tanto, sea lo que sea que hagamos, no es una construcción 100% “cerebral”, sabes… es lo que nos sale naturalmente, es el producto de lo que somos y lo que queremos ofrecer en términos artísticos, y lo consideramos arte. Así que eso es lo que quiero decir cuando digo que este álbum era algo “natural”. Ahora bien, ¿eso significa que continuaremos en este camino con Blind Guardian? Este álbum fue lanzado bajo el nombre de Blind Guardian Twilight Orchestra por lo que pertenece a Blind Guradian Twilight Orchestra, que es otra cosa. Puede ser que con respecto a las inspiraciones clásicas y este instinto de hacer música clásica, sigamos con la dirección de ubicar eso en Blind Guardian Twilight Orchestra hoy por hoy. Lo que puedo decir respecto al próximo álbum de Blind Guardian es que hay menos orquestación en este. Esto también fue un proceso natural, porque tuve que partir con Demons & Wizards y la mayoría de las canciones habían sido compuestas antes de mis actividades con D&W, y en ese entonces mi impresión era que estas canciones también estaban llenas de partes orquestales. Pero cuando volví a trabajar en estas canciones nuevamente, me di cuenta de que este no era el caso, ya que hay mucha menos orquestación en ellas, así que me parece que ya había como una especie de división. Pero es algo muy progresivo, por favor no me malinterpreten, no es como que volvimos a principios de los 90 o finales de los 80, ese no es el caso. Para nada.

También comentaste que “Legacy of the Dark Lands” fue el Magnus Opus de tu carrera. ¿Qué quieres decir con eso? ¿Quieres decir que es el álbum más importante de Blind Guardian? ¿El más grande? ¿Tu favorito, quizás?

Sí, sigo pensando que es un Magnus Opus. Espero hacer aún más, por supuesto, y tengo la sensación de que con respecto a orquestación y composición en general, hemos aprendido mucho con este álbum. Nos ha ayudado a convertirnos en mejores compositores y ojalá que en mejores músicos también. De verdad que sentí más fácil trabajar en el último álbum de Demons & Wizards, más que nunca antes en una producción de estudio, por lo que trabajar en “Legacy of the Dark Lands” cambió algo en mí, seguro. Pero sí, este es el álbum más grande en relación al tiempo que le dedicamos, 22 años, y dudo que haya algún álbum otro que tarde tanto tiempo. Incluso el próximo álbum orquestal no tomará otros 10 años, tal vez siete, seis, lo que sea. Pero sí, con respecto al tiempo empleado, es seguro el álbum más grande. La música en sí es muy épica y grandilocuente, gigantesca, la pensamos muchísimo y pusimos el alma en ello, y eso también es lo que considero Magnus Opus. ¿Eso significa que necesariamente tiene que ser mi álbum favorito? No lo sé. Puedo decir que está muy cerca de “Nightfall in Middle Earth”, y el “Nightfall…” es mi álbum favorito, y en general, desde “NIME” en adelante, todos los álbumes que vinieron después están al menos a la par del “Nightfall…”. Y este es el caso con “Legacy of the Dark Lands”. Solo el tiempo dirá si podrá resistir el paso tiempo y ser tan sensacional para mí como lo es “Nightfall in Middle Earth”. Por otra parte, conozco las canciones desde hace 22 años, que es mucho tiempo, y no han perdido su atractivo en lo más mínimo. This Storm, por ejemplo, tiene 22 años y todavía me encanta y no le cambiaría mucho.

En relación a ese largo período, supongo que no hay una respuesta breve a la pregunta de «¿por qué tardaron 22 años?». Pero, ¿podrías resumir uno o dos de los principales factores que más retrasaron el lanzamiento?

Mal “timing” y Blind Guardian en general (risas). Tenemos tantas ideas que queremos lograr al mismo tiempo… ese es quizás el punto más importante. Además, los álbumes que lanzamos en ese período, como “Nightfall in Middle Earth” (y cualquiera de los otros), demandaron mucho tiempo, no solo durante la composición de canciones, sino también durante la producción en sí, por lo que en realidad estamos hablando de entre 12 y 16 años que empleamos en otros álbumes, incluidas las giras, y esto siempre chocó con nuestra idea de lanzar “Legacy of the Dark Lands”, esa es una razón. La otra razón fue encontrar una orquesta y encontrar las personas que nos pudieran ayudar de una manera que coincidiera perfectamente con lo que queríamos lograr, tanto para la música en sí como para su producción, así que eso tomó mucho tiempo. Obviamente Charlie Bauerfeind ha trabajado con nosotros desde “Nightfall in Middle Earth” y lo involucramos en este proyecto creo que entre  2004 y 2005, así que eso estaba organizado con bastante anticipación , pero desde ese momento fue realmente una persecución para encontrar la orquesta correcta y luego el escritor (de partituras) que fuera capaz de transcribir lo que fuera que Andre haya compuesto en el piano, en la partitura adecuada. Hicimos algunos experimentos con algunas personas y no resultó tan bien como esperábamos, por lo que eso nos llevó mucho tiempo.

Eso es muy interesante, porque uno tendería a suponer que, obviamente, hacer giras, grabar y producir los álbumes de Blind Guardian exigió mucho tiempo, pero no necesariamente que encontrar a las personas y una orquesta que pudiera interpretarlos perfectamente, tomaría tanto tiempo también…

Sí, nos tomó muchísimo tiempo. Y como todos los elementos están separados y divididos, una demora genera la próxima, etc. Y si había algo, como por ejemplo un nuevo álbum de Blind Guardian, eso hacía que los vacíos fueran aun más largos y, ya sabes, tener que retomar algo siempre toma un poco más de tiempo a que si tuvieras la oportunidad de trabajarlo todo de una vez y en un solo lugar. Eso es definitivamente mejor que, ya sabes, hacer un poco por aquí, por allá, y luego volver a retomar, averiguar dónde estábamos, cuáles fueron las conclusiones que habíamos sacado. A veces yo no podía recordar, a veces otra persona no podía recordar, entonces teníamos que encontrar nuevas soluciones y blablablá… fue una aventura muy interesante, pero también muy exigente.

Entiendo. Ahora bien, con respecto a la respuesta de los fanáticos, ¿en qué medida se ha ajustado a las expectativas que tenías antes del lanzamiento?

Yo diría que coincide con lo que esperábamos. Por supuesto que para algunas personas es como… es un álbum un poquito sorprendente porque todavía estaban esperando que la banda “Metal” estuviera involucrada, y aunque intentamos ser precisos en nuestras explicaciones con respecto a la música, al final es solo una explicación, sabes… y no puedes explicar la música, no puedes explicar el arte, necesitas verlo, saborearlo, necesitas escucharlo, respirarlo y, por lo tanto, la primera experiencia real que la gente hizo con el álbum fue cuando lo estaban escuchando, y la forma en que la gente recibe música hoy en día ha cambiado un poco debido a los desarrollos tecnológicos, y debido al streaming, lo digital y blablablá… Por lo tanto, para estas personas es un álbum quizá más sorpresivo de lo que hubiera sido diez años antes, porque en ese entonces todavía era común abordar un álbum como el que hicimos, dado su carácter innovador, y las personas estaban acostumbradas a oír cosas innovadoras, mientras que hoy en día la innovación es un bien escaso. Pero por lo que vi y escuché, la gente está profundizando en el álbum y sientes que el álbum crece en ellos a medida que lo escuchan. Es un disco que puede que no encuentres atractivo después de una o dos pasadas. No es el álbum más complicado del mundo en términos melódicos, ya que las melodías son bastante obvias, pero aun así hay muchos otros elementos, y también puedes echar de menos el Metal y el punch de una banda metalera, y eso al principio resulta confuso. Pero si te metes en él y si realmente entras en su dinámica, encontrarás el camino y encontrarás que este álbum es más que simplemente atractivo, porque contiene muchos tesoros. Diría que es un álbum lleno de tesoros, pero ese soy yo. Ya sabes, estando involucrado en todo el tema. Digamos que el recibimiento ha sido prácticamente lo que esperábamos.

A modo personal, yo también creo que el álbum va creciendo a medida que lo escuchas, así que entiendo perfecto tu punto.
Con respecto a tocar “Legacy of the Dark Lands” en vivo, me imagino distintos escenarios: Por un lado, una Twilight Orchestra sobre el escenario interpretando todo el álbum contigo cantando. Por el otro, me imagino a Blind Guardian tocando versiones metaleras de algunos temas del disco… y obviamente, otras alternativas entre esos dos extremos. Entonces la pregunta es, ¿han conversado cómo lo van a hacer, si es que hay algo al respecto?

Sí, lo hemos discutido y tenemos planes, pero nos estamos tomando nuestro tiempo porque el próximo álbum de Blind Guardian es lo que viene. Primero haremos la producción del disco, luego haremos una gira con Blind Guardian y dudo que presentemos alguna de las canciones de “Legacy of the Dark Lands” en versión metalera en esta gira. Vamos por Blind Guardian directamente, pero estamos planeando y preparando esta aparición de “Legacy of the Dark Lands” y será teatral. Es cuestionable si podré hacer todas las voces solo, por lo que podemos invitar a otros vocalistas y así hacer que sea más como el tipo de musical que uno probablemente esperaría que sea. Aparte de eso, probablemente lo haremos como una experiencia de una vez en la vida. Ya sabes, decidir un lugar específico en dónde tocar por varios días y que la gente pueda venir a ver “Legacy of the Dark Lands” presentado por primera vez. Podemos licenciarlo a otros teatros, que también es una opción, y ahí ni siquiera estaríamos involucrados en la presentación. Al final de todo, sí, habrá una versión metalera o al menos algunas partes del disco en un atuendo más metálico, pero este no es nuestro primer paso. Esto es algo que haríamos, digamos, dentro de cinco años, una vez que esté todo establecido, con la música interpretada como pretendemos que sea y que sea lo más original posible. Estamos haciendo lo mismo con el setup en vivo. Será uno muy auténtico, que coincida con los requisitos de una orquesta, pero también con los requisitos de nosotros como artistas y la obra en sí.

Bueno, hablemos de Demons & Wizards. Acabas de anunciar la fecha de lanzamiento del tercer álbum “III”. Si pensamos en los dos primeros discos, yo diría que suenan muy similares entre sí y tienen la misma onda, por así decirlo. Sin embargo, “III” llega 15 años después de “Touched by the Crimson King”. Entonces, ¿en qué medida impactan estos 15 años en el sonido de Demons & Wizards?

Ha tenido un gran impacto, debo decir. Vas a notar las diferencias, pero por otra parte, debo que decir que todavía es típico Demons & Wizards, te darás cuenta de que este es un bebé de Jon y mío. Es muy diverso en términos de composición. No es Metal “puro”, hay algunos pasajes que van en otras direcciones musicales, hay una gran cantidad de inspiraciones del Rock clásico, algunas inspiraciones del Rock alternativo, un poco de Rock progresivo, pero en general es una mezcla bastante agradable. Compusimos 11 canciones muy independientes, algunas son muy sorprendentes pero muy directas. Así que es como lo opuesto a Blind Guardian Twilight Orchestra en términos de ser tan abrumadoramente grande. Esto es al revés, es un álbum súper aterrizado.

¡Clarísimo! Tengo muchas ganas de escucharlo, más aún ahora que mencionas que es bastante directo…

Bueno, a ver (risas)… a veces estoy muy lejos de lo que Andre y yo en Blind Guardian consideramos como “directo” o “sencillo”. Tal vez nadie más lo considera como “directo”, ya sabes, pero por las reacciones que hemos tenido hasta ahora y la forma en que los ritmos y las voces están hechas, diría que es un álbum de Metal directo.

Este año tuvieron una gira tremendamente exitosa. Habiendo tanto clásico de Iced Earth y Blind Guardian en sus catálogos, ¿cómo fue el proceso de elegir qué canciones de sus bandas incluirían en los shows? 

Para las canciones de Demons & Wizards fue súper fácil. Elegimos las que consideramos que la gente querría escuchar en vivo. Pudimos haber olvidado una que otra, es parte del juego. Fuimos por un set que sentimos sería vívido aun con los puros temas de Demons & Wizards, pero ambos sentimos la necesidad de representar un poco de Iced Earth y Blind Guardian y, por supuesto. Discutimos qué canciones podrían ser factibles de hacer y ya que hemos estado con una agenda muy apretada en general, incluso con la preparación de las canciones… quiero decir, solo tuvimos 10 días de ensayos antes del primer show y no tuve mucho tiempo para prepararme para las dos cosas (porque todavía estaba cantando los coros con Twilight Orchestra y cosas así) y más tarde con la grabación del álbum de Demons & Wizards, así que fue una agenda muy apretada. Con esto, solo mencioné las canciones que más me gustan, o ya sabes, las que me sentiría privilegiado de poder cantar, y esas fueron Melancholy y I Died for You al principio, pero en un momento me di cuenta de que son demasiado similares. Decidí ir por otra canción, Jon mencionó Burning Times y sentí que esto era lo que se necesitaba, porque necesitábamos una canción de Metal más directo de nuevo. Ya sabes, algo que levantara el set, porque también el material de Demons & Wizards es bastante complejo en términos de estructuras y, por lo tanto, una canción como Burning Times fue realmente agradable de agregar. En cuanto a las canciones de Blind Guardian, fue algo similar. Hablamos de Welcome to Dying y The Bard’s Song, pero luego pensamos que no había necesidad de otra balada ya que teníamos Fiddler in the Green , así que cambiamos The Bard’s Song y decidimos ir por Valhalla, porque no hay cómo equivocarse con Valhalla (risas). Fue una elección sabia, yo creo.

Sí, también creo que fue una buena elección… disfruté mucho su show en Wacken este año. Muy buen setlist, definitivamente.
Hablemos también sobre Ayreon, ¿cómo fue interpretar a El Astrónomo en The Source? Y, ¿qué piensas del álbum en general?

Siempre estoy feliz de trabajar con Arjen porque él tiene una mente muy clara, sabes, y las instrucciones que da son siempre muy precisas, y eso siempre se agradece cuando trabajas con otros músicos, especialmente en un contexto así. Me gustó. Le dije que no tendría mucho tiempo eso sí. No puedo recordar exactamente si todavía estaba de gira con Blind Guardian o si ya estaba cantando para Blind Guardian Twilight Orchestra, así que le dije que mantuviera mi parte lo más pequeña posible, pero que quería desesperadamente ser parte del proyecto. Y me dijo que sí, que tenía a este tipo (El Astrónomo). Me di cuenta inmediatamente de lo que compuso teniendo mi voz en mente, y de lo que se compuso para el personaje, pero que no necesariamente había sido escrito para mi voz. Y bueno, trato de adaptarme a eso siempre. Pero por supuesto, aprecio las canciones que siento fueron compuestas teniendo mi voz en mente.

¿Y cómo fue la experiencia de formar parte del show “Ayreon Universe”, donde compartiste el escenario con, lo que yo considero, una especie de dream team del Metal?

Lo disfruté mucho. Fue una gran experiencia. No esperaba que fuera tan espectacularmente genial debo decir, porque todo el equipo fue muy amable, especialmente los vocalistas, y a la mayoría de ellos no los conocía personalmente antes, y nos llevamos muy bien. Teníamos una pura habitación donde pasábamos el rato, compartíamos y teníamos nuestras conversaciones. Fue una química muy agradable que disfruté mucho, y respecto a estar en el escenario, también lo disfruté. Pero sí, es un viaje largo para estar en el escenario por solo uno o dos minutos y luego desaparecer durante los próximos 15 minutos… y ¡volver a tiempo! (risas), ese es un desafío, sabes, y estar sincronizado en esas cosas, ciertamente no es lo mío, pero lo logré y funcionó bien. El público fue genial, es una experiencia única en la vida debo decir, pero realmente me impresionó lo amistoso de todos los vocalistas. Esperaba que fuera algo diferente. No lo sé, quiero decir, sé de vocalistas que… ya sabes, pueden ser divas, como lo son algunos guitarristas, pero todas estas personas tenían los pies puestos sobre la tierra y todos muy agradables. Bueno, Arjen es precisamente ese tipo de persona, y congregó un equipo a su alrededor que se define por eso también. Pero tener al lado a todos estos músicos, la mayoría de ellos muy, muy famosos, fue una experiencia realmente genial, y todos estaban muy interesados ​​en todo el evento, tanta gente tan talentosa… fue increíble.

¡Qué genial! De hecho hay un video de Ayreon (The Day that the World Breaks Down) donde Arjen habla sobre la historia del disco y los vocalistas que participan, y ahí habla muy bien de todos y destaca justamente lo que dices tú, la humildad de ellos a pesar de lo talentosos y famosos que pueden ser. Y para nosotros, los fans, es muy super agradable saber que es así…

Sí, realmente fue una gran experiencia. De hecho, en los shows de Demons & Wizards es posible que hayas reconocido a Joost, que es una parte importante del “Ayreon Universe”. Él ha tocado los teclados en Demons & Wizards y eso no es porque sí. Incluso en Blind Guardian consideramos hacerlo parte de nuestro equipo, como sea que luzca eso, no lo sé exactamente… pero es un gran tipo. Él es solo una de las tantas personas geniales que conocí allí.

Creo que Joost sería una gran adición a Blind Guardian, para ser honesto.
Volviendo a Blind Guardian, sabemos que estás en el estudio escribiendo nuevo material por estos días. Recuerdo que después de lanzar “Live Beyond the Spheres” en 2017, dijiste que el próximo álbum “regular” de Blind Guardian sería algo diferente, ya que ese live fue el final de una era. Comentabas que sería algo “súper heavy”, incluso con algunos elementos de thrash. Así que me gustaría preguntarte, ¿cómo es esta nueva era de Blind Guardian y las canciones que han compuesto desde entonces?

(Risas)… Bueno, sin lugar a dudas la era de la orquestación clásica termina con “Legacy of the Dark Lands”, al menos con respecto a Blind Guardian porque ahora tenemos Blind Guardian Twilight Orchestra, y lo que sea que hagamos allí, aun cuando no está 100% definido, ciertamente estará enmarcado dentro de la era clásica. Mientras que, sea lo que sea que hagamos con Blind Guardian, estará libre de la orquestación “pura” que tuvimos, por ejemplo, en “Beyond the Red Mirror”. Entonces, esa es la primera nueva dirección que ya puedo vislumbrar, y básicamente lo que dije en esa entrevista después del “Live Beyond the Spheres” todavía aplica. Estamos haciendo música muy intensa, no es que se remonte a los 80′ o 90′, pero es muy compleja, casi thrash por momentos, Metal con muchos elementos sorprendentes. Eso que hicimos con la orquesta, ahora lo hacemos con otros instrumentos o con otros elementos, así que va a ser un álbum muy sorprendente nuevamente. Esto es solo el comienzo, así que no sé a dónde nos llevará el camino finalmente. Pero ya está yendo en una dirección distinta a la que hemos hecho durante los últimos 20-25 años, seguro. No podemos renegar estos años, así que no esperen que hayamos cambiado abruptamente dentro de los dos años que llevamos componiendo. Completamos 10 u 11 canciones y habrá otra más, comenzaremos la producción a principios del próximo año. Así que ahí es cuando podré decir exactamente dónde estamos, pero escuché las canciones después de regresar de las actividades de Demons & Wizards y los temas están heavy… realmente heavy.

Bueno Hansi, se nos acaba el tiempo, así que la última pregunta. PoweMetal.cl estuvo en Wacken este año y tuvimos la oportunidad de hablar contigo allí, DONDE te preguntamos sobre la posibilidad de visitar Chile, ya sea con Blind Guardian o Demons & Wizards. Entonces, siguiendo esa conversación, ¿cuándo crees que podrías estar visitando Sudamérica?

Sí… con respecto a Blind Guardian, será pronto. Será el 2021. Estoy casi seguro.

¡Genial! Para finalizar, puedes un saludo a todos los fanáticos de Blind Guardian que te leen en PowerMetal.cl

Bueno… ¡lo están haciendo bien! Están apoyando a la banda correcta, así que no paren y los veremos por allá muy pronto. Los haremos muy felices con la música que estamos componiendo para la próxima década, tal vez dos décadas. Todavía hay mucho que contar, y eso es lo que haremos. Gracias por el apoyo. Cuídense.

DEMONS & WIZARDS, el proyecto que une la voz de Hansi Kürsch de BLIND GUARDIAN con la guitarra de Jon Schaffer de ICED EARTH, reveló en un video a los músicos que los acompañarán a su próxima gira que se inicia mañana 31 de Mayo en Barcelona.

Los elegidos son el guitarrista Jake Dreyer de ICED EARTH y WITHERFALL, el bajista Marcus Siepen de BLIND GUARDIAN, el baterista Fredik Ehmke de BLIND GUARDIAN y SINBREED; y el tecladista Joost Van Den Broek de AFTER FOREVER y AYREON.

 

«Run! Apocalypse! Run!» es el nuevo single promocional de «The Source», último trabajo de AYREON lanzado el pasado 28 de Abril. El disco, nuevamente liderado por Arjen Lucassen, incluye como invitados a James LaBrie (DREAM THEATER), Simone Simons (EPICA), Floor Jansen (NIGHTWISH), Hansi Kürsch (BLIND GUARDIAN), Tobias Sammet (EDGUY, AVANTASIA) y Russell Allen (SYMPHONY X).

Pueden escuchar «Run! Apocalypse! Run!» a continuación:

 

 


Muchos esperamos con ansías este 28 de Abril, día en que verá la luz la nueva Ópera Rock del holandés Arjen Anthony Lucassen, «The Source«, donde AYREON nuevamente cuenta con tremendos invitados como Russel Allen, Tobias Sammet, Hansi Kürsch, Neils K. Rue, Floor Jansen y varios otros grandes del Power Metal. Para seguir allanando el camino a esta nueva obra Lucassen acaba de liberar un nuevo lyric video, esta vez para la canción «Star Of Sirrah«.

Disfruta el nuevo single y espera junto a nosotros lo nuevo de AYREON a continuación:

El tracklist de «The Source«:

Chronicle 1: The ‘Frame
1. The Day That The World Breaks Down
2. Sea Of Machines
3. Everybody Dies

Chronicle 2: The Aligning Of The Ten
4. Star Of Sirrah
5. All That Was
6. Run! Apocalypse! Run!
7. Condemned To Live

Chronicle 3: The Transmigration
8. Aquatic Race
9. The Dream Dissolves
10. Deathcry Of A Race
11. Into The Ocean

Chronicle 4: The Rebirth
12. Bay Of Dreams
13. Planet Y Is Alive!
14. The Source Will Flow
15. Journey To Forever
16. The Human Compulsion
17. March Of The Machines

El próximo 28 de Abril tendremos el nuevo disco del proyecto de Arjen Lucassen AYREON. El holandés ha lanzado el lyric video para«Everybody Dies», un nuevo adelanto de «The Source», el que se puede escuchar a continuación:

AYREON reveló la lista de temas de su nuevo disco «The Source» que saldrá a la venta el 28 de Abril, y junto con esto presentó un primer sencillo titulado “The Day That The World Breaks Down”, canción que abre el disco en donde se contempla los detrás de cámara del álbum.

 

Puedes escuchar el single aquí:

El tracklist de «The Source«:

Chronicle 1: The ‘Frame
1. The Day That The World Breaks Down
2. Sea Of Machines
3. Everybody Dies

Chronicle 2: The Aligning Of The Ten
4. Star Of Sirrah
5. All That Was
6. Run! Apocalypse! Run!
7. Condemned To Live

Chronicle 3: The Transmigration
8. Aquatic Race
9. The Dream Dissolves
10. Deathcry Of A Race
11. Into The Ocean

Chronicle 4: The Rebirth
12. Bay Of Dreams
13. Planet Y Is Alive!
14. The Source Will Flow
15. Journey To Forever
16. The Human Compulsion
17. March Of The Machines


Como ya sabemos, Arjen Anthony Lucassen se encuentra preparando su próxima ópera progresiva con AYREON, es por eso que acaba de anunciar que ese trabajo llevará por nombre «The Source«, además, dentro de la poca información que se maneja aún sobre el disco, Lucassen ha liberado un adelanto de las gráficas que traerá el booklet representando el planeta en que estará ambientada la historia además de la portada final del disco aunque, para darle aun más emoción, presentó una versión animada de la misma.

Puedes ver la representación del Planeta Alpha, creado por Yann Souetre, a continuación:

La portada de «The Source«, creada por el mismo artista, y su versión animada preparada por David Letelier la puedes ver a continuación:

Recordemos que «The Source» contará con la participación de las grandes y potentes voces de James Labrie (DREAM THEATER) como El Historiador, Tommy Rogers (BETWEEN THE BURIED AND ME) como El Químico, Simone Simons (EPICA) como La Abogada, Michael Mills (TOEHIDER) como TH-1, Floor Jansen (NIGHTWISH) como La Bióloga, Hansi Kürsch (BLIND GUARDIAN, DEMONS & WIZARDS) como El Astrónomo, Tobias Sammet (EDGUY, AVANTASIA) como El Capitán, Michael Eriksen (CIRCUS MAXIMUS) como El Diplomático, Nils K. Rue (PAGAN’S MIND) como El Profeta, Zaher Zorgati (MYRATH) como El Predicador, Tommy Karevik (KAMELOT, SEVENTH WONDER) como El Líder de la Resistencia y, el último cantante anunciado, Russell Allen (SYMPHONY X, ADRENALINE MOB) como El Presidente.

Como músicos invitados el disco contará con Paul Gilbert (MR. BIG), Guthrie Govan (THE ARISTOCRATS) y Marcel Coenen con solos de guitarra y Mark Kelly con solos de teclado.

ayreon
Arjen Anthony Lucassen
ha terminado de anunciar a quienes le colaboran en la próxima obra de la metal ópera AYREON. A través del mismo sistema de concurso por adivinanzas con cortos tracks de las voces como lo hizo con cada uno, Lucassen ha confirmado la participación de las grandes y potentes voces de Michael Eriksen (CIRCUS MAXIMUS) como El Diplomático, Nils K. Rue (PAGAN’S MIND) como El Profeta, Zaher Zorgati (MYRATH) como El Predicador, Tommy Karevik (KAMELOT, SEVENTH WONDER) como El Líder de la Resistencia y, el último cantante anunciado, Russell Allen (SYMPHONY X, ADRENALINE MOB) como El Presidente.

Esta constelación de vocalistas se unen a los ya anunciados James Labrie (DREAM THEATER) como El Historiador, Tommy Rogers (BETWEEN THE BURIED AND ME) como El Químico, Simone Simons (EPICA) como La Abogada, Michael Mills (TOEHIDER) como TH-1, Floor Jansen (NIGHTWISH) como La Bióloga, Hansi Kürsch (BLIND GUARDIAN, DEMONS & WIZARDS) como El Astrónomo y Tobias Sammet (EDGUY, AVANTASIA) como El Capitán.

También se encuentran confirmados los músicos invitados que esta vez serán Paul Gilbert (MR. BIG), Guthrie Govan (THE ARISTOCRATS) y Marcel Coenen con solos de guitarra y Mark Kelly con solos de teclado.

Puedes escuchar los adelantos por cada invitado en la página oficial de Lucassen aquí.

Tobias Sammet

«Sí! es mi rival favorito, Tobias Sammet de AVANTASIA y EDGUY«. Así anunció Arjen Lucassen a su nuevo invitado para el próximo trabajo de AYREON, que se espera sea lanzado durante el próximo año. El personaje del alemán será «El Capitán».

Arjen continuó elogiando a Sammet: «¡Realizó un tremendo trabajo! Estoy emocionado de finalmente haberle encontrado un personaje perfecto para un álbum de AYREON».

Hasta la fecha se han confirmado siete cantantes, entre ellos, e alemán Hansi Kürsch (BLIND GUARDIAN, DEMONS & WIZARDS) quien interpretará Astrónomo, la holandesa Floor Jansen (NIGHTWISH) interpretando a La Bióloga, su coterránea Simone Simons (EPICA) interpretará a La Abogada y el canadiense James Labrie (DREAM THEATER) interpretará al Historiador. También se suman hasta ahora las voces de Tommy Rogers (BETWEEN THE BURIED AND ME) como El Químico y Michael Mills (TOEHIDER) como TH-1.

Además, se ha anunciado la participación de Paul Gilbert (MR. BIG) en las guitarras. Aún faltan músicos y cantantes por confirmar, por lo que nos mantendremos atentos a las noticias de este proyecto.

Puedes escuchar los clips de los invitados en este link: http://www.arjenlucassen.com/ay8/

 

 

 

hansi

A través de cortas muestras en audio y un formato de concurso, AYREON ha ido revelando quienes formarán parte de la próxima obra del proyecto metal opera de Arjen Lucassen que espera ser lanzada al mercado durante el próximo año 2017. Hasta la fecha ya se han confirmado cuatro gigantes del estilo como lo son el alemán Hansi Kürsch (BLIND GUARDIAN, DEMONS & WIZARDS) quien interpretará a El Astrónomo, la holandesa Floor Jansen (NIGHTWISH) interpretando a La Bióloga, su coterránea Simone Simons (EPICA) interpretará a La Abogada y el canadiense James Labrie (DREAM THEATER) interpretará a El Historiador. También se suman hasta ahora las voces de Tommy Rogers (BETWEEN THE BURIED AND ME) como El Químico y Michael Mills (TOEHIDER) como TH-1.

Además, se ha anunciado la participación de Paul Gilbert (MR. BIG) en las guitarras. Aún faltan seis cantantes y músicos por confirmar, por lo que nos mantendremos atentos a las noticias de este proyecto.

arjen lucassen ayreon

AYREON, banda creada por Arjen Lucassen, publicó un teaser de su próximo disco que saldrá a la venta el próximo año a través de Mascot Label Group.

Puedes ver el teaser aquí:

The Theater Equation

En septiembre de 2015 y durante cuatro conciertos completamente agotados en el Teatro Nieuwe Luxer en Rotterdam, fanáticos de todo el mundo pudieron presenciar a AYREON en vivo. Estos shows fueron grabados para lanzarse próximamente en formato DVD/Blu-Ray con el título «The Theater Equation«. El trabajo estará subtitulado en nueve idiomas e incluye un poco más de una hora y media de contenido extra. El lanzamiento será el 17 de Junio a través de InsideOut Music y estará disponible como una edición especial 2CD+DVD Digipak, independiente en Blu-Ray y en descarga digital sólo de audio.

«Aún hoy, mientras escribo esto, sigo asombrado por todo lo que el mundo trabajó, y por cuánto amor y cuidado pusieron para hacer que todo esto sucediera ¡A veces el sueño se hace realidad!» señalo la mente maestra de AYREON Arjen Lucassen.

AYREON contó con casi toda la formación de cantantes que participaron en el disco «The Human Equation». La lista completa de cantantes que participaron es la siguiente:

James LaBrie es ‘Yo’
Devon Graves es ‘Agonía’
Heather Findlay es ‘Amor’
Eric Clayton es ‘Razón’
Magnus Ekwall es ‘Orgullo’,
Marcela Bovio es ‘La Esposa’
Irene Jansen es ‘Pasión’
Anneke van Giersbergen es ‘Miedo’,
Jermain van der Bogt (Wudstik) es ‘El Mejor Amigo’
Mike Mills es ‘Rabia/Padre’
Nienke Verboom es ‘Enfermera’
Peter Moltmaker es ‘Doctor’
Anita van der Hoeven es ‘Mamá’

Mira un nuevo adelanto del trabajo aquí:

Ayreon - The Theater Equation

Ayreon

AYREON lanzó un trailer de su próximo DVD/Blu-Ray «The Theater Equation«, el cual será lanzado el 17 de Junio a través de InsideOut Music.

Arjen Lucassen comentó: “Aún hoy, mientras escribo esto, sigo asombrado por todo lo que el mundo trabajó, y por cuánto amor y cuidado pusieron para hacer que todo esto sucediera ¡A veces los sueños se hacen realidad!

Puedes ver el trailer aquí:

The Gentle Storm en Chile

Una noche extraordiaria fue la que vivimos en Santiago este 09 de abril, gracias a la presentación de tres bandas que inundaron de talento, mística y pasión el Teatro Cariola. Algo en común que compartían estas tres presentaciones, es que todas ellas estaban lideradas por mujeres, siendo las grandes protagonistas de la noche. La belleza femenina se tomó el teatro, lo cual no es demasiado común en esta esfera de la música, por cuanto se agradece un montón, tanto musical como visualmente por supuesto. Pasamos a revisar lo que fue esta tremenda velada.

CRISÁLIDA

Siendo las 19:30 horas en punto, y con unas 150-200 personas ya en el teatro, saltaba al escenario Crisálida, banda nacional ya conocida por todos (o casi todos) gracias a una impecable carrera con más de quince años de trayectoria.

El trabajo de Crisálida es impecable en todo aspecto, es de lo más profesional que podemos encontrar en territorio nacional. Todo está muy bien cuidado, desde la ejecución musical propiamente tal, hasta los detalles estéticos de su presentación, es una propuesta coherente compuesta por muchos elementos que no hacen más que enaltecer el nombre de estos embajadores del Rock progresivo (si se puede encasillar en algo…). Todo esto se vio potenciado por un sonido realmente increíble. No había escuchado tal sonido en el Cariola, así que fue una tremenda y agradable sorpresa, muy buen trabajo de la mesa.

The Gentle Storm en Chile

El show comenzaba con Cabo de Hornos, opening track de «Terra Ancestral», su entrega más reciente. Es un tema que parte reposado, denso, y que va ganando potencia y dinámica a medida que se suceden los compases. El sonido en términos generales estuvo impecable desde el comienzo, el único detalle es que la voz estaba levemente baja, detalle que no empañó en nada el inicio de la velada. Mientras Cinthia hacia extensivos sus agradecimientos por estar desde temprano apoyándolos, partían inmediatamente con Hidromachi, también perteneciente a su último lanzamiento. Un tema muy en la vena progresiva, con suaves arpegios, riffs poderosos y una lírica llena de sufrimiento. A estas alturas el canal de la voz ya estaba perfectamente ecualizado, y el sonido era sencillamente perfecto, dando paso a Lágrimas Negras del mismo disco, canción más reposada que permite bajar un poco las revoluciones del show.

Cinthia es una frontwoman imponente pero a la vez delicada, es un placer ver como maneja el escenario y siente cada palabra que pronuncia en esas maravillosas letras que hablan de Chile, de nuestra realidad, de nuestros ancestros, de la naturaleza que nos rodea y de las injusticias que sufrimos, entre otras cosas. A su vez, el trabajo en las cuerdas de Damian y Braulio es sencillamente extraordinario, mucho virtuosismo, mucha clase, y mucha fuerza sobre todo en los riffs, donde encontramos sonidos que se suceden cómodamente entre lo sutil y lo violento, rememorando sonidos que van desde Pink Floyd hasta Meshuggah. Y para que hablar de Rodrigo en la batería. Brutal. Un hombre que vibra con cada baquetazo, y que demuestra su emoción ejecutando a la perfección cada compás que dan forma a las complejas estructuras que nos ofrece Crisálida.

La primera gran explosión del público se daba con Morir Aquí, single su último disco «Terra Ancestral», un tema exquisito que habla del vacío espiritual de la ciudad presentado como concepto de desilusión. El fiato, la experiencia en el escenario y todo el carrete de estos músicos no es en vano, es una banda que sabe perfectamente lo que está haciendo, son cómplices, hermanos en el escenario y se nota cuanto aman lo que hacen. El público lo sabe y devuelve el cariño con cerrada ovación al término del tema. Finalmente, nos entregan Raco, único tema “antiguo” que nos presentarían en esta ocasión, cerrando de gran forma una presentación llena de virtuosismo y pasión.

The Gentle Storm en Chile

Crisálida es una apuesta segura, donde puedes ir all in, y sabes que saldrás ganando. Esta vez no fue la excepción. Un extraordinario inicio de velada.

Setlist de Crisálida:

  1. Cabo de Hornos
  2. Lágrimas Negras
  3. Hidromachi
  4. Morir Aquí
  5. Raco

KARI RUESLÅTTEN

Siendo las 20:30 horas y con unas 400 personas en cancha aproximadamente, se apagan las luces y Kari se toma el escenario, acompañada de su guitarrista Jostein Ansnes, donde la tónica sería compartir una jornada íntima, sentimental, melancólica si se quiere… alejada del Rock y el Metal propiamente tal. No hay batería, no hay distorsión, no hay más en el escenario. Una guitarra acústica, teclados y una voz angelical.

La ex cantante de The 3rd And The Mortal tiene una voz preciosa y un registro privilegiado. Maneja sus cuerdas vocales a la perfección, manteniendo siempre su voz templada incluso en esos tonos que parecen imposibles. A veces operática, a veces romántica, Kari se mostró tremendamente cercana durante todo el show. Pequeñas conversaciones daban paso a cada tema, que explicaban el origen de las canciones, de que trataban, y qué pasaba por su mente al momento de componerlas, lo cual permitió al público adentrarse en su show, aun cuando fuera un tanto desconocida para muchos de los presentes. Nos permitió conocerla un poquito más. Por ejemplo, nos contaba que a través de una encuesta que hizo en Facebook, alguien le recomendó leer y escribir sobre Pablo Neruda, sugerencia que fue tomada por ella y quedó pasmada con la forma de ver el mundo que tenía nuestro Nobel de Literatura. Tanto así que compuso una canción acerca de su poesía y por supuesto, la interpretó para nosotros. Ese tipo de cosas hicieron que el público entrara en sintonía inmediatamente con Kari, y fuera cómplice de un show redondo.

The Gentle Storm en Chile

La mayoría de las canciones consistían en el canto de Kari más el acompañamiento en guitarra de Jostein, en otros temas ella tomaba el control de las teclas y acompañaba su canto al son del piano eléctrico. También Jostein se dio mañana de cantar junto a ella en unas muy buenas armonizaciones. Más adelante Kari cantaría un tema a capella.  Y así varios detalles que enriquecieron una presentación sencilla, honesta, pero muy rica sentimentalmente hablando, y muy agradable al oído de todos los asistentes me atrevería a decir, incluso de aquellos chascones más mañosos y asiduos a la música más «carnaza».

Cerca de las 21:30 horas y después de diez temas aproximadamente, Kari se despedía del público tremendamente agradecida por el recibimiento, y la ovación no se dejó esperar, cuando la cancha del teatro ya estaba prácticamente llena.

Setlist de Kari Rueslåtten:

  1. Battle Forevermore
  2. Spindelsinn
  3. Why So Lonely (canción de The 3rd and the Mortal)
  4. Paint the Rainbow Grey
  5. Other People’s Stories
  6. Make Me a Stone
  7. Nordnat
  8. Wintersong
  9. Exile
  10. To the North

The Gentle Storm en Chile

THE GENTLE STORM

Mucha expectación había generado la visita de The Gentle Storm, mas siendo honestos, en realidad el factor que generaba expectación no era otro que la extraordinaria Anneke Van Giersbergen. Es la holandesa quien genera admiración y hasta devoción para muchos, y a razón de eso es que este show era esperado por muchos. Sin ir más lejos, las poleras de The Gathering inundaban el teatro por todas partes.

Este podría considerarse “un proyecto más” de Anneke, conocida y reconocida obviamente por su exitosa trayectoria en The Gathering, pero para nuestra fortuna, este no es simplemente un proyecto más… ¡Es un proyectazo! Y cómo no, si proviene de la mente maestra de uno de los compositores más talentosos que ha parido Europa en términos de Metal, el mismísimo Arjen Anthony Lucassen, responsable de proyectos como Ayreon y Star One, entre otros. Lamentablemente el gigante holandés no estaría girando con The Gentle Storm, por cuanto tendremos que seguir esperando la oportunidad de verlo alguna vez en vivo por estos lugares.

Cumpliendo con la hora pactada y con un teatro prácticamente lleno, comienzan a sonar las primeras melodías envasadas que nos introducen a The Endless Sea, opening track del disco que nos vienen presentando, «The Diary». Los músicos toman posición en el escenario y la fiesta comienza, con un sonido demoledor desde el primer instante. Anneke es recibida con una gran ovación y Marcela Bovio (Stream of Passion) en segundo plano acompaña en las voces a la holandesa, conformando un dueto formidable. El tema tiene pasajes lentos, otros más rápidos, acústicos y otros más tormentosos, que permitían ir afinando las perillas que hasta el momento no presentaban problema alguno. El solo de guitarra da paso a la primera gran ovación del público y luego, sin mayores pausas, comienza la melodía celta/irlandesa de Heart of Amsterdam, uno de los singles del disco y sin duda uno de los mejores temas de la placa. Así lo entiende el público porque el teatro se inundó de algarabía, todos saltaban al ritmo de la melodía principal y acompañaban la felicidad de Anneke reflejada en su rostro sonriente. El solo de guitarra varía un poco respecto del original, pero luego el tema sigue su maravilloso curso hasta rematar con un último coro y una ovación cerrada para este tremendo tema.

The Gentle Storm en Chile

El concierto sigue con The Brightest Light, excelente elección pues es sin duda uno de los más pesados de su catálogo, y estaba perfecto para equilibrar la felicidad que nos había producido el tema anterior. El comienzo fue brutal, toda la banda haciendo headbanging al mismo tiempo, contagiando al público que respondía al ritmo de la marcha tormentosa, conformando una muy buena postal. Aquí pudimos apreciar un activo dueto entre Anneke y Marcela. Esta última es muchísimo más que una voz secundaria, pues tiene una voz despampanante, tiene presencia, manejo, y las armonías con Anneke suenan muy bien, se complementan perfecto. La parte instrumental del final sonó demoledora.

El azote siguió con The Storm, otro de los temas más heavy de su repertorio, bien a lo Devin Townsend si se quiere, de ritmo ágil y pesada. El sonido en este tipo de temas es donde más deslumbraba, que manera de sonar bien la base rítmica y las guitarras, brillantes y pesadas a la vez. Brutalmente perfecto. Y la cara de Anneke era para ponerla en un marco, se veía tremendamente sorprendida y agradecida por la reacción y la magnitud del respetable.

Para el siguiente tema vemos que Marcela se retira del escenario, lo cual era señal de algo inevitable: se venía la primera canción ajena a The Gentle Storm. Y así nomás fue. El tema elegido fue Eléanor, uno de los clásicos de The Gathering. La euforia no se dejó esperar, y ahí se notó que el público era en gran parte fanático de dicha banda, pues la corearon de principio a fin. Un acierto en el setlist. Luego para bajar revoluciones llega New Horizons, un tema menos eufórico que los anteriores, pero no por eso menos bueno, de hecho es excelente también.

The Gentle Storm en Chile

Los músicos salen del escenario, y solo se queda Anneke con su guitarra, y nos presenta dos covers más que serían el deleite del público: Wish You Were Here, clásico inmortal de Pink Floyd, y Saturnine, clásico inmortal de The Gathering. Ambas canciones fueron cantadas de principio a fin, en un ambiente muy íntimo, de fogata se podría decir, con una Anneke impecable en la guitarra y voz. La postal del público entonando Saturnine fue memorable, había mucha emoción, nostalgia y pasión en el canto del público, las chicas sobre todo estaban emocionadísimas… un momento inolvidable de la noche. Luego se suben al escenario Marcela y Ferry con su guitarra, para entonar Valley of the Queens, bella melodía perteneciente a Ayreon. Diría la primera vez que escuchamos algo de Ayreon en nuestro territorio, lo cual se agradece infinitamente, sobre todo con la calidad de estas dos cantantes que armonizaron una de las melodías más dulces que ha compuesto Arjen Lucassen en su carrera.

La banda completa vuelve al escenario para retomar los temas propios, siendo Cape of Storms y The Greatest Love los elegidos. A estas alturas hablar de la perfección en la ejecución es redundante, lo mismo con el sonido, pero no deja de sorprender la calidad de este show. Magníficas interpretaciones, y el despliegue de Anneke, sobre todo en el primer tema, es sobrecogedor. Llena todos los espacios con su voz.

Vuelta a los covers. La escogida sería Witnesses de Agua de Annique, una canción de sonido más pop-rock si se quiere, pero que en vivo adquiere un matiz tremendamente pesado gracias a la base rítmica que le imprime la banda, y el resultado es aplastante, suena «cañón». Anneke nos brinda una de las interpretaciones más apasionadas de la noche y el público se entrega totalmente ante los sonidos electrónicos / orientales / metaleros que tiene la canción. Inmediatamente después comienza a sonar un riff inconfundible, una guitarra que volvió locos a los expectadores del teatro… era el turno de Strange Machines, otro clásico de The Gathering. Aquí quedó «la pura cagá»: todo el mundo saltando, cabeceando, la banda poseída en el escenario, caos total. Marcela estaba tras el escenario y grababa todo con su teléfono, fue un momento muy especial. La ovación fue ensordecedora. Luego de tanta euforia, las aguas de la tormenta se calmarían de nuevo con Isis and Osiris, otro cover de Ayreon. Nuevamente las armonizaciones entre Anneke y Marcela se robaron la película, en un tema que comienza suave y va ganando fuerza a medida que avanza y asimismo el público se va cautivando más y más con un tema que claramente no es tan popular como las otras versiones que nos entregaron esta noche. Insisto en que sea agradece escuchar un pedacito de Ayreon en nuestro país, más aun considerando que fue una total sorpresa, al menos para quien escribe.

15

Un pequeño encore daba paso al final del concierto. Anneke nos anuncia que se venía algo de Devin Townsend, y la elegida fue Fallout, temazo del tremendo «Z2«. Aquí Marcela comparte el protagonismo vocal con Anneke y se mandan una tremenda performance, en lo que a estas alturas era todo juerga y felicidad. Para terminar, vuelven a lo propio y nos entregan Shores of India, uno de los singles de The Diary. Los sonidos orientales inundan el teatro, transportándonos a otro mundo, en un cierre perfecto, con una banda tremendamente feliz, sorprendida, pero sobre todo, agradecida por la respuesta de nuestro país. No hay mucho más que agregar.

Así, con dieciséis tremendos temas y sin desperdicio alguno, sin error alguno y sin reparo alguno, terminaba una larga jornada de Rock, Metal y algo más. Se agradece cuando la producción se las juega por hacer las cosas bien. El Teatro Cariola es muchas veces resistido, pero en esta ocasión, todo salió a pedir de boca. El tamaño era preciso para la audiencia, el sonido rozó la perfección durante prácticamente todo el concierto, las shows empezaron a la hora pactada, y eso, insistimos, se agradece.

Esperemos ver de nuevo a Anneke Van Giersbergen y compañía por nuestras tierras, porque tiene muchos fans que estarán siempre esperándola, y bandas como esta no se ven todos los días. No queda más que dar las gracias a The Gentle Storm, por visitarnos y azotar el teatro con una tormenta perfecta.

Setlist de The Gentle Storm:

  1. Endless Sea
  2. Heart of Amsterdam
  3. Brightest Light
  4. The Storm
  5. Eléanor (canción de The Gathering)
  6. New Horizons
  7. Wish You Were Here (canción de Pink Floyd)
  8. Saturnine (canción de The Gathering)
  9. Valley of the Queens (canción de Ayreon)
  10. Cape of Storms
  11. The Greatest Love
  12. Witnesses (canción de Agua de Annique)
  13. Strange Machines (canción de The Gathering)
  14. Isis and Osiris (canción de Ayreon)
    Encore:
  15. Fallout (canción de Devin Townsend Project)
  16. Shores of India

 

 

Ayreon

Durante el mes de Septiembre de 2015 y durante cuatro concierto completamente agotados en el Teatro Nieuwe Luxer en Rotterdam, fanáticos de todo el mundo pudieron presenciar a AYREON en vivo. Estos shows fueron grabados para lanzarse próximamente en formato DVD/Blu-Ray

«The Theater Equation» estará subtitulado en nueve idiomas e incluye un poco más de una hora y media de contenido extra. El lanzamiento será el 17 de Junio de 2016 a través de InsideOut Music, y estará disponible como una edición especial 2CD+DVD Digipak, independiente en Blu-Ray y en descarga digital sólo de audio.

«Aún hoy, mientras escribo esto, sigo asombrado por todo lo que el mundo trabajó, y por cuánto amor y cuidado pusieron para hacer que todo esto sucediera ¡A veces el sueño se hace realidad!» señalo la mente maestra de AYREON Arjen Lucassen.

En los shows, AYREON contó con casi toda la formación de cantantes que participaron en el disco «The Human Equation». La lista completa de vocalistas que participaron es la siguiente:

Reparto de vocalistas:
James LaBrie es ‘Yo’
Devon Graves es ‘Agonía’
Heather Findlay es ‘Amor’
Eric Clayton es ‘Razón’
Magnus Ekwall es ‘Orgullo’,
Marcela Bovio es ‘La Esposa’
Irene Jansen es ‘Pasión’
Anneke van Giersbergen es ‘Miedo’,
Jermain van der Bogt (Wudstik) es ‘El Mejor Amigo’
Mike Mills es ‘Rabia/Padre’
Nienke Verboom es ‘Enfermera’
Peter Moltmaker es ‘Doctor’
Anita van der Hoeven es ‘Mamá’

Ayreon

Desde mi punto de vista, el profesor Arjen Anthony Lucassen es uno de los genios musicales más grandes de nuestra era. Podrá gustarnos más o menos su extensa obra, así como su propuesta, pero es innegable que el hombre tiene una capacidad inventiva enorme; y que ha sido capaz de crear, al menos, un sonido propio e inconfundible. Y él solo. Arjen Lucassen es casi un concepto aparte dentro del Rock. No digo que haya creado un subgénero (si bien podríamos discutirlo), pero lo cierto es que Ayreon no suena como nada que conozcamos, es algo de un singularidad absoluta, y de una calidad que va más allá de cualquier cuestionamiento posible. Un genio, punto.

Por lo demás, si hacemos una recapitulación de lo que ha sido su obra, nos damos cuenta de la cantidad de trabajos sobresalientes que hay en ella es gigantesca. Hay también una suerte de consenso que indica que Ayreon no tiene discos bajos. Solo si acaso la propuesta de Lucassen no es de tu agrado, o si tus inclinaciones gustísticas van por otros lados, podrías señalar que alguno de sus trabajos no te agrada. Si, por el contrario, eres seguidor del Rock/Metal Progresivo, seguramente tienes a varios de esos trabajos catalogados como piezas maestras. Quizás solo 01011001 recibió alguna crítica en su minuto, porque, a decir de algunos (me excluyo), evidenciaba un agotamiento de ideas, una excesiva repetición de éstas. Fueron esas críticas las que, de hecho, llevaron a Arjen a dejar en pausa su proyecto Ayreon y a buscar dar caudal a sus inquietudes musicales con otros proyectos (Star One y Guilt Machine). Tras cinco años el proyecto regresa, aparentemente renovado, pero eso es algo que relativizo. Y es que Ayreon tiene un sello tan marcado, que difícilmente podría Lucassen hacer cambios sustantivos que permitan hablar de un salto en lo estético. Para mí es más o menos lo mismo de antaño, pero no se equivoquen: yo creo que en eso está la mayor fortaleza y la magia de The Theory Of Everything.

Permítanme ser categórico: este The Theory Of Everything es una obra colosal. Un trabajo de proporciones siderales cuyos reales alcances solo serán revelados con los años. Y esto les digo: solo la presencia de otros discos excepcionales editados a lo largo de este 2013 hacen que no me atreva a declararlo disco del año de forma definitiva. Pero bueno, si no es el disco del año, está ahí, entre lo más alto. Y es que es un trabajo tremendo. Si un disco bueno es como una casa bien hecha, esto es una catedral.

El álbum está en parte basado en la obra de Douglas Adams, en una saga llamada The Hitchhiker’s Guide To The Galaxy (originalmente una obra radial), cuyo concepto central es el sentido supremo de la existencia misma. Allí una raza de seres superiores construye una mega computadora para obtener la respuesta a todas las preguntas, aquella que será capaz de desvelar el sentido de la vida, el universo y todo lo demás. Tras siete millones y medio de años calculando, la computadora Pensamiento Profundo revela que la respuesta es «42» (nótese el notable guiño de Lucassen a este fundamental hecho, al hacer que el número total de pistas de los dos discos del álbum sea cuarenta y dos). Al notar que la respuesta «42» no tiene absolutamente ningún sentido, estos seres preguntan a Pensamiento Profundo si acaso sabe qué significa esto, a lo que la máquina responde que no y que seguramente la pregunta fue mal formulada. Pensamiento Profundo además no sabe cuál es la pregunta correcta, por lo que los seres deben construir otra máquina que sea capaz de calcular la Pregunta Máxima. Allí es donde toda la historia se fundamenta. Es realmente interesante. Resulta que la máxima computadora del universo, esa que habrá de revelar el sentido de la vida es La Tierra. El programa durará 10 millones de años, pero justo 5 minutos antes de revelar la respuesta… Algo ocurrirá, algo que hará que el protagonista de la historia sea la clave de todo.

Ahora bien, si bien Lucassen toma como referencia directa la obra de Adams y toma de ahí algunas ideas (como la Teoría del Todo y el hecho de que la respuesta se encuentre en la mente de una persona), The Theory Of Everything no tiene correlación con las novelas, y por tanto la historia que Arjen intenta desarrollar es, aun con todas sus influencias y referencias, propia y original. En alguna entrevista, además, el hombre señala haberse inspirado en películas como Una Mente Brillante y Rainman, dejando ver que el foco del álbum está en el ser humano y su mente (algo como lo que quiso hacer en The Human Equation, el único disco de Ayreon que con una temática ajena a la ciencia ficción). Tener en cuenta estos factores temáticos será central a la hora de ponderar el disco con justicia.

La tragedia que se nos relata es sencillamente maravillosa, una de las historias más lindas, fascinantes y bien desarrolladas que haya visto en un disco conceptual. La narrativa además es sumamente directa, sin muchas figuras retóricas complejas, por lo que la historia es fácil de seguir. Por otro lado, el final que Lucassen decide darle a su cuento es simplemente brillante. Quiero pensar que en esas líneas finales cantadas por unos de los personajes está la respuesta a la máxima pregunta.  Ahora, intentaré aquí sintetizar la historia para ustedes: trata de un joven Prodigio (Tommy Karevik, de Kamelot y Seventh Wonder), un genio con el síndrome de Savant que vive en su propio mundo, aislado social y emocionalmente. Su mundo son solo números, fórmulas y patrones que él no pude dejar de codificar e intentar comprender. Sus padres sufren por él… En realidad, solo la Madre (Cristina Scabbia, de Lacuna Coil) sufre por él; el Padre (Michael Mills, de Toehider) es un maldito egoísta e inconsciente que al comienzo no se interesa en él, pero luego solo quiere usarlo para terminar su búsqueda de La Teoría del Todo. El Profesor (Janne J.B. Christoffersson, de Spiritual Beggars y Grand Magus) es lo más cercano a un amigo que tendrá, e intentará ayudarlo en todo momento. También hay una Chica (Sara Squadrani, de Ancient Bards), que a pesar de no haber podido nunca llegar a su corazón, desarrolla un conmovedor afecto por él. Luego están el Rival (Marco Hietala, de Nightwish y Tarot) y el Psiquiatra (John Wetton, de Asia, UK, ex-King Crimson, entre otros), un par de pelmazos. Mediante una droga suministrada por el Psiquiatra (con permiso del Padre) el Prodigio consigue llevar una vida más o menos normal (lo que en todo caso hace muy feliz al Prodigio), pero hay efectos secundarios (por esto es que la Madre se había opuesto). Dejan de darle la droga y su mundo vuelve a derrumbarse. Ahí es donde el Rival le ofrece su “ayuda”, a cambio de un cuestionable favor. A raíz de esto la Chica se decepciona y lo deja. Abrumado, el Prodigio busca refugio y se encierra a trabajar en la Teoría del Todo. Lo que pasa a continuación es extraordinario, y se los dejo a ustedes para que lo descubran.

En suma: tremendo rollo que nos presenta Lucassen en este álbum. Sumamente complejo, pero interesantísimo y para cuya comprensión la música será fundamental. La placa está llena de emociones y sensaciones, plasmadas todas en las letras y comunicadas de forma magistral por las melodías y armonías. No hay un solo segundo de este trabajo que no desprenda genialidad.

El comentario de este trabajo es complejo de hacer. Primero por la intrincadísima naturaleza de la obra del autor (nunca es fácil analizar un disco de Lucassen), y también por la magnitud y extensión de ésta. Verán: en teoría, se trata de solo cuatro canciones, o “fases”, según la nomenclatura ayreoniana; sin embargo estas canciones están divididas en varios segmentos, once en su mayoría (a excepción de la fase III, que solo tiene nueve). El total de cortes es, como ya dijimos impresionante: cuarenta y dos, ni más ni menos. Un viaje maravilloso a través del sentido que intentaremos desentrañar a continuación.

Todo comienza con Phase I: Singularity – I. Prologue: The Blackboard (de aquí en más, nos saltaremos la parte “Phase I: Singularity” de cada título), preciosa y teatral introducción que nos sitúa casi en el punto final de la historia (sí, porque más encima todo es un racconto). Son las 08:49 de la mañana del día de hoy, el escenario es el faro a la orilla del mar donde encuentran al Prodigio en terribles condiciones, y el Profesor y la Chica se preguntan si alguna vez entenderán el universo y al muchacho. Gaviotas y el sonido de las olas dan el vamos, luego Christoffersson y Squadrani inician de súbito un sentido diálogo, todo a la lumbre de los cálidos acordes de una guitarra acústica. Igual de súbita llega  II. The Theory Of Everything, Part 1, que nos transporta once años en el pasado, y nos muestra al Padre a punto de resolver la ecuación del sentido de la vida, así como a la Madre pidiéndole que pase más tiempo con su hijo. La música es brillante. Los sonidos de los sintetizadores de Arjen se van mezclando con los instrumentos de viento de Jeroen Goossens, todo con un ritmo casi marcial muy cautivador, y coronado por las descollantes interpretaciones de Michael Mills y Cristina Scabbia. Luego, con III. Patterns, un intrincado instrumental que conserva parte del carácter del corte anterior, refleja lo complejo y abrumador del mundo interior del Prodigio. El trabajo en batería de Ed Warby es tremendo, recayendo en él buena parte de la complejidad del tema. El trabajo en teclados es también extraordinario, pero es Ben Mathot quien hace que este mini temón brille con esplendor. Tras ello, en IV. The Prodigy’s World, vemos el drama que vive la Madre para comunicarse con su hijo, que es simplemente inalcanzable. Sin embargo, nosotros podemos echar un vistazo en su mente a través de Tommy Karevik y su extraordinaria actuación. Brevísimo, pero brillante.

Avanzamos en el disco y en el tiempo, pues ahora solo siete años nos separan del presente, y es aquí cuando el profesor se da cuenta de que el niño que tiene en su aula no es como los demás, sino que es un genio. V. The Teacher’s Discovery es puramente Ayreon, en el sentido de que demuestra que Lucassen tiene su propio sello. Sin embargo, ya por este corte es cuando comienza a quedar claro que este disco se la juega más por lo melódico que por lo Heavy. Lo realizado en teclados, en todos sus niveles, es magnífico y digno de admirarse. No deja de sorprender cómo el tipo puede generar todo un mundo frente a tus ojos con un puñado de acordes. Un quiebre se produce al comenzar el diálogo entre el Profesor y el Prodigio, quien intenta explicar sin éxito cómo es que es tan inteligente. Aquí hace su aparición el Rival, en la notable voz de Marco Hietala. Este detestable personaje seguirá su berrinche en VI. Love And Envy, aunque encontrará su contrapunto en la dulzura y en los nobles sentimientos de la Chica (Sara Squadrani), quien por cierto tiene una hermosísima voz. Por otro lado el violín de Ben Mathot vuelve a darle ese toque mágico que hace falta. Tras ello viene VII. Progressive Waves, una pieza instrumental que, si bien no aporta mucho a la historia, no se debe dejar pasar en vano, pues cuenta con monumentales solos de Keith Emerson (ex-Emerson, Lake & Palmer, en los sintetizadores) y de Jordan Rudess (Dream Theater). También se pueden escuchar varias intervenciones de algunos instrumentos de viento, todos a cargo de Troy Donockley (conocido por haber trabajado con Nightwish). Extraordinario.

En VII: The Gift, el Profesor visita al Padre para informarle de lo increíble que es su hijo, pero el Padre el muy burro como para comprender, aunque tras una acalorada discusión accede a intentar ayudarlo. La teatralidad entre ambos personajes es notable, es todo un combate lírico e interpretacional, con buenas melodías del teclado además. Y lo denso de los riffs de las guitarras aporta a este clima de tensión. Sobre el final hay un muy interesante despliegue de Warby. IX. The Eleventh Dimension es una preciosa composición en la que la flauta de Jeroen Goossens y el violín de Ben Mathot dialogan de forma muy sutil y emotiva. Dura menos de dos minutos, pero vaya que es uno de los instantes más bellos del disco. Aquello continúa con X. Inertia, momento íntimista en que el Prodigio intenta comunicarse con su Padre, diciéndole que no lo deje, que tiene algo que darle, pero no sabe cómo. En seguida, y ya para finalizar Phase I, viene XI. The Theory Of Everything, Part 2, canción que retoma el pegajoso fraseo que vimos en The Theory Of Everything, Part 1, pero ejecutado con distintos sonidos. Suena genial. Las líneas vocales también presentan variaciones, y ni hablar de la letra, pues es aquí es donde los padres del Prodigio deciden llevarlo con un terapeuta, algo que será decisivo en la historia.

La segunda canción, Phase II: Symmetry, inicia con XII. The Consultation¸ que es cuando la Madre y el Prodigio van donde el Psiquiatra a pedir ayuda. El diálogo que se produce es fascinante. El doctor le hace preguntas realmente profundas y el paciente responde con todas sus limitantes, y sin embargo te hace conmover. La Madre por su parte pide con desesperación que le ayude a llegar a su hijo (que fuerte debe ser eso para una madre). La música está en total sintonía con lo anteriormente descrito, pues es suave, melancólica y hasta con un toque de desesperación, y con una interpretación brutalmente apasionada de Karevik. Tras ello el Psiquiatra hace un diagnóstico (siendo el momento donde uno entiende por qué el Prodigio tiene tantos problemas). En efecto tiene algún grado de discapacidad, pero a la vez es un savant (sírvanse wikipedear el término, o ver Rainman, para hacerse una idea). Es un genio. Al mismo tiempo propone una droga experimental como solución al problema, aunque advirtiendo de posibles consecuencias. El Padre lo considera, pero la Madre lo desecha de plano. Y es notable como varía este corte en relación al anterior, aquí hay mucho más dinamismo y dramatismo, como si se tratara de “el momento de la verdad”, y claro que para los padres del Prodigio lo es. Un tema de Rock progresivo clásico, que por momento recuerda a Kansas. En XIV. The Argument 1 ambos padres discuten ferozmente la situación. La pista dura miserables 24 segundos, pero está cargadísima de intención y drama, tanto que uno no puede evitar involucrarse emocionalmente.

Resulta paradójico que uno de los momentos más lindos y cautivadores del disco corresponda al sinceramiento del despreciable Rival. Aquí el tipo muestra todos sus temores, todos condicionados por el Prodigio. Un flautín (Troy Donockley), una guitarra acústica, un cello (Maaike Peterse) y finalmente una flauta (Jeroen Goossens), evocan sonidos celtas y sientan una atmósfera fantástica, que será capitalizada de forma increíble pro el gran Marco Hietala, con una voz profunda y grave que irá aumentando y haciendo eco de sus miedos y aprensiones hacia el Prodigio. XVI. Surface Tension, es brevísima, pero presenta un colosal (¡aunque demasiado breve!) solo regalado por el monstruo de las teclas Rick Wakeman (ex-Yes). E inmediatamente viene XVII. A Reason To Live, uno de los pocos destellos de Power Metal del registro, lleno de energía y fuerza, y hasta esperanza me atrevería a decir, lo que se condice con la naturaleza de la temática, porque tanto el Profesor como la Chica buscan darle algo al Prodigio por lo cual vivir. Espectacular.

Lugo, XVIII. Potential se revela como uno de los puntos más altos de toda la producción. Es una pequeña maravilla del Rock Progresivo, variada, con una serie de capas, pero robusta gracias a su riffs principal. Además el trío formado por cello (Peterse), violín (Mathot) y flauta (Goossens) es par alucinar. Realmente increíble lo que esos tres logran armar en conjunto al comienzo, belleza pura. Y sobre el final también entran en acción, pero con el apoyo de guitarras y teclados, creando algo que es sublime. Líricamente también este corte es muy destacable, porque habla de la nobleza del ser humano: el profesor sabe que no hizo nada de valor en su vida, pero ayudar al Prodigio puede ser su única oportunidad de trascender en la vida y quiere hacerlo de corazón. La Chica, por su parte, solo quiere ayudarle a ser feliz.

El tiempo sigue su curso, ahora estamos a solo cuatro años del presente y la situación del Prodigio ha empeorado: ahora está más sumergido en el caos de su mundo de números, patrones y ecuaciones: XIX. Quantum Chaos. Parece no tener salida. El Padre se pregunta si acaso la droga que el Psiquiatra mencionó años atrás podría ayudar a su hijo, y en XX. Dark Medicine se nos habla del acuerdo al que llegan el doctor y el Padre para suministrarle la medicina al muchacho (sin que su Madre se entere, los muy malditos). En el siguiente corte, el Prodigio recibe la medicina, con un efecto positivo casi inmediato (aunque no permanente…). Por primera vez en su vida se siente normal, despierto, lúcido, ¡vivo! Las puertas de su mente se abren y escapa al mundo. Conmueve hasta las lágrimas lo que expresa el Prodigio en XXI. Alive! Y no creo exagerar, pues imaginar lo que debió sentir el protagonista uno se emociona muchísimo. Para mí es lo más emotivo y poderoso de entre todas las cuarenta y dos piezas que componen el álbum. Y es que al fin cada cosa está en su lugar, ¡al fin la vida tiene sentido para nuestro protagonista! Como un ciego que al fin puede ver, o como el ave que al fin escapa de su jaula y entiende lo que es volar. Y además la melodía con que el Prodigio y el Padre cantan esos inspiradores versos es como mínimo solemne y sublime, hímnica. Una belleza sin parangón. “Emocionante” es decir poco. Me faltan palabras para describir lo superlativos que están Karevik y Mills en este instante. De principio a fin esta canción es la perfección. Lo dicho: el punto más alto de The Theory Of Everything. Tras ello, en la breve XXII. The Prediction, la Madre, feliz por la mejora de su hijo (pues no sabe que se debe a la droga suministrada), habla de todas las maravillas que podrá lograr su hijo ahora.

El tercer tema del disco, o Phase III: Entanglement, está compuesto por nueve pistas, la primera de las cuales es I. Fluctuations. Es una canción instrumental breve y sencilla, que incluye acordes de instrumentos de vientos que transmiten paz y calma. El instrumento que se oye es una flauta de bambú, a cargo del, a estas alturas, indispensable Jeroen Goossens. Sobre el final hay un muy sencillo pero efectivo solo de guitarra, que se engarza al comienzo de II. Transformations, pasaje en el que J.B. Christoffersson se luce en su interpretación del Profesor, quien se alegra por la mejoría del Prodigio, pero se preocupa por lo que pueda haber detrás de esta recuperación. El contraste entre el poderío del preocupado J.B. y la suavidad en la voz del ahora feliz Karevik es notable. Es bastante Heavy por momentos, en los estándares de Ayreon, claro, con riffs muy buenos, que se complementan de forma perfecta con los sutiles teclados y suenan fantástico.

III. Collision es otro de los temazos de The Theory Of Everything, uno que sobrepasa una media que ya de por sí es bastante alta. Y es que claro, el Prodigio, lleno de confianza y con la mente clara, es al fin capaz de hacerle frente al Rival. Estamos en presencia de un colosal combate, un duelo de voces y frases entre Karevik y Hietala. ¡Tremendo! La velocidad y el ritmo se ajustan a las necesidades argumentales de la canción y se convierte en un portentoso despliegue de Power/Heavy Metal. Altísimas actuaciones en todos los niveles. Tras ello vendrá la debacle, pues en IV. Side Effects (esto ocurre tres años antes del presente) el Psiquiatra confirma que habrán consecuencias negativas tras el uso de la droga y advierte al Padre que hay que detener el experimento. El Padre le confiesa al Prodigio lo que hizo y este se enfurece y huye. Hay que notar la oscura atmósfera que rodea a la canción, y esa sensación de pesimismo que transmite: un profundo contraste con el corte anterior. En seguida llega V. Frequency Modulation, un instrumental que la verdad solo sirve de coda para la canción predecesora, aunque hay que señalar que tiene unas guitarras más que interesantes; asimismo, el trabajo a nivel de percusiones es monstruoso.

Los encantadores motivos celtas vuelven de la mano de VI. Magnetism, así como esa pulcra teatralidad que sostiene todo el concepto de una Opera Rock. Oscila entre lo bonito y lo siniestro, pues el Prodigio huye (en shock luego de las confesiones del Padre) y se encuentra con la Chica y el Rival. Ella solo tiene palabras de aliento y cariño para él, y ofrece refugiarlo, pero el insidioso Rival mete su cuchara y trata de disuadirla. Insisto en el asunto de la teatralidad, con Marco Hietala llevándolo a un nivel altísimo, causándote escalofríos y todo, pues se percibe la maldad en la voz del personaje. Esto no es casualidad. Es producto de un meticuloso trabajo de parte de Lucassen, un continuo meditar acerca de qué es lo que necesita tal y cuál canción, y en qué momento. Solidez total en esta pista. Y la siguiente no se queda atrás, pues es increíblemente hermosa. VII. Quid Pro Quo (locución latina que se puede interpretar como “una cosa por otra”) relata los hechos ocurridos dos años antes del presente, y en particular el momento en que el Rival le ofrece una salida al Prodigio, pues él puede duplicar la droga, pero a cambio le pedirá un favor de cuestionable moralidad, a lo cual el Prodigio no se niega, causando la decepción de la Chica. Formidable balada. Por otro lado, lo que hace Troy Donockley con su flauta es excepcional. Son de esos acordes mágicos que por unos cuantos segundos te arreglan la vida. Otra de las canciones excepcionales este trabajo.

VIII. String Theory es casi el epílogo de Phase III: Entanglement, una pequeña pero fabulosa composición mayormente orquestal, cuyos arreglos corrieron por parte de Siddharta Barnhoorn, mientras que los principales instrumentos que se oyen son cortesía de los ya mencionados Maaike Peterse, Ben Mathot y Jeroen Goossens, un montón de cracks que en verdad se erigen como fundamentales para el éxito del álbum. Y a continuación de ese brillante despliegue de genialidad viene el final de esta fase: IX. Furtune? Un final ciertamente dramático, pues el Prodigio accedió a hacer lo que el Rival le había pedido, rompiéndole el corazón a la pobre Chica. Maldito sea ese Rival. El comienzo es bastante pesado, con Hietala aportando toda la fuerza de su voz, que a su vez se sostiene sobre solidos arreglos de guitarra eléctrica. Sin embargo, al momento de hacer ingreso Karevik todo cambia, para llegar a un desenlace lleno de amargura para esta parte del segundo disco, y que sin duda deja las expectativas muy altas respecto de lo que pueda pasar.

Con la cuarta canción, Phase IV: Unification, ya comenzamos a acercarnos al final de la historia (no tanto del disco, porque faltan como 11 pistas); a partir de aquí comienza el desenlace. Esto ocurre tres meses antes del presente, y en este primera parte, X. Mirror Of Dreams, la Madre y la Chica se encuentran, como buscando alivio la una en la otra, se dan consuelo, pero se preguntan así acaso alguna vez tuvieron alguna importancia para el Prodigio o fueron «meros reflejos en un espejo de sueños». Es una balada dulce y sobrecogedora, donde predominan las cuerdas de una guitarra acústica y las de un cello, y cuya hegemonía solo es quebrantada por la flauta. Seguimos con XI. The Lighthouse, donde el Prodigio acude a su único amigo: el Profesor, y éste le halla un refugio donde él podrá ponerse a trabajar tranquilo: un faro. Nuevamente oímos los sonidos de gaviotas, el viento y el mar, dándole una pincelada casi cinematográfica. La primera mitad es muy suave, llena pequeños detalles, con los teclados de Arjen dominando y el pulsar de unas cuerdas acústicas adornando el fondo, pero al iniciar la segunda mitad del corte todo explota con fuerza e irrumpen las guitarras eléctricas. En los segundos finales acelera, pero solo para que lo siguiente, XII. The Argument 2, tenga un inicio lleno de tensión y belicosidad, pues se trata del momento de mayor antagonismo entre la Madre y el Padre. Instantes aplastantes son los que se dejan oír en este breve interludio, realmente muy Heavy por momentos. Y hay que decir que Cristina Scabbia está soberbia.

La tremenda XIII. The Parting marca un punto de inflexión. Esto ocurre el día anterior a los eventos del presente. La Madre decide finalmente dejar ir a su hijo, mientras que el Padre toma una inesperada decisión, una que será central a la hora de entender el mensaje definitivo del álbum: se suicidará. Composición realmente intensa, como muchas variaciones y puntos altos, como el que protagoniza Steve Hackett (ex-Genesis), con un alucinante solo de guitarra que no hace sino ponerle el broche a una canción que ya era rutilante. En XIV. The Visitation comienza a vislumbrarse el giro dramático que, desde mi punto de vista, hace de esta obra algo que está muy por sobre el promedio. Esto porque el Padre se presenta en el faro, la noche anterior al momento que hemos venido llamando “presente”, para pedirle a su hijo un último esfuerzo y así resolver la ecuación que les permitiría dar con la Teoría del Todo y la respuesta a todas las preguntas del universo. ¿Pero cómo es posible eso? ¿No había fallecido ya el Padre? Efectivamente. ¡Ajá! Les interpretaciones se las dejo a ustedes, pues en descubrir qué ocurre está el gran valor de esta placa. Corte lento, suave, pero no por eso carente de poder, y es que es en ese dialogo Padre-Hijo está contenido todo.

XV. The Breakthough es uno de los hitos más emocionantes del álbum, sobre todo si la historia te ha atrapado. Aquí es donde finalmente dan con la respuesta, aquí es donde hallan el sentido de la vida, ¡de todo! Lo más genial es que el ritmo acelerado y vertiginoso de la música (con algunos toques de Jazz) va de la mano con el abrumador ritmo con que el Padre y el Prodigio trabajan, a pesar del cansancio. Es como si una máquina estuviera produciendo su mejor producto. Extraordinario momento. La batería de Warby y el bajo de Lucassen se llevan buena parte del trabajo. Tras ello, tras el gran logro, estando débil y a punto de colapsar mentalmente, el protagonista logra escribir una nota (XVI. The Note) para su amigo el Profesor. No con la respuesta, sino con un agradecimiento y una despedida. Devastador momento de la trama.

Continúa el trágico desenlace con XVII. The Uncertainty Principle. Son las 08:03 de la mañana y casi estamos en el presente. El Profesor, como todos los días, va al faro a ver al Prodigio, pero lo que encuentra es horrible. El joven está en un rincón, en un estado catatónico, perdido en su mente, y jamás habrá de volver. Lee la nota y se da cuenta de que Padre e Hijo dieron con la ecuación maestra, pero ahora, debido al estado del Prodigio, solo el Padre puede darla a conocer al mundo, a lo que la Chica replica con devastadoras noticias, pues confirma que el Padre se quitó la vida al anochecer anterior. Reitero: el sentido que hay detrás de este giro queda a interpretación de cada uno, pero tengan esto presente: lo que sea que se interprete, es también la respuesta que el Prodigio y el Padre tanto buscaban. Por esto es que afirmo que el desenlace de esta historia es soberbio y maravilloso. La canción misma transita desde esa aparente calma definitiva, desde esa certeza que es saber que se halló la respuesta, a una dramática secuencia llena de tonos mayores que nos devuelven la duda acerca de cuál puede haber sido esa respuesta, todo a medida que la Chica va relatando los infortunados hechos.

Queda poco para el final y XVIII. Dark Energy¸ un conciso y preciso instrumental sumamente melódico, sirve de puente entre lo anterior y los capítulos finales. XIX. The Theory Of Everything Part 3 se plantea desde las 09:46, casi una hora después de que comienza la narración (08:49), pero aun es el pasado. Allí la Madre y la Chica plantean que aún no estamos listos para conocer la Teoría del Todo, al tiempo que lamentan todo lo que han perdido. La pregunta de fondo parece ser: ¿cómo vamos a entender el sentido de todo, si no hallamos un sentido para nuestras propias vidas? Ahora ellas se dedicarán a encontrar esa razón para vivir. La melodía es la misma que en las dos primeras partes, pero con ciertos matices. Es una tonalidad algo más lata, y con violines, cellos y flautas reales mezclándose con el omnipresente accionar de los sintetizadores. Las melodías vocales que entonan Scabbia y Squadrani son soberbias y llenas de pasión. Y si sumas eso a las orquestaciones que pueden oírse de fondo, el efecto es inconmensurablemente glorioso.

El álbum finaliza con XX. The Blackboard (Reprise), el momento exacto en que la narración se une con el presente. Ya todos dejaron la casa del faro, el Profesor se encuentra solo contemplando las fórmulas que hay en el pizarrón que solía ocupar el Prodigio y nota que, a pesar de que el Prodigio nunca estuvo con su Padre aquella noche anterior, hay dos estilos de escritura distintos en el pizarrón donde están escritas las incomprensibles fórmulas. El Profesor entonces se pregunta: «What -unseen forces- did conspire, uniting a father and… his son…?» Y esa es la pregunta maestra, creo yo: ¿qué fue lo que hizo que al final de todo, y a pesar de todo, el Prodigio perdonara a su padre y se decidiera a ayudarle? Es una interpretación muy personal, pero creo que la respuesta a eso es también el sentido de la existencia. Arjen Lucassen se encarga de no hacerlo explícito (y tampoco lo haré yo) y dejarlo a criterio de cada oyente, como un misterio cuya solución de cierta forma todos intuimos. Increíble final. Como dije antes: de lo mejor que alguna vez vi en una historia (y no hablo solo de la música, pues lo hago extensivo a la literatura y al cine). Impecable e inmejorable cierre.

Fascinante. Estremecedor. Trascendental… Escasean los calificativos a la hora de intentar definir lo que es este enorme trabajo de Ayreon. Pocas veces me había tocado escuchar algo que fuese tan completo en tantas dimensiones y se acercara de forma tan notoria a la perfección. Como dije al comienzo: solo la existencia de otros discos verdaderamente excepcionales me hacen dudar a la hora de darle a The Theory Of Everything el título de Disco Del Año, pero está ahí, entre lo mejor que escuché en todos mis años de Metal y sin duda entre lo mejor del año. Solo queda agradecer al profesor Lucassen por todo lo brindado a lo largo de su carrera y en este disco en particular. Una historia brillante de principio a fin, con una musicalización tanto o más extraordinaria. Es de esperar que su grandeza no pase desapercibido y que el tiempo le dé el lugar que le corresponde. ¡Discazo!