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THE POET, ANETTE, THE PENDULUM & CHILE

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Cuando a mediados de Julio del 2002 esta destacada agrupación finlandesa cerró su show en Santiago, jamás imaginamos los fans chilenos tener que esperar largos seis años para disfrutar nuevamente de la calidad de las composiciones de Tuomas Holopainen en vivo, aunque claro está, todos sabemos que como dice el refrán, “mucha agua ha pasado debajo del puente” desde aquella época y por algo la espera fue tan extensa. En efecto, no son solamente los años los que separan a esa banda “versión 2002” de la que se presentó el pasado 23 de Noviembre en Santiago, no no, hay muchos otros aspectos a comentar: primeramente, la banda 2008 es una cuasi megabanda para la escena mundial, sin duda entre las más importantes de Europa y récord de ventas en muchas partes del mundo, además que sus videos en Youtube son de los más vistos de la escena metalera, tienen no cientos de miles, sino millones de vistas (algo muy destacable) y parece esto no detenerse.

nightwish08_01Pasando a otro ámbito, cómo no mencionar además que el 2002 vimos en Santiago a un Marco Hietala recién integrado que, aunque dio muestra notable de experticia en voces y en las cuatro cuerdas del bajo, no es comparable al mismo sólido e importante integrante que se ve en esta “versión 2008”, como 2º frontman “on stage»; por otra parte hay un claro giro consolidado de la banda en cuanto a orientación de estilo-composición (aspecto confirmado por el mismo Holopainen en diversas entrevistas “Nightwish abandonó las líneas vocales líricas desde el álbum Century Child. Mucha gente reclama ahora que el estilo operático se fue con la llegada de Anette a la banda, yo creo que eso ya ocurrió como 5 años atrás”), por ende aunque Century Child, Once y Dark Passion Play son del ciclo de los álbums “no operáticos” de estos nórdicos, en el año 2002 los fans y el público en general aún esperaban un show mucho más “ópera metal” debido al estilo de la primera y recordada vocalista, Tarja Turunen, quien inició toda una corriente al vocalizar permanentemente de forma lírica las letras heavy/powermetal. Bueno, finalmente, cómo no mencionarlo(!), (quizás muchos de ustedes esperaban que esto estuviera como hecho número 1, pero creemos que no es bueno “sobre dramatizarlo”…), sí, el 2002 estaba Turunen en las voces, y el 2008 ya no, y al igual que Dickinson-Bayley, Matos-Falaschi, Halford-Owens y Kiske-Deris entre muchos otros ejemplos, siempre es difícil vivir “a la sombra” de un grande, no defraudar a los fans y ganarse su confianza…. es lo que vive Nightwish en esta gira, uno de los grandes desafíos, ver cómo su nueva integrante Anette Olzon lidera las voces de la banda en reemplazo de la recordada, amada y talentosa Tarja Turunen…

BYE BYE TARJA, HI HI ANETTE…

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Sin teloneros y ante un público que lleva marcada la palabra lealtad como tatuaje sobre y bajo la piel, a las 19:07 se apagan las luces y se comienza a escuchar la intro que dará comienzo al más que esperado show…eran alrededor de 2.000 almas metaleras que querían mostrarle toda su admiración a Holopainen, y su cariño a Anette Olzon, y ya estaba(!), listo(!) solamente un par de segundos después aparece el sólido batero Jukka para tomar lugar en su batería Tama, seguido por Tuomas (con impecable sombrero de copa) y Marco Hietala, quienes, a decir verdad, no podrían haber entrado caminando más lento para llegar a sus lugares (fue casi extraña tanta lentitud) finalmente el “en general” más enérgico Emppu toma las 6 cuerdas sin tampoco aportar mucho a la emoción, y de esta forma comenzaban ya los motivos del primer tema, pero hay que decirlo, con algo de frialdad…(sí claro, el griterío de las fans fue enorme al ver a Holopainen), pero no sé si fue la falta de un grupo telonero, o la banda estaba muy agotada luego de esta tan extensa gira, pero en todo este inolvidable año 2008 no vi un comienzo menos enérgico que éste… en fin, luego de comenzar con las partituras animadas de “Bye Bye Beautiful” al fin vimos a la esperada Anette que entra también caminando muy lentamente “como sin querer incomodar a nadie” y cantando “muy demasiado concentrada” como para regalar sonrisas y movimiento…fue algo extraño, la música de Nightwish es espectacular y el sonido de esa tarde en ese primer track era simplemente IMPECABLE, no hay otra palabra, pero el show era frío…y ahí estaban los protagonistas, el poeta (Holopainen), Annete, Chile y el péndulo de la emoción que estaba en coordenadas frías e incluso algo displicentes.

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Sin tiempo para respirar a continuación se escucha otro buen tema del potente Dark Passion Play, esta vez era el turno de “Whoever Brings the Night”, nuevamente con un sonido impecable, una vocalización excelente de Anette, casi igual a estudio, muy bien logrado por la banda también, pero algo seguía nuevamente faltando… aún el péndulo no se hacía girar hacia la potencia… no podemos decir que era hasta ese momento un show “vibrante”, sin embargo, las cosas de a poco iban a cambiar.

nightwish08_31Al terminar el tema al fin escuchamos a Anette dirigiéndose especialmente al público, queríamos que emocionara más el ambiente con un grito o un saludo vibrante, pero no fue así, sino todo lo contrario, y no lo digo como crítica, sino como grata sorpresa, ya que luego de un amable “hello Chile” y de informarnos que venía “The Siren” (del álbum “Once”) era ahora fácil darse cuenta que Anette es diferente a mucho de lo que hemos visto, es súper femenina, suave, tierna, sensible, por ello molesta mucho ver a quienes la critican decir que es “pop”, que vive en la sombra de Tarja, o que en vivo no rinde… eso es porque simplemente tienen sus mentes bloqueadas por el prejuicio… ahora se entiende bien lo que podría haber acontecido en el show de Belo Horizonte en Brasil y sus consecuencias (en ese show Nightwish tuvo que parar antes de la mitad porque Anette tuvo un quiebre emocional, incluso lloró)… eso había pasado un par de días antes de llegar a Chile y como causa complementaria (además de la explicación oficial que se le había ido la voz por demasiado humo en el escenario) se hablaba mucho que habían diversos “fans” que la insultaban de muy mala forma tanto en vivo como por otros medios y eso la tenía muy afectada… en fin, si uno analiza lo visto, efectivamente a diferencia de los videos que se pueden ver en Youtube, en especial el “Lowlands 2008” donde se ve muy alegre, motivada y con mucha más energía, acá en Santiago se notaba casi apagada ¿qué pasaba?, como que se estaba cuidando mucho de no sobreactuar y solamente de cantar bien. Uno nunca sabe, quizás por cuáles otras cosas desagradables habrá tenido que pasar, y bueno, hay que entender que ella tiene todo el derecho a ser sensible y por lo demás, es mujer, y como mensaje a los hombres al menos, por el solo hecho que es mujer hay que respetarla, y punto… hay muchas cosas que podrán “cambiar”, pero algo que nunca debería morir es la caballerosidad, y sobre todo hacia una de las nuestras, a una vocalista de una banda de metal… qué bueno que en Chile la hayamos tratado muy bien.

nightwish08_05Volviendo al show, al finalizar el tema, es Marco quien dirige unas palabras simpáticas y nos recuerda que ha pasado mucho tiempo que Nightwish no estaba en Chile, todo esto para luego regalarnos luego una muy buena ejecución de “Dead to the World”, la que estuvo cargada de una serie de símbolos que comenzaron a encender más el show: se mostró a un Emppu algo más energético, tocando los solos apoyado en el parlante de retorno y jugando más con su lado del público, Marco y Tuomas en actitudes más lúdicas y Anette tomando con respeto una bandera chilena arrojada al escenario, lo que naturalmente motivó aplausos y soltó más a la vocalista: este público la amaba, era cosa que se dejara querer solamente.

Lo que vino a continuación fue la esperada “antena” del Dark Passion Play, la excelente “Amaranth”, que fue ejecutada por todos excelente, impecable, además, cómo no mencionar que Anette tuvo que competir con 2.000 vocalistas que la disfrutaron entera y se la cantaron toda(!).

A continuación luego de un breve intermedio, escuchamos al “vocalista Marco Hietala” interpretar la muy nórdica melodía de “The Islander”, y aunque la ejecución fue muy buena, quizás no era el momento de un tema lento, sin embargo las palmas del público hacia el final de a poco encendían el ambiente, tanto así que al finalizar la música, se comenzaba a sentir un muy claro (y latino), OLE OLE OLE OLE, NIGHTWISH, NIGHTWISH!!!

Y listo, la espera de más de un año para escuchar en vivo a una de las obras maestras de Holopainen llegaba a su fin, “The Poet and the Pendulum” se hacía presente en toda su dimensión; luces tenues que destacaban aún más el espectacular telón de fondo con los motivos “marinos” del gran álbum Dark Passion Play, teclado inicial, bajo, batería + guitarra y ya teníamos a Anette cantando las primeras melodías del primer tema de la era “post Turunen”; increíble como la letra fue entonada por todos los presentes y pese a la extensión de la canción, el tiempo tanto de él como del show completo se pasaba volando… Anette podría haberse destacado más si hubiera cantado alto las partes que le correspondían al personaje del “niño” hacia el quiebre de la primera parte rápida del track, pero fue una impecable ejecución, y ya la banda se estaba soltando más, quizás sacándose ya la presión sentida en Brasil y comenzando a disfrutar a esta ultra incondicional audiencia chilena; muestra de ello es que Emppu hacia el final tiró su uñeta al público y terminó tocando con los dedos, cual guitarra clásica(!), fue un momento destacable.

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A estas alturas del show, definitivamente “el péndulo” de la emoción estaba en pleno movimiento hacia la pasión, porque la hermosa canción del Wishmaster llamada “Come Cover Me”, no les salió bien, les salió perfecto, con una vocalización notable de Anette que al darle un toque tan especial al tema, lo podría hacer de ella sin problemas, fue notable, por primera vez se ve a la vocalista jugar con confianza por el público, y lograr la conexión que le faltaba, no con la gente ni con la banda, ya que estaba haciendo bien el trabajo, sino que la conexión con ella misma, ahora sí, de acá en adelante fue un gran concierto…

La explosión siguó ahora con la “pesada” “Dark Chest of Wonders”, la que fue júbilo total y estruendo, el comienzo de Emppu y Marco fue realmente contagioso en energía, así los queríamos ver desde el comienzo(!).

Luego de tan “potente” instante, Anette nos contaba que llegaba el momento de pensar en quien uno ama, y bueno, hubiera sido genial que se diera paso a “For The Heart I Once Had” pero no, fue otro turno completo para Marco, quien interpretó el tema que se hizo famoso por Youtube “While Your Lips Are Still Red”, en fin, ¿porqué no eligieron otro?, el momento requería otro perfil de música…bien ejecutado, pero mal elegido…

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La seguidilla de los últimos tres temas fue sin duda lo mejor del show en cuanto a emotividad y energía, el excelente track “Sahara” contó con una banda 100% afiatada que deleitó con una interpretación mejor incluso que la versión en estudio; momentos importantes fueron cuando una ya relajada y confiada Anette nos dice “hey Santiago, I need your help” para jugar con algunas líneas vocales sencillas y hacer subir la emoción hasta decir basta: banda y público quedaron a mil, a mil.

A continuación, antes del Encore el emblemático “Wishmaster” fue el encargado de regalar un derroche de potencia y estruendoso júbilo; en esta nueva versión destaca una mayor participación de Marco Hietala y una intro más lúdica. Nota aparte merece el comentario de la interpretación cuando la vocalista toma una bandera chilena lanzada desde el público y se sube al altillo de la batería para hacerla flamear con fuerza…ojalá hubiera tenido esa confianza todo el show, pero bueno, lo muy rescatable de esto es que se dio cuenta que en Chile tiene un público incondicional para ella(!)

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ENCORE

Antes de la despedida muchas cosas pasaron, luego de la pausa y al entrar nuevamente la banda viene un saludo/reconocimiento al hombre del sonido de Nightwish, también una reverencia y saludo especial de Tuomas a todos los finlandeses que se juntaron en el palco central del teatro, por otra parte uñetas de Emppu volaban como regalo al público y Marco Hietala pedía especialmente al público un: “griten”. Respecto a Anette, se mostró muy emocionada al recibir una bandera chilena con el nombre de ella (felicitaciones a las autoras/es de tan lindo gesto), broche perfecto para dejarle claro que no tenía que entrar tan cuidadosa al escenario, acá en Santiago los fans la iban a aprobar sea como sea(!), y la verdad sea dicha, después de lo mal que lo pasó en brazil, se lo merecía, gracias a su talento hay un nuevo Nightwish que tiene mucho más que dar para el futuro.

nightwish08_36Así como criticamos en algo la ubicación de los temas lentos en el setlist, aplaudimos que se haya decidido terminar con la ultra potente “Whish I Had an Angel”, fue un momento brillante para un muy buen show, el que, cual péndulo, partió algo en la coordenada fría de la música para terminar en la pasión y energía que se espera de un show metalero… vimos en Santiago el título exacto que le dimos al live review: al poeta Holopainen, la nueva vocalista Anette, el péndulo mencionado, y los gloriosos fans chilenos que se merecen nota aparte por su entusiasmo.

Para terminar y a modo de conclusión, podemos decir que se vio a un Tuomas con su talento de tecladista de siempre, pero más la estampa de compositor que hace que no sea necesario que hable al público, además vimos varios headbanging que regaló, y aunque pecó un poco de distancia/frialdad en los primeros temas, al igual que Emppu y Marco, como ellos fue integrándose a la energía del ambiente mientras pasaban los minutos. Por otra parte hay que destacar la regularidad en todo aspecto del potente Jukka, quien siempre se vio afiatado y con mucha pasión por su instrumento, blandiendo y golpeando sus baquetas. Finalmente, y sin duda lo más importante del show, es que apreciamos a una rubia (y de look más vikingo) Anette Olzon que cumplió con creces su labor, de forma sólida y profesional durante todo el show, solamente le faltó para tener un 10/10 haber entrado con más confianza para haberse soltado más en los tonos altos (algunos los eludió) y además mejorar su desplazamiento escénico, pero ciertamente su actuación fue un tapaboca para muchos de los escépticos, encantando además con su feeling delicado y simpatía, fue la última que salió del escenario, pero la primera para todos los fans que querían verla y darle su cariño..…los fans, los fans, qué sería de las bandas sin ellos, y bueno, Nightwish puede decir con conocimiento de causa que sus incondicionales fans chilenos deben ser de los mejores del mundo, después de esa noche, ¡qué duda cabe!

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Setlist:

01.- Bye Bye Beautiful
02.- Whoever Brings The Night
03.- The Siren
04.- Dead To The World
05.- Amaranth
06.- The Islander
07.- The Poet And The Pendulum
08.- Come Cover Me
09.- Dark Chest Of Wonders
10.- While Your Lips Still Red
11.- Sahara
12.- Wishmaster
13.- Wish I Had An Angel

EL ACERO BRITÁNICO ESTÁ MÁS PODEROSO QUE NUNCA

“Levantándose de la oscuridad donde el infierno no tiene piedad y los gritos de venganza hacen eco para siempre, solo aquellos que guardan la fe escaparán de la ira del Metallian… El amo de todo el Metal”.

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Quise partir esta reseña citando la mítica leyenda que aparece en la contraportada del vinilo del Defenders Of The Faith (por cierto, mi disco favorito de Priest). Es que en un principio pensé escribir una crítica del show y centrarme netamente en la perfomance de la banda, es decir, lo usual cuando abordamos este tipo de reseñas. Pero después de presenciar el show del pasado Jueves 6 de Noviembre y comprobar que la banda se encuentra en un nivel altísimo a pesar de los años, me parece que sería demasiado aburrido. A lo que voy es que tratándose de mega bandas que históricamente no son sólo reconocidas por su impacto en el universo musical, sino también por toda la mitología que las envuelve, escribir sólo de lo visto en el escenario no le haría justicia.

jp_03Creo que muchos estarán de acuerdo en esto conmigo, pero ¿podemos dudar de la calidad y desempeño en directo de una banda con un recorrido de 35 años y la cual conjuga mejor que nadie la evolución del estilo que amamos? Sin faltarle el respeto a ninguna agrupación en especial, no es lo mismo comentar un show de cualquier banda actual dentro del Heavy Metal o Rock que un show de Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest, AC/DC, Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Kiss o W.A.S.P. por nombrar sólo algunas. Y en ningún momento se trata de bajarle el pelo a las bandas actuales, sino más bien, dejar en claro de que ellas pasarán a la historia por su aporte en lo musical, sin embargo, carecen de ese elemento “místico” que siempre rodeó a las leyendas que mencioné.A Judas Priest los tildaron alguna vez de satánicos, a Alice Cooper le boicoteaban los conciertos, W.A.S.P. y Ozzy fueron perseguidos por el PMRC (institución liderada por la “respetable” Tipper Gore), de Kiss se decían que eran niños al servicio de Satanás, Iron Maiden no pudo tocar en Chile en 1992 por la presión que ejerció la iglesia católica y otros organismos y personas en aquel entonces, etcétera. A lo que voy es que estar en el ojo del huracán y ser perseguido por diversos sectores políticos y religiosos, ayudó a que el Rock alcanzara un status impensado, convirtiéndolo en algo más que un simple estilo de música, es decir, un fenómeno social.

Y dado que fui el elegido para escribir esta reseña me tomaré algunas licencias para abordarla, por ejemplo, para nosotros los fans del Heavy Metal asistir a un show de alguna de nuestras bandas favoritas (más aún si se trata de una mega banda como Judas Priest) es prácticamente un ritual. Y creo que esto toma ribetes aún más “ritualisticos” cuando eres un fan de región como quién escribe. De manera disciplinada cumpliendo con lo mismo por más de una década: juntarme temprano con misamigos en el centro de Valparaíso para emprender el viaje en auto hacia Santiago, escuchando la música que nos apasiona, conversando de distintos temas relacionados con música, cine, la vida y por supuesto la banda que nos congregaba JUDAS PRIEST. Y bien, así es como salen en la conversación temas tan singulares como la mitología que envuelve a la banda y si muchos de los personajes que abordan sus canciones pertenecen a un mismo universo paralelo (Dreamer Deceiver, Tyrant, Exciter, The Ripper, Painkiller, Dissident Aggressor, The Sentinel, etcétera); o el tratamiento casi vejatorio por parte de los otros integrantes hacia el discreto Dave Holland en los videos ochenteros (por ejemplo, miren la parte de la ducha en el video de Hot Rockin’ o cuando van todos en moto en Turbo Lover) o sobre frases que se refieren de manera subliminal a la sexualidad de Rob Halford, en la época en que a nadie se le pasaba por la cabeza de que el bueno de Rob defendía los colores del otro equipo (Hell Bent For Leather, Eat Me Alive, etcétera). Por eso más arriba mencioné que cuando una banda engloba tanto y despierta tanta pasión y fanatismo es imposible referirse solo a lo musical, simplemente porque estamos hablando de una banda que nos reafirma que el Heavy Metal es algo más que un simple estilo de música.

jp_07Si tuviera que resumir en una palabra lo visto el día Jueves 6 de Noviembre sería: I-M-P-R-E-S-I-O-N-A-N-T-E. Un sonido claro y demoledor, una puesta en escena notable, una banda en plena forma y lo más importante, un set list muy bien elegido. Es sabido que Nostradamus ha sido un disco polémico, hay gente que le gustó mucho (como yo) y otros que lo encontraron muy aburrido, por eso de manera inteligente eligieron las canciones de ese disco que mejor funcionan en vivo para reproducirlas durante la gira. La tenebrosa introducción Dawn Of Creation daba paso a la pesadísima The Prophecy, con un Rob Halford saliendo desde abajo del escenario sobre una plataforma con una capucha gris color metálico y con un báculo con el símbolo de Metallian. Fue el primer golpe efectista -incluso para quienes odiaron Nostradamus -uno de los amigos con quienes asistí al show en ese momento me comentaba que con el correr de los años Rob Halford se ha convertido sobre escena prácticamente en un personaje de fantasía o mitología (según el punto de vista de la historia que está narrando), apreciación que comparto totalmente.

jp_08Caía el primer clásico de la noche con Metal Gods, uno de las canciones “de estadio” de la banda, acompañada por los ya míticos movimientos robóticos de Halford al ritmo del riff principal y en donde todos los presentes levantaron sus puños para entonar el coro que retumbó en cada rincón del Arena Santiago. La descarga siguió con Eat Me Alive, de mi favorito Defenders Of The Faith, el cual fue toda una delicia de presenciar en directo. A estas alturas se notaba a la banda en una onda muy distinta a la del 2005, con un Scott Travis castigando brutalmente sus tarros, un sobrio pero extremadamente exacto Ian Hill cumpliendo su labor a la perfección, Rob Halford cantando increíble (muy por sobre el nivel que mostró la vez anterior) y la dupla Tipton/Downing repartiéndose solos memorables para el deleite de los presentes. El notable Between The Hammer And The Anvil fue el primer corte del Painkiller que revisaron esa noche lo cual les valió una tremenda ovación, para luego desempolvar una joya del Screaming For Vengeance, me refiero a Devil’s Child, la cual Rob abordó con inteligencia modificando los difíciles agudos de la versión original, contando además con la ayuda del público que la coreo entusiastamente.

Todos estamos de acuerdo que las reglas están hechas para romperlas por lo que era el turno de la infaltable Breaking The Law y el estadio casi se viene abajo, dado el nivel de adrenalina del show todos la disfrutamos a concho. Hell Patrol fue otro momento memorable, otra de las favoritas y que ejecutaron de manera perfecta. Llegaba el momento del segundo y último corte del Nostradamus que presentaron, la excelente Messenger Of Death con Rob sentado en un sillón/trono con cráneos a los costados (empujado hacia el escenario por un roadie vestido con una capucha negra), la verdad una canción que funcionó de manera perfecta y el despliegue teatral que le puso Halford dejó a todos impresionados. Era hora de retroceder en el tiempo hasta el mítico Sin After Sin con el colosal Dissident Aggressor, una joya relegada por años y rescatada para esta gira (de la cual Slayer grabara una excelente versión para el South Of Heaven).

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Momento de “relajo” con Angel, la correcta balada perteneciente al disco Angel Of Retribution, que bajaba las revoluciones ayudándonos a recuperar el aliento para lo que se venía. La luces se vuelven tenues, aparece un telón con la imagen de un ojo cibernético y comienza a sonar la pista de la instrumental The Hellion, lógicamente lo que se venía era Electric Eye y nuevamente el estadio se venía abajo. Este servidor se emocionaba con Rock Hard Ride Free, otra de mis favoritas personales, que el público también la coreo con fuerza y Halford –al igual que en Devil’s Child- modificó en algunas partes del coro. Sinner nos llevaba de vuelta a 1977, con una versión que me puso los pelos de punta y con Halford sacando fuerzas desde las profundidades del infierno en la parte que dice “Sacrifice to vice or die by the hand of the sinneeeeeeeeeeeeeeeeeeeer”. Una canción que es el fiel reflejo de que Priest siempre fue una banda adelantada a su época, tocando con esa velocidad y desenfreno cuando bandas como Iron Maiden y Saxon -por nombrar un par- estaban en pañales. Muchos ya estàbamos en estado de éxtasis a estas alturas, a la mierda la objetividad (dentro lo subjetivo que es esto), a la mierda con bandas menores y amateurs fuera del metal, esto es Priest, esto es Heavy Metal de verdad, ¡qué clase magistral de potencia, pasión y huevos!

jp_10Scott Travis daba el vamos a la monumental interpretación de Painkiller y el público nuevamente fuera de sus casillas. Con esta canción terminaba el set regular y la banda salía de escena, el público pedía deseoso su regreso y minutos más tarde comienza a sonar el rugir del motor de una motocicleta. Se veía uno de los momentos más esperados de la noche, se abren las compuertas de debajo de la tarima de la batería y aparece Rob Halford montado en su Harley, el público se vuelve loco y la banda comienza, como no, Hell Bent For Leather. Ya no quedaba voz a estas alturas menos para corear The Green Manalishi (With The Two Pronged Crown), el clásico cover de Fleetwood Mac, inmortalizado en el maravilloso disco en vivo Unleashed In The East de 1979, otro momento “Kodak” que nos emocionó profundamente. Después de esto vino el clásico juego de Rob y el público con sus clásicos “Oh Yeah” que esta vez fueron más operáticos que de costumbre, dándose el lujo de cantar a capella lo que por momentos lo convirtió más en un tenor que en un Metal God. Para cerrar la cortina definitivamente “You’ve Got Another Thing Coming”, donde el público tuvo la su última oportunidad de la noche para interactuar con la banda. Vítores, aplausos, gritos para despedir a esta leyenda que dictó cátedras con un show sin puntos bajos.

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En mi opinión, este show se hubiese convertido en histórico de haber sido en un Teatro Caupolicán abarrotado en lugar de un Arena Santiago a un 60% de su capacidad. Como dije, me pareció muy superior al de 2005, con una banda con muchas más ganas y con un set list que sacrificó clásicos para privilegiar canciones que los fans acérrimos siempre quisimos escuchar(!).

Setlist:

1.- Intro: Dawn of Creation
2.- Prophecy
3.- Metal Gods
4.- Eat Me Alive
5.- Between The Hammer And The Anvil
6.- Devil’s Child
7.- Breaking The Law
8.- Hell Patrol
9.- Messenger Of Death
10.- Dissident Aggressor
11.- Angel
12.- The Hellion / Electric Eye
13.- Rock Hard, Ride Free
14.- Sinner
15.- Painkiller
16.- Hell Bent For Leather
17.- The Green Manalishi
18.- You’ve Got Another Thing Coming

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Casi un año y medio despúes de su anterior visita, Symphony X nuevamente se presenta en Chile en el marco del «Paradise Lost World Wide Tour», la misma gira que iniciaran en nuestro país aquel 12 de junio del pasado año y que dejó encantando a todos quienes asistimos en dicha oportunidad y que probablemente nos repetimos el plato, a pesar que teníamos claro que no había nada nuevo que la banda pudiera ofrecernos, salvo la ilusión de escuchar algún clásico omitido en las anteriores visitas o bien, algún tema de su última gran placa que no hubieran tocado la vez anterior.

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A juzgar por la cantidad de asistentes, a nadie le importó que la banda no trajera nada nuevo bajo el brazo. Claro, hay que señalar que Ratt (a quienes no comentaremos simplemente por no haber presenciado su show) debe haber llevado una buena cuota de asistentes que luego se quedaron a presenciar a una banda que talvés no tiene la misma trayectoria, pero que sí es de una importancia relativa mucho mayor que la que tiene Ratt en el actual circuito internacional. Que no se malentienda, ni se sientan dolidos los más fanáticos de la ya veterana banda de hard rock; con la calidad del grupo y los clásicos que dejaron para el recuerdo no tienen nada que demostrarle a nadie, pero claro está que vienen de vuelta (y en descenso) hace bastante rato. Pero bueno, a lo que nos convoca.

EL PARAÍSO PERDIDO SE ENCUENTRA EN CHILE

Cerca de las 22:00 horas partió la tercera presentación en Chile de Symphony X, como era de esperarse con la introducción Oculus Ex Inferni que da inicio a su última placa. Al igual que la vez anterior, no hubo ambientación, estética, ni telón ni nada relacionado a la agrupación o al disco que presentaban, solo un sobrio juego de luces que procuraba, en la medida de lo posible, dar algo de ambiente a cada uno de los temas que se sucedieron a lo largo de la noche. Claramente algo sin mayor importancia para una banda que centra toda la atención del público en la ejecución de las canciones y que descansa (talvez de sobremanera) en la excelente performance y despliegue escénico de su vocalista, Russell Allen.

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Luego de la introducción se sucedieron sin descanso los 3 siguientes temas de Paradise Lost, esto es: Set The World On Fire, Domination y The Serpent’s Kiss. Esta vez todo el recinto se sabía a la perfección cada una de las estrofas de aquellas canciones, muchos ya llevábamos ya más de un año oyendo el disco -que según la opinión de muchos es uno de los mejores trabajos que han lanzado a la fecha- por lo que las voces de los cientos de asistentes se hicieron sentir fuerte en el Caupolicán.

sx_18Hasta ese momento, y a pesar de la euforia, nada nuevo respecto de la vez anterior. Sin embargo, el delirio se hizo manifiesto cuando comenzaron los primeros acordes de Masquerade, un temazo que el grupo se encargó de rescatar del olvido revitalizándolo con una nueva versión cantada por supuesto por Russell Allen y que encontramos originalmente en su álbum debut, el que fue interpretado por el primer vocalista de Symphony X, el señor Rod Tyler. Ojala la banda se decidiera alguna vez por incluir algún otro corte de dicho trabajo en sus presentaciones, ya que a pesar de ser una placa de la cual no se habla mucho, hasta se omite, contiene grandes canciones que bien merecen la pena ser interpretadas en vivo.

Pero la noche estaría dedicada en esta ocasión a su placa Paradise Lost, así que el salto desde el homónimo llegó hasta justamente el tema que da título a su último disco. Paradise Lost fue el responsable de uno de los momentos más íntimos y emotivos del show, la gente agradeció tamaño tema interpretando junto a Allen cada uno de sus versos, los que fueron ovacionados en el Caupolicán como si se tratara de uno de los más grandes clásicos de la banda. Casi sin respiro alguno prosiguió el espectáculo con The Walls Of Babylon, sexto tema interpretado esa noche proveniente del mencionado álbum.

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Luego de los más de ocho minutos que dura la anterior canción, Symphony X regresa en el tiempo y nos concede un par de temas que ha medida que transcurren los años se han ido transformando en parte del material más clásico y recurrente de la banda en vivo, me refiero a Inferno (Unleash The Fire) y Smoke And Mirrors, el primero proveniente de The Odyssey y el segundo perteneciente a Twilight In Olympus, únicas canciones escogidas de aquellas placas para ser interpretadas ese martes por la noche. El público que no paró de saltar, vibrar y cantar cada una de las canciones supo agradecer y ponerser a la altura de lo que estaba oyendo coreando intensamente junto a Allen las estrofas que se iban sucediendo.

sx_08Una vez conluido Smoke And Mirrors volvemos nuevamente a la actualidad de la mano de dos temas que la banda no presentó la vez anterior y que para esta ocasión se encargó de interpretar de manera perfecta ante una audiencia que ya dominaba cada estrofa y coro del último disco. Los temas fueron Revelation (Divus Pennae Ex Tragoedia) y Eve Of Seduction, con los cuales dio por finalizada la presentación de Paradise Lost, completando así ocho de los diez cortes que componen su última placa. Cabe mencionar que durante Revelation, la banda nos regaló algunos pasajes de la gran The Divine Wings Of Tragedy, los que por supuesto provocaron la reacción y ovación inmediata por parte del público, ya que para muchos, entre los que me incluyo, sería un verdadero privilegio poder oír ese tema completo en directo.

sx_17Pero todavía faltaba algo más, por supuesto no podían ausentarse temas de la placa que catapultó a Symphony X a nivel mundial, The Divine Wings of Tragedy; y el tema escogido no podía ser otro sino Of Sins And Shadows, con el que la gente cantó y vibró suponiendo que el final se acercaba, de hecho concluída la interpretación de dicho clásico la banda en pleno se acerca al público para despedirse y agradecer la recepción entregada, pero ante la incesante ovación del respetable pudimos ver como Romeo y Cía. intercambiaban palabras al oído, para luego ver que el «inmenso» guitarrista nos señalaba que nos regalarían una última canción. Todos a sus posiciones nuevamente. Lepond toma su bajo y se da lugar a una pequeña demostración de destreza a la que luego se suma Romeo, situación que dura alrededor de un minuto, tras el cual Lepond comenzó a interpretar Sea Of Lies.

Los que estuvieron presentes sabrán que el teatro casi se vino abajo al oír esta canción, que a pesar del cansancio evidente a esa altura, fue coreada con la pasión y entrega que da saber que se trata de la última canción de la noche. Mediando el tema Russell toma el protagonismo haciendo participar a la audiencia en aquel típico juego de hacer que el público cante repitiendo lo que hace el vocalista de la banda de turno sobre el escenario, algo inusual para una banda de las características de Symphony X, pero que, sin embargo, fue recibido entuasiastamente por todos.

sx_25Ahora sí, termina el tema y la banda se despide (de nuevo) de Chile, agradeciendo la participación de la gente y demostrando con sus palabras y gestos que una vez más se van extremadamente complacidos con la recepción y calidez del público chileno. La gente los ovaciona y aplaude sin cesar y continúan así durante largos minutos, a lo que luego se sucede el cantico-petición: Evolution! Evolution! Evolution!. Los integrantes se miran entre ellos sin saber que hacer, sonriendo, pero algo confundidos y sorprendidos. Ellos saben que en Chile son queridos, pero creo que no se imaginaron nunca que la gente no permitiría que se retirasen sin tocar el mencionado tema. Otra mini reunión en pleno escenario por parte de la banda. «¡La van a tocar w..n! ¡La van a tocar!» era todo lo que oía a mi alrededor… y bueno, efectivamente la banda regresa ante una ovación desmesurada por parte de todos los presentes. Probablemente sea el encore más forzado que haya presenciado jamás, pero por suerte Symphony X supo retribuir el enorme cariño mostrado por la audiencia para así cerrar con Evolution (The Grand Design) un verdadero temón, que dio termino a una presentación intachable por parte de la agrupación norteamericana.

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No hay duda, fue otra jornada inolvidable junto a una banda que ya es de la casa: Symphony X encontró su paraíso perdido en nuestro país: GRANDE SYMPHONY X… GRANDE CHILE!.

Setlist:

01. Oculus Ex Inferni
02. Set The World On Fire (The Lie of Lies)
03. Domination
04. The Serpent’s Kiss
05. Masquerade
06. Paradise Lost
07. The Walls Of Babylon
08. Inferno (Unleash The Fire)
09. Smoke And Mirrors
10. Revelation (Divus Pennae Ex Tragoedia)
11. Eve Of Seduction
12. Of Sins And Shadows
Encore 1:
13. Sea Of Lies
Encore 2:
14. Evolution (The Grand Design)

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El pasado 2007 Epica dejó a sus fans sudamericanos con tristes noticias, la cancelación de sus conciertos que promocionaban su última placa The Divine Conspiracy, debido a que Simone (voz) habría contraído una bacteria que la tenía muy delicada de salud. Hoy, después de 3 años desde su última visita, los holandeses volvieron a pisar tierras chilenas en el marco de su gira “The Divine Conspiracy South American Tour 2008”. En una extensa jornada de 2 horas nos mostraron a su nuevo baterista y el porqué contaron con un Teatro Novedades repleto.

epica2008_02Eran los 8pm y los prometidos teloneros Mar de Grises no aparecían en escena, informándonos en la puerta que la banda finalmente no se presentaría. A pesar de las muchas discusiones que se formaron por si eran o no los teloneros adecuados, el público del Novedades terminó demostrando que la espera era mejor con ellos que con música de fondo, ya que con el correr de los minutos la gente comenzaba a impacientarse por la larga espera. Finalmente, tras ajustar los últimos detalles, a las 9pm se apagaron las luces, con un Teatro Novedades repleto hasta su balcón, se comienza a escuchar Indigo, intro que forma parte de su nueva placa. Uno a uno van a apareciendo los músicos para tomar sus posiciones e instrumentos, con los que empiezan a interpretar The Obsessive Devotion. Tras la pequeña introducción aparece Simone en escena con su hermosa voz, vistiendo completamente de negro y robando miradas imediatamente.

Al terminar el primer tema el encargado de saludar al publico es Mark Jansen, quien presenta la próxima canción que sería Sensorium, uno de los temas antiguos más conocidos de su primer album The Phantom Agony. Tras esta potente entrada con 2 grandes temas, Simone saluda al público expresando la felicidad de la banda por estar nuevamente en Chile y anuncia que Menace Of Vanity es la próxima canción. Con esta el público comienza a soltarse más y entrando en calor para el resto de la noche.

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Mark, quien fue unos de los grandes íconos de la velada (incluso más que una fría Simone) presenta Quietus, un viejo conocido de su album Consign To Oblivion. Todo el publico alza sus palmas y aplaude al ritmo de la pequeña introducción. Fools Of Damnation presentado por Simone hace su entrada. Este tema del nuevo disco que tiene melodías del medio oriente muestra a la vocalista cantando junto a sensuales movimiento de cadera al ritmo de la canción, como cual ninfa parece hipnotizar a todos los hombres presentes.

epica2008_03Segumos viajando a través de sus antiguos trabajos, esta vez un clásico, uno de los primeros demos (que luego forma parte del primer disco de la banda) cuando aún no se hacían llamar Epica, Cry For The Moon, que por fallas de sonido pone en su introducción en serios problemas a Simone, ya que al acoplarse se escuchaban unas molestas disonancias que se expresaban en la cantante, lamentable para un gran tema que quizás muchos esperábamos con ansias. Por suerte dentro de toda la turbulencia, el audio fue resolviéndose lentamente conforme a su avance. No es mucho lo que se puede pedir en audio a este Teatro y eso es conocido, aunque sí se pudieron distinguir muchos de los arreglos de cada canción, sí habían partes en que la saturación en la voz dejó mucho que desear para querer escuchar las cualidades vocales de la pelirroja.

Hasta entonces Ad e Yves tuvieron en escena un desplante regular a diferencia de Simone y Mark, quienes fueron los grandes protagonistas. En tanto Coen y Arien permanecían en las segundas filas sin mucho alumbre hasta ese momento. Tal vez muchos de los que asistieron en el 2005 a Epica se preguntaban cómo sería el nuevo baterista en vivo. La respuesta no se hizo esperar, y al terminar Cry For The Moon fue el momento de Arien van Weesenbeek, quien con su solo pudo alucinar a sus fans, quienes le demostraron su completa aprobación y bienvenida oficial en nuestro país como parte de la banda.

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Terminado este momento Simione y Coen entran al escenario pidiendo silencio, el que no llegó por más que insistieran mientras el respetable masculino presente grita con fuerzas un “¡Mijita Rica, Mijita Rica!” para la cantante. Finalmente el pequeño mounstro se calma y en compañía del teclado comienza Solitary Ground. Los presente corean en compañía de Simone el cuarto tema del Consig To Oblivion, mientras silenciosamente se integran los guitarristas y el bajo para luego entrar en el coro a apoyar esta quieta melodía. Aprovechando el reposado término de Solitary Ground comienza Bank Infinity, tema contiguo al anterior perteneciente a la misma placa.

epica2008_26Ahora comienza, a mi parecer, una trilogía de temas que formaron uno de los momentos más potentes de todo el concierto. Simone abandona el escenario y Mark dedica a los que también seamos fans de los grandes de Death un temazo como es Crystal Mountain, cover que al público en especial de jóvenes a joven-adulto presentes, nos hizo vibrar y mover el cráneo como aquellos viejos tiempos de Death. Después de este gran homenaje, el turno es de otro más suave pero clásico de Epica, hablo de Seif Al Din, otro tema con melodías del medio oriente entre medio y la voz de ninfa de Simione.

La trilogía termina con un potente coral como es Facade Of Reality, otro de los grandes inmortales de la banda, venerado por todos sus fans. Otro momento de calma se presenta después de esta avalancha, Simone y los primeros acordes de la guitarra anuncian Chasing The Dragon, el publico parece hipnotizado ante tal banquete, todo para que bajo luces rojas suene el preludio de The Phamtom Agony, el clímax del show que quedó demostrado con la euforia que provocó en el público, un gran primer cierre, mientras la base de la canción seguía sonando y cada integrante dejando el escenario.

epica2008_12Aunque como se sabe, no hay concierto sin encore, y ante un Teatro repleto que gritaba a todo pulmón el nombre de la banda, aparece Coen a hablar con el publico con la frase “parece que ahora mi país favorito es Chile”, lo que saca un grito bestial proveniente de las voces de todas esas almas presentes embriagados por la emoción y una hora treinta de música proporcionada por los holandeses. Mark ya en su micrófono pide que alcemos las manos y que comencemos a aplaudir para darle la entrada a Living A Lie.

Más ruido (más del que había había hecho toda la noche el público) pedía Jansen, quien fue el frontman de la noche, con un juego de platea, cancha y el denominado «fan area». Sancta Terra, otro tema del nuevo disco sería la penúltima canción de la noche, antes que se acercaran a Mark para apurar el show, a lo que, con un manejo no muy prolijo de la situación llegó la consula al público si querían escuchar «algo nuevo o algo viejo», pregunta que también se hizo al resto de la banda. Coen se acerca a su Mac para darle play a la base y se equivoca poniendo la de The Phantom Agony (!), todo se arregla, y como uno de los que no podían faltar, suena Consign To Oblivion para darnos una gran despedida después de dos horas de concierto.

La banda se despidió finalmente del público, quien atónito y sin respuesta quedaba mirando al escenario ya vacio y con The Phantom Agony de fondo comenzó a abandonar el recinto. En general, una banda sólida, si bien no con mucho desplante en el escenario tanto como de costumbre atribuído por un notorio cansancio (como lo mencionó el mismo Coen), y también puedo deducir que fue un factor importante la incertidumbre muchas veces del pobre retorno y sonido que pudieron tener en el escenario.

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Efectivamente la banda ha cambiado notablemente de público desde sus inicios, ahora encontramos a un público mucho más joven, primer concierto para varios, el segundo de la banda para otros. De igual manera, contentos frente a un buen setlist y un concierto que nos dejo felices a la gran mayoría y que nos hizo vibrar dos horas de intensa emoción. Como siempre el camino a casa es la parte que da para reflexionar sobre el concierto, y como muchos, puedo decir que espero desde ya el próximo concierto de Epica en Chile.

Setlist:

01.- Indigo
02.- The Obsessive Devotion
03.- Sensorium
04.- Menace Of Vanity
05.- Quietus
06.- Fools Of Damnation
07.- Cry For The Moon
08.- Solitary Ground
09.- Bank Infinity
10.- Crystal Mountain
11.- Seif Al Din
12.- Facade Of Reality
13.- Chasing The Dragon
14.- The Pantom Agony
Encore:
15.- Living A Lie
16.- Sancta Terra
17.- Consign To Oblivion

Largos años pasaron entre la primera y la segunda venida de Rata Blanca a Chile, desde aquel lejano 1992 cuando vinieron como acompañantes de L.A. Guns (¿alguien se acuerda de ellos? Urgente un “Sábado Taquilla”), hasta el año 2000, donde nos mostraron un buen show, pero aún no como cabeza de cartel (en este caso Barón Rojo, en el Víctor Jara). Al fin, en agosto del año 2002, Rata vino como plato principal, con la misma formación de hoy (es decir, Adrián Barilari en las voces, Walter Giardino en guitarras, Guillermo Sánchez en bajo, Hugo Bistolfi en teclados y el en ese entonces bisoño Fernando Scarcella en batería), mostrando un show realmente espectacular, emotivo y sobre todo, histórico, considerando que se trataba de una banda que tenía una deuda con Chile, pues era inconcebible que un grupo de tal calidad y que nos queda tan cerca, hubiese venido tan poco a nuestra larga y angosta faja de tierra.

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Pues bien, pasaron los años y Rata ha ido pagando esa deuda visitándonos, en adelante, prácticamente todos los años. Dicha frase dicha por sí sola quizás denote que el quinteto argentino podría haber caído en una especie de “relajo”… pero nada más alejado de la realidad, como veremos.

ratablanca08_01En esta ocasión Rata Blanca nos visita a propósito de sus veintiún años de carrera y del lanzamiento de su nuevo larga duración, “El Reino Olvidado” (2008). Lo hablábamos a priori con algunos amigos, que quizás la visita de Rata fue “muy luego”, considerando no sólo que la gran mayoría de los asistentes no sólo no había escuchado el disco sino que además ni siquiera aún sabían de su existencia… pero dicha situación no es atribuible a la banda ni mucho menos. Algunos de todas formas “hicimos las tareas” y escuchamos el disco, algo más soft que sus predecesores (el espectacular El Camino del Fuego (2002) y La Llave de la Puerta Secreta (2005)), pero igualmente con ese sello rocanrolero tan característico de la Rata.

Con media hora de retraso, sin teloneros y sin telón, se apagan las luces y comienzan los gritos enfervorizados de las más de 4.000 personas presentes en el Caupolicán. Los sones de la intro Las Voces del Mar, de su nuevo trabajo, una especie de canto de sirenas, dio paso a la salida a escena de Fernando Scarcella (aún con la mayoría de las luces apagadas), y luego de Giardino, Sánchez, Bistolfi y por supuesto Barilari, para mostrarnos el primer corte de su nuevo trabajo, al cual le da el nombre, El Reino Olvidado. Un excelente tema, incluso se hizo un interesante trabajo de pistas con la voz de Barilari en los coros (se enredó un poco con la letra eso sí). Habría sido mucho mejor que la gente la conociera más, tal como sucedió con el resto de los temas nuevos, aunque insisto que no es culpa de la gente ni mucho menos de la banda, sólo es cosa de momentos. De todas formas, fue un tema muy bien recibido y que dio inicio de excelente forma al show.

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Inmediatamente conectamos con La Otra Cara de la Moneda, tema de La Llave de la Puerta Secreta (2005), tema bastante rockero y suficientemente conocido por el público, tras el cual vino el primer saludo de Barilari, señalando incluso “nos están dejando sordos”. Párrafo aparte para el notable Adrián, un tipo que canta cada vez mejor, que tiene un envidiable desplante escénico y dominio de situaciones, un frontman de tomo y lomo.

ratablanca08_08Un momento realmente extático se vivió con uno de los temas que podríamos denominar “nuevos clásicos” de Rata Blanca. Así, con Volviendo a Casa (aún hay mucha gente que cree que se llama “Ángel”), corte del notable El Camino del Fuego (2002), el Caupolicán casi se vino abajo, particularmente con el “ángel, ella es un ángel”, coreado por todos. Alguna vez le pregunté a Barilari si la “ella” referida en este tema era la propia Rata Blanca…

Tras ese gran momento, Barilari nos presenta el que sería el segundo corte de El Reino Olvidado a presentarnos: El Círculo de Fuego, realmente un temazo con todas sus letras, absolutamente, bien metalero a lo Rata, en el cual la voz luce extraordinariamente. Me sorprendió además el uso de pistas para hacer que el solo de Giardino sonara con dos guitarras en armonía. Muy aplaudido, sin ser conocido.

Un altísimo momento se vivió en el que personalmente es uno de mis top 5 favoritos de Rata Blanca. Con Sólo Para Amarte (un tema que tiene ya… ¡¡20 años!!), la gente gritó a rabiar desde el “enloquecido estoy por amarte una vez más…” y nos mostró a un Giardino tocando hasta con los dientes. Ya nos referiremos a él en particular, un genio de las seis cuerdas.

ratablanca08_12Barilari luego hizo referencia a temas a los que les guardan bastante cariño y uno de ellos es La Llave de la Puerta Secreta, el title track que abre el disco homónimo, que vino a consolidar el regreso a la escena de la alineación dorada de Rata Blanca. Acto seguido, Barilari nos recordó que Rata estaba celebrando sus veintiún años de carrera, lo que fue reconocido como corresponde por el público, y tras ello nos presentaron Diario de una Sombra, corte de su último disco, un tema muy rockero y muy dedicado a algún personaje en especial (tal como lo fue “El Gran Rey del Rock’N’Roll” para Carlos “Indio” Solari, el líder de la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota).

Tras ello, vendría uno de los momentos más especiales de la noche, Walter Giardino deleitándonos con su talento en solitario. Aunque de manera un poco extensa, Giardino pasó prácticamente por todos los estilos, paseando desde el blues hasta una simpática especie de cover de Comfortably Numb de Pink Floyd, demostrando una versatilidad sin límites cognoscibles, tocando incluso a lo Jimi Hendrix con los dientes, realmente notable, confirmando ser uno de los mejores guitarristas eléctricos salidos desde Latinoamérica.

Un momento simpático se vivió después, con Adrián Barilari presentando a la banda: al momento de presentar a Giardino, éste saludó a la gente, se acercó al micrófono y dijo “vamos mañana eh”, refiriéndose indudablemente al partido por eliminatorias entre la selección chilena y el scratch brasileño. Tras ello, Barilari le cantó el cumpleaños feliz a Fernando Scarcella (33) casi como tenor, una joya. Todo esto fue preámbulo para presentarnos uno de los mejores cortes de su nuevo disco, El Guardián de la Luz, un temazo pero temazo, de los mejores de la época de Rata Siglo XXI, nuevamente una pena (sé que soy majadero con esto) que no haya contado con un ambiente más acorde.

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Barilari comenzó a interactuar con el público señalando “necesito cuerdas” para dar inicio al siguiente tema, otro de los nuevos clásicos y que casi podría denominarse como la “Mujer Amante del Siglo XXI”, Aún Estás en mis Sueños, otro temazo, el “hoy desperté con un montón de marcas en mi piel” retumbó de manera sensacional. Uno de los mejores momentos de la noche, tras el cual la banda presentó otro tema de su nuevo disco, 71-06 (Endorfina), un corte muy pero muy rockero, típico de Rata.

ratablanca08_15Tras un par de jammings de temas de rock clásico por parte de Giardino, Barilari sacó su tan característico pandero y comenzaron los sones de otro clásico, Chico Callejero, un tema realmente entrañable para quienes seguimos la carrera de Rata y que fue disfrutado de notable manera por un público que se entregó ante cada son de la guitarra de Giardino y cada agudo de Barilari.

Después de un breve solo del festejado Scarcella, Rata nos presentó el que sería el último tema tocado perteneciente a su nueva placa. Con una versión alargada de la rockera No Es Nada Fácil (Ser Vos), en que Barilari nuevamente sacó el pandero y Giardino se fue a jammear al lado de Bistolfi, terminó la primera parte del show, con un final bastante grandilocuente.

Tras un breve encore, vendría lo que sin dudas sería lo mejor de la noche. Obviamente todos (o la gran mayoría) esperábamos la tríada de canciones que vendrían e incluso el orden en que las ejecutarían, pero no por ello dejamos de disfrutarlos ni de sorprendernos al ver a una banda que toca y toca y toca y no defrauda nunca, unos verdaderos monstruos y sin duda una de las mejores bandas latinoamericanas de todos los tiempos.

Al volver, los sones del espontáneo “ole, ole ole ole… Rata… Rata…” fueron utilizados por la banda, que se retroalimentó de los mismos para hacer una versión metalera del mismo cántico, un gran momento. Segundos después, los inconfundibles sones de la batería nos guiaban hacia Guerrero del Arcoiris, el único corte del disco homónimo que fue ejecutado esta noche. Impresionante el “ayúdame, tu ser también es de este mundo”, como siempre, créditos para todos quienes lo coreamos.

Lo que vendría después con Mujer Amante sería maravilloso, prácticamente Barilari no la cantó. Fueron todas nuestras gargantas quienes corearon total y absolutamente este clásico del mítico Magos, Espadas y Rosas (1990), en una atmósfera absolutamente entregada al quinteto del Bajo Flores.

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Finalmente, con la no menos mítica La Leyenda del Hada y el Mago, uno de los más grandes temas de la historia del metal en español, Rata cerraría a lo grande su presentación en tierras nacionales, agradeciéndose mutuamente con el público por su entrega, en un show de poco más de dos horas de duración.

Quizás si una de las grandes “gracias” que tiene Rata Blanca es superar y destruir esas atávicas e idiosincrásicas broncas que mantuvimos, mantenemos (y seguramente mantendremos) con los argentinos, es pasar por arriba de cualquiera de esas diferencias, en base a su enorme talento y a su humildad (más allá de la demostración de grandeza de Giardino, que valga decir, es un grande), y en buena parte gracias a hacer conciertazos cada vez que vienen a Chile. Eso siempre se agradece y se disfruta.

Setlist:

01.- Las Voces del Mar (intro)
02.- El Reino Olvidado
03.- La Otra Cara de la Moneda
04.- Volviendo a Casa
05.- El Círculo de Fuego
06.- Sólo Para Amarte
07- La Llave de la Puerta Secreta
08- Diario de una Sombra
09.- Solo de Walter Giardino
10.- El Guardián de la Luz
11.- Aún Estás en mis Sueños
12.- 71/06 Endorfina
13.- Chico Callejero
14.- Solo Fernando Scarcella
15.- No es Nada Fácil (ser vos)
Encore
16.- Guerrero del Arco iris
17.- Mujer Amante
18.- La Leyenda del Hada y el Mago

Hay un vínculo especial entre “nórdicos” y “súrdicos”, qué duda cabe, decenas de miles de kilómetros separan la natal tierra de Tarja Turunen, Finlandia, de los dos países más australes del mundo que son Chile y Argentina, donde ella tiene vínculos tremendamente fuertes; Argentina por ser la tierra de su marido, y Chile, por ser el primer país que la vio en su gira de las tres sopranos por el ya lejano 2002 (su gran proyecto personal en el formato de canto “lied”), y además donde siempre se ha sentido tremendamente valorada y apoyada; ciertamente el 3 de septiembre del 2008 no fue la excepción, fue una noche muy especial tanto para sus fans como para ella, quien en muchos instantes se notó tremendamente emocionada y nos lo hizo saber.

Six Magics: Del Metal Sinfónico hacia un Heavy más clásico

La noche la abre Six Magics, una banda nacional que desde sus inicios ha derrochado calidad y brillantez en recursos técnicos, además de un nivel de complejidad en sus composiciones que la pone entre los referentes a nivel global del Metal Sinfónico, y lo podemos decir con conocimiento de causa como medio especializado, y por favor, no porque sean chilenos, sino porque pocas agrupaciones en el mundo podrían hacer un álbum como “Dead Kings of the Unholy Valley” y en especial “The Secret of an Island” una “master piece” notable basada en la mitología de la mágica isla chilena de Chiloé, ejecutada y compuesta con altísima factura.

sixmagics_02Ahora siguiendo con la presentación, esta noche era en particular especial porque estaba programada la presentación oficial de su nueva vocalista, algo muy importante y “estratégico” teniendo en mente que sus cantantes anteriores eran hombres…y qué más decir, Elizabeth Vásquez cumplió con creces la complicada tarea, no solamente interpretando con mucha calidad los temas de su nuevo álbum “Animal” como “Lies and Rules” y el fantástico “Behind the Sorrow”, sino que también con los temas antiguos, tracks inolvidables como “Storm” y “Prince of Pure Light” que demandan potencia y correctos matices, todos obstáculos aprobados. Solamente tiene que depurar en los siguiente shows algo más de desplante y compenetración escénica, pero es complementario, lo más importante era la voz y en eso no solamente aprobó, sino que sorprendió gratamente.

Todos quienes estuvimos presentes fuimos testigos de haber apreciado en vivo el giro de los Six hacia un metal más “clásico” que sinfónico que fue magistralmente ejecutado en vivo; fue una gran apertura, excelente show, les deseamos mucha suerte en lo que viene.

Septiembre, mes de Chile, mes de recuerdo de los Húsares de la muerte…

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El mucho más que interesante proyecto del destacado vocalista nacional Ives Gullé era la segunda presentación de esta especial noche, una de las que se recordará por las gratas sorpresas vistas y una respuesta del público tremendamente gratificante para las bandas nacionales.

husar_02Husar es un proyecto basado líricamente en la independencia de Chile, algo bastante novedoso y potente, porque es fuente de creatividad y transmisión de sensaciones y emociones históricas de los grandes próceres de nuestra historia como O’Higgins y Rodríguez.

La cantidad de destacados vocalistas nacionales en el proyecto era algo de por sí atrayente y que en vivo, cual Avantasia nacional, dio un marco impresionante y a ratos “operáticamente” genial; las voces de Agonya, Steel Rage y Alto Voltaje entre otros mostraron una gran performance, pero eso no era todo… la gran sorpresa fue ver también a Ricardo Susarte, el destacado ex vocalista de la extinta banda Polímetro, referente nacional del metal progresivo; muchos años habían pasado sin ver a Ricardo en el escenario y ahora este exitoso reencuentro con el público de seguro que lo incentivará a seguir.

La secuencia de temas de Húsar fue “Intro”, luego “Ejército Libertador”, “Puedes Sentir la Opresión”, “Humillación” para luego darle el protagonismo a Ricardo y recordar los temas de Polímetro con “Episodios” y “Luz y Sombra”.

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Se cerró el telón para los nacionales con “La Muerte ya no se Detiene” y “Lamentos”, no sin antes agradecer el gran apoyo y respeto del público, quien incluso los acompañó entonando fuertemente el estribillo “la libertad será nuestra razón”…esto es algo que no se aprecia siempre, en especial me acordé de Symphony X el año pasado (¿recuerdan? Ojalá no se repita esa falta de apoyo a los músicos nacionales), muy bien ahora el público y excelente Húsar por el excelente show, excelente telonero.

TARJA, “YOU DON’T WALK ALONE”

Al finalizar Husar, los preparativos del show de Fondo se hacían notar de forma especial, había mucho movimiento allá arriba ya que había que dejar preparados entre otras cosas un Cello y unos enormes teclados, por otra parte una especie de biombo de una aleación transparente se ubicaba en la tarima de la batería y público; además, con bastante asombro se observaba que se estaba colocando un enorme telón, pero no como fondo sino que por “delante del escenario” ¿para qué era? Eso nos preguntábamos todos mientras estábamos en la última espera…TARJA! TARJA! Era el marco sonoro de fondo….

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Algo pasadas las 21:15 hrs ya se comenzaba a comprender la razón del gran telón blanco que se colocó “delante” del escenario…al apagarse las luces y escuchar el estruendo del público por la inminente salida de Tarja, ella comienza a entonar entre relámpagos de luces y una imponente silueta-contraluz las hermosas líricas de “Boy and the Ghost”; el interesante efecto y emoción que se sintió al caer el telón y verla cantando dio un marco especial al comienzo del show, notable apertura, diferente, hermosa, con un agradable toque femenino, el que no se perdió al continuar con una bien ejecutada “Lost Northern Star”, track también de su nuevo álbum “My Winter Storm”, eje de la actual gira.

tarja2008_06Luego de estas dos interpretaciones y a estas alturas del review es importante recordar que Tarja venía acompañada de un atractivo especial en esta gira, y es la tremenda banda que tenía a su haber; músicos como el destacado Kilo Loureiro en la guitarra (quien nos visitó hace poco como solista a Chile), Doug Wimbish en el bajo, Max Lilja en cello, Maria Ilmoniemi en teclado y nada menos que el increíble Mike Terrana en las baquetas, un monstruo de la batería, eran un potente show por separado, a todos ellos se les exigía una performance adicional. Por este motivo el público demandaba variedad y la verdad es que la tuvo, partiendo en este instante con temas potentes de Nightwish como “Dead gardens”, track que fue positivamente recibido por una audiencia compuesta en su gran mayoría por fans de Tarja pero que además tenía una cifra nada de despreciable de fans de Six Magics, Husar y de Loureiro y Terrana(!), por eso los matices se agradecían ya que se esperaba un show completo y variado.

“Sing For Me” fue el tema elegido a continuación por Tarja, composición con esas melodías “dulces” que le vienen tan bien a ella. Es de esas canciones que oscilan gratamente entre líneas más melódicas simples y luego operáticas; al fin y al cabo una interpretación de alta factura que cerró en estruendoso aplauso.

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A continuación el instrumento clásico del escenario, el Cello del señor Lilja brindaba unas melodías algo agudas pero armoniosas que fueron la antesala de uno de los puntos altos de la noche, “NEMO”, uno de los grandes temas de Nightwish y que también gusta mucho a la hermosa Tarja; brillantemente interpretado por público y cantante fue uno de esos momentos mágicos de la música que solamente se pueden vivir en un show, ahí, en vivo, qué gran composición de Holopainen y qué buena ejecución vimos.

tarja2008_05Era el turno ahora de la “antena” de My Winther Storm, el single “I Walk Alone” para el cual Tarja se vistió igual que en el video, una especie de princesa del hielo, carismática, melancólica pero fuerte en la expresión e interpretación, vitoreado a full por los fans y respetado por todo el resto de la audiencia, fue otro momento importante del show.

Pero como dijimos antes, había que matizar, y quienes vinieron principalmente por Mike Terrana tuvieron su momento con varios minutos de pirotecnia y acrobacias acústicas del batero, un maestro de las baquetas: potencia y exactitud, fuerza y técnica, gran músico, nada más que decir…. A continuación de a poco se fueron “engranando” los restantes músicos para generar un tema desde la percusión, luego el Cello, después el bajo y finalmente los teclados más la guitarra de Loureiro para terminar con una entretenida interpretación.

Era el turno ahora de seguir con My Winter Storm, con un interesante tema, sin duda el más “pesado” del álbum, me refiero a “Ciarans Well”, que no será recordado en el show solamente porque sonó particularmente bien sino porque Tarja cambió su vestimenta anterior a una tenida más gótica, una blusa roja con una falda de cuero larga pero ajustada, algo absolutamente “derrite-metaleros”(!)…difícilmente lo olvidarán los asistentes al show, se veía muy bella, pero no solamente eso, además en este tema Tarja mostró su evolución como artista, se está moviendo más, con desplante escénico más control, una correcta evolución.

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En un perfecto español, ahora la vocalista nórdica presentaba una historia de amor representada en su nuevo trabajo, un hermoso tema llamado “Our Great Divide”.

Pero era una noche de sorpresas y mucho arte, luego de agradecer en español con un “muchísimas gracias” Tarja sigue hablando en nuestra lengua nativa que este tema fue su inspiración para estudiar canto lírico y claro, de esta forma se exigió en recursos para regalarnos una excelente ejecución de “Phantom of the Opera”, tema que interpretó junto a Ricardo Susarte, qué gran noche de Ricardo, salió todo excelente.

tarja2008_21Antes del Encore Tarja ejecuta “Enough” para cerrar luego ella misma el ciclo tocando teclados y cantando, es una artista completa.

“Gracias por esta noche maravillosa” dice Tarja quien al salir del escenario fue aplaudida hasta decir basta por un Monumental que se rendía a su arte.

Un potente final de show vimos a continuación con su particular ejecución del clásico de Alice Cooper “Poison”, track también presente en su álbum. Luego vendría una de las antenas de Nightwish, donde ella brilla como nadie en las líneas vocales, “Wishmaster” y después la algo más comercial “Die Alive”, tema muy visitado en Youtube gracias al buen video que lo acompaña, todo aquello antes del cierre acústico con el gran Kiko Loureiro.

Muchos minutos estuvieron luego en el escenario con la clásica bandera chilena para el fin de los shows, un momento que siempre exigimos a los músicos que nos visitan.

En los registros éste se recordará como un buen show, buena producción, dos bandas nacionales de Elite, y una hermosa y talentosa Tarja que ha madurado y progresado como intérprete, todos quienes seguimos a Nightwish desde el 2000 y la hemos visto progresar le deseamos lo mejor y ojalá que nos regale un próximo álbum más cercano al metal(!), aunque bueno, siempre y de todas formas la seguiremos en sus proyectos líricos y más experimentales, ya que es parte importante de nuestro movimiento, gracias Tarja!!.

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Ok Hangar, primero que todo muchas gracias por esta entrevista, esperamos verlos acá en Chile tan pronto como sea posible. Empecemos con las preguntas. ¿Tienen una fecha para Chile pronto? ¿Cuándo vamos a verlos en el escenario?

Aquiles Priester: ¡¡Seguro!! Estamos ansiosos de volver a verlos.  Recuerdo muy bien mis sentimientos durante los conciertos de Angra y ciertamente pasaremos un buen rato otra vez.

Nando Mello: Estamos muy emocionados por la posibilidad de tocar algunos temas en Chile, encontrarnos con su gente y saber más sobre nuestros hermanos de América.

hangar06Fabio Laguna: Ya tratamos de apuntar algunas fechas para Sudamérica para el próximo invierno. Pero como ya saben, ya habrá muchos grandes conciertos realizándose en todo nuestro continente esta temporada. Así que decidimos trasladar las fechas a alrededor de agosto-septiembre. No estoy muy seguro sobre cuando exactamente será esta gira, pero les aseguro que estamos haciendo nuestro mejor esfuerzo por tocar en Chile. Amo a su país y a su gente. Por ejemplo, estuve allá en el enero pasado y pude conocer a muchos amigos en Santiago.

Muchos fans del Heavy Metal pueden saber más de ustedes a través de internet, pero de cualquier manera nos gustaría oir algunas definiciones de ustedes mismos. Por favor dígannos cómo es su música, cuales son sus “principales influencias”  y “qué tipo” de metal tocan.

HangarNando Mello: Hay muchos tipos de términos y etiquetas usados por los medios. Yo supongo que sólo tocamos Heavy Metal.

Eduardo Martínez:
Estoy de acuerdo. Mi primera intención cuando estoy escribiendo una canción es escribir riffs y guitarras pesadas. Cosas que puedan llevar a la música a un nuevo nivel de brutalidad. También debe encajar con los arreglos batería y viceversa. Siempre pienso en una manera heavy/thrash. También tengo una formación académica, así que puedo tratar bastante bien con los aspectos harmónicos y formales de la composición. Hangar es definitivamente una banda sin limites.

Fabio Laguna: Los miembros de Hangar tienen diferentes preferencias musicales. El único sentido común para nosotros es que amamos la música heavy. Por lo tanto, no es fácil clasificar el estilo de la banda., porque puedes encontrar progresivo, melódico, death metal, cosas étnicas, etc.  en nuestras canciones. Somos básicamente una banda de heavy metal haciendo música con pasión. Cuando escribes canciones con sinceridad, puedes excederla a través de la música. No es por vender. No es por conquistar ni ninguna otra mierda. Es sólo música.

Si vemos la discografía de Hangar podemos apreciar que pasó mucho tiempo entre el último disco y el anterior (2001 y 2007). ¿Qué pasó con la banda durante esos años?

HangarAquiles Priester: Nosotros (yo y Fabio) estábamos tocando en Angra, pero mantuvimos el contacto con Hangar todo el tiempo y dimos un par de conciertos con los años, pero por supuesto la prioridad en esos tiempos era Angra.

Nando Mello: Nunca dejamos de trabajar y esperar el momento apropiado para lanzar “The Reason of your Conviction”. Teníamos que respetar las agendas y horarios de los miembros.

Eduardo Martínez: Trabajamos mucho en la composición, preproducción y arreglos. Pero cuando empezamos el trabajo en estudio (Mr. Som Studios, Sao Paulo, Brasil) salió bastante rápido.

El título del último álbum es «The Reason of Your Conviction». Parece un concepto profundo sobre pensamientos internos. ¿Sobré qué es el tema?

Fabio Laguna: Sí, las letras TRÓYICAS son sobre pensamientos internos de asesinos en serie. Aquiles escribió todas las letras y exploró nuestro lado animal desde un punto de vista romántico, sin usar ningún recurso vulgar como la violencia o la sangre. Escogimos el tema específico porque refleja la atmósfera del álbum.

¿Cómo es el proceso de composición en Hangar? ¿quién es el compositor principal?

HangarAquiles Priester: ¡¡El compositor principal se llama Hangar!! Escribimos todas nuestras canciones juntos y estamos muy felices con el resultado del álbum. Nuestras influencias son muy diferentes y con la banda trabajando en equipo en el álbum todos pueden quedar felices al terminar el proceso.

Nando Mello:
No existe una figura de compositor principal en Hangar, trabajamos en equipo. Alguien trae una idea y los demás colaboran de manera que la canción contenga las influencias de todos.

Eduardo Martínez: Yo siempre estoy escuchando mi material viejo y jams para auto influirme. Soy el tipo de los riffs, aunque muchos buenos riffs vienen de los otros también.

Fabio Laguna: Puede sonar cliché, pero en verdad no tenemos reglas para componer. Sólo nos metemos al cuarto y empezamos a compartir nuestras ideas mientras tocamos. Así tomamos las mejores y empezamos a trabajar en ellas.

¿Cómo ha sido la recepción del álbum «The Reason of Your Conviction»? y ¿Por qué lo lanzaron primero en Japón?

HangarAquiles Priester: ¡¡¡Genial!!! Tenemos la 16ª posición en los rankings japoneses en la revista “Burrn!” (La revista de Heavy Metal más importante de Japón) en la encuesta del noviembre pasado. Estábamos por encima de muchas de nuestras influencias y por supuesto es nos hizo muy felices. La prensa y los fans japoneses son muy exigentes…

Eduardo Martínez: «The Reason of Your Conviction» está siendo recibido de una manera muy “música de todas las tribus”, si es que se puede decir eso. Las partes instrumentales son muy fuertes y heavy, el canto está por sobre el promedio y las canciones funcionan muy bien de manera simple y muchas veces original. También está muy bien producido y brillantemente mezclado por Tommy Newton. «The Reason of Your Conviction» es una obra que durará mucho, este álbum tendrá una muy larga vida. Ahora está siendo lanzado en Europa y Norte América. ¡¡Estamos muy orgullosos de él!!

Ahora dígannos sobre el reciente concierto con Dream Theater. ¿Cómo fue la recepción de los fans y cómo se sintieron en el escenario?

Nando Mello: Tanto los fans de Dream Theater nos recibieron muy bien, de una manera muy gentil que nunca vamos a olvidar.  ¡Pudimos ver a muchos fans de Hangar entre la multitud cantando nuestras canciones! Fue una experiencia genial.

Aquiles Priester: Una vez más, el público de Sao Paulo nos sorprendió… estábamos un poco asustados, porque el público de Dream Theater es muy difícil de conquistar, ¡¡Pero nos respetaron mucho e hicimos un gran concierto!!

HangarEduardo Martínez: Los portones se abrieron durante nuestra prueba de sonido y fue como una canción extra para la banda telonera, jeje, porque tocamos “One more chance” sólo para los primeros tipos que llegaron tan temprano como nosotros. Conocimos a la banda unos minutos antes del show y pude tener unas palabras con el mago de la guitarra John, ¡¡Sobre equipamientos y cosas así por supuesto!! Una vez guitarrista, siempre guitarrista… Tuvimos todo el apoyo de producción para hacer una gran apertura: armamos nuestro escenario en forma de una gran “H” ¡Y hasta la pantalla gigante estaba mostrando la carátula cuando subimos al escenario! Daba la impresión de que nosotros éramos el plato fuerte ¡Ese espacio nos dieron! Esos tipos son realmente únicos, son músicos realmente dotados que aman lo que hacen.  Dream Theater nos mostró un gran respeto. Tratamos de retribuirlo trabajando de manera muy organizada, respetando todas las reglas y horarios de producción y, por supuesto, ¡Tocando lo mejor que pudimos!

¿Cuáles son los planes para este año y el 2009? ¿Alguna oportunidad de ir a Europa o Japón?

Aquiles Priester: El álbum «The Reason of Your Conviction» será lanzado el 23 de mayo y el sello está ofreciendo un par de opciones de tour para nosotros en el segundo semestre. Una vez que estemos en Europa, de seguro iremos a Japón también. El sello en Japón (Spiritual Beast) está esperando la confirmación en Europa primero.

Nando Mello: Nuestra intención es sacar un disco nuevo este año también.

Hangar

Bueno, ésta pregunta es para Aquiles, cómo él sabe, fuimos (PowerMetal.cl) promotores locales de Angra el 2001. ¿Qué recuerdos tienes de tus shows en Santiago?  ¿qué recuerdas de los fans chilenos?

Aquiles Priester: Los recuerdo amigos míos, y como te dije antes, estoy ansioso de ver a los fans volverse locos muy pronto. ¡¡¡No puedo esperar a mostrarles el poder de la banda en vivo!!! ¡¡¡Nos vemos pronto!!!

Bueno chicos, muchas gracias por su tiempo, ¡Espero verlos pronto en Santiago!

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Llegaba el viernes 20 de Junio con uno de los conciertos más esperados del año, de hecho, el sueño de varios por mucho tiempo, sin embargo esta expectación no se vio tan reflejado en la cantidad de público que se podía pensar que llevaría Avantasia, solamente unas 2.500 personas aproximadamente llegaron al Teatro Caupolicán. La obra de Tobias Sammet en vivo tenía contemplada 14 presentaciones en todo el mundo, siendo Chile uno de los privilegiados. De todas formas, los asistentes al evento sabían que presenciarían algo histórico, y no se equivocaron.

COMIENZAN A TORCERSE LAS MENTES

Siempre se agradecerá a las bandas que aparte de su música presenten una gran puesta en escena. No muy acostumbrados estamos en Chile de ver esto; un gran telón con la portada del Sacarecrow y segundo piso en escenografía ambentaban muy bien esta primera vez de Avantasia en Chile. 20:15hrs. y se apagan las luces del Teatro dando paso a los primeros riffs de Twisted Mind. La gente comenzó a disfrutar desde un principio con la canción y también con el sonido, que acompañó de muy buena forma durante todo el espectáculo. El comienzo del show mostró la base como banda de este tour, con Tobias Sammet a la cabeza, Felix Lindenthal en batería, Sascha Paeth y Oliver Hartmann en las guitarras, Robert Hunecke en el bajo, Miro Rodenberg en los teclados y Amanda Somerville con Cloudy Yang como coristas.

avantasia08_12Para seguir con el concierto escuchamos a The Scarecrow, la canción que da título al último disco. Fue después del primer coro cuando apareció en escena desde el segundo piso de la escenografía el hombre quese robó la película: Jörn Lande. Si bien muchos pudimos verlo en el 2003 como vocalista de Masterplan (enconcierto junto a Gamma Ray en el Teatro Providencia) Jörn volvió para dar cátedra, se llevó la ovación del público sólo con su aparición y más aún en cada parte que le tocaba cantar dejaba boquiabiertos a varios. Aprovechando su estadía en escena, el siguiente tema interpretado fue Another Angel Down, también de su último disco. A estas alturas hay que mencionar el gran juego de luces que presentaba el espectáculo, muchas robóticas arriba y muy bien manejadas para cada momento del concierto.

Las luces se apagan y comienza de a poco a vislumbrarse entre la ovación la intro titulada Prelude, el track que dio el vamos a la saga The Metal Opera, aquella intro que da paso a la muy “powermetalera” Reach Out For The Light. El invitado para esta parte del show fue Andre Matos, quien tuvo la misión de hacer las voces de Michael Kiske. El ex Angra y Shaaman cumplió a su manera y fue recibido como alguien de la casa por su cercanía con el público, a favor le jugó comunicarse en español con la audiencia e incluso felicitando por el triunfo de Chile en fútbol contra Venezuela (!). Matos continuó en el escenario para interpretar junto a Sammet el track Inside, algo que ya habían hecho en vivo en alguna oportunidad, pero presentándose Avantasia no podía faltar la ocasión para volver a hacerlo. Matos da el pie para que el público comience a cantar el “olé olé olé olé…” siguiendo un juego para cantar por “Chile”, “Andre” y “Tobi”. Luego el líder de Edguy invita a prepararse para una canción rápida del Metal Opera parte 2: la escogida era No Return y como era de esperarse, el Caupolicán casi se vino abajo.

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“SOMOS UNA BANDA DE ROCK O HEAVY METAL, COMO QUIERAN LLAMARNOS”

Matos abandona el escenario y Tobias Sammet presenta la siguiente canción donde originalmente canta Bob Catley, quien no podía estar en esta noche (y tampoco participar de la gira por Sudamérica), “se que no soy Bob pero daré lo mejor para cantarla”. Y así lo hizo, Sammet está cantando a un muy buen nivel y en The Story Ain’t Over del EP Lost In Space parte 1 no fue la excepción. A continuación otra “powermetalera” de su último disco continuaría con el show, Shelter From The Rain donde Oliver Hartmann comenzaba a mostrar que no se quedaba atrás entre las grandes voces que pudimos escuchar. Para introducir la siguiente canción, Sammet comenta que son una banda de Rock o de Heavy Metal, como quieran llamarlos, pero que en internet existen los que postean en Blabbermouth, gente que sólo se dedicaba a escribir una manga de estupideces, entre esas, de las bandas que son o no sus favoritas y que nisiquiera tienen tiempo para el sexo… toda esta introducción era para presentar Lost In Space, una canción que sí es rockera y que no importaba lo que la gente pensara. Y claro, tienen que haber recibido muchas críticas por los toques comerciales que pueda tener la canción, pero que a ninguno de los presentes importó para cantar y saltar con el pegajoso coro.

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“Por ser día viernes y no tener que trabajar al día siguiente había que emborracharse entonces” decía Sammet, presentando una canción para hacerlo, la bien rockera I Don’t Believe In Your Love, uno de los mejores temas del disco The Scarecrow, y uno de los que más disfrutó el líder de Edguy sobre el escenario cantando junto a Oliver, quien nuevamente mostraba que junto a Jörn Lande fueron las mejores voces que se escucharon aquella noche. Tobias Sammet ya se consolida como uno de los mejores frontman en el Heavy Metal, maneja el público a la perfección y sabe que en Chile había que decir que en Argentina la gente sí que gritó muy fuerte, así que no podíamos quedarnos atrás. Harto ruido y entusiasmo que se mantuvo para la canción que da el título a este gran proyecto: Avantasia, el único tema que pudimos escuchar anteriormente en vivo en las giras de Edguy. Serpents In Paradise del mismo Metal Opera parte 1 siguió con el show con Jörn Lande volviendo a escena. Gran interpretación y muy bien recibida y coreada por el público.

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ALL YOU GIRLS AND BOYS ARE WELCOME TO MY WONDERLAND!!!

avantasia08_15La primera parte del show cerraba sorpresivamente con Promised Land del Lost In Space parte 2. Tras 1 hora y media de show ya se notaba que la gente estaba un poco cansada de tanta intensidad, por eso no fue una gran ovación la que pedía el regreso de la banda al escenario. Pero el encore venía muy bien cargado con 3 canciones más. El regreso lo hacían con la que debe ser (a título personal) la mejor canción de The Scarecrow: The Toy Master, originalmente cantada por la leyenda Alice Cooper junto a Tobias Sammet. Éste último se las arregló solo para lograr una gran interpretación acorde a la mística que trae el tema. El momento más emotivo de la noche vino con Farewell, donde Amanda Somerville bajó de la tarima donde compartía los coros con Cloudy y cantó las partes correspondientes a Sharon Den Adel en la versión original.

Ahora llegaba el momento para presentar a la banda, el que tomó bastante tiempo por los discursos de alabanza a cada músico y en presentar oficialmente a los 2 grandes cantantes invitados como Jörn y Andre. Sign Of The Cross fue la elegida para cerrar el show, con todos en escena. Gran momento el que se vivió con la canción y que el público disfrutó con todo sabiendo que era la última. Pero a la mitad de ésta el ritmo cambia y comienzan a cantar todos el coro hecho himno de la canción que abre el Metal Opera parte 2, Seven Angels, que terminó por derrumbar el Teatro Caupolicán que retumbaba como si estuviera lleno. Show aparte el de Andre Matos. Él sabrá lo que le pasaba, pero sí muchos pudieron interpretar el por qué de sus dos porrazos en escena y también corroborarlo cuando desconectó del cable el micrófono de Oliver Hartmann para cantar sin que este funcionara (estamos hablando de un micrófono que no es inalámbrico).

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Así terminaba el show de Avantasia en Chile, con todos los músicos despidiéndose muy agradecidos en el escenario y con un público que se fue completamente satisfecho del recinto sabiendo que será muy difícil borrar de sus mentes un concierto que mantuvo en su totalidad la excelente calidad de sonido y de puesta en escena. No sabemos qué pensará Tobias Sammet sobre nuevos proyectos con Avantasia, pero sí hay que tener por seguro se inmortalizará algún concierto de la gira en DVD o disco en vivo que quedará para guardarlo como documento histórico.

Setlist:

avantasia08_2501. – Twisted Mind
02. – The Scarecrow
03. – Another Angel Down
04. – Prelude
05. – Reach Out For The Light
06. – Inside
07. – No Return
08. – The Story Ain’t Over
09. – Shelter From The Rain
10. – Lost In Space
11. – I Don’t Believe In Your Love
12. – Avantasia
13. – Serpents In Paradise
14. – Promised Land
Encore:
15. – The Toy Master
16. – Farewell
17. – Sign Of The Cross / Seven Angels

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Bien hemos sabido de la tremenda, triste y tórrida teleserie protagonizada por Timo Tolkki (todo con T) y los restantes miembros de Stratovarius desde hace ya un lustro. Desde el receso, pasando al rompimiento total –¿alguien recuerda las impresentables fotos de una señorita que hacía llamarse «Miss K»?–, volver a juntarse para tocar en vivo, ideaciones suicidas, etc.. El resultado –parcial– de esta suerte de soap opera escandinava fue el rompimiento total, durante los últimos meses, de Tolkki con Timo Kotipelto, Jörg Michael y Jens Johansson, y que no sólo no fue en términos amistosos, sino que los trapitos al sol sacados fueron muchos y muy feos, encarándose mutuamente asuntos de dinero, situación que sólo se morigeró al anunciar Tolkki en los últimos días que le cedería el nombre y marca «Stratovarius» a Kotipelto, Michael y Johansson –lo que tampoco es un despropósito considerando que ni siquiera Tolkki es fundador de la banda en su calidad de tal–, lo que fue agradecido por los últimos tres mediante un comunicado en la web de Stratovarius, dando una especie de término a este drama lleno de confusiones y malos entendidos, indigno de una banda tan importante y pionera como el referido quinteto. Aunque nunca se sabe.

En este contexto, Tolkki anunció que lanzaría un nuevo proyecto solista, en formato banda, a llamarse «Revolution Renaissance», y que lanzaría un disco este año 2008, con temas que tenía relativamente preparados para lanzar con Stratovarius. Debo confesar que en mi mente esperaba un infumable y antológico bodrio, similar al disco «Stratovarius» de 2005, último trabajo de la mítica banda escandinava, o algo en la onda del «Hymn To Life», espantoso trabajo solista de Tolkki.

Pero afortunadamente «New Era» no sólo no es una bazofia, sino que es un muy buen disco, en el cual Tolkki es apoyado por músicos como Pasi Heikkilä (45 Degree Woman) en bajo, Mirka Rantanen (Thunderstone) en batería, y las no menores colaboraciones vocales de Pasi Rantanen (Thunderstone)… ¡¡Tobias Sammet!! (Edguy, Avantasia)… y… ¡¡¡MICHAEL KISKE!!! Sí, el mismo.

Dando un primer bosquejo acerca de lo que se trata Revolution Renaissance, tras una primera escucha, nos queda absolutamente claro –por si no lo estaba antes– que Tolkki es lejos el compositor más prolífico de la historia de Stratovarius, con melodías que por momentos rememoran y evocan al brillante pasado del quinteto finlandés. De todas maneras, llama profundamente la atención a la primera pasada la escasa cantidad de solos de guitarra a lo largo de todo este trabajo… creo que esa suerte de «menor protagonismo» es algo que tiene que ver con la madurez y «centración» mental que ha adquirido Tolkki con el paso del tiempo, se ha dedicado a componer canciones que probablemente tengan menos brillo y lucidez que antes, pero que suenan sólidas. Ningún tema pretencioso ni eterno, sólo temas de duración razonable para un disco de algo más de cuarenta y siete minutos. Aunque hay que recalcar algo que personalmente considero un déficit: casi todos los temas (creo que la única excepción es el primero) terminan con fade out, lo que creo que es pernicioso porque lo único que hace es demostrar que no se sabe terminar las canciones.

«New Era» parte con Heroes, que comienza con una especie de intro ambient que da paso a un riff limpio y contundente, que recuerda inevitablemente a No Turning Back del Destiny, pero con un sonido similar al de discos como el Dreamspace o incluso del Twilight Time. Doble bombo, ritmo frenético, hasta pasar a un midtempo liderado por la inconfundible voz de Tobias Sammet, el hombre de los pantalones bovinos. Con un coro muy glorioso, a todo ritmo, pero al mismo tiempo simple y carente de mayores pretensiones, y más allá del evidente autoplagio (la parte de las guitarras es idéntica a Against The Wind), se trata de un excelente tema, y que a quienes le tienen cariño y afecto a una banda esencial del estilo, como lo es Stratovarius, incluso lo puede llegar a emocionar. Notable inicio, una verdadera deadly kick in the balls a quienes pensábamos que este disco sería un infumable esperpento musical.

El siguiente corte, I Did It My Way, nos marca otra tendencia que produjo muchos réditos a Tolkki en Stratovarius: el midtempo. Un corte muy sencillo, cantado por Michael Kiske, y que pasa a ser de los mejores momentos del disco. Lo que particularmente me agrada de este tema es, curiosamente, el poco protagonismo de Tolkki, que sólo «luce» un solo muy simple y carente de aspavientos. El brillo en este corte es del ex vocalista de Helloween, especialmente en los coros a dos voces. Respecto a Kiske… sus defensores dirán que el tipo no se ha vendido jamás, que perfectamente podría estar ganando plata haciendo una banda de metal… y será un argumento muy válido. Lo que pasa es que dentro de mi –reconozco– limitada mente no puedo concebir que un tipo poseedor de una de las mejores voces de todos los tiempos reniegue del metal, es como si Messi se retirara del fútbol en su mejor momento para ser un especialista en bochas, en faustball o dedicarse a la práctica profesional del póker. No puedo entender semejante desperdicio y no lo entenderé jamás.

Paradise? No, es el riff que da inicio a We Are Magic. Es inevitable recordar con cariño a ese imbatible corte del Visions, y que cuenta en las voces con Pasi Rantanen, un vocalista bastante correcto, y que si bien poco tiene que hacer frente a dos monstruos como Sammet y Kiske, no desentona. Se trata de un tema muy cuadradito y con la típica fórmula de «single» de Stratovarius, del tipo Eagleheart (riff de intro, verso, puente, coro, solo, puente, coro, riff final). Muy buen inicio del disco, sólidos tres primeros temas.

Ya era mucho sostener un disco de Tolkki sin baladas, y ante eso llega Angel, el siguiente tema, nuevamente con un sólido Kiske en las voces. Un corte muy en la onda de baladas como Before The Winter, aunque con una guitarra, insistimos, menos protagónica, lo que da un toque más intimista. Un bonito tema, algo meloso, pero soportable.

Con Pasi Rantanen en las voces, Eden Is Burning recuerda a grandes rasgos a temas como Uncertainty, Babylon o Awaken The Giant. Da la impresión de que si bien Rantanen se desempeña holgadamente en el ámbito de la dignidad, este tema estaba totalmente hecho para Timo Kotipelto (volveremos a esto en el final). Quizás sea el primer tema en que Tolkki hace un solo relativamente lucido, lo cual, como he dicho, considero que tiene más puntos positivos que negativos.

Glorious and Divine, el siguiente tema, va muy en la onda de Edguy y que recuerda un poco (en su riff inicial) a Where The Rain Grows de Helloween. Es el segundo tema del disco cantado por el gran Tobias Sammet, quien luce a gran altura y suena comprometido con el tema. Cuadradito, más o menos rápido, con un prudente solo de Tolkki… buen y entretenido tema.

Con Born Upon The Cross vuelve Pasi Rantanen a las voces y creo que es donde éste más luce. Es un tema cadencioso, con un sonido muy típico de la última época de Stratovarius, pero que afortunada e inteligentemente es corto, lo que lo hace llevadero e incluso puede considerársele como un buen tema, aunque podría haber sido un poco más “pesado” para sonar más contundente.

Keep The Flame Alive tiene nombre de tema rápido, pero viene a ser una suerte de experimento extraño y que tiende a no convencer. Comienza con una especie de teclado que recuerda a la música oriental (¿alguien vio “Oshin”?), y que después pasa a ser una balada que inevitablemente –y guardando las proporciones– rememora a un maravilloso tema como A Tale That Wasn’t Right, considerando el elemento común que es Kiske en las voces. Un tema bonito pero demasiado extraño, no puedo negar que me desagrada un poco ese teclado tan… japonés.

Ya acercándonos al final del disco, Last Night On Earth muestra en mi concepto, de lo mejor de este nuevo trabajo. Un tema midtempo y cantado por Michael Kiske, quien sin hacer grandes lucimientos, se escucha realmente increíble, especialmente cuando suena a dos voces. Gran trabajo de Tolkki, uno de los mejores cortes del disco.

“New Era” concluye con Revolution Renaissance, el tema más largo del disco, con alrededor de seis minutos… ¿quién se habría imaginado que en un disco compuesto por Tolkki el tema más largo duraría seis minutos? Creo, como dijimos anteriormente, que es una tendencia saludable y es un inequívoco síntoma de madurez. Un corte nuevamente interpretado por Kiske (notable el coro con el Revolution / evolution / Revolution Renaissance), y que recuerda a otro emblemático tema de Stratovarius, como es Season Of Change. Un sólido final para este trabajo.

Si bien creo que no hay que sobrevalorar este disco y ponerlo a la altura de joyas como el Episode o el Visions («New Era» ni siquiera le lustra los zapatos a estos trabajos), hay que tomar en cuenta el contexto en el que este disco nació, con un terreno poco fértil. Es como tirar semillas en el desierto… no va a crecer un bosque de araucarias milenarias, pero es meritorio, y mucho, que crezcan un par de tamarugos. Y puede –esperemos– marcar el inicio del retorno de Timo Tolkki hacia el buen camino. Ojalá no se quede sólo en el inicio, y que este Renacimiento-Revolución se consolide, en serio, y pase de ser un sólido y bien compuesto disco solista de rehabilitación y esperanza, a volver a ser uno de los referentes de la escena, sitial bien y merecidamente ganado por Tolkki a lo largo de los años.

Y sólo una última opinión, para seguir echándole carbón a la hoguera de la teleserie… me parece que este disco habría sido mucho mejor si el cantante hubiese sido Kotipelto. Pero eso es música ficción.

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Recién estamos empezando junio, y ya podemos decir que este año ha sido uno de los mejores que nuestro país ha tenido en materia de conciertos. Maiden, Deep Purple, Ozzy, Helloween, GammaRay, no se puede pedir más, sin embargo, hace un par de meses, recibimos la noticia de la venida de una de las bandas pioneras del Heavy Thrash Metal: Megadeth. A dos años y medio de su última visita, acompañado de una formación distinta (algo típico en los últimos años del grupo), Dave Mustaine volvería a pisar tierras Chilenas para atacarnos con su descarga sónica. La expectación era importante: en el papel al menos, este nuevo Line-Up Mustaine, Shawn Drover en la batería, Chris Broderick en la guitarra solista y James Lomenzo en el bajo era superior al anterior, lo que aseguraba un interpretación de primer nivel. Lo anterior, sumado a la adición de un telonero de primerísimo nivel (los ya-no-tan-Chilenos Criminal) provocó una convocatoria que sorprendentemente estuvo cerca de doblar la del 2005, consagrando a Megadeth como uno de los grupos más masivos en nuestro país, trascendiendo las barreras del Heavy Metal.

Rise and Fall of a Bass Drum

criminal_01Poco después de que el frío comenzara a despedir la tarde santiaguina se comenzaron a abrir los accesos al Arena Santiago, recinto elegido para la realización del evento. Tras una larga espera amenizada por los tontitos que creen que empujando van a abolir las leyes de la física para llegar a la reja, comenzó el show de una de las bandas que han logrado surgir de la escena criolla para tener reconocimiento a nivel mundial. Criminal comenzó un recorrido por su discografía en el que clásicos como New Disorder, Collide, Slave Master e Hijos de la Miseria lograron su cometido de prender al público a pesar de tener dos factores muy importantes en contra: la impaciencia por ver al acto principal y el sonido. Este último al parecer fue demasiado pesado para las características del lugar, por lo que no contó con la claridad necesaria para entender los riff (Peavey 5150 con la perilla de TeH Br00tLZ T0nE a 11 parece no ser una buena opción en un local de esas características). El colmo de la mala suerte fue la falla de la bartería durante Rise and Fall, que obligó a la banda a comenzar otra vez esa brutalidad de tema. Una pena por el grupo de Anton, pero por lo menos no se trataba de un telonero que tuviera mucho que probarle a una audiencia masiva; Criminal ya es una banda consagrada, y seguramente tendremos la posibilidad de disfrutar su show en más de alguna otra oportunidad.

Sleepwalker Wakes Up Dead

megadeth07Terminado el accidentado show de la banda Chilena, comenzó lo que sería la última de las esperas. Esta, de una duración infinitamente menor, se vio amenizada por una «popular» selección de canciones de parte de la productora (fue realmente agradable escuchar ese masivo coro al Run to the Hills). Durante ese lapso, un sobrio telón negro con el logo de Megadeth se elevó lentamente en el fondo del escenario, desatando la primera gran ovación de la noche; uno de los íconos más importantes de la historia del Metal generó la agitación de la multitud que repletaba el coliseo. Luego, se apagaron las luces, y una intro de guitarra acústica dio paso a Sleepwalker, el tema que da inicio al disco que la banda promociona en este Tour of Duty. A pesar de ser bastante masivo, por ser uno de los primeros temas del nuevo trabajo que la banda de Mustaine mostró al público, la concurrencia cantó con fuerza solamente los coros y los puentes, fenómeno que se repetiría con los demás tracks del United Abominations.

Sólido, este opener consiguió su objetivo de abrir del concierto, aunque sin la gloria que podría haber tenido un Rattlehead o un Set the World Afire… Para nadie era una sorpresa que la reacción del público ante los clásicos inmortales de la banda de Mustaine sería demoledora, pero la explosión con la que las 15.000 personas que repletábamos el Arena Santiago recibimos Wake up Dead fue sencillamente impresionante; cada palabra que salía de la afilada garganta de Dave, cada nota que las torres de parlantes enviaban a cortar el aire santiaguino era devuelta por un público que coreaba con la misma vehemencia con la que, al menos en la cancha, saltaba o se empujaba… la Dean VMNT cortaba la muralla de sonido con unos solos que marcaron a fuego la historia de la música en 1986 y que reafirman (por si alguien necesita una reafirmación) el status de Leyenda que Megadave indiscutiblemente ostenta hasta hoy.

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Take No Prisoners CREMATE THEM!!!

Luego, casi sin pausa, fuimos castigados con uno de los tantos temas de la banda que fueron capaces de consagrarse como clásicos sin necesidad de MTV, de radio, de nada. Take No Prisoners, si bien fue desempolvado por Megadeth hace bastante tiempo ya, fue una sorpresa para muchos de los asistentes al concierto (a la salida del evento escuché muchas variantes de NO PUEDO CREER QUE HAYAN TOCADO TAKE NO PRISONERS, condimentado con distintas palabras de grueso calibre…). Un detalle importante a tomar en consideración durante este tema era que, por lo rápido de las líneas de guitarra, y las notas en las que el tema está escrito, pondría a prueba la calidad de la amplificación, y su comunión con el recinto; lo que escucharíamos bajo la voz de Mustaine podría variar entre una masa inmensa de ruido o el intenso ataque de una pareja de guitarras al que Megadeth nos tiene acostumbrado… el resultado estuvo bastante más cerca de la segunda opción. Si bien el sonido no alcanzó la calidad de la penúltima presentación de la banda en nuestro país, la claridad con la que todos los instrumentos llegaban a la cancha era más que suficiente para convencer incluso a los más exigentes.

megadeth52A pesar de los movimientos casi patológicos, de la sonrisa incontrolable que se veía en mi cara al comienzo de Skin O` My Teeth, la euforia no era la sensación más importante en mi cabeza en ese momento. La discografía de la banda de Mustaine y el trabajo de los guitarristas solistas que lo han acompañado a lo largo de su ilustre carrera son algunos de los más importantes motivos que muchos tenemos para tocar guitarra, ¿no es cierto?. A esa altura de la noche estaba completamente concentrado en la guitarra de Chris Broderick. El solo de esta canción, una de las obras maestras de Marty Friedman, es una prueba de las más difíciles que puede tener un reemplazante, y por mucho que los videos que circulan en la red muestren un monstruo de las seis (siete, en este caso) cuerdas, los metaleros sabemos que es sobre el escenario donde se ve quienes sobreviven y quienes no… y Broderick puede decir orgullosamente que no solo sale de la prueba ileso, sino que además lo hace victorioso. El ex Jag Panzer debe ser el único solista que ha pasado por Megadeth que no toca los solos de Friedman a su manera y opta por la dificilísima tarea de intentar reproducirlos nota por nota, consiguiendo un resultado francamente impresionante. Aplausos para él, y para Dave por haber encontrado un sustituto a la altura de las circunstancias.

Bienvenidos a la Casa de Megadeth!!!

megadeth37El primer respiro de la noche vino con el típico saludo de Megadave, Bienvenidos a la casa de Megadeth!, luego del cual guardó silencio para escuchar a la multitud que lo aclamaba: la escena metalera Chilena se rendía una vez más ante uno de los personajes más importantes del mundo de la música. Luego de un pequeño discurso acerca de lo pobre que era su manejo del español, Mustaine presentó el segundo tema del United Abominations que interpretarían durante el show: Washington Is Next! La performance, como durante todo el concierto, fue impecable, destacándose el alto nivel de los coros deLomenzo. Desgraciadamente, es momento de resaltar el primer punto negativo de la noche: la gente no demuestra interés en estos temas, en comparación con los clásicos, y se genera una quietud tan notoria que llega a ser molesta, parece ser que uno de los costos de la masividad, para una banda de estas características, es la mediocridad de algunos seguidores, volveremos sobre este desagradable detalle más adelante en el análisis.

Una costumbre que he tomado en este último tiempo es la de no leer los setlists, ni nada relacionado con las presentaciones de las bandas que voy a ver, como una manera de añadir algo de sorpresa a las singulares experiencias que son los conciertos. Así, lo imprevisto del potente riff inicial de Kick The Chair hizo aún más agradable la sensación de escuchar el único tema que la banda extrajo del subvalorado The System Has Failed para esta presentación. Cada nota del magistral solo fue coreada por un público que ya comenzaba con el aplauso final, y que fue en vez de una pausa recibió.

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IN MY DARKEST HOUR!!! La interpretación de este clásico del So Far, So Good, So What! fue uno de los momentos más emotivos de la noche, y ahora si el público estuvo a la altura acompañando en cada palabra que cantaba a un Dave que se veía sorprendido por la cantidad de banderas que le llegaban del público. La base rítmica tuvo uno de sus varios puntos altos en la performance de este himno, con la batería de Drover y el bajo de JLo sonando como truenos bajo la voz de Mustaine a medida que la cancha se iba convirtiendo en un campo de batalla gigante al tempo de la música. Otra vez aprobó Broderick en la interpretación de ese breve pero complicado solo de Jeff Young (quizá el guitarrista con el estilo más peculiar que ha acompañado al Colorado) y otra vez la concurrencia se deshizo en una ovación durante los últimos compases del séptimo número de la noche, clamor que hubiese continuado por largo rato de no ser por la nuevamente inesperada – irrupción del siguiente tema…

megadeth46¿Hasta donde puede llegar la intensidad en un concierto de esta categoría? ¿Hasta donde pueden llegar las fuerzas de los fanáticos? Megadeth obliga a pensar más de una vez las respuestas a ambas preguntas. Si con el final de In My Darkest Hour el concierto parecía llegar a su climax, Hangar 18 es una reafirmación de que en el Metal, a este nivel, no hay descanso, no hay piedad. Es que en este tipo de situaciones se te olvida que has viajado una noche entera para llegar a la ciudad de destino, se te olvida que estuviste vagando todo el día por las calles de una ciudad que no conoces, se te olvida la espera interminable, el hambre, el sueño, se te olvida todo… porque al final de cuentas no es la fuerza sino la pasión lo que movía a los afortunados asistentes a el que seguramente será recordado como uno de los eventos Metaleros del año en Chile. Un detalle: ¿Cuántas son las bandas que son capaces de componer un tema con MAS DE DIEZ SOLOS DE GUITARRA que no aburra a una audiencia masiva a la mitad de su ejecución? Ese, entre muchos otros, es uno de los motivos por los que el sábado pasado estuvimos en presencia de una leyenda.

megadeth48Gears of War no debería haber significado, por ningún motivo, una baja en la energía del espectáculo, pero otra vez el público se guardó la voz, coreando solo el nombre de un tema para el que esperaba más reacción de la audiencia. Llegamos al que sin lugar a dudas fue el momento más emotivo de esta increíble noche: A Tout Le Monde. Esta balada, único corte del Youthanasia elegido por la banda para este setlist fue interpretada en su versión original, contrario a lo que se podría pensar estando el remake en el disco que se promocionaba en esta gira. Acá Mustaine dejó al público cantar la primera estrofa, y la voz del Arena Santiago resonó imponente en una estructura que estaba teniendo una de sus noches más memorables. El espectáculo que significó mirar la galería y verla llena de encendedores y celulares había que verlo para creerlo… Recién hablaba de intensidad, y esta es una perfecta manera de demostrar que para tener una actuación llena de energía no es necesario elegir los temas más rápidos del repertorio, y tocarlos a una velocidad tres veces más rápida que la versión de estudio; ¿Cuánta gente no lloraba a mares mientras cantaba este himno? ¿No es eso intensidad acaso? Gran trabajo de la banda del colorado, uno de los puntos altos del show.

Tornado Of Shred

Al terminar el arpegio final de A Tout Le Monde, Chris Broderick empezó a hacer unos de esos tapings a ocho dedos por los que era famoso entre los aficionados a la guitarra antes de entrar al grupo que lo trajo a nuestro país. Una demostración de habilidad sencillamente impresionante, pero que fue muy corta para considerarla un solo… fue más bien una introducción a uno de los temas más esperados de la noche, una de las piedras angulares de cada presentación de la banda desde el lanzamiento del primer disco con que se hicieron masivos, Rust In Peace. Tornado Of Souls es otro de los motivos por los que Megadeth se encuentra en un nivel completamente superior al común de las agrupaciones, del estilo que sean. Todos los riffs que la componen, la letra, los recursos de los instrumentos son de una categoría elevadísima y el solo de guitarra es una historia aparte. Cuando hablé de que cada lead era una prueba de fuego para Broderick, muchos de ustedes habrán pensado justamente en este momento del show, en la obra maestra más imponente de Marty Friedman, en el que me atrevo a decir es EL solo de guitarra de la historia de la música. Chris es capaz de reproducirlo quirúrgicamente, algo que no he visto a nadie más hacer sobre un escenario y que hizo reventar en aplausos a un Arena Santiago en el que debe haber habido un porcentaje importante de guitarristas con lágrimas en los ojos. Increíble.

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Luego de ese episodio imborrable, vienen las dos canciones que podríamos catalogar como el peor momento de la noche: Ashes In Your Mouth y Burnt Ice. El fenómeno del que hablaremos ahora no fue causado por la banda (como podría llegar a pensarse), ni por la producción, ni el sonido, ni la seguridad los culpables del caso fuimos nosotros, los asistentes al evento. Los temas mencionados fueron los dos que tuvieron una recepción más fría por parte del público; quizá el caso de Burnt Ice se explica por el hecho de no ser uno de los temas más pegajosos del United Abominations, por ser el último tema del disco. Pero lo de Ashes In Your Mouth no tiene nombre. ¿Por qué prácticamente nadie la cantaba? ¿Por qué no sale en el Arsenal Of Megadeth? ¿Por qué no la alcanzaron a bajar de Internet antes del concierto? No me puedo explicar, ni aún después de buscar una respuesta durante días, como es posible que un público de 15.000 personas no sea capaz de hacerse sentir durante un tema CLÁSICO que está en el disco más famoso del grupo. Simplemente impresentable.

Pero bueno, el show continúa, y tras el demoledor solo con que el sólido Grover terminó Ashes… comienza uno de los temas más peculiares de la banda: el diálogo de Mustaine consigo mismo en Sweating Bullets fue acompañado por una audiencia que pareció haber despertado después del suceso comentado en el párrafo anterior.

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Symphony of Deth

No soy muy amigo del famoso grito de «Megadeth, Megadeth, Aguante Megadeth» que se venía anunciando desde las filas anteriores a la entrada al recinto; si lo inventaron al otro lado de la cordillera, preferiría que se quedase allá. Sin embargo, si lo iban a gritar (y era obvio que lo harían), lo mínimo es que dieran la vida por hacerlo sonar más fuerte que allende los Andes. No tengo idea que tan ruidosos serán nuestros vecinos pero, por lo menos en la cancha, el estruendo que bajaba de la galería durante Symphony Of Destruction era atronador. La banda tocó una versión extendida del tema, con Mustaine “shredeando” sobre una melodía similar a la del coro durante un par de minutos luego del final del track que conocemos, un lujo.

megadeth33El final de la primera parte de un concierto que quedará en la memoria del ambiente metalero chileno vino con Trust, el primero de los dos cortes del Cryptic Writings que fueron interpretados a lo largo del show. Drover dio la partida y el demoledor bajo de Lomenzo, ecualizado idénticamente a como lo fuese alguna vez el de Dave Ellefson, puso a saltar a una audiencia que no paró de cantar (e incluso tuvo la oportunidad de hacerlo en su idioma) hasta el final. Luego de una breve despedida, vino un encore con las luces apagadas que no duró más de un par de minutos, todos sabíamos que el castigo no terminaba ahí…

La banda volvió con She-Wolf, un tema en el que se produjo un episodio singular: Lomenzo tuvo problemas con el bajo, y, luego de cambiarlo una vez, volvió al escenario a hacer los coros sin su instrumento. Ganó aplausos por su actitud relajada ante el problema, no teniendo problemas en salir a corear con nosotros este temazo. Ah, un detalle: En los fills, Broderick demostró que no es una máquina, es humano…

Megadeth Sells… And Chile Is Buying!!!

megadeth28Acercándonos al final, Megadeth nos regaló uno de los momentos más llenos de historia de la noche: desde que Shawn comenzó a marcar los tiempos con el bombo, Arena Santiago comenzó a agitarse esperando el tema homónimo de uno de los discos más legendarios de 1986. Peace Sells… But Who`s Buying? cortaba el aire y parecía que el suelo temblaba, parecía que la cancha se convertía en un solo mosh gigante; mosh que se paralizó por un segundo cuando por las torres de amplificación, en vez de escucharse el mítico thrash break, empezó a sonar The Mechanix. Sorpresa para algunos, el momento más esperado de la noche para otros fue una especie de viaje en el tiempo hacia la primera mitad de la década de los ochenta, y la impecable ejecución por parte de una banda que funciona como un reloj convirtió este Mechanix en uno de los puntos altos de la velada.

Otro pequeño encore más, luego del cual la banda sale por última vez al escenario para ser presentada por su frontman. Una tras otra, las ovaciones premian a tres músicos de excelente desempeño que nos demostraron que a pesar de venir de bandas menos conocidas, no les falta habilidad para desenvolverse en las grandes ligas del Metal. El cuarto de los integrantes de la banda no se presentó por su nombre; lo hizo con su obra. “This song is called Holy Wars” fue, además, una señal que provocó contradicción en los fans: uno de los clásicos (si no EL clásico) más importantes de la banda serviría además como cierre de un espectáculo de categoría mundial, de esos a los que la banda de Mustaine nos está acostumbrando.

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Es muy difícil expresar lo que se siente al terminar uno de estos conciertos. A pesar de la falta de temas como Train Of Consecuences o Reckoning Day, dudo que uno solo de los asistentes haya dejado el recinto disconforme con un show que, repito con el riesgo de parecer majadero, quedará grabado en la historia del metal en Chile.

Setlist:

01 – Sleepwalker
02 – Wake Up Dead
03 – Take No Prisoners
04 – Skin O’ My Teeth
05 – Washington Is Next
06 – Kick The Chair
07 – In My Darkest Hour
08 – Hangar 18
09 – Gears Of War
10 – A Tout Le Monde
11 – Tornado of Souls
12 – Ashes In Your Mouth
13 – Burnt Ice
14 – Sweating Bullets
15 – Symphony Of Destruction
16 – Trust
Encore 1:
17 – She Wolf
18 – Peace Sells
19 – The Mechanix – Peace Sells
Encore 2:
20 – Holy Wars

El día 18 de mayo de 2008, era para muchos el día en que verían por fin en Chile a uno de los referentes más importantes del globo en lo que respecta a Metal/Rock Progresivo. Al fin se cumpliría el sueño que por largos años los fans de Queensrÿche llevaron a cuestas. Disco tras disco y gira tras gira, las que no incluían suelo sudamericano, hacían pensar que nunca llegaría el momento en que la banda pisara por fin suelo nacional, lo que claramente contribuyó a generar altas expectativas respecto del show.

Lamentablemente, y muy a pesar de todos los presentes, dichas expectativas no fueron del todo satisfechas.

El ambiente en las afueras del Teatro Teletón era bastante más calmado que en otras ocasiones, el flujo de gente que llegaba al recinto era escaso, algunos señores de verde cuidaban que todo estuviera en orden y el habitual poco tránsito durante un día domingo en la tarde en el centro de Santiago, no hacían presagiar que más tarde se daría cita a una de las reuniones más esperadas del último tiempo por los pocos, pero fieles fans del metal/rock progresivo que asistieron a este evento. Alrededor de 1.200 (o un poco menos) fueron los asistentes a la única presentación en Chile, hasta el momento, de la ya veterana banda de Seattle, precursora de lo que se conoce como Metal Progresivo. En todo caso, 1.200 personas no es un número menor y se encuentra dentro de los márgenes de público para los cuales Queensrÿche acostumbra a tocar.

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El recinto fue el ideal para la presentación de una banda de las características de Queensrÿche, la acústica del lugar provocó que este show haya pasado de forma inmediata a ser uno de los mejores en cuanto a sonido he presenciado, la definición para cada instrumento fue de primera y sin nada de esfuerzo (por lo menos desde donde me encontraba) se podía escuchar cada uno de los detalles y arreglos interpretados. Todo era perfecto y propicio para presenciar un tremendo show, pero estamos en Chile… algo tenía que pasar.

OPERATION: MINDCRIME EN CHILE

qr2008_11El concierto partió a eso de las 19:05 de la tarde, momento en que se apagaron las luces y la banda hizo su ingreso al escenario. Partieron con el primer tema de su disco Empire de 1990, Best I Can. El respetable, como era de esperarse, reaccionó efervorizadamente coreando cada parte de la canción, el sonido era impecable y nítido, el juego de luces nada espectacular, pero lo necesario para un buen espectáculo, solo acompañaba a la banda un telón negro de fondo, con el nombre del grupo y el clásico símbolo que acompaña cada carártula de sus discos, desde Rage For Order en adelante. Todo era perfecto. Terminan la ejecución de Best I Can y cuando era el momento de comenzar con el siguiente corte algo pasa.

Muchos de los asistentes ya sabíamos que se venía y ese no era otro que un clásico de su primer larga duración, NM 156. Pero los segundos pasaban rápido y no comenzaban. ¡¿Pero que pasa que no parten?!. La banda continuaba en el escenario, pero el segundo tema brillaba por su ausencia. Los segundos se transformaron en minutos hasta que de pronto alcancé a ver a Rockenfield que hace un gesto a un técnico indicando con su mano en el cuello que «algo había muerto». Hasta ese momento aún no tenía claro que era.

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Todo estaba oscuro esperando que la banda volviera a tocar, pero en eso se retiran del escenario y comienza el eterno paseo de roadies y técnicos tratando de encontrar el desperfecto a punta de linternas. La máquina de samples a un costado de la batería de Rockenfield era lo que estaba provocando la demora. Tanscurrían los minutos y la gente, con justa razón por lo demás, comenzaba a impacientarse, las pifias no se hicieron esperar, claramente no eran para la banda, todo era por la situación que se estaba viviendo hasta ese momento. Tate volvió al escenario por un minuto, el problema parecía estar solucionado, habló un poco con la gente, pero luego sin mediar explicación alguna se retiró nuevamente. Transcurridos otro par de minutos vimos como los roadies apresuradamente subían al escenario ¡¡¡a cambiar los setlist!!!… pensamos que simplemente cambiarían los temas que utilizaban samples, que no eran pocos, pero no fue así, simplemente los sacaron del show y todo terminó resumido a que perdimos 20 minutos y algo más de la presentación de la banda, lo que en la práctica y teniendo en cuenta lo que venían presentando a lo largo de la gira, significó 5 canciones menos. Una verdadera lástima.

qr2008_12Exactamente a las 19:30 horas la banda en pleno vuelve al escenario y Mike Stone comienza sin más a tocar el riff de NM 156, obviamente sin samples, ya no había caso, era eso o nada. La gente respondió agradecida, la espera había sido eterna, pero el «detallito», a juzgar por los rostros que pude ver, desanimó a varios. Más aún cuando comenzaron los acordes de Hostage, de Operation: Mindcrime II, no por el tema en sí, que es buenísimo, sino porque debía ser el temazo Screaming In Digital el que tendríamos que haber oído en ese momento. Pero bueno, ya no quedaba más que aceptar lo que había ocurrido y tratar de comenzar a disfrutar nuevamente del espectáculo, lo que en todo caso no costó mucho. Era Queesnrÿche lo que teníamos en frente, una banda con una trayectoria de más de 25 años encima y con discos que se han convertido en piedras angulares del estilo que ayudaron a dar forma. Los 5 músicos que la conforman son simplemente solidísimos cada uno en lo suyo, por lo que el show de a poco comenzó a retomar el entusiasmo logrado al inicio.

Continuaron en el mismo orden de OM II, es decir, con The Hands, el que una vez concluído dio paso al primer speech de la noche de Tate (creo que fueron 4 speech relativamente largos en total), en donde nos habló un poco de aquellos losers que deambulan por la vida, palabras que se transformaron a la larga en la presentación del siguiente corte, Bridge, una tremenda balada que encontramos en su álbum Promised Land, el que dio lugar a uno de los momentos más emotivos e íntimos de su presentación. El siguiente en la lista fue Another Rainy Night (Without You), el que fue coreado por toda la audiencia, al igual que Walk In The Shadows, proveniente de Rage For Order, que se transformó en uno de los tantos puntos altos de esta primera presentación de Queensrÿche en Chile.

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A continuación otro speech de Tate, esta vez para comentarnos que muchas fueron las bandas que los llevaron a reunirse y dedicarse a la música y que entre ellas estaba Black Sabbath, con lo que por supuesto marcó el inicio de Neon Knights, un clásico de la época de Dio y que fue versionado por Queensrÿche para su álbum Take Cover, de 2007. Los siguientes cortes en la lista fueron Last Time In Paris y Breaking The Silence, que la gente, por supuesto, conoce a la perfección por lo que la dinámica entre el público y la banda, principalmente Tate, se mantuvo siempre en buen pie; luego vino I Don’t Believe In Love, otro corte de OM I.

qr2008_02Es importante señalar que Geoff Tate, además de ser un vocalista fuera de serie, lo que ha dejado patente a lo largo de toda su carrera y que pudimos comprobar por fin en vivo, es un excelente frontman y un mejor aún interprete, lo que para el desarrollo de las letras de un disco como Operation: Mindcrime I es importantísimo. Cada una de las palabras fueron interpretadas con un histrionismo digno de actor. Desconozco absolutamente si Tate alguna vez dentro de sus carrera habrá tomado clases de actuación, pero que importa, la cosa es que la forma de interpretar cada texto de las letras de los temas, sobre todo los que vienen en OM I, fue todo lo que alguna vez esperé ver de Tate al cantarlas. Un punto realmente notable. Creo que no es necesario referirse al desempeño individual de los integrantes de la banda, solo señalar que cada uno es una mole en lo suyo, tal vez sólo destacar el importante trabajo de Eddie Jackson y Mike Stone en los coros que apoyaron la labor de Tate dándole el realce necesario a los temas en las partes que requerían de ello.

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The Needle Lies fue el encargado de continuar con el espectáculo. Otra fiesta se vivió cuando Rockenfield dio el vamos a esta canción. Claramente a esta altura del show NADIE se acordaba de los famosos samples… ¡que bueno! por que lo que Queensrÿche nos entregó en su presentación no fueron más que clásicos tras clásicos y que gracias a la ejecución de la banda y a la agradecida audiencia, no se vieron empañados por tan mala pasada. Menos aún claro, si lo que se venía, luego que Tate hablara un poco de la ciudad originaria de Queensrÿche, Seattle, era Jet City Woman y luego Eyes Of A Stranger, el que a la postre se transformaría en el último de Operation: Mindcrime I.

qr2008_37Ya no quedaba mucho de show y eso lo teníamos claro, pero también sabíamos que lo que se venía no era menor. The Lady Wore Black del primerísimo EP de 1983 y el himno Take Hold Of The Flame, de The Warning, fueron los encargados de dejar a la audiencia en lo más alto de las nubes, ya que la respuesta fue demoledora frente a este par de clásicos de la banda. Una vez concluídos, Queensrÿche se despide del público chileno, la lluvia de uñetas y algunas baquetas de Rockenfield fueron el souvenir que dejaron para algunos afortunados asistentes que lograron alcanzarlas. La banda se retira y el público al ver que se prendieron las luces, que la música ambiente de fondo volvía a sonar como en un principio y más aún cuando los roadies y técnicos comenzaron a desconectar y desarmar todo, entendió que al parecer ya no habría un posible encore para cerrar la noche.

Así fue como toda la gente que estaba en la parte que podríamos llamar galería del Teatro Teletón, se retiró a sus casas. Sin embargo, otros tanto sin creer que eso fuera todo y a pesar de las luces y la música de fondo, comenzaron a pedir a la banda y a corear su nombre por algo más de 10 minutos. Algo incrédulos al ver que a pesar del griterío no pasaba nada, nos dirigimos hacia la salida también, sin embargo cuando nos aprestábamos a retirarnos los gritos se hicieron más fuertes, subimos nuevamente para ver que pasaba, hasta que finalmente vimos como algunos roadies comenzaban a conectar algunos cables. En una actitud nunca antes vista 3 integrantes de la banda, después de 15 minutos o más, volvieron al escenario para interpretar un último tema.

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Tate explicó que solo serían 3 en el escenario (Wilton, Stone y él por supuesto), por lo que el público debía cantar con ellos el siguiente corte. Si damos como cierto que fuimos 1.200 los asistentes al evento, deben haberse retirado al menos 600. ¡600! fueron los que se perdieron sin duda el momento más íntimo y por lo demás, inédito que hayamos podido presenciar con una banda de la envergadura de Queensrÿche. Así fué como comenzaron los primeros acordes de esta versión semi-acústica de Silent Lucidity, su gran hit y en una versión de antología. Los 3 se mostraron sumamente a gusto interpetando el tema de esta forma, con poca luz, sin mucha potencia, pero de forma increíblemente amena, casi de fogata y con 600 voces cantando con ellos.

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Ahora sí, ya no quedaba más, Tate agredeció el recibimiento otorgado por el público, se despidieron y cerró con un Go Home!, una magnífica presentación, que independiente del sin sabor que dejó haberse perdido 5 temas -el que más me duele es Screaming In Digital-, de seguro será para muchos un excelente recuerdo y para otros un sueño hecho verdad.

Setlist:

01. Best I Can
02. NM 156
03. Hostage
04. The Hands
05. Bridge
06. Another Rainy Night (Without You)
07. Walk In The Shadows
08. Neon Knights
09. Last Time In Paris
10. Breaking The Silence
11. I Don’t Believe In Love
12. The Needle Lies
13. Jet City Woman
14. Eyes Of A Stranger
15. The Lady Wore Black
16. Take Hold Of The Flame
Encore:
17. Silent Lucidity

Desde el otro lado del atlántico nos llega The Lake’s Shore, primer trabajo de la banda italiana EndofGrace, quienes comenzaron sus periplos recién en el año 2004, tiempo en el que se dedicaban a hacer covers de bandas como Helloween, Dream Theater, Pantera, Children of Bodom y Stratovarius, bajo el nombre de V Guardians. Con el pasar del tiempo la alineación fue sufriendo algunas variaciones y al mismo tiempo sientieron la necesidad obvia de plasmar ideas propias en lugar de continuar realizando solo versiones.

Este año la banda se decidió a lanzar de manera independiente su primer EP, titulado The Lake’s Shore, el que consta de 4 temas y que tiene una duración de 25 minutos aproximadamente. El estilo de la banda se enmarca principalmente dentro del Metal Progresivo y melódico, pero sin abusar en ningún tiempo del lado inherentemente virtuoso de esta veta musical. Por otra parte, vale mencionar también que las voces de la banda estan a cargo de una mujer, Eleonora Russo, quien tiene un tono de similares características al de la actual vocalista de Nightwish, Anette Olzon.

El primer corte de este trabajo lleva por nombre Silent Tear, que comienza con unos teclados algo arábigos, para proseguir prontamente con unos riff que, para aquellos que gusten del primer trabajo de Dream Theater, les hará recordar de inmediato el tema Ytse Jam. Sin embargo, esta marcada similitud solo dura algunos segundos ya que luego el tema cambia a algo bastante más rápido. Bordeando los cuatro minutos de esta canción hay un interesante interludio en donde se hacen presentes los teclados y la guitarra, para crear de forma conjunta algunas melodías muy ala Helloween. Un muy buen inicio, sin lugar a dudas.

El trabajo prosigue con el tema que da título a este EP, The Lake’s Shore, el que parte muy… MUY, Symphony X. En términos generales se trata de un tema rápido y melódico, con la particularidad que en esta canción Eleonora saca a relucir algunos tonos altos de corte operáticos que inmeditamente recuerdan, por momentos, a Tarja Turunen. Escape Form Reality, el siguiente en la lista, comienza con teclados muy ambientales como ténue soporte de la voz de Russo. Hasta los dos primeros minutos pareciera ser una balada, pero a partir de este momento comienza a variar adquiriendo un poco más de peso. Se suceden varios cambios de ritmo a lo largo del tema, pero en resumen se trata de un tema a medio tiempo, el que posee unas excelentes y muy melódicas líneas vocales.

Para cerrar la banda saca a relucir su aparente afinidad con la música de Yngwie Malmsteen, ya que el comienzo de Lost In Space tiene claras reminiscencias de la música del sueco, con algunos aires del tema As Above, So Below, del primer trabajo del maestro, pero es solo el comienzo, ya que después se torna bastante más rápido llegando incluso en algunas partes instrumentales a rozar el speed metal, lo que claramente lo convierte en un tema entretenidísimo de oír.

Un punto que a mi parecer merece ser destacado, es el excelente trabajo en guitarras de Paolo Brunetti, me gustó mucho su forma de componer, los riffs son precisos y muy adecuados a la estructura de los temas, ya que en este tipo de bandas, sobre todo cuando se trata de los primeros trabajos, a veces tienden a saturar de notas un solo riff como si quisieran demostrar todo lo que son capaces de hacer con su intrumento en un par de segundos. Eso acá no sucede. Lo mismo con los teclados de Agos Donadio, que complementa de manera perfecta, con su sobrio virtuosismo, cada una de las canciones. Por otro lado, la base rítmica conformada por Giuseppe Senese en bajo y Francesco Girardi en batería, acompañan de forma precisa y potente las composiciones de la banda en este debut.

En resumen, EndofGrace se atreve con una entretenida, pero (hay que decirlo) poco novedosa propuesta, las influencias son fuertes y estan plasmadas de manera muy notoria a lo largo de toda la placa, en todo caso, algo absolutamente entendible cuando hablamos del primer trabajo oficial de una banda. A pesar de esto, The Lake’s Shore es sin duda un esperanzador y muy prometedor esfuerzo, que pone a Endofgrace a correr con cierta ventaja dentro del complicado camino del metal progresivo.

A pesar de ser el tercero en valor de los premios que entrega la industria de la música a los artistas por concepto de ventas, alcanzar el disco de oro es una tarea casi imposible para las agrupaciones o solistas cultores del estilo que nos reúne. Muchas bandas metaleras han tenido que alejarse de sus raíces para alcanzar dicho galardón, y Children of Bodom, al decir de muchos, ha sido una de ellas. No obstante haber sido distinguidos con dicha presea por algunos de los singles de sus primeros discos, fue desde su cuarto álbum de estudio que la banda liderada por Alexi WildChild Laiho comenzó a vender discos de una manera sorprendente; curiosamente, dicho trabajo significo una  redirección hacia un estilo más simple, dejando a los metaleros más recalcitrantes algo más que descontentos con la decisión de la banda.

Por lo anterior, un “regreso a los inicios” de una banda alguna vez tan alabada en el underground es una noticia que entusiasmó a muchos; y cuando Alexi declara que el disco “tiene una onda de Thrash Metal Old School”, con “algunas de las baterías más rápidas que Jaska ha tocado jamás”, la expectación alcanza niveles casi ridículos, al punto de hacer que la banda logre en Finlandia el mencionado disco de oro incluso un dia antes de que la placa salga a la venta (gracias a la preventa). Lo anterior lleva a los más escépticos a preguntarnos: ¿Cuánto de verdad habrá en estas declaraciones? ¿Será Bodom otra de las bandas que, prometiendo revivir glorias pasadas, consiguen la estrategia publicitaria perfecta?

Poco a poco se van conociendo más datos sobre la grabación, datos alentadores, podríamos decir: la banda se toma cuatro meses para componer (para crear el disco anterior, solo tuvieron algunas semanas) y contrata como productor de las pistas de voz al mítico Peter Tägtgren, vocalista de la banda sueca Hypocrisy, que ha producido a bandas como Dimmu Borgir e Immortal… Pero sabemos que nada de esto tiene importancia, y que lo esencial es el resultado final. Pasemos a revisarlo a continuación.

Esta vez no hay intro, no hay cita de ninguna película de culto, no hay preámbulos; Hellbounds On My Trail desata la descarga con esa  vehemencia a la que CoB nos tiene acostumbrados, esta vez quizá un poco acentuada: la afilada garganta de Laiho comienza a castigar nuestros tímpanos doce segundos después del primer golpe al Hi Hat, y antes de los 0:40 el riff del puente irrumpe con una amalgama de potencia y melodía… alguna vez un reviewer célebre a nivel mundial dijo que los discos de Children of Bodom eran realmente un disco de una hora, que tocado a velocidad doble se convertía en media hora de violencia… y el comienzo de esta versión 2008 parece darle la razón. Un momento de calma antes de los dos minutos precede a unos pequeños solos de guitarra y batería, y luego otro riff de esos que seguramente harán temblar coliseos alrededor del mundo, si la banda decide incluir este Hellbounds… en su setlist (hasta ahora siguen abriendo sus presentaciones con Sixpounder). Un comienzo clásico de CoB, directo, por sobre todas las cosas.

El tema homónimo de este Blooddrunk comienza con una gélida melodía de teclado, a la que se añade un riff denso, pesado. Interesantes diálogos entre las guitarras rítmicas que vienen a reafirmar la calidad de los guitarristas de la banda, capaces de tocar solos vertiginosos Y ADEMAS ritmos complicados. La letra de la canción, según palabras de Wildchild, es un reflejo de una etapa autodestructiva de su vida, y consigue unas metáforas bastante interesantes para una banda que no se caracteriza precisamente por sus lyrics. EL solo de guitarra es Alexi una vez más, después de que Laiho se disfrazara de Kerry King en la primera canción. Como dato extra, podemos decir que estos dos primeros temas tienen un video grabado (el de HOMT aún no se ha lanzado, pero fue grabado en la misma locación que el de Blooddrunk) y además son los únicos compuestos para el nuevo disco que la banda ha tocado en vivo hasta ahora.

LoBodomy, el tercer tema de esta entrega, nos pasea por varias atmósferas, como es costumbre de la banda. El coro es un groove lleno de armónicos artificiales con unas líneas de guitarra que son mas que un guiño a las influencias de Laiho como guitarrista; hay partes melódicas y otras más densas, con el teclado de Janne Warman creando ambientes y esta vez, al contrario de lo que ocurrió en el Are You Dead Yet?, luciéndose con un solo espectacular… hablaremos sobre ese asunto más adelante.

One Day You Will Cry es uno de los temas donde podemos notar con mayor claridad lo grave que está sonando la voz de Alexi, casi como lo hacía en los primeros dos discos de CoB; quizá podríamos atribuir dicho fenómeno a la producción de Tägtgren, o a una elección del mismo Laiho (que ha admitido en entrevistas que está particularmente contento con su cometido como vocalista en este tema).

El envidiable tono de bajo que Henkka Blacksmith tiene en algunos segmentos de este album (y que recién se puede escuchar con claridad al final del segundo tema, una lástima) abre Smile Pretty For The Devil, track que sigue la tónica del trabajo al pie de la letra: Esa alternancia de ritmos midtempo con grooves hace pensar que las giras con bandas como Lamb of God dejaron huella en los nativos de Espoo. Bodom busca mantener su identidad aferrándose a ciertas escalas, pero ciertamente el vestigio más importante del particular estilo que cultivaron a fines de la década pasada, y a comienzos de esta, se encuentra en el teclado de Janne. Relegado a construir ambientes con sus acordes en el trabajo anterior, Warman ha vuelto a acompañar a Laiho en los Leads, y ha retomado su labor casi donde la dejo en el Hate Crew Deathroll. Podemos encontrar algunas de sus más impresionantes demostraciones de habilidad de este trabajo, en esta canción que es la que indiscutidamente tiene el título más olvidable.

Poco es lo que podemos decir de la nueva versión de Tie My Rope, el tema que fue lanzado el año pasado en la compilación Viva La Bands de Bam Magera, y que la agrupación finlandesa decidió grabar nuevamente para este Blooddrunk. Nada nuevo, salvo un solo de guitarra que reemplaza al original, en un tema que deja la extraña impresión de que Alexi (compositor principal) decidió llenar espacio de la manera más sencilla posible…

El siguiente tema debe ser el que más disfrutarán aquellos quienes esperaban, en este Blooddrunk, un regreso a las raíces de Bodom. Done With Everything, Die For Nothing es un tema que parece haber sido rescatado de las sesiones del Follow The Reaper tanto por su estructura, como por sus melodías, que deben ser las más pegajosas de un album que, hasta el momento, peca de no captar mucho la atención del oyente. Este disco no es malo, pero no tiene muchos momentos particularmente memorables… desgraciadamente, acá no encontramos muchos juegos de melodías magistrales como los del Hatebreeder, ni de esos riffs que agrietan los cimientos de tu casa cada vez que escuchas el Follow… por eso este séptimo track es uno de los puntos altos… por que es Children of Bodom.

La última idea NO puede aplicarse a Banned From Heaven, un tema bastante lento con melodías que parecen haber sido sacadas diréctamente de alguno de los discos más modernos de Kreator… a pesar de ser bastante denso, y ser el track más largo del disco, es una canción entretenida, que cumple perfectamente su cometido de cambiar el ánimo del disco para sorprender con Roadkill Morning, el tema que viene a cerrar este Blooddrunk. Este closer, basado según Laiho en “La peor caña que puedas tener en tu vida, pero multiplicada por diez” es una verdadera ráfaga, poco más de tres minutos y medio de adrenalina, que termina el disco de una manera lógica, pero sin entregarnos esos riffs o esas melodías que pedimos hace un rato…

Aquellos que han dicho que esta placa significa una vuelta a los inicios de Children of Bodom están, a nuestro juicio, equivocados. Es cierto que esta entrega 2008 tiene un tempo consideráblemente más rápido que la versión 2005 del grupo, pero lo anterior no es suficiente para catalogarlo como un resurgimiento de esa banda dio al mundo metalero  otro motivo para mirar hacia Finlandia a finales de la década de los noventa; es más, de no ser por el regreso de Wirman a un rol protagónico dentro de la estructura de las canciones, la banda podría identificarse más con la escena del sur de los Estados Unidos que con la de su tierra natal, gracias a esos grooves que parecen ondear la bandera de la Confederación… Que queden claras algunas cosas: el disco no es malo, y, por momentos, si recuerda a algunos trabajos antiguos de Laiho y compañía… pero no a los que todos nosotros queríamos.

A media tarde de un buen domingo nos convocó un evento absolutamente prometedor, y capital para todo buen fan del Power Metal, pues se presentarían en Chile dos de las bandas fundacionales del estilo, quizás las dos más emblemáticas: Helloween, presentando su sólido «Gambling With The Devil», y Gamma Ray, liderados por Kai Michael Hansen, con su nuevo «Land Of The Free Part 2», acompañados por los nacionales The Shrink y Human Factor. Obviando el desafortunado nombre que la productora local dio al evento («Chile v/s Alemania»), la algo fría tarde/noche (¡se acabó el verano!) prometía, y mucho. ¡Un evento soñado!

CHILE CHILE LINDO

Con media hora de retraso (tras una tediosa espera), con un telón de GAMMA RAY que dejaba ver parte del telón de HELLOWEEN que se hallaba más atrás, y con un público que frisaba los 3.000 espectadores, a las 17.30 horas se dio el vamos al show, con la salida a escena de THE SHRINK, cuarteto compuesto por Cristian Solari en las voces, Sandro Trabucco en Bajo, Andrés Torres en batería, y que contó en esta oportunidad con el zurdo Javier Bassino (ex Fahrenheit) en guitarras (quien se llevó unos injustos gritos de «pokemón, pokemón» por parte de algunos fans de adelante), reemplazando al titular Franco Lama. THE SHRINK es una banda que se autodenomina en su sitio www.theshrinkband.com como «melodic thrash metal», con influencias de Iron Maiden, Metallica y Alice In Chains, y la verdad que dichas influencias se notan en sus composiciones, varias de ellas plasmadas en su nueva placa, titulada «Break New Ground». Con la batería ubicada a la izquierda del escenario (derecha del público) y con una puesta en escena totalmente sencilla, la propuesta de THE SHRINK mostró bastantes cosas interesantes y prendió bastante al público, con su metal más bien sobrio, sólido, sin grandes aspavientos, con un vocalista bastante jugado (el tipo dejó todo en la cancha), y fundamentalmente con el destacable aporte de Javier Bassino en las guitarras. No debe ser fácil obrar como reemplazante en una instancia tan importante, y se desenvolvió meritoriamente. Una banda para tener en cuenta, y bastante.

Setlist The Shrink

1. Rollercoaster
2. Break New Ground
3. Destructor
4. Land of Fire
5. Global Warning
6. Haunted

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Tras una espera bastante larga (la segunda de la tarde), que fue amenizada por la presencia de tres simpáticas y sanas señoritas (que al menos tenían buen lejos) que subieron al escenario, quienes al son del tan multitudinariamente espontáneo como predecible coro de «en pelota, en pelota» lanzaron merchandising al público, saldría en escena HUMAN FACTOR, quinteto compuesto por Ives Gullé en voces, Guillermo Olivares en guitarra y segundas voces, un emblema como Soledad Genúa en guitarras, Felipe Gómez en bajo y Rodrigo Espinoza en batería. A pesar de que salieron a escena un tanto intempestivamente, la experiencia en estas lides se notó, y bastante. Con un excelente frontman como Ives Gullé (carismático y con excelente voz, una de las mejores de la escena nacional) y la impronta de Guillermo Olivares (da gusto ver músicos nacionales que se la creen en el escenario, y además, ¡le falta la pura moto para tocar en Manowar!), HUMAN FACTOR mostró su excelente repertorio de Power Metal, fundamentalmente temas de su LP «Behind The Dark», del 2006, sin olvidar temas como «Fire» y «Human Factor», del «Unleashed» (2004). Aunque en los dos últimos temas la avidez de los forofos por ver a Gamma Ray y Helloween se hizo cada vez más evidente –de todas maneras, es cierto que quizás su show haya sido un poco largo–, HUMAN FACTOR cumplió con creces las expectativas. Es de esperar que prontamente puedan ofrecernos nuevo material, y de la misma calidad que nos han mostrado hasta ahora.

Setlist Human Factor

1. Nobody Knows Me
2. Give Me The Sign
3. Stronger
4. Liar
5. Fire
6. Seeds
7. Infected Minds
8. Human Factor

«GAMMA RAY! GAMMA RAY! GAMMA RAY!»

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La tercera espera de la noche se tornó bastante tediosa, los técnicos desarmaban la batería utilizada por HUMAN FACTOR, varios mirábamos el techo… y bueno, ¿quién no siente que el tiempo pasa lento cuando estamos esperando algo con tales ansias? Mientras tanto, seguía llegando público al Caupolicán, mientras el ambiente se fue calentando poco a poco hasta que comenzaron los primeros «GAMMA RAY! GAMMA RAY!».

A las 19.35 horas se apagaron las luces, los gritos se acrecentaron, y los sones del intro Welcome (del Heading For Tomorrow), saliendo a escena Dan Zimmermann con un impresentable atuendo lindante con el S&M. Tras el impacto visual –que en mi caso particular duró algunos segundos–, el Caupolicán se vio remecido con el potente riff de Into The Storm, originado de la inconfundible guitarra de Henjo Richter (que usó unos lentes muy John Lennon). A escena el maestro Kai Hansen, nos saluda con su «good evening Santiago!», y nos deleitan con el primer corte de «Land Of The Free, Part 2», reventando el teatro.

Tras el excelente calentamiento de motores, y sin mediar pausa alguna, Gamma Ray nos sorprendió con un clásico del metal pichanguero, Heaven Can Wait. Me parece que lo inesperado e intempestivo del inicio del tema fueron elementos que jugaron a favor, y además, se trata de un corte que funciona a la perfección en vivo. Perfecta elección del tema y del momento para tocarlo, se veía venir que el tracklist se vendría potente.

Nuevamente, sin parar, un tercer tema en fila: New World Order, con sus reminiscencias a Rat Bat Blue y a I Want Out. Jamás pensé que la gente la cantaría tanto. En el coro realmente se observaba un mar humano (bueno, un lago), saltando y gritando el «This is the time of the ending / It’s the dawn of a new world order», realmente impresionante.

¡Al fin! La banda se toma un respiro, Kai nos dedica palabras de buena crianza («this is like coming home»), y momentos después se lanzan con otro intenso tema, presentándolo como una composición de Henjo Richter, Fight, uno de los más rescatables temas del irregular «Majestic» (2005), que contó con una buena recepción, fundamentalmente porque se trata de un corte con momentos bastante rápidos, de los predilectos por la fanaticada chilena.

Tras ello, Kai Hansen habló por momentos del disco nuevo, «Land Of The Free, Part 2», y lo hizo a propósito de presentar The Empress, tema, como dijimos en el CD Review, muy en la onda de Princess Of The Dawn de Accept. No creo que haya sido la mejor decisión para tocar en vivo, aunque es probable que haya sido necesario bajar un poco las revoluciones del concierto, que transitaba a un ritmo vertiginoso hasta ese entonces. Hay que precisar que cortaron un poco el final, volveremos sobre esto.

Apenas Hansen nombró el disco «Somewhere Out In Space» (1997), el público reaccionó alborozado. El siguiente tema sería Valley Of The Kings, otro corte que en lo personal me sorprendió, pensando en la amplia gama de excelentes temas que posee ese notable trabajo. Pero funcionó bien.

Un emotivo instante se vivió tras los primeros acordes de Rebellion In Dreamland. En mi caso en particular, «Land Of The Free» fue el primer tema que escuché de Gamma Ray, y dije en ese momento «buena la banda, ¿quién es el vocalista?», sin poder dar crédito a mis oídos cuando supe que era el mismo Kai Hansen que gloriosamente se desgañitaba en el mítico «Walls Of Jericho». Más allá de su importancia como ícono del Power Metal, es claro que Hansen no es un dotado vocalmente… pero el tipo la rompe y tiene una onda característica, el tipo trasunta una alegría en el escenario que no se la he visto a ningún otro artista. Como que constantemente tuviese conciencia de que siempre soñó con ser músico, y que ahora no sólo vive de ello, sino que es reconocido mundialmente como un referente indiscutido. En todo eso pensé en fracción de segundos y por ello fue que disfruté este tema como ningún otro de Gamma Ray, a pesar de que (como sería una constante a lo largo de la noche, y como mencionamos a propósito de The Empress) le cortaron buena parte…

… para engancharla con otro clásico: Heavy Metal Universe, un tema que fue gestado y concebido para tocarlo en vivo. En estudio tiene bastante menos «gracia». Los que estuvieron ahí podrán recordar la intensidad de aquel momento, con Kai Hansen dividiendo al público en tres para cantar «Heavy», «Metal» y «Universe», y diciendo algo así como «ustedes son como nosotros, somos unos fucking freaks y nos importa una raja», frase que logró una enorme recepción. Hasta tirado en el piso estuvo Hansen.

Dirk Schlächter, el notable bajista de esta banda (una mezcla física entre Iggy Pop y Anthony Kiddis), tomó el micrófono anunciando que cambiaría un poco el ambiente, que ahora tratarían de algo «muy triste». Me la creí, caí como un niño. Hasta que Kai Hansen pregunta «are you ready to Ride The Sky?» y el estadio se transformó en una gigante bomba cardíaca latiendo al ritmo de este mítico himno. El muchacho que hizo una bandera que decía algo así como «Hello-Ray, Play a Song From Walls Of Jericho» (que me recordó a ese letrero que le tiraron una vez a Bruce Dickinson que decía «play classics», búsquenlo en YouTube) debe haber sido el más feliz de todos. Lamentablemente, la cortaron en la mitad…

…y la conectaron con el que sería el último tema de la primera parte del show, Somewhere Out In Space, otro notable tema al cual Gamma Ray exprime al máximo para sacarle el máximo provecho. Un nuevo sing along, matizado por una versión más «intimista» del mismo tema, y que mostró a Dirk Schlächter haciendo gala de varias técnicas existentes para tocar el bajo (con uñeta, con los dedos, hasta con slap) y al público gritando «Hansen! Hansen!», rendido a los pies del coloso teutón.

Tras esto, la banda se despide falsamente del público, para volver tras un pequeño encore con Send Me a Sign, que sería a la postre el último tema de la noche… ejecutado por Dan Zimmermann. Con Kai y Dirk coreografiando un molino con sus respectivos brazos derechos, y tras una hora y quince minutos, Gamma Ray se despide del escenario, prometiendo volver.

Un show de notable calidad técnica, con un buen sonido y con una excelente respuesta del público, a pesar de los abruptos “cortes” en algunos temas, como Ride The Sky o Rebellion in Dreamland. Lo único realmente malo: demasiado, pero demasiado corto. De lo bueno, poco, dicen. Y a empezar a esperar, nuevamente…

Setlist GammaRay

01. Welcome
02. Into The Storm
03. Heaven Can Wait
04. New World Order
05. Fight
06. The Empress
07. Valley Of The Kings
08. Rebellion In Dreamland
09. Heavy Metal Universe
10. Ride The Sky
11. Somewhere Out In Space
Encore
12. Send Me a Sign

LA CALABAZA, UNA MÁQUINA

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Después de mandarnos una espera de alrededor de 45 minutos en que más encima por momentos se escuchó de fondo una insufrible cosa techno (me niego a llamarla música), y que se tornó más larga que el día lunes tras escuchar a los pruebasonidos hablando en alemán, finalmente a las 21.35 se apagan las luces, cae el telón de Gamma Ray y se deja ver el de Helloween: la carátula de «Gambling With The Devil» en versión gigante.

Los gritos aumentaron exponencialmente con los primeros sones de Walls Of Jericho, que unida a Crack The Riddle, la intro del nuevo corte de Helloween, marcaban el inicio del show, con un notable juego de luces encima de la ruleta del medio del telón.

No pocas caras de sorpresa y de éxtasis se dieron con el son de la guitarra de Sascha Gerstner… el show comenzaría nada más ni nada menos que con Halloween, emblemático tema del “Keeper Of The Seven Keys: Part I”. El entusiasmo inicial bajó un poco, y no por culpa de la banda, sino debido a los notorios y evidentes problemas de sonido al comienzo del show, particularmente con el micrófono de Andi Deris, quien incluso por momentos debió tener dos a mano. Editando un poco el final (¿quién les enseñó esta costumbre?), el público respondió con un gran aplauso a un inicio que debió ser mejor. Incluso Andi Deris, en un ezzpañol tarzanesco pidió perdón por el “fucked up micrófono”.

La primera gran explosión se dio con una sorpresiva inclusión. Andi habla de su primer disco en Helloween, editado hace ¡catorce años!, “Master Of The Rings”. El público reaccionó jubiloso –incluso más que con Halloween- cuando anunció Sole Survivor, el corte inicial del señalado trabajo.

No pocos pensamos que uno de los momentos más emocionantes de la noche se dio en el siguiente tema. En lo personal, March Of Time fue uno de los primeros temas que escuché de Helloween y siempre me ha parecido uno de los mejores de todos, de esos temas que junto a no muchos más contribuyen a generar un estilo de música, que a la sazón es la favorita de muchos de nosotros. Por ende, escucharla en Chile no tiene precio y así lo sentimos, gritando inolvidablemente el “’cause time…. marches… time… marches on, and on and on…”. Un momento sencillamente espectacular, con un Andi Deris aperradísimo, que hizo que los pequeños problemas de sonido (esta vez con el bajo, que se escuchaba muy poco) pasaran a un segundísimo plano.

Llegaba la hora de revisar material de “Gambling With The Devil”, y el corte elegido sería su single, As Long As I Fall, que contó con el primer cigarro de Michael Weikath (inexpresivo como siempre) y con una buena respuesta del público, que hizo muy bien las tareas y cantó de buena gana, especialmente en el coro.

Las revoluciones estaban lo suficientemente bajas como para consolidar un momento más intimista. Así, otro clásico de clásicos, A Tale That Wasn’t Right, coreadísima, emotiva y muy, muy aplaudida. Quizás cometa alguna herejía para las viudas de Michael Kiske, pero a mí me gusta más este tema cantado por Andi Deris y el tipo demostró que ÉL es el vocalista de Helloween. La verdad, me parece que este tipo se merece todo el reconocimiento del mundo, mal que mal lleva casi quince años en Helloween, banda a la cual prácticamente salvó casi solito de caer en las garras del mainstream y dejándolo perpetuamente en el lado del metal. Creo que al fin se lo reconoce como lo que es, un buen vocalista, un excelente frontman, un gran compositor y sobre todo, un metalero de tomo y lomo, y que jamás podríamos imaginar renegando del mismo, de la música que lo ha llevado a ser conocido y admirado. Algo que no todos los vocalistas de la historia de Helloween pueden decir. Y con ello no me refiero a Kai Hansen.

Tras un correcto solo del simpático y talentoso Dani Löble (un hallazgo este tipo), en medio del cual interactuó bastante con el público, bajaron las luces y comenzó otro temazo, quizás el mejor del “Keeper Of The Seven Keys – The Legacy” y me atrevo a decir que de los mejores de la era Deris: King For a Thousand Years. Un tema que lo tiene todo, pero que lamentablemente contó con nuevos problemas en el micrófono de Andi que incluso ocasionó que entrara un roadie. Y además, la cortaron un poco, cuéntate una nueva. De todas formas, el público –me incluyo– estaba absolutamente rendido.

“Eagle??” preguntó Andi. “FLY FREE!!!!!” fue la respuesta de las cerca de cuatro mil voces. Si hay un tema fundamental dentro de lo que es el Power Metal, ese tema es Eagle Fly Free. No puede haber un concierto en que Helloween no toque este tema, que más que un tema, es la piedra angular de un estilo musical. Con una muy buena ejecución, Helloween se ganó una nueva ovación.

Llegaba el momento de presentar otro corte del nuevo disco, y la elegida fue The Bells Of The Seven Hells. En lo personal, esperaba otra decisión, quizás Paint A New World o la genial Final Fortune, pero después de haber tocado March Of Time les aceptaba hasta que hubieran tocado I Don’t Wanna Cry No More o Revolution Now. De todas maneras el tema funcionó bien, e incluso Helloween se animó a hacer un juego de sing along con el “We are the hive / We are the people / We ring The Bells Of The Seven Hells”, arriesgada apuesta que funcionó, aunque un poco a medias.

Ya acercándonos al final del show, era el turno del single de “The Dark Ride”, If I Could Fly, que encontró una muy buena acogida, para pasar al último tema, otro clásico del “Keeper Of The Seven Keys – Part II”, Dr. Stein, con una monumental respuesta de un Teatro Caupolicán que a esa altura estaba en éxtasis máximo.

Tras el primer encore, comenzaron a escucharse los típicos silbidos/guitarridos de Perfect Gentleman. Lamentablemente, un nuevo problema de sonido arruinó lo que se supone que sería más sorpresivo, por lo que la pista de audio se cortó repentinamente, para volver a sonar un minuto después. Sale a escena nuevamente la banda y esta vez con un Andi Deris ataviado como el muñeco que aparece en la portada de “Gambling With The Devil” (una especie de Señor Corales con gorro de mago y chaqueta roja brillante). Se trataría de un medley, que primero nos hizo vibrar con una parte de I Can (el tema de Chile en el Mundial del ’98); posteriormente con Where The Rain Grows, con un excelente Sascha Gerstner en las segundas voces; Perfect Gentleman, con un Teatro que se vino abajo con el “’cause I am… I am a perfect gentleman”, que contó además con un sing along y con Deris presentando a la banda, cada uno con su instrumento, primero Sascha, luego Markus Grosskopf y sus tatuajes a lo Michael Scofield, Weikath que intentó blusear un poco y Dani Löble… hasta que Sascha tomó el micrófono para presentar a Andi Deris, quien se llevó una merecida y debida ovación. El medley continuó con la gloriosa Power, para terminar con la no menos mítica Keeper Of The Seven Keys. Excelente idea la del medley. Pero lo que vendría después sería histórico.

Tras un encore de un par de minutos sale a escena Dani Löble, y posteriormente aparece el resto de la banda… a quienes se unieron Henjo Richter, Dirk Schlächter y Kai Hansen… mientras saltaban al escenario unas especies de calabazas/pelotas que eran pateadas por los músicos hacia el escenario, cuatro guitarras y dos bajos se unieron para interpretar Future World, con partes cantadas por Deris y otras por Kai Hansen… ver a éste a Kai Hansen con Michael Weikath tocando en el mismo escenario , haciendo esas tan germanas coreografías con guitarras, era como ver a Pelé haciendo una pared con Maradona, un momento francamente alucinante e histórico. Quizás algún día veamos a Dave Mustaine tocando The Four Horsemen con Metallica. Aunque probablemente antes se acaben las piedras o se acabe la pobreza.

Pero no sería el único tema ejecutado por este octeto denominado Hello-Ray. Un recital de Helloween no puede terminar sin I Want Out, quizás el más clásico de todos los clásicos. Allí vimos duplas simpáticas como Weikath tocando con Henjo Richter o Sascha Gerstner junto a Dick Schlächter, coronando un show espectacular, emotivo, histórico y cargado de momentos para recordar, culminando con la muy bonita escena de los ocho músicos de escena (sólo faltó Dan Zimmermann) abrazados y despidiéndose de una enfervorizada fanaticada.

En suma… más allá de algunos problemas de sonido y de las demoras que se hicieron bastante tediosas, es justo señalar que estuvimos en un show francamente redondo y emocionante. Dos bandas chilenas de bastante buen nivel y de buena proyección, unidas a quizás las dos más grandes bandas del estilo de todos los tiempos, conformaron un cóctel que, a todas luces, puede ser calificado (y debe serlo) como inolvidable.

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Setlist Helloween

01. Walls Of Jericho / Crack The Riddle
02. Halloween
03. Sole Survivor
04. March Of Time
05. As Long As I Fall
06. A Tale That Wasn’t Right
07. Solo de batería de Dani Löble
08. King For a Thousand Years
09. Eagle Fly Free
10. The Bells Of The Seven Hells
11. If I Could Fly
12. Dr. Stein
Encore 1
13. Medley: Perfect Gentleman / I Can / Where The Rain Grows / Perfect Gentleman / Power / Keeper Of The Seven Keys
Encore 2
14. Future World (con GammaRay)
15. I Want Out (con GammaRay)

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Dos guitarras en armonía, batería rápida, voz aguda (ojalá con segundas voces también armónicas) y un bajo que no se limita sólo a marcar. ¡Cuántas bandas utilizan hoy en día este «modelo de negocio»! Pero a pesar de que hay muchas bandas anteriores cronológicamente, que adoptaron la estructura de las dos guitarras, si hay una banda que fundamenta la existencia de este webzine, esa banda es Helloween. Y por ello, es menester que, en nuestra vuelta al ruedo, revisemos su historia.

Todo parte en Alemania (particularmente la ciudad de Hamburgo) a finales de los años ’70 (específicamente en 1978), donde un par de quinceañeros formaron una banda llamada Gentry, que contaría con amigos como músicos invitados. Uno de esos colegiales era Piet Sielck, actualmente líder de Iron Savior (vocalista y guitarrista) e ingeniero de sonido de bandas como Grave Digger o Blind Guardian, entre otras. Y el otro «pingüino» es quizás uno de los más grandes motivo del nacimiento de la música que profesamos: un joven de cabello claro y ojos café, nacido el 17 de Enero de 1963, en Hamburgo, llamado Kai Michael Hansen. Este jovencillo comenzó a interesarse por la música aproximadamente a los diez años de edad, cuando intentaba tocar batería con unas cajas vacías. Como la idea de tener un constante sonido de cajas en la casa obviamente no agradaba en demasía a los padres de Kai, a los doce años, sin quererlo, la familia Hansen iniciaba los «cursos causales» para el nacimiento del Power Metal: Kaicito recibía una guitarra clásica de regalo, tras lo cual comenzó a tomar lecciones para aprender a ejecutar el instrumento, y un par de años más tarde formaría su primera banda, llamada Katherine Wheel, para lo cual adquirió su primera guitarra eléctrica: una sencilla Ibanez Les Paul blanca. Después de tocar aproximadamente un año con Katherine Wheel, llega 1978, año al que hacíamos referencia, produciéndose el segundo hecho fundamental para el nacimiento del Power Metal: Kai Hansen conoce a Piet Sielck, actual líder de Iron Savior.

helloween - 1983-1987Piet y Kai eran fans de bandas como Uriah Heep, Sex Pistols, Slade, Black Sabbath, UFO, AC/DC y Deep Purple, entre otras. El repertorio de Gentry, por lo tanto, se basaba en covers de las bandas mencionadas, además de un par temas propios. Kai compatibilizaba su emergente labor como músico con la de repartidor de diarios, con lo cual ganó algo de dinero, lo suficiente como para evolucionar desde su Ibanez Les Paul a una Fender Stratocaster, y para comprarse un amplificador Marshall. Y al parecer (como se vería a la larga) estos bisoños rockeros deseaban trascender en algo más que una banda de covers, por lo que intentaron profesionalizarse y prescindieron de los servicios de su primer baterista, llegando a estar alrededor de seis meses sin quien dominara las baquetas. Tras ello apareció un jovencito inexperto que quería tocar con ellos, y que en realidad no poseía demasiados conocimientos técnicos, pero su entusiasmo y su facilidad para aprender le permitirían llegar a formar parte de Gentry: tal muchacho era nada menos que Ingo Schwichtenberg, nacido el 18 de Mayo de 1965, quien a la larga terminaría sus días, como veremos, en forma más que trágica, antes de cumplir los treinta años. Y como a Piet y a Kai les resultaba algo incómodo intercambiarse el bajo y la guitarra tocata por medio, decidieron buscar un bajista, enrolando a un «chico» de aproximadamente 196 centímetros de altura y con cabello rizado: Markus Grosskopf, nacido el 21 de Septiembre de 1965 en Hamburgo. Así se compone, por tanto, la primera formación «oficial» de Gentry. A fines de 1978, la banda incluso llega a ganar un premio en un festival.

GENTRY CAMBIA DE NOMBRE

Dos años más tarde la banda se percata que su nombre no era demasiado «ganchero», decidiendo cambiarlo por el de Second Hell (nombre bajo el cual escribieron «Murderer» y algunas partes de lo que posteriormente se transformaría en «Heading For Tomorrow») y posteriormente por el de lron Fist, ya en 1982, con el que gestaron temas como «Metal Invaders», «Gorgar», «Metal Invaders», «Victim Of Fate» y «Priest Of Satan» (que a la postre se transformaría en «Save Us»).

A fines del mismo año se produce el primer gran «quiebre»: Piet decide dejar la banda en busca de otros horizontes y Kai se va a hacer el servicio militar, después de aprobar sus exámenes en el Goethe Gymnasium de Hamburgo. Y es, curiosamente, en una noche de franco, en medio de una fiesta, donde Kai Hansen conoce a la que, por muchos años, sería su «media naranja musical», un joven guitarrista que tocaba en una banda de medio tiempo llamada Powerfool: Michael Ingo Joachim Weikath, nacido el 7 de Agosto de 1962 en Hamburgo. Weiki intenta persuadir a Kai para unirse a Powerfool, pero la persuasión de Kai fue más fuerte y finalmente Weikath termina uniéndose a Markus y a Ingo. Después de un corto tiempo, Iron Fist pasaría a llamarse Helloween, con Kai en las voces y guitarras.

helloween_jericho_eraEn 1984, el cuarteto lleva a la compañía Noise Records un demo, que contenía los temas «Metal Invaders» (de Kai) y «Oernst Of Life» (de Weikath, que hace poco fue re-lanzado en un compilado llamado «12 Years In Noise»), que a la larga aparecerían en un compilado llamado «Death Metal» (junto a Hellhammer, Dark Avenger y nada menos que Running Wild).

La banda logra fichar con la prestigiosa compañía y al año siguiente se encontraba ya lanzando su primer trabajo oficial: un EP con cinco fantásticos temas («Starlight» -con su notable comienzo, que hace imaginar a un rockero despertando con una tremenda «caña», y para pasarla, nada mejor que abrir una buena cerveza…-, «Murderer», «Warrior», «Victim Of Fate» y «Cry For Freedom») titulado simplemente «Helloween«.

El año siguiente sería importantísimo: la banda lanzaría su primer LP. Con una introducción que ha pasado a convertirse en una especie de «grito de guerra» (aunque no es grito ni es de guerra) de la banda («el puente se va a caer, a caer, a caer» transformado en «happy happy Helloween, o-o-ooh«), comienza una de las piedras angulares de nuestra música, nada menos que «Walls Of Jericho«, disco indispensable en la colección de un metalero que se precie de tal.

A pesar de que en aquellos entonces Kai Hansen poseía una voz que dejaba bastante que desear, el disco cuenta con joyas del más alto nivel como, por nombrar algunas, la intensa «Ride The Sky«, el himno «Heavy Metal (Is the Law)» o la emotiva «How Many Tears«. Helloween inventaba un estilo: agregaba melodía al speed metal (casi cercano al thrash por momentos), creando los cimientos de algo que en aquellos tiempos intentó definirse como un «powerful speed melodic heavy metal», lo que comenzó a ser reconocido por los medios especializados europeos como Power Metal, un par de años antes de que en Estados Unidos el grupo Pantera lanzase un disco titulado homónimamente. Pero más allá de esta discusión doctrinaria, la importancia histórico-musical que tiene este disco eventualmente sólo puede ser superada, a ese respecto, por los dos posteriores.

kiske1Continuando con la historia, unos meses después, tras el lanzamiento del segundo EP de la banda, «Judas«, comienza a producirse una situación muy particular. Kai Hansen comenzaba a sufrir el stress de cantar y tocar guitarra (¡y en una banda como Helloween! No es tan sencillo como hacer dos acordes en una banda punk). Ante ello, Kai propone a la banda comenzar la búsqueda de un vocalista que se ajustase a los propósitos de la misma, y los ojos se pusieron en un «pendejo» de dieciocho años poseedor de un registro vocal que hasta el día de hoy lo convierte en uno de los más grandes vocalistas de la historia del Metal en general, que cantaba en una banda rockera llamada Ill Prophecy, junto a sus amigos Karsten Nagel (batería), Uli Schulz (guitarra), Reiko Ebel (guitarra) y Patrick Hampe (bajo): Michael Kiske, nacido el 24 de Enero de 1968, en Hamburgo.

En un principio, Kiske desecha la oferta de Kai Hansen de unirse a Helloween, por considerar que el estilo de la banda era demasiado rápido y que le costaría adaptar su voz, por lo que la banda apuntaría a contratar a otro vocalista -que cantaba en Tyran’ Pace-, Ralf Scheepers. Ralf desecha la oferta (a pesar de que acompañó a la banda en un show), por lo que volvieron a la carga por Kiske, consiguiendo ficharlo a principios de 1987 tras la insistencia de Michael Weikath.

En estos tiempos, Kai Hansen estudiaba Derecho en Hamburgo, pero comenzó a percatarse que su proyecto musical estaba yendo demasiado viento en popa, razón por la cual comenzó a no dar pruebas ni mucho menos asistir a clases, por lo que decidió sumergirse completamente en las templadas aguas del Metal, dejando los estudios del positivismo jurídico de Hans Kelsen y los textos legales absolutamente de lado. Comenzaría lo que a la larga sería, para muchos, la etapa más gloriosa de Helloween.

LOS GUARDIANES DE LA SIETE LLAVES

La banda pretendía, ya en 1987, lanzar con su nuevo vocalista un disco doble. pero Noise Records se negó, por lo que a la larga la banda lanzaría, en dos años consecutivos, dos de los más grandes trabajos de Heavy Metal de la historia. En 1987 Helloween lanza «Keeper Of The Seven Keys, Part I», disco que con apenas cuarenta minutos de duración ha pasado a constituir una piedra angular en el desarrollo del Heavy Metal. Si bien en «Walls Of Jericho» la banda había tenido un fenomenal debut, «Keeper I» marca el verdadero nacimiento del Power Metal, con la mezcla de elementos como las armonías de las guitarras de Judas Priest y Maiden, voces extremadamente melódicas, baterías con dobles bombos desenfrenados, mucha garra y hasta elementos de música clásica.

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Resulta inoficioso y hasta un poco hereje destacar temas de este trabajo, pero a grandes rasgos, cortes como las energéticas y poderosas «I’m Alive«, «Twilight Of The Gods«, la casi irónica felicidad extrema de un clásico de clásicos como «Future World» y la impresionante maestría épica de «Halloween» (con uno de los mejores -sino el mejor- dueto de guitarras de la historia), todos temas de autoría de Kai Hansen, pueden considerarse como lo más destacado dentro de un disco genial. El disco vendería 150.000 copias… ¡sólo en Inglaterra! Es decir, estamos ante un disco de proporciones históricas, que impulsaría a Helloween a la elite del Metal mundial, hecho que se vio recalcado con la aclamación de la crítica y de los mismos fans, puesto que además de tocar en muchos lugares de Europa, fueron invitados a Estados Unidos al MTV’s Headbanger’s Ball Tour, abriendo un show en el que además tocaron Armored Saint y Grim Reaper.

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Pero no contentos con esto, luego de la exitosa gira de «Keeper I», las calabazas lanzarían uno de los más grandes discos de la historia del metal. La segunda parte de la saga, «Keeper Of The Seven Keys, Part II» es sin duda el trabajo que terminó de catapultar al quinteto germano al olimpo. Se ha sindicado a este trabajo como el que terminó de crear el estilo conocido como Power Metal, al que ya hemos hecho referencia en reiteradas oportunidades en esta historia. Nuevamente caemos en la herejía de mencionar algunos temas (sabemos que es extremadamente injusto con los temas no nombrados, todos de una calidad excepcional): la indescriptible «Eagle Fly Free» (el más grande himno Power Metal de la historia), las gancherísimas «Dr. Stein«, «I Want Out» y «Rise And Fall» (las letras son un prototipo del humor alemán) y «Halloween II», «Keeper Of The Seven Keys«, que cierra de manera perfecta un disco insuperable, que ha traspasado generaciones. Gracias a este trabajo, la banda consigue no sólo ratificar sino que incrementar de forma notoria el éxito alcanzado con «Keeper I», siendo incluso invitados a tocar en el mítico Festival de Donington, Gran Bretaña, junto a bandas como Iron Maiden, Megadeth, Skid Row y Kiss, entre otras.

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Durante el tour «Pumpkins Fly Free» (que los lleva a Estados Unidos, Europa y Japón), la banda graba en Escocia uno de los más notables álbumes en vivo de la historia (es cierto, hemos repetido muchas veces la palabra «historia», pero el caso sin dudas lo amerita), el cual sería editado en 1989 con tres nombres distintos: «Live In The U.K.» en Europa, «Keepers Live» en Japón y «I Want Out Live» en Estados Unidos (este último viene con sólo seis temas, no se incluye «Rise And Fall»). Pero antes de la salida de este disco en vivo, la banda sufría un severo cambio.

BYE BYE KAI

Como señalamos anteriormente, tras el Keeper II, comenzaron a notarse ciertos quiebres al interior de Helloween. Kai Hansen sólo compuso tres temas de este maravilloso trabajo («Save Us» -que, recordemos, viene de los tiempos de Iron Fist-, «March Of Time» y «I Want Out», tema muy emblemático del momento que vivía Hansen), en comparación a que «Keeper I» fue prácticamente compuesto por él en su totalidad. Si bien los tres temas son increíbles, es más bien «poco» para lo que Kai nos estaba acostumbrando.

Ello era un revelador síntoma de las tensiones que comenzaron a vivirse en la banda, tanto por factores netamente relativos a relaciones interpersonales (lo que ha sido una constante en la historia de Helloween, quizás Hansen haya intuído eso), como por problemas con el management de la banda. Ello traería como consecuencia un creciente stress de Hansen, el que desembocaría en una «fatiga por las largas giras». El último show de Kai en Helloween sería en Birmingham, Inglaterra, el 8 de Noviembre de 1988.

A principios de 1989, Kai Michael Hansen anuncia su desvinculación de Helloween, en el momento más glorioso de la banda, lo cual causó una tremenda conmoción en el medio. Según Hansen, venía analizando la posibilidad de dejar la banda desde Julio de 1998 y que no lo había hecho, en gran parte, por pedido de sus compañeros, pero que debido al desgaste que todo lo anterior le estaba provocando, consideró que era el momento exacto para abandonar la bandaEn aquellos tiempos se señaló que la separación se había producido en términos amistosos, tanto así que el mismo Hansen ayudó a buscar a su reemplazante, el que resultaría ser el mecánico de autos y guitarrista de Rampage hasta 1982 Roland Grapow, nacido el 30 de Agosto de 1959, en Hamburgo. Viejo amigo de la banda, se enteró de la vacante en un aviso de una revista.

Algunos meses después de la partida de Kai, quien formaría Gamma Ray junto a Ralf Scheepers, se lanza el disco en vivo al que hacíamos referencia, conocido mayoritariamente en Sudamérica como «Live In The U.K.«, una brillante performance en vivo, cuyos siete temas dejan con un enorme gusto a poco debido a su enorme calidad.

BURBUJAS ROSADAS Y CAMALEONES

Más allá de la partida de Kai Hansen, la banda sufría conflictos de otro tipo. Un serio inconveniente con Noise Records tuvo a la banda prácticamente inactiva hasta principios de 1991, lanzando sólo material compilatorio como «Pumpkin Tracks» o «The Best, The Rest, The Rare» (material en el cual, sin embargo, aparecen algunos temas inéditos y un par de versiones antiguas cantadas por Kiske), con lo cual los rumores de separación se acrecentaron. Pero en el citado año 1991 la banda finalmente firma con EMI Records, y lanza su cuarto disco en estudio. «Pink Bubbles Go Ape«, el muy esperado disco post-keepers, no tuvo la repercusión esperada ni por los fans ni por la crítica especializada, pues el estilo de Helloween se encausaba hacia un camino algo menos metalero, y bastante más hard rockero y lúdico en cuanto a las letras. De todas maneras, «Pink Bubbles Go Ape», a pesar de ser un trabajo considerado mayoritariamente como irregular, posee una buena cantidad de temas a la altura de una banda como Helloween, como «Someone’s Crying«, «Mankind» o «The Chance«.

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Las tensiones al interior de Helloween fueron creciendo con los malos resultados de ventas de «Pink Bubbles». Además, Ingo Schwichtenberg comenzó a empeorar en su estado de salud, sufriendo un paulatino agravamiento de su hereditaria esquizofrenia debido al consumo de cocaína y otras drogas. Y además, las diferencias musicales entre las dos opiniones más fuertes en la banda, la de Kiske y la de Weikath, comenzaron a pesar, y mucho. En este contexto, Helloween lanza en 1993 «Chameleon«, su quinto disco en estudio, un trabajo totalmente diferente a lo que habíamos escuchado anteriormente de los germanos, alejándose a pasos agigantados del metal más puro y experimentando con sonidos más cercanos, por momentos, al pop, incluyendo temas como «First Time«, «Step Out Of Hell«, «Giants«, quizás las más rockeras, y -tratando de no ser peyorativos, pues no son temas derechamente malos- baladas de parroquia como «I Don’t Wanna Cry No More» o «Longing«, entre otros.

SE ACABA EL EXPERIMENTO, VUELVE EL METAL

Luego de «Chamaleon«, las diferencias musicales con Weikath llevaron a Michael Kiske a abandonar la banda, generando una «viudez» en algunos fans que incluso llega hasta el día de hoy. Viudez en cierto modo comprensible, pues sin duda se trata de una de las mejores voces de todos los tiempos, que posteriormente se dedicaría a proyectos solistas cada vez más alejados del metal, como SupaRed o Place Vendome, teniendo pequeñas incursiones metaleras, destacando lo realizado como Lugaid Vandroiy en Avantasia. Además, la salud de Ingo Schwichtenberg empeoraba, llegando al punto de sufrir una incontrolable crisis de llanto tras un recital en Japón, siendo reemplazado en el final de la gira por un batero llamado Riad «Richie» Abdel Nabi. Tras esto, se decide que Ingo abandonase la banda para tratar su enfermedad médicamente y desintoxicarse.

andi_deris1Tras la partida de Ingo y Michael Kiske, la banda encontró rápidamente sus reemplazantes. Andreas «Andi» Deris, nacido el 18 de Agosto de 1964 en Karlsruhe, Alemania, ex vocalista de Pink Cream 69, tendría la titánica -hasta el día de hoy- labor de reemplazar en las voces de Helloween a Michael Kiske. A los 15 años Andi se desempeñó en su primera banda, llamada «Paranoid», que un par de años después modificó su nombre a «Nameless». Junto a su amigo baterista Ralph Maison, formó un par de años después una banda llamada «Kymera», la cual fue abandonada poco tiempo después por Maison, siendo éste reemplazado por Kosta Zafiriou, con quien en 1987 se une a Pink Cream 69, banda con la que ganó en 1998 el premio «Metal Hammer newcomer» in Ludwigsburg, Alemania, y llegó a grabar tres discos: «Pink Cream 69», «One Size Fits All» y el excelente «Games People Play» en 1993.

La vacante dejada por Ingo en la batería, que recordemos fue tomada interinamente por Richie Abdel Nabi -quien no era lo que la banda estaba buscando-, sería finalmente llenada por Ulrich «Uli»Kusch, nacido el 11 de Marzo de 1967 en Aachen, Alemania, batero de dilatada trayectoria, quien vivió durante muchos años en Bélgica, y en cuya carrera destacan dos hitos fundamentales: el primero, el haber tocado en una estupenda banda thrash de los ’80 llamada Holy Moses (donde canta una buenamoza señorita llamada Sabina Classen, cuya voz no tiene nada que envidiar a Tom Araya o a Mille Petrozza); y el segundo, haberse desempeñado nada menos que en Gamma Ray, junto a Kai Hansen.

Con la nueva formación ya consolidada, la banda lanza su sexto disco de su trayectoria, un trabajo que resultaría crucial para determinar la ruta de navegación de la misma. La expectación era bastante grande: o se seguía y profundizaba en el estilo insinuado en «Pink Bubbles» y consolidado en «Chameleon», o se volvía a las raíces, más metaleras. Y la respuesta que entregó Helloween en 1994 con «Master Of The Rings» fue bastante contundente. Un trabajo que sin lugar a dudas posee una enorme importancia, con un esclarecedor mensaje a quienes pensaban que Helloween estaba muerto: la banda volvía a hacer metal, y del bueno, en un trabajo en el que destacan «Where The Rain Grows«, la simpática «Perfect Gentleman» o la declarativa de principios «Still We Go» («on the metal highway…«), entre otras. Punto aparte es el aporte compositivo de Andi Deris y en menor medida de Uli Kusch, aporte sin el cual, probablemente, Helloween no hubese resurgido de esta manera, marcando incluso la vuelta de la banda al mercado estadounidense y obteniendo excelentes resultados en Japón.

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TRAS EL PUNTO NEGRO, MIRANDO AL FUTURO

1995 fue un año durísimo para Helloween. A los 29 años de edad, tras sufrir los últimos años de su vida de una esquizofrenia de carácter hereditario, agravada por el consumo de drogas, y tras la repentina muerte de su padre, el 8 de Marzo de 1995, Ingo Schwichtenberg decide terminar con su vida, lanzándose a la línea férrea en Hamburgo, cerca de la estación de metro de Friedrichsberg, usando una polera de Helloween. El golpe para la banda, como es obvio, fue devastador, y toda la comunidad metalera europea reaccionó con desazón ante la partida al más allá de este talentoso batero, que lamentablemente no pudo vencer sus problemas crónicos y su lamentable adicción a drogas como la cocaína y el hachís. A la derecha, se ve la lápida de Ingo.

palkerPero el show debía continuar. Helloween lanza en 1996, como homenaje a Ingo (mientras Gamma Ray lo homenajeaba por medio del excelente tema «After Life» y Michael Kiske a través de la hermosa balada «Always»), su séptima placa en estudio, titulada «The Time Of The Oath«, sin dudas uno de los mejores trabajos de la banda a lo largo de su carrera. Un disco bien concebido, de principio a fin, mostrando una notable gama de recursos musicales y manteniendo la línea de vuelta al metal iniciada por su anterior placa, destacando temas como el clásico «Power» (¿dedicada a Kai Hansen?), las muy power «We Burn«, «Kings Will Be Kings» y «Before The War» y la sólida «The Time Of The Oath«. La excelente recepción de este trabajo llevó a la banda a lanzar su segundo disco en vivo, esta vez doble, para no dejar a nadie con gusto a poco, llamado «High Live«, grabado en Girona y Pamplona, España, y Milán, Italia.

A fines de 1997, la banda entraba a estudios para lanzar, en 1998 su octava placa en vivo, llamada «Better Than Raw«, disco que muestra en su portada un dibujo de una estupenda brujilla haciendo una pócima quizás con qué fines. En este trabajo, Helloween comienza a experimentar con sonidos algo más oscuros y ciertamente más densos, por momentos, sin perder su espíritu power, como se ve en temas como «Push«, la enorme «Revelation«, el single «I Can«, la muy power «Falling Higher» («metal will never die…«) y la pintoresca «Lavdate Dominum«, cantada enteramente en latín e inspirada en un salmo (de hecho, el título significa algo así como «que te alaben, señor»). Como anécdota, podemos recordar que «I Can» fue votada en la extinta Radio Concierto como «la canción del Mundial» para Chile, que en aquellos entonces participó en el Mundial de Fútbol de Francia ’98, situación que causó hilaridad y alegría en Markus Grosskopf al enterarse de la noticia.

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Tras el lanzamiento de este trabajo, tuvimos la oportunidad de ver, por primera vez en Chile a una banda de Power Metal. Y esa banda tenía que ser Helloween. Así, en el contexto de un Monsters Of Rock que incluía nada menos que a Iron Maiden (performance que se caería días antes debido a la recomendación del gobierno inglés a sus connacionales de no tocar en Chile debido a coyunturas políticas de aquellos entonces, siendo reemplazados por Anthrax) y a Slayer, el 10 de Diciembre de 1998 Helloween se presentó en Chile por primera vez, en el Velódromo del Estadio Nacional, en una performance bastante corta -menos de una hora- y que contó con un sonido memorablemente precario, a pesar de lo cual quienes tuvimos la posibilidad de asistir, vibramos con la emoción de ver por vez primera a Helloween en nuestro terruño.

Ya en 1999, quizás debido a compromisos comerciales, tras lanzar un álbum doble en versiones karaoke de sus grandes éxitos, Helloween graba un disco de covers, llamado «Metal Jukebox«, en el cual homenajea a artistas tan diversos como Los Beatles, Abba, Faith No More, Jethro Tull, Scorpions, Focus y Cream, entre otros.

Después de este trabajo, el 30 de Octubre de 2000 Helloween lanza su noveno álbum de estudio, «The Dark Ride«, ya habiendo firmado para Nuclear Blast. Siguiendo sugerencias principalmente del management, la banda comienza a concebir este trabajo, bajo la producción de Roy Z y Charlie Bauerfeind, desarrollando un material bastante más oscuro que sus predecesores, con afinaciones más graves y con temas más densos, como «Escalation 666» o «Mirror Mirror«, y otros algo más «Helloween», como la excelente «The Dark Ride» o «Salvation«, entre otras. Pero como veremos, este cambio de giro no generaba unanimidad dentro de la banda, más aun considerando que este trabajo era, hasta esa fecha, el peor vendido de Helloween desde «Chameleon».

EL ÚLTIMO GRAN QUIEBRE…

Michael Weikath era totalmente contrario a este giro que estaba tomando la banda. Por otra parte, Roland Grapow y Uli Kusch estaban conformes con lo que se estaba haciendo, pues se condecía con la dirección musical que deseaban para Helloween. Esta situación interna llegó a tal punto que incluso Weikath ofreció dejar la banda para comenzar una nueva, encontrándose con la negativa de Grosskopf y Deris, señalando que Helloween no sería lo mismo sin él. El «efecto Y2K» golpeaba duramente a Helloween.

En medio de esta tensión, la banda visitó Chile por segunda vez, esta vez para llevar a cabo un concierto propiamente tal, en el Estadio Chile. En esta oportunidad, en la que aproximadamente asistieron 2.500 a 3.000 personas, quienes asistimos no podemos evitar recordar el apocalípticamente pésimo sonido que lamentablemente tuvo ese show. A pesar de que la banda presentó un interesante tracklist e hizo vibrar a los asistentes, hubo momentos en los que no se entendía absolutamente nada. Y además, la tensión era palpable en el escenario. Dicho y hecho. Terminado el tour, se anunció la partida de Grapow y Kusch de Helloween, quienes posteriormente formarían Masterplan.

Sascha_1La tarea de encontrar reemplazantes se tornó titánica. En primer término, Weikath apuntó a su amigo Henjo Richter, guitarrista de Gamma Ray, para tomar la plaza de Grapow en las guitarras, en lo que habría sido una bombástica transferencia. Pero tras la amistosa negativa de Richter, y siguiendo los consejos de Charlie Bauerfeind, reclutó, tras un par de ensayos en los estudios de Andi Deris, llamados «Mi Sueno», ubicados en Tenerife, al ex Freedom Call Sascha Gerstner, quien además por hobby se ha desempeñado como… modelo. Más allá de este pintoresco detalle, Sascha prometía llenar la plaza dejada por Grapow de buena manera, pues aparte de ser un sólido primer guitarrista, es un compositor más que respetable, y coadyuvaría a hacer retornar a Helloween a un estilo quizás menos oscuro.

Pero la búsqueda del baterista tuvo sus aristas complejas. En primer término, se selló la incorporación del británico Mark Cross -que cronológicamente fue anterior a la confirmación de Sascha como el nuevo guitarrista-, pero poco tiempo después, cuando comenzaban las grabaciones de lo que sería el décimo álbum en estudio de Helloween, a principios de 2003, a Cross se le diagnosticó una mononucleosis, enfermedad que afecta a todos los órganos y que impide realizar labores que exijan algún tipo de esfuerzo físico, y cuya recuperación es de larga data. Ergo, Cross no pudo seguir en las grabaciones, para las cuales se reclutó de urgencia al mítico Mikkey Dee (Motörhead, ex King Diamond) para completarlas. Las grabaciones para este trabajo continuaron con Mikkey, pero se informó a la banda que la recuperación de Mark Cross sería más larga de lo previsto, por lo que se vieron forzados -presionados por el management-a buscar un nuevo baterista,que grabase algunos temas para Lados B, por lo que se invitó a Stefan Schwartzmann (ex Accept y UDO), quien aceptó gustoso unirse a Helloween.

Así, tras estos avatares, sacar este disco fue como sacar un conejo de un sombrero. Y dicha analogía se vio reflejada en el título del décimo disco de Helloween, llamado «Rabbit Don’t Come Easy«, lanzado en Mayo de 2003. En esta placa, Helloween vuelve a un sonido más inspirado en los tiempos de los Keepers, menos denso, más digerible y ciertamente menos oscuro -notándose el cambio con Sascha Gerstner especto a Roland Grapow-, con temas muy «happy happy Helloween» como «Just A Little Sign«, «Open Your Life«, la excelente «Do You Feel Good» o la muy Motörhead «Liar«, entre otros cortes. Tras el lanzamiento de «Rabbit…», Helloween se embarcó en un tour mundial, que originalmente los traía a Chile, pero el concierto lamentablemente debió ser cancelado, perdiendo la oportunidad de ver a Helloween con uno de sus mejores setlist de todos los tiempos, pues en esa gira fundamentalmente se dedicaron a rememorar temas de sus épocas más pretéritas.

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Ya en Octubre de 2004, la banda comienza la preproducción de su décimoprimer disco en estudio. Pocos meses después, Stefan Schwarzmann decide abandonar la banda, fundamentalmente debido a que, si bien las cosas iban extremadamente bien en la parte humana, no compartía con resto de la banda la misma visión musical. Stefan decidió ayudar a la banda hasta que se encontrase un reemplazante, el que finalmente se halló en Febrero de 2005 en Daniel «Dani» Löble, respetadísimo baterista nacido en Zürich, Suiza, el 22 de Febrero de 1973, y que se desempeñaba en Rawhead Rexx, y que incluye en su currículum haber tocado junto a Blaze Bayley, entre otros connotados músicos.

Ya con Dani Löble asentado como baterista, Helloween anunciaría el lanzamiento de su décimoprimer disco en estudio. Se confirmaban los rumores que indicaban que se haría referencia directa a los legendarios «Keeper»: tras el lanzamiento el single «Mrs. God» el 4 de Julio de 2005 en Asia, el 31 de Octubre de 2005 se lanza a nivel mundial «Keeper Of The Seven Keys – The Legacy«, como un disco doble con casi 80 minutos de nuevos temas, entre los cuales se incluyen la épica «King For a Thousand Years«, la happy/melancólica «Silent Rain«, la experimental «Occasion Avenue» y la notable «Invisible Man«, por nombrar sólo algunos.

Este último trabajo trajo a Helloween a Chile, en un Teatro Caupolicán que pudo y debió haber tenido un marco de público acorde al espectáculo que, ¡por fin!, nos mostró a Helloween en toda su expresión. Un show realmente sólido en todas sus líneas, emocionante, entretenido y por momentos sobrecogedor, con una banda que al fin pudo desplegar en Chile todo su potencial, saldando una deuda que sin duda poseían con el público nacional. Tras ello, la banda comenzaría a crear su próximo trabajo en estudio.

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JUGANDO CON EL DIABLO

Debido a que esta banda ha estado inmersa durante tanto tiempo en la escena power-metalera, los fanáticos esperan que cada álbum sea igual o mejor que el anterior. Por lo tanto, “Gambling With The Devil”, el doceavo material discográfico ofrecido para el 2007, tenía la presión no sólo de los once discos anteriores, sino también de devolverle a algunos de sus seguidores la confianza que quizá habían perdido de forma mínima con el trabajo previo.

“Al final del día, la vida es como un juego con el diablo” apunta Andi Deris con respecto al título de este último álbum, que a grandes rasgos se caracteriza por seguir guardando el estilo melódico tan peculiar y típico de la banda, así como la  utilización de varios efectos de sintetizadores e interludios semi-clásicos en los temas, excelentes solos de guitarra y ciertamente, un poco más pesado que los anteriores más recientes.

El disco arranca con “Crack The Riddle”, una introducción narrada por Biff Byford (Saxon), seguido de de “Kill It”, tema vigoroso en el que la voz tiene un parecido a la de Rob Halford (Judas Priest). “The Saints” es un tema de corte épico donde Dani Löble destaca su habilidad con el doble bombo, dándole dinamismo y madurez a la misma, claro, sin dejar a un lado las armonías creadas por el resto del grupo. En este escenario rápido también ocupan un lugar “Paint a New World” con agresividad, “Can Do It” y Dreambound muy al estilo power.

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El primer sencillo de “GWTD” es “As Long As I Fall”, que baja las revoluciones del ritmo a la vez que trae memorias de “If I Could Fly”. El carácter comercial de este tema es fácilmente detectado por el tipo de composición. Del mismo modo es “Final Fortune”.

Fuera de los parámetros tradicionales de Helloween, se encuentra composiciones como “The Bells Of The Seven Hells” que, seguida de “Fallen To Pieces” y “I.M.E”, constituyen una trilogía eminentemente lírica a la que Deris llama “Trinidad”, la cual es una apreciación crítica a la “carencia de ideologías y a la proliferación de la obediencia ciega”. Con “The Bells Of The Seven Hells” y “I.ME.” se percibe cierto interés por dar un sonido del tipo “The Dark Ride”. Para cerrar con broche de oro, “Heaven Tells No Lies” empieza muy melódicamente y brinda emotividad y euforía gracias a los riffs veloces, con lo que logra satisfacer al escucha al mismo tiempo que, musicalmente, hace recordar ya desaparecidos de Queen.

Es notorio que los integrantes hicieron una magnífica ejecución en cada instrumento, pero cabe mencionar que Andi Deris ha mejorado su trabajo vocal. Y, sobretodo, es válido reconocer que Helloween tiene algo por seguro: siempre tendrán la influencia de ellos mismos, disco tras disco.

Hace muy pocas semanas recibimos a Helloween en nuestro país, pero esta no era cualquier visita: al igual que en varias fechas europeas en tiempo pasado, y cumpliendo el sueño de muchos fans, se unieron al Gamma Ray de Kai Hansen en el llamado “Hellish-Rock Tour 2008”.

¿Qué más puede decirse de Helloween? Es poco más lo que puede agregarse a lo ya dicho, una banda que ha marcado una escuela, un estilo, un camino, un referente a seguir. Es de esperar que la calabaza continúe con su avasalladora carrera, y que siga transitando por la carretera del metal hasta el fin de los tiempos. Al menos, lo hecho ya en el pasado, los ha hecho inmortales.

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Formación de Helloween:

Andi Deris – Voces
Sascha Gerstner – Guitarras
Michael Weikath – Guitarras
Markus Grosskopf – Bajo
Dani Löble – Batería

La velada de este primero de abril de 2008 era una fecha que miles de chilenos estábamos esperando desde hace mucho tiempo. Muchos pensamos durante los últimos 13 años que nunca más podríamos tener la presencia en nuestro país de uno de los referentes más importantes a la hora de hablar de Heavy Metal, tanto por su carrera solista como por su imborrable huella junto a una de las piedras angulares del estilo, como lo es Black Sabbath.

En 1995 al terminar la presentación del Madman todos teníamos la certeza que sería esa la única vez que podríamos ver uno de sus shows. Pero el destino quiso otra cosa y luego de 13 años el Príncipe de las Tinieblas volvió a Chile para deleitar a un séquito que desde el primer momento cayó rendido a sus pies. OZZY OSBOURNE EN CHILE!

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El lugar escogido para este evento enmarcado dentro del festival Monsters of Rock (cuya primera versión en nuestro país tuvo lugar en 1994), fue la Pista Atlética del Estadio Nacional, al cual la gran mayoría ya se encuentra acostumbrado, por lo que, tanto la entrada al recinto como la salida, se realizaron de forma sumamente ordenada y tranquila. La velada comenzaba con una banda trasandina que nadie conocía, de nombre Arbol y que poco y nada tenía que hacer dentro del cartel de nombres que se presentaría esa noche. De hecho hubiera sido un gran acierto montar un escenario alternativo, digamos en la Patagonia, para que ahí Arbol hubiera abierto para Korn, pero no fue así. La verdad es que para la hora de presentación de dicha banda aún muchos, incluyéndome, estabamos en las inmediaciones del recinto, por lo que no pude formarme una opinión de ellos, pero por lo que alcancé a oír en su sitio web días antes del concierto, no merece mayor comentario.

METAL SUREÑO EN EL SUR DEL MUNDO

ozzy08_26A eso de las 18:30 horas aproximadamente, subió al escenario de la Pista Atlética Zakk Wylde junto a su banda Black Label Society, para comenzar (ahora sí) a calentar los motores de quienes ya se encontraban en el recinto. A esa altura la pista solo se encontraba con una cantidad de gente que debe haber bordeado las 4.000 personas, de todas formas una gran audiencia para BLS, lo que también percibió la banda ya que Zakk y los suyos se mostraron en todo momento disfrutando al máximo de la recepción entregada por el público chileno.

ozzy08_25Abrieron los fuegos con el tema New Religion, de su última placa hasta la fecha, Shot To Hell, tema que la audiencia se encargó de corear y de demostrarle a Zakk que una gran parte de los asistentes también estaba allí para verlos a ellos, lo que por supuesto inyectó adrenalina a un espectáculo que entretuvo y mantuvo atentos a todos quienes ya estabamos asentados y a todo el público que a esa hora continuaba llegando al lugar.

Dentro de su presentación se sucedieron temas como Suffering Overdue, Suicide Messiah, Been A Long Time y Concrete Jungle, entre otros, para cerrar con Stillborn proveniente de su placa The Blessed Hellride. Cerca de una hora duró la correcta presentación del vikingo Wylde y los suyos… gustaron y entretuvieron y se notó que también ellos disfrutaron al máximo. Se fueron entre aplausos e inmediatamente comenzaron a desmontar el escenario para preparar la pista a una banda que también tuvo a su público entre los asistentes a este evento.

POP KORN

dormir2… y sería. Eso hasta que me despertó una maldita gaita y el ruido infernal que solo era una bulla sin sentido. Vamos a lo nuestro.

NO MORE WAR PIGS AT THE POWER… OZZY FOR PRESIDENT!!!

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Cerca de las 22:00 horas se apagaron las luces y los gritos ensordecedores de los cerca de 20.000 asistentes no se hicieron esperar y solo fueron apaciguados por las imágenes provenientes de las pantallas ubicadas a los costados del escenario, en donde se proyectó un entretenidísimo video que mostraba a Ozzy como protagonista de diversas y muy conocidas series de televisión: lo vimos como prisionero en Lost, como sicóloga en Los Sopranos, bailando a lo Tony Manero en Dancing With The Stars, practicando algunos juegos sexuales con la Reina de Inglaterra, entre otras hilarantes situaciones que provocaron carcajadas espontáneas entre los asistentes. Ciertamente, una muy inusual y entretenida forma de abrir un concierto de metal.

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Luego del video, las pantallas proyectan una serie de cruces, se ilumina otra gigantesca pantalla en la parte trasera del escenario y comienza Carmina Burana. Ozzy tras bambalinas ya comenzaba a alentar a la gente con el Olé Olé Olé… OZZYYYY! OZZYYYY! que tanto le gustó y bailó en su primera visita a nuestro país, cuando no entendía que era lo que cantábamos los asistentes en esa oportunidad.

ozzy08_08Termina la introducción y ahí estaba… era él… el mismísimo OZZY OSBOURNE!!! recibiendo emocionada y entusiasmadamente todo el cariño, la emoción, alegría e incluso lágrimas de miles de sus seguidores que lo esperaron por largos años. Aún no cantaba una sola estrofa y ya tenía al público comiendo de su mano con su sola presencia en el escenario. Ya más compuesto partió con un tema de su última placa, Black Rain, el tema: I Don’t Wanna Stop, toda una declaración que dejó más que patente en el escenario, lugar en donde Ozzy pareciera ser otra persona completamente distinta y no ese ‘viejecito’ de caminar lento y torpe que muestra la patética serie de MTV. Si bien el tema no era conocido por todos, no importó. Como sucede en cualquier concierto con la primera canción que presente la banda de turno, la euforia fue total, todos saltaban, gritaban, bailaban, los más aplicados cantaban y coreaban las letras, daba igual, era un inmenso mar de gente disfrutando a concho cada segundo de esta fiesta que recién comenzaba, de hecho a nadie le importó que en ese preciso momento la guitarra de Wylde presentara algunos desperfectos de amplificación. Nada podía hacer que ese momento no fuera todo lo especial que fue.

A continuación un verdadero clásico: Bark At The Moon, segundo tema de la noche, no hizo más que desatar aún más la euforia de estar presenciando en nuestro país a una de las personalidades más importantes dentro de la historia del metal. Ahora sí, todas y cada una de las voces se alzaron para corear de forma íntegra uno de los temas más populares de la carrera solista de Ozzy, quien no paraba de admirarse con la alegría que sentía la gente por tenerlo en el escenario, más aún cuando arremetió con Suicide Solution, proveniente de su primera placa tras su partida de Black Sabbath, Blizzard of Ozz.

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Luego vino otro tema de su primer disco, momento que se transformó en uno de los más emocionantes del concierto. La introducción compuesta por Don Airey (actualmente en Deep Purple) y ejecutada en esta ocasión por parte de Adam Wakeman, para Mr. Crowley provocó que más de alguno soltara una lágrima de emoción.

Tras esta tripleta de clásicos, con los cuales el público deliró y se extasió al máximo, Ozzy presentó otro tema de su nueva placa. Llegaba la hora de I’m Not Going Away, que al no formar parte de la discografía más clásica de Ozzy, muchos ocuparon esos minutos para descansar y relajarse un poco mientras otros seguían entonando al menos el coro de esta nueva canción.

ozzy08_11Lo que se vino fue otro de esos tantos grandes momentos vividos en el concierto. No es para menos, lo que nos aprestábamos a oír provenía de uno de los álbumes más importantes en la carrera de Ozzy junto a Black Sabbath. Me refiero a War Pigs del ya legendario álbum Paranoid. Mientras sonaban las sirenas que Ozzy utiliza como introducción de este tema en vivo, la gran pantalla trasera mostraba imágenes, que si no me equivoco, corresponden a la segunda guerra mundial. La cara de incredulidad de quienes me rodeaban era un espectáculo aparte. Al parecer muchos aún no podían creer lo que estaban viviendo y miraban como buscando alguien que les confirmara que efectivamente todo era realidad, mientras otros tantos escapaban de ella con la ayuda de esa característica planta que mágicamente crece en los bolsillos de quienes asisten a este tipo de eventos. Querámoslo o no, la noche del martes todos volamos en los aviones que pasaban por la pantalla mientras la banda continuaba con la interpretación de War Pigs, en donde Ozzy acostumbra a permitir que el público cante la segunda estrofa de cada uno de los versos.

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Luego de War Pigs Ozzy nos regaló y relajó con una de las baladas que podemos encontrar en su disco No More Tears de 1992: Road To Knowhere. Fue un momento cálido dentro del concierto, el público en general gusta mucho de las baladas de Mr. Osbourne y eso se notó cuando nos percatamos de las miles de voces que entonaron cada una de las estrofas de este tema. Retrocedemos en el tiempo y ya con las baterías recargadas Ozzy anuncia la llegada del ‘Tren Loco’ y nuevamente la euforia se apodera de los asistentes, quienes celebraron cada una de las notas de aquel mítico tema de su álbum Blizzard of Ozz. Crazy Train fue, como era de esperarse, una inyección de adrenalina clavada directamente al cuello de todos quienes estábamos presentes.

ozzy08_09A esa altura era necesario un descanso y por supuesto Ozzy no era la excepción a esto. Si bien en el escenario no demuestra agotamiento alguno, el hombre necesita reponerse luego de saltar, correr, cantar y gritar a todo lo que sus actuales limitaciones físicas le permiten a sus tiernos 60 años. Hay que decir que la voz de Ozzy ha sufrido notorio desgaste a través de los años, pero la verdad es que aún le queda por entregar, cantó a todo lo que pudo y lo hizo de buena forma, las partes más altas son suplidas por algunos samples con la grabación original del tema que se encuentra intepretando o bien es apoyado por los otros integrantes. Cuando lo requería simplemente hacía algún disimulado guiño e inmediatamente era socorrido, sin embargo, estos momentos de necesario apoyo no fueron tantos como los que pudieran pensar quienes no tuvieron la suerte de asistir. En todo caso, nada de eso es importante cuando al frente tienes a Dios.

Todos lo entendimos así y no importó que Ozzy se retirara del escenario sin antes presentar a Zakk Wylde quien tuvo su momento de lucimiento personal al protagonizar un solo que se debe haber extendido al menos por 10 minutos o más. La verdad es que a pesar que su demostración técnica no fue todo lo que se esperaba, hay que decir que el tipo domina su instrumento a la perfección, tocando con la guitarra detrás de su cabeza y con los dientes, supo entretener a la audiencia que lo escuchó atenta y respetuosamente y aplaudió cada una de las peripecias que hizo mientras Ozzy descansaba y se reponía durante esos valiosos minutos.

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Aprovecharemos en este espacio de comentar el desempeño del resto de los integrantes que acompañan actualmente a Osbourne en esta gira y que conforman la base rítmica de esta actual encarnación de la banda. Comenzaremos por Mike ‘Puffy’ Bordin. Que se puede decir de un tipo con su trayectoria, solo elogios para el actual batero de Ozzy, quien lo acompaña ya desde 1997, se mantiene de gran forma, no se le escapa un solo tiempo, pega con fuerza y se mantiene en todo momento alentando y entusiasmando al público. Blasko es un bajista correcto, hace su trabajo, se para de buena forma en el escenario, no digamos que tiene una gran presencia, pero si aporta lo suyo en la parte ‘show’ propiamente tal, corriendo, saltando y haciendo algunos coros, además, hay que decir que sonó bastante bien durante todo el evento, no como cuando Ozzy vino con Geezer que prácticamente no se escuchó durante casi toda aquella noche en el Monumental. Y por último, pero no por eso menos importante, Adam Wakeman (hijo del legendario tecladista de Yes, Rick Wakeman) aportó con una gran performance todo el potencial transmitido por su padre, consolidándose como un gran aporte a la atmósfera de cada una de las canciones presentadas la noche del martes.

ozzy08_18Tras el solo de Zakk Wylde, otro gran momento tuvimos oportunidad de vivir cuando Ozzy vuelve al escenario, esta vez para ejecutar otro clásico tema del álbum Paranoid de Black Sabbath, ni más ni menos que Iron Man. La locura fue total y el canto no se hizo esperar para que las miles de voces entonaran el característico riff compuesto por Tony Iommi. Ideal hubiera sido poder escuchar dicha canción en su totalidad, ya que cuando correspondía que cambiara de ritmo para aquél interludio más rápido la banda cierra el tema y al mismo tiempo Zakk da inició a I Don’t Know, otra gema proveniente de su primer álbum como solista.

Aún faltaba presentar un último corte de la placa que da sentido a esta actual gira de Ozzy. El tema escogido fue Here For You, el cual tuvo muy buena recepción, al parecer muchos hicieron las tareas y se preocuparon de escuchar el último trabajo en estudio, ya que, por lo menos donde me encontraba, la gran mayoría cantó la canción como si se tratara de uno de los más grandes clásicos del maestro.

A continuación, con un Ozzy que ya comenzaba a anunciar que faltaba poco para que el show terminara, la banda presentó dos temas del álbum No More Tears, los que por supuesto fueron coreados hasta el cansancio, el cual a esa altura ya era evidente. El ‘pichanguero’ corte I Don’t Want To Change The World y en especial la emotiva Mama, I’m Coming Home pusieron algunas lágrimas en los ojos de los asistentes quienes se extasiaron entonando a más no poder el coro de uno de los temas que se transformó en un clásico del Ozzy de los noventa.

Pero aún faltaba algo y todos sabíamos que era. Ozzy ya había anunciado que este sería el último tema de la noche y no cabía duda alguna que sería el mítico Paranoid, un verdadero himno de la historia del metal y que como single se encargó de poner el nombre de Black Sabbath y de Ozzy en la boca de todo buen amante del rock e inscribirlos a fuego en la historia de la música.

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Fue el cierre perfecto para una gran noche. Ozzy y su banda se despiden del público chileno, probablemente para siempre, pero no sin dejar para la posteridad el recuerdo de una velada inolvidable, en donde se entregó por completo ante una multitud que lo esperó por años, en algunos casos por décadas, una noche llena de emociones y grandes momentos, una hora y media que difícilmente será borrada de la mente de aquellos que caminan por la senda trazada por el Príncipe de las Tinieblas.

UN SALUD POR OZZY Y LARGA VIDA AL ROCK ‘N’ ROLL!

Setlist Ozzy Osbourne:

01. I Don’t Wanna Stop
02. Bark At The Moon
03. Suicide Solution
04. Mr. Crowley
05. I’m Not Going Away
06. War Pigs
07. Road To Knowhere
08. Crazy Train
09. Zakk Wylde Solo
10. Iron Man
11. I Don’t Know
12. Here For You
13. I Don’t Want To Change The World
14. Mama I’m Coming Home
15. Paranoid

¿Qué fue esto? ¿un recital increíble? ¿un viaje en el tiempo? ¿una reunión de amigos? o sencillamente uno de los grandes momentos que recordaremos para siempre en nuestras vidas…la verdad es que todas y ninguna de ellas, porque para los 28.500 afortunados que nos encontrábamos en ese lugar y momento, en particular para los que tenían sobre 30, era muy difícil a veces diferenciar si era el 9 de marzo de 2008 o algún glorioso día de la inolvidable década de los 80’s, en algún show de las giras del “Powerslave”, “Somewhere in Time” o “Seventh Son of a Seventh Son”.

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La emoción de esta gira es algo sencillamente incomprensible si no se está “ahí”, viviendo la llegada de la banda al aeropuerto, al hotel, el preámbulo al Show, EL día del concierto, todo es tan “diferente” si no se VIVE el metal, que por eso para nosotros el show de la banda favorita es un ritual, un “evento”, un “momento mágico” y lo de ayer fue increíble, una máquina del tiempo nos llevó 20 años atrás a los mejor de los 80’s, gracias a la música, a nuestro amado heavy metal, fue una poesía metalera épica de los mejores fans del mundo, de los True, de nosotros, de los viejos y los jóvenes, de los de siempre y de los más nuevos, porque cuando se es de verdad no importa tanto haber conocido a Maiden hace poco si se siente esa pasión por el heavy que hace que todos seamos “antiguos”, como si nos conociéramos hace siglos en una amistad y camaradería eterna que nos hace sentirnos especiales, entre nosotros y con nuestras bandas…..todos sentimos ayer esa vivencia de la gran virtud de Iron Maiden en su espectacular carrera, hacer del metal una GRAN OBRA DE ARTE, hacerlo poema, rima artística, y todos fuimos protagonistas del magno evento, de la noche en que el Heavy Metal se hizo poema épico, “The Rime of the Ancient Fans”…UP THE IROOOONS!!!

Una gran promesa del Rock: Lauren Harris

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El 9 de marzo todos amanecimos nerviosos, es que la ansiedad por la máquina del tiempo del “Somewhere Back in Time World Tour” era demasiada, así que no fue raro ver en las afueras del recinto a miles de fanáticos que llegaron a tempranísima hora para presenciar EL show de sus vidas, pero no por mucho madrugar el sol sale más temprano, así que la espera de la apertura de puertas igual iba a ser a las 16 hrs y claro, sencillamente parecía eterna…para el caso de este show, la entrada fue en general ordenada y pausada, lo que implicó que a las 19 hrs aún habían fans acomodándose impacientemente, y claro, ciertamente eso no es bueno para ningún telonero, en especial si es primera vez que está en Chile, sus temas son desconocidos para la mayoría de la audiencia, y luego de tan magna espera lo único que quieren los fans es ver a la banda de fondo, Maiden…más encima si sumamos a esto que en Argentina, el país anterior en el tour, la recepción maleducada y mala onda de algunos desubicados que estaban cerca del escenario fue bastante hostil, el panorama no era del todo positivo, pero bueno, no era cualquiera quien taloneaba a Maiden, era la hija del jefe, hija de tigre, y por sus venas corre sangre de la familia Harris, y se notó.

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Algo pasadas las 19 hrs entra a escena Lauren Harris; el hecho de cambiar la música de fondo por el glorioso sonido distorsionado de la guitarra eléctrica claro que repercutió positivamente en la entrada de la banda de Rock de Lauren, aunque en ovación mesurada, la cual al terminar el primer tema se enfrió, no preocupantemente, pero ciertamente no era un buen indicio. Sin embargo, luego del cover de UFO que tocó, al comenzar el segundo tema, el entretenido “Your Turn” y relajarse un poco más, Lauren saca garra y demuestra ser digna hija de Steve, ella sola por su cuenta revierte la frialdad entre los más sensatos fans de Maiden al mostrar buen dominio escénico y cantar bastante bien, termina el tema entre aplausos, pero muchos ya gritaban “Maiden!”, “Maiden!”…sin embargo no mostró signo alguno de desesperación ni mucho menos, todo lo contrario, como toda persona inteligente tenía preparada una estrategia que resultó perfecta: comenta que el día viernes habían tocado en Argentina, y ya solamente con mencionar el nombre de nuestro país vecino se escuchó una rechifla de proporciones(!), y dijo que no la trataron muy bien…pero que acá, éramos “fucking amazing” y claro! Con eso se ganó la simpatía de quienes saben al menos algunas palabras de inglés, y de ahí en adelante el show fue otro, al empatizar con los más escépticos.

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Con mucha más confianza introduce otro tema que está en su sitio de MySpace para escuchar, “Let Us Be”, el que termina en aplausos y con el respeto de la gran mayoría del público. Nuevamente saca estrategia y nos invita a gritar nuestro tan clásico “Chi Chi Chi”, que es respondido por un magnánimo “Le Le Le VIVA CHILE”!!! notable, sinceramente con su inteligencia, belleza y talento, esta chica tiene todas las armas para llegar lejos en el Rock. Unos momentos después interpreta su tema más conocido y “oreja”, llamado “Steal Your Fire” prendiendo al público a un nivel medio, el cual la respetó, pero no solamente por ser la hija del gran Steve, porque él no hubiera podido hacer mucho para defenderla ante una audiencia hostil, sino porque tiene talento e inteligencia, y ciertamente claro que tiene rock y estilo, unos minutos después, luego de terminar el show con un tema más, dejó la impresión que tiene mucho futuro en el ámbito que se está moviendo. Sí, no es heavy metal, pero en la actualidad, entre tanta “música masiva” que conceptualmente colinda con un tarro de basura, el tener una buena intérprete de rock juvenil como ella se agradece, y qué bueno que en Chile la hayamos tratado bien; muy bien su banda, muy bien el sonido, muy bien Lauren, le deseamos mucho éxito, fue una digna telonera.

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1940 – 1984 – 2008

Al terminar Lauren su performance, todos sabíamos que era cosa de minutos comenzar con el show más esperado de todos los tiempos en la historia de recitales en Chile (y ciertamente en cada país de la gira del “Somewhere Back in Time”), qué momentos…

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Muchos estaban ingresando a cancha, otros se reacomodaban y de pronto tomándonos casi de sorpresa en el “trance” de los minutos, a eso de las 20:20 se escucha el tema «Doctor Doctor» de UFO, lo que significaba que …..SE HABÍA TERMINADO LA ESPERA! POR FIN! ! POR FIN! se encienden las dos pantallas gigantes al costado del escenario y se aprecian imágenes de la banda…algarabía y gritos, ya estábamos empezando, SOMEWHERE BACK IN TIME WORLD TOUR YA COMENZABA EN CHILE….emoción absoluta y ansiedad sentíamos todos quienes estábamos ahí, particularmente en cancha, al lado del escenario, donde la energía se transforma en estruendo, y listo!, listoooooo! se escucha la voz de fondo del Primer Ministro Británico del año 1940 Sir Winston Churchill !!! “We shall go on to the end, we shall…..” ESTRUENDO ABSOLUTO!!! la arenga para los valientes pilotos británicos de la RAF, quienes se enfrentaron a los feroces y diestros pilotos alemanes de la Luftwaffe en la Batalla de Inglaterra de 1940, es también parte de la historia del heavy metal gracias a Iron Maiden, no lo sabremos nosotros! al terminar la grabación con la frase “We shall never surrender!!!” vienen las pistas grabadas y….las guitarras paralelas comienzan!!! Aces High comenzaba!!! Se aprecia en un segundo a la banda en vivo y en especial a un imponente y potente Steve Harris que sale feroz, veloz e inesperadamente del costado izquierdo del escenario blandiendo su bajo Fender como si fuera un arma de la segunda guerra mundial, MAGISTRAL! qué mas decir, era todo DELIRIO ABSOLUTO, Dickinson al comienzo, durante y al final del tema tuvo que competir con 28.500 vocalistas que se la cantaron toda, TODA!, la emoción del momento era indescriptible, en particular cuando Bruce cierra las líricas cantando IGUAL que en la versión de estudio, unas 5.000 octavas más arriba que cualquier mortal, algo que ni siquiera hizo en el “Live After Death”…entre que termina, un “Scream for me” y el comienzo de “Two Minutes to Midnight” la energía era tanta que el tiempo pasó más que volando, qué increíble set list, que notable comienzo de show, los dos primeros temas del grandioso álbum Powerslave de 1984, uno genialmente inspirado en hechos históricos de 1940, los escuchábamos ahora en el año 2008, en un momento imborrable de nuestras vidas.

maiden_10Ahora era el turno de uno de los tres álbumes favoritos del jefe Harris, del “Piece of Mind”, a través de “Revelations”, tema de Bruce inspirado en textos religiosos egipcios y emblema del Maiden de la primera mitad de los 80’s; sonó muy bien, y ante la relativa menor intensidad de la canción ya se podía apreciar con más “calma” lo compenetradísimos que estaban Janick, Dave y Adrian, y la dupla de base rítmica Harris McBrain, éste era un show de lujo, de lo mejor que se ha visto en años, y para muchos el mejor show de Metal visto en la historia de nuestro país. Sin embargo cabe destacar que durante este tema no se escuchó un “coro de fondo” tan gritado como los otros, de pronto todos los más “veteranos sobre 30” como que nos dimos cuenta que cantábamos solos, podría decirse que fue como el “punto más bajo del público”, pero bueno, a estudiar para la próxima vez! Maiden lo debemos corear a full no solamente en Fear of the Dark(!), vamos(!).

A continuación sin preámbulos de Bruce las revoluciones suben a 1.000.000 nuevamente cuando se cubre el telón de fondo por el gran “Eddie soldado con espada sangrante de la batalla de Balaclava”, Nicko marca los 3 tiempos y listo! Ya teníamos a THE TROOPER, ahora sí volvieron los 28.500 vocalistas y el recinto casi se viene abajo!!! Era la locura absoluta, es cierto que este tema siempre lo tocan en otras giras, pero en el contexto de ésta se sintió diferente y mucho más potente, uno de los puntos altísimos del show (ya que todos fueron altos).

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Pero también queríamos escuchar a Bruce y sus “conversaciones” con el público, y eligió este momento para referirse a su carrera como banda, y para mirar y apuntar luego al Estadio Nacional, recinto colindante a la Pista Atlética donde debería haberse hecho el show para evitar que tantos fans se hayan quedado sin entrada, no era necesario saber inglés para captar perfectamente lo que nos quería transmitir Bruce(!), naturalmente fue ovacionado por representar la gran preocupación de la banda por sus fans, algo que siempre se ha agradecido de Maiden.

«SOMEWHERE IN TIME» IN «SOMEWHERE BACK IN TIME»

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Si bien el comienzo fue un estruendo aplastante e imponente, y anteriormente con The Trooper las revoluciones se vivieron a mil, había que darle paso ahora al espectacular y más melódico álbum “Somewhere in Time”, y qué mejor que con WASTED YEARS …qué temazo, qué letras y qué interpretación notable, TODOS lo cantamos y ciertamente que en especial para quienes vivimos la década de los 80’s fue más que emotivo, AL FIN LO ESCUCHAMOS EN CHILE! Punto destacable de la noche, solamente hay que lamentar que de pronto la guitarra de Adrian no se escuchaba muy bien pero no quita eso que la banda lo haya ejecutado con maestría, qué gran momento.

“Woe to You Oh Earth and Sea (oohhhhhhhhhh!!!!!!)
for the Devil sends the beast with wrath (de acá en adelante todos juntos…)
because he knows the time is short
Let him who hath understanding
reckon the number of the beast
for it is a human number
its number is six hundred and sixty six”

Un enfoque a Dave y Adrian y qué más decir, fue EL momento de riesgo para quedar con sordera porque difícilmente la banda se va a olvidar de CUANTO se gritó/cantó The Number of The Beast, nuevamente Bruce dando un 110% para llegar a los tonos originales de estudio y una banda que a esas alturas mostraba una maestría casi conmovedora, adelante se saltó y cantó todo el rato, cómo se nota que este tema es la antena, impresionante haber estado ahí para relatarlo.

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¿Y ahora Run to the Hills? La verdad que no, a diferencia de lo que pasó en la India, en el primer concierto de la gira, en vez de escuchar guitarras escuchamos a Bruce vocalizar el primer tema de la noche del Seventh Son of a Seventh Son, Can I Play with Madness! YEAH!!!! Y cómo no! si fue exactamente locura y alegría total haber escuchado los acordes mayores de este tema “diferente” y genial de Maiden, se podría decir que ya a estas alturas estaba muy claro que esta noche sí que era especial e histórica.

maiden_13Ahora nuevamente Bruce nos vuelve a hablar para relatar ahora que cuando el día anterior cruzaban los Andes en avión, el mismo que piloteaba él desde Buenos Aires a Santiago, se estaba en presencia del Cóndor, ave emblema de nuestra cordillera, y que ahora se iba a relatar la una historia, en que otra ave era importante…. el albatros….

Nicko marca los tiempos y uno de los grandes regalos de esta gira se hacía presente, el sempiterno track “The Rime of The Ancient Mariner”, coloso tema de más de 13 minutos que mostró a un Bruce con renovado atuendo ya que cambió de polera, colocándose además una especie de “abrigo manta” de pirata para relatar de mejor forma las historias de Samuel Taylor Coleridge; brillante ejecución, se veía a una banda engranada como reloj que interpretó igual a la versión de estudio este emblema de canción…al fin pudimos ver el bajo de Harris con el “arpeggio submarino” tan característico previo a la parte recitada del tema, en un primer plano gracias a las tomas en las pantallas, otro de los puntos notables de la noche, para muchos el gran climax, uff, difícil elegir lo mejor, todo fue brillante.

Y cómo no! El track homónimo del álbum “Powerslave” se venía con todo ahora para reventar el ambiente…ya lo habíamos escuchado en Chile en 1997 cuando Bruce vino como solista, junto a Adrian, pero ahora era con MAIDEN COMPLETO! Todos esperábamos al tema emblema de la imaginería gráfica de la gira, y salió perfecto. Mención aparte eso sí merece la máscara que usó Bruce para cantar durante el track, la misma del Live After Death. Muchos comentarios del tipo “mira a Bruce, jaja” se hicieron (!), en fin, pero lo importante es que todos quedamos muy satisfechos con la performance de la banda, inolvidable.

maiden_14Se apagan las luces y el teclado profundo de fondo es la antesala que todos conocemos del otro track del gran “Somewhere in Time” que se toca en la gira, me refiero a “Heaven Can Wait»…otro de los grandes tracks esperados por todos, prácticamente en todas las filas de espera y también al momento de ingresar al recinto antes del show los fans coreaban el “oh oh oh…” tan característico, qué nervios al comienzo, y luego qué emoción deben haber sentido la veintena de fans que se subieron al escenario a compartir con la banda el legendario coro(!), otra ejecución impecable tanto de los instrumentistas, de Bruce y del resto de los 28.500 vocalistas presentes.

maiden_30Run to the Hills! Una de las semi exclusivas de Chile en el show del 2001 hicieron explotar otra vez el ambiente en esta mágica noche, sin embargo, al igual que en los shows anteriores con Bruce, nada se compara al estruendo absoluto de voces que genera “FEAR OF THE DARK”…muchos critican que se haya elegido este tema para la gira, pero como Dickinson lo dijo en la conferencia de prensa, “no somos una banda revival”, igual tenía que haber algo de épocas posteriores, y qué mejor que el GRAN track de los 90`s, hito de cruce de generaciones, porque todos, viejos y jóvenes tienen como gran punto en común esta canción…si no fue la más cantada, puede empatar con otra, pero está en el “primer lugar de decibeles” de la noche de todas maneras, qué duda cabe…notable, estremecedora, inolvidable, tanto como las expresiones y performance de Bruce en el escenario…todo antesala perfecta para que cerraramos la primera parte del show con el tema “IRON MAIDEN”…Dave se luce con su pulcro estilo, y por el otro lado Janick hizo su gran show propio como el tercer frontman de la banda que es, un juego impresionante de pirotecnia de cómo jugar con la guitarra, espectacular, casi se roba la película si no es por él! El séptimo integrante!, Mr. EDDIE! En su versión más espectacular y legendaria, la del “Somewhere in time” un muñeco de 4 metros con movimientos increíblemente naturales, y tratando de “agredir” a Janick, Nicko y Dave, jaja, notable performance, ya a esas alturas era todo un sueño, pero hecho realidad, vítores y aplausos cierran en estruendo cerrado la primera parte del show, demoledores 12 temas en una demoledora actuación era lo que había pasado en Ñuñoa, qué afortunados de haber vivido esto para contarlo.

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FEAR OF THE ENCORE…

maiden_28Entre la emoción y alegría por los momentos vividos, de repente en nuestras mentes había algo de tristeza ya que no quedaba mucho de show, por eso había que vivirlo como nunca, muchos nos mirábamos y no podíamos creer lo que estaba sucediendo, es que estaban tocando como nunca, tendrán ahora 50 años de edad pero la performance es mucho mejor que cuando tenían 20, y la motivación que tenían era espectacular, qué bueno por todos, de seguro NUNCA van a olvidar al público chileno…

¡Ahí viene Bruce de nuevo! Y ya teníamos al gran frontman del heavy metal con una expresión increíble, él no miente, y se veía sinceramente sorprendido, así que sus palabras fueron para transcribirlas en piedra; luego de lanzar el “gorrito” de la gira (entre risas lo lanzó diciendo que era un “merchandising”), dijo que estaban tristes porque era su última noche de gira en Sudamérica, pero que amaban a Chile y que volverían pronto, aunque deja claro el mensaje que quieren para la próxima vez el Estadio Nacional! No la pista atlética!

A continuación Bruce presentaba a la banda, y a modo de broma sacó el tema de nuestro emblemático trago “pisco sour” y el vino, entre risas que apuntaban a Nicko(!) jaja, notable momento de distensión y compenetración entre público y banda, inolvidable, eso se puede hacer fácil en audiencias de 100 personas, para 28.500 sólo Dickinson lo hace.
Bueno, pero faltaba presentar a Dave, y así menciona a “Dave 2 guitars Murray» (porque estaba con la eléctrica y la acústica) para comenzar con la parte acústica del principio del álbum “Seventh Son of a Seventh Son”, pero…GONG! La acústica estaba con sonido tan saturado, cual eléctrica preparada para hacer riffs infernales…a continuación otro intento y lo mismo, tanto Dave como Bruce (esto lo da la experiencia de cientos de conciertos) se rieron de la situación en vez de dramatizar, a tal punto que Bruce a modo de broma dijo que era como “la guitarra de la bestia” jaja, y se vio obligado a entonar “Seven deadly sins” a capella, pero con miles de voces de apoyo…

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Se nos venía otro gran regalo de la gira, MOONCHILD!!! Y la cámara ponía en primer plano la guitarra de Adrian para el comienzo de este gran tema, que noche!!! Sin respiro ahora todos nos volvíamos magos o brujos con el bajo del jefe y “The Clairvoyant”, para finalizar con HALLOWED BE THY NAME, otro de los ENORMES temas de Iron Maiden…cómo no recordar las tres veces que Bruce nos sacó lo máximo de la poca voz que nos quedaba, para hacernos escuchar en todos los rincones de la capital de Chile…sí, 20 años atrás era un total sueño, pero sí amigos, fue verdad, ayer 9 de marzo del 2008 Iron Maiden tocó en Santiago los grandes éxitos de los 80’s, era como ser parte protagonista del Live After Death, pero potenciado con el Somewhere in Time y Seventh Son, más Janick Gers, y cerca de nuestras casas, un regalo inolvidable…

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¿Qué sintieron luego que Nicko regalara las baquetas y fuera el último en salir del escenario después de tomar el micrófono y despedirse? ¿qué había pasado? ¿qué venía ahora? Todos somos personas distintas, con distintas vidas, carreras y circunstancias, pero esto nos une, el heavy metal, y ciertamente creo captar el momento de forma correcta si digo que estábamos “asombradoemocionados”……….los “nuevos” en el metal por seguro que jamás olvidarán esta noche porque es la mejor que han tenido, y los mayores teníamos tantos recuerdos de los temas de adolescencia y de los grandes álbumes que acompañaron a los grandes hitos de nuestras vidas que no se podía mucho razonar…al fin Iron Maiden al 100% estaba con nosotros.

El primer Show en Chile fue sin Bruce, la segunda vez (2001) con un sonido muy malo, la tercera (2004) hubo algo de frialdad en el ambiente, pero ahora, decir espectacular es poco, decir asombroso es poco, y decir inolvidable es quizás, lo más sensato, pero hay que decir que las palabras no bastan….

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Iron Maiden nos regaló ayer 9 de marzo algo que nos acompañará para siempre, un viaje en el tiempo, dentro de nuestras vidas y dentro de las vidas de ellos porque seguro que no olvidarán a los fans chilenos, fue mágico, potente, impecable, implacable, demoledor e increíble, por eso como equipo (PowerMetal.cl) no nos arrepentimos de haber vivido el concierto igual que ustedes, adelante, en cancha, saltando, cantando y vibrando como lo que somos, todos metaleros de alma, no puedo terminar este “Rime Live Review” sin decirle a Steve, Bruce, Adrian, Dave, Janick y Nicko lo siguiente:

GRACIAS POR HACER MÚSICA TAN ESPECTACULAR
GRACIAS POR NO HABERNOS DEFRAUDADO JAMÁS
GRACIAS POR HABERNOS ACOMPAÑADO EN LOS MOMENTOS MÁS ALEGRES Y TRISTES DE NUESTRAS VIDAS
GRACIAS POR IRON MAIDEN

UP THE IRONS TILL DEATH AND NEXT LIFE!!!!

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Setlist:

01. Intro – Churchill’s Speech
02. Aces High
03. 2 Minutes to Midnight
04. Revelations
05. The Trooper
06. Wasted Years
07. The Number of the Beast
08. Can I Play With Madness?
09. Rime of the Ancient Mariner
10. Powerslave
11. Heaven Can Wait
12. Run to the Hills
13. Fear of the Dark
14. Iron Maiden
Encore:
15. Moonchild
16. The Clairvoyant
17. Hallowed Be Thy Name

Dream Theater, quiéranlo o no, es por estos días el referente más representativo e importante de lo que se conoce como Rock/Metal Progresivo a nivel mundial.

Dueños de una técnica envidiable y de una capacidad creativa sin límites, la banda norteamericana pisó nuestras tierras por segunda vez en el marco del tour de promoción de su último trabajo, Systematic Chaos, siendo Chile el lugar de inicio de esta nueva travesía por tierras sudamericanas.

Inicialmente fijado para realizarse en la Pista Atlética del Estadio Nacional, el show de Dream Theater fue cambiado para el Arena Santiago. ¿Los motivos? No vamos a decir la poca de venta de entradas, porque no es el caso. Lo que sí ocurrió es que no se vendió lo que se esperaba, que no es lo mismo. Recordemos que a 10 minutos de la Arena Santiago, para ser más exactos, en el Teatro Caupolicán, una leyenda del Hard Rock también se estaba presentando y prácticamente a la misma hora: Deep Purple. Una buena cuota de público probablemente optó por los veteranos ingleses, quienes agotaron las entradas para su presentación. Además, otro punto importante a considerar radica en que una semana más tarde se presentarán en Chile los también ingleses, aunque no tan veteranos aún, Iron Maiden. Si sumamos a esto que en abril tendremos la posibilidad de ver por segunda y probablemente última vez en Chile al Madman Ozzy Osbourne y que ya se ha vendido al parecer más de la mitad de las entradas, simplemente no hay bolsillo que aguante. De todas formas, Dream Theater se presentó ante un público que debe haber bordeado los 12.000 asistentes, lo que por supuesto no es para nada un número menor.

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OPENING BAND CONTEST WINNERS!: DELTA

Con ese título se destacaba en las noticias de la página oficial de Dream Theater, los nombres de los ganadores del concurso que la banda organizó, para encontrar a las agrupaciones que abrirían sus shows en los distintos países que incluye esta gira por Sudamérica.

Inimaginable debe haber sido la reacción de los nacionales Delta al enterarse de tal hito en su corta, pero maratónica carrera. Con solo 5 años desde su formación, la banda ya se ha dado el lujo de abrir para bandas de la talla de Symphony X, Vision Divine y ahora Dream Theater, cuentan con dos placas a cuestas y el público reconoce y aplaude sus temas.

La presentación de Delta partió puntualmente a las 20:00 hrs., como se había señalado y su misión era encender y preparar al público para lo que se venía…y cumplieron con ello a cabalidad. Desde el primer tema la banda logró, prácticamente de forma inmediata, la aceptación de todo el recinto, con canciones potentes, demostrando un gran dominio escénico y montando un sólido espectáculo, en el que destacó el gran sonido logrado por el grupo, además del trabajo vocal de Felipe del Valle, quien remeció el recinto en más de una oportunidad con sus potentes gritos. Cerraron su presentación con Burning Soul y el ya clásico, Black & Cold y se fueron entre vitores de la gente, que incluso y haciendo alusión al Festival, solicitó antorcha para la banda. Felicitaciones a la banda por este nuevo acierto.

CHAOS IN MOTION: A DREAM COME TRUE

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Pasadas las 21:00 hrs., partió la segunda presentación de Dream Theater en territorio nacional, dando comienzo con un video que repasaba la historia completa de la banda, incluyendo imágenes desde sus inicios hasta la actualidad, mezcladas con muy pequeños trozos de temas de cada uno de los álbumes editados hasta la fecha. La banda abrió con el tema conocido por todos como: 2001 Odisea del Espacio y por supuesto la locura fue total. Si bien la cantidad de gente en cancha ocupaba, digamos, un 80% de esta, la cantidad de asistentes en platea y galerías era un espectáculo aparte, me imagino que muchos, incluyéndome optamos por estas posiciones debido al tipo de espectáculo a presenciar, más aún cuando pudimos percatarnos de que el show incluía una pantalla gigante detrás del escenario y de detalles como un semáforo colgando de la estructura de iluminación, que fue precisamente el que al dar la luz verde dio el «vamos» al concierto.

dt2008_031El primer tema descargado por la banda provino, como era de esperarse, de su último álbum. Constant Motion desató toda la energía contenida por quienes estaban esperando presenciar a Dream Theater nuevamente en nuestro país; tanto cancha, como plateas y galerías lo corearon como si se tratara de uno de los más clásicos temas del grupo, reacción que se mantuvo incólume cuando arremetieron con Never Enough, un temazo de su anterior placa, Octavarium, y el cual no tuvimos la oportunidad de oír en directo en su anterior visita.

Iban solo dos canciones y algo más de 15 minutos y el público ya estaba completamente entregado a la emoción de estar presenciando nuevamente a una de las máximas expresiones de la música progresiva de las últimas décadas, lo que se acentuó aún más cuando sonaron las primeras notas de Blind Faith, tema que, por la reacción de la gente, al parecer nadie esperaba oír, transformándose en la primera sorpresa de la noche.

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Otro gran momento se vivió cuando comenzó a sonar Surrounded, proveniente del álbum que catapultó a Dream Theater a ser reconocido en todo el orbe, Images & Words, la cual tocaron en su versión modificada que comenzó a hacerse conocida el 2007 a través de los tantos bootlegs que circulan de la banda a través de la red. En esta versión se incluyó, para deleite de muchos, algunos pasajes de Mother de Pink Floyd, los que fueron agradecidos por el público con total euforia.

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Hasta ese momento solo habían tocado un tema de su última producción, pero todos teníamos absolutamente claro que aún faltaban probablemente muchas otras canciones de Systematic Chaos que oír, y es precisamente luego de finalizar Surrounded, que la banda descargó toda la potencia de The Dark Eternal Night, un tema que generó algo de polémica cuando fue lanzado el disco. Mientras para algunos (me incluyo) es un gran tema, de mucha potencia y partes muy pesadas, aunque algo moderno, para otros trae algunos claros guiños hacia un sonido propiamente nu-metal o aggro (como quieran llamarle). Sea como sea, la verdad es que The Dark Eternal Night funcionó en vivo como una inyección de adrenalina para todo el público espectador. Se palpaba la euforia en la cancha de la Arena Santiago, mientras en las partes superiores del recinto, si bien se veía una situación similar, muchos nos deleitábamos con las extraordinarias animaciones que se proyectaban en la pantalla gigante, en donde la guerra de escupos de Mike Portnoy contra la bestia animada provocó más de alguna carcajada.

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Es importante hacer notar la extraordinaria sincronización a lo largo de todo el evento, entre lo que sucedía en el escenario y lo que se proyectaba en la pantalla, así como también el magnífico trabajo de iluminación que tuvimos oportunidad de presenciar. Si a esto sumamos el notable trabajo de cámaras, a muchos nos dio la sensación que quizás estaban grabando el evento para una eventual incorporación de dichas tomas a un DVD… quien sabe.

dt2008_029Luego de la devastadora demostración de potencia que significó The Dark Eternal Night, Dream Theater nos regaló dos temas que yo creo que nadie, ni en sus más optimistas pensamientos, se imaginó siquiera que tendría alguna vez la oportunidad de oírlas en vivo, al menos no ejecutadas por sus propios creadores.

Erotomania, el extraordinario instrumental de Awake (otra de las piedras fundamentales en la discografía de la banda) y la melódica y emotiva Voices, del mismo álbum, hicieron que la Arena casi se viniera abajo por algo más de los 15 minutos que fue lo que en suma demoraron en tocar ambos temas, transformándose así en la segunda gran sorpresa de la noche.

Con el público, a estas alturas, extasiado luego de tamaño par de temas, Dream Theater prosiguió con la presentación de cortes de su última placa y es así como a oídos de todos llegaron, de la mano de Jordan Rudess, las primeras notas del segundo single de Systematic Chaos, Forsaken, un tema relajado y más directo de lo que nos acostumbran a entregar en sus distintas composiciones.

dt2008_003Aunque para una banda de las características de Dream Theater y de la capacidad técnica de los integrantes que la conforman, no tiene mucho sentido hablar del desempeño individual de sus miembros, haremos un pequeño comentario respecto a cada uno de ellos, y comenzaremos por James LaBrie, quien definitivamente, cada vez esta cantando mejor y lo demostró en cada una de las notas logradas a lo largo de su performance. Petrucci es un tipo que prácticamente no comete errores con su instrumento, demostrando que, según se requiera, es capaz de manifestar potencia al máximo como también lograr la nota más emotiva con las seis cuerdas.

Myung es un bajista extraordinario, sin embargo, escénicamente no logra proyectar nada, el tipo se para en el escenario, toca y hace su trabajo, pero evita en términos generales, cualquier contacto con la gente o incluso con sus compañeros de banda, su concentración es inmutable mientras ejecuta su labor, lo cual a algunos provoca cierto rechazo, pero que a la hora de oír el resultado final se agradece.

Rudess es un genio delante de un teclado y ha sabido compenetrarse a lo largo de todo este tiempo con la música de la banda e impregnarse de la esencia que transmiten los temas de Dream Theater, sin embargo, sigue siendo objeto de las mayores críticas que se le pueden hacer a un integrante de esta banda, sobre todo por parte de «las viudas de Moore», llegando incluso a señalar que en vivo «destroza» las composiciones realizadas por Kevin para su ex banda. Pero bueno, cada quien esta en su derecho de opinar lo que se le plazca.

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Por último, Portnoy. Que se puede decir de un tipo que por si solo es lo que podríamos llamar un «showman». Tocando la batería de pie, alentando a la gente, marcando tiempos mientras se golpea la cabeza con las manos y tocando complicadas partes mientras al mismo tiempo las canta, de hecho, luego de Forsaken, vino Take The Time, y fue el propio Portnoy quien partió cantando las primeras estrofas de este clásico tema de su segundo álbum. En definitiva, hablar de sus integrantes y de lo que son capaces de hacer, no tiene mucho sentido. Si lo tiene señalar que, sea como sean individualmente, en suma son una verdadera máquina, imparables, capaces de tocar lo que se les plazca, a su total antojo y encargándose de demostrar con cada canción, porqué están en la cima del género.

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Volviendo al concierto y luego de Take The Time, la banda tocó sin ningún tipo de pausa, dos temas nuevos, bueno en realidad uno, que en suma totaliza más de 25 minutos de música. Se trata por supuesto del Opus de Systematic Chaos, In The Presence of Enemies (Parte 1 y 2). En lo personal me hubiera bastado con que interpretaran solo la segunda parte, pero no todos tenemos los mismos gustos frente a la banda y probablemente a muchos otros les guste más la primera de ellas. Ahora bien y sea cual sea el caso, en términos generales, escuchar un tema de tal naturaleza en vivo y completo, como fan del estilo, es algo impagable.

dt2008_021Luego de esta magnífica interpretación y ya bordeando las 2 horas de show, la banda se retira del escenario a un breve descanso, para luego regresar y entregarnos el último tema de la noche, que en realidad se trató de un medley que resume gran parte de su discografía y que se pasea por discos como Falling Into Infinity, Scenes From A Memory, Images & Words, Train of Thought y Octavarium.

Smedley Wilcox, como se titula esta mescolanza de temas, incluye a Trial of Tears, Finally Free, Learning To Live, In The Name of God y Octavarium (Razor’s Edge). Probablemente haya quienes hubiesen preferido escuchar alguno de dichos temas por separado y completo, pero en honor al tiempo, Dream Theater los junta y crea una amalgama única, que transmite y le otorga gran dinamismo a la parte final del concierto, ya que en no muy extensos trozos se van mostrando partes de temas que la gran mayoría de fans de la banda conoce a cabalidad y gusta de ellos, por lo que la reacción a cada una de esas partes es inmediata y efusiva. Por mi parte, encuentro acertadísima la opción de por lo menos escuchar algo de temas que de otra forma no tendríamos oportunidad de oír.

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Con ese paseo final por la discografía de la banda, Dream Theater cerró una gran noche, en la que tuvimos oportunidad de oír y disfrutar de una banda nacional que se la jugó e hizo las cosas mejor aún de lo que muchos esperaban y en donde pudimos presenciar, ya por segunda vez en nuestro país, a una de las bandas más importantes de los últimos tiempos, llamenle rock o metal, da igual, Dream Theater de la mano de una excelente ejecución, una puesta en escena impresionante y un despliegue de matices y detalles absolutamente bien cuidados, se encargó de regalarnos una presentación magnífica que difícilmente será borrada de la mente de los miles que estuvimos presentes.

Setlist:

1. Intro: Video / 2007: An Ant Odissey
2. Constant Motion
3. Never Enough
4. Blind Faith
5. Surrounded (Extended Version)
6. The Dark Eternal Night
7. Erotomania
8. Voices
9. Forsaken
10. Take The Time
11. In The Presence of Enemies (Pt. 1 & 2)
Encore:
12. Smedley Wilcox:
i. Trial of Tears
ii. Finally Free
iii. Learning To Live
iv. In The Name of God
v. Octavarium (Razor’s Edge)

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Anteriormente otras bandas estadounidenses han sido nuestra banda del mes. Nos tocó revisar la historia de bandas como Kamelot, Iced Earth o Symphony X. Pero quizás la banda norteamericana de mayor trascendencia en el ámbito que nuestro gusto musical nos convoca es Dream Theater, una banda con más de quince años de trayectoria en las arenas del rock progresivo, y que han tomado la herencia de bandas señeras en la historia del rock, como Pink Floyd, Marillion, Rush o Supertramp, proporcionándole elementos técnicos individuales sencillamente excepcionales, además de ciertas reminiscencias de Heavy Metal europeo. Además, Dream Theater posee una particular característica: o gustan mucho, o sencillamente apestan, es una banda que no admite términos medios. Mientras para algunos progresivos son muy heavy, para algunos heavy son muy progresivos …

Myung-Portnoy-Petrucci-antiguaHoy por hoy, Dream Theater es el «espejo» de la gran mayoría de las bandas progresivas, las cuales muchas veces caen en fallidos intentos de copia. Pero su sonido, para bien o para mal, ha demostrado ser inigualable. Muchas veces criticado por ser «frío», este quinteto norteamericano ha forjado su carrera en base a esfuerzo, tesón, profesionalismo y años de sacrificio.

La historia de esta banda comienza en Septiembre de 1986, cuando tres jóvenes dieciochoañeros estudiaban en el famoso instituto de música de Berklee, en Boston, Massachusetts, Estados Unidos. Dos de ellos, John Peter Petrucci y el descendiente de chinos, John Ro Myung, observaron ensayando en una de las salas de práctica de la prestigiosa escuela a un joven baterista, Michael Stephen Portnoy.

Petrucci y Myung se miraron las caras con asombro, pues en aquellos tiempos era un verdadero milagro encontrar a alguien que gustase del rock en Berklee. Un rato más tarde, coincidieron con Portnoy en la cafetería de la escuela, y conversando se dieron cuenta de que además de los gustos musicales tenían otras cosas en común: todos se habían criado en la localidad de Long Island, Nueva York (aunque Myung nació en Chicago), lo cual era particularmente coincidente debido a que en Berklee convive gente de todas partes del mundo.

PetrucciJohn Petrucci, nacido el 12 de Julio de 1967, comenzó con sus lecciones de guitarra a los 12 años de edad. Sus padres no tocaban música, pero su sus hermanos sí: su hermana mayor tocaba piano y órgano, su hermano tocaba bajo y su hermana menor tocaba clarinete. John dice que la razón más importante por la cual decidió tocar guitarra es que todos sus vecinos tocaban, y le parecía divertido. Sus influencias van desde Steve Vai a Al DiMeola.

John Myung, nacido el 24 de Enero de 1967 en Chicago, comenzó a interesarse por la música a los 5 años, cuando comenzó con lecciones de violín. Pero a los 15 años un vecino se le acercó y le pidió que tocara bajo en su banda, asumiendo que no le costaría aprender, asumiendo que ambos instrumentos (violín y bajo) tienen cuatro cuerdas … y aunque eran instrumentos muy distintos, John se dio cuenta que sus inspiraciones iban por ese lado, y jamás volvió a tomar un violín. Es el único que aún vive en Long Island, junto con su esposa Lisa.

PortnoyMike Portnoy, quizás uno de los mejores bateristas del mundo, nació el 20 de Abril de 1967, y comenzó a interesarse desde muy joven en el rock, pues su padre era un disc jockey de rock’n’roll. En su casa, entonces, había una enorme colección de discos, por lo que era inevitable que Mike se transformase en músico, especialmente tras hacerse fanático de Los Beatles y de Kiss. Su gran influencia -cómo no- es Neil Peart, baterista de Rush.

En los ratos libres, el ahora trío de amigos tocaba con el tecladista Kevin Moore, que tocaba junto a Petrucci y Myung en una banda colegial, y que en aquel tiempo estudiaba en la Universidad de Fredonia, al norte de Nueva York. El vocalista de la recién formada banda sería Chris Collins. Esta, entonces, es la primera alineación de la banda, la cual sería bautizada como Majesty. El proyecto de los ratos libres fue tomando cuerpo, tanto así que todos decidieron dejar las clases para concentrarse en la banda. Poco tiempo después grabaron un demo (en cassette) con ocho temas, llamado «Majesty Demos», el cual fue vendido entre los fans locales y distribuidos en las disquerías. El demo vendió la impresionante cantidad de 1.000 copias en los primeros seis meses, y aún están disponibles en el día de hoy, e incluso la banda hoy incluye de vez en cuando algunos temas en sus recitales.

La banda, ya consolidada, sufrió su primer problema. Al firmar con una nueva compañía discográfica, llamada Mechanic Records, fue obligada a cambiar su nombre, debido a que ya existía una banda de jazz de Las Vegas llamada Majesty. En ese entonces, el padre de Mike Portnoy, Howard, sugirió llamar a la banda como un cine (hoy demolido) que existía en California: Dream Theater. Pero quizás si el primer gran problema que tuvo la banda fue asumir que Chris Collins no tenía la capacidad vocal suficiente como para satisfacer las expectativas del resto de la banda. Así, luego de una intensa búsqueda, en Noviembre de 1987 la banda reclutó a Charlie Dominici.

charliedominiciAnte ello, Mike Portnoy señala lo siguiente: «conseguimos a Charlie Dominici, que era mucho más viejo que nosotros, y no cuadraba exactamente con lo que buscábamos, pero en ese momento realmente no teníamos otro candidato y entre las posibilidades, él era el más calificado. Él tenía la experiencia que Chris no tenía, pero al mismo tiempo se nos hizo evidente que él tampoco era quien estábamos buscando. Nos sentábamos en los ensayos y era como tener que sacarle los dientes a alguien para hacer que cantase lo que queríamos, pero luego iba y se sentaba en el piano a tocar Billy Joel y Los Beatles y se sentía como en casa«.

A mediados de 1988, la banda, que ya contaba con el apoyo de Mechanic Records, comenzó la grabación de su primer LP, que se llamaría «When Dream And Day Unite». El disco, cuya mezcla duraría alrededor de un mes y que contó con Terry Date como productor, fue grabado en los estudios Kajem/Victory en Gladwyne, Pennsylvania, y fue muy bien recibido por la prensa especializada, además del éxito que tuvo en las radios de metal de Estados Unidos. Lamentablemente para ellos, Mechanic Records poseía un limitadísimo presupuesto, el que impidió que la banda pudiese realizar giras o hacer un video clip, por lo que los conciertos de la banda estuvieron limitados geográficamente en la zona de Nueva York. Este trabajo, en el cual encontramos clásicos de la banda, como «A Fortune In Lies» o «Ytse Jam» («Majesty» dicho al revés), fue remasterizado y re-lanzado a la venta en Marzo del año 2002, en una edición de lujo en digi-pack, de la cual sólo se hicieron 10.000 copias.

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Ya en 1990, la banda despidió a su vocalista, Charlie Dominici, quien debió ser llamado nuevamente para realizar un concierto, en el cual telonearían a Marillion, banda que escogió personalmente a Dream Theater para esos efectos. En ese show, la banda abrió con un nuevo tema, llamado «Metropolis», que mostraba el progreso de la banda y que, a la larga, formaría parte de su segunda placa en estudio. Después de ese show, comenzó la búsqueda de un nuevo vocalista, la cual se alargó bastante más de la cuenta, casi dos años. Durante ese tiempo, la banda escribía nuevo material, y tocaba como banda instrumental en locales de la zona. De hecho, la mayoría de las canciones que a la larga formarían parte de su segunda placa, «Images And Words», fueron tocadas en vivo como instrumentales, antes de que se crearan las letras.

La banda, bastante frustrada por lo infructuosa que había resultado la búsqueda, consideró seriamente el continuar su carrera como banda instrumental, pero decidió proseguir con la búsqueda. Cerca de conseguir el trabajo estuvo Jon Hendricks, John Arch (vocalista de Fates Warning, pero decidió lo contrario), y Steve Stone, un tipo que cantaba muy parecido a Geoff Tate de Queensrÿche, y que incluso cantó un par de temas con la banda en vivo, pero éste no enganchaba con la idea de la banda. Y pareció que la búsqueda llegaba a su fin cuando, a fines de 1991, consiguieron a Chris Cintron, pero una cinta llegada desde Canadá cambiaría la historia de la banda. La cinta era de una banda glam rockera canadiense, originaria de Toronto, llamada Winter Rose, cuyo vocalista, Kevin LaBrie, llamó poderosamente la atención de Mike, Kevin y los Johns, ante lo cual LaBrie fue invitado a Nueva York para una audición de forma casi inmediata. LaBrie, nacido el 5 de Mayo de 1963 en la localidad de Penetanguishene, en Ontario, Canadá, comenzó a cantar a los tres años, cuando -según sus padres- caminaba por la casa tarareando todas las canciones que escuchaba en la radio. Con Kevin LaBrie, la banda grabó demos de temas como «To Live Forever«, «Learning To Live» y «Take The Time«, decidiendo elegirlo como nuevo vocalista de Dream Theater, lamentablemente para Chris Cintron. LaBrie, ya siendo parte de la banda, decidió usar su segundo nombre, James, pues si ya había dos John en la banda, la confusión con dos Kevin sería aun mayor.

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La banda, una vez terminado su vínculo contractual con Mechanic Records, firmó con la compañía disquera ATCO Atlantic (hoy EastWest), y comenzaría con, a fines de 1991, la grabación de su segunda placa, a llamarse «Images And Words«. El disco contó con la producción de David Prater, y fue grabado en los estudios Bear Track, un recinto muy pequeño en Nueva York, que pertenecía a Jay Beckenstein, saxofonista de una banda llamada Spyro Gyra, quien tocó como invitado en el tema «Another Day». El disco ha sido sindicado, con razón, como una de las obras maestras del rock progresivo de los ’90, y cuenta con temas que han pasado a la historia, como «Pull Me Under«, «Take The Time«, «Learning To Live«, «Surrounded» o «Metropolis 1: The Miracle And The Sleeper«. Además de ello, gracias a la mayor disponibilidad de recursos, pudieron grabarse tres videoclips, para «Another Day« (el tema que más sonaba en las radios), «Take The Time» y «Pull Me Under« (que, sorpresivamente para la banda, llegó a ser un hit en MTV, en desmedro de «Another Day»).

La banda hizo su primera presentación con James LaBrie como frontman el 8 de Junio de 1992 en el Ritz de Nueva York (coincidentemente, el mismo lugar donde Charlie Dominici hizo su última presentación en Dream Theater), nada más y nada menos que teloneando a Iron Maiden. James fue muy bien recibido por los fans, quienes se sabían la mayoría de las letras de «Images And Words» antes de su salida a la venta.

Posteriormente, la banda firmó con Rountable Entertainment, y se encontraba preparada para comenzar un tour a nivel mundial. Las estaciones rockeras de radio locales e incluso MTV apoyaron de forma considerable a los Dream, quienes realmente sintieron que iban camino a la gloria cuando supieron que «Images And Words» había alcanzado «Disco de Oro» nada menos que en Japón, ante lo cual se planeó una corta gira por aquél país, la que fue un total éxito de ventas. De hecho, a fines de 1993 saldría a la venta «Images And Words – Live In Tokio«, el primer video oficial de la banda en vivo, en el marco de la gira que se denominaría «Music In Progress».

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La banda, ya con reconocimiento mundial, decidió homenajear a sus fans mediante un concierto en el Limelight de Nueva York, el 4 de Marzo de 1993. En este recital, cuyas entradas se agotaron con bastante anticipación, la banda estuvo en escena por alrededor de tres horas, y ejecutó algunos temas nuevos, como «To Live Forever«, «Eve» y la fantástica «A Change Of Seasons«, tema que dura más de 23 minutos y que raramente la banda ejecuta en vivo. La gira «Music In Progress» continuaría en Europa, donde la banda grabó un EP en vivo denominado «Live At The Marquee«, en honor al famoso club en Londres así llamado.

Dream-666La banda, como vemos, estaba tocando en salas cada vez más grandes, grabando prácticamente todos los conciertos … quizás por ello es que Dream Theater es una de las bandas que mayor cantidad de bootlegs tiene en su discografía no oficial (de hecho, en el último tiempo, la banda ha sorprendido por haber tocado en vivo, completamente, los históricos discos «Master Of Puppets» de Metallica y «The Number Of The Beast», de Iron Maiden). La gira ya había culminado, pero en Noviembre de 1993 la banda debió volver a Asia, más precisamente a Corea del Sur, con el objeto de realizar una gira promocional debido al éxito alcanzado por la banda.

A principios del mes de Marzo de 1994, luego de un pequeño descanso después de el tour más grande de sus carreras hasta ese entonces, Dream Theater comenzó a trabajar en lo que a la postre sería el tercer álbum en estudio de la banda, el primero que escribirían como «grupo», ya que tanto «When Dream And Day Unite» como «Images And Words» fueron escritos sin vocalista. En un principio, la banda planeaba incluir algunas de las canciones que habían incluido sólo en sus recitales, pero a la larga terminaron por componer más de 75 minutos de material nuevo. Como estimaban que el material antiguo no era lo suficientemente «actualizado» para lo que la banda quería, prácticamente nada se utilizó, a excepción de un jam llamado «Puppies In Acid«, que a la larga se convirtió en el gran tema «The Mirror«. «To Live Forever«, otro de los temas antiguos, fue incluido en el single «Lie» (en el que además encotramos la versión en vivo de «Another Day«, y «Space Dye Vest«, tema que aparecería en el LP), pero no en el disco, y la instrumental «Eve» se encuentra en el single «The Silent Man» (el que además incluye la versión demo de «Take The Time«). El resultado de este proceso, cuya grabación (que se llevó a cabo en Los Angeles) comenzó en Mayo y terminó en Julio de aquel año, y que contó con la producción de John Purdell y Duane Baron, sería el sólido «Awake«, la tercera placa en estudio de la banda. En este disco encontramos temas notables, como «Innocence Faded«, «A Mind Beside Itself» o «The Mirror«, entre otros.

kevinmooreLamentablemente, un gran golpe azotó el corazón de la banda, y especialmente el de Petrucci y Myung. Kevin Moore, antes de terminar la grabación de «Awake«, decidía dejar la banda, debido a diferencias musicales, pues deseaba concentrarse en otros proyectos. Moore, en aquél momento, señalaba: «Creo que musicalmente mi manera de escribir ha cambiado bastante estos últimos años. Llegó a tal punto que mi punto de vista era tan diferente del resto de la banda que ellos estaban teniendo problemas para comunicar sus ideas entre ellos. Al mismo tiempo, lo que a mí me llenaba era escribir y grabar mi propio material. Eventualmente, esto llegó a ser más importante que cualquier otra cosa. Llegué a la decisión de que necesitaba concentrarme en mi propia identidad musical y que la separación sería lo mejor, tanto para el grupo como para mí. Yo creo, honestamente, que Dream Theater tiene mucho más que ofrecerle al mundo musical y les tengo un gran respeto a cada uno como músicos y como personas. Les deseo todo lo mejor«.

Más allá de las palabras, de buena crianza, y de que la separación fuese en términos amistosos, se generó un tremendo problema para la banda, pues no era fácil encontrar un tecladista que supliera el talento de Moore, quien se dedicaría principalmente a su nuevo proyecto, Chroma Key, con el cual lanzaría los discos «Dead Air For Radios» (1998), «Colorblind» (1999) y «You Go Now» (2000).

En un principio, la banda intentó que Jordan Rudess tomase el lugar de Moore, pero éste ya se encontraba embarcado en una banda llamada Dixie Dregs (en ese entonces la banda de Steve Morse, actual guitarrista de Deep Purple). Rudess, en todo caso, tomaría el lugar de Moore con el objeto de presentarse en vivo en el Concrete Foundations Forum, en una presentación que la banda había comprometido de antemano. Pero el reemplazante de Moore ya comenzaba a clarificarse: Derek Sherinian, quien, al igual que Myung y Petrucci, también asistió a la escuela de Berklee y que contaba en su currículum el haber tocado con connotados personajes en la escena rockera como Alice Cooper o Kiss. Sherinian acompañó a Dream Theater en la gira promocional de «Awake«, en cuyos últimos shows se anunció que Sherinian sería miembro oficial de la banda. Dentro de los tecladistas que estuvieron cerca de reemplazar a Moore estuvo un conocido nuestro, Jens Johansson, connotado tecladista sueco hoy en Stratovarius, pero a la larga Dream Theater se decidió por Sherinian.

dereksherinianEl lanzamiento a nivel mundial de «Awake«, en Octubre de 1994, sobrepasó todas las expectativas de la banda, debutando en el lugar 32 del Ranking Billboard, y vendiendo casi 45.000 copias en su primera semana en Alemania. El single «Lie» obtuvo un tremendo éxito en las radios rockeras norteamericanas, y su videoclip aparecía recurrentemente en MTV. Ya en 1995, tras un extenso y exitoso tour por Estados Unidos, la banda se dirigió a Japón (donde recibieron un Disco de Platino) y luego a Europa, donde la banda, como ya señalamos, ungió a Derek Sherinian como el tecladista oficial de Dream Theater.

En Abril de 1995, la banda se reunió con David Prater, productor de «Images And Words«, tras lo cual la banda volvió a los estudios Bear Tracks para grabar «A Change Of Seasons«, tema de 23 minutos compuesto en 1989, el cual fue completamente reestructurado, ante lo cual Sherinian tuvo la posibilidad de «meter mano» en la parte de los teclados. Pero para no lanzar un trabajo de sólo un tema de 23 minutos, la banda incluyó en el EP varios covers grabados en el club de Jazz de Ronnie Scott, en Londres, el 31 de Enero de 1995, en lo que se conoce como el show «Uncovered», conformando un disco de más de 57 minutos. Dentro de los covers, destacan «Perfect Strangers» de Deep Purple, un medley de Elton John, otro de Led Zeppelin y sobre todo el «Big Medley» (que incluye temas de Pink Floyd, Kansas, Genesis y Queen, entre otros). El EP «A Change Of Seasons» sería lanzado el 19 de Septiembre de 1995, y contó con la aclamación de los fans.

A fines de 1996, Dream Theater realizó cinco conciertos, en lo que se denominó «The Fix for ’96», donde se presentaron cinco temas que aparecerían en el cuarto LP (quinto, si consideramos como LP a «A Change Of Seasons«) de la banda, además de temas antiguos con nuevos arreglos. Este año, además, John Petrucci lanzaría un VHS (que sería reeditado como DVD el 2002), llamado «Rock Discipline«.

DT con sherinianLuego de ello, la banda se tomó algunos meses de receso, para luego realizar una mini gira por Europa («The Fix For ’97») y luego abocarse a la grabación del nuevo trabajo, que fue lanzado en Estados Unidos el 23 de Septiembre de 1997, y que llevaría por nombre «Falling Into Infinity«. Aunque quizás para muchos fans es el disco más bajo de la banda, encontramos temas notables, como la gran «Peruvian Skies«, «Hollow Years» (el single del disco, en el que se incluye, entre otras cosas, un tema que no aparece en el disco, «The Way It Used To Be«) o la hermosa «Take Away My Pain«, que Petrucci dedica a su fallecido padre.

La banda en aquellos entonces tenía material para grabar dos CDs, incluyendo la continuación de «Metropolis Part 1: The Miracle And The Sleeper«, pero el sello Elektra decidió no llevarlo a cabo. De todas formas, la banda llevaría a cabo un extenso tour, denominado «Touring Into Infinity», al término del cual se toman un tiempo para «descansar», lo cual no sería tal, debido a que estos trabajólicos músicos encontraron proyectos paralelos para mantenerse ocupados.

Quizás el proyecto paralelo más importante de los integrantes de Dream Theater sea Liquid Tension Experiment. John Petrucci y Mike Portnoy se unieron al connotado bajista Tony Levin, quien ha tocado con King Crimson, Alice Cooper, Al DiMeola, Peter Gabriel, Art Garfunkel, Eros Ramazzotti, y nada más ni nada menos que con John Lennon y Yoko Ono, entre otros, y a Jordan Rudess, eximio tecladista que en algún momento fue el reemplazante provisorio de Kevin Moore en Dream Theater. Cuatro músicos de excepción no podrían sino haber llevado a cabo un trabajo sencillamente magistral. Mike Portnoy así lo define: «unas de las más locas, estresantes, y simultáneamente hermosas, mágicas y creativas semanas de mi vida«. Liquid Tension Experiment llevó a cabo dos discos, «LTE 1» en 1998, y «LTE 2» en 1999. Gran importancia en ello tiene el sello Magna Carta, conocida por apoyar considerablemente a los proyectos paralelos de los integrantes de Dream Theater. Al respecto, Jordan Rudess señala: «es una de las compañías interesadas en publicar trabajos de rock progresivo, y fue esa coincidencia de intereses la que nos llevó a trabajar con ellos«. En el mismo año 1998, John Myung junto a Derek Sherinian se verían inmersos en Platypus, junto a Ty Tabor (frontman de King’s X) en voces y guitarra y a Rod Morgenstein (quien formaba parte del proyecto Rudess Morgenstein junto a Jordan Rudess) en batería. Estos cuatro músicos grabaron el disco «When Pus Comes To Shove«. El mismo año, Myung grabaría dos temas en el disco de Gordian Knot, banda instrumental creada por Sean Malone, ex integrante de Cynic. Y al mismo tiempo, por si fuera poco, en el movido «descanso» de 1998 Petrucci, LaBrie y Sherinian participaban en el disco de Explorer’s Club, «Age Of Impact», junto a connotados músicos como Billy Sheehan (ex Mr. Big) o D.C. Cooper (hoy vocalista de Silent Force, ex Royal Hunt), entre otros. Además, LaBrie aparece como vocalista invitado en el disco «Tyranny» de Shadow Gallery.

Volviendo a Dream Theater, en Octubre de 1998 se lanzó a la venta el primer álbum en vivo de la banda. Se trataría de un álbum doble, llamado «Once In a LiveTime«, un estupendo trabajo, que demuestra que el rendimiento en vivo de la banda es sobresaliente, aunque James LaBrie sufre más de la cuenta con ciertos tonos altos. Junto con ello, se lanzó un video recopilatorio de lo mejor de Dream después de la salida de Kevin Moore, llamado «Five Years In A LiveTime«.

Myung-Petrucci-LaBrie-Portnoy-RudessA comienzos de 1999, Derek Sherinian es despedido de Dream Theater, en una separación también amistosa. Mike Portnoy, a este respecto, señaló en un comunicado de prensa: «Con el estreno reciente de nuestro disco y video en vivo, nos pareció el momento adecuado para cerrar un capítulo y empezar uno nuevo … su reemplazo será Jordan Rudess, quien recientemente ha colaborado conmigo y John Petrucci en los proyectos de Liquid Tension Experiment«. Sherinian no perdería el tiempo y formaría Planet X, banda que mezcla lo progresivo con elementos modernos e incluso toques de jazz. Además, el año 2001 Sherinian visitó Chile, formando parte, junto a Doogie White (ex Rainbow), entre otros, de la banda que acompañó a Yngwie Malmsteen en sus recitales en nuestro país, mostando ser un tipo muy abierto y simpático con los fans. Y tal como señaló Portnoy, el reemplazante de Sherinian sería nuestro ya conocido Jordan Rudess, eximio y experimentado tecladista, diez años mayor que el resto de los integrantes de la banda (nació el 4 de Noviembre de 1956), quien cuenta en su currículum el haber tocado, como ya vimos, con Steve Morse en Dixie Dregs y con Rod Morgenstein en Rudess Morgenstein Project , con el guitarrista Vinnie Moore e incluso con David Bowie.

En este mismo año, al mismo tiempo en que la banda preparaba lo que sería el quinto trabajo en estudio de la banda, James LaBrie cantaba en su proyecto solista, Mullmuzzler, junto a Mike Keneally, Mike Mangini, Matt Guillory y Bryan Beller, en el disco «Keep It To Yourself«, un disco mucho más «sencillo» y quizás más fácilmente digerible que Dream Theater. Al menos, esa era la intención de LaBrie. Y además, Liquid Tension Experiment preparaba su «LTE 2«. Pero lo que Dream Theater estaba preparando era algo sencillamente majestuoso … Elektra Records, la compañía discográfica, le dio plena libertad a la banda, la cual no perdió el tiempo y durante 1999 preparó lo que a la larga se convertiría en uno de los más grandes discos conceptuales de la historia del rock, quizás el más grande después del mítico «Operation: Mindcrime» de Queensrÿche. La grabación comenzó el Lunes 8 de Febrero de 1999, en los Bear Tracks Studios de Suffen, Nueva York. Doug Oberkircher sería el ingeniero, el mismo de «Images And Words» y «A Change of Seasons». Todo lo que trataba fue guardado en un celoso secreto, incluso el título del disco, hasta que se declaró oficialmente que éste se titularía «Metropolis Part II: Scenes From a Memory«, y sería estrenado el 26 de Octubre de 1999, cambiando quizás para siempre la historia de esta banda. Este trabajo entra en la puerta grande de la historia del rock, no sólo por su solidez lírica (la historia de Nicholas y su hipnosis y consecuencial regresión a la vida de Victoria Page), sino por los 77 minutos de magia que consigue Dream Theater como «banda». Un sonido magistral, quizás hasta inigualable por ellos mismos. Es imposible destacar sólo dos o tres temas de este genial álbum, pero haciendo un esfuerzo, «Strange Deja Vu«, la impresionante «Fatal Tragedy» (que cuenta incluso con toques Power) o la intensísima «Home« brillan en este disco lleno de luces. A principios del año siguiente, con fines promocionales, es lanzado el single «Through Her Eyes«, que contiene, entre otras cosas, una versión en vivo de «Home» y un medley de temas antiguos, en vivo.

Metropolis2000El Lunes 8 de Noviembre de 1999 Dream Theater comenzó una pequeña gira, en Alemania, que serviría de introducción a la gira que conmemoraría los 15 años de la banda, denominada «Metropolis 2000«, la cual comenzaría el lunes 31 de Enero del 2000 en Phoenix, Arizona, Estados Unidos, con los Dixie Dregs, la ex banda de Jordan Rudess, como invitados. Luego de la gira por Estados Unidos, la banda se dirigió a Europa, a Corea y luego nuevamente a Europa. En Agosto del 2000, Dream Theater regresó para realizar una gira de verano por los EEUU, tocando con Spock’s Beard como invitados especiales, e incluso un par de recitales con Watchtower. Luego, el trabajólico quinteto volvió a Europa en Octubre, continuando su gira junto con Porcupine Tree como invitados especiales.

La banda tenía intenciones de lanzar a la venta su primer DVD. Ante ello, y con este objeto, el día 30 del mismo mes de Agosto la banda grabó el concierto efectuado en el Roseland Ballroom de Nueva York. Ello desembocaría en el lanzamiento de un Video / DVD que se llamaría «Scenes From New York«, que contiene el recital completo y cierto material adicional. Además, se sacaría a la venta un disco triple con el concierto de aquella noche grabado en su totalidad, que se llamaría «Live Scenes From New York«.

En este recital, en el que la banda ejecuta de forma íntegra su disco «Metropolis 2: Scenes From A Memory«, además de varios de sus clásicos, la banda juega con una puesta en escena realmente impresionante … de hecho, comienza con James LaBrie recostado en un diván en el medio del escenario, acompañado por un anciano que haces las veces de terapeuta, quien inicia la regresión de Nicholas, el protagonista de la historia de «Scenes From A Memory».

Además, durante todo el concierto, en una pantalla gigante muy similar a la que existe en el Festival de Viña, podemos observar imágenes alusivas a la historia de Nicholas, la muerte de Victoria Page o la disputa entre los hermanos Edward («The Miracle») y Julian Baynes («The Sleeper»), lo que resulta particularmente atractivo debido a la riqueza de las letras del mencionado disco. Además, otros puntos, como el notable nivel individual de cada uno de los músicos (prácticamente reproducen el disco sin fallas), o la inclusión de coros gospel, coadyuvan a que este disco en vivo sea uno de los mejores de los últimos tiempos, lo cual puede apreciarse especialmente al ver el video (o el DVD).

metropolis2portClaro que no todo fue una maravilla, debido a una trágica coincidencia: el disco iba a salir a la venta el 11 de Septiembre del año 2001, día en el cual se produjo el recordado atentado en contra del World Trade Center en Nueva York. Esto no pasaría de ser un dato anecdótico de no mediar por la carátula original del disco en vivo: se mostraba, encima del corazón encadenado (símbolo de Dream Theater en «Images And Words«, transformado en una manzana ardiente), una imagen del perfil de la ciudad de Nueva York (especialmente notorias son las Torres Gemelas) en llamas. Obviamente, y ante la susceptibilidad generada por el atentado, la banda debió reemplazar la portada del disco, introduciendo el sello de «Majesty» en dorado en vez de la imagen de Nueva York en llamas.

Los dos años siguientes a «Scenes From A Memory» fueron muy fructíferos en cuanto a proyectos paralelos. En el año 2000, además de los shows con Dream Theater, John Myung (junto a Derek Sherinian) sacaba su segundo disco con Platypus (banda que algún tiempo después cambiaría su nombre a The Jelly Jam), llamado «The Ice Cycles«; Jordan Rudess y John Petrucci no perdían el tiempo y lanzaban a fines de este año un álbum en vivo semi-acústico grabado en el Helen Hayes Performing Arts Center en Nyack, Nueva York, en Junio de aquél año, y que se titularía «An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess«. Pero quizás el proyecto paralelo más importante que ha existido en Dream Theater desde Liquid Tension Experiment sea el «supergrupo» TransAtlantic, en el cual, además de Mike Portnoy, participan Neal Morse (ex Spock’s Beard), Pete Trewavas (Marillion) and Roine Stolt (The Flower Kings), y cuyo primer trabajo, «Stolt Morse Portnoy Trewavas» (también conocido como «SMPTe») posee un sonido muy experimental y agradable, con reminiscencias que recuerdan incluso a Los Beatles.

jordanrudessYa en el año 2001, la banda comenzaría a trabajar en lo que sería su sexto trabajo en estudio. Pero antes de ello corresponde hablar de los proyectos paralelos que sus integrantes llevarían a cabo. James LaBrie se abocaría a su segundo disco con Mullmuzzler, llamado sencillamente «Mullmuzzler 2«, además de representar nada más ni nada menos que a Leonardo Da Vinci en «Leonardo, The Absolute Man«, disco compuesto por Trent Gardner (Magellan); TransAtlantic lanzaría su segundo trabajo en estudio, «Bridge Across Forever«, además de un disco doble en vivo, «Live In America» (donde incluso incluyen una versión de «Strawberry Fields Forever» de Los Beatles, y que incluye como guitarrista de «apoyo» a Daniel Gildenlow, de Pain Of Salvation); Rudess Morgenstein Project lanzaría un compilado con un tema inédito y varios temas grabados en vivo entre los años 1997 y 1999, denominado «The Official Bootleg«; Jordan Rudess, además, lanzaría como solista el disco «Feeding The Wheel«, en el que encontramos el aporte de connotados músicos como los ya mencionados Billy Sheehan y Steve Morse, entre otros.

Volviendo a Dream Theater, como anticipábamos, en Marzo del año 2001, la banda entró nuevamente a los estudios Bear Tracks de Nueva York, el cual seguiría el camino de «Metropolis 2: Scenes From A Memory«, debido a que, al igual que éste, sería autoproducido, y el ingeniero sería el mismo (Doug Oberkircher). Durante Junio y Julio de aquel año, Petrucci y Portnoy se tomarían un «break», pero -como ya es obvio- no para descansar, sino para formar parte de la gira «G3» junto a los eximios guitarristas Steve Vai y Joe Satriani. Terminada la gira, Petrucci y Portnoy volvieron a juntarse con el resto de la banda para afinar los últimos detalles del nuevo disco, cuyo título fue anunciado el 25 de Septiembre del mismo año: «Six Degrees Of Inner Turbulence«. Se trataría de un disco doble, que incluiría (en el segundo disco) el tema más largo de la historia de Dream Theater: 42 minutos. El disco fue lanzado a la venta a fines de Enero del año 2002, y quedó claro que estábamos ante un nuevo Dream Theater, quizás alcanzando menos luces que con su trabajo anterior, pero absolutamente consolidados como uno de los más grandes referentes del rock progresivo a nivel mundial, tendiendo a alejarse de las referencias a bandas como Queensrÿche o incluso Watchtower. Destacan en este corte la estupenda «The Glass Prison«, la sólida «The Great Debate» y, sobre todo, la majestuosidad del tema que da el nombre al disco, «Six Degrees Of Inner Turbulence«. Jordan Rudess narra en una entrevista el proceso de creación en el que se vieron inmersos: «Se hizo en dos partes. Para la primera parte disponíamos de un cierto plazo de tiempo en el estudio, el que empleamos para escribir y arreglar, pensar bien cada idea, dar a cada cosa su tiempo de desarrollo, y tras tres meses aproximadamente grabamos el contenido del primer disco. Nos miramos los unos a los otros, porque el resultado era un auténtico disco de Dream Theater, lleno de contenido. En ese momento llegamos a la conclusión de que podíamos escribir mucha más música, y así surgió el segundo disco y empezamos a escribir con energía, furiosamente. Creo que el disco nos captura escribiendo música de todas las formas en que lo hacemos: lento, melódico, rápido, improvisado … «. Un extensísimo tour, que duraría alrededor de un año (Enero a Noviembre), sería lo que vendría para la banda.

DT en escenario

En el mismo año 2002, Rudess sacaría a la venta otro disco como solista, titulado «4 NYC«, que incluye temas grabados en el Helen Hayes Performing Arts Center de Nyack, Nueva York, el 24 de Septiembre del 2001, y otros en estudio. Parte de los recursos generados con este disco irían para la Cruz Roja norteamericana. A este respecto, Rudess señaló: «Acabo de terminar un disco en solitario en el que colabora Dio. Se llama ‘4 NYC’ (For New York City) Es un álbum que se me ocurrió tras la tragedia del 11 de Septiembre. Ese es el concepto principal del álbum. La idea principal es que sea en beneficio de la Cruz Roja Americana. Es un homenaje a esta tragedia que ocurrió que afectó a todo el mundo. Tras esto voy a publicar en todo el mundo el año que viene un nuevo álbum … le hablé a mi esposa Danielle acerca de esto, y ella se dio cuenta que podríamos producir rápidamente el show. A través de Internet, la Cruz Roja norteamericana y algunos amigos, corrimos la voz rápidamente … una gran parte del show fue improvisada, toqué algunas canciones de Dream Theater y de Liquid Tension Experiment, e incluso hice una versión de ‘Mary Had a Little Lamb’, que me pidió mi hija Ariana cinco minutos antes del show«. Además, el año pasado se reeditó el disco «Speedway Blvd.«, de 1980, en el que Rudess participa protagónicamente. John Myung, mientras tanto, en el mes de Marzo, lanzaba junto a The Jelly Jam (ex Platypus) el disco homónimo «The Jelly Jam«.

Hoy en día, los músicos de la banda se encuentran inmersos en otros proyectos, sin descuidar a su banda matriz. John Petrucci se encuentra trabajando en su postergado primer disco como solista, junto a Dave LaRue (Dixie Dregs) en bajo, y Dave DiCenso en batería, y vive con su esposa, Rena, y sus tres hijos, SamiJo, Kiara y Reny, en Nueva York. Mike Portnoy (además de vivir con su esposa Marlene y sus hijos Melody y Max en Nueva York) acaba de lanzar el primer disco de su nuevo proyecto de «superbanda», junto a los connotados Kevin Moore (Chroma Key, ex Dream Theater) en teclados y Jim Matheos (Fates Warning) en guitarra, además de la participación como músico invitado de Sean Malone (Gordian Knot, ex Cynic), llamado O.S.I. («Office of Strategic Influence»). De acuerdo a las palabras de Portnoy, el disco «no es Fates Warning, no es Dream Theater ni es Chroma Key«. De este trabajo, titulado homónimamente, existe una versión de un CD y otra, limitada, de dos CDs, cuya segunda parte contiene, además de tres temas extra, una sección multimedia. James LaBrie y John Myung participaron en la segunda parte de Explorer’s Club, titulada «Raising The Mammoth«, junto a connotados músicos como Marty Friedman (ex Cacophony y Megadeth) y Trent Gardner (Magellan), entre otros. Además, James LaBrie fue entrevistado y aparece citado en muchas oportunidades en el libro «Pro Secrets Of Heavy Rock Singing», escrito por Bill Martin, y donde aparecen entrevistados de la talla de Bruce Dickinson, Tim ‘Ripper’ Owens, Angela Gossow (Arch Enemy) o Joe Lynn Turner, entre otros. Y Jordan Rudess, a fines del año pasado, lanzó otro CD, «Christmas Sky«, donde ejecuta improvisaciones basadas en conocidas melodías navideñas.

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De vuelta con la discografía, el séptimo compacto lanzado al mercado fue “Train of Thought” (2003) que, en general, es el trabajo más pesado hasta ahora sin dejar a un lado la línea progresiva característica de la banda; y en particular se escuchan menos melodías de guitarra, riffs potentes con distorsión y una voz que no proporciona mucha admiración. Mike Portnoy ejecuta la batería de manera impecable, mientras que el bajo da un sonido tan intenso como oscuro. Basta con escuchar el primer track, “As I Am” para deducir el tono del álbum. Posteriormente, se descubren pasajes técnicos de gran dificultad. Una de las partes más gloriosas de éste séptimo disco es la sección final de “This Dying Soul” en la que Petrucci y Rudess explotaron su habilidad veloz junto a la base sólida y constante de Mike y Myung.  “Honor Thy Father” ha sido fuertemente criticado por la inclusión de vocales rapeadas pero, de alguna manera, dan variedad al estilo de la banda. Es un tema referente a la vida de Portnoy, quien se destaca en la percusión (intro infernal).

dt10“Vacant” es un pequeño interludio de piano acompañado con apasionadas y pálidas melodías de LaBrie y arreglos nostálgicos de chelo, que además, es el preámbulo perfecto para la excelente obra instrumental “Stream of Consciousness” en la que cada instrumento juega un papel realmente increíble no por la técnica sino por las emociones que transmite. Este tema ha sido considerado en varias ocasiones como un tributo a la canción “Orion” de Metallica.

En temas como “Endless Sacrifice”, “This Dying Soul e “In The Name Of God”, se oyen interludios sumamente elaborados. La duración es larga ya que llevan una sucesión progresiva con una estructura un tanto comercial. Finalmente, en el interludio de «In The Name of God» se escuchan ritmos sincopados de Pornoy y Myung que dejan relucir las brillantes “psicofonías” de los miembros restantes.

Veinte años de una impresionante trayectoria su cumplen justo con la octava entrega de la banda, Octavarium (2005), que en definitiva, es un disco conceptual, pues cada parte del mismo gira alrededor de los intervalos musicales en la escala de Fa, elementos que están presentes subliminalmente. Este trabajo, continua con un interesante patron iniciado con “Six Degrees of Inner Turbulence” el cual es de seis temas, seguido de “Train of Thought” con siete tracks y Octavarium con ocho. Pero no son esos los únicos detalles: La primera pista empieza con la nota (fa) en la que termina “In the Name of God” del album anterior. La palabra Octavarium tiene como antecedente un libro del Vaticano denominado Octavarium Romanum, el cual fue mencionado por primera vez por Sixtus 5 y mencionado de nuevo por Clemente 8.

Como se puede observar, los números 5 y 8 aparecen en todo el album, apelando una octava de piano. El folleto también tiene características similares, por ejemplo, entre los ocho pendulos hay cinco aves. Así mismo, dichos péndulos representan cada canción y la nota en la que están afinadas. Como estos detalles hay una gran cantidad tanto en la música como en el arte impreso.

Esta vez es notorio el balance de los temas por individual ya que en cortes como “The Root of All Evil”, “Panic Attac” y Never Enough” el sonido es poderoso (sin tanta influencia de Metallica como en discos anteriores), no obstante las melodáss de la voz son más melancólicas de lo normal. Por otro lado, se escuchan influencias de rock progresivo clásico (Pink Floyd, Yes, entre otros) con rasgos alucinantes y destellos armónicos largos que se pueden apreciar en “The Answer Lies Within” y “Octavarium”, del que vale la pena subrayar que la música alude la idea de moverse en círculos y terminar en el principio (“we move in circles, this story ends where it began”), es decir, el último acorde es el mismo que inicia “The Root of All Evil” pero una octava más alta.

La polémica de este material se da con “I Walk Beside You”, con tendencia un tanto commercial, pues Portnoy aseguró no estar interesado en lo comercial después de que el album “Falling Into Infinity” decayó en la industria. Sin duda, este capítulo de Dream Theater simboliza su progresividad tanto en composición como en complejidad conceptual.

dt05Para celebrar el 20 aniversario de la banda y la gran carrera musical que han logrado estos virtuosos músicos, el 1 de abril del 2006 grabaron en la majestuosa sala Radio City Music Hall de Nueva York un dvd en vivo con un documental magnífico y un cd triple. Con Score, la banda proporciona un repertorio único, escoltada, por más de noventa minutos, por la Orquesta Octavarium para adornar las “magnum opus”. La orquesta se mantuvo oculta hasta la segunda parte del show. La calidad interpretativa de cada integrante es impecable, sin embargo, existe un deficit en ciertos detalles de la orquesta.  Otra de las sorpresas fue que el set incluía dos canciones inéditas: “Another Won” y “Raise the Knife”. A causa de ello, muchos de sus fans se manifestaron decepcionados debido a que esperaban escuchar más de los temas que los habían llevado a la cima y no sus primeras tonadas. Jordan Rudess realiza una excelente introducción de aproximadamente diez minutos con el continuum y su base giratoria en “Octavarium”.

También se puede admirar el sonido mejorado y afinado de LaBrie. No se puede hablar mucho sobre Dream Theater en esta jugada, ya que como ellos pronosticaban, éste seria uno de los grandes méritos de Dream Theater en escena, y así lo es, sin palabras.

Ahora bien, el noveno y más reciente lanzamiento de Dream Theater es Systematic Chaos (2007), repleto de distintos tipos de sonido: tan pesados como “The Dark Etnernal Night” hasta melódicos como “The Ministry of Lost Souls”. La velocidad es bastante variable y el promedio de duración de los temas es de diez minutos. El compacto empieza con una buena combinación de bajo, batería y guitarra que dan paso al teclado de Ruddes, quien se percibe mejor integrado en la banda y su interpretación se adapta muy bien al enfoque del disco. En “Forsaken” se escuchan suaves melodias entregadas por LaBrie, las clásicas pero espléndidas frases de Petrucci, un bajo con sonido profundo y el teclado con tonos escalofriantes debido a que la trama es sobre un hombre enamorado de una vampiresa.

dt06“Constant Motion” y “The Dark Eternal Night” son los cortes más pesados de Systematic Chaos. La estructura de “Constant Motion” y sus riffs fáciles de recordar dan la impresión de comercialidad. Para “The Dark Eternal Night” han habido diferentes críticas: algunas personas consideran que tiene una tonalidad demasiado nu-metalera y otras critican el efecto usado en la voz de Portnoy. Este trabajo tiene muchas memorias del pasado, tal como “Repentance” que es continuación de los pasos de Portnoy contra el alcoholimso. El teclado acentúa el sonido de la guitarra mientras que el bajo es misterioso e intenso. Esta canción apunta a varias ifluencias como el album Damnation de Opeth, Pink Floyd y/o Porcupine Tree.

Algunos fans afortunados tuvieron la oportunidad de cantar la tonada de guerra en medio y al final de “Prophets of War” la cual es una ilustración de la Guerra en Irak con notables influencias de la banda inglesa Muse. Se debe enfatizar que la entrega vocal de LaBrie es asombrosa. Las últimas dos canciones, “The Ministry of Lost Souls” e “In the Presence of Enemies Pt. 2”, son las más largas. La primera de las últimas es de carácter épico, y recuerda un poco la ya conocida “Sacrified Sons”. Petrucci se luce en el solo de la última canción con notas rápidas y llamativas. El dramatismo de la misma es muy bien concedido por Rudess, quien toma mayor protagonismo en la parte instrumental. Sin duda, una buena elección para finalizar su novena obra. En fin, Systematic Chaos es a todas luces una obra de ficción contextualizada en diferentes historias oscuras e infernales que dan una sensación de melancolía, tristeza y hasta cierto punto depresión tanto por el sonido de la música como por el tipo de letras.

Tal y como se ha comprobado, Dream Theater es una banda que no le tiene miedo a los cambios ya que cada álbum es diferente pero mantiene en sí la identidad misma de la banda, con lo que demuestran que con cada trabajo su habilidad técnica aumenta, mejora y principalmente, progresa. No por nada han sido valorados como la esencia del género o bien, los máximos exponentes del metal progresivo.

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sigue…

¿curioso por lo que sigue?…

DREAM THEATER - el cineOk, aquí está una imagen, a lo menos curiosa…
el «verdadero» Dream Theater.

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Enigma, banda formada a principio de los noventa en nuestro país, fue una de las pocas agrupaciones, al menos con repercusión, que se atrevió en aquellos años a hacer del Heavy Metal su estilo principal, en una escena dominada por géneros más extremos como el Thrash y el Death, principalmente. Luego de algunos demos que tuvieron bastante aceptación en el medio, grabaron en 1995 el EP Espacios Vacíos, que junto al Demo de Inquisición, se convirtieron en los trabajos más exitosos relacionados con el Heavy Metal en esos años, rotando continuamente en los pocos programas radiales que se dedicaban a dar espacio al metal dentro de su programación. Posteriormente, en el año 1997, la banda graba su larga duración  Voces Disidentes, transformándose rápidamente en otro hito dentro de la historia de Enigma. Sin embargo, con el paso del tiempo, la banda, si bien no cesó sus actividades, se sumió en un período de letargo, su nombre dejo de sonar fuerte como lo había hecho hasta el momento y muchos, incluyéndome, pensamos que Enigma había dejado de existir. Esto hasta hace muy poco tiempo, momento en que recibimos la noticia que Enigma se aprestaba a grabar un nuevo disco.

PM: Primero, y para todos quienes no conocen la banda, cuéntanos un poco de su historia y quienes la conforman actualmente.

Hola, la banda nace en 1990, tenemos 2 demos, 1 ep y un LP. En marzo de 2008 grabaremos el nuevo disco Laberinto. Más detalles de la historia en www.enigmachile.cl.

* Cristián Galaz: Voces
* Alvaro Paci: Guitarras
* Sebastián Bello: Bajo
* José Antonio Vásquez: Batería

PM: La verdad es que luego de la edición de Voces Disidentes que incluía el EP Espacios Vacíos muchos le perdimos la pista a la banda. Eso prácticamente hasta ahora. ¿Por qué tanto tiempo de inactividad?

Coincidió con la etapa en que la gente se casa, empieza a trabajar, tomas más responsabilidades, etc. En todo caso, jamás dejamos de tocar, ensayar o componer.

PM: Siendo Enigma una banda de Heavy Metal, tanto en el disco Voces Disidentes como en el EP Espacios Vacíos, que, vale mencionar son los trabajos que poseo de la banda, hay claras influencias más ligadas al thrash o speed metal en algunos de los temas. Cuéntanos, ¿Qué podemos esperar de un próximo trabajo de la banda?

La esencia se mantiene. En estos años nos hemos acercado además al sonido de bandas más progresivas como Dream Theater o Angra.

PM: Pregunta obligada, ¿Qué pasó con Leonardo? ¿No quiso formar parte de esta nueva encarnación o simplemente sus actuales obligaciones se lo impiden?

Leonardo Corbalán (“Lobito” para nosotros) volvió al grupo en el año 2001 y nos acompañó hasta el año pasado. Su aporte fue fundamental en todo sentido y quedan estrechos lazos de amistad. Su partida se relaciona con asuntos personales que no corresponde comentar en entrevistas.

PM: En la parte lírica, tanto en Voces Disidentes como en Espacios Vacíos hay fuertes y muy explícitas críticas religiosas y para quienes la conforman. Sabido es también que el actual medio para el cual trabaja Alvaro acostumbra a sacar de la palestra a quienes van en contra de lo que profesa dicha entidad. ¿Debemos esperar un cambio profundo en las letras de Enigma ahora que Alvaro trabaja para el canal del angelito o es algo que no afectará el trabajo del grupo? ¿Se mantienen las letras en español cierto?

Las letras del grupo mantienen sus temáticas tradicionales: Una mirada reflexiva y crítica sobre la sociedad, sus instituciones y la existencia humana. Los trabajos formales y sus líneas editoriales no influyen para nada en la creación artística. En síntesis, la esencia de Enigma se mantiene incólume y las letras, por cierto, seguirán siendo en español.

PM: Volvamos a lo musical, me imagino que en todos estos años si bien no han formado parte activa de la “escena nacional” no han estado ajenos a ella. ¿Qué opinan de la actual movida de bandas Heavy Metal en Chile? En el tiempo que Uds. irrumpieron eran muy pocos los grupos que practicaban este estilo con algún grado de éxito.

Que el heavy metal brote por todas partes siempre será una buena noticia. Hay bandas interesantes y esperamos encontrarnos con ellas y las nuevas generaciones.

PM: En el plano internacional, ¿que bandas y/o discos están escuchando actualmente?

Los clásicos: Iron Maiden, Helloween, Accept, Judas Priest, King Diamond, Malmsteen, Satriani, Rush, Van Halen. De los “más nuevos” Dream Theater, Angra, Primal Fear, Death, Annihilator, Atheist. Metallica (hasta el álbum negro), Megadeth, Slayer, además de Arjen lucanssen, los 3 Genius de Liverani

PM: Respecto a la nueva voz de la banda, Cristián Galaz. La verdad me parece no haber escuchado nada de él con anterioridad a esta entrevista. ¿Eso es efectivo o existe algún registro oficial que desconozca?

Ha sido parte fundamental de la puesta en escena de “Jesucristo metalstar” y ha participado en bandas tributo a Helloween.

PM: En relación con la voz, ¿Se mantiene el estilo vocal mostrado en Voces Disidentes o no existe similitud alguna con Leonardo? Algún parecido en cuanto a voz o estilo con algún vocalista en particular como para hacerse una idea.

Se mantiene. Cristián es un tremendo vocalista, muy versátil, talentoso y con un gran registro. Se adaptó rápidamente al estilo de Enigma, aportando elementos nuevos.

PM: ¿Cuales son los planes inmediatos de la banda? ¿Qué podemos esperar de Enigma en el corto plazo?

Disco en el primer semestre y un nutrido calendario de tocatas en Santiago y regiones. Estamos armando la gira de soporte tras el lanzamiento de Laberinto. Y ojalá grabar de nuevo en 2009. Hay una enorme cantidad de temas y tenemos que ponernos al día.

PM: Bueno, muchas gracias por su tiempo y por favor, envíen un saludo a todos quienes estaban esperando tener noticias de la banda y en general para todos quienes lean estas líneas.

Un abrazo a todos, especialmente a los amigos que nos siguen en Chiloé, Puerto Montt, Copiapó, Valparaíso, Temuco, Antofagasta y Santiago. Gracias por la entrevista.