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Witchblade – MMVI

Cinco años han transcurrido desde el lanzamiento de “I”, el primer larga duración del quinteto santiaguino, formado actualmente por su líder, Freddy Alexis, en voces -único integrante de Witchblade que ha participado en ambos discos-; Felipe Vuletich, en bajo y backing vocals; Matías Vidal en guitarras y backing vocals; Juan Pablo Hermosilla en batería y backing vocals; y Marcelo Aguiló, como tecladista invitado. Tras “Interlude”, EP lanzado el año 2003, Witchblade fue concibiendo y madurando los temas que componen este larga duración.

Lo primero que llama la atención es encontrarnos frente a un arte de tapa bastante discreto, poco sugerente, e incluso demasiado parecido al de “I” -prácticamente sólo se cambia el logo y se incluyen caracteres numéricos a lo Matrix-, que lamentablemente no invita a escuchar el disco. Al menos, este trabajo no entra por la vista, hecho que puede ser un detalle, pero a la larga no resulta menor, y que por lo demás resulta eminentemente subsanable en lo venidero.

Sin embargo, en cuanto a lo estrictamente imprescindible, la música, el disco mejora bastante esta primera impresión “visual”. Un sonido que, si bien no es internacional, afortunadamente carece de esos notorios baches que lamentablemente caracterizan a varios trabajos nacionales -situación que evidentemente no es responsabilidad de los músicos, en lo absoluto-, lo cual inmediatamente lo sitúa en otro estándar. Encontramos, entonces, un sonido que invita a creer que en Chile pueden hacerse bien las cosas.

La intro War Is Coming -que sin ser muy brillante, cumple su función a cabalidad- nos conecta con Metalizer, el primer tema del disco. Es inevitable hacer comparaciones con Judas Priest, y me parece legítimo que se intente, por momentos, emular el estilo de una de las más grandes bandas de la historia. Quizás pueda criticarse que Metalizer intente ser una suerte de “Painkiller” criollo -y por lo demás, hay un montón de bandas foráneas que tienden incluso a “calcar” el sonido de los más grandes, pero siempre terminamos criticando a las nacionales…-, pero en mi concepto Witchblade lo hace bastante bien, particularmente en este corte, bien concebido y estructurado y que en vivo debería funcionar bastante bien. Ello, sin perjuicio de que los agudos de Freddy no me resultan agradables del todo, aunque hay que destacar que se encuentran muy bien trabajados. En suma, un inicio de disco que cumple totalmente con el objetivo de enganchar y provocar ganas de seguir escuchando este trabajo.

Old Gods In A New Cosmos, tema concebido como homenaje al gran Howard Phillips Lovecraft, apunta a un componente más powermetalero alemán, aunque bajando un poco la intensidad del disco. De todas maneras, cuenta con cambios de ritmo interesantes y un par de riffs bastante sólidos.

La prescindible instrumental The Statement da inicio al que quizás sea el mejor tema del disco, Back On The Streets (no es la de Helloween). Un corte que, a pesar de que las voces del coro no suenan lo suficientemente bien -quizás falta un poco de volumen-, muestra a una banda sólida y con un mensaje musical contundente. Llama la atención el cambio de ritmo y el solo de guitarra, el que sin ser pretencioso, posee ciertos guiños de música clásica bastante bien logrados.

Lone Star viene a marcar un punto de inflexión en este trabajo. Se trata de una balada bastante bonita y que llama la atención en Witchblade, una banda que califica más bien de la onda más “callejera” del Heavy Metal. Creo, de todas formas, que sin la sobreexigencia de su voz que hace Freddy y priorizando más el piano (excelente) por sobre el teclado (un poco recargado y con momentos innecesarios), el tema habría sido mejor. De todas maneras, es un tema bastante llamativo, bonito, con buenos arreglos, y que, a pesar de lo que pueda pensarse, resulta engranar con el resto de la maquinaria más metálica.

Con On The Road se retorna al Heavy Metal Priestiano, sin grandes aspavientos y utilizando la sencillez como bandera de lucha, lo que al menos a quien suscribe estas líneas le parece bastante agradable. Sólidos riffs y precisos solos caracterizan a este corte, en el cual la banda suena bastante compacta y hacen sentir que llevan bastante tiempo tocando juntos, hecho bastante meritorio considerando los múltiples cambios de alineación que ha vivido Witchblade desde el principio de su carrera.

El bajo da inicio a la segunda instrumental del disco, Surround In Your Space. Si bien no es un mal tema, me parece bastante innecesario, y creo que un factor importante para evaluar bien un tema instrumental es no provocar en el oyente esa continua sensación de “¿y cúando entra la voz?”, sensación que este tema produce, y bastante. Un experimento que pudo ser obviado.

No fue una decisión acertada en ubicar The Beat Of Our Love -la segunda balada del disco- tras el instrumental anterior, produciéndose un inevitable quiebre difícil de digerir. Se trata de un tema más en la onda de powerballad, con toques de guitarra acústica y con un buen trabajo vocal, y contra el cual quizás conspire su ubicación en el álbum.

Manu Tara, último tema “propiamente tal” del disco, reivindica bastante lo hecho en los dos temas anteriores. De partida, destacan las letras, dedicadas a Isla de Pascua y todo lo que ello conlleva; pero más allá de ello, muestran un Heavy/Power Metal bastante bien elaborado, con un bajo que llama poderosamente la atención, un excelente trabajo de guitarras y muy buenos cambios de ritmo. Un tema que a la larga convence.

Antes del final del disco nos encontramos con un curioso cover, de Hot Stuff, clásico de la música disco ochentera -incluso setentera-, interpretado originalmente por Donna Summer. Siempre me ha resultado simpático y entretenido que haya bandas que se atrevan a salirse de los moldes en cuanto a los covers -con Helloween haciendo “Lay All Your Love On Me” de ABBA o Gamma Ray con “It’s a Sin” de Pet Shop Boys, entre muchos otros-, y que se atrevan a experimentar con versiones de temas no convencionalmente “covereables”, y que nos recuerden que a la larga la música está más allá de varios dogmas y que a la larga, también tiene que servir para pasarlo bien, más allá de que los covers sean buenos o no. Quizás algún día veamos alguna versión metalera épica de la “Cueca del Guatón Loyola” o algo por el estilo…

El disco concluye con el outro 1879, llamativa pieza instrumental que cuenta con narraciones que hablan de dos países hermanos en guerra. Interesante idea, pero quizás habría sido mejor plasmarla en un tema propiamente tal, y no como un outro, además tan largo.

A pesar de ciertas inconsistencias, “MMVI” resulta ser un trabajo bastante maduro e interesante. Si bien este trabajo no tiene demasiados puntos altos, lejos de aburrir -es más, hace que el tiempo pase rápido-, provoca una sensación agradable, más aun al pensar que se trata de una banda nacional. Es de esperar que Witchblade pueda consolidar una alineación tras los sucesivos quiebres que lamentablemente los han caracterizado, estabilidad que seguramente los llevará a caminar de manera más rápida y sólida por los caminos del buen heavy metal.

Secret Sphere – A Time Never Come

El secreto de la esfera comienza a revelarse… Lentamente, con un año de atraso, pero comienza a visualizarse la verdadera proyección de esta joven banda perteneciente al movimiento conocido a esa altura como NWOIHM -New Wave of Italian Heavy Metal-, contrapartida mediterránea de la NWOBHM. Por supuesto que Secret Sphere no es el grupo que da inicio a esta invasión peninsular, y seguramente no será el último, pero, si sigue por la senda que está trazando, es muy posible que termine siendo uno de sus mejores exponentes. Y es que los itálicos nos dan a conocer en su segunda entrega completa, A Time Never Come, la validez de su propuesta, la vigencia del estilo que representan y, lo más importante, las proyecciones de esta invasión musical, lo cual, habla muy bien no sólo de este sexteto, sino también de la corriente italiana en general.

Tal como puede inferirse de su nombre, Secret Sphere, los integrantes de este conjunto guardan un secreto, un enigma que no entregaron totalmente en su primer CD, Mistress of the Shadowlight; sin embargo, en su último trabajo conocido, no sólo demuestran que son poseedores de una faceta no mostrada hasta ahora por las demás agrupaciones provenientes de la “bota”, sino que poseen los argumentos musicales necesarios para develarla y hacer de ella una leyenda. Y este misterio es simple, tal vez demasiado, y por eso pasa desapercibido por muchos seguidores del género: la unión de dos estilos musicales que durante mucho tiempo han parecido ser absolutamente antagónicos… El power metal europeo con el hard rock norteamericano. Los miembros de Secret Sphere no ocultan sus influencias musicales, reconociéndose admiradores de bandas tan diferentes como Helloween, Kiss, Alice Cooper y Guns ‘n’ Roses, lo cual se refleja, especialmente, en su última placa.

Y no sólo en su música. Basta mirar el booklet que viene en el CD y nos podremos dar cuenta, entre otras cosas, que los interpretes de Gate of Wisdom y los restantes 11 temas del disco, divididos en 2 canciones independientes (Gate of Wisdom / Legend) y 4 capítulos, también reflejan sus raíces en el look. Están muy lejos del aspecto místico, poderoso… de guerrero épico. Por el contrario; sus vestimentas, el estilo de la fotografía, su apariencia en general, es más bien andrógena, algo que no corresponde al power metal, sino que nos trae de regreso a la memoria la estampa que establecieron Alice Cooper, Kiss y otras agrupaciones americanas.

A pesar de lo anterior, A Time Never Comes, no está exento de algunas muletillas importantes del power metal, comenzando con una intro de apenas 40 segundos titulada Gate of Wisdom, la cual, sin embargo, está muy bien mezclada con la hermosa introducción del magnífico Legend. Un solitario piano llena el ambiente durante unos instantes, antes de que se unan a él las poderosas guitarras y los envolventes teclados electrónicos que dan fuerza a un tema melódico, lleno de energía, de cortes bruscos y compases calmados, que le dan los matices necesarios a una canción que, sino tuviese estos breves descansos, se transformaría en una verdadera aplanadora musical. Este corte, ratifica las creencias musicales de la banda, ya que la forma en que están mezclados el piano y las guitarras, nos recuerda a November Rain de Guns ‘n’ Roses, uniendo la sutileza y la suave armonía del piano con la estridencia de una bien ecualizada guitarra eléctrica.

El primer capítulo del concepto desarrollado en este trabajo, se compone de dos partes; la primera, es la poderosa Under the Flag Of Mary Dead y la segunda; la arrolladora The Brave. Ambas dejan en claro que la principal fortaleza de los seis músicos es la melodía. Los demás recursos técnicos y musicales usados, son formas de expresarla, elementos que la acompañan y la hacen llevarnos a un mundo mágico, hasta los confines más profundos de un extenso universo azotado por torbellinos de ritmos casi infernales, mareadores y agotadores hasta la saciedad.

Las primeras notas de Emotions, reflejan en sí mismas el significado del título. Los vientos del saxo que acompañan a la guitarra, son el marco preciso para la voz que nos relata los sueños más profundos de una mágica esfera y cómo una banda llamada Secret Sphere, trata de entregarnos un pasaje hacia un mundo de fantasía, ilusiones y sueños, que estarían escondidos en nuestra propia alma. Así comienza el segundo capítulo, compuesto además, por Oblivion, Lady of Silence y The Mistery of Love. El primer componente de esta trilogía ratifica la fuerza y la actitud del conjunto. Lady of Silence, la segunda pieza, es a mi gusto, uno de los puntos más altos del disco (junto con Legend). Una estructura compleja, pero fácil de seguir, coherente con las raíces y la propuesta musical de Messina, Lonobile y compañía. Una pieza que adornada con algunos elementos étnicos, la hacen ser representante perfecta del concepto épico que existe detrás del mundo de emociones y pasiones que nos quiere entregar cada surco del álbum.

La parte final de la trilogía, The Mistery of Love, es un obra maestra. Si alguien dudó de las influencias del grupo, esta balada robada al pasado y traída al presente para hechizarnos con sus guitarras y teclados, despejará cualquier asomo de incertidumbre. Motley Crue, Alice Cooper, Kiss, Scorpions y otros pudieron haber hecho suya esta melodía en los años 80 y creo que hasta hoy la recordaríamos como un “temazo”. En este punto, Secret Sphere nos demuestra que el metal, el rock pesado o el power metal, pueden convivir perfectamente, que se pueden alimentar y nutrir el uno del otro y que la aparición de nuevos estilos no implica la desaparición de sus antecesores.

El tercer capítulo incluye una composición de Nicolo Paganini, interpretada de forma impecable por estos hijos del metal romano. Al terminar la “pesadilla de Paganini” (Paganini’s Nightmare) los acordes de Hamlin nos traen de regreso al presente, terminando el viaje al pasado que iniciaramos con The Mistery of love. Una excelente muestra de la calidad que le augura a esta agrupación una de las proyecciones más grandes dentro de la corriente musical que representan.

Cerrando la obra, con el cuarto capítulo, un breve prólogo llamado Ascensión, nos da la pauta para el tema final de esta fantasía épica/sicológica, titulado simplemente, Dr. Faustus. Es el punto en que confluyen con mayor fuerza los estilos americanos y europeos, con algunas pinceladas de los ambientes de pesadilla que nos entregaba Alice Cooper, especialmente en sus primeros años. Un final que deja abierta las puertas a una nueva saga musical, a la posibilidad de ver estampados en un nuevo disco, los sueños y las visiones de esta banda italiana que, ojalá, tenga dentro de sus planes el visitar nuestras tierras en algún momento y poder disfrutar en vivo de toda la energía, la magia, la fuerza y la impecabilidad de la interpretación de la que hacen gala en este segundo album.

Tierra Santa – Sangre de Reyes

La madre patria vuelve a sorprendernos. Podemos señalar con propiedad que el 2001 fue un año prolífico para España en lo que a heavy metal se refiere. Mago de Oz y su espectacular “Finisterra”, Avalanch y su “Ángel caído” y Ankhara con su disco homónimo son una buena muestra de este recambio generacional en la escena hispana, que en estos momentos es mucho más que Ángeles del Infierno o Barón Rojo, bandas señeras de la movida peninsular.

Dentro de este contexto, Tierra Santa nos presenta un disco notable. Con un recorrido que le dan sus más de cinco años de trayectoria, esta banda española nos muestra lo mejor de su carrera, con su particular estilo que los ha llevado a ganarse el título de los Iron Maiden españoles. La obra que nos convoca es Sangre de Reyes, su cuarto disco.

Una suave introducción en piano y órgano, al que paulatinamente se le van agregando bajo y guitarra, en una onda inevitablemente doncellezca, dan paso a su primera descarga épica: David y el Gigante basada, claro está en la historia de David y Goliat y nos dan una primera señal de lo que será este disco: grandes coros, letras sencillas pero llenas de historia, poder y leyenda.

El segundo corte del disco, La Ciudad Secreta, comienza con una introducción que recuerda los primeros momentos del heavy metal europeo de comienzos de los ’80, con un buen (aunque no deslumbrante) trabajo vocal de Arturo.

El disco sigue con Pegazo, un tema de velocidad imparable, con un poderoso riff y estrofa, similar (nuevamente) a Maiden, de la época del Powerslave. A esta altura no hay duda que estamos en presencia de un trabajo con esencia de clásico. Notable trabajo de la dupla de guitarristas Arturo (que también canta y Ángel

Juana de Arco, es otro tema excelentemente logrado, más suave, pero no por ello menos poderoso, donde, por lo demás estamos en presencia de letras con contenido histórico, alejándose de los típicos lugares comunes en que suelen caer este tipo de bandas últimamente, llámese castillos encantados, dragones o princesas, lo que si bien no está mal, ya que la imaginación da para mucho, a la larga se hace repetitivo y monotemático. Sin duda otro temazo con un coro desbordante de pasión, que quedará, sin duda, grabado en tu inconsciente.

Y la sucesión de temas de gran factura no cesa, La Sombra de la Bestia, es quizás el tema más comercial del disco, con estampa de sinle, pero que sin embargo atrapa.

Dos Vidas sigue y da una pausa, un tema lento, bello y bastante agradable al oído ya que no es de las típicas “power ballads” bastante aburridas en su mayoría. Un agradable respiro que sin embargo tiene su fin. La Armada Invencible es otro de los puntos altos del disco un tema rapidísimo con un extraordinario trabajo armónico de las guitarras. Notable.

A esta altura del disco podemos notar que Tierra Santa es una gran banda, que si bien no está dentro de lo que se puede llamar “banda virtuosa” es bastante compacta. Ningún integrante sobresale, sin embargo cuentan con un gran sentido de “banda” donde todos destacan, pero a la vez nadie brilla, todo en su justa medida, lo que lo hace sonar afiatado.

El Laberinto del Minotauro, un tema más tranquilo, que nuevamente muestra la grandeza lírica de Tierra Santa apelando a leyendas e historias da paso a lo que según mi parecer es el tema más bajo del disco, El Amor de mi Vida, una típica balada melosa, que no aporta mucho al disco y que perfectamente pudo ser obviada ya que no sobresale ni musical ni líricamente, bastante más pobre que el resto del disco.

Pero el cierre del disco es notable. Tanto Mi Tierra como Sangre de Reyes son temas excepcionales, de gran factura, que demuestran que Tierra Santa está en un gran momento de su carrera con su característico estilo que los ha llevado a salir de sus fronteras a pesar del límite natural del idioma.

En suma, un disco fantástico, que indica que las cosas simples son más efectivas que efectistas. Tierra Santa no apela a recursos manidos, a parafernalia musical. Es directo, al grano, y eso se valora y a la larga da frutos, como éste, sin duda el mejor trabajo de la carrera de Tierra Santa

Silent Force – Infatuator

Lo primero que uno puede esperar (y pedir) de una banda germana, por más que sea poco conocida, es que las guitarras se escuchen fuertes y poderosas. Y en ese aspecto, hemos escuchado los últimos trabajos de bandas germanas con ya años de circo como Primal Fear, Iron Savior o Rage, donde esa máxima se cumple fielmente. Y Silent Force, banda germana compuesta por DC Cooper en las voces, Alexander Beyrodt en las guitarras, Jürgen Steinmetz en el bajo, Torsten Röhre en los teclados y Andre Hilgers en la batería, cumple con ello a cabalidad. En este, su segundo trabajo (el primero es “The Empire Of Future”, del año 2000), demuestran poseer pasta para ser un nuevo integrante (o al menos postulante aventajado) de la “Escuela Painkiller”, respecto de la cual hemos hecho referencia en otras oportunidades. Un sonido poderoso, con toques incluso -por momentos- “callejeros”, además de un buen sonido, buenos músicos y actitud metalera, hacen de este trabajo algo a considerar positivamente.

El disco comienza con el tema que le da el nombre, “Infatuator”, que posee un comienzo muy Judas Priest, una vocalización que intenta ser muy halfordiana -en especial en los tonos altos- por parte de Cooper (lográndolo en gran parte) y, sin dudas, posee el aspecto al cual hacíamos referencia al comienzo de esta revisión: un sonido protagónico de la guitarra de Beyrodt por sobre el teclado, el cual tiene una participación más que nada de acompañamiento y apoyo. Un excelente solo de Beyrodt (sin abusar del virtuosismo, pero mostrando talento) y un pegajoso y agresivo coro lo convierten en un excelente corte (a pesar de su final demasiado “Painkiller”, que la hace pecar de poco original). El poder de la guitarra continúa con “Fall Into Oblivion”, que además muestra un mayor protagonismo del teclado de Röhre -en especial en la parte del solo, gran momento- y una vocalización más grave por parte de Cooper, que demuestra manejo y versatilidad. Con una buena cantidad de matices y sobre todo sin abusar del virtuosismo, es un muy buen tema. En “Hear Me Calling (Death By Fascination)” Silent Force deja de lado la descarga de velocidad, con la gracia de que lo hacen sin perder fuerza en su “mensaje” musical. Cooper demuestra un gran dominio y “cancha” en los tonos más graves, lo que lo convierte en un potencial muy buen vocalista en vivo. Con “Promised Land”, Silent Force demuestra una excelente capacidad de complementar y armonizar ritmos “midtempo” con velocidades stratováricas, y un coro a la velocidad de la luz y muy melódico. El siguiente tema, “We Must Use The Power”, muestra sonidos similares por momentos a los suecos de Falconer, interesantes armonías vocales y letras de “terapia de grupo” automotivante (“…we must use the power, help man to survive…”), muy acordes con el desarrollo musical de este corte.

El gran problema de este disco lo constituye el cover de “All Guns Blazing” de Judas Priest. No porque sea malo (tampoco es extraordinario), de hecho tiene momentos interesantes y muy bien ejecutados … pero está absolutamente de más, y de hecho le quita originalidad a este trabajo. Como bonus track habría estado perfecta, pero no en la mitad del disco. A continuación viene una trilogía (respecto de la cual aun no encuentro el punto de unión) cuya primera parte es “Cena Libera”, pequeña intro instrumental un poco inspirada en John Williams, compuesto por el gran Victor Smolski, el “Zar de las Seis Cuerdas”, guitarrista de Rage y versátil músico, y ejecutada por la Orquesta Bielorrusa de la Radio y Televisión Estatal. La segunda parte es “Gladiator”, inspirada en la película homónima protagonizada por Russell Crowe, que posee interesantes momentos, y basa su andamiaje en un sonido muy en la onda del disco “Resurrection” de Halford, pero con variantes propias de esta banda, como quiebres en momentos precisos, y cambios de ritmo en los coros. La “Trilogía” termina con “The Blade”, uno de los mejores temas del disco, en una onda muy melódica (un fantástico riff para iniciar el tema), mezclando garra y buen ritmo con sutiles toques de piano. El siguiente tema, “Last Time”, sigue un camino un poco más lento, y sus guitarras son un poco más pesadas (sin dejar de lado las buenas melodías), llevándose el peso de la canción, todo ello mezclado con armónicos coros, que constituyen una dominante característica a lo largo de este trabajo. “World Aflame” continúa en la onda del tema anterior, aunque cuenta con un poco más de energía (especialmente en el coro), un muy buen trabajo de la batería y excelentes intervenciones del teclado (muy buen solo). Ya llegando al final del disco, Silent Force sorprende con una bonita, común y silvestre balada, “In Your Arms”, que cuenta con la excelente participación secundaria en las voces de Inka Auhagen. Es bonita, pero no pasará a la historia ni mucho menos. El disco concluye con “Northern Lights”, un pequeño outro en guitarra acústica que, si bien está un poco de más, muestra la calidad de Alexander Beyrodt en las seis cuerdas.

En definitiva, un disco muy agradable. Sin abusar del virtuosismo, Silent Force es capaz de demostrar talento, tanto en la composición como en la ejecución misma de los temas. Es de esperar que esta banda continúe en la senda que promete, y pueda transformarse, con el paso de los años, en un alto referente del power metal alemán.

Rhapsody – Rain Of A Thousand Flames

Equipo de música listo…..CD ingresado, ambiente perfecto, presiono “play” para escuchar por primera vez el nuevo trabajo de Rhapsody y qué paso??? Qué onda? De repente me encuentro como si hubiera vuelto de un viaje astral de millones de años y habían pasado sólo algo más de 40 minutos…. ya había terminado el disco, y la verdad es que no recordaba melodías (salvo las notas de la magnánima obra de Dvorak “Sinfonía del Nuevo Mundo”) sino más bien emociones y visiones de la batalla descrita que se estaba librando….este trabajo es del tipo de mis favoritos, es decir, de los que son más que música….la descripción de batallas épicas es tan antigua como la música misma…y en el metal ha encontrado el arquetipo perfecto en estos tiempos…

Este EP es como una Ópera Magna…los temas son más que himnos powermetal (aunque algunos coros tienen esta estructura), porque tanto la métrica como la composición son muy clásicas (de música clásica)….cómo me gustaría saber cuál sería la opinión de Wagner, Dvorak u otro de los maestros sobre el gran powermetal sinfónico…en fin……si alguien les dice a alguno de Uds que el powermetal no usa bien la métrica por favor pónganle 30 segundos de cualquier parte de este EP……

El viaje épico con el que comienza este nuevo relato de la saga de Algalord es con una agresiva, potente y ultra guerrera “RAIN OF A THOUSAND FLAMES” tema que consta de la clásica intro operática con voces femeninas (lo que le da un toque muy especial), para luego pasar al infierno del campo de batalla, perfectamente representado por el doble bombo de Alex Holzwarth, quien patea las semifusas a la velocidad infernal de los bateros de black metal…..por otra parte tenemos a un Fabio Lione que destaca notablemente en las voces claras y desgarradas….es importante mencionar que se presentan interesantes matices en las líneas vocales durante todo el disco. Luca Turilli hace unos interesantes solos, aunque no es lo mejor de la canción porque en los temas sinfónicos destaca el todo sobre las partes….Alex Staropoli da un matiz interesante en los sonidos de los teclados…poniéndole mística y a veces un toque de música de película de cine…

Ahora viene una muy breve “Deadly Omen”, que no es más que un puñado de hermosas notas y acordes de piano y violines sintetizados……es sólo el preámbulo para la muy operática “Queen of the Dark Horizons” …..extenso tema de más de 13 minutos, muy rico en recursos de toda especie, pero creo que a veces se nota la falta de presencia de la guitarra de Luca (me hubiera gustado escuchar más partes pesadas), es mi única crítica…hay voces femeninas fuertes estilo Carmina Burana (al comienzo) y también suaves que siguen líneas muy melódicas y hermosas, contrarrestando la oscuridad que transmiten las líricas que son muy interesantes…..Lione muestra mucha emotividad en las voces, pero como que le falta hasta ese momento al tema un toque más metalero….la aparición del quiebre métrico con el bajo marcando otros tiempos llega en el momento preciso, cubriendo la atmósfera del tema con lo que faltaba.

“Tears of a Dying Angel” comienza con la típica marcha guerrera que a todos los amantes del True Metal nos gusta…fuertes y agresivos coros operáticos dan paso a voces más melódicas que entran en interesante diálogo con los teclados…luego se alternan los motivos anteriormente mencionados; del punto de vista de la historia esta canción es muy importante, aunque musicalmente, a esta altura del CD, se echa de menos la intensidad del primer tema.

“Elnor´s Magic Valley” es como una hermosa pieza de folclore celta! muy breve como para hablar más de ella…lo de valle mágico encaja bien con los arreglos.

“The Poem´s Evil Page” es un muy buen tema que comienza con un piano y flauta inmersos en una triste melodía…la voz de Fabio está bien sintonizada con el dramatismo de la escena…luego irrumpe la calma unos coros en tonos mayores para pasar luego a una parte mas “powermetal tradicional”, este tema es de un corte similar a “Tears of a Dying Angel” y “Queen of the dark Horizons”, cambios de ritmo, voces narrativas y ambiente magno como de música de película…..

“The Wizard´s Last Rimes” es el cierre perfecto para que el trabajo sea considerado “no un EP más” sino que un CD digno a considerar….los acordes de la “Sinfonía del Nuevo Mundo” del gran Dvorak encajan perfectamente en las líneas vocales metaleras creadas por Rhapsody…en este tema Fabio Lione muestra los matices más interesantes del EP y los arreglos son dignos de llamar la atención, la guitarra marca de forma más pesada las figuras clásicas metaleras como galopas y tresillos….es un magno cierre para un gran trabajo de estos grandes músicos….

No quise comentar más allá las letras porque son parte de otro análisis muy largo. Aunque igual discrepo de algunos conceptos vertidos en las crónicas de Algalord, es una muy buena historia soporte…. y de todas maneras, Rhapsody es una banda que pasará a la historia del metal como grandes perfeccionadores del Power Metal Sinfónico….al igual como pasa cuando se escucha a Therion, el giro hacia arreglos operáticos que están haciendo crea atmósferas muy interesantes y agradables de escuchar.

Se pude concluir que en general este EP no es para nada la continuación musical del “Dawn of Victory”, tiene su propio carácter y personalidad…tampoco es una vuelta al Symphony…la verdad es que no sé con qué nos puede sorprender Rhapsody en el próximo album…… salvo el primer tema, los demás son bastante sinfónicos pero con una pincelada más operática que trabajos anteriores, el dramatismo se hace patente en cada tema, y los ambientes creados están muy bien compatibilizados con las letras de los temas, todas muy bien amoldadas a un álbum conceptual de una banda conceptual. No olvidar que es el review de un EP y dio bastante para hablar…..es que Rhapsody es Rhapsody….gran banda, grandes músicos…..estoy orgulloso que bandas como ésta estén en el metal.
To the swords, mighty Power Metal Warriors!

Radaghast – Arkan (EP)

De un tiempo a esta parte, el metal nacional ha ido creciendo y mejorando su nivel. Y a esto han concurrido muchos factores: un mucho mayor profesionalismo, el fijarse metas altas, la mayor y mejor difusión que muchas bandas han podido tener, y, modestamente, el aporte de esta página.

Y una de las bandas chilenas que mejor encarna el nuevo espíritu con que la nueva hornada encara a la música y al mundo, junto a otras como Angeluz o los penquistas de Harmony (sólo por nombrar un par de ellas), es Radaghast. Este sexteto santiaguino, compuesto por Rodrigo Gil en las voces, Gustavo Toledo y Pablo García en las guitarras, Daniel Toledo en el bajo, Doménico Zunino en los teclados y Álvaro Miranda en la batería (aunque este EP fue grabado por Klaudio Badilla, quien emigró de la banda después de la grabación de este trabajo, por diferencias musicales), se formó como banda “seria” a finales de 1997. Luego de un par años de tocatas, en las cuales fueron creciendo como banda, surgió la posibilidad de grabar algunas maquetas, en lo que constituyó el primer acercamiento de Radaghast a algo más profesional. Pero obviamente la banda no se estancó en aquello, y decidió apuntar a producir un demo mejor realizado, creando algunos temas nuevos y trabajando mejor los antiguos. Incluso, con el tema “Fly To Live”, participan en un concurso de bandas metal, donde obtuvieron un muy buen segundo lugar.

Así, la evolución natural los llevaría a sacar este EP, titulado “Arkan”, en el cual la banda, a pesar de que obviamente tiene bastante que mejorar para llegar más arriba, demuestra tener bastante potencial. Con temas bastante enganchadores y ejecutados de muy buena forma, una muy buena dosis de garra y adrenalina y, sobre todo, un muy buen afiatamiento como banda, Radaghast promete.

El EP comienza con “God Of Thunder”, un tema bastante melódico, muy bien construido, con una interesante línea vocal (a pesar de que existen a lo largo de este trabajo algunos problemas con el volumen de la voz), un coro muy enganchador e incluso momentos muy Iron Maiden que crean una atmósfera muy especial. Un tema que seguramente les ha dado – y les dará- muchos réditos en vivo (es ideal para abrir un show). El disco prosigue con “Fly To Live”, tema interesante, con un comienzo bastante intenso, un buen coro y un interesante juego de dos guitarras en la parte del solo, pero hay unos mínimos problemas de sonido que hacen pensar que el tema puede dar mucho más. El siguiente tema es “Live In The Eternity”, que a pesar de la, por momentos, algo débil vocalización, posee matices muy interesantes, un coro poderoso y guerrero, y momentos de un nivel bastante alto, especialmente en la parte del solo. El EP prosigue con “Freedom For All”, que posee un muy agradable comienzo, brindándonos un momento de calma, para posteriormente pasar a ser un tema muy intenso, en el cual Rodrigo logra su mejor performance en la voz, con un coro muy “italiano”, y solos bastante bien ejecutados. El disco continúa con “Fire And Pain”, corte bastante poderoso, con momentos muy melódicos, con un solo de bajo bastante interesante y un sonido muy afiatado de banda, constituyendo uno de los puntos más altos de este trabajo. Este trabajo culmina con el tema que le da el nombre, “Arkan”, tema de más de ocho minutos (quizás es un poco largo), bastante intenso y matizado y muy bien construido, con momentos que recuerdan a temas largos de Stratovarius, pero con un sonido que posee “identidad”, lo cual es sumamente positivo en una banda tan joven.

En conclusión, esta banda tiene metas muy altas, y este EP es un muy buen primer paso para comenzar a lograrlas. Quizás el sonido no sea lo 100% perfecto que uno desea, o que algunos temas podrían ser un poco menos largos, o que falte un poco de trabajo en la voz, pero no por esos detalles se puede siquiera pensar en menospreciar un trabajo muy profesional, llevado a cabo con mucho esfuerzo (como resultan las cosas en Chile), y ejecutado por músicos de mucha proyección. Es de esperar que esta banda comience dentro de poco a lograr la madurez necesaria para dar el gran salto, lo que sólo se da con constancia, trabajo y esfuerzo, cualidades que se ven ciertamente reflejadas en este trabajo.

Symphony X – Live On The Edge Of Forever

Symphony X se arroja al mercado con su primer disco -doble- en vivo, después de cinco placas de estudio. Live On The Edge Of Forever es su nombre, fue grabado en octubre del 2000 y junio del 2001 en Europa, durante la gira de V: The New Mythology Suite, tour en el que tuvimos el privilegio de tener a esta excelente banda norteamericana tocando el 19 de noviembre del 2000 en nuestro país.

Hay que dejarlo en claro, Live On The Edge Of Forever no es un gran disco en vivo. El set list –que, además es parecido al set que tocaron en Chile– es pobre por dos motivos. Primero, parten reproduciendo de manera exacta el V, canción por canción, en el mismo orden que aparece en el álbum. Sin embargo, por algún motivo paran en Death Of Balance, no lo terminan. Era lógico pensar que se iba a tocar el disco completo, como sí lo hace Dream Theater en la actualidad con el Metropolis Part 2. Segundo, el recorrido por el resto de la discografía deja bastante que desear. Sólo tocan tres temas de Twilight In Olympus (1998) y ninguno del Symphony X (debut, 1994) ni del The Damnation Game (1995). En cambio, son cinco las canciones que se pueden encontrar del cual es considerado el mejor trabajo de la banda hasta la fecha: The Divine Wings Of Tragedy, incluyendo el tema título que dura 19 minutos, momento que es, a mi parecer, el punto más alto del álbum.

Dejando eso a un lado, el disco muestra lo que presenciamos cuando Symphony X vino a Chile: la excelencia de los músicos y de sus únicas creaciones. Todos los integrantes están a gran nivel. Michael Romeo logra reproducir de forma exacta los solos y rasgueos, seguido del teclado de Michael Pinnella, que no sólo muestra virtuosismo sino, además, estilo propio. Jason Rullo asombra por su habilidad en la batería y Michael Lepond ha demostrado ser tan bueno como Thomas Miller, su antecesor. Y Russell Allen también tiene la oportunidad de demostrar que en vivo es tan potente e incansable como en el estudio se le escucha… gran voz. ¿Y las canciones? Son interpretadas a la perfección.

Desafortunadamente, el sonido final de Live On The Edge Forever no hace justicia al trabajo de la banda en el escenario. Los instrumentos y las voces se escuchan como si estuvieran aisladas entre sí y no logran sonar en conjunto. Symphony X merecía una mejor producción, de todas maneras.

En resumidas cuentas, Live On The Edge Forever fracasa en su intento de mostrar en plenitud a Symphony X, una de las mejores bandas de progresivo sinfónico existentes. A mi juicio, no se ven varias de las mejores canciones del grupo y el resultado final de la producción no acompaña al igual que el pobre set list del álbum que, además, es el set list de la gira, como lo pudimos ver en su visita (eso sí, con algunos cambios). Que no se malentienda, Symphony X es una buena banda en vivo, pero en este disco se refleja como en un espejo sucio.

Grave Digger – The Grave Digger

Nobles caballeros y guerreros, ¡preparaos nuevamente para la batalla! ¡Ajustad las armaduras y cabalgad con orgullo vuestros raudos corceles hacia la justa! ¡Levantad las espadas y los estandartes! ¡El acero está de vuestra parte!… Así es, ¡Grave Digger ha vuelto para destruir a todos sus enemigos!… Pero, un momento, ¿qué es esto? ¿Dónde están los dragones, los castillos y las espadas? ¿Es lo que estoy escuchando Grave Digger?  Y las sagas medievales, ¿ya no las hacen? ¿No sólo las letras, también la música cambió? Comencemos de nuevo…

Hijos del mal y criaturas de la noche, ¡prepárense para una velada de sangre! ¡Tomen sus palas y caven hondo en la tierra bajo la luz de la Luna Llena! Así es, ¡Grave Digger ha vuelto para enterrar vivo a todo pestilente ser humano, matar a sus mujeres y vender sus almas!

Al fin, justo a tiempo, esta veterana banda alemana está de regreso con un cambio de imagen. El quinteto colgó sus armaduras para poder entrar a un ambiente más tétrico, tenebroso y oscuro, de muerte y malévolos sepultureros, como nunca antes, de mejor manera que en los viejos tiempos.

No sólo hay una renovación con respecto a las letras, sino también, en menor medida, referente a la música. Si Excalibur, el trabajo anterior, es el trabajo más power que ha producido la banda, el flamante álbum The Grave Digger es el más heavy y agresivo que Boltendahl & Cia. ha hecho desde la época del Symphony Of Death, allá por 1992 (sí, incluso más heavy que Heart Of Darkness).

Después de la era conceptual (una historia en cada placa) y épica de Grave Digger, la cual se ve reflejada en los tres trabajos anteriores –Tunes Of War (1996), Knights Of The Cross (1998) y Excalibur (1999)–, el cambio de actitud llega justo a tiempo porque, hay que decirlo, los seguidores estaban saturados y empezando a aburrirse: ni la música ni las letras habían evolucionado en forma alguna, por lo que The Grave Digger se ha transformado en un trabajo muy bien ponderado, tanto por la crítica como por los metaleros.

Independiente a eso, The Grave Digger marca una nueva era en la carrera de la banda debido a la llegada del ex guitarrista de Rage, Manni Schmidt, músico innegablemente más sofisticado y versátil que, el que desde 1985, había sido pieza fundamental dentro del grupo: Uwe Lulis. Manni se ha adaptado perfectamente a las exigencias de la banda y, tan importante como eso, a las expectativas de los fanáticos. Hay que decirlo también, con un disco como éste, nadie debería echar de menos a Lulis.

Pero no hay que malinterpretar, Grave Digger sigue siendo Grave Digger. De lo que se habla más bien es de una vuelta a las raíces del grupo. El Grave Digger de hoy, maduro, consolidado y con experiencia, no ese que empezó hace ya 21 años, se reencuentra con su propuesta original. ¿Cuál es el resultado? Un disco espectacular.

The Grave Digger no se trata de un disco conceptual, en donde se narre una historia ni mucho menos, a pesar de que todas las canciones tratan del mismo tópico. Todos los temas son buenos. Los que a gusto personal destaco son Son Of Evil, The Grave Digger (temazo), Raven,  King Pest y Funeral Procession. En la balada Silence, se puede apreciar a “Uncle Reaper” (como ahora se hace llamar el frontman de la banda, Chris Boltendahl) como nunca se le había escuchado en el pasado, alcanzando unos tonos muy “dulces”. Es verdad, “Uncle Reaper” ha mejorado en su canto. Sin embargo, a la gente que no le gusta su timbre, con este disco no va a cambiar de opinión. Por otro lado, los temas de que tratan las letras de las canciones son más “ad hoc” para su garganta. Con la voz que tiene Boltendahl, es más fácil imaginarse a un destripador que a un noble y justo caballero de la mesa redonda.

¿Se puede decir que The Grave Digger es lo mejor que ha grabado la banda? Es, sin duda un trabajo increíble, pero es difícil sentenciar cual es el mejor de estos germanos. Los tres discos anteriores – más Heart Of Darkness– son también muy buenos, el problema es que Tunes Of War, Knights Of The Cross Y Excalibur parecieran ser el mismo disco y la gente se estaba empezando a aburrir. ¿Y que es lo más emocionante? Que discos de igual o mejor calidad están por venir. ¿Por qué? Sólo consideren que todas las canciones del álbum fueron escritas por Chris, Manni y Jens Becker (tremendo bajista que al fin está jugando un rol más protagónico en la banda) en sólo siete días (¡!), todos unos héroes (sin gloria en Chile aún) del metal. Imagínense si hubieran tenido más tiempo.

Look behind you, he walks beside you…THE REAPER HAS RETURNED!

Bloden Wedd – Raging Planet

Esta banda nacional, cuyo nombre significa “Dioses del Amanecer” en la mitología celta gaélica, se dio a conocer formalmente en la escena con su disco “Times Go On”, en 1998 (aunque ya llevaban varios años de tocatas y un demo), un buen trabajo en el cual la calidad del sonido estuvo bastante lejos de acompañarlos. A pesar de esto, este cuarteto compuesto por Daniel Elbelman en las voces y las guitarras – líder y fundador de la banda-, Patota Atxondo en las guitarras, F. Bull en el bajo y Max Acuña en la batería, comenzó a hacerse paulatinamente un nombre en la escena nacional, hasta que en el presente año 2001 lanzan su segundo disco, “Raging Planet”, que cuenta con un sonido muy superior a su anterior trabajo, mejores temas, y por sobre todo originalidad. Destacable es la voz de Daniel Elbelman (a pesar de que suena un poco bajo en cuanto a volumen, por lo cual se aprecia mucho más en vivo, debido en gran parte al notable desdoblamiento de funciones que muestra al tocar tan bien la guitarra), uno de los buenos frontman existentes en la escena nacional.

El disco abre con una intro que nos lleva a “Raging Planet”, un buen tema para comenzar, que constituye una especie de resumen de lo que encontraremos en el disco: un buen power metal no tan “feliz” como el que hacen otras bandas, sino con un “sonido sucio” potente y muy bien logrado, un Elbelman luciendo muy buenos tonos altos y un buen trabajo de las guitarras de Elbelman y Patota Atxondo, con matices que lo hacen interesante. Luego viene “As The Rain & The Rainbow” (mi preferido del disco) con un excelente coro y letras que marcan algo que caracteriza a esta banda: los buenos lyrics, alejados de los míticos dragones y reyes, tan comunes en el metal de hoy en día, lo cual no quiere decir que este tipo de lyrics sean malos ni mucho menos, sino que al ser una temática que engancha mucho con la musicalización del power metal, hace que muchas -demasiadas- bandas recurran a él. El siguiente tema es “Lord Of The Final Sin”, tema que cuenta con un comienzo espectacular, para después, en cierta forma, decaer en su intensidad … a pesar de ello, es un tema que posee variedad y matices interesantes en la composición, que reafirman la idea de la originalidad de la banda. El disco prosigue con “Liberty”, canción que en mi opinión abusa un poco de los cambios de ritmo…. sin embargo para quienes gustan de una rica métrica es un muy destacable ingrediente, que eventualmente complementaría bien con el tema conceptual del album … Dan Elbelman se luce en los tonos altos, y los solos están muy bien construidos (incluso citando un pequeño pasaje de “Greensleeves”). Luego viene “Skyland II”, tema instrumental que vendría a ser la continuación de “Skyland”, de su disco anterior, y que muestra en plenitud la calidad de esta banda nacional, pues no es la típica instrumental que hace lucir individualmente a los músicos (como diciendo “hey, miren cuán rápido puedo tocar”), sino que constituye un punto alto en cuanto al sonido “como banda” de Bloden-Wedd, mostrando que el todo es más que la suma de sus partes. El disco sigue con “Winter Son” (otro de mis preferidos), un tema bastante matizado, con toques bastante power alemanes y progresivos que lo hacen ser una excelente composición. Posteriormente sigue “Angels From Future”, un gran corte, con un comienzo muy melódico y siguiendo una línea más progresiva que el resto del disco, lo cual le da un toque de mayor variedad a este trabajo. Para terminar, Bloden-Wedd nos regala una hermosa balada, “By My Side”, ejecutada perfectamente, en la que se destaca la mística producida entre voz y el piano, lo que le da una atmósfera muy especial y emotiva. Como bonus track, “Raging Planet” trae otra versión, más larga, de “As The Rain & The Rainbow”.
En resumen, estamos en presencia de un gran disco de power metal, de nivel internacional. Más aun, Bloden-Wedd al fin puede demostrar con hechos su buen nivel. De esta banda pueden decirse muchas cosas positivas, entre las que destaca que no son “la copia” de algo, lo cual es sumamente meritorio, y más aun tratándose de una banda nacional. Debido a todo lo anterior, y a la madurez y a la gran calidad individual de sus integrantes, no cabe otra opción que señalar que Bloden-Wedd es una banda con un muy buen presente, pero que promete además un futuro esplendor … es de esperar que sigamos apoyando a las bandas nacionales, y sobre todo si son buenas, como este excelente cuarteto santiaguino.
Nos vemos el 20 en Arte Matta!

Children Of Bodom: diciembre 2001

Children Of Bodom

¿Y por qué no? En el metal se habían probado mezclas heavy/power, thrash/death, heavy/thrash pero heavy-black melódico no….hasta Children Of Bodom…….y el resultado está a la vista: 3 exitosos álbums, una gira mundial y un gran reconocimiento generalizado en todos los espectros del metal.

El sello finlandés se hace notar en las composiciones de esta banda liderada por Alexi Laiho…mucha melodía, producidos cover art asociados a temas conceptuales y letras ajenas a lo épico pero con una estructura bien realizada.

Children Of Bodom es sin lugar a dudas, una de las propuestas más diferentes en el metal de hoy en día, con una mezcla entre Black, Power y Heavy Metal melódico, la esencia de esta creación te hace regresar a los tiempos cuando estabas escuchando por primera vez Metal…….discos como Something Wild, Hatebreeder y Follow The Reaper han creado un nuevo sello…….Si todavía no los conoces…..tienes que prepararte a escuchar lo que tal vez estabas esperando por mucho tiempo………

Sobre el estilo: Something Wild es Heavy Black Metal……. pero con Follow the Reaper giraron más al power que antes……así que en resumen serían heavy/power black metal.

Biografía de Children of Bodom

Children Of Bodom nació a fines de 1997 cuando su álbum debut “Something Wild” fue lanzado. Antes de eso la banda se llamaba “Inearthed”.

Inearthed fue originalmente fundado por Alexi y Jaska en 1993. Posteriormente Ale, Henkka y su tecladista original J. Pirisjoki se unieron a la banda. Ellos lanzaron dos demos, el primero fue llamado “Ubiquitos Absence Of Remission” y tenía cuatro canciones. Fue grabado en 1994 en los Estudios Astia. El segundo fue llamado “Shining” y también tenía cuatro canciones. Fue grabado dos años después. El sonido en ambos demos es (para un demo) bastante bueno, pero Inearthed es claramente diferente a lo que Children Of Bodom toca en estos días. Inearthed era Death Metal melódico.

Cuando Inearthed vio partir a su tecladista, Janne se unió a la banda. Primero fue sólo como un tecladista de sesión para las grabaciones de “Something Wild”, pero luego como un miembro permanente. El “Something Wild” de Inearthed fue planeado originalmente para ser publicado a través de de una pequeña compañía disquera de Bélgica, pero Sami Tenetz (Thy Serpent ) le dio el demo de “Something Wild” al jefe de Spinefarm, Ewo Rytkönen a quien le gusto tanto que les hizo un contrato. El contrato contenía tres discos. Cuando Inearthed supo que tenían un contrato con Spinefarm se separaron de la compañía Belga y cambiaron su nombre a Children Of Bodom.

¿Que hay acerca del nombre? Independiente de la banda, la historia que se esconde tras este nombre, es un caso de asesinato… Bodom es un pequeño lago en Finlandia, como 20 km al norte de Helsinki. El 5 de junio del año 1960  este lago fue el escenario de un aterrador homicidio. Cuatro adolescentes, dos niñas de 15 años y dos jóvenes de 18, acamparon en este lago…..luego de una fatídica noche todos amanecieron muertos. El único sobreviviente se volvió loco…. unos años después (por ahí por los 70) un viejo dijo que él había sido el asesino, pero la policía probó que no podría haber sido. Así que el asesino nunca fue encontrado……

Bueno, volviendo a la banda, poco después que Something Wild fuera lanzado en Finlandia por Sinefarm en Noviembre de 1997, Childrem Of Bodom firmó un importante contrato con Nuclear Blast de Alemania para la distribución en toda Europa. Children Of Bodom grabó una nueva canción llamada “Children Of Bodom” y lanzó un single limitado el cual estuvo número uno en las listas finlandesas por ocho (!) semanas, y sin promover el single!

Desde ese entonces las cosas empezaron a suceder bastante rápido. El primer Tour de Nuclear Blast (Febrero 1998, junto conm Hypocrisy, Benediction y Covenant) fue exitoso, pero Janne no pudo ir debido a sus exámenes finales en el colegio. Un amigo de la banda, Erne, lo remplazó. El segundo Tour de NB fue en Septiembre (esta vez con Gorgoroth- quien canceló, Night In Gales tocó en su lugar-, Dismember, Agathodaimon y Raise Hell), y sucedió de nuevo sin Janne. Esta vez Kimberly Goss (ex – Dimmu Borgir/Therion y la novia de Alexi) ayudó en los teclados.

Mientras tanto, algunas nuevas canciones había sido escritas y su segundo álbum “Hatebreeder” fue grabado. Justo antes del lanzamiento de este disco sacan el single “Downfall”, el cual también contiene un cover de “No Commands” de los Stone. Después “Hatebreeder” fue lanzado exitosamente a principios del 99.  Luego CoB  hizo una breve y fructífera gira a Japón (tres shows, uno en Osaka y dos en Tokyo).
Los dos de Tokyo fueron grabados y lanzados como edición limitada en una caja que incluía diez cartas de fotos. Después siguió otro Tour de NB en Septiembre, con In Flames, Dark Tranqulity y Arch Enemy (Esta vez con Janne!!!).

En el comienzo de Mayo del 2000 CoB lanzó su nuevo single “Hate Me”. El single fue número uno en las listas finlandesas otra vez!!!.

El 28 y 29 de julio del 2000 CoB fue a USA a tocar en el festival metalero de Milwaukee XIV.

El 30 de Octubre, el nuevo disco Follow The Reaper  fue lanzado en Finlandia. El lanzamiento mundial a través de Nuclear Blast fue en Enero 2001 del para Europa y Febrero del 2001 para USA.

En su primera semana el Follow the Reaper de CoB vendió más de 50.000 copias en medio Europa.

En Alemania el disco alcanzó la posición 46, en Francia fue número 88, y en Austria incluso alcanzó el lugar 38! En Finlandia el disco alcanzó su lugar más alto como número tres.

Children Of Bodom hizo una gira por Europa con Primal Fear y Sacred Steel a comienzos del 2001, en lo que sería el preámbulo de su visita a Sudamérica y posterior tour mundial…………al parecer, el legado del Hate Crew está sólo comenzando…………..

(Fuente: www.childrenofbodom.net, Usada bajo expreso permiso)

¿Quiénes son Children of Bodom?

Alexi Laiho- Voz y guitarra
Alexander Kuoppala- Guitarra
Janne Warman – Teclados
Hencka Blacksmith – Bass
Jaska Raatikainen – Batería

Virgo – Virgo

Desde los primeros tiempos de André Matos en Angra se supo de la gran amistad existente entre este connotadísimo vocalista y tecladista brasileño con el alemán Sascha Paeth, guitarrista de Heavens Gate y productor de, entre otras bandas, los italianos de Rhapsody. Por diversas razones la idea por aquellos entonces gestada de hacer un proyecto juntos se fue postergando, hasta que con la salida de Matos de Angra comenzó a tomar más cuerpo esta idea que se hallaba en ciernes. Así, poco a poco se fue sabiendo que la dupla Matos-Paeth estaba trabajando en un proyecto más bien alejado del Power Metal, con elementos rockeros, pop e incluso influencias de música ochentera e incluso setentera norteamericana. Así nacería “Virgo”, nombre que nació debido a que ambos músicos tienen este signo zodiacal, pero además coincide el hecho de que el símbolo del signo zodiacal Virgo forma las letras “MP”, de “Matos-Paeth”. Ya con los temas elaborados, esta dupla recibiría la colaboración de Miro en los teclados, Olaf Reitmeier en el bajo y Robert Hunecke-Rizzo en batería, para llevar a cabo este proyecto musical que, repito, se aleja considerablemente del metal, pero que muestra el talento compositivo y ejecutivo de estos dos grandes músicos que, sin temor a explorar otras vetas musicales, han elaborado un trabajo muy interesante, de gran calidad, sensibilidad y frescura.

El disco comienza con “To Be …”, un variadísimo tema que mezcla matices notables de guitarra acústica con fantásticas pinceladas rockeras e incluso elementos que, como muy recurrentemente sucede a lo largo del disco, recuerdan a los inmortales genios del classic rock, los ingleses de Queen. Un Matos increíble como siempre en las voces y una hermosa y suave orquestación convierten a este tema en una pieza excelente. Luego sigue “Crazy Me”, un muy buen tema que combina de forma interesante elementos hardrockeros con elementos pop, para pasar a momentos fantásticos con coros gospel e incluso toques progresivos. El disco continúa con “Take Me Home”, excelente tema que con una base sugerentemente sencilla muestra elementos melódicos sencillamente notables, un Matos increíble y una atmósfera sin dudas hipnotizante. El single del disco, que incluso tiene video clip, es un entretenido tema, llamado “Baby Doll”, hard rock en su más pura esencia, con incrustaciones pop interesantísimas y algunos cambios de ritmo casi powermetaleros que le dan un toque distinto a este tema. El disco prosigue con una hermosísima balada, “No Need To Have An Answer “, que es quizás una de las mejores muestras de lo que canta Matos, y que posee elementos muy emocionantes, como los fantásticos coros gospel y la belleza de la parte final. El siguiente tema es “Discovery”, un tema que irradia frescura (incluso comienza con armónica), con un sonido muy norteamericano y que tiende a experimentar una veta inexplorada por muchos músicos, convirtiendo un tema con una construcción sencilla a un producto con ribetes geniales.

Este excelente trabajo prosigue con “Street To Babylon”, tema que, a pesar de que quizás marca el punto menos alto del disco, mantiene un sonido bastante fresco, influencias pop muy agradables y notables detalles en “segundo plano” muy bien trabajados y sin caer en excesos. El disco continúa con “River”, un tema muy setentero, que mezcla momentos muy cálidos con la guitarra de Paeth y el solidísimo Matos en las voces con coros gospel (muy en la onda de algunos temas de Joe Cocker) y la intensidad y frescura tan característicos de este trabajo. Y para quienes, a pesar de lo bueno que resulta ser este trabajo, aun echan de menos una pequeña dosis de Power, está “Blowing Away”, un fresquísimo tema que rompe con la temática experimental del disco, sorprendiendo con un pequeño golpe de electricidad que, a pesar de no ser 100% powermetalero, resulta muy agradable para los oídos sedientos de un poco más de guitarras y vocalizaciones power. Ya acercándonos al final del disco encontramos “I Want You To Know”, un hardrockero tema (muy en la onda del “Readiness To Sacrifice” de Michael Kiske, pero mucho mejor hecho) que posee un sonido muy sencillo (casi de “fogata”), y es precisamente esta simplicidad, acompañada de momentos geniales con la aparición de fantásticos coros gospel, la que la convierte en un excelente tema. Y el disco concluye con un fantástico tema llamado “Fiction” que, con un ritmo que posee notables toques de blues y un Matos cantando cálida y relajadamente, se convierte en uno de los momentos más altos de este trabajo.

Hay que decir, a modo de consideración final, que muchas veces las experimentaciones musicales llevadas a cabo por músicos que se han dado a conocer y se han hecho un nombre en el Power Metal -sin ir más lejos, dos grandes como Michael Kiske y Timo Tolkki-, no han resultado del todo satisfactorias, no sólo para los fans ávidos de buen Power Metal y quizás con una mente menos abierta, sino para muchos de los seguidores que saben apreciar la buena música aunque no sea de la que más nos agrade. Pero este no es el caso. La calidad compositiva y la versatilidad tanto de André Matos como de Sascha Paeth no sorprende, pero sí es digna de un gran reconocimiento. La calidad de este trabajo quizás no supere la prueba de los más acérrimos seguidores tanto de Angra como de Heavens Gate, en cuanto en este disco no hay más que un 1% de Metal propiamente tal, pero sí será capaz de llamar la atención de quienes siempre esperamos un poco más. Y ese “algo más” está presente en este trabajo, que puede ser el camino para que algunos fanáticos abramos un poco nuestras mentes hacia otros sonidos que, aunque no sean del Power que amamos, pueden resultar muy interesantes.

Avalanch – El Ángel Caído

Suele suceder que, cuando una banda lanza un disco que podríamos considerar dentro de la categoría de grandes discos, el sucesor de éste es esperado con ansias, y suele suceder que no llene las expectativas que uno se ha forjado en él. Ejemplos hay muchísimos,  Queensrÿche nunca fue el mismo del “Operation : Mindcrime”, a Helloween le costó mucho igualar el trabajo magistral de los Keepers, Children of Bodom decayó respecto de su Hatebreeder con el Follow the Reaper, y así hay ejemplos por montones.

¿Dónde pretendo llegar con esto?… las expectativas cifradas en el nuevo disco de los españoles AVALANCH eran altas, ya que su disco antecesor “Llanto de un Héroe”, fue sencillamente excepcional, uno se preguntaba si este nuevo album podría llegar al nivel del anterior.

Vamos por parte. Este disco parte con intro que mezcla lo clásico y lo rockanrolero, Hacia la Luz, para luego comenzar con la primera gran descarga del disco Tierra de Nadie, un tema rápido filoso, donde se luce la guitarra del genio creador de AVALANCH, Alberto Rionda, un riff a toda velocidad y un solo de gran estatura.

Luego un intro muy sinfónico da lugar al segundo tema del disco, que le da nombre El Ángel Caído, un tema sobresaliente, con un riff pesado y oscuro, pasando a un coro muy speed, con un gran trabajo de Alberto Ardines en la batería.

El panorama sigue alentador, con el siguiente tema Xana, un tema más bien relajado, pero muy bien logrado.

El instrumental La Buena Nueva,  precede a uno de los mejores temas del disco Levántate y Anda, un tema muy en la onda Judas Priest, directo al grano, poderoso, a la vena. Gran momento del disco.

Pero las aprensiones señaladas al comienzo de la crítica comienzan a hacerse patentes con los temas siguientes, que no aportan mucho al disco, sobretodo en materia lírica, donde las letras comienzan a hacerse repetitivas y las fórmulas también empiezan a repetirse. Alma en Pena, es un buen corte, sin embargo apela a una fórmula repetida, la de la estrofa a medio tiempo con un coro más rápido, fórmula que también se hace patente en Delirios de Grandeza, un tema absolutamente prescindible. Algo similar sucede tanto en Corazón Negro, un corte que si bien no es deficiente, tiene una pobreza franciscana en sus letras, lo que se repite en la balada Antojo de un Dios, con una de las letras más bajas que me ha tocado oir (sin llegar al nivel de algunos temas de Stratovarius en todo caso), lo que hace que nuevamente se pierda un tema que podría ser muy bueno (la melodía del coro es hermosa)

Sin embargo estos muchachos oriundos de Oviedo, nos tenían reservada su mayor joya para el final, El Séptimo Día a modo de introducción, da paso a una de las más grandes obras de AVALANCH, que lejos es lo mejor de su disco Las Ruinas del Edén, una obra en tres partes donde AVALANCH logra transportarnos a otro mundo, quizás el paraíso, para mostrarnos este intenso diálogo entre Dios, aburrido del trato que le dan los hombres, y un hombre que se ha escapado del rebaño, musicalmente es el tema mejor logrado del disco, con la intervención de la soprano lírica Tina Gutiérrez, los percusionistas cubanos Omar Bouza y Edel Pérez y con la gran performance de Leo el vocalista del grupo SARATOGA en el papel de hombre quien aparece en la segunda parte del tema. Sin duda el mejor tema del disco, que cierra con una instrumental al igual que su anterior disco, pero distinta en cuanto a la forma, ya que “Llanto de un Héroe”, era un tema rápido, muy al estilo de Yngwie Malmsteen, sin embargo Santa Bárbara, nombre del corte que cierra el disco, es más lenta, podríamos decir que más melancólica.

Como resumen podríamos señalar que El Ángel Caído, es un buen disco, con momentos notables, pero que no alcanza el nivel logrado por su anterior placa, sin embargo está dentro de lo destacado del año, y nos muestra que en la madre patria, se están haciendo buenas cosas, se está trabajando duro, y fruto de ello es que la escena española cada día es más fuerte con bandas que están dando que hablar, como Tierra Santa, Ankhara, Dark Moor, Mago de Oz, entre otras. Y entre ellas está Avalanch, que les lleva un poco de ventaja, ya que este es su tercer disco, con un disco en vivo entre medio, con un sonido absolutamente internacional, con un trabajo de portada sencillamente notable, a cargo del maestro Luis Royo, y con un futuro más que promisorio.

Edguy: Entrevista con Tobias Sammet (noviembre 2001)

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Cristian : Ok Tobias….antes que todo, felicitaciones! De acuerdo a la encuesta de PowerMetal.cl para elegir al mejor álbum Power Metal del 2001, nuestros visitantes le dieron el primer lugar a ….”Avantasia”!!! Haz tus comentarios al respecto!

Tobias:
Tus visitantes de la pagina tienen muy buen gusto…jajaja! Honestamente, es un honor para mi y todos los que estamos involucrados en Avantasia, y que transpiraron sudor y lagrimas conmigo. Quisiera agradecerles a todas y todos! Muchas gracias!

Cristian: Bueno, antes de preguntarte por Edguy, hablemos un poco más de “Avantasia”….porqué decidiste hacer un proyecto solista? Porqué elegiste el nombre “Avantasia”? Sentiste la voz y características de los personajes en tu mente antes de componer?

Tobias: En realidad es difícil decir cómo fue exactamente, ya que no tenía un plan concreto, sino un conjunto de ideas que traté de trabajar. Proyecto solista? Bueno, era un sueño que deseaba realizar, el de llevar a cabo un concepto así con tantos buenos músicos, con los cuales nunca antes había tocado. Ya que no fue posible hacerlo con Edguy, me sirvió como un crisol de nuevas experiencias. Fue un sueño que se convirtió en realidad, y no lo pensé dos veces, si es que podía salir mal o algo así, ya que de otra manera podría haber existido el riesgo de cambiar de idea.
“Avantasia” es una palabra creada por mí, que combina dos palabras en una: Avalon – el “otro mundo” en la saga del rey Arturo – y fantasía, que describe el mundo espiritual no materialista en la historia, y encontré interesante combinar estos dos nombres.
Con respecto a cada músico y vocalista, ya tenía elaborada una pre-idea acerca de qué parte cantaría cada uno, aunque no tenía algo definitivo, sólo las ideas básicas. Algunos se fueron y no concluyeron el proyecto, mientras otros resultaron fantásticos, realmente mucho mejor de lo que esperaba! Nada estaba planeado en un 100%. Simplemente ocurrió!

Cristian: Edguy es clasificado generalmente como estilo “Power Metal”, ¿estás de acuerdo? Además, ¿cuál es tu opinión sobre este estilo? Y qué piensas de los detractores de él que dicen “es sólo happy metal”?

Tobias: Estoy de acuerdo en que somos Power Metal. Llámalo metal clásico, happy, rock, heavy, melodico, speed. Sólo es un nombre, y me da lo mismo qué nombre le pongan algunos. Nuestra música no cambia porque alguien le cambie el nombre. Pero si alguien me pregunta qué tipo de musica tocamos, simplemente le digo que escuche el álbum, o bien le diré que es heavy metal clásico con vibras positivas, poder y mucha melodía… Y si alguien lo llama “happy metal”…bueno….algunas veces lo es, podría tener razón entonces….muchas veces estamos y somos felices, con ganas de divertirnos y pasarlo bien, y creo que no tiene sentido fingir lo contrario. Si alguien tiene algún problema con eso, es SU problema. Es raro que en este tipo de música haya gente que crea que eso es un pecado, y que no tenga la capacidad ni la apertura mental de reirse de sí mismos, o bien de alguna otra cosa. Si estamos tocando para 30,000 personas y alguien dice un chiste o tira una talla, lo dejo y nos reímos todos y lo pasamos mejor! Y no hay nada mejor que reírte en frente de esas 30 mil personas, aunque el peor chiste es cuando la talla es muy mala, y nadie se rie de lo malo que fue, pero para nosotros es igual divertido, y creo que los fans de Edguy se están acostumbrando de a poco a ello…

Cristian: Qué opinas sobre la “explosión” de tantas nuevas bandas en Europa? Especialmente dentro del power metal? Te gustan las bandas italianas como Rhapsody, Vision Divine, Thy Majestie, etc?

Tobias: ¿Explotan? Qué pena! Me gustan varias bandas italianas, aparte de las que mencionaste, pero aún si no me gustaran, no desearía que explotaran jajaja. Creo que ni el peor músico del mundo se merece estallar! Creo que el último músico que estalló fue el baterista de Spinal Tap, verdad? …jajaja.
Hace poco tiempo atrás me daba gusto ver tantas bandas nuevas haciendo este tipo de música, pero ahora se está empezando a saturar. Ya son tantas, que no soy capaz de seguirlas a todas y estar al día, pero igual creo que siempre es bueno….al final sólo las buenas bandas van a sobrevivir, eso es lo mejor de todo.

Cristian: Cuáles son tus influencias Tobias? Nómbranos bandas de metal, músicos clásicos y por supuesto tu vocalista favorito!

Tobias: Bandas de Metal: AC/DC, Deep Purple, Kiss, Dio, Helloween, Iron Maiden, Magnum. Compositores clásicos: R. Wagner, J.S. Bach, Beethoven y toda la musica pesada de ese estilo….Vocalistas: Ronnie James Dio, Carl Albert (Vicious Rumors, R.I.P.), Bruce Dickinson, Michael Kiske, Bob Catley.

Cristian: ¿Tratas de dar un mensaje religioso en tus composiciones Tobias? Quizás un mensaje “pagano” como Virgin Steele…o un “mensaje cristiano”? ¿Te gusta estudiar estos temas?

Tobias: Me gusta estudiar ese tipo de temas, pero en realidad no quiero enseñarle nada a nadie. Además, no adhiero a ninguna creencia en un 100%. Mi filosofía de vida tiene algunos elementos cristianos, trato de practicar y apoyar el amor y el pensamiento positivo, quisiera expandir la esperanza y todo eso. Pero por supuesto soy un ser humano y es mucho más complejo que eso hablar acerca de mis creencias. Tengo un poco de todo, y me gustan mucho los temas místicos, espirituales, e incluso ocultistas. Estoy interesado en tantas cosas que en dos oportunidades estuve a punto de “quemarme las manos”. Una especie de niño curioso, como el que aparece en el tema bonus de Mandrake: “The devil and the savant” pero no soy un satanista. Estoy mucho más cerca de ser cristiano, pero no comparto muchas de las ideas ni posturas de la iglesia católica.
Pagano? Bueno, me gusta mucho la naturaleza, y acepto que el ser humano tenga muchas necesidades y urgencias como el resto de los animales, pero creo que también tenemos mucho de espiritual… bastante complejo el tema!

Cristian: Por favor has un breve resumen de cada álbum de Edguy y cuéntanos qué tan importante es para Uds. el último trabajo: “Mandrake”.

Tobias:
Savage Poetry 1995: El primer long play grabado, buenas ideas pero no bien ejecutado…

Kingdom Of Madness 1997: El primer álbum oficialmente realizado. Buenas ideas, bien ejecutado, sonido extraño y vendió muy poco jajaja

Vain Glory Opera 1998: En mi opinión, grandes canciones!, fue el “ticket” para lanzar nuestra carrera tan lejos. Se vendió bastante bien y fue el primero con el cual salimos en tour…aún lo amo! Gran trabajo!

Theater Of Salvation 1999: Un álbum más complejo, compuesto en muy poco tiempo..quizá por eso no me gusta mucho cómo suenan las canciones…a veces lo encuentro algo sobreproducido, no tan espontáneo como el “Vain Glory Opera”. Teloneamos a Hammerfall, Gamma Ray y Angra con este trabajo… 3 tours en frente de miles de fans. El álbum tuvo un gran trabajo de coros.

Savage Poetry 2000 (re-recorded): No fue estimado en lo que se merecía. Un gran trabajo de sonido. Un poco diferente del estilo clásico melódico de Edguy, pero un producto de alta calidad. Estoy bastante conforme con el trabajo vocal en él.

Mandrake: El álbum de nuestra carrera, por lejos. Ganamos muchos nuevos fans y al parecer el tour seguirá su resto de tiempo. Tocaremos en lugares que nunca lo habíamos hecho antes y eso es realmente grandioso!

Cristian: Bueno Tobias, una pregunta natural…cuéntanos sobre alguna sorpresa para el próximo show en Santiago…han pensado en tocar temas de Avantasia?

Tobias: Ya lo veremos! Te puedo decir que daremos un 120% de nosotros! Yo estoy realmente ansioso de saber si la audiencia de Sudamérica es tan increíble como me la describió mi amigo Tolkki. Ya lo sabremos! Estamos realmente ansiosos. Ya nos veremos todos y tendremos un gran show que no olvidaremos!

Cristian: Bueno, me despido Tobias, muchas gracias y nos vemos en Santiago…por favor mándale un saludo a todos los fans de Edguy que los verán en Chile!

Tobias: Muchas gracias a todos, estoy muy ansioso por tocar en Chile para nuestros fans! Realmente quiero hablar con todos ustedes, porque si no nos hubieran apoyado tanto no habríamos podido ir. Nunca he estado en Chile en toda mi vida y ya no puedo esperar más para estar allá…..y es posible gracias a USTEDES! GRACIAAAAAS!!!!!

Angra en Chile (Live Review 2001)

No existe forma alguna de explicar por medio de simples palabras todas las emociones que experimentamos la noche del 25 de Noviembre en el Teatro Providencia. Hay cosas en la vida que uno sabe que nunca va a olvidar, como esos días en que se mezclan todas las emociones habidas y por haber. Lo que se puede decir es que ésta fue una noche inolvidable. Sin embargo, dicho término no alcanza a cubrir ni siquiera la mitad de lo que realmente fue para todos los que nos encontrábamos en el Teatro Providencia. Sólo los que tuvieron el coraje de ir a ver al Nuevo Angra tocar con tanta pasión, energía y entrega a un público pequeño pero leal, podrán saber lo que a través de estas palabras se trata de explicar. Ésta fue una noche mágica que quedará marcada en la memoria de todos aquellos que fueron.

ALL!! BURN IN THE NIGHT!!

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Las puertas de Teatro Providencia fueron abiertas a las 19:30 hrs. Sólo quince minutos después empezó el espectáculo. La poderosa banda nacional Witchblade entraba al campo de batalla. Potencia y solidez, dejaron en claro sobre el escenario cual es su declaración de principios.

Después de tocar Taurus a modo de intro, Witchblade arremetió con Fire!!, primer corte del disco debut, I, Luego vino Savior, uno de los puntos más altos del mismo trabajo, todo un temazo. El derroche de poderío que en forma tan natural le nace a Witchblade, siguió cuando el ex Polímetro Mauricio Espinosa anunció con su bajo la llegada de The Haunted, para luego pasar a la hipnotizadora y tenebrosa atmósfera de Prophet Of The Sand.

El final, a mi juicio fue lo mejor de la presentación. La furia de los dos últimos temas, Cradle Of Life e Evil Against Evil, lo dijeron todo.

¡Grande Witchblade! Las guitarras de “Yngwiellermo” y “el Gato” sonaron como si fueran una sola, y el bajo, como fue dicho en el review del álbum, se acopló perfectamente con los baquetazos de Rodrigo, mientras que el frontman Freddy Alexis entabló un muy buen diálogo con el público que escuchaba atentamente las canciones y aprobaba con fuertes aplausos a esta tremenda banda nacional.

La actual formación no es la que grabó el disco, pero es la que está haciendo el trabajo sucio de tocar en vivo y su performance es simplemente espectacular. Si es que el metal nacional está pasando por tan buen momento, se debe a bandas como Witchblade. ¡Felicitaciones!

Setlist Witchblade

1. Taurus
2. Fire!!
3. Savior
4. The Haunted
5. Prophet Of The Sand
6. Crade Of Life
7. Evil Against Evil

ANGEL WILL ARISE, BACK TO LIFE!!!

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Había llegado el momento que todos estábamos esperando, ver tocar a Angra con su nueva formación, nuevo aire, a un Angra fresco y renovado.

Las luces fueron apagadas y el público se volvió eufórico. Inmediatamente después se empezó a escuchar una introducción de arreglos orquestales. La sangre de todos los fanáticos estaba en su punto de ebullición, y la introducción seguía… No paraban de aplaudir, y la introducción seguía… La gente se empezó a quedar callada, y la introducción seguía… seguía… seguía… y seguía… ¿Cuándo cresta iba a terminar?, se preguntaban todos. La ansiedad aumentaba y se empezaban a escuchar algunas pifias.

Después de cinco minutos de instrumentalización, al fin se oyó la “verdadera” intro, In Excelsis, prefacio del nuevo disco Rebirth… Una de las mayores experiencias de nuestras vidas estaba a punto de comenzar.

COME ON!! ARISE!!

angrapm-03Angra saltó al escenario y no se hizo esperar en mostrar su renovada fuerza. Nova Era, como era de esperar, fue su carta de presentación en suelo criollo. No pudo haber sido un mejor comienzo, la canción de una rapidez impresionante y de coro emotivo prendió de inmediato en el público. Todo un himno. El segundo tema del set fue la archiconocida Acid Rain, gracias a la difusión de su demo por Internet. Se ponían los pelos de punta con sólo escuchar los coros del principio. Además, por lo que se escuchó en estas dos primeras canciones, la reproducción de ellas en vivo era exacta a la que se están grabadas en el estudio. Impresionante

Al terminar la canción, Edu saludó al público presente, a lo cual recibió a cambio unos coros que lo aclamaban diciendo: ¡EDU, EDU, EDU! Fue un momento emotivo, la increíble voz del nuevo vocalista de Angra, Edu Falaschi, recibía la aprobación de la exigente audiencia chilena. Es que, en realidad, su voz demostró ser tremenda, tenía carisma, supo ganarse al público… ¡era EDU, no el reemplazante de nadie! Él mismo invitó a todos a retroceder en el tiempo, y preparase para escuchar Angels Cry, la canción título de la primera placa de Angra.

Seguramente en este momento, muchos empezaron a ver en concierto bajo una mirada crítica. Aquí se pudo ver al nuevo Angra interpretar una canción del memorable Angra de antaño, estaban ante la prueba de fuego. No era lo mismo. No era lo mismo porque Angra se presentaba con una nueva vitalidad, deseosos de derrochar toda esa energía guardada durante el receso y los tiempos difíciles que los mismos Kiko y Rafael reconocieron haber pasado, la inyección de frescura que los nuevos integrantes, Edu, Felipe y Aquiles, daban al conjunto… el resultado superó todas las expectativas. A ninguno de los nuevos músicos les peso la responsabilidad y ambos guitarristas estuvieron a la altura de las circunstancias. Un momento que pudo haber sido una decepción para muchos, se transformó en felicidad al ver con qué energía la banda tocó Angels Cry.

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Después de este emocionante reencuentro con lo antiguo mezclado con lo nuevo, volvieron a interpretar un tema del Rebirth. Esta vez fue el turno de Heroes Of Sand, balada compuesta íntegramente por Edu. Esta es realmente una canción que tocó a todos, la manera como cantaba mientras Kiko tocaba los acordes con la técnica de tapping (increíble) me sobrecogió. Sin esperar más, pegada a la anterior, arremetió con fuerza Metal Icarus, el único tema del Fireworks que se tocó esa noche. Personalmente, hubiera preferido escuchar más en el recital de este excelente disco, temas como Lisbon, Mystery Machine… en fin. Al parecer, Kiko y Rafa quieren olvidar esa difícil época que debió haber sido para ellos.

Vino después, previa presentación de Edu, Make Believe, corte de álbum Holy Land. Nuevamente, como en Heroes Of Sand, los encendedores fueron prendidos como antorchas. Pero la relajación del público tras este tema fue radicalmente transformada en desenfrenada euforia, cuando unos cantos y percusiones brasileñas se hicieron sentir: llegaba la canción más larga del Rebirth, Unholy Wars.

angrapm-07Aquí vino la primera pausa del show. Toda la banda fue a descansar mientras Aquiles Priester, quien llevaba puesta una polera de PowerMetal.cl, se preparaba para su solo de batería. Se pudo ver durante las canciones la tremenda habilidad de Aquiles, pero nada hacía presagiar que este solo iba a hacer unos de los más memorables que jamás se hubiera tocado en Chile. El nuevo batero de Angra es uno de los más impresionantes que he visto en el último tiempo. Es poseedor de un increíble dominio del doble bombo, platillos, de todo lo que se pudiera pegar con la baqueta. Realmente se lo perdieron los que no fueron.

Aprovechemos este espacio para hablar de los demás músicos. El bajista Felipe Andreoli, como a muchos, me dejó con la boca abierta. Con sólo 21 años de existencia, Pipe, como le nombró el público, demostró ser un “as” de las cinco cuerdas (en su caso). No es mejor bajista porque no nació antes… Además, hacía los coros junto a Kiko y Rafael. Permítase un paréntesis: la armonización a cuatro voces en los coros (Edu, Kiko, Felife y Rafael) era perfecta, ¡perfecta!. Eso muestra que la banda se preocupaba hasta del último detalle para que los temas en vivo suenen como sus versiones en estudio. Volviendo al tema, no nos olvidemos del sexto integrante de Angra: Fabio, el tecladista. No le quedó ninguna canción chica. Para qué vamos a hablar de Kiko y Rafael. Es más que conocido que este dueto, que ya visitó Chile en 1999, fue uno de los más sobresalientes de los noventa, y seguirán vivos y vigentes por mucho tiempo más. Además, el sonido del concierto fue monumental, uno de los mejores sonidos que he escuchado.

Bueno, sigamos. El recital continuó con el Rebirth, tema que inspiró al título del nuevo trabajo. A estas alturas ya se podía apreciar que este concierto se estaba transformando en uno de los más memorables, no sólo para nosotros, sino también para Angra mismo. Time, del Angels Cry, vino enseguida, otro tema en donde Edu no decepcionó absolutamente a nadie. Angra cantó luego Running Alone, sin los coros del principio. A mi parecer la canción es muy buena, pero no logró entusiasmar al público.

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La que sí lo logró, y con creces, fue Nothing To Say. Con esta canción se estaba llegando a uno de los puntos más altos del concierto, la gente cantaba a todo pulmón, la banda tocaba espectacular, todo iba perfecto… Pero, cuando se estaba cantando el segundo coro, las guitarras dejaron de sonar. Luego el bajo. Todos nos empezamos a mirar las caras buscando inútilmente una respuesta. La banda paró de tocar. Parecía ser un corto circuito. De inmediato la producción y los técnicos empezaron a moverse para solucionar el problema. ¿Sería el fin de recital? ¿Terminará antes de lo previsto como el ’99? ¿No será que Angra sufre una maldición cuando toca en Chile? La posibilidad de que el concierto terminara ahí era cierta. Pero eso no pasó debido a que nuestros experimentados y cuidadosos técnicos eléctricos lograron solucionar el problema. Se volvieron a prender las luces rojas de los cabezales, no se imaginan el alivio que sentí cuando vi brillar aquellas ampolletitas. El show continuó. La banda retomó la mitad de Nothing To Say como si nada. Angra estaba tremendamente feliz, créanlo, gracias al maravilloso público chileno.

angrapm-09En un concierto, siempre existe una canción la cual todos quieren escuchar. Carry On, desde el principio, fue pedida a voces. La banda se despidió, pero no nos íbamos a ir, ¡faltaba Carry On! Después de dos minutos se empezó a escuchar Unfinished Allegro, pieza de Schubert que sirve de introducción al esperado tema. Tengo que decir, cuando escuché el comienzo de Carry On, estuve a punto de llorar, como casi todos los que estaban al lado mío. Lo que sentí en ese momento no lo puedo describir con palabras… ¡Estaban tocando Carry On!, es lo único que puedo acotar.

El concierto iba a quedar en la memoria de todos los que fuimos testigos de tanta magia, emoción y reencuentro aquella noche. No faltaba más, pero Angra quiso hacernos un regalo. Empezó un diálogo entre la guitarra de Kiko y el bajo de Felipe, lo que dio paso a The Number Of The Beast de Iron Maiden, ¡así es señores! ¡THE NUMBER OF THE BEAST! Realmente fue grandioso. Me sorprendió como Edu cantó esta canción. Habían partes como “I’M COMING BACK, I WILL RETURN” que le salieron muy similar a Bruce Dickinson, cosa extraña debido a su registro más claro. Pero no por nada Edu fue finalista en la selección de nuevo vocalista para Maiden cuando Bruce decidió dejarlos para emprender su carrera solista.

El final fue mejor de lo esperado. La banda salió del escenario hacia camarines muy emocionada. Tras años de dificultad, Angra recibía el cariño y lealtad del público chileno que los esperó pacientemente, todo fruto de la fuerza de estas excelentes personas y a su duro trabajo.

Créanlo, pocas veces la banda se ha sentido tan bien como en este recital, con este público tan maravilloso, como ellos dijeron, como el chileno. ¡Grande Chile! ¡Grandes los fanáticos! ¡Bienaventurados todos aquellos que estuvieron en el recital, porque sólo ellos saben lo que es la gloria! Y pocas veces que nosotros nos habíamos sentido tan bien como esa vez.

Setlist Angra

angrapm-0601. In Excelsis
02. Nova Era
03. Acid Rain
04. Angels Cry
05. Heroes Of Sand
06. Metal Icarus
07. Make Believe
08. Unholy Wars
09. Solo Batería (Aquiles)
10. Rebirth
11. Time
12. Running Alone
13. Crossing
14. Nothing To Say
15. Unfinished Allegro
16. Carry On
17. The Number Of The Beast (Iron Maiden)

La noche del 25 de Noviembre fue una noche especial, un día distinto y único. Por lo mismo, vamos a terminar de una manera diferente. Estas son las opiniones de la gente Metal-Team de PowerMetal.cl, sobre el concierto, producción y trabajo hecho:

angrapm-12Webmaster: Fue un sueño, sin lugar a dudas uno de los días más importantes de mi vida. Empezar a lo grande con una banda de reconocimiento mundial es mucha responsabilidad pero a la vez un desafío tremendamente motivante. El manager de Angra nos felicitó por la producción y los músicos dijeron que fue uno de los mejores shows de sus vidas. Agradezco a la gente que confió en nosotros y compró la entrada. Fue una noche inolvidable.

WatchTower: Se trabajó con mucha dedicación, e incluso me atrevo a decir, con mucho amor por el metal. Creo que para ser la primera vez como productora estuvo perfecto. Todos colaboraron, todos dieron el 110% esa noche. Sin duda fue una noche inolvidable, aparte de que tocara Angra, porque se consolidó un grupo increíble. Muchas Gracias a todos los miembros del equipo y obviamente a Cristian, por haberme permitido vivir junto a ustedes lo que fue uno de los días más emotivos e importantes de nuestras vidas como metaleros. Esa palabra, METAL, a partir de ahora tiene un significado aún más grande. Creo que para todo el team de PowerMetal.cl, y todos quienes apoyaron el evento, significa UNION, TRABAJO, ESFUERZO, DEDICACION, SATISFACCION Y HERMANDAD. Realmente es lejos el mejor equipo del cual haya formado parte. Gracias a todos.

angrapm-16StormRider – Metalcity: Esta ha sido la mayor experiencia que he tenido en mi vida metalera, sin duda uno de los días más importantes. Nunca me imagine a mí en donde estuve ayer. El concierto estuvo increíble, la banda toco espectacular, al igual que el público. El metal team dio todo lo que tenía para que todo saliera como estaba planeado. ¡Saludos y felicitaciones a todos! Fue una noche que recordaré siempre y me alegra que hubiera sido con ustedes. Cristian: ¡Maestro, genio y figura!

Darinho: Eu não posso dizer nada porque eu não falo espanhol!! La experiencia de ayer fue inolvidable, por todo lo que prometía significar y a la larga significó. Levantarse temprano, ir al aeropuerto, al hotel, ir y volver al Providencia, , esperar a la banda, ir al teatro, y dentro del teatro ir, venir, ir, venir … tantas cosas sucedieron, tantas emociones vividas… en fin. Ayer corroboré ante mi alma mi amor al metal. Todas esas emociones se revolvieron y terminaron amalgamándose en una especie de bomba emotiva, al escuchar a Edú, Kiko y Rafael, al tremendo bajista que es Felipe y a Aquiles, uno de los mejores bateros que he visto en mi vida. En Carry On sólo atiné a ponerme la mano en el pecho, cantar con toda mi alma y con lo que me quedaba de voz y sentir que todo se había logrado.

angrapm-15AshTarotH: El Domingo 25 fue el mejor día de mi vida como metalero, una experiencia inolvidable, un día lleno de emociones fuertes, lleno de los más variados sentimientos los cuales no se pueden explicar. Demostramos que más que ser un equipo aplicado y demostramos que el metal recorre nuestras venas sin dudas, nada pudo detenernos. Demostramos que somos un público de elite.

Jaime: ¿Qué más se puede pedir? Orgulloso del granito de arena que todos colocamos para este magno evento. Una pena por los que no fueron, porque los que estuvimos allí, lo gozamos de una manera sobrecogedora. Felicitaciones y gracias Cristian.

Paulo: Quisiera agradecer a Cristian por darme la oportunidad de trabajar en PowerMetal.cl y decir también que lo pase muy bien haciendo la pega que me designaron (traducir todo lo que decía Angra.). Muchas gracias por la acogida a todos y ¡nos vemos!

Juan Francisco: El espectáculo que se brindo fue de lo mejor. Todos fueron muy profesionales preocupados de su trabajo. ¡Qué manera de vibrar el concierto! Edu cantó excelente, no esta para tapar hoyos. Aquiles es un pulpo, Felipe muy bueno y estaba hilando baba con Rafael y Kiko. Demostraron que la Diosa del Fuego no morirá.

angrapm-18Seba: Fue un día que no se puede cambiar por nada. Decir que tenía la sangre a 40ºC es poco, lo que vivimos cuesta describirlo con simples palabras. Saben, aún no me dejan esas notas mágicas de Rafael y Kiko, la impresión de ver que Felipe y Aquiles, son geniales, y, sobre todo de ver a Edu cantando con todo su corazón. Felicitaciones al Metal Team.

Pablo: NOTHING TO SAY!!

Karen: NOTHING TO SAY TOO!!

Children Of Bodom en Chile (Live Review 2001)

Para nadie es una duda que Children of Bodom es una de las mayores revelaciones dentro del metal internacional. Provenientes de las frías tierras de Finlandia, dieron mucho que hablar con su álbum debut “Something Wild”, en donde mostraban atisbos de grandeza, los que se acentuaron aún más con su segunda placa y obra maestra “Hatebreeder”, que los llevo a lo más alto del metal mundial. Su tercera placa “Follow the Reaper”, es quizás el disco más débil de la banda, pero no por ello menos poderoso.

danPor eso la expectación por ver a estos finlandeses, liderados por el carismático Alexi Laiho en la voz y guitarra, y por el maestro de los teclados Janne Warman, quienes mezclan perfectamente, las melodías del heavy – power metal, con la velocidad endemoniada y las voces del black metal. Una mezcla perfecta, que suma adeptos en todo el mundo.

La gira sudamericana “Machete Up your Ass” fue la que los hizo pisar tierras australes el pasado 21 de Noviembre, y la que hizo realidad el sueño de muchos metaleros en nuestro país, ver, por fin a Children of Bodom en Chile.

El show comenzó con la fuerza de los que para mí son la gran promesa del heavy metal nacional, Bloden Wedd, quienes liderados por Daniel Elbelman en guitarras y voces, dieron muestra de su poderío presentando su segundo trabajo “Raging Planet”, que sin duda los puede catapultar internacionalmente.

Destaco el nivel de Dan Elbelman, tanto en las voces como en la guitarra, es uno de los grandes talentos de la escena, ya que posee uno de los mejores registros vocales de Chile y si sumado a lo que hace en la guitarra, hacen de él un músico de excepción, que complementado a los talentos de la guitarra de patota, la batería de Max y el bajo de F. Bull permiten concluir que la presentación fue más que sólida.

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A las 21 horas exactas se apagan las luces y comienza a sonar el teclado de Mr. Warman, para dar comienzo a la primera descarga de la noche: Hate Me, hizo que las poco más de 1000 personas que se congregaron en el recinto de la calle Manuel Montt, comenzaran a delirar, con la rapidez de Laiho y Kuoppala en las guitarras y el talento de Warman en las teclas. El delirio siguió con el que a mi parecer es el mejor tema de la banda, el oscuro, rápido e increíble Silent Night, Bodom Night, de su obra maestra “Hatebreeder”, ejecutado magistralmente. La velocidad siguió con Lake Bodom, de su primera placa, como para poner las cosas bien en claro y demostrar porqué Children of Bodom está donde está.

Children1La descarga monstruosa siguió con dos temas de su última placa, el tema que le da nombre al disco Follow the Reaper, y la brutal Mask of Sanity, la que fue seguida de Children of Bodom. Luego un breve interludio donde empezaron las “conversaciones” entre Laiho en las guitarras y Warman en los teclados, para continuar con el veloz gatilleo de Touch Like Angel of Death, el mejor tema de su primer disco, que fue seguida por la muy “oreja” (si se puede decir así), Bodom After Midnight, con la que cerraron la primera parte de su show.

Luego de unos breves instantes vino el climax de la noche: Warheart hizo que se viniera abajo literalmente el Teatro con todo el público enfervorizado con uno de los hits de la banda. Luego vino Deadnight Warrior, seguida del solo de batería de Jaska (que no aportó mucho, para ser francos). Sin embargo las descargas frenéticas no cesaban, Towards Dead End y la majestuosa Kissing the Shadows, ambas con un gran trabajo de Laiho y Warman siguieron deleitando a una multitud que no tenía respiro.

El show casi llegaba a su fin, la pesadísima Everytime I Die, y la gran Downfall, pusieron fin a un concierto notable, esperado y que, a pesar de lo corto dejó a todos satisfechos.

Del sonido podemos decir que estuvo un poco más bajo que lo que nos tiene acostumbrado Vision World, pero sin embargo fue nítido y bueno, quizás algo agudo. Pero en fin, felicitaciones a la gente de Under y Vision World por el acierto.

Children6Setlist:

01- Hate Me.
02- Silent Night, Bodom Night.
03- Lake Bodom.
04- Follow the Reaper.
05- Mask of Sanity.
06- Children of Bodom.
07- Touch Like Angel of Death.
08- Bodom After Midnight.
09- Warheart.
Children1610- Deadnight Warrior.
11- Towards Dead End.
12- Kissing the Shadows.
13- Everytime I Die.
14 Downfall.

Finalizando cabe señalar que fue un gran show, con una banda que vino a destrozar cabezas y a mostrarnos porqué está dando que hablar y que brindó un espectáculo potente y soberbio, con velocidad y oscuridad, con talento y brutalidad.

Qué más se puede pedir…

Magnalucius: Entrevista con Javier Grandón (noviembre 2001)

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Háblennos un poco de la historia de Magnalucius … ¿cómo se forma la banda?

Javier: Bueno, la banda se forma a principios del 2000 por idea de Manuel (batero) y César (teclados), amigos de hace un tiempo y con la idea de hacer heavy mezclando las diferentes influencias de cada uno de ellos. Luego ingresa Eduardo Troncoso a las guitarras y quien habla en el bajo, todos conocidos ya que todos estudiamos en la U. de Concepción, se hicieron los primeros temas y buscamos vocalista por un rato, hasta que logramos ubicar a Yaby, quien accedió inmediatamente a tomar la voces de la banda. Debutamos en Mayo de ese año, en un gran recital en la ex-Excalibur, junto a Thuman (RIP) y a Soul Burner, ….nos fue bastante bien y durante todo ese año tocamos en diversos recitales y la aceptación fue muy grata, cada vez nos ubicaban un poco más, al igual que a los temas. Decidimos que era bueno para la banda que ingresara otro guitarrista, y es así como Sergio Rubilar (Ex-Belfegor) reforzó las filas de la banda, acoplándose inmediatamente en la agrupación … en el verano del 2001 deja la banda Eduardo Troncoso, para luego en Marzo ser reemplazado por Lucho Astudillo (Ex-Thuman), colocándonos definitivamente en campaña para grabar el Demo-debut de la banda que vio la luz a finales de Abril del presente año.

¿Cuales creen ustedes que son sus principales influencias?

Javier: En lo personal, mis gustos son bien variados, pero es obvio que todos coincidimos en bandas consagradas como Maiden, Judas, Accept, Etc… También nos gustan bastante las bandas relativamente jóvenes que marcaron el renacer del estilo a fines de los 90`s, como Stratovarius, Rhapsody, Heavens Gate, y millones de grupos más!

¿Qué tan difícil es para una banda de provincia, realizar su trabajo y darse a conocer?

Javier: Es difícil si lo miras del punto de vista que en Santiago ya es difícil que tomen en serio a una banda y que en Chile en general las bandas se terminan separando o probando suerte en otros lados … imagínate que aquí ni siquiera existe la posibilidad abierta de grabar algo profesional.

Cuéntennos un poco acerca de las tocatas a las que han asistido y cómo es la recepción del público penquista.

Javier: Hay de todo tipo de recitales, pero por lo general la respuesta del público ha sido bastante buena, ya nos ubican, ya sea por Magnalucius o por habernos visto en otras bandas en las que antiguamente tocábamos.

¿Cómo es la escena en Concepción y en general en el sur de nuestro país?

Javier: Tiene altos y bajos, hay buenas ideas y se han hecho cosas bastante buenas, como también hay quienes meten las patas y nos arrastran a todos en un mismo saco de mediocridad, nosotros tratamos de tocar lo máximo que podamos e incluso hemos hecho nuestras propias tocatas.

¿Hay planes a futuro de sacar un disco, tienen más temas compuestos, además de los del demo que nos hicieron llegar?

Javier: Tenemos alrededor de 12 temas y claro, nuestra idea es grabar un disco de calidad profesional.

Me di cuenta, al escuchar el demo, que tiene muchos teclados, y sin embargo en la alineación no hay un tecladista, ¿quién hace esas partes?

Javier: Lo que pasa es que cuando grabamos el Demo, nuestro tecladista César Astudillo estaba completando estudios en México y las pistas en teclado las grabó Felipe (tecladista de Harmony), y bueno, al momento de sacar la foto grupal para el demo todavía Cesar no llegaba a Chile, pero bueno, él ya esta con nosotros tocando y componiendo como antes!

¿Qué opinan ustedes como músicos de la masificación del estilo heavy metal en el mundo y principalmente en nuestro país? ¿Qué tiene Magnalucius para ofrecerle al público que escucha heavy, y que a veces se “marea” con tanta banda?

Javier: De verdad que no buscamos ser la banda revelación del Heavy, solo nos dedicamos a tocar la música que más nos gusta, yo creo que esto es un ciclo por el cual todo estilo debe pasar, nosotros seguiremos haciendo la música que nos nazca, ya sea en Magnalucius o en otra banda…, el seguir un patrón de “mercado” para hacer tu música te ciega a las posibilidades que como músico tienes para expresar tus ideas.

¿Tienen presupuestado alguna tocata para las fechas venideras?

Javier:
Por el momento puras promesas, nada concreto…….ja! … Se supone que tocaremos con Harmony pero eso esta en conversaciones.

Y por último, manden un saludo a la gente que nos visita en www.powermetal.cl

Javier: Bueno, gracias por darnos el espacio, saludos a todos los amantes del Metal, que a lo largo de los años hemos adoptado esto como un estilo de vida … Felicitaciones por la Página … nos vemos muy luego…….HAIL METAL!!!!

At Vance – Dragonchaser

Quizás este sexteto alemán no sea muy conocido dentro de la escena powermetalera, pero sin duda debe ser una de las bandas más afiatadas que he escuchado en el último tiempo. Posee un vocalista simplemente genial como Oliver Hartmann, que participó como el Papa Clemente en el disco de Tobias Sammet “Avantasia-The Metal Opera”, dos muy respetables guitarristas como Olaf Lenk y Reinald König, y en el resto de los instrumentos encontramos a Uli Müller en el teclado, a Jochen Schnur en el bajo y a Jürgen “Sledgehammer” Lucas en la batería. En sus 2 anteriores trabajos, “Heart of Steel” y principalmente en “No Escape”, At Vance muestra un poderío rítmico y armónico sencillamente notable. Pero vamos a “Dragonchaser”.

El disco abre con el title-track, “Dragonchaser”, un corte poderoso y melódico muy en la onda del señor Yngwie Malmsteen (de quien se asegura su próxima visita a estas tierras! Esperemos que sea cierto …). Posteriormente, con “Ages Of Glory”, la descarga de velocidad mezclada con el notable afiatamiento armónico de At Vance alcanza una de sus mejores expresiones, además del notable trabajo del señor Hartmann en las voces, que le da un toque muy especial a esta banda. En el tercer tema del disco, “Crucified”, At Vance baja un poco la intensidad de su descarga musical, pero sin perder el hilo del disco … un gran tema en todo caso. Luego, At Vance nos sorprende gratamente con una notable versión powermetalera de la 5ª Sinfonía de Beethoven, a la cual en lo personal creo que pudieron haber aprovechado un poco mejor, pero eso no quita que el trabajo de los guitarristas sea simplemente notable. El disco continúa con un tema con un título bastante usado en las arenas del metal, “Heaven Can Wait”, tema bastante más calmo (con algunos toques similares a “Mother Russia” de Iron Maiden) pero no por ello menos intenso que los otros temas que conforman el disco. Luego, At Vance nos muestra una de las joyas del disco … esta banda se caracteriza por hacer covers del grupo sueco ABBA, como lo han hecho ya bastantes bandas power metaleras (sin ir más lejos, connotados como Helloween o Yngwie Malmsteen).De hecho, en sus anteriores discos, At Vance hace versiones de “Money” y de “S.O.S”, temas de esta legendaria agrupación sueca que mucho ha influido a las bandas de power metal. Pero lo que hace At Vance con “The Winner Takes It All” es simplemente genial, Oliver Hartmann demuestra ser uno de los mejores vocalistas de la escena, más allá de su capacidad vocal, pues proyecta un feeling increíble con lo que está cantando, lo cual sin duda es mucho más difícil cuando se trata de un cover … pero Hartmann es notable y lo demuestra. Luego, “My Bleeding Heart” nos muestra que At Vance también puede hacer temas lentos … en lo personal no es uno de mis temas preferidos, pero calza perfectamente en el contexto del disco. Ya en tierra derecha del disco, “Two Knights” es un tema que si bien no es velocísimo ni virtuoso en extremo, es un gran referente del disco, pues el afiatamiento de esta banda se hace patente de forma manifiesta. Ya casi terminando, el último latigazo de power metal lo da “Too Late”, un corte muy rápido e intenso muy en la onda de Stratovarius … y para cerrar, “Ases Death”, en la cual el señor Olaf Lenk, uno de los buenos guitarristas que he escuchado en el último tiempo, hace hablar a su guitarra en un solo un tanto largo pero acertado para finalizar el disco.

En resumen, el tercer disco de esta banda alemana no defrauda a quienes hemos escuchado sus trabajos anteriores, “No Escape” y “Heart Of Steel”. Al contrario, “Dragonchaser” muestra a At Vance en la misma línea, haciendo un power metal bastante melódico, quizás privilegiando este aspecto por sobre un ritmo un poco más veloz o agresivo, pero sin dudas, de calidad. Además, es una banda digna de ser reconocida tanto por su afiatamiento como por su extraordinario vocalista, quien además de su calidad vocal muestra una notable dosis de sentimiento, el cual proyecta en cada una de sus intervenciones en el disco. Si más que decir, un disco absolutamente recomendado para quienes gustan del buen power metal alemán.

Blind Guardian – …And Then There Was Silence

No es mucho de lo que se puede hablar acerca de singles y EPs, pero este caso es diferente. Primero, porque se trata de Blind Guardian, una de las bandas con más prestigio en el metal europeo. Segundo, estos teutones se caracterizan por sacar discos en un intervalo de entre 3 a 4 años: por la ansiedad provocada por una larga espera, cada trabajo de Hansi & Cia. es altamente valorado por todos sus mas acérrimos seguidores, entre los cuales me declaro. Y tercero, Blind Guardian ha hecho algo totalmente insólito: lanzar como single promocional del futuro nuevo álbum, que saldrá en febrero próximo, un tema de catorce minutos de duración… ¡Catorce minutos! Es sabido que un single tiene la función de “atraer” a un público más general, y …And Then There Was Silence tiene de todo menos menos la propiedad de ser, lo que en términos periodísticos se denomina, un “gancho”. No va a ver estación de radio alguna que vaya a colocar la canción en su versión íntegra.

La canción es llamada And Then There Was Silence, un tema de monstruoso poderío épico, basada en la Iliada de Homero, epopeya en la cual se relata la Guerra de Troya. Todavía no me puedo explicar cómo Blind Guardian se las ingenia para ir siempre superándose y alcanzando otros niveles disco tras disco que graban. Emoción, magia, poder, melodía, encanto y mucho más, es lo posee este tema. Cada vez que se escucha, se descubren en ella nuevos matices, y en la siguiente otros, y muchos otros después de ser escuchada por enésima vez. Hasta ahora, And Then There Was Silence ha sido la única composición de larga duración que me hubiera gustado que durara unos cinco minutos más. ¿Y las letras? Impresionantes. Hansi Kürsch se ha transformado, además de un tremendo cantante, en un excelente letrista. Logra entrar en la sique de los personajes de la Iliada y reflejar con gran maestría cual es su sentir: sus alegrías, tristezas, miedos y temores más ocultos, etcétera. A través de la intimidad de Cassandra, Aquiles, entre otros, se logra dar cuenta de los hechos de una manera en que sólo Hansi sabe. Si se han dado cuenta, decir que And Then There Was Silence es un “temón”, sólo se transmitiría una pequeña parte de lo que es en realidad.

El lado B del single corresponde a la balada Harvest Of Sorrow (no confundir con Harvester Of Sorrow de Metallica). Es, totalmente, el polo opuesto al tema principal del EP: dura menos de cuatro minutos y es inalcanzablemente más sencilla, pero igual de emotiva.

En tercer lugar, por último, encontramos una pista multimedia, en el cual aparece el video clip de Born In A Mourning Hall, canción del Imaginations From The Other Side (1995).

Anteriormente, la banda había dicho que, en vez del clip, iba a colocar otro tema. Sin embargo, el video cae muy bien, especialmente a nosotros, que vivimos en un lugar donde no hay canales de televisión que paseen videos de metal.

Los temas son majestuosos, pero encuentro dos problemas con respecto al EP. Primero, la portada, obra de Anry, a mi gusto, es horrenda, nada que ver con las increíbles ilustraciones de la Tierra Media que Andreas Marschall (responsable también de las carátulas de Grave Digger, HammerFall, Running Wild, Nocturnal Rites, entre otros) dibujó en los discos anteriores. Es de esperar que en el próximo LP, vuelva Marshall a poner su estampa. Segundo, me salta una duda: con temas tan complejos, con tantos arreglos y coros, ¿cómo lo hará Blind Guardian para reproducirlos fielmente en vivo? Eso, señores, habría que verlo…

Angra: Entrevista con Edu Falaschi y Rafael Bittencourt (noviembre 2001)

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Edú Falaschi es el nuevo vocalista de una de las bandas más importantes que Sudamérica ha producido para el metal: Angra. Edú posee un gran talento como Frontman, el que quedó demostrado en los trabajos de su anterior banda “Symbols” y en el hecho que Iron Maiden lo eligiera como uno de los finalistas para reemplazar a Bruce Dickinson antes de la llegada de Blaze Bayley.

Ok, comencemos hablando de los primeros shows del tour (2 de noviembre en Maringa-Brazil, 3 de noviembre, P. Prudente-Brazil) ¿cómo fue la recepción de los fans? ¿fueron un par de noches especiales para Uds?

Edu: Sólo puedo decir que fue realmente maravilloso, todos los fans cantando todas las canciones con nosotros….aún recuerdo sus rostros llenos de felicidad cuando interpretábamos los viejos éxitos….fue realmente increíble!

¿Qué hay respecto a la nueva energía de Angra sobre los escenarios? ¿Mostraron en concierto la perfecta química que se aprecia dentro de la banda al escuchar “Rebirth”?

Edu: Definitivamente sí, la verdad es que estábamos super emocionados y nos comunicamos muy bien, pero creo que aún podemos mejorar más, aunque de lo que he podido apreciar, los fans nos han aprobado muy bien en vivo!

Rafael, ¿ Qué recuerdos tienes del primer concierto en Santiago (1999)?

Rafael: Los recuerdos son grandiosos! Me acuerdo cómo me sorprendí gratamente por la organización y el país. El aeropuerto y la ciudad parecían de países desarrollados. La gente es muy cortés y las bandas de heavy metal muy populares…estoy ansioso por estar en Chile de nuevo!

¿Cuáles eran las expectativas (en términos de música, composición, etc) del nuevo álbum cuando ingresaron al estudio de grabación? ¿Excedió el resultado a las expectativas? ¿Cómo ha sido la recepción de “Rebirth” entre los fans?

Edu: El hecho concreto es que fue muy bueno grabar este álbum porque lo disfrutamos mucho, las ganas con que fue realizado se notan. Por otra parte nuestro productor , Dennis Ward, quedó muy conforme con el resultado y nosotros también, porque pudimos mantener la esencia verdadera de Angra!
La recepción de los fans no podría ser mejor….incluso entre los medios hemos visto un 100% de comentarios positivos!

Edú, has tus propios comentarios sobre el “Rebirth”…

Edu: Es complicado hablar tema por tema, pero te puedo contar que es un álbum conceptual que habla sobre un mundo que fue destrozado y ha sido reconstruido en base a la tolerancia, honestidad y valores afines………independiente de eso, todas las canciones tienen mucha energía.

Bueno, personalmente me gustó mucho el nuevo trabajo de Angra porque noté las raíces de la banda pero con más heavy metal, temas más poderosos (en esto la voz tiene un papel muy importante)……en mi definición de metal ahora Angra es con propiedad una banda de true heavy/power metal……estás de acuerdo conmigo Edú? ¿Tienes otros comentarios al respecto?

Edu: Primero que todo muchas gracias por tus palabras……estás en lo cierto, la esencia de Angra permanece y este es definitivamente un álbum de Heavy Metal! Yo no soy un cantante intelectual, sino un cantante de Heavy Metal!

Rafael, crees que después de la llegada de Edú, Angra es más heavy/power que antes?

Rafael: Sí, especialmente porque los nuevos elementos nos han brindado muchas nuevas ideas. Ellos tienen muchos deseos de tener éxito en la escena, por lo que la banda ha ganado mucho. En los últimos años Angra había perdido un poco su poder. Ahora sentimos realmente que una Nueva Era ha empezado, estamos muy contentos y los fans están sintiendo esa energía que tenemos ahora!

¿Qué podemos esperar del futuro de Angra en términos de música y composición?

Edu: Estamos siempre trabajando para ser creativos, sin perder la esencia del Heavy Metal y las raíces de Angra!! Eso lo resume todo.

¿Han pensado que con “Rebirth” podrían llegar a otro tipo de fans? Quizá a un público más del “heavy metal clásico”?

Edu: La verdad es que no lo hemos pensado, porque no estamos pendientes de a quién llegamos, sino sólo de hacer buena música, buen heavy metal.

Bueno, muchas gracias Rafael y Edú…. antes de despedirnos aprovechen de enviar un mensaje a todos los fans chilenos que los verán el próximo Domingo 25 en Santiago!

Muchas gracias a ti Cristian y aprovechamos de decirles a nuestros fans chilenos que estaremos allá para mostrarles que ANGRA está más viva que nunca!!! Nos veremos muy pronto y esperamos que cantemos todos juntos en el show!!!

Cuervo: Entrevista con la banda (noviembre 2001)

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Juan Pablo Soto: Vocalista
Miguel Espinoza: Guitarrista
José Luis Vásquez: Guitarrista
Jorge Arancibia: Bajista
Marcelo Retamal: Baterista

Comencemos por lo actual. ¿Cómo va la grabación de su primer largaduración?

Jorge: Nos encontramos afinando los últimos detalles de algunos temas y estamos entrando de lleno a la grabación del que esperamos sea un gran disco que muestre realmente el poderío que somos capaces de entregar.

Miguel: Sí, estamos ensayando a fondo todo lo que es base y definiendo los punteos.

Cuervo está muy bien ponderado en Temuco, no sólo por el público, sino también por la prensa. Incluso tienen cierto prestigio en Santiago, ¿cuál es la razón de tal éxito?


Miguel:
La verdad es que durante nuestra trayectoria hemos sido bastante perseverantes en cuanto a nuestro estilo, ya que en provincias es un poco difícil lograr darte a conocer y más aún con temas en español, pero hemos salido bien del paso.

Jorge: En cuanto a tener contacto con bandas de otras provincias nuestra idea es siempre crear nuevos lazos para así fortalecer aún más el metal de provincias.

Este es el momento propicio para que los que no los conocen sepan de ustedes. ¿Qué nos pueden contar de Cuervo?

Jorge: Cuervo nació a raíz de una anterior aventura musical de una banda llamada Suicidio. Luego de experimentar y crecer musicalmente formamos Cuervo y logramos sacar, a principios de 1997, nuestro primer demo, “Atolón”, hecho que para la región era un logro por ser la primera producción de este nivel en Temuco.

Miguel: llevamos casi 5 años difundiendo el metal, siempre con la convicción del heavy en español. Con la primera alineación estable compuesta por Moisés Rodríguez en guitarra, Pedro Andrade (actual Vórtice) en batería, Jorge Arancibia en Bajo, Juan Pablo Soto en voz y yo en guitarra, grabamos nuestro segundo demo, “Tras las murallas del sueño” (1999), el cual se difundió tanto dentro como fuera de las fronteras y con la cual tuvimos varias presentaciones dentro como fuera de la región.

Jorge: Un hecho importante fue haber asistido a un concurso de bandas metal en el cual salimos bien ponderados, la cual nos contacto con el mítico Juanzer (Panzer), el que nos ayudo bastante. Posteriormente fuimos premiados en Santiago como una de las cinco bandas emergentes a nivel nacional.

Miguel: Tuvimos la suerte de haber salido ganadores de las Escuelas de Rock, lo cual nos permitió grabar y difundir nuestra música a varios rincones del país.

Jorge: Después de un tiempo Moisés se aleja de la banda con lo cual fue invitado J.Osorio a completar la alineación, pero por razones de estudios en Valparaíso hacen que tenga que abandonar la banda.

Jose Luis:
Bueno, tras el alejamiento de Osorio fui invitado a conformar parte de la banda y empezamos a trabajar duro en la composición de nuevos temas.

Jorge: Paralelamente, Pepo decide abandonar la banda. Finalmente tras una ardua búsqueda se consolida la actual alineación de CUERVO con Miguel Espinoza en Guitarra, Jose Luis Vasquez en Guitarra, Marcelo Retamal en Batería , el regreso de Juan Pablo Soto en las voces y yo en las cuatro cuerdas juntos con la firme convicción de levantar aún más la escena metalera de la región.

Excelente recuento. Cambiando de tema, estuve escuchando Dimensión sin Realidad, tema de su autoría, el cual lo encontré realmente bueno. Cuéntennos cómo definirían su estilo.

Jose Luis: ¡Nada más que heavy metal y del bueno!

Jorge: Desde un principio Cuervo ha tenido la firme idea de difundir el Heavy Metal en español y con lo cual nos ha ido bastante bien, últimamente estamos trabajando más la idea de establecer una base sólida para así darle bastante libertad a la voz y a las guitarras.

¿Cuáles son sus influencias y cómo han evolucionado desde que la banda comenzó?

Jorge: Nuestras influencias en la banda son variadas y es eso lo que nos da la libertad a la hora de componer, Miguel y yo somos fieles seguidor del metal ochentero con Accept, Judas Priest, Deep Purple, Dio, Maiden.

Marcelo: Yo soy un fanático de Thrash ochentero, pero manteniendo mis raíces en bandas como Judas.

Jose Luis: Bueno siempre he sido un seguidor de Megadeth, pero actualmente estoy expandiendo mi oído a nuevas bandas.

Juan Pablo: Parece que soy el más novato en esto de la música, realmente soy un seguidor de bandas como Stratovarius, Rhapsody, Edguy, pero siempre escuchando bandas ya nombradas.

Jorge: Ciertamente, la evolución de la banda desde nuestro primer demo “Atolón”, ha sido significativamente notoria estableciendo ya en nuestros últimos temas una línea de composición.

¿Cómo son las relaciones entre las bandas metal en Temuco, especialmente con Vórtice?, ya que incluso ha existido un flujo de miembros entre ambos conjuntos…

Marcelo: En provincias es importante tener una buena relación con todas las bandas ya que todas estamos en la misma situación.

Jorge:
Con Vórtice siempre hemos tenido una muy buena amistad con sus miembros, más aún cuando tenemos varias cosas en común como por ejemplo el hecho de componer temas en español.

Miguel: Lo importante es resaltar que existen buenas bandas y que estamos trabajando por un mismo ideal, que es hacer de Temuco una nueva plaza del metal.

En la entrevista que nos dieron, Vórtice señaló que la audiencia temuquense prefiere, a ratos, escuchar temas covers más que los propios, ¿comparten ustedes ese punto de vista?

Jorge: La verdad es que el público está acostumbrado a escuchar los típicos “covercillos” y eso ha sido un mal de las bandas, pero eso ya esta cambiando ya que varias bandas están prefiriendo mostrar su trabajo que es lo valioso.

Jose Luis: Lo valioso es resaltar que la mayoría de las bandas están creando temas propios.

A lo largo de la entrevista han hablado mucho acerca del tema de escribir canciones en castellano, ¿piensan algún día escribirlas en inglés? ¿Es una tendencia de las bandas de Temuco cantar en castellano?

Jorge: NO!!! Nunca se nos a cruzado esa idea por la mente.

Marcelo: En cuanto a las demás bandas la verdad es que se está componiendo en castellano y ese es un logro importante. Pero aún existen aquellas que creen que estamos en “Yanquilandia” y la verdad es que por más que adornen sus temas siempre sonarán a copia.

Tras el lanzamiento del primer LP, ¿cómo ven el futuro de Cuervo?

Miguel: Lo más importante es difundir nuestra música en otras regiones y es a eso a lo que nos abocaremos.

Juan Pablo: Lograr que algún sello nos apadrine, y por qué no, llegar a ser teloneros de alguna banda de renombre internacional.

Por último, ¿algún saludo a sus seguidores y a PowerMetal.cl?

Jorge: Bueno en primer lugar le doy las gracias a todos los que gustan de nuestra música ya que por ellos es que seguimos este camino del cual queda bastante por recorrer.

Miguel: En especial damos las gracias a los amigos de PowerMetal.cl por la difusión y apoyo hacia la banda y a todo el metal nacional.

Jose Luis: ¡Gracias a todos los metaleros!.

Juan Pablo: Gracias COMPADRES!!!!

Gracias por el tiempo y suerte!!