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¿Cuál es el mejor disco del Power Metal? Dicen que no se debe responder preguntas con más preguntas, pero ante una como aquella, hay una que siempre es muy válida: ¿quién es uno para decidir algo así? En tales materias uno es nadie. Por ello no puedo decir que la pieza sobre la cual están a punto de leer sea la mejor de nuestro queridísimo estilo. Simplemente no puedo. Lo que sí puedo decir, y con toda firmeza, es que –para mí– es la mejor. E independiente de que sea o no el mejor disco, es –probablemente– el más importante. Es fundamental, me atrevería a decir. ¿Fundamental? ¿Eso querría decir que sin él simplemente no habría Power Metal? Suena a exageración, sobretodo considerando la previa existencia de discos tan importantes como Gates To Purgatory de Running Wild (aunque históricamente más ligados al Heavy Metal), Walls Of Jericho o el “Keeper 1” de los mismísimos Helloween, pero no es una falsedad. De Seguro tendríamos de todas formas Power Metal si el disco que revisamos nunca hubiese existido, pero no sería lo mismo, y ahí radica su enorme e indiscutible importancia. Se me ocurren algunos trabajaos con un nivel de relevancia tan grande como el de este “Keeper”, pero como ya dije: ninguno es tan importante para el powermetalero de corazón.

Con Keeper Of The Seven Keys part II, Helloween no inventó nada, simplemente lo perfeccionó, hace nada más ni nada menos que 23 años (¡detalle no menor!). Rising, Master Of Puppets, The Number Of The Beast, Screaming For Vengeance, y uno que otro más (varios otros más en realidad, entiéndase que es sólo para dar ejemplos de lanzamientos grandiosos y gravitantes en la historia), son discos verdaderamente paradigmáticos, es decir: marcaron con sus salidas un antes y un después en el Metal. Pero si hablamos de Power Metal, ninguno ha tenido tanta incidencia y ha marcado tanto el rumbo como el “Keeper 2”. Cuando digo que con él Helloween en realidad no inventó nada, me refiero a que con sus dos lanzamientos anteriores ya tenían clara la película y habían sentado los lineamientos generales de un estilo en el cual hasta el día de hoy son Los Maestros. Sólo perfeccionaron y pulieron algo que ya habían creado. Es el disco más grandioso y genial de la Calabaza y queremos recordarlo como lo que es: una leyenda.

El capítulo inicial de esta leyenda fue muy acertadamente bautizado como Invitation, una que es imposible no aceptar. Podrá ser una pieza breve, con apenas un poco más de un minuto, pero en cuanto a grandilocuencia y solemnidad no se queda atrás. Tras unos pocos segundos de silencio absoluto irrumpen el sonido del viento y el grito de un águila, animal que desde esos años se ha impuesto como la mascota oficial del Metal (noten en cuántos títulos de canciones y portadas de álbumes aparecen águilas), para luego dar paso a su aleteo con que emprende vuelo. ¿Hacia dónde? Hacia la eternidad, o al menos eso nos sugerirá el corte que vendrá a continuación. Una eternidad que por cierto encuentra una representación sonora perfecta en los acordes elegidos por el Sr. Michael Ingo Joachim Weikath y Tommy Hansen (quien junto a Tommy Newton son los héroes anónimos de este trabajo). Sobre el redoble de unos tambores, que acentúan esta noción de marcha triunfal hacia algún lugar, suenan unos imponentes arreglos en guitarra y aparecen los sintetizadores para lograr esas mágicas orquestaciones en bronce y cuerdas. Cuando la poderosa águila ya ha alcanzado lo más salto en su sublime y épico vuelo, inicia uno de los cortes más colosales y monumentales de los que la humanidad tenga noción.

Sin avisos ni advertencias de ningún tipo, nos llega un patadón desproporcionadísimo y completamente desmesurado en los chocleros. Amigos, amigas, metaleros todos: una de las maravillas de era contemporánea: ¡¡Eagle Fly Free!! Pocas veces una banda, incluso los mismos Helloween, habría de alcanzar antes o después un nivel de majestuosidad como el exhibido en estos 5:08 minutos. Sólo en lo musical es una composición digna de los cielos, pero si a eso añadimos el carácter alegórico de su lírica, tenemos entonces entre manos algo completamente deífico. Cuando hablamos de himnos, hacemos referencia a canciones que signifiquen algo para un grupo de personas, algo que les represente. Y siendo así las cosas, Eagle Fly Free es un himno entre los himnos: un canto a libertad para toda la humanidad. Pero aún si hablara de algo trivial, seguiría siendo una pieza magistral por su musicalización. Desde el inicio mismo, con esa arrolladora arremetida, queda claro que Helloween tiene como intención superar lo hecho en su álbum anterior. Luego, durante los dos primeros versos, somos testigos de cómo se perfeccionó algo que pasaría a ser uno de los pilares del Power Metal: la base rítmica a doble pedal (y las sólidas líneas de bajo, claro está). Cierto que incluso en Walls Of Jericho esto ya se había visto, pero aquí termina de afianzarse y consolidarse como algo esencial, y todo gracias al gran (y pongámonos de pie para leer su nombre) Ingo Schwichtenberg.

Ya llegando al puente el trabajo en percusión es soberbio, lo mismo que el de Markus en el bajo, todo mientras los riffs del maestro Kai Hansen y Mike te llegan como verdaderos puñetazos. ¡Y el coro! Mi madre, ¡que pedazo de genialidad! ¡Inspiradísimo! Como si hasta ahí la cosa no fuera lo suficientemente portentosa, la banda en pleno sorprende entonces con uno de los pasajes más prodigiosos registrados alguna vez. El primero en lucirse es Kai, luego le sigue un solo simultáneo, luego Markus Grosskopf (con un solo de bajo que pocas veces vemos), sigue Michael y finalmente Ingo cierra con un trueno lo que debe ser el segmento instrumental más notable en la excepcional discografía de la banda. Nuevamente los coros, y posteriormente una cátedra de cómo debe sonar el Metal melódico. Sí, porque los segundos finales de esta canción son una de las glorias máximas del Metal en general. Si hay algo de Metal en tu sangre, es imposible que no te emociones y estremezcas con los acordes de esas gloriosas trompetas y la interpretación de Michael Kiske. Es a partir de este preciso instante cuando el grito del águila en la voz de Kiske se convierte en toda una institución del Power Metal. La configuración armónica es tal, que si cierras los ojos, puedes visualizar al águila y verle perderse en su vuelo, ese del que nos habla la canción. Esto, amigos, es una oda a la libertad y a la esperanza, cosas que casi son utopías en este mundo moderno. Podría escribir mucho más, pero ustedes saben bien de qué hablo: ¡este tema es simplemente parte de nosotros!

Luego de semejante vuelo sería difícil llegar más alto, pero aun así nos encontramos con un excelente tema. Siendo una gran canción, You Always Walk Alone puede parecer el punto más bajo del disco, lo que no debe en ningún caso privarnos de apreciar sus bondades. Se suele creer que esta es una de las dos canciones que Kiske compuso para este álbum, pero lo cierto es que fue compuesto un par de años antes (1986) por el mismo Kiske, pero para su anterior banda: Ill Prophecy. Con un sonido mucho más crudo y desprolijo al de la versión que todos conocemos, aquella evidencia igualmente la visión de Kiske como compositor en sus primeros años, muy distinta a la que mostró luego en álbumes como Pink Bubbles Go Ape o Chamaleon. Es interesantísimo ver los pequeños destellos de Metal progresivo que muestra, marcado por la multiplicidad de quiebres producidos por las guitarras, o la variedad en el trabajo de Markus y lo altamente técnico que es el cometido de Ingo. Es, por lo demás (y según interpreto), una suerte de exhortación para llevar una vida por las cosas que valen la pena para uno, lejos de banalidad. Quizás haya surgido a propósito del clásico de los cincuenta You’ll Never Walk Alone (esa que cantan los hinchas del Liverpool), no como una sátira hacia él, sino como una crítica a las personas que llenan sus vidas de vacío. ¡Quién sabe! Luego tenemos Rise And Fall, que debe ser una de las canciones que mejor retratan la atmósfera festiva que y lúdica que se vivía aún en el seno de la banda por esos años, cuando todo estaba considerablemente bien. ¡El tema en sí es un chiste! Pero que no se malentienda, da risa porque la letra es graciosa, no porque sea ridículo. Pero ojo, que en lo musical también es una maravilla, principalmente porque hasta las melodías están pensadas para engancharnos en la humorada. Todo, desde la risotada del comienzo hasta la granja que suena al final invitan a pasar un buen rato.

Llegamos así a otros de los grandes cortes de este álbum, ¡el mítico Dr. Stein! Deben ser escasos los conciertos de la calabaza donde no hayan tocado esta canción, y es que es uno de los preferidos de ellos y de los fanáticos. Se hace presente nuevamente ese humor un tanto sórdido que profesaban Weikath y Hansen por esos años, y que es tan característico de esa etapa. En honor a la verdad, es un tremendo tema; al margen de que su gran mérito sea ser un tema muy entretenido, tiene las cualidades suficientes para destacar por ser una gran composición. Desde esa desquiciada intro, con la que puedes palpar la insalubridad del laboratorio del desequilibrado Doctor, hasta esos desternillantes coros, pasando incluso por la labor de Ingo, quien magistralmente marca con su bombo en todo momento los cambios de tono en la voz de Kiske, quien a su vez utiliza un variedad tonal impresionante. Todo muy marcado por los riffs, que conforman una atmósfera muy relajada y distendida. Cierto, lo jocoso de la canción está dado en gran medida por la letra, pero convengamos que es la música la que termina de lograr el “efecto”. Mención especial para los solo de Weiki y Kai, así como para ese breve pero llamativo pasaje en órgano justo luego de los solos. ¡No es de extrañar que con los años se convirtiera en un clásico!

El sexto corte es otra maravilla, aunque no sé si el resto del mundo comparte esa apreciación (pero imagino que sí). We Got The Right es para mí lo mejor que Michael Kiske llagara a componer estando en Helloween (siendo Your Turn la única capaz de rivalizar con ella). Alguien podrá pensar “pero obvio, si la mayoría de lo que compuso Kiske en Helloween no es tan buenos”, y yo podría estar de acuerdo con ello, pero da igual, We Got The Right es un t-e-m-a-z-o con todas sus letras. Primero, ese expectante comienzo, con la notoria presencia del bajo y las líneas vocales inusualmente bajas. Luego están los versos y los puentes, donde ya se puede apreciar muchísima fuerza, a pesar de que la canción no es especialmente potente en riffs y tiene un trabajo en batería más bien reposado, eso se logra gracias al excelentísimo trabajo en las voces. Vocalmente este corte es lo de más inspirado que Kiske haya podido producir en la banda. Es cosa de escuchar ese coro nada más, o el último instante del último puente: pasajes verdaderamente imponentes. Instantes como ese llevaron a Michael Kiske a ser conocido como LA voz del Power Metal melódico. ¡Y esa lírica! Why don’t you open your eyes / To undercover all of these lies / I think you won’t accept this / Go oppose with your fist / Fight for your rights Qué inspirada, como para llevarla por himno en cada protesta que haya por causa cualquiera en cualquier lugar del mundo. En fin, es uno de mis temas favoritos de Helloween. Gracias, ¡Sr. Kiske!

En el lanzamiento original de 1988, no se incluía el corte que comentaremos a continuación. Sin embargo, en versiones inmediatamente posteriores, Save Us se añade. Es un tema que Kai Hansen compuso varios años antes (1982) y que –al parecer– él mismo exigió que fuera incluido en el tracklist. Lo más probable es que lo encuentres en séptimo lugar, sobretodo si adquiriste tu invaluable copia estando aún los ochenta en curso. Ahora bien, da lo mimo el lugar, ¡no dejará de ser una enorme canción!, puro Power Metal de la escuela clásica, con esa metralla alevosa: riffs rápidos sobre otros muy densos y pesados, doble pedal triturando en los momentos claves, solos prodigiosos, melodías vocales pegajosas y un estribillo en la misma onda. Llama la atención que temática tenga tantas similitudes con el tema que comentamos recién, que tiene que ver con el diagnósticos de una realidad deplorable y penosa en que se encuentra la humanidad, pero conservando siempre la esperanza de que tiempos mejores vendrán. Si se fijan bien, esto último siempre ha estado, en menor o mayor medida dependiendo de la etapa, en el espíritu de Helloween. ¡Qué increíble que Hansen estuviera componiendo material como este ya a principio de los ochenta! Bendito genio.

Si hace un rato agradecíamos a Kiske por su inconmensurable aporte en We Got The Right, ahora vendría siendo momento de agradecer a Kai Hansen, primero por habernos regalado tanto a lo largo de su carrera, y segundo por haber compuesto March Of Time. Verán, en mi opinión, Helloween tiene sólo un coro que puede pelearle el título de “El Más Glorioso” al de Eagly Fly Free, y ese lo encontramos precisamente aquí. Claro, tienen muchísimas canciones con coros realmente gancheros, memorables, más conocidos e incluso más elaborados, pero yo hablo de esa particularidad en el sonido, de esa estética, de ese sentimiento único que evocan al llegar a tus oídos. Hablo de esa propiedad que tienen esos breves instantes de hacerte sentir un poco más grande. Hablo de coros que son una suerte de bálsamo, que te hacen sentir que por un momento todo está bien y que no hay nada más. Es como si en realidad no pasaran por tu oídos y se fueran directo a tu espíritu. Cuesta describir, pero sé que ustedes me entienden. March Of Time me provoca eso, vaya que sí. El arranque mismo es casi axiomático en su esplendor, una maravilla, un soberano portento. Y ni hablar del estallido de Power Metal que se produce unos segundos después, que baja un poco las revoluciones durante el primer verso, pero que con la interpretación de Michael se mantiene vigoroso, y vuelve nuevamente a explosionar con una fuerza inconmensurable. En fin… Cada vez que escucho esta canción y entono ese estribillo siento que podría caer fulminado en el momento, bien muerto, y que no importaría porque todo en la vida habría valido la pena. Así es, ¡viva Hansen y la madre que lo parió!

Y acercándonos al final tenemos otro gran himno. Esperen… ¡esperen! ¿Cuántos van? Como cuatro, y en un solo disco. ¡Helloween nomás! Por mucho tiempo se especuló acerca del real significado de I Want Out, que parecía tener algo más que una loable declaración de principios tras ella. Se decía que podía haber un mensaje oculto de parte de quien la compuso: Kai Hansen. Todo ello se vino a confirmar con los años, cuando en una entrevista Kai reconoció que esa canción la hizo pensando en su deseo de abandonar la banda, deseo que por esos años sólo era algo incipiente, pero que fue aumentado en la medida que crecían también las presiones desde su entorno y el número de conciertos, así como también los cambios de orientación que estaba teniendo el grupo, que lo tenían descontento. Tanto fue así, que luego de la gira europea de este disco, Kai went out y formó Gamma Ray. Pero bueno, ¡eso es en el fondo y a nivel personal del maestro Hansen! En lo que atañe a cada uno de nosotros, ¡esto es un canto de liberación!, un llamado a decir “¡basta!” y a mandar al diablo todo lo que nos presione y no nos deje vivir en paz (en ese sentido, vaya que es consecuente Hansen: mis respetos). “Shut your mouth and take it home, ‘cause I decide the way things gonna be”. ¡En tu cara! Un temazo. Es otro de esos cortes que no pueden faltar en los conciertos, porque ya no es sólo de Helloween, es uno que pertenece a la cultura de los metaleros. Y es además un gran logro en lo musical. Sin ser extraordinariamente complejo, lleva por mérito el contar con las partes precisas en los momentos precisos. Riffs más bien sencillos, pero idealmente pensados que para que sirvan al propósito de la canción: noten como Kiske usa tonos bajos al comienzo, comunicando un tedio mayúsculo (¡cosa que podemos ver claramente en el clip de la canción!), y cómo las guitarras van acompañando eso. Luego en el coro mantienen esta simpleza, pero dejan todo el protagonismo a la voz, y el producto es que cada frase te golpea con su intención. Y hacia el final, otro momento legendario de la banda: el “Leave me alone” de 20 segundos que inmortaliza a Kiske. No hay mucho más que agregar, ¡el medio trozo de tema!

Con los tracks anteriores, y con todos los del disco anterior, estaba clarísimo que Michael Kiske era un excelso cantante. Pero es probablemente acá, en Keeper Of The Seven Keys, que da nombre a toda una saga de tres discos, donde Kiske se gradúa como gran maestro de la interpretación, y pasando a ser conocido como aquél sujeto que puede hacer todo lo que le plazca, creando escuela y mostrándole a las generaciones venideras cómo es que debe cantarse el Power Metal melódico (de ahí vinieron los Sammets, los Kotipeltos, los Kakkos, los Liones, etc.). Es una canción con una magnitud de grandeza que no siempre es dimensionada con total justicia por los fanáticos. Claro, todos sabemos que es una gran canción, pero si se presta atención, es imposible no concluir que es una de las grandes producciones musicales de nuestra era (comparable a Stargazer de Rainbow, o a The Rime Of The Ancient Mariner de Iron Maiden). Sí, ¡así de grande es! Musicalmente está entre lo más elaborado y cuidado que ha producido la banda (en todas sus etapas). Con distintos momentos y cambios de atmósfera, raya en lo progresivo, y ni mencionar el segmento instrumental. Posee demostraciones técnicas sobresalientes, y por sobretodo, presenta un entendimiento de cómo cada elemento en una obra de arte debe servir al propósito de los demás. Acá Helloween muestra una compenetración absoluta. Eximio trabajo en todo los frentes imaginables.

Además, estamos en presencia del tema más épico de Helloween, detalle no menor, y muy significativo. Y quiero decir “épico” en el estricto rigor de la palabra. A veces se suele pensar que lo épico tiene que ver con un sonido, algo que no podemos decir que esté del todo incorrecto; por eso algunos dicen con cierta razón que Rhapsody Of Fire “suena” épico. Entiendo a qué se refieren, pero la épica en realidad dice relación con una temática, más que con una estética sonora. Los italianos son épicos porque cuentan historias tan elaboradas como la del Guerrero del Hielo, epopeya que resalta valores y virtudes de un héroe por medio de la realización de una empresa. Keeper Of The Seven Keys es una grandiosa epopeya, al más puro estilo de grandes clásicos como La Ilíada o la Odisea (tal cual como lo leen). Es la historia de un héroe, El Guardián, que debe salvar al mundo de los diversos males que le aquejan, para eso debe emprender un viaje (tema recurrente en la épica, como en la Odisea) y hallar las siete llaves que sellarán el mal en siete distintos mares. Odio, miedo, insensatez, codicia, ignorancia, enfermedad, y un séptimo mar que nunca nos es revelado, aunque bien podría ser el de la tentación, porque es el mismísimo Diablo quien intenta persuadir, mediante agresión y amenazas, a nuestro héroe de no arrojar la última llave al mar. Finalmente, el Guardián vence la diabólica amenaza del maligno y logra sellar el último de los siete mares, no sin antes desencadenar una apocalíptica escena donde el Demonio y el mal son, literalmente, tragados por la tierra, con fuego, destrucción y caos por doquier. ¡Victoria! Decir temazo es poco e injusto. Son trece minutos absolutamente gloriosos. ¡Este tema ayudó a definir una era!

Eso es Keeper Of The Seven Keys part II, diez canciones determinantes a la hora de trazar el rumbo a seguir por incontables bandas que, al igual que uno, ven en Hellowen a los cultores y perfeccionadores del estilo que tanto atesoramos. Uno siempre se quedará corto al intentar describir la grandeza de placas como esta. Faltan y a la vez sobran los adjetivos para tal tarea, curiosamente, si se entiende a qué me refiero. Vendrán nuevas generaciones de metaleros, vendrán nuevos estilos, el Metal mismo verá tiempos buenos y malos, pero este disco en particular, se mantendrá siempre en un sitial privilegiado dentro de la música en general, pues con méritos propios se ha convertido en algo a lo que todos aspiran pero pocos logran: convertirse en leyenda.

Andy Zepeda