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Ya va siendo más de una década desde aquel día en que el proyecto que terminaría siendo conocido como Avantasia fuese concebido por la mente de un jovenzuelo Tobias Sammet, y estoy más que seguro de que ni siquiera una mente con tanto alcance pudiese prever aquello en lo que se convertiría dicho proyecto. Fue un día cualquiera, en pleno tour de Edguy, cuando Tobias ideó una historia que, según él, tenía el suficiente potencial como para poder desarrollarse y convertirse en un disco. El cómo, creo que hasta para él no era más que un sueño. ¿Un chiquillo de veintitantos años, reuniendo a sus más grandes ídolos para que le acompañasen a cantar e interpretar los roles de su historia? ¡Impensable! Pero ya todos sabemos como terminó la historia. Hoy, a casi 10 años del lanzamiento de esa obra maestra llamada The Metal Opera, part I, podemos decir con toda propiedad que… ¡Tobias lo hizo de nuevo!

Intentar comentar y analizar un disco compuesto por Tobias Sammet siempre va a ser una tarea compleja. Primero porque musicalmente será muy rico en detalles, eso es seguro. Y segundo porque los parámetros usados por su ingenio creativo nunca estarán fijos, de eso también se puede estar seguro. Desde el Hellfire Club, y más claramente, desde Rocket Ride, nunca puedes saber con certeza con qué saldrá el buen Tobias. Como máximo, puedes aventurarte a decir que es probable que lo que sea que haga no pesará desapercibido. En ese sentido, creo que podría haber dado lo mismo cuál de los discos analizaba y comentaba primero: iba a ser igual de difícil. Sin embargo empezaré comentado The Wicked Symphony, escapando un poco al azar, que era el criterio que pensaba usar. ¿Por qué? Bueno, verán: al igual que su hermano gemelo Angel Of Babylon, The Wicked Symphony es la continuación del monumental The Scarecrow. Ello se evidencia no sólo por lo musical (con muchos matices, claro), sino que también en el aspecto temático. Ahora bien, para mí por lo menos, este segundo aspecto es más claro con The Wicked Symphony, que por temática, debería ser (de nuevo, según yo) la continuación directa del trágico final de The Scarecrow (disco que termina con el personaje de Tobias sintiéndose totalmente abandonado y perdido en la vida: Lost in Space). No estaría demás recordar que The Scarecrow es la versión-adaptación personal de Tobias de la obra clásica de Johann Wolfgang von Goethe conocida como “Fausto”, una novela que todos deberían leer, pero que para efectos prácticos se las resumo así: un tipo le vende su alma al diablo a cambio de conocimiento y felicidad. A diferencia de los dos primeros lanzamientos de Avantasia (los Metal Opera) que contaban con un final feliz (bueno, igual se piteaban al pobre Lugaid), The Scarecrow es una tragedia. Lo que queda entonces es ver en qué queda la historia de El Espantapájaros luego de estos dos capítulos. Resumiendo: analizaremos primero The Wicked Sympohony, que por temática me parece la continuación de The Scarecrow, y luego, en otro review, Angel of Babyon.

Inicia todo entonces el tema homónimo: The Wicked Symphony. Estoy seguro de que la mayoría de ustedes ya debe haber escuchado el disco, y por ende también este primer track, pero ¿notaron la magnificencia de la introducción de esta canción? Espero que sí, porque es sencillamente impresionante. Una de los mejores preludios que he escuchado en muchos años (y siendo que soy asiduo al Metal Epico, he escuchado varios). Digna de las obras de grandes genios como Hans Zimmer, James Horner, Jerry Goldsmith o Toshiro Masuda. Podría haber perfectamente formado parte de sus soundtracks más inspirados. Un minuto y medio totalmente épico que da paso al Heavy/Hard Rock que parece ser lo que más le acomoda a Tobias por estos días. Primeas líneas vocales que corroboran que el estilo de canto que Tobias ha estado utilizando desde Rocket Ride lo será también en esta oportunidad. La participación de Russel Allen en el tercer verso para rivalizar con la de J2rn Lande en el cuarto es genial, más aún porque contrasta con lo melódico del coro. Luego está el mismo combate anterior, pero el que contra-ataca es Allen: notable. Lugo hay otro –de tantos- momento genial, que parece ser el punto en que The Scarecrow se da cuanta de que a través de la música puede lograr sus propósitos. Nuevamente está el coro, muy melódico y pegadizo. Lo cierra todo Allen de forma magistral.

Pocos temas tienen un comienzo tan glorioso como el de Wastelands, que rivaliza en términos de grandeza con la del anterior. Diría que esta canción es la hermana de Shelter From the Rain del disco predecesor, pues es bastante similar en su estructura general y hasta tiene a los mismos protagonistas: The Scarecrow y The Human-Upper. Y qué gran desempeño el de ese ‘humano superior’. Sí, porque este corte nos presenta a un Michael Kiske con una actuación simplemente superlativa. Perfecto, como es de costumbre. Shelter From the Rain es uno de mis temas favoritos del álbum pasado, básicamente por lo genial del coro, de lo más inspirado que le había escuchado a Sammet, pero en Wastelands sobrepasa incluso eso. Debo confesar que hace unas semanas, cuando salieron los samples en la página oficial de Sammet, tuve pegadas por varios días las líneas “You – you close your eyes, to blink the night away, at ease in the wastelands”, al punto que no podía esperar para poder conseguir el track completo. ‘Epico’ e ‘inspirador’, creo son las palabras que mejor podrían definir este corte. Lamentable, no es tan positivo para la historia, porque es el punto en que el personaje de Kiske, que de alguna forma ha venido aconsejando y cuidando al de Sammet, se rinde en su intento por ayudarle. Así el pobre Scarecrow queda aún más abandonado.

Lo que sigue es una patada directa a los incisivos superiores con alevosía. ¿No era que Sammet se había vendido y que iba a transformar Edguy y Avantasia en una imitación de Bon Jovi? Claaaro… Si es cosa de escuchar Scales of Jusctice. Qué temazo, ¡qué temazo! Si Rob Rock (que participara en Avantasia en sus dos  primeras ediciones) se autoproclama como “La Voz del Rock melódico”, creo que el gran Tim “Ripper” Owens podría autodenominarse como “La Voz del Heavy Metal” perfectamente, y nadie podría reclamarle algo. Imagino que no lo hace para no faltar el respeto a otros monstruos como Dickinson y Halford. Grandioso inicio, muy poderoso y con un riff endemoniado. Junto con otro temas como Under the Moon, es de lo más heavy que le he podido oír a Tobias. Los versos y los puentes de este tema son muy buenos, pero todo queda pequeño al lado del portentoso coro a cargo de El Ripper: inhumano. Cuenta Tobias que en el caso de esta canción, primero completó la música, y luego pensó en alguien que pudiese cantarla. Pensó que sonaría genial con alguien de voz poderosa como Tim, así que le llamó y gracias a Dios éste dijo que sí, porque ese coro, y en general la canción, hubiese sonado muy distinta sin él. No fue hecha para él, pero le calza perfecto. Hacia la mitad hay una pequeña pausa, un descanso, que retoma con una sección en mid-tempo, que muestra a un Ripper descollante; luego aparece el coro nuevamente, que no hace más que hacerte pensar “por Dios que canta bien este sujeto”. Acá Owens interpreta a la ira del Espantapájaros, que estalla cuando este se da cuenta de que la fama y el poder sólo le hacen daño, y entonces decide escapar. Perfecto, porque la voy iracunda de Tim es aplastante.

Sigue todo con el corte promocional, del cual hasta pudimos ver un video. Vamos por parte: Klaus Meine es Klause Meine, ponlo a cantar regetón y sonará genial igual (no es que tenga algo con contra del regetón…). Me refiero a que si bien, comparado con los tres temas anteriores, Dying For an Angel no es espectacular, pero es una buena canción de todas formas, y creo que Klaus tiene que ver mucho con eso. No diré que es él quien lo salva, pero sí le da ‘su toque’, y qué toque. Buen coro eso sí, muy ‘hardrockero’ y pegadizo. En cuanto a su estructura musical, podemos decir que esto sí que recuerda a lo que ha venido haciendo Sammet en sus últimas producciones, en especial Tinnitus Sanctus. Ahora bien, como single, parece haber funcionado muy bien, ya que desde que se lanzó, he podido notar que en general los comentarios sobre ella han sido muy positivos.

El quinto corte es Blizzard On a Broken Mirror, que cuenta con la participación de a alguien a quien se le extrañó mucho en la pasada entrega de Avantasia: Andre Matos. Creo que, lamentablemente para Andre, este track es de lo más bajo del disco. Ahora bien, entre tanta canción buena, eso quizás no es decir mucho. En efecto, no se trata de una mala canción, pero le falta mucho para ser un temazo. Lo curioso es que es la tercera canción más larga del disco, algo completamente innecesario, a mi parecer. Claro, tiene sus momentos. Por ejemplo, hacia la mitad, hay un solo por parte de Sascha Paeth muy sencillo, pero muy efectivo. A eso le sigue una especie de interludio, con orquestaciones que crean una atmosfera notable, y todo mejora al empezar los versos. Creo que en general es una buena canción, pero cojea donde se supone una canción debe hacerse fuerte: el coro. Sí, creo que el coro en sí es flojo, y Matos no aporta mucho a enriquecerlo.

Una bellísima introducción en piano, probablemente ejecutada por Michael “Miro” Rodenberg (que participó en el disco anterior e incluso tuvimos oportunidad de ver en Chile), inicia el sexto corte: Runaway Train. ¡Bob Catley! Por fin, ya me estaba preguntando en qué track aparecería. Y a decir verdad, cuando escuché ese inicio pensé que era el momento propicio para su aparición. Qué grande es Bob, y qué bien le quedan esos tonos bajos. En Magnum supo sacarle mucho partido a eso, creando baladas notables como Last Dance o Need A Lot of Love. Tras ese primer verso comienza el rock, sin dejar de ser una balada claro. Hay un solo buenísimo del Gran Bruce Kulick (ya saben: Meat Loaf y Kiss), que da paso a la siempre impresionante voz de Jørn, que más bien ruge, aún en sus tonos bajos. Siguen otros versos por parte de Tobias y luego el muy buen coro, con la voz de éste último al frente. Más adelante, en los versos se invierte el orden, con lande secundado y cantando más alto, un recurso que ya habíamos visto en el primer corte. Notables orquestaciones de fondo además. Todos suena muy melódico pero con fuerza. Las cosas se calman, reaparece el piano y junto con todo el feeling de Bob (quien interpreta al espíritu bueno) para criticar y cuestionar al Espantapajaros por haber obrado mal: “Will you pretend that you were blind, When you were really seeing”. En este punto de la historia el protagonista parece no querer saber más de la fama y esas cosas: sólo quiere huir. ¡Ah! Pero hay más, porque este track también cuenta con la presencia de Kiske, justo antes del coro de cierre. Qué bien estructurada está esta canción, todo muy bien pensado, sin duda uno de los puntos más altos del disco.

Llegamos a uno de los temas más interesantes de todo el álbum: Crestfallen. Antes de comentar la canción en cuanto a lo musical y lo lírico, permítanme hablar un poco sobre la voz de Sammet. En una muy reciente entrevista, el cantante comenta que cuando escucha algunas de sus antiguas canciones, se rasca la cabeza y se pregunta que en qué estaba pensando. A decir verdad, no le gusta como sonaba en ese entonces. En lo personal, siempre he pensando que Tobias es un gran vocalista, y me gusta tanto su antiguo estilo como el que ocupa hoy en día. En es misma entrevista, cuenta que fue Sascha quien le instó a cambiar su forma de cantar, pues se hartó del olor a vómito que había en el estudio por el malestar estomacal que le provocaba al ex Heavens Gate el escuchar esos tonos medios nasales altos y limpios (¡palabras de Sammet!). Y bueno, es así como tenemos a Sammet cantando así en la actualidad, con una voz más ‘rasgada’ y sonando más agresivo. Y cómo se agradece la influencia de Paeth al escuchar canciones como Crestfallen. Para variar: gran coro. Eso sí, tiene la particularidad de mostrar a Tobias cantando una línea con una agresividad inédita, un detallito que queda muy bien. Luego está Jørn, nuevamente notable. Aquí, vemos al personaje de Lande –Mephistofeles– intentando persuadir y tentar una vez más a The Scarecrow, y a éste intentando desesperadamente resistir. Un temazo, en todas sus dimensiones: musical, lirica y dramática.

El octavo corte es Forever Is A Long Time, que en buena parte sigue la línea temática del corte anterior. Acá podemos ver al diablo argumentando a su favor, y al Espantapájaros totalmente perplejo y totalmente perdido, pensando que no vale la pena creer o vivir por algo, ni siquiera en el diablo o en el trato que había hecho previamente. Siendo así las cosas, el Diablo le responde que resistirse a él no tiene sentido, que será una lucha eterna y sin sentido además de enrostrarle continuamente el abandono del que fue victima por parte de Dios. Bastante denso. Sí lo piensas así, la música que acompañe la letra debería ser algo cercano al Doom, sin embargo, nos encontramos con una de las canciones más motivadoras del todo el disco. Con versos y puentes muy típicos del AOR, en especial de los últimos años. Y ni hablar del coro, porque es uno de los más gancheros y melódicos de todo el disco: “You are defying the devil, Forever this time. But you can’t imagine Forever will drag on a long long time…” En fin, otro de los temas que me han traído pegado estos días. ¡Qué mostro que es Lande! Todo lo que canta lo convierte en oro. Impecable final, con el coro repitiéndose hasta el final. Octavo corte y séptimo gran tema.

El noveno corte nos trae otra gran sorpresa: otro de los ausentes en The Scarecrow regresa en gloria y majestad. Se trata de nada más y nada menos que Ralf Zdiarstek, quien participara en los dos primeros álbumes interpretando a Falk von Kronberg (para los más despistados, aparece en Memory, Glory of Rome (al comienzo) y en Malleus Maleficarum). Black Wings abre con unos pesadísimos y muy densos riffs, que van sentando las bases para la entrada de una muy notable interpretación de Ralf y su gran voz. Esta canción habla de los posibles aspectos positivos de la ira. El personaje de Ralf de hecho es presentado como aquél “aspecto protector y sanador de la ira”. Lirica y vocalmente esta canción es notable, pero en lo musical me deja con gusto a poco. Se hace un poco monótona, y en la parte media, donde se vuelve más lenta, para dar paso a los solos de guitarra, la verdad no prende mucho que digamos. Creo que es la participación de Ralf la que hace que uno no presione el botón de ‘siguiente’, eso además de que es sumamente interesante a nivel de drama.

¿Les había mencionado que Russell Allen es uno de mis cantantes favoritos? Bueno, los fanáticos de Symphony X sabrán bien por qué. ¡Qué enorme voz la de este tipo! Junto con Lande, posee una de las voces más poderosas y versátiles del Metal (es por eso que discos como The Battle y The Revenge son verdaderas joyas). Y en States Of Matter hace, más que una demostración, ostentación deliberada de su gran versatilidad. Me resulta casi asombroso que el dueño de esta voz sea el mismo que el de canciones como Domination, pero sí, es el mismo. Este corte es una obra maestra de cómo fusionar  Heavy Metal de lo más al hueso que puedas imaginar con líneas melódicas bastante alegres que evocan cierto optimismo, sin caer en la contradicción ni el sin sentido. Un tema particularmente inspirador, en especial su coro, lo que no deja de ser un punto a favor de Sammet y Allen, porque el personaje de este último es La Inspiración, precisamente. Acá vemos a la inspiración actuando como una especie de luz esperanzadora para el Espantapájaros, que moral y emocionalmente está un tantito devastado. En cuanto a lo Instrumental, está muy bien lograda además, con notables participaciones de Alex Holzwarth y Sascha Paeth. Ya perdí de la cuenta y no sé que número de temazo es este, pero es eso: ¡un temazo!

Un comienzo bastante lento, propio de una balada, abre el undécimo y último tema de este primer disco: The Edge, que ya por el título podemos intuir de que tratará. El primer verso da la idea de que ésta será una de aquellas baladas melosas que más de una vez se han usado para cerrar un disco. Bueno, no es el caso, creo que más que una balada, se trata de un tema en mid-tempo, bastante bueno a decir verdad. Pero si se quiere, se puede decir que es una balada Heavy. En cuanto a sonido recuerda en algo a Dying For An Angel, con el sello de Edguy en sus últimas producciones. Es un buen tema como ya había dicho, pero si se le compara con los otros temazos del disco, queda un poco al debe, especialmente si le considera en su calidad de tema final del disco. Ahora, en términos de trama The Edge es uno de los temas más importantes. Acá nos encontramos con un protagonista totalmente destruido, desmoralizado y abandonado, al borde del abismo, como sugiere la canción. Es muy significativo que esta sea la canción final de esta primera parte del disco, por lo que queda ver con qué continúa la historia.

Para ir cerrando esta primera parte de este review doble hay que consignar varias cosas. La primera sería que se trata de un disco con varias canciones realmente sobresalientes, verdaderos temazos que seguro de a poco irán transformándose en grandes clásicos del Power/Heavy Metal. Temas como The Wicked Symphony, Wastelands, Scales of Justice, Runaway Train, Forever Is A Long Time, States of Matter, entre otros, son muestras concretas de que Sammet sigue siendo un gran compositor, capaz de regalar obras a la altura de sus clásicos Metal Operas. Segundo que me parece importante destacar, es que estoy consciente de que este es un disco muy distinto a las primeras creaciones de Sammet, y que en ese sentido, es más cercano al –enormemente subvalorado- The Scarcrow. Se requiere algo de apertura de mente para hallar el verdadero valor de este disco. Un discazo, sin duda, pero no sé si todos podrán apreciarlo.

TRACK LIST:

01. The Wicked Symphony
02. Wastelands
03. Scales Of Justice
04. Dying For An Angel
05. Blizzard On A Broken Mirror
06. Runaway Train
07. Crestfallen
08. Forever Is A Long Time
09. Black Wings
10. States Of Matter
11. The Edge

Puedes leer el review de Angel Of Babylon (editado por Icarus Music) haciendo click aquí.

ANDY ZEPEDA