Que extraordinario 31 de enero en el Caupolicán y en realidad no se por dónde empezar para dejarlo en claro, así que será mejor entonces retratar la sensación que tuve al concluir el show, la sensación de que acababa de ser testigo de una de las mejores voces que haya escuchado en vivo.

Después de haberlo visto por fin en Chile, sinceramente no hay disco ni DVD ni ningún otro material envasado, sea de Saratoga, Stravaganzza o incluso 037, que le haga justicia a lo que Leo Jiménez es capaz de hacer con su voz en escenario. Su apodo de “La Bestia” cobra real sentido en concierto, con una garra que no deja a nadie en sus cabales, un poderío atronador de resistencia sublime, maestría indomable, pura fuerza, energía y clase.

No es el niño en bruto de los discos de Saratoga ni el maduro/versátil de los dos trabajos de 037, sino una potencia apabullante y fuera de este mundo lo que se siente en directo, de espectacularidad suprema y directa al cráneo, logrando entregar melodía con brutalidad y precisión inenarrable, sólo capaz de de sentirse cuando uno está ahí donde el fuego arde. Recuerdo grandes episodios en los que otros cantantes me han dejado impactado, como Jorn Lande cantando Soulburn en el Providencia con Masterplan, Hansi Kürsch gritando en la parte final de Mordred’s Song en el Víctor Jara el 2002 o Russell Allen raspando sus cuerdas vocales en la visita de Symphony X el 2007, ¡pero lo de Leo fue escandaloso! Guardaré para siempre en mis oídos sus gritos melódicos en Héroe, esos la frase “cómo la vida te cambiará”, ni tampoco los bramidos finales en Desde el Ataúd, rasgándose el alma en una performance apasionada a rabiar.

Imposible quedar indiferente ante un despliegue tan grande de energía vocal y creo que el caso de Leo es muy parecido al de Tarja Turunen, que si bien los discos por los cuales ambos son reconocidos en el medio corresponden ya a etapas superadas, ahora cantan mejor que en esos tiempos, realizando sus mejores performances en cuanto a capacidad técnica, habilidad e interpretación. Sus voces se encuentran en un clímax, en su punto más álgido y hacen lo que quieren con ellas. En ese sentido, hay que señalar que Leo Jiménez montó un show heroico, valiente, porque siendo que había mucha hambre de verlo cantar canciones de Saratoga o incluso hasta de Stravaganzza, el tipo vino y planteó con autoridad un show de 037 sin comodines, completo de su banda actual a excepción de un medley que llamó “tributo al Heavy Metal español”, sin mencionar a sus antiguos grupos.

Para resumirlo, fue uno de esos shows a los que uno puede ir quizás con sólo conocer la voz del protagonista y apenas dos o tres canciones de su ciclo actual, pero que una vez finalizado cualquiera queda enganchado con todos los temas interpretados, con ganas de salir corriendo a conseguir material de aquellos trabajos sólo por lo espectacular que salieron en vivo. Ahora entiendo bien lo que Leo decía en entrevista, que “me doy cuenta de que la gente no le importa tanto el grupo con el que estoy, sino lo que quiere es oírme y sentir lo que yo estoy demostrando en ese instante”, ¡y lo que demostró en Santiago fue simplemente espectacular!

Un montaje pequeño en un escenario grande como el del Caupolicán y ningún telón de fondo, confirmaba lo que Jiménez venía diciendo, que vendría a dar “caña” como se daba antiguamente, sin “necesidad de parafernalia”. Se avizoraba un show directo y de mucha actitud, de mucha pasión y entrega, cosa que se afirmó rápidamente cuando salió el primer integrante de 037, el joven batero Matt de Vallejo, quien en lugar de sentarse en su instrumento bajó hasta el público y de derecha a izquierda en la barricada saludó a todos los que pudo. A las ocho y media y con 700 personas en la cancha partió el repertorio con Tantas Vidas de Los Fuertes Sobreviven, de inmediato provocando saltos y cánticos con su coro. Leo llamaba al sonidista de monitor para que subiera el volumen de la guitarra de su “mano derecha”, de Ix Valieri, pero el sonido ya mostraría un mejor desempeño en Condenado, dejando que la batería y la guitarra juntas brillaran en esos pesados empastes con tono a “motor de camión apretando el acelerador”. Los cuatro cantaban el coro y todas las voces se distinguían, prometiendo “una noche de Rock y Heavy Metal” a “todos los hermanos chilenos”.

Detrás de la reja había un cultivo de saltos provocado por un ritmo de mucha onda, ambiente que se prolongó hasta Cuenta Conmigo, cuando Leo se deshizo de su guitarra cobró cuerpo y gracia como frontman. La Bestia cabeceaba, movía su melena y las chicas gritaban, al mismo tiempo que Valieri enseñaba su ganchero virtuosismo rockero que tanta personalidad le otorga a 037. “¿Sabéis saltar?”, preguntaba el cantante y de nuevo la adrenalina subía entre la audiencia. Después llegó el corte que más me gustó de todo el concierto, Héroe, que en su versión en vivo me recordó mucho a lo que Savatage hacía en Edge of Thorns (1993) o Handful of Rain (1994), un tema dulce, aunque con un peso a la vez hecho para seguir con el pie y la cabeza, un poco de AOR y un poco de Guns, ¡notable!

El Heavy Metal volvería en gloría y majestad con Bebe de Él, que hacía notorio el contraste entre Títere con Cabeza (2009) que es más metalero tradicional y Los Fuertes Sobreviven, que resulta ser más rockero. Qué privilegio escuchar a Leo exigiéndose al máximo y brillando como pocos, raspando su garganta, encaramándose en agudos, animando al público. Una vez finalizado Caminos de Agua, el cantante no perdió la oportunidad de presentar a sus compañeros con un tono de sentirse privilegiado de compartir escenario con aquellos músicos, con humildad y alegría. Habló que se viviría una fiesta, que entre el público distinguía caras de felicidad y que eso los hacía muy felices a ellos también.  “Hay una balada muy bonita en este último álbum. Se llama Siempre Estará en Mí”, ante lo que los asistentes respondieron con un estruendo. El sonido a estas alturas era muy bueno y la voz se escuchaba nítida en cada respiro. Matt aprovechó el espacio de descanso en la batería para acercarse al micrófono de Jiménez y alentar al público, en uno de los momentos donde fueron absolutos protagonistas de la composición.

Dicho y hecho, el concierto se transformó en una fiesta y el baile arribó con los tambores de La Danza de Hyde, uno de los himnos más metálicos y antémicos de 037, ¡así que por supuesto que no falló en encender los “hey” de la gente! La descarga heavymetalera continuó con la impresionante Huye y Volar, no sin que antes Leo tratara de anunciarla ante un público que sabía muy bien cuál pista era. La banda no presentó la versión acústica que recientemente se estrenó en video promocional para esta gira latinoamericana, sino la original y con mucha fuerza, cerrando quizás el tramo más enérgico de la noche.

“¿Cuántas Juliettas hay por aquí?”. Con esa pregunta de Leo prosiguió el concierto y todas las que estaban adelante gritándole levantaron la mano, con incluso una jurando ahí mismo que de verdad se llamaba así. Lo cierto es que Jiménez provocaba reacciones histéricas, pero a final de cuentas su voz era lo que más le importaba a todos y en Bella Julietta se escuchó con brillantez cristalina. El groove y la onda rockera se hicieron sentir con Tu Vida Entera de Los Fuertes Sobreviven, un tema contagioso a rabiar que en vivo cobra muchísimo más sentido y carácter. ¡Inolvidable su coro en directo!

Ahora, el momento más especial de la noche vino antes de Volver, en algo que no recuerdo haber visto en ningún otro concierto, una salida de carisma extraordinaria para la cual hay que tener mucha valentía, ¡y vaya que Leo la tuvo! Todo comenzó cuando el vocalista comentó lo raro que era que justo cuando se estaba en lo mejor, las cosas debían terminar y preguntó al público si quería escuchar más. Dijo que “si se portan bien” habría más y después indicó: “los que están en las primeras filas se están portando muy, muy bien. Los que están un poco más atrás… ¡bastante bien! Pero los que están más allá, ¿¡qué les pasa!?”, refiriéndose a los que se encontraban en palco, cerca de la mesa de sonido y las puertas de entrada. Entonces a todos nos pidió que nos acercáramos al escenario,  que dejáramos los lugares cómodos y nos uniéramos a los que estaban celebrando y gritando pegados a la reja. Leo insistió y no hubo más opción que hacerle caso. “Ustedes allí, ¡salten esas vallas!”, les gritó a los de un palco al costado, ¡y así todos a excepción de unos cuatro tipos más una pareja se colocaron adelante! “¡Ahí sí!”, bramó La Bestia y finalizó el set regular con aquella canción, generadora el lapso más movido de la noche.

Tras la primera despedida,  Matt volvió al escenario con un solo de batería corto pero muy vistoso, que provocó raramente poco jolgorio entre los asistentes. Lo que sí levantó aplausos fue el regreso de Leo con la camiseta chilena, de inmediato para interpretar Buitres. Acto seguido vino el único pequeño paréntesis en el repertorio de 037 con un medley de Si Amaneciera de Saratoga, Al Otro Lado del Infiero de Los Ángeles del Infierno (donde estuvo Valieri) y El Lago de Mägo de Oz, honrando el currículum del bajista Sergio Martínez.

Los Fuertes Sobreviven y Desde el Ataúd configuraron el adiós de un concierto apabullante en su energía, tras luego de una hora y 50 minutos de descarga. Para ser fanático de Leo Jiménez es un deber vivir la experiencia de escucharlo en vivo porque allí es donde se gana su apodo y donde más brilla. El rock español suena mejor en vivo y decir sólo que es la mejor voz rockera de la península ibérica es subvalorarlo, ¡su talento y garra rompen fronteras! Ya ha dicho él en entrevistas que Ripper Owens es quien la lleva a nivel mundial, ¡pero ya quisiera ver al ex Judas Priest si se topara con el vozarrón de Leo! Qué manera de convencer, de cautivar, ¡de encender en vivo! Magnífica experiencia.

Setlist:

01. Tantas Vidas
02. Condenado
03. Cuenta Conmigo
04. Héroe
05. Bebe de Él
06. Caminos de Agua
07. Siempre Estará em Mí
08. La Danza de Hyse
09. Huye
10. Volar
11. Bella Julietta
12. Tu Vida Entera
13. Volver
14. Buitres
15. Medley (Saratoga, Angeles del Infierno, Mägo de Oz)
16. Los Fuertes Sobreviven
17. Desde el Ataúd

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

Las escaleras descendentes de la Blondie fueron un marco mágicamente idóneo para la explosión de metal nórdico mitológico que se venía. Tal como la carátula del aplastante álbum llamado “Skyforger”, donde aparece “el árbol de árboles” según los antiguos nórdicos (Yggdrassil) cuyas ramas se elevan al cielo pero cual espejo de consecuencias, también se proyectan raíces hacia el centro de la tierra en una simetría aplastantemente divina. Esa sensación especial se podía sentir al bajar y bajar hasta llegar al escenario principal, de palpar el concepto tras Amorphis.

Amorphis, Amorphis… qué decir de ellos, es una de esas grandes bandas subvaloradas que cuando se les da una pequeña oportunidad dejan claro que merecen mucho más que el “mainstream” de música actual y del rock, cómo no si incluso cuando a sus propios fans se les pregunta ¿qué estilo tiene Amorphis? ninguno responde lo mismo, porque son más menos inclasificables entre Doom, Death, Sinfónico, Melódico, Progresivo, Folk, etc., etc., lo que refleja mucha innovación dentro de un estilo de música que amamos, pero tiene mayormente otras virtudes. En esta segunda visita a Chile, y primera como número central, se tenía alta la vara de ansiedad y expectativas, pero se cumplieron con creces.

Sin teloneros y ante no más de unas 700 personas, a las 21:05 comenzaron a escucharse unas guitarras que lamentablemente no eran usadas por Esa ni Tomi, sino por los roadies que al parecer “como que estaban haciendo” la… ¿prueba de sonido? Está bien hacer unas pequeñas calibraciones de instrumentos ¡pero no tanto rato! Fue extraño, se esperó más de media hora y la verdad se temía por la calidad del sonido o que algo quizás faltaba.

No obstante lo anterior, toda ansiedad se termina cuando suben al escenario, ya pasadas las 21:30 hrs, el Sr. Jan Rechberger (batería) y el Sr. Santeri Kallio (teclados). En pocos instantes ya estaban arriba Niclas, Esa y ambos Tomi, para dar inicio a la memorable jornada.

Ante el impresionante y muy nórdico telón de fondo alusivo al último trabajo The Beginning of Times, la banda comenzaba su travesía 2012 sobre suelo chileno presentándose en la voz de Tomi con un clásico “¡We are Amorphis!” a través de la potente Song of the Sage.

Sin mucho respiro se venía ahora un saludo al álbum “Silent Waters” con Towards and Against. Fue una clara representación de la noche, un público no muy numeroso pero épicamente entusiasta en cantar y apoyar. Aunque principalmente los últimos discos, no tanto la primera etapa más Death de Amorphis, y sin querer ahondar en eso, creo que no hay nada de malo. Los caminos del Metal son a veces muy misteriosos y en mi humilde opinión, el “alma” de Amorphis está básicamente en los trabajos alusivos al Kalevala, alguien que siga solamente la etapa más extrema inicial pero odie lo último, no creo que sea el “true fan” de ellos.

Ahora un Tomi, aún no tan sorprendido a través de su “absolutamente inclasificable” micrófono, agradece al público y nos menciona que se viene algo del “Eclipse” con ¡The Smoke! Otro de los temazos de Amorphis. Esa melodía entre melancólica y épica que se mueve por delante con el teclado y guitarra de Santeri y Esa, es a la perfección seguida “de fondo” con la guitarra rítmica de Tomi y el bajo de Niclas. Fue el primer punto alto de la noche cuando los metaleros presentes vociferaban el clásico “oh oh oh”. Cierra el momento Tomi cuando ahora sí entre emocionado y sorprendido lanza un natural “This is fantastic!, thank you!”

(Tomi) “Sky is… (publico) mine!”, Sky is Mine! y la guitarra con el efecto digital delay de ésa nos sumerge en las aventuras de Ilmarinen en la parte del Kalevala alusivas a él, IMPECABLE ejecución de la banda, compacta, sólida, en particular los solos de teclado y guitarra. El público, como siempre es la audiencia chilena, parte del show.

Ahora Tomi nos mencionaba que iban a hacer un saludo al disco “Elegy” a través de On Rich and Poor!! Responden todos … se nota que otro período compositivo se hacía presente, cómo recuerda este tema a lo mejor del “swedish metal”, y aunque ellos son finlandeses, está claro que estos vikingos ahora conquistan a través de la música (creo que sería un buen tema para una editorial futura…), fue un temazo ejecutado a la perfección. Tomi agradece al público con sus pulgares arriba, ya la compenetración era total.

Volvemos “al futuro” con Sampo y el Yggdrassil de “Skyforger”. A estas alturas cómo no rescatar la maestría vocal del Sr. Tomi Joutsen, tanto en lo gutural como en lo limpio, es un tipo solidísimo que al menos desde donde yo estaba no se le escuchó ningún error, todo lo contrario, pese a lo exigente del repertorio de Amorphis, su desempeño fue superlativo. Del resto de la banda, llama la atención lo compenetrados que son, nadie quiere destacar sobre el otro, a diferencia de un típico show de heavy donde el batero o guitarrista muchas veces se divierte solo con el público, en este caso no aplica ni es necesario, Esa, Tomi, Niclas y Santeri son como el engranaje perfecto tras el macro objetivo del arte, excelente.

Nuevamente Tomi juega con el público con el “complete la oración”, en este caso “complete la canción” aludiendo al excelente último trabajo y su single: You I… NEEEED! todos cantando y disfrutando, maravilloso momento, nada más que decir.

A continuación una explosión de Death Metal más a la vena comenzaba con Majestic Beast (preludio) y luego con Vulgar Necrolatry que nos remonta hasta 1992 y The Karelian Isthmus. Como dije antes noté que algo bajaron las rpm en el público con esta parte del show, pero nada demasiado fuerte como para haber bajado la alta factura de la noche.

Luego un “Do you want more?” de Tomi era respondido por una avalancha de vítores para “avanzar” a 1994 y 2001 respectivamente con Into Hiding (que gran tema) y Alone, nexos perfectos en secuencia para cerrar la primera parte del show con otro de los puntos altísimos de la noche: Black Winter Day. En este temazo el sintetizador de Santeri es tan importante que fue él el único músico de la noche presentado por Jousten. Ya a esas alturas habíamos escuchado casi doce temas y el tiempo parecía haberse detenido … un estruendoso aplauso y aclamación cerraba el núcleo inicial.

Muy breves minutos pasaron hasta que se escuchó de fonda la intro del “Skyforger”, preludio perfecto para dar paso a una tríada de temas demoledora y que son cierre perfecto de un show de alta factura como éste.

Partimos con la potente Silver Bride, al parecer una de las favoritas del público, para seguir con la guitarra acústica de My Kantele, que llama a la meditación e introspección personal. Durante un rato Tomi se va y es la banda sola quien ejecuta los acordes, interesante, el equilibrio no se pierde porque estábamos viendo un *grupo* de verdad…

El preludio para la última ejecución viene de forma emotiva, porque claramente Tomi Joutsen no exagera ni es “políticamente correcto” cuando emocionadamente afirma “thank you for coming and supporting Amorphis” (gracias por venir y por apoyar a Amorphis), la ejecución perfecta de banda y público de House of Sleep fue solamente un nexo para el siguiente show de estos finlandeses en Chile, de seguro será con más público, pero igual de espectacular.

Un show redondo, sin desorden de ningún tipo de parte del respetable (sin duda mereció el nombre), un recinto acorde a la temática y a las exigencias técnicas, una banda impecable con un sonido aceptable y un setlist demoledor, solamente quizás, faltó Väinämöinen para preguntarle directamente a él la razón místico-esotérica-mágica del porqué el metal se une de forma tan perfecta con las temáticas paganas, quizás ese sea el gran secreto que nos hará perdurar.

Notable Amorphis.

Setlist:

01. Song of the Sage
02. Towards and Against
03. The Smoke
04. Sky is mine
05. On Rich and Poor
06. Sampo
07. You I need
08. Majestic Beast
09. Vulgar Necrolatry
10. Into Hiding
11. Alone
12. Black Winter Day
Encore:
13. Silver Bride
14. My Kantele
15. House of Sleep

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

La vez anterior que Children Of Bodom vino a nuestras tierras, su tercera a decir verdad, fue la primera oportunidad que tuve de verles. Venían a promocionar un disco que honestamente a mí no me había convencido del todo. Pensaba que eso no importaba mucho, pues de todos modos tocarían temas de sus otros discos, y uno que otro de aquél Blooddrunk. Básicamente algo así como “bueno, habrá que aguantarse esos temas”. El punto que quiero ilustrar es que en realidad Children Of Bodom es una cosa muy distinta en vivo en relación a los discos. Difícil de explicar, no es necesariamente la entrega de sus músicos, ni calidad de frontman de Laiho, es quizás una mezcla de todo, es una suerte de misticismo que hace que los temas simplemente suenen increíblemente potentes y te vuelen la cabeza.

Con esa experiencia ya en los oídos, este nuevo concierto me generaba muchas expectativas. Nuevamente venían con un disco que no me llena, cosa que ya no me resulta relevante, porque los tipos se las arreglarían igual para hacer un concierto asombroso. Eso pensaba, y la verdad… ¡No me defraudaron! Les cuento ahora cómo fue. El concierto estaba programado para iniciar a las 20:30 horas, pero arrancó con un pequeño retraso de 10 minutos, que pese a ser breve, desató la impaciencia de los alrededor de 1.000 fanáticos que se apersonaron en el Caupolicán, y que no paraban de pedir a la banda vociferando “¡Bodom! ¡Bodom!” Suficiente espera, y a las 20:40 el Teatro queda a oscuras para que luego el escenario se tiñera de luces verde y púrpura. El primero en aparecer fue Jaska, que rápidamente se ubicó tras su imponente batería. Le siguió Henkka, quien ingresó saludando junto a su bajo. Luego, al mismo tiempo suben Janne y Roope, para dejar al final a Markku Uula Aleksi Laiho, o Alexi, para los amigos. Ya con los cinco muchachos sobre el entablado la ovación y el reconocimiento eran gigantescos. ¡Cuánto fanatismo despiertan!

Y como un verdadero “palazo” llegó Shovel Knockout. Qué nombre más apropiado, ¿no? Desde el arranque mismo Jaska demostraba sus habilidades, imponiendo autoridad desde los tarros y comandando el ataque, dejando sentir lo aplastante de sus bombos. Lo propio hacía Henkka, con esas furiosas líneas de bajo que presenta la canción. Luego es el turno de las guitarras y comienza con ello el desmadre total de parte del público. Y cuando Alexi irrumpe con ese desgarrador grito que desata la tormenta de riffs, el público soltó amarras y se volvió absolutamente loco. Un caos total allí en medio del sector de cancha. Así avanzaba la canción, con mucha intensidad, con notorios momentos de despliegue técnico, como aquél solo que le corresponde a Janne, o el que se despachó Alexi hacia el final, cuando ya casi todo se había silenciado. Children Of Bodom estaba de vuelta en Chile, y lo hacía saber con fuerza.

¡Nada de pausas! Cero consideración al abnegado fan y de inmediato estalla Are You Dead Yet?, provocando que toda la gente se acoplara en la parte frontal de la cancha, desatando una serie de mosh en ese sector. Notable momento, con la gente prendidísima, cantando al máximo de sus facultades el potente estribillo, resaltando ese golpeado “Are-You-Dead-Yet!” Otro que destacó fue Henkka, quien apoyaba con una poderosa voz gutural durante ciertos pasajes, dándole mayor libertad a Alexi para ocuparse de las cuerdas. Al terminar, el vocalista hace un alto para agradecer a los asistentes, mencionando que para la banda era muy importante poder estar en Chile y contar con la presencia de los fans. Para ser franco, Alexi siempre me ha parecido un sujeto apático, pero en este momento se mostró muy entusiasmado (¡feliz!) y creo que de verdad sentía sus palabras. En efecto, ese “Hooooly fuck!” en señal de sorpresa le salió del alma. En seguida una vuelta a lo más reciente, Relentless Reckless Forever, para interpretar uno de los cortes que más rescato de aquél álbum: Not My Funeral, con una gran recepción del público y una grandiosa interpretación de la banda.

Pero vamos, ¡que ya iba siendo momento de algún clásico! Pensaba en eso cuando Laiho deja por unos segundo el escenario, vuelve y con su dedo índice hace un gesto pidiendo más entrega por parte de la audiencia, esta obedece (¡qué control! Literalmente, sólo movió su dedo) y en medio de esa ovación comienza a sonar Kissing The Shadows, del enorme Follow The Reaper (2001). Recuerdo que en el concierto anterior la gente la pedía con gritos desesperados, pero jamás llegó, por lo que ahora, cuando comienza a sonar, el griterío simplemente se hizo un infierno. ¡Tremendo! Soberbio despliegue de técnica por parte de cada músico, resaltando Janne y Alexi al momento de los solos. Viejo, los dedos de Wirman volaban a lo largo de su teclado, era impresionante. El guitarrista no se quedaba atrás y demostraba que es un virtuoso y un shredder formidable. ¡Qué gran canción! La gente la agradeció de sobremanera.

Hay que mencionar algo: el sonido era excelente. No sé cómo lo habrán vivido los amigos más cercanos a las barreras, pero desde el sector posterior de cancha yo escuchaba todo muy definido y con la intensidad precisa. Así que el sonidista debe llevarse unas palmas (mención especial para su rockabillesco peinado). Bien, continuemos. La banda se toma un respiro, dando espacio para que el público dejara caer un reconocimiento gritando “¡Bodom! ¡Bodom!”, estábamos en eso cuando inicia Living Dead Beat, uno de los puntos altos de Are You Dead Yet?, encabezada por el rosa fosforescente de los detalles en el mástil de la guitarra de Laiho. Casi sin pausa comienza Roundtrip To Hell And Back, también del disco que venían a promocionar, y que si bien es más lento que al anterior o que muchos otros cortes de la discografía de la banda, no se queda atrás en cuento a fuerza, sino que la derrocha. Al parecer es una de las favoritas de la audiencia respecto a RRF, porque se coreó como si fuera uno de los clásicos más queridos.

Un rugido de Alexi marca el inicio de lo que sería uno de los momentos álgidos de la noche. Pregunta si conocemos algunas de las viejas canciones y anuncia que nos preparamos, porque eso se viene. ¡Y bien! ¡Momento de más clásicos! Esta vez rescatados de Hatebreeder (1999) y del mítico Something Wild (1997), hablamos de Children Of Bodom y Deadnight Warrior, respectivamente. ¡Tremendo combo! Con la primera fue puro como un desahogo de agresividad, con la gente entregada al máximo, dejándolo todo por medio de saltos y múltiples mosh en varios sectores. Y con cientos de puños en alto en momentos como el “Unripe vengeance” o el “waaar” al final de la primera estrofa. Es una canción impresionantemente técnica y compleja, pero fue grato ver que los tipos virtualmente no dieron espacio a errores. Fue una interpretación perfecta, con descollantes solos de Wirman y Laiho, que los hacían parecer unas malditas máquinas. Misma cosa con la colosal Deadnight Warrior, canción legendaria, un clásico de proporciones que la gente recibió casi con emoción. Y si el tecladista y el guitarrista parecían máquinas, lo de Jaska era monstruoso. En general se le ve más bien concentrado en hacer lo suyo, pero aquí se desató, parecía una bestia. ¡Portentosa actuación!

En seguida el Maestro Wirman hace algo notable: aún no termina Deadnight Warrior y comienza a tocar los escalofriantemente tétricos y navideños (¿?) acordes iniciales de Hate Me!, momento en el que el teatro casi se viene abajo. Es que fue totalmente imprevisto. La gente aún no superaba el golpe del corte anterior cuando el hombre sorprende con eso. Lo mejor fue su cara de “Ni la vieron venir”, con una leve sonrisa de complacencia en su rostro. Desde el momento mismo en que inicia esa notable intro, la gente perdió toda capacidad de autogobernarse. Sólo se calmó un poco cuando Alexi empieza a cantar, para poder cantar con él, claro está. Sólo entenderías lo fuerte que resonó el “I don’t give a fuck if you hate me!” si estuviste presente. Yo sólo puedo decirte que la gente no cantaba, sino que gritaba a todo lo que daba su humanidad. Por otro lado, impagable la imagen de Alexi tocando la guitarra hasta con la lengua, literalmente. Genial, ¡simplemente genial!

Luego otro momento inolvidable, uno de mis favoritos, y es que se trató de una prodigiosa canción que me fascina. Al principio no me di cuenta porque Janne tocó algo que no reconocí, una improvisación probablemente, pero de inmediato Jaska da la señal, marcando los tiempos, y todos se coordinan para empezar a ejecutar una de las canciones más potentes en el repertorio de la banda: Sixpounder. De verdad, pocas veces he visto a una banda alcanzar semejante nivel de poderío en una canción. Y es que esos riffs iniciales son como martillazos en la cabeza, ¡pesadísimos! Ahora imaginen eso en vivo, con cientos de decibeles desarrollados por la amplificación, junto con mil furibundos fanáticos gritando como si la vida su fuese a acabar en breve. ¡Descomunal! Fue hermoso escuchar y gritar ese “WAAAAAR!” junto a tanto colega.

Unos pasos más hacia el futuro y volvemos a la época de Blooddrunk, de hecho, era el turno de la canción que da nombre a esa placa. Destaco el hecho de que la banda esté consciente de cuáles son los temas más valorados por la gente de discos que en su momento recibieron algún cuestionamiento. Porque claro, me ha tocado ver a bandas que a la hora de armar un setlist incluyen justo los temas más regulares del disco más bajo que tienen, pero no es el caso de Bodom. Con esto quiero decir que Blooddrunk no es un disco grandioso, pero Blooddrunk si es una buena canción, una que merece estar en un show así, y lo mismo pasa con otros temas de RRF o AYDY: fueron sabiamente elegidos para este concierto. Y bueno, todo esto se ve reflejado en momentos como el del estribillo, donde no hubo nadie que no cantara “Blooddrunk, wasted again!” Soberbio.

Hasta aquí una serie de momentos brillantes, pero lo que siguió a continuación fue pura genialidad. Una suerte de combo entre Angels Don’t Kill, In Your Face y la gigantesca Hate Crew Deathroll. Todo empezó de forma muy genial, con el uso del monologo de la película American Psycho que aparece al final de Bodom Beach Terror (“My pain is constant and sharp. And I do not hope for a better world for anyone. In fact, I want my pain to be inflicted on others”), que hizo de entrada para Angels Don’t Kill, junto con la correspondiente ovación que amerita un tema de esa magnitud. Ya en medio de la canción los solos simultáneos magistralmente interpretados causaron también el espontáneo reconocimiento del respetable. Hacia el final un grito infernal de Alexi (de esos que hacen sufrir los oídos) daba paso al sonido de una sirena, que a su vez era al punto de inicio de In Your Face, que inicia expectante, pero que como ustedes saben, se vuelve un verdadero puñetazo justo en tu cara a partir de cierto momento. Los mosh no se hicieron esperaron, en lo que fue un despliegue de brutalidad por parte de ambas partes: “¡INCOMING!” Luego Alexi pide un favor: cantar con todo, porque lo que se venía era nada más y nada menos que Hate Crew Deathroll. Y así, en medio de los “olé, olé, olé” surge el clásico “C’mon!” con el que explota la canción. Era casi conmovedor ver cómo la gente enloquecía al compás de la canción. Tratando de imitar al blondo contante, los chicos y chicas no cantaban, tampoco gritaban, era más bien un rugido a mil voces. ¡Épico!

Así la banda agradece y se despide, pero un par de minutos más tarde, ante la aclamación de los presentes, vuelve para regalar las últimas canciones. Retoman las cosas justo donde las dejaron, de la mano de Bodom After Midnight, donde se pudo ver a un Laiho cantando con todo, con más ira de lo habitual. Y es que el show daba para eso, pues el tipo se contagió de del entusiasmo de la audiencia. ¡Estaba realmente prendidísimo! Al terminar la canción una mención especial de parte de Janne a un “pendejo” (así, en perfecto español) que había estado grabando el show, diciéndole algo así como “Eso apesta, ojalá que te quede mal grabado”. No sé si era en serio o no (porque su tono no era tan serio), pero Alexi le responde “Ok, that’s an interesting perspective, Mr. Wirman” y entre risas dice que el show debe continuar.

Estaban en eso, en un momento pseudo-polémico cuando de la nada comienzan a sonar los mágicos acordes de… ¡Downfall! Hermano… ¡Cuánta mística! Empieza a sonar la canción y de inmediato, pero en cosa de segundos, la gente comienza a abrirse y a girar para formar un gigantesco foso (pit). La banda lo nota de inmediato y como queriendo disfrutar del momento, alarga esa fase introductoria, con Jaska, Roope y Henkka aguantando la entrada que marca ese violento quiebre en la canción, intuyendo que cuando soltaran toda la metralla quedaría la escoba en ese moshpit. Así fue, luego de un rato teniendo a los fanáticos girando expectantes al ritmo del teclado, liberan todo la infernal fuerza de Downfall y la cancha del Caupolicán se convirtió en una zona de guerra. Resultaba sumamente emocionante ver esa escena. De lo mejor que vi alguna vez en un concierto. Al terminar la canción, la banda reconoce lo especial del momento y lo agradece, mostrándose felices.

Luego de eso se retiran, a eso de las 22:10, luego de una hora y media y dieciséis canciones, cerrando así su cuarto concierto en suelo chileno. Fue un espectáculo sumamente potente, con una muy inteligente mezcla de clásicos incuestionables como Deadnight Warrior, Hate Crew Deathroll o Downfall, con los cortes más destacados de lo más reciente de su carrera, como In Your Face, Blooddrunk o Not My Funeral. La entrega de la banda, así como el recibimiento del público, demostró que Children Of Bodom está tan vigente como en sus inicios. Quizás la convocatoria no fue enorme, pero quienes asistieron, se llevaron un recuerdo invaluable. ¡Realmente memorable!

Setlist:

01. Shovel Knockout
02. Are You Dead Yet?
03. Not My Funeral
04. Kissing the Shadows
05. Living Dead Beat
06. Roundtrip To Hell and Back
07. Children of Bodom
08. Deadnight Warrior
09. Hate Me!
10. Sixpounder
11. Blooddrunk
12. Angels Don’t Kill
13. In Your Face
14. Hate Crew Deathroll
Encore:
15. Bodom After Midnight
16. Downfall

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

]]> http://www.powermetal.cl/reviews/live-reviews/children-of-bodom-10-12-11/feed 19 http://www.powermetal.cl/reviews/live-reviews/husar-04-12-11?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=husar-04-12-11 http://www.powermetal.cl/reviews/live-reviews/husar-04-12-11#comments Mon, 05 Dec 2011 15:00:33 +0000 Guille http://www.powermetal.cl/?p=26482

Es difícil comenzar a hilar un comentario de un show tan particular, por lo que prometía ser y también por lo que fue. Y digo particular porque no estamos hablando de un recital estándar –si se permite el uso de esta palabra–, o de una tocata entre amigos, o de un show de nivel mundial, cada uno por sí solos, pero sí estas tres cosas conjuntamente, dichas a modo de ejemplo, eran parte de lo que presagiaba ser la primera presentación “formal” de Húsar en vivo. Porque no se trata de un show normal, estamos hablando de algo que incluso podríamos calificar de montaje, de puesta en escena, con personajes que interpretan sus roles e incluso los teatralizan.

En particular les cuento mi experiencia: mi expectativa era muy, muy alta. El disco de Húsar, que revisamos en su oportunidad, a mi gusto personal es el mejor trabajo de Heavy Metal que se haya hecho en Chile. No sólo por tratarse su historia del que quizás sea el héroe más moderno y al mismo tiempo atemporal de la historia de Chile, Manuel Rodríguez, sino que musicalmente es una joya, bien hilada, bien construida, convincentemente contada y con momentos sencillamente maravillosos y sobrecogedores. Y además, no somos pocos los que conocemos y admiramos la obra y el empuje del gran y emprendedor Ives Gullé (creador del mundo Húsar) no sólo en su faceta de metalero de la escena, sino en su soberbia participación y performance en las reiteradas oportunidades en que se ha montado la no menos genial Jesucristo Metalstar.

Por ello, obviamente apenas salió el disco muchos nos cuestionamos/quisimos que esto algún día pudiera hacerse en vivo. Guardando las proporciones, la sensación es similar a lo que alguna vez pasó con Avantasia. Hasta que finalmente se confirmó que este 04 de diciembre de 2011 Húsar se presentaría por primera vez en vivo con contingente prácticamente completo y con un montaje por completo dedicado al efecto, más allá de ese acto de apertura de Tarja Turunen el 2008 y sobre todo de ese hito en la historia del rock en Chile que fue la notable presentación del disco en el Museo Histórico Nacional, lugar que a esa fecha se encontraba total y absolutamente inexplorado por este mágico y fantástico mundo compuesto por guitarras afiladas y ritmos frenéticos. Ya el hecho de que esto se pudiese hacer en vivo es algo que le da un valor agregado previo a este show y genera una expectativa diferente.

La cita era en el Teatro La Cúpula, cariñosamente rebautizado como algunos como el “Movistarcito” o “Movistar Arenita”, una especie de mini me del Arena Santiago y situado, al igual que su hermano mayor, al interior del Parque O’Higgins. Y la cita era a las 18.00 horas. Pero lamentablemente, y por razones que el propio Ives en escena se encargaría de narrarnos posteriormente, el show no comenzaría a la hora sino bastante, bastante más tarde. La fila alcanzó niveles de proporciones pero algo inmediatamente comenzó a llamarme la atención –más allá de la wachiturridad y reggaetonazgo del sonido ambiente que hacía matizar la espera con ganas de rebanarse las partes blandas en Juliana y echarlas a la ensalada César–: el público que hacía la fila era un público distinto al normal de un show metalero. No pocas familias completas, niños, personas de cierta edad, además de nosotros, los mismos de siempre, formamos un grupo compacto de unas 600 personas mucho más heterogéneo y ecuménico de lo que normalmente se ve en una instancia de este tipo.

Pues bien. Cuando ya eran alrededor de las 19.15 y la resistencia a “tirarse un paso” y a raparse los costados de la cabeza comenzaba a hacerse insostenible (?), finalmente se abrieron las puertas del recinto, al cual ingresamos en total calma. Ya dentro de La Cúpula, valga un público reconocimiento para un señor calvo de shorts que estaba tan aburrido que empezó a cantar solo y a marcar el ritmo de sus sones vocales de manera tan contagiosa que prendió a buena parte del público, que disfrutó de buena gana el espontáneo espectáculo que el alopécico señor nos brindó en la lamentablemente extensa previa.

Hasta que a las 19.55, ¡al fin! se apagaron las luces y comienzan los sones envasados de la guitarra acústica y el viento de Retirada, la soberbia intro de Húsar (anunciada por una pantalla gigante al fondo del escenario, a la usanza del Metalstar), causando los inmediatos aplausos de la gente, dando paso a la salida a escena de Fran Muñoz (Dorso) en batería, Ery López (Alto Voltaje) en bajo, Pascal Coulon (SteelRage) en teclados, y finalmente Nicolás Arce y Mauricio Quiroz (Garden Bitch) en guitarras. Comenzaba a hacerse realidad este sueño llamado Húsar. Y qué decir cuando ya empezando a ejecutar Condena sale a escena Ives Gullé ataviado como Manuel Rodríguez, inmediatamente el público (especialmente el que se fue para adelante) reaccionó alborozado… pese a los problemas de sonido que, como veremos, lamentablemente fueron la tónica –en lo estrictamente técnico– de esta jornada. Ya sabíamos que lamentablemente no iba a estar en escena Rodrigo Galaz, quien hace el papel de José Miguel Carrera en el disco y a quien más de alguno asociará a su tremendo papel de Jesús en el Metalstar, pero su “reemplazante” sería de fuste, nada menos que Felipe del Valle (Delta), y que realmente “la rompió” en su papel de Carrera desde el principio, con una chaqueta con botones muy similar a la imagen típica del prócer de la patria que le da el nombre al colegio más tradicional de nuestro país. Ives era el dueño del rancho y por lo mismo, y haciendo gala de sus innegables y formidables dotes de frontman, se mandó un “¡¡dónde está La Cúpula!!”, causando de verdad frenesí en muchos asistentes. Y más allá de lo precario del sonido, el “todo ha de terminar / ya no hay marcha atrás” sonó muy bonito y sobre todo emocionante. Ya volveré a lo que tiene que ver con “emocionante” porque es una emoción algo distinta a la que uno siente cuando ve a su banda favorita, al menos en mi caso.

Los momentos notables, insisto, más allá del sonido, estaban a la orden del día. Y cuando comienza lo siguiente que es Ejército Libertador, realmente me resultó impactante ver a Ricardo Susarte (Polímetro) con su traje y patillas de Bernardo O’Higgins. No es ningún misterio que la voz de Ricardo es una de las mejores de la escena, pero el tema de las vestimentas e incluso maquillajes le dieron un plus importante, aunque no sólo a él, que junto a Víctor Escobar (Alto Voltaje) en su papel de José de San Martín generaron un dueto realmente formidable, pese a que el micrófono de Víctor no andaba en sus mejores días. Les creí a ambos en sus personajes, me imaginé a San Martín y a O’Higgins planeando en la hermana República Argentina la creación del ejército que nos liberaría del yugo español. Ives también excelente, como toda la jornada.

Ahora nos tocaba ver el lado de los españoles aterrados porque estos chilenitos atorrantes estaban pensando en cascotearles el rancho, en esto que se llama Humillación. Y los dos “hispanos” serían nada menos que Mariano Osorio y el amanerado Casimiro Marcó del Pont, representados en escena respectivamente por Cristián Farías (Kharma) y la gran América Paz Soto (Polímetro). Respecto a América todos sabemos que normalmente se lleva los aplausos y vítores de la fanaticada no sólo por su talento en las cuatro cuerdas o en este caso por su voz, sino también por ser altamente buenamoza (más aun en un contexto donde los hombres somos bastante mayoría), pero me gustó que en este caso y en este show la reacción –inevitable por cierto– ante su presencia fuese algo más contenida y, si se quiere, respetuosa. Pues bien, Cristian y América (esta última ataviada con un abanico que le hacía jugar aun más con la historiada ambigüedad sexual de Marcó del Pont) eran los encargados de poner el acento en el lado hispano, mientras por el lado chileno Manuel Rodríguez y el Bandido Neira mostraban que su intención era realmente decirles a los españoles que tenían el poder y que lo iban a perder. El notabilísimo Jaime Salva (Concerto), una de las mejores voces de Chile, es el encargado de encarnar al Bandido Neira, y tanto él como Ives utilizaron unas especies de ponchos con capuchas café, muy bien logrado el look “bandido”. De los mejores momentos vocal/armónicamente hablando se logró en el “nunca más nos humillarán / campesinos y huachos”.

Y llegaría el momento de darle un pequeño freno al show para que Ives nos hablara. Muy humilde pero con mucho carisma, nos preguntó si lo odiábamos (por el retraso de casi dos horas en el inicio del show), y ante la mayoritaria respuesta de “sí” (aunque no en un contexto de bronca, sino bastante más lúdico) nos dio dos segundos para que lo “agarráramos a chuchás”, dando pábulo a la creatividad del chileno, siempre capaz de inventar nuevas formas de putear y de gritarle “buena poh Axl”, haciendo referencia a las ya acostumbradas tardanzas del líder de Guns N’ Roses en sus shows. Pues bien, Ives nos pidió disculpas, nos narró brevemente que habían tenido problemas con la pantalla, con el sonido… pero el público no sólo reaccionó satisfecho con la modesta y noble intervención de Ives, sino que lo premió con el primero de los “Húsar, Húsar” que brotarían en la velada. Luego de que Gullé nos contara que esto se estaba grabando para un DVD y tomara una cámara por unos segundos para grabar al público, se daría inicio a esa verdadera metralla que es Opresión, quizás el tema más powermetalero del disco, que pese a nuevos problemas en el sonido –en este caso acoples–, salió más que airosa, y cómo no, si en escena estaban Ives y Jaime Salva cumpliendo la misión encomendada por San Martín.

Seguimos presentando personajes. Lo siguiente era Logia y quien hace su aparición es ese desagradable personaje llamado Bernardo de Monteagudo, interpretado de estupenda forma por el gran Jaime Contreras (SteelRage). Ya se ve cómo Monteagudo comienza a meterle a ideas en la cabeza a O’Higgins, logrando estupendas armonías vocales, casi tan buenas como las del disco en estudio –en cuanto a sonido– pero incluso más emocionantes que aquellas. Y es que ese es el plus que se da en los shows en vivo, digo, que las bandas en vivo suenen igual que en estudio está muy bien, pero al menos lo que a mí me gusta es que en vivo se trasunten emociones más que las del disco, y eso se logró y con creces, no sólo en este tema.

Un segundo de calma, salen los músicos del escenario –sólo quedó Pascal– y arriba a la izquierda, en una silla de madera, se instala Cristian Banda (no es de ninguna banda… ¡y su apellido es Banda! Gracias, no se molesten, ¡gracias por el apoyo al artista chileno! ¡Shampoo de piraña! (¿?)) a ejecutar en guitarra acústica el tema más íntimo de Húsar, la notable Héroe. Lamentablemente aquí se escuchó muy poco a Ives, sí se escuchó bien a Felipe del Valle en su rol de Carrera y por cierto a América. Muy bonito e inesperado fue escuchar un espontáneo ceacheí en medio del tema, aunque tuve el temor de que el grito lo hubiese iniciado el deleznable Huaso Lalo, cosa que habría sido del todo nefasta y que por suerte no aconteció.

Tras la emotividad de Héroe, Ives presentó a la banda que estaba haciendo esto posible, los señalados Fran, Pascal, Mauricio (y su guitarra amarillo Staedler (?)), Ery y Nico y nos anuncia que lo siguiente es nada menos que Guerra, donde en el disco se luce ese gran y único personaje que es Rodrigo “Pera” Cuadra. ¿Quién podría ponerse los zapatos del Pera para cumplir ese rol? Y a nadie se le podría ocurrir otro nombre que ese genial frontman que es Fox-Lin Torres (Battlerage), que con una absoluta libertad para hacer casi lo que quisiera, se robó la película cumpliendo con el rol de Wekufe, el Dios de la Guerra que le empieza a comer la cabeza a O’Higgins. Notable Fox-Lin, un genio en escena, con su inconfundible sonsonete y con su estrafalaria forma de pararse en el escenario. Hasta chicha en cacho tomó. Es de mis temas menos preferidos del disco, pero es de los que más me gustó de la velada.

Lo siguiente era Por Mi Patria, donde nuevamente Ives y Felipe del Valle se lucen. Y es que si bien es uno de los cortes más breves de Húsar, cuenta nada menos que con la más célebre frase de Manuel Rodríguez Erdoiza… “¡¡aún tenemos patria!!”, tres palabras que uno mismo utiliza desde para alentar a su equipo hasta autoencorajearse para pasar un examen, vamos carajo. Muy bien Pascal cubriendo el solo que en el disco hace nada menos que Hugo Bistolfi, ex Rata Blanca, y me encantó el dueto entre Jaime Contreras y Susarte, se notó el excelente sonido de los coros de fondo (con bases). Brillante, realmente brillante momento.

Ives comenzó a hablar de su “ejército libertador del Metal” y sus “Húsares del Metal” para anunciar a uno de los singles de Húsar, Libertad, que con su coro multivocal marcó otro alto momento. Además, fue el momento de dar la bienvenida a escena a Rodrigo Varela (Maze) cumpliendo de excelente forma el rol de José Manuel Benavente, quien se supone que iba a auxiliar en sus labores a Manuel, pero esto se ve frustrado por O’Higgins, quien detiene a Rodríguez.

Luego de esto, Ives nos pregunta si estamos cansados, de qué otros personajes históricos queríamos que se hiciese una nueva obra, y ya acercándonos al final nos presenta el primer single de Húsar, la súper melódica Lamentos. Y aquí se vivió un momento realmente mágico, quizás inesperado hasta por la propia agrupación… es cierto, el “La libertad será nuestra razón” es de lo que más se ha escuchado de Húsar, pero el ver al público cantando esa estrofa enfervorizadamente antes que el propio Ives lo pidiera, lo debe haber llenado de orgullo. Una sonrisa llena de alegría sorprendida, espontánea y natural en el rostro de Ricardo Susarte fue lo que me dio la clave de que no era algo esperado sino que soñado. Y cuánto gusto le da eso a uno, el ver una respuesta así a una propuesta nacional, esforzada, tenaz, tozuda y sobre todo, cargada de trabajo y talento. Luego Ives nos pide cantar y le respondimos. Emotivo total… Y en medio del tema Gullé pasa a presentarnos a los cantantes, Ricardo, Felipe, Víctor, América, Rodrigo, Jaime C., Cristian, Fox-Lin y Jaime S., todos muy aplaudidos, y por supuesto Ricardo presenta a Ives, ganándose la mayor ovación de la noche hasta ese momento, para despedirse del escenario junto con la banda.

Un par de incautos pensaron que el show podía haber terminado en ese instante pero por suerte el encore duró muy poco y comenzaron los sones del último tema del disco y de la velada, la sensacional La Muerte, que debe ser uno de los más grandes temas de Heavy Metal de la historia de Chile, no sólo por su extensión y por su carga emotiva, sino por sus influencias y matices melódicos, muy inspirados por elementos del Jesucristo Superestrella pero con guitarras afiladas. Cuando sale Jaime Contreras, el deleznable Monteagudo, cantando “no podemos dejar que Rodríguez tome el poder” con las voces de fondo apoyándolo realmente uno siente la congoja de saber que van a matar a Manuel, al rebelde libertario, ver y escuchar cómo le “hacen la cama” a Rodríguez entre O’Higgins y Monteagudo te llega a conmover. Brillante. Y si bien cuando salió a escena Víctor el micrófono de su San Martín se hizo prácticamente inaudible, creo que el tema no alcanzó a perder la parte central de esa emotividad en el clímax, en esos versos cargados de furia de Jaime y Ricardo. Y qué decir de la teatralidad de la performance de Ives, brutal, desgarradora, monstruosa. Creíble. Y así, rapidísimo, tras una hora y veinte o veinticinco minutos en escena, los dieciséis músicos que componen Húsar se abrazan y despiden de un público que los aplaudió a rabiar. Ives nos da las gracias, también a Canal 13 por facilitar los trajes con los que se caracterizaron y finalmente se despide de nosotros, sus Húsares del Metal, quienes nos olvidamos en menos de un minuto de las dos horas que esperamos, y quienes, aunque suene feo, los aplaudimos y los idolatramos como si fuesen ídolos extranjeros.

OK, el sonido no fue el mejor, particularmente en el aspecto de las voces, algo no imputable a los músicos, sino que a otros factores (de hecho, creo que había sólo cinco micrófonos, necesitándose más). También es cierto que la tardanza fue demasiada y que eso es un punto en contra. Pero en este show en particular, y creo que al igual que varios de ustedes, el factor “técnico” me pareció bastante más secundario que la importancia que normalmente uno le da. ¿Y saben qué más? Yo le quiero dar las gracias a Húsar, muchachos. A Ricardo, a los dos Jaimes, a Felipe, a Víctor, a América, a Rodrigo, a los dos Cristian, a Fox-Lin, a Fran, a Nico, a Ery, a Pascal, a Mauricio… y sobre todo a Ives por haber tenido el liderazgo de convencerlos a todos para participar en este maravilloso proyecto. Uno tiene la lamentable opción de ver por televisión abierta y en un estadio lleno a artistas que gastan más aire y tienen más oportunidades que las que merecen… y es inevitable pensar y soñar en cómo sería este show con más inversión. En Chile y en muchos lugares el Metal se hace no sólo en base a talento, sino que a pulso, con sacrificios, garra, entrega, persistencia, tenacidad y porfía. Lo de Húsar, retribuido por nuestro aplauso y los “Olé, olé olé olé… Húsar… Húsar”, no sólo fue un premio para estos sacrificados y luchadores dieciséis músicos, sino que para nosotros como asistentes fue un regalo, poder rendirle tributo a un trabajo nacional hecho con tanto talento y brillantez como entrega y constancia. Fue una suerte poder haber asistido, haber disfrutado, haberse emocionado y compenetrado con la historia, que es nuestra historia, y sentir que se puede creer que el Metal en Chile puede estar en escenarios e instancias de mayor envergadura. Nunca más vigentes tus palabras Manuel… ¡¡aún hay patria!!

Setlist:

01. Retirada (Intro)
02. Condena
03. Ejército Libertador
04. Humillación
05. Opresión
06. Logia
07. Héroe
08. Guerra
09. Por Mi Patria
10. Libertad
11. Lamentos
Encore
12. La Muerte

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

Hacer una introducción de un concierto de MaYaN en nuestro país resulta algo extraño, y acaso complejo. ¿Podría decirse que es una banda nueva? Alguno podrá decir que sí, pero yo la verdad difícilmente diría que se trata del debut de estos holandeses en Chile. Honestamente, y que no se vaya a malentender, prefiero ver a MaYaN como la versión B de Epica. Y es que básicamente es eso, con algunas ausencias y otras connotadas incorporaciones. No me interesa en este punto comparar cualitativamente a las bandas (cuál es mejor o peor), porque no tendría mayor sentido, solo trato de situar en algún contexto esta visita, dar luces de qué podía significar este concierto para los fanáticos.

Con apenas un lanzamiento bajo el brazo, la banda liderada por el eximio guitarrista, cantante y compositor Mark Jansen llegaba a presentarse “por primera vez” a nuestro país. Quarterpast fue lanzado durante mayo de este año, y asomaba como una buena idea el poder salir por el mundo a promocionarlo. Se trata de un disco muy correcto, que ha cosechado muy buenas críticas por todo el mundo y que muchos deseaban escuchar en vivo. A eso súmele el hecho no menor de que todos quienes participaron en la grabación del disco lo harían también en la gira y tornándose así en un ‘imperdible’ para muchos fanáticos. Claro, porque entre esos nombres destacan nada más y nada menos que el de Simone Simons y el del tremendo Henning Basse (de Metalium, banda que lamentablemente nunca visitó Chile). Es decir: ¡todo un espectáculo!

La cita era en el Club Chocolate (ex-Rockolla), a las 21 hrs. A eso de las 20:30 la mayor parte de la audiencia ya se encontraba dentro del local, sufriendo los 30 y tantos grados de temperatura. Para quienes no conocen el club: se trata de un lugar de tamaño medio, pero bastante ameno y de espacios bien distribuidos, con un sector de escaleras que permite una visibilidad muy buena hacia el escenario. Ahora, y digámoslo de frentón: estaba algo lejos de llenarse. Creo que sería optimista decir que hubo 300 personas. Sin embargo, por las características del recinto, se veía una audiencia bastante digna en cantidad (estaba bien distribuida, quiero decir). Audiencia que demostró que la cantidad nada tiene que ver con calidad, y desde el momento mismo en que los músicos comienzan a tomar posiciones, justo a las 21 en punto.

Luego de una breve intro, y entre los impresionantemente estridentes gritos, y con la banda casi completa apostada sobre el escenario, comienza el primer azote de la noche: Symphony Of Aggression. Mark reservaba su salida para el momento en que irrumpen las voces, y cuando esto ocurre, desata la locura de las varias decenas de fanáticas que llegaron al lugar. Tal y como lo sospechaba: Mark sube sólo con el micrófono, olvidando por completo su labor como guitarrista, y delegándola en los excelentes Frank Schiphorst (ex–Symmetry) e Isaac Delahaye (Epica). Luego subiría ella, Simone, llenándose de silbidos y piropos, y sorprendiendo con su voz como tantas otras veces en el pasado. Lo que me sorprendió… O más bien: me asombró, fue el nivel del propio Mark. Recuerdo que siempre fue un cantante decente, pero en estos últimos años ha crecido muchísimo, y de eso dio cuenta en cada pasaje de este primer acto.

Me habían comentado que el sonido del recinto era por lo general bastante bueno, cosa que pude corroborar ya del todo con la llegada de The Savage Massacre. Fue excelente poder apreciar los detalles logrados a base de sintetizadores, esas orquestaciones que caracterizan las composiciones de Jansen. Hubiese sido un fiasco no poder disfrutar de la labor de Jack Driessen tras su teclado por culpa de un mal sonido. Y así mismo, fue todo un placer contar con el sonido apropiado para poder contemplar la magnificencia de la voz de Henning Basse, quien se lució de sobremanera en sus líneas en esta segunda pasada. ¡Tremenda voz la de este tipo! Lo otro que me pareció genial fue la subida de Laura Macrì para acompañar en los coros. En momentos se trató de un prodigioso trío de voces haciendo esos coros, y con Mark y su poderoso rugir machacando tímpanos.

Siguió el notable interludio que da nombre el disco: Quarterpast, un momento en el que simplificaron todo y simplemente pusieron a sonar una pista. Inmediatamente terminado aquello llega la poderosísima y blackera Course Of Life. Simone había abandonado el escenario tras la primera canción, pero vuelve aquí para, básicamente, apoyar durante los estribillos. El público por su parte se mostraba bastante motivado. A pesar de no ser realmente multitudinario, se las arreglaba para generar muchísimo ruido y motivar de vuelta a la banda, quienes a su vez hacían lo propio, creando una especie de círculo virtuoso. Muy bien Mark nuevamente, cantando excelente e interactuando mucho con la audiencia, con cara como de niño cumpleañero.

Luego es el propio Mark quien presenta a la guapísima Laura, y luego de que todos bajan del escenario (incluido Mark) comienzan a sonar los hermosos acordes de Essenza Di Te, el notabilísimo interludio que ella misma interpreta en el álbum. Fue sencillamente sublime escucharla cantar con tal perfección esa breve y sencilla pieza. Regresan todos y Jansen anuncia que lo que se venía era algo de Epica, detonando los alaridos del respetable. Sin embargo, había una particularidad que el vocalista se encargó de hacer notar: se trataba de una de esas canciones demasiado pesadas como para estar en un disco de Epica, así que por eso la interpretan ahora como MaYaN. De todas formas, se puede encontrar la canción en cuestión como un bonus track en una versión especial de Desing Your Universe (2009), hablamos de Incentive, claro que sí. ¡Impresionante el grito gutural con que arranca Mark! A mí por lo menos me voló la cabeza. También es digno de mencionarse el enorme trabajo de Isaac con su guitarra, pues llevó los solos de la canción incluso a un nivel más alto. Un monstruo.

Con algunas bromas producto de las fallas en varios micrófonos y con un C-H-I cuando el problema se solucionó, arrancó Celibate Aphrodite, uno de los cortes más destacables de Quarterpast. Excelente y colosal el trabajo de Henning en este pasaje. De verdad que el tipo la rompía cada vez que se subía al escenario, pero aquí tuvo una especie de duelo vocal con Mark que maximizó su actuación. Fue un momento muy genial en realidad. Añadan a eso que Laura estaba también en el escenario y el cuadro es notable. Ahora, si eso fue notable, lo que siguió fue de otro mundo, de otra dimensión. Es Henning quien toma las riendas e interactúa de muy buena gana y mostrando gran simpatía con el público, luego de unas palabras presenta lo que será un tributo a una de las bandas que más admiran los integrantes de MaYaN. Sólo eso se dijo, pero cuando comienza a sonar ese legendario preludio que reza “Woe to you, oh, earth and sea…” a todos nos quedó claro que hablaban de Iron Maiden, ¡nada menos! ¡Fue épico! Si sólo hubiesen tocado The Number Of The Beast hubiese sido impagable, pero en realidad tocaron ésa y otras tres más: un soberbio medley conformado por aquella y The Trooper, Fear Of The Dark y Run To The Hills. Tremendo, más de 10 maravillosos minutos de gloria. Probablemente el mejor momento de la noche.

“Are you ready to Bite The Bullet”? pregunta en gran Henning, para presentar aquél excelente corte. A esas alturas era difícil que alguien se sorprendiera del nivel exhibido por el alemán (en el medley anterior fue una cosa de locos), pero de algún modo el sujeto siempre se las arreglaba para maravillar aún más. Era como si siempre estuviera en condiciones de llegar uno o dos peldaños más arriba. La versión del disco me resulta destacable precisamente por el descollante cometido de Henning, pero en vivo fue simplemente de otro mundo. Por otro lado, Frank e Isaac la seguían rompiendo. Había tenido oportunidad de ver a Isaac antes y constatar así el enorme talento que tiene, pero a Frank era primera vez que lo veía, y no resultaba menor ver la capacidad del sujeto para ejecutar los intrincados solos de algunas canciones. ¡Un crack!

Luego de eso todos agracen a la audiencia y bajan del escenario bañándose en aplausos, en lo que sería el breve encore. A continuación otro de los momentos bellos de la noche, Laura Macrì vuelve solita al escenario para cantar la hermosísima O Mio Babbino de Giacomo Puccini. Uno de los momentos más impactante que haya presenciado en un concierto. Los efectos de iluminación, el perfecto desempeño de la italiana, el color de su voz, las caras de estupor de los asistentes… ¡Prodigioso! Inmediatamente Mark anuncia War On Terror, un corte que a mí por lo menos me entusiasma muchísimo, y me fui a buscar una ubicación que me permitiría apreciar de mejor forma el cometido de don Ariën van Weesenbeek, el enorme baterista de Epica que acompaña a Jansen en esta cruzada. Qué impresionante el poderío que es capaz de desplegar, y ni hablar del altísimo nivel técnico que posee. Sencillamente una máquina.

Ya acercándonos al final nos regalaron la extrema Sinner’s Last Retreat, en donde pudimos ver –nuevamente– a una Simone brillante, acompañada por la igualmente genial Laura (viejo, ¡el escenario no podía albergar tanta belleza junta!). En seguida se suma Henning para conformar un coro a tres voces que sonaba increíble, apoyando la incansable labor del buen Mark. Impecable interpretación de todos y cada uno de los integrantes. Y ya para cerrar, un combo de covers impresionante: las partes II y IV de la saga The Embrace That Smothers: primero sería el turno de Epica, con la ya clásica Cry For The Moon, una de las más reconocidas y amadas por los fans de esa banda. Eso quedó muy en claro por el nivel de aclamación apenas fue presentada. Para uno, como asistente, era muy gratificante ver cómo a pesar de no ser una concurrencia masiva, Mark y los demás se entregaban por entero ante la excelente recepción del público. Todo eso creció aún más con Follow In The Cry, de los ya desaparecidos After Forever, coronando así una noche llena de grandes canciones, alguna provenientes de su disco, clásicos sempiternos de la banda más grande de todos los tiempos y otras rescatadas de la prominente discografía de las otras bandas comandadas por Jansen.

Uno concierto correctísimo. Con una banda que sabía a lo que venía, y dispuesta a dar todo de sí para que los asistentes, aunque fueran sólo unos cientos, se fueran con el mejor de los recuerdos. La audiencia por otro lado, demostró incondicionalidad para con Jansen y su obra, recibiendo de forma extraordinaria cada canción, e increíblemente coreando de principio a fin canciones nuevas como si fueran clásicos de decenas de años. Excelente concierto. Habrá que esperar que esta nueva propuesta siga produciendo material para consolidarse indiscutiblemente con luces propias y puedan visitarnos nuevamente.

Setlist

01. Symphony Of Aggression
02. The Savage Massacre
03. Quarterpast
04. Course Of Life
05. Essenza Di Te
06. Incentive (cover de Epica)
07. Celibate Aphrodite
08. Iron Maiden medley (The Number Of The Beast/The Trooper/Fear Of The Dark/Run To The Hills)
09. Bite The Bullet
10. Mio Babbino (cover de Giacomo Puccini)
11. War On Terror
12. Sinner’s Last Retreat
13. Cry For The Moon (cover de Epica)
14. Follow In The Cry (cover de After Forever)

Ambiente de familia. Six Magics es una banda que toca para sus amigos, ¡y vaya que tiene hartos! Una veta cercana, íntima, de conocer las caras que presencian el show, haciendo que cualquier recinto se transforme en su propia casa, que todos los del público se sientan como invitados personales a una velada especial. El grupo ensambla un carisma en escenario muy inusual, de un atractivo extraño, pero que hace que todos los que vayan se sientan partícipes de lo que ocurre, partícipes del proyecto detrás.

Eso fue lo que se me vino a la mente el sábado en el Teatro la Cúpula, mirando a Elizabeth Vásquez deteniéndose como siempre para hablar con el público entre tema y tema, entregar las gracias, explicar los motivos del show, de alguna canción o algún homenaje, incluso confesar intimidades y temores frente a una audiencia cuyos ojos la entendían y la apoyaban. Erick Ávila dedicaba composiciones, daba a conocer sus trasfondos, tocaba emocionado su guitarra como si estuviera viviendo el mejor momento de su carrera en compañía de quienes más quería, mostrando una sencillez de espíritu tan alta como la calidad del evento.

Aparte del sonido, la iluminación, la escenografía y los detalles cuidados de cada performance, hay algo que hace que los shows de Six Magics sean especiales y creo que ahí se encuentran los motivos: la cercanía y esa curiosa espontaneidad del alma. Me acordé por ejemplo del lanzamiento Dead Kings Of The Unholy Valley (2001) en la Laberinto, a mediados del 2002, cuando Erick agradeció a su padre y toda su familia por lo que hicieron para que esa tocata fuera posible y, después, el cantante Sergio Domínguez salió con puño apretado y voz aguerrida gritando ‘¡¡¡Y YO LE QUIERO MANDAR SALUDOS A MI ABUELITA!!!’.

Desde ese entonces varias cosas han cambiado, pero el ambiente familiar sigue siendo el mismo. Fanáticos que hace muy poco conocieron a la banda, sólo después de la llegada de Eli a las voces, lo perciben así involucrándose con actividades, haciéndose parte de lo que parece ser un trabajo en conjunto, sintiendo suyos los logros del grupo. La sensación de ellos es la misma que vivían los seguidores de los primeros CDs, que en escenario tocan amigos más que músicos, y en calidad de amigos justamente fueron varios de lo que iban a los conciertos de Six Magics en el Providencia. La cercanía da frutos.

Es más, incluso un puñado de alemanes cometió la locura de escaparse por seis días a Chile con único el propósito de ver a la banda, gente adulta que si no tenía canas era calva, gente con su vida hecha tan fanática como el niño más ingenuo que escucha metal aquí en Chile. Acá, nosotros mismos nos condenamos solos a “crecer”, titularnos, cortarnos el pelo y “madurar”, a que Helloween, Nightwish, Blind Guardian o Stratovarius sean las bandas de “nuestra infancia”, a aburguesarnos a medida que pasan los años, a alejarnos de estos sonidos de “cabro chico”, a “evolucionar” para no estancarnos en nuestro desarrollo como seres humanos. Pues bien, para estas personas que viajaron desde Alemania el metal no es una etapa de la vida, sino la vida entera, y triunfaron profesional o personalmente pese a tener al metal en el centro de sus existencias, volviéndose locos con los solos más disparatados, con los gritos más agudos, con las orquestaciones más pomposas, con las historias más fantasiosas sin ningún sentimiento de culpa ni de anacronismo en la edad. Qué mejor prueba de hecho que puedan costearse un viaje como este, ¡cruzar medio planeta para ver a una banda tocar! Recién escuchaba el en vivo de Sabaton, donde el vocalista les agradece a los británicos y germanos por ese “viaje tan largo” que hicieron hasta Suecia para verlos tocar. ¿¡Qué podría decir Six Magics entonces!?

Toda esta gente compartía en parrilladas y en la fila previo a la apertura de puertas, que se realizó a las 19 horas, y viendo a los seguidores nuevos y recordando a los que venían de antes, era emocionante observar en los pasillos del teatro la mesa del merchandising donde se vendían auténticas “reliquias” de la banda, pósters de tiendas anunciando discos, mini CD promocionales de Caleuche, afiches de presentaciones con Mythology y Alejandro Silva en el Providencia y cuántas cosas que ahora son archivos perfectos de aquellos tiempos.

Una vez que se entraba a la cancha desde la puerta al frente del escenario, uno sí podía rememorar aquellas escenografías de la década pasada cuando Six Magics ocupaba miles de elementos visuales en su puesta. La jornada del 19 de noviembre del 2011 no sería diferente en ese sentido y la Cúpula mostraría una escenografía de altísimo nivel con estructuras metálicas, podios para la batería, telas para reflejar la iluminación, máquinas de humo y telones de cada época del grupo, ¡hasta la que se ocupaba en los shows del The Secrets Of An Island! El montaje era un lujo y todo se amplificaría con un juego de luces simplemente asombroso, gigantesco, ambicioso y ordenado, generando un ambiente envolvente. Todo esto, junto al sonido que hizo justicia a todo lo que acompañaba.

Independiente de lo excelentes intérpretes y músicos que sean, nunca me ha gustado del todo cómo se escucha la guitarra de Erick Ávila en vivo, en especial cuando toca sus solos o acordes limpios. Eso seguramente tendrá que ver con su manejo con las perillas, efectos y amplificadores, con lo “tecnológico” y no con la ejecución, pero en esta oportunidad, haya sido por el ingeniero a cargo (Javier Bassino), el backline, el tiempo que tuvieron para probar, la acústica del recinto, la experiencia de haber tocado 15 fechas en su viaje a Europa el 2010 o por todos esos factores juntos, el show marcó un sonido muy bueno.

Six Magics ofrece tantas secciones dentro de su repertorio que logra generar distintas atmósferas que podrían definirse como “cápsulas” de material. El show por ejemplo partió con un “módulo” de temas del Behind The Sorrow (2010), presentando Lies And Rules/No Time To Grieve, I Remember e It’s Not The Way, cerrando con Storm e Infinite Keeper del primer álbum, arregladas dentro de una misma composición. Al final, serían la única muestra poderosa del Dead Kings Of The Unholy Valley, resumida en un solo número, en fin. Una estupenda Elizabeth, vestida de rojo y ante un pedestal adornado con telas, introducía en el siguiente “bloque” la primera de las tres canciones que adelantarían de su cuarta producción: Falling Angels. La cantante explicó que la próxima placa mostrará elementos electrónicos pero también de esos toques que se echaron de menos en el trabajo con Prater, como los sonidos vistosos de la batería y las guitarras. Pues bien, Falling Angels confirmaba lo enseñado en el single Another Name, a una banda tomando un rumbo más veloz, pesado y virtuoso, mezclando el poderío de la base rítmica con el lucimiento en las paralelas de Erick y Pablo, guitarrista que definitivamente reemplaza a Gabriel Hidalgo en la formación. Falling Angels es de la misma línea de Another Name y consolida la idea de que Six Magics volverá a sonar explosivo en lo que se venga el 2012.

Por supuesto, aquí la vocalista aprovechó el espacio para agradecer a todos los asistentes, cuyo marco estuvo entre los 650 y 700. Eli esbozaba una sonrisa más brillante que los reflejos que la seguían y su voz transmitía emoción al decir que hace unos meses le era imposible imaginarse a ella actuando en la Cúpula, a causa de su enfermedad. El verdadero estado en que se habrá subido a cantar después de su última quimioterapia, ¡nadie lo sabrá!, pues se veía radiante, se le escuchaba muy bien, se le sentía animada y totalmente realizada. Saludaba a todos como si lo hiciera uno por uno, hablaba en inglés para enviarles un abrazo a esos alemanes que viajaron para el concierto, y luego se fue a camarines para dejar que el grupo interpretara dos temas del disco solista/instrumental de Erick Ávila, que está a la espera de ser lanzado el 2012.

Así partió lo que podría llamarse “concierto paralelo” de Six Magics, con las instrumentales Aachen y Ranco, con esos momentos que alternarían con el repertorio principal por medio de pistas solistas, covers e invitados. Desde que Elizabeth Vásquez es la cantante que el grupo siempre ha dejado espacios importantes para estos paréntesis musicales, incluyendo más diálogos, más versiones, más tributos, más relajo, por lo que un show de Six Magics ya no es un show de Six Magics si no tiene esos instantes. De hecho, da la impresión que las presentaciones de la banda son una celebración a la música, no sólo a la de ellos, que son como visitarlos a la casa y hablar de música. A eso me refiero también con lo del ambiente íntimo que se genera, a esa cercanía, a esa complicidad con los fanáticos. Esto último, porque el público nuevo del quinteto, ese que llegó gracias a la vocalista y después de haber tocado con Tarja el 2008, recibe absolutamente todo lo que hace Six Magics con una amplia sonrisa, simplemente disfrutando sin cuestionarse nada. Por ejemplo, si bien lo de esa parte del tributo a fallecidos como Michael Jackson y Amy Winehouse no fue más que una anécdota, esa gente lo siguió con toda la importancia y solemnidad del mundo, al igual que el número con Eye Of The Tiger y los invitados Ives Gullé (Husar), Javier Sepúlveda (Crisalida), Ery López (Alto Voltaje) y Nasson, que resultó siendo un minuto sabroso. Esa audiencia no se preguntó por qué Storm e Infinite Keeper se condensaron en una sola cosa o por qué hubo sólo dos canciones de The Secrets Of An Island, enseñando una lealtad a prueba de casi todo.

Después del primer paréntesis con Aachen y Ranco del proyecto solista de Ávila, Eli volvió con un segundo vestuario para cantar Run y They de Behind The Sorrow, antes de seguir con unos arreglos de Mauricio Nader en el bajo, el medley de covers en homenaje a artistas fallecidos y la participación de los invitados con el tema de Survivor. Atención de nuevo con Ives Gullé, porque si bien apenas interpretó un track, el tipo como frontman incendió el recinto con su presencia, animando y pidiendo palmas, energizando la velada hasta el tope. Qué gran artista, uno que pedía a gritos no bajarse del escenario y que estoy seguro que muchos no querían que se fuera.

Acto seguido, Six Magics incluyó su más reciente sencillo, Another Name, que tan buen feedback ha recibido a través de los medios. Aquí, las lucidas paralelas entre Erick y Pablo se escucharon precisas y brillantes, francamente a un nivel impresionante de ejecución y sonido. La canción se esperaba y se hizo notar, pero la gran sorpresa vendría justo después con el estreno de otra pista del próximo álbum, Do You Remember. Erick se detuvo un minuto, explicó que era para su hermano, dedicación que quedaría absolutamente patente en las letras e incluso en la música, una “balada” que parte con bases electrónicas y que de a poco se arma para desembocar en un coro maravilloso. Dentro de todas las novedades del set, Do You Remember fue de verdad la que más disfruté, quedando con ganas de poder volver a escucharla pronto.

All My Dreams de Behind The Sorrow y tres composiciones instrumentales de Erick fueron las escogidas para seguir adelante con el show, y la que más resaltó a mi parecer de esa sección fue Vica. Hasta lo que sé, los temas del CD solista de Ávila tienen nombres de lugares o ciudades que han marcado al músico en sus viajes y tanto Aachen como Binsfeld y Köln, son localidades que conoció en sus visitas promocionales o de gira a Alemania. Sin embargo, la que más me llamó la atención fue Vica, inspirada en Viña Del Mar, pues sus sonidos cálidos y calmos transportaban de manera vivida a un atardecer entre las brisas y la playa, recreando un ambiente tan próximo como mágico, luminoso y nostálgico. Una maravilla.

De aquí hasta la conclusión del show, Six Magics sólo tocaría números insignes de su carrera de ya 14 años y Prince Of Pure Light, Behind The Sorrow, y al fin Trauco con la más pedida de todas, Caleuche, harían su aparición para cerrar en alto un espectáculo de gran nivel, en lo técnico y en lo interpretativo, intenso en sus recursos, sencillo en su cercanía. La banda logra un carisma independiente de las circunstancias, sea en la SCD de Bellavista o en la Cúpula del Parque O’Higgins, y así muestra que sigue contando con seguidores y que con cada nueva etapa solidifica más lealtades. Por lo mismo, decir que fue un show profesional es algo frío, lo importante es llegar de alguna manera a las personas que asisten y Six Magics lo puede hacer de una manera que a otra banda le parecería insólito.

Setlist:

Lies And Rules / No Time To Grieve
Animal
I Remember
It´s Not The Way
Storm / Infinite Keeper
Falling Angels
Aachen
Ranco
Run
They
Solo de bajo
Tributo a fallecidos (Queen/Michael Jackson/Amy Winehouse/DIO)
Eye of The Tiger (con Nasson, Ives Gullé, Ery López y Javier Sepúlveda)
Another Name
Do You Remember
All My Dreams
Binsfeld
Köln
Vica
Prince of Pure Light
Behind The Sorrow
Trauco (Seed of Pain)
Caleuche (The Flying Dutchman)

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

Odiados por varios, amados por muchos más. Así es, Mägo de Oz es una de esas bandas que, para bien o para mal, no deja indiferente a casi a nadie, solo a algún despistado que no haya sabido de ellos es sus más de 20 años de carrera. Ya sea por giros estilísticos o por sus letras liberales, son muchos los que sienten algo así como una aversión por la banda; y bien están en su derecho. Sin embargo, y he aquí en el contrapunto lo relevante, son muchas más las personas que idolatran a estos madrileños. Y es que lo quieras o no, Mägo de Oz escribió páginas importantísimas en la historia del Heavy/Rock hispanoamericano. Su pasado es legendario, y en su presente siguen marcando la vida de muchos jóvenes.

Para nadie es secreto que este noneto de músicos goza de una popularidad pocas veces vista en Latinoamérica, que en el caso de Chile les significó llenar recintos en múltiples ocasiones (Estadio Víctor Jara en 2004 y 2005; Velódromo del Estadio Nacional el 2006, con más de 10.000 personas; Movistar Arena el 2007; y el año siguiente en el Caupolicán). De ahí que su visita a Chile no sea cosa menor y hayan agotado localidades semanas antes de su presentación. Mägo de Oz moviliza pasiones, sus mensajes se han ido imbricando en las vidas de miles de personas y es a estas alturas una suerte de banda de culto para muchos. Uno tiene todas estas ideas medio perdidas en la conciencia. Lo sabes, de forma no muy cierta, pero lo sabes. Eso hasta que entras a un teatro lleno, pero ¡lleno! con miles de tipos y tipas exudando fanatismo y devoción por la banda. Sólo entonces recuerdas y terminas de entender cuán grande es Mägo para ese público.

Faltaban diez minutos para las 20 hrs. y yo hacía ingreso al ya mítico Teatro Caupolicán. Restaban entonces cuarenta minutos para la hora de inicio del show, pactado a las 20:30, pero mi sorpresa fue mayor al notar que ya estaba virtualmente lleno, con cerca de 5.000 enfervorizados y muy ansiosos fanáticos, de esos que aun sabiendo que falta mucho para el inicio gritan como locos para que empiece luego el asunto. Ya a esa hora, la gente entonaba cánticos para quien sería el protagonista de la noche: José Andrëa. “Oooh, José no se va, no se va, no se va, José no se va”, con una evidente amargura y aún incrédulos de que ése fuese a ser el último show del cantante con la banda frente a ellos. El ambiente era increíble, faltaba bastante aún, pero la gente (y cuando digo la gente, ¡me refiero a toda la gente!) entonaba Hasta Que El Cuerpo Aguante ¡aguante!

Ya se acercaba la hora y yo estaba maravillado observando la enorme diversidad de seres humanos que es capaz de congregar la banda. Miraba hacia un lado y veía uno que otro hombre mayor, ya calvo; hacia aquél otro lado había un niñito flacucho de unos 7 años; más allá una niñita con su madre; cerca de mí una pareja de homosexuales; en el palco un par de personas en sillas de rueda; detrás de ellos habían músicos de reconocidas bandas nacionales; en cancha unos adolescentes de distintas partes del país. ¡No quiero recalcar las diferencias, sino la unidad! La transversalidad. Pensaba en las cosas hermosas que puede lograr la música cuando de súbito aparecen unos músicos en el escenario, se apagan las luces y el griterío era brutalmente ensordecedor. Pero la verdad es que fue un amago, porque sólo subieron para revisar los últimos detalles técnicos, faltaban en realidad unos diez minutos para que empezara todo en serio.

Así es, finalmente, a las 20:40 comienza el séptimo concierto de Mägo de Oz en Chile. Al son de La Gazza Ladra de Rossini (misma que usaron en Folktergeist), y aún a oscuras, comienzan a subir todos al escenario, pero al cabo de unos minutos solo Jesús María “Txus di Fellatio” Hernández Gil era iluminado con los reflectores, y le da con el alma a la caja para marcar el redoble de inicio de la colosal Satania. A ver… ¿cómo hago para explicarte el nivel de enajenamiento vivido en es momento en el teatro? No sé, cualquier cosa que escriba quedaría corta. ¡Parecíamos una turba de simios en plena catarsis! En cancha no había una persona que no estuviese saltando con los brazos en alto, se movían todos en todas direcciones, era impresionante. ¡Pero no tanto como el abrumador griterío! Son muy pocas la veces en que una audiencia grita tan alto como para no permitir escuchar qué cresta está tocando la banda. Un desmadre total, imposible no prenderse. ¡Alucinante inicio de la mano de un temazo!

Sin pausa ni respiro llegó Maritormes, clásico rescatado del mítico La Leyenda de La Mancha, y que sólo vino a continuar lo iniciado por el corte anterior. En ese momento no sabía quiénes estaban más prendidos: si el público o la banda. Los nueve estaban vueltos locos. Carlitos y Peri corrían de un lado al otro del escenario, y cuando no era uno de ellos, era Frank el que se comía el escenario. Tras la batería el buen Txus machacaba con todo a su kit; sobre la tarima que estaba a la izquierda del escenario (derecha del público) estaba la guapísima (ah, hombre, ¡que hay que decirlo!) Paty “Nexx” Tapia, quien bailaba y enérgica simulaba que el soporte de su mic era una guitarra. ¿Y Josema y Mohamed? Esos dos tenían un show aparte. ¡Qué manera de gozársela! Creo que todo eso motivaba aun más a una ya muy motivada audiencia. Una hemorragia de entusiasmo.

Antes del siguiente tema vendrían unas palabras de José, básicamente para reconocer a los jóvenes de Chile por su lucha por la Educación. Mencionó que sentía “envidia”, pues en España aún están “dormidos”. Todo esto por su puesto provocó una ovación de aquellas. Luego pidió que le hicieran un favor: que le regalaran “la pancarta” que colgaba de la cornisa de la galería (que decía Mägo de Oz – Chile). Rápidamente los fans desarman amarras y el lienzo terminó en el escenario. Luego de lucirlo orgulloso junto Txus, este se va hasta su batería, pide silencio y arranca con la excelsa La Santa Compaña. ¿Y el sonido? Un desastre aún a esas alturas, pero honestamente, ¡a nadie le importaba! La gente estaba totalmente entregada a la melodía y ritmo de la canción, coreando incluso el arpegio del inicio. Ni hablar de los “oooh, oooh” del final. Qué temazo, ¡qué entrega!

De esos pedazos de clásicos pasamos a algo más reciente, del año pasado: Vodka’n’Roll. Si me preguntan, uno de los cortes más rescatables de los últimos años de la banda. Hard Rock con oscilaciones y reminiscencias del Heavy Metal que alguna vez hicieron a destajo. Todo acompañado de una melodía inspiradísima que muy probablemente fue concebida y parida pensando en presentaciones en vivo, y es que es ideal para corearla. Encima de eso tiene una letra eminentemente fiestera, entonces es difícil no prender a tope con ella. “Ven, levántate una vez” y el resto del coro fue entonado a pleno por los cerca de cinco mil fanáticos. Pegadita comenzó Aquelarre, donde por primera vez en la noche Patricia abandonó su tarima y pasó al frente para cantar a dúo con José, en lo que fue un derroche de talento y capacidad vocal. Lo de Paty al final fue sencillamente increíble, ¡pero qué voz! Un momentazo.

¿Y luego? “¡Ahhhhhhh!” Señor falsete para dar inicio a uno de los más grandes clásicos en la discografía de Mägo: Jesús de Chamberí. La grandeza de la canción queda refrendada por el nivel de encoramiento exhibido por el respetable. ¡Manera de cantar! Y acá el sonido ya había mejorado algo, lo que me permite decir que la ejecución fue prodigiosa. Aquella monumental parte instrumental fue perfectamente interpretada por todos los integrantes, un azote heavymetalero. Y a pesar de que ese segmento no tiene voces, la euforia de la audiencia era incontenible, reinaba el descontrol en todos los sectores del recinto, todos vibrando solamente con el ritmo. Y me detengo acá para hacer notar algo: José todavía canta, ¡y bastante! No creo que pase por ahí lo de su retiro (como algunos pueden pensar). Aquí al menos la rompió.

Luego regalaron un muy bonito momento, con la fase introductoria de Epílogo (del último disco), y con un solo magistralmente interpretado por Carlitos. Se generó una atmósfera de mucha intimidad, con el escenario envuelto en una luz color escarlata que exacerbaba la pasión puesta en juego por el guitarrista, y todo cruzado por la belleza de esos acordes. Se configuró así la antesala perfecta para ese portento de canción que es Alma. Y si las canciones hasta ese punto habían sido cantadas con todo, lo del coro de Alma fue una locura, ¡cómo me hubiese gustado tener un medidor de ruido! Cuánta energía y buena vibra en esas líneas, ¿ah? Lo mejor fue comprobar in situ que es una canción le llega mucho a la gente, fue genial ver cómo amigos se abrazaban una vez que terminó, sintiendo quizás que algo importante acababa de pasar en sus vidas. Pura felicidad a esas alturas de la noche.

La banda abandona el escenario un instante, bajan las luces y en esa penumbra surge el clamor por Finisterra. Empezó tenue pero luego todo el Caupolicán la pedía, llegando incluso a cantar el “¡Oh, Finis! ¡Oh, Terra!” Una tapa épica para todos nosotros, porque lo que se vendría era La Rosa De Los Vientos. Otro de los pasajes bonitos de la noche, ¡llegué a contar 28 encendedores! Estaban sólo Sergio en su teclado y José sobre el escenario, pero luego se suma Txus (con unos pantalones que daban escalofríos…) para ayudar en algunos versos y en el coro. Al finalizar la canción se produjo una aclamación inmensa para los tres músicos. Pronto se unen los demás y comienzan otro de los momentos destacados de la noche: la interpretación de la instrumental Sueños Diabólicos. No sólo fue una interpretación monstruosa, sino que a la larga significó una verdadera fiesta. Por momentos fue como estar en un bar de algún pueblo celta del siglo pasado. Genial.

Nuevamente Paty se apersona en el frente del escenario, esta vez para cantar los versos iniciales de El Poema De La Lluvia Triste. Lo de ella fue simplemente glorioso, no hay muchas más palabras que puedan hacerle justicia. Y tras esos breves segundos, el teatro entero estalla con la fuerza y velocidad que siguen a la intro. Y con la misma garra retornan todos (al terminar el tema anterior bajaron un instante) para golpear con Diabulus In Musica, durante la cual se produjo, al parecer, un incidente. Algo sonó realmente muy fuerte (retumbó todo el piso). Algunos de los músicos se miraron, y José corre a un sector cerca de la barrera para ayudar (¿?) a alguien (yo pensé que algo había explotado). No sé, creo que alguien se quiso subir al escenario y pasó a llevar algún cable. Y bueno, tras los amplificadores se veía como reducían en buena onda a alguien. Pasado eso, Paty regresa para acompañar en los coros y dar una demostración de canto lírico al final. ¿Ya mencioné lo talentosa que es?

¡Atención! ¡El momento emotivo de la noche! Todos dejan el escenario, para dejar a José en compañía de Sergio, cuando comienzan a sonar los acordes Desde Mi Cielo el estruendo de parte de la gente fue gigantesco. El sentido mismo de la canción, y el conocimiento del futuro de José en la banda, hizo que todos entendieran que se trataba de algo especial. Cuando canta “os quiero decir adiós, porque ha llegado la hora de que andéis el camino ya sin mí” la gente se rompe el alma gritando al unísono un “¡Noooo!” que seguramente el hombre no podrá olvidar en lo que le queda de vida. Avanza la canción y hacia el final el vocalista guarda silencio, dejando que el público se luzca, y vaya que lo hizo. José se veía emocionado, muy feliz y agradecido. Creo que no lo vio venir. Un instante para el álbum de recuerdos.

¿Qué será de Mägo de Oz cuando él se vaya? Qué pregunta más ingrata para los fans, pero es imposible no hacerla. Como sea, lo que siguió a continuación me dio una idea, y estoy seguro que no fui el único. La Leyenda de La Mancha debe estar entre los mayores clásicos de la banda, y escucharla en la voz de alguien que no sea José a priori parecería rarísimo, pero fue justo lo que sucedió. Él se retira del escenario y es ella quien viene hacia el centro, Txus marca los tiempos y ¡vamos! Patricia “Nexx” Tapia comienza a contarnos la leyenda. Y es tan, tan bueno su cometido, que por lo menos a mí de inmediato me hizo en pensar que la próxima voz principal de Mägo de Oz puede perfectamente ser la de una mujer. ¿Descabellado? No lo creo. Y en el cualquier caso: estos tipos están lo suficientemente locos como para intentarlo. Sea como sea, fue una versión monumental del tema, de verdad quedó genial.

Si el concierto terminaba ahí, yo caminaba a mi casa feliz y complacido, pero quedaba más. Seguía ni más ni menos que Hasta Que El Cuerpo Aguante, una canción que es una institución en sí misma, una de esas declaraciones de principios que dejan escuela. Coreada a máxima capacidad pulmonar de principio a fin, y con la mayoría de los instrumentos silenciados, ese canto de la fanaticada estremecía todo y se sentía hasta los huesos, al tiempo que todos llevaban el ritmo con las palmas, pasando a dar saltos con los cambio de ritmos, todos en sincronía absoluta. Paty va y le presta su micrófono a Txus, quien desde su batería se anima con sus versos correspondientes. ¡Lo que es cantar “estamos locos de atar…” con otros cinco mil desquiciados fanáticos! Y por momentos fue el público solo, cantando tan fuerte que la banda no se lo creía. Las ovaciones aún no cesaban, y luego de eso cuando irrumpen los hermosísimos arreglos en piano con que abre Gaia. ¿Qué te puedo decir? Hermano, la canción en sí misma es monumental, de lo mejor del Rock en español hecho alguna vez, y verla ejecutada en vivo, coreada a morir por miles de incondicionales es impagable. Solo destacar la excelencia y pulcritud de la interpretación. Afortunadamente para este momento el sonido había mejorado considerablemente, así que se pudo apreciar la majestuosidad de la composición. Épico.

Se termina Gaia y suben unos roadies para ubicar unos timbales al frente del escenario, con lo que algunos (los que vimos alguna vez A Costa Da Rock) sospechamos lo que se podía venir, pero con cierta incredulidad. Lo que fuere a ser, habría que esperar, demoraría unos 10 minutos en regresar (lo que podemos considerar el encore del show). Luego Txus aparece y pasa al frente para decir algunas palabras en su calidad de líder del grupo. Lo primero fue pedir disculpas por la demora, luego dar gracias a “su segundo país” por tamaño recibimiento y siendo él como es, no podía dejar de dedicar palabras a los estudiantes, conminándolos a no decaer en la lucha por una educación gratuita, señalando que “la ley es un papel, la justicia nos pertenece”, y que “la educación es nuestra única arma” contra un serie de cosas. Está demás decir que el aplauso que se ha ganado fue inconmensurable. Aún en un griterío enorme, señala que hay alguien de cumpleaños, y llama a Patricia para que el público le cante. ¡Imborrable la cara de emoción de Paty! Emocionadísima de ver a 5.000 personas cantándole a todo pulmón con cariño. Y todos ellos sorprendidos con nuestra especial forma de cantar el “Cumpleaños Feliz” (“¡Feliz, feliz!” y “¡A ti, a ti!”).

Y bien, momento de seguir y confirmar las sospechas: ¡Pensando En Ti! Sergio monta la base melódica con su teclado, Josema vuelva a sacar su flautín y empieza a tocar esa escalofriantemente hermosa intro que tiene la canción, se suma Mohamed logrando una perfecta sincronía, y cuando comienzan a sonar las guitarras acústicas el Caupolicán casi se viene abajo con la algarabía. Qué hermoso cover. En lo personal, una infinidad de recuerdos, innumerables tardes de escuchar la canción original con mi viejo. ¿Y cómo no recordar a aquella chica con la que alguna vez compartiste el cover a ver si le gustaba? ¡Cada uno con sus recuerdos! ¿Vale? Me refiero a que este tipo de canciones evocan todo eso, mucha emotividad, desatando todo el compromiso de la audiencia, obligándote casi a descocerte las junturas del corazón cantando. José entiende la belleza del momento y guarda silencio buena parte de la canción, dándose tiempo para maravillarse. ¡Su cara lo decía todo! Luego otro momento álgido en la canción: el solo de Carlitos. ¡Qué belleza! Escalofríos recorriendo la espina y un recuerdo imborrable. Simplemente hermoso. El mismo José lo consignaría: “han sido años, muchos años, pero habéis conseguido emocionarme como hacía tiempo no lo hacía. Muchas gracias por este último regalo que me habéis hecho”. Y de alguna forma uno sabe que hablaba en serio. Todos pudimos sentir que ese momento fue algo especial.

Y sin tiempo que perder comienzan a regalar la genial La Costa Del Silencio. ¡Ah! ¡Cuánta magia en esos arreglos vocales del estribillo! Imposible no cantarla como si fuera una especie himno. Ya iban dos horas de concierto, dos horas vividas a concho, pero la gente se la seguía bancando con todo. ¡Precioso! Y la banda que increíblemente se veía cada vez más motivada con la respuesta del público. Justo cuando uno pensaba que eso era insuperable llega algo que rompió toda marca de magnificencia anterior: ¡Molinos De Viento! ¡Ayúdame a gritar “clásico”, viejo! Sin duda la canción más reconocida y representativa de Mägo de Oz, y del mismo modo se puede afirmar que es una de las canciones más importantes del Rock en español. Durante todo el concierto hubo momentos tremendos, con el público y la banda entregados al 100%, por lo tanto no me explico cómo es que aquí se pudo superar todo lo anterior. Pero así fue, ¡y es que se trata de un himno! ¿Cuántos de nosotros no entramos al mundo de Mägo a través de esta canción? Perfecta interpretación para un momento inolvidable, para alucinar. Pura emoción.

Termina Molinos de Viento, Txus hace un amague de We Will Rock You y luego otro de Run To The Hills (qué increíble habría sido eso, por un momento casi me la creí), pero no, lo que seguía era otro himno del grupo: Fiesta Pagana. Y fue eso, una fiesta de principio a fin. La gente, sabiendo que esto ya era lo último, coreó con todo incluso los arreglos en violín y flauta del comienzo. “Ponte en pie, alza el puño y ven” sonó como trueno, el teatro no paraba de retumbar con los gritos y saltos. Niñas y niños, hombres y mujeres, todos cantando por igual. Y ya a mitad de la canción José comenzaba a despedirse, en lo que debe haber sido algo muy amargo para los más fanáticos. Al cierre una merecidísima alabanza para toda la banda, pero para alguien en especial, pues los cánticos para el gran vocalista no faltaban. Fue muy emotivo, para él también, claro que sí. Tras unos segundos bajan del escenario, pero ante los gritos incesables vuelven para despedirse. Todos al centro, abrazados para una reverencia final al público, y para una última gran ovación y reconocimiento. Era el epílogo.

Así fue la sexta visita de Mägo de Oz a Chile, el último con su vocalista histórico José Andrëa. Junto con el recuerdo de un concierto asombroso quedan algunas preguntas sobre el futuro de la banda, pero ya habrá tiempo para pensar eso. Además, nunca se sabe cómo terminan estas historias (recuerden los casos de Bruce y Rob, por ejemplo). Lo importante ahora es quedarse con lo que nos dejó este espectáculo. Fueron veinte canciones, clásicos legendarios mezclados con una buenísima selección de sus mejores temas más recientes, todas ellas dejando una marca indeleble en los cerca de cinco mil fanáticos que llenaron el pequeño coloso de calle San Diego. Si bien el sonido no fue de los mejores, la entrega desde ambas partes hizo que eso pasara a un tercer o cuarto plano, y se convirtiera en algo inolvidable. Fue otro capítulo glorioso en la leyenda del Mägo y sus incondicionales ¡“cabroneeees”!

Setlist:

01. Intro: La Gazza Ladra
02. Satania
03. Maritormes
04. La Santa Compaña
05. Vodka’n’roll
06. Aquelarre
07. Jesús De Chamberí
08. Epílogo (Interludio Musical)
09. Alma
10. La Rosa De Los Vientos
11. Sueños Diabólicos
12. El Poema De La Lluvia Triste
13. Diabulus In Musica
14. Desde Mi Cielo
15. La Leyenda De La Mancha (cantada por Paty Tapia)
16. Hasta Que El Cuerpo Aguante
17. Gaia
Encore:
18. Pensando En Ti
19. La Costa Del Silencio
20. Molinos de Viento
21. Fiesta Pagana

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

El repertorio del concierto en Argentina, que abrió la gira mundial en promoción de TH1RT3EN, algunos lo consideraron mezquino, con apenas 13 canciones. Pues bien, la actuación de Megadeth en Chile como cierre del Maquinaria 2011, tuvo un set más compacto aún, pero hubo algo que hizo que el show resaltara en comparación a las visitas anteriores: la alegría de Dave Mustaine.

Las pantallas gigantes del Transistor Stage mostraban a un Mustaine un poco desmoronado, hinchado, con una papada, unas bolsas en los ojos y una mueca que iba más allá de la típica suya, como si con cada nota que cantara sintiese alguna especie de dolor físico. De hecho, en los dos temas finales incluso se le veía un poco pálido, descompuesto, hasta desarmado, con la cara a punto de caerse a pedazos. Sus movimientos eran un poco robóticos, con mucho esfuerzo como si costasen trabajo y dolor, como cuando abrió los brazos frente al micrófono después de Hangar 18 para provocar una ovación. Batallaba, pero no podía esconder esa sonrisa grande de sorpresa, de agradecimiento y triunfo, de estar pasándolo bien pese a todo.

Quizás, porque este ha sido el concierto más grande que ha realizado su banda en Chile, cerrando un festival que todos los medios masivos nacionales tenían sus miradas colocadas y tocando ante un marco importantísimo de gente, compuesto por los fanáticos de siempre que hacían del show de Megadeth una fiesta aparte del Maquinaria, y por los curiosos que gracias a haber visto a sus actos favoritos antes, tenían la chance de no perderse al grupo, ¡tenían la chance de no perderse a Megadeth! Lamento pero no excuso la ESTUPIDEZ de aquellos que después de Faith No More decidieron ir  a la salida hacia la izquierda en lugar de caminar hacia la derecha y “ganarse” en el escenario donde tocaría Megadeth. Me cago en los que tildan de “cerrados” a los metaleros, que pregonan ser “abiertos de mente” para escuchar todo tipo de rock y, a la hora de la verdad, no son capaces siquiera de comprender en lo más mínimo lo que significa Megadeth. En fin, mientras seguía tocando Faith No More, desde el otro escenario ya se escuchaban los cánticos de aliento al conjunto, un ambiente que si bien es “prestado” de la intensa relación pasional entre el público argentino y Dave Mustaine, es imposible restarse de él cuando está a punto de desatarse. Esto sólo es prueba de que el grupo ya está consolidado como un nombre más allá del rock y su música, pues al igual que Iron Maiden y Slayer, Megadeth ha pasado a ser un ícono cultural dentro de lo que se escucha en el país, casi a ribetes religiosos, y el hecho de que cada vez vaya más gente a sus conciertos no es sólo un acierto de las producciones o la elección de los recintos. El status idolátrico de Megadeth acá en Chile es inevitable de percibir, y verlos cerrar un evento gigantesco en el Club Hípico, es simplemente un sueño que enseña que el metal ya no es periférico. Ese es el arsenal y la victoria de Mustaine.

Durante toda la velada del sábado en el Maquinaria, el símbolo atómico con el rostro de Vic Rattlehead estuvo puesto en el escenario donde Megadeth se subiría a las 23:30 horas, por lo que todo el mundo sabía -lo quisiera o no- dónde aparecería el grupo. Ese ERA el stage que pisaría Dave Mustaine y en ese principal espacio que ya tenía algo de sagrado, todos los metaleros se sentirían de local.

Por la demora quizás en la partida de Faith No More en la tarima de al lado, el show de Megadeth se tardó un poco también en comenzar. Por mientras, el público se entretenía con las pantallas colocadas al costado del escenario, lamentándose (¡oh!) cuando se iban a los colores de ajuste y vitoreando (¡eh!) cuando volvía la imagen. El juego entre los miles y miles de asistentes y el director hizo que muy pocos se dieran cuenta de que el espectáculo había comenzado, y recién segundos después de que empezara a sonar la introducción de Trust, la algarabía se hizo sentir desde la reja hasta la sala de prensa, muy atrás. La pantalla mostraba a Shawn Drover golpeando los tambores y después a David Ellefson dibujando las notas de bajo. La explosión de luces con las guitarras fue básicamente celestial, y alcanzó a iluminar todos los brazos y saltos que su célebre ritmo logró animar. Cómo es tradición en los conciertos de Megadeth, el siguiente tema surgió sin ninguna pausa y así se escuchó de inmediato Wake Up Dead, y sin remordimientos después Hangar 18. La partida fue contundente y el sonido respondía mucho mejor de lo que lo había hecho para Down o Faith No More,  lo que era un alivio puesto que a Megadeth nunca se le ha escuchado mal y algunos grupos en ese mismo escenario, sólo horas antes, no habían sonado para nada bien.

Fue en esta primera pausa tras el clásico de Rust In Peace que Mustaine soltó su cercanía, su alegría, unas sonrisas y unos aplausos a un público que vitoreaba su nombre, unos brazos levantados en signo de victoria. Dio las buenas noches, dijo “I love Santiago” y agradeció la compañía. Habló con mucha soltura acerca del festival, de las “grandes bandas” que se habían presentado antes, entre esas, “algunas de mis favoritas”, y que continuación tocaría una de SUS canciones favoritas, Angry Again, acerca de “una de las últimas películas de figuras de acción”, acerca de “estar enchuchado todo el rato”. Dave no sólo estaba haciendo su trabajo, como se vio en las actuaciones del 2005, 2008 y 2010, no sólo exclamaba “bienvenidos a la casa de Megadeth”, ¡lo estaba pasando bien sin ocultarlo! A Tout Le Monde vendría después, con el guitarrista pidiendo al público que lo ayudara con las letras, que lo siguiera en los versos y el coro. La comunicación se notaba distendida, alegre, y se daría el tiempo enseguida para introducir Whose Life (Is It Anyways?) del nuevo disco, canción que su banda tocaba recién por segunda vez en vivo.

El diálogo de Mustaine con la audiencia se mantenía y con la acrobática/poderosa Head Crusher no fue la excepción. Explicó que la había escrito con Shawn sobre “cómo hacerse pedazos el cráneo” con un tono no tan enserio, al igual como cuando presentó Public Enemy No.1, refiriéndose a ella como “ah, la que se convierte en single porque de pronto es realmente buena”. A decir verdad, me sorprendió mucho la reacción tan positiva que recibió el tema, con gente levantando los brazos y gritando por el regocijo de escucharlo, ¡y me asombró aun más lo excelente que sonó! La pista en directo es fantástica, con melodías sencillas y galopeadas que contagiaron a medio Maquinaria. El ambiente quedaba listo para escuchar cortes más oreja de la época del Countdown To Extintion o del mismo TH1RT3EN, y no por nada Sweating Bullets y Symphony Of Destruction hicieron su aparición, cerrando aquella sección del repertorio.

No importa cuántas veces uno los haya visto en vivo, son clásicos y la piel siempre se me pondrá de gallina con la parte más pesada de Sweating Bullets. En lo personal, me acordé cuando había comprado el cassette, en el colectivo de vuelta a mi casa veía las fotos de los músicos y me encontraba con la increíble sorpresa de que el cantante se llamaba Dave Mustaine, el mismo hombre “misterioso” que había escrito la mitad del Kill’em All, el mismo nombre que surgía en la autoría de casi todas las canciones del debut de Metallica. Sweating Bullets era la que más me había gustado del cassette y para mí, el sábado 12 de noviembre con ese número, con todos agitando los brazos a son de aquel riff, se cerraba el círculo de un tipo que vencía ante un público gigantesco, con cara llena de agradecimiento y de triunfo a pesar de todo.

El tiempo quizás ahora le empieza a pasar la cuenta a Mustaine. Su lesión en el nervio lo mandó hace poco al quirófano y es posible que ese mal lo obligue a armar un set más corto que le permita tocar y cantar sólo hasta que el dolor se lo permita. En Argentina el show fue casi de la misma duración, por lo que descartaría que el repertorio haya sido escueto en Santiago por el hecho de insertarse en un festival con otras bandas. Sin embargo, el líder de Megadeth entregó con dicha todo lo que tiene y le es posible dar ahora, con un espectáculo cuyos fieles seguidores supieron agradecer muchísimo de vuelta.

Los chilenos han visto a Megadeth en todas, con su alineación más espectacular en los noventa, cuando la formación ya sin Menza se estaba desmoronando en la gira del Cryptic Writings, cuando no se sabía el 2005 si Mustaine continuaría o le pondría fin a la banda, y después el 2008 y 2010 con shows potentísimos y llenos de gente en el Movistar Arena. Ahora, más que nunca, la fiel fanaticada rockera estuvo junto a él, acompañando en la causa a los verdaderos leales de siempre, a los que viven temas como Peace Sells y Holy Wars… The Punishment Due con puro sentimiento. Me asombró ver a una mujer de pelo rojo oscuro cerca de la torre casi persignándose mientras cantaba “holy wars”, o por el otro lado de la vereda, a gente que quizás en su tiempo, décadas atrás, comenzó esta senda del rock escuchando Megadeth, ahora están en otro y la vida les dio la oportunidad ahora de encontrarse con aquella banda de la infancia, disfrutando al máximo canciones de ese entonces como Peace Sells. Todo esto, sin detenernos en la mayoría notoria de poleras, gorros y parches de Megadeth que se vio en las presentaciones de Alice In Chains, Faith No More y Down. Éramos mayoría. Lo siento Chris Cornell, pero cuando tú cantabas solo con tu guitarra de palo, ¡muchos aprovecharon tu espectáculo para ir a los baños!, ya que ese fue el único momento en que las filas de hombres y mujeres se hicieron notar en la espera.

A propósito. Los baños no colapsaron como podría haberse esperado, ¡porque a última hora no se pudo vender cerveza en el festival! Gente angustiada denunciaba este calamitoso hecho a la prensa, acusando que veía a misteriosas personas del sector VIP saliendo con unos vasos. ¡En Faith No More, unas señoras empezaron a vender latas a tres mil pesos!, con varios aceptando el alto precio sólo por la mera imperiosidad. Lo curioso de todo fue que estar adelante en cualquier performance de cualquier banda, ¡era un agrado! Nadie empujaba, todos pedían “permiso compadre” al pasar, daban las gracias, ¡todos sanos y comportados! ¡Falló la cerveza y triunfó el orden!, al menos adentro.

Pero volviendo a Megadeth, Mustaine siguió comunicándose con los asistentes entremedio de las dos últimas canciones, Peace Sells y Holy Wars, pidiéndoles seguir los coros, tomando las pausas para decir que era el cumpleaños de Ellefson y cantar un Happy Birthday, presentando a la banda, diciendo lo bien que lo estaba pasando y agradeciendo con la mirada al cielo por esta hora de acción en escenario. La sensación era de descarga finalizada y misión cumplida. Era evidente que el set terminaba allí y me sorprendía que no hubiesen tocado temas previstos en Argentina como In My Darkest Hour o She Wolf. Sin embargo, ya quedaban momentos especiales guardados en la memoria y uno de esos fue justamente el que hubo después del solo de Dave en la última canción, cuando la banda dejó a Drover y Ellefson marcando el ritmo y todo el público comenzó a cantar la parte final, ante la impresionada y contentísima mirada del guitarrista. Qué señalar acerca de Broderick. Siempre me acordaré de la pifiadera que se llevó Glenn Drover al hacer mal la intro española de The Punishment Due en el Court Central, y nunca dejaré de contrastarla con la ovación que el ex Jag Panzer y Nevermore se gana cada vez que interpreta los leads de Marty Friedman. Chris es un genio de la interpretación y gracias a él, es posible que la formación actual de Megadeth sea la mejor que haya tenido esta banda desde la del Rust In Peace, incluso al nivel quizás de aquella que grabó los dos primeros álbumes, cuando Samuelson (QEPD) y Poland completaban el lineup.

Pese a lo corto, el show resultó ser más especial de lo imaginado. Me voy con la sensación de que Megadeth es un sobreviviente a los traumas y que ahora trata de disfrutar al máximo cada momento extra que le queda de vida. ¿Cómo lo hace?, definiendo estos días como uno de los más exitosos en toda su carrera, viéndose como una banda tranquila y el paz consigo misma y con el resto de la industria, todavía engranada, compacta y poderosa. We’ve been Megadeth!!!

SETLIST MEGADETH en el MAQUINARIA 2011

01. Trust
02. Wake Up Dead
03. Hangar 18
04. Angry Again
05. A Tout Le Monde
06. Whose Life (Is It Anyways?)
07. Head Crusher
08. Public Enemy No. 1
09. Sweating Bullets
10. Symphony of Destruction
11. Peace Sells
12. Holy Wars… The Punishment Due

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

No puedo empezar esta crónica sin una breve reflexión en torno a lo histórico que ha sido este año para Chile en materias metaleras. Primero fue WarCry, luego vinieron Kamelot, U.D.O, Accept, Rage, Grave Digger y X Japan, todas bandas que vieron este año como el de su gran debut en tierras nacionales. Ese hecho en sí bastante es sorprendente, pero si analizamos los casos de bandas como Digger o Accept, lo es mucho más, porque seguramente no fueron pocos los que alguna vez pensaron que ya era casi imposible que nos visitaran. Y bueno, algo similar ocurría a mi juicio con los ingleses de Saxon.

El caso de los Sajones es uno muy especial. Se trata sin duda de una banda legendaria, ícono por excelencia de la NWOBHM, y ese estatus no se lo ganaron en una cajita de cereal, no. Se apoderaron de ese sitial a punta de discos grandiosos, y canciones que hoy por hoy engrosan la enorme lista de clásicos supremos del Metal. ¿Pero por qué nunca lograron hacerla ‘en grande’? Esa respuesta da como para un artículo aparte, por ahora sólo quiero hacer notar que Saxon es una banda idolatrada, pero al parecer, sólo por un grupo reducido de fanáticos. Es más, si me preguntan, creo que a veces son subvalorados. Son algo así como una banda de culto. Digo todo esto para ilustrar el hecho de que quienes asistieron al histórico concierto del pasado martes, eran probablemente sus más fervientes fanáticos, aquellos de verdad, como solemos decir. Pero antes de ahondar en eso, permítanme relatarles cómo estuvo en número previo.

Cuando estábamos aún fuera del Teatro con los amigos, especulábamos acerca de la cantidad de gente que podría convocar Saxon, y todos coincidíamos en que “no muchos”, con gran pesar, claro está. Unas 600 personas. Pensaba en eso cuando, a eso de las 20:15, ingresé y me topé con una de las escenas más desalentadoras que he podido ver: el telonero acaba de empezar y no habían más de 200 personas en recinto… Pensaba en que Saxon no se merecía eso, pero bueno, así no más estaba la cosa. ¡Una pena! Sólo quedaba entonces disfrutar del show de los nacionales. Hablamos de nada más y nada menos que de Battlerage, quienes son, para mí, uno de los mejores exponentes del Heavy Metal nacional. Se los digo: a mí me encantan, básicamente por lo directa de su propuesta: un Heavy bastante sencillo (¡no simple!) y contundente, rescatando los elementos más clásicos y típicos del True Metal, pero arreglándoselas siempre para sonar entretenidos. Y todo eso se exacerba aún más cuando se trata de montar su propuesta en vivo, sobre lo cual su vocalista, Fox-Lin Torres, tiene gran responsabilidad. El hombre siempre tiene un show aparte, que va desde su chasca hasta su histrionismo, pasando por su puesto por su poderosísima voz.

En efecto, el cometido de Battlerage fue de los mejores. Iniciaron con la Cimmeria, esa notable intro del Battlefield Belongs To Me (2006), para continuar luego con un combo de dos de sus canciones más conocidas: Heavy Metal Axe y Metal Slaughter, ante lo cual los pocos fanáticos reaccionaron muy bien, entonando los estribillos y alanzado sus puños. Continuaron entonces machacando tímpanos con una mezcla de temas de sus dos primeros discos, como Held High The Chaos Sword, Steel Supremacy, By Steel I Reign Supreme y la algo más reciente Warmachine, de su notable tercer disco Blood, Fire, Steel (2009). De eso se trata Battlerage: canciones directas, contundentes y hasta aplastantes. Se les vio realmente muy cómodos, complacidos de poder mostrar su música y entendiendo la importancia de la ocasión; y con notables actuaciones de Pancho Vera en batería, Felipe Vuletich en el bajo, y Daniel Román y Alejandro Ugarte en las guitarras, quien hasta donde pude entender, estaba haciendo su debut con la banda. Y hay que decir además que para cuando ya finalizaban su show, la cantidad de personas ya se había al menos duplicado. Así es, cuando comienzan a entonar la ya clásica Battlerage, había unos 400 asistentes, que pudieron apreciar una brutal actuación de la banda. Excelente cometido, ¡bien por los muchachos!

Setlist Battlerage:

1. Cimmeria
2. Heavy Metal Axe
3. Metal Slaughter
4. Held High The Chaos Sword
5. Steel Supremacy
6. By Steel I Reign Supreme
7. Warmachine
8. Battlerage

Luego de poco más de 40 minutos de actuación, los teloneros dejan el escenario e inicia la espera por ver a la leyenda. Si bien estaba programado para las 21 horas, y la espera fue un poco más de lo pactado, a la larga fue mejor que se demoraran algo más, porque eso permitió que la cantidad de gente aumentara -considerablemente. Yo no me di ni cuenta, pero para cuando las luces se apagan indicando el inminente comienzo del show, ¡ya había unas 900 personas en el lugar! Lo sé, no es un gran número, pero es bastante digno, y si hubiesen visto la escena inicial de hacía unos pocos minutos atrás, concordarían conmigo. 21:20 de la noche, la hora mágica: después de treinta y cinco años de carrera, ¡los ingleses Saxon se posaban por fin sobre un escenario nacional! The eagle had landed!

De verdad, yo me alegré mucho cuando vi que la cantidad de fanáticos era más que decente, pero hasta me emocioné con el nivel de ovación que se dejó caer cuando comenzaron a ejecutar la tremenda y poderosa Hammer Of The Gods, de su última producción: Call To Arms (2011), y que no por nueva no iba a prender demasiado . Como ya lo dije: esos 900 fanáticos eran de los de verdad, tipos que sienten a la banda de forma especial, ¡como las leyendas que son! Excelente momento, un arranque a 100 por hora, con un Peter Rodney “Biff” Byford sensacional, rompiéndola desde el inicio mismo, cosa que no deja de sorprender viviendo de un hombre de… ¡sesenta años! Llamaba también la atención lo prendidísimo que estaba Tim “Nibbs” Carter, el bajista. Estaba vuelto mono, con un nivel de cabeceo que hacía temer por su cuello. Fuera de todo localismo, creo que la recepción de la audiencia los sorprendió bastante, y en especial a Nibbs y a Biff, o por lo menos fueron quienes menos lograron disimularlo. La gente gritaba enfervorizada “¡Saxon! ¡Saxon! ¡Saxon!”, y ellos con cara de niños en Navidad.

Y desde lo más nuevo, nos vamos 31 años hacia atrás, a los tiempos del Strong Arm Of The Law (1980), para corear uno de los himnos más grandes de la banda: ¡Heavy Metal Thunder! Qué nivel de clásico, si me dan ganas de alzar el puño con sólo escribirlo. Quedó la escoba, y es que es difícil que la gente no prenda con temas como ese y con un Biff tan entusiasmado, pidiendo palmas y puños en alto, e incluso saltando de allá para acá. ¡Viejo maestro! Luego nos quedamos en esa gloriosa época, pero un año más tarde, en 1981 para ser precisos, cuando la banda lanzara su enorme Denim And Leather, pues era el turno de otro portento que Biff presentaría con unas sabias palabras: “Hay dos palabras que jamás deben olvidar: ¡nunca rendirse!” ¡Never Surrender! ¡Tremenda! Un azote de energía. Y luego de vuelta al presente para seguir presentando material de su nueva placa: Chasing The Bullet, con la que se pudo apreciar lo mismo que con el corte de apertura: a pesar de ser nueva, para la gente fue como uno de los grandes clásicos. Qué nivel de ‘encoramiento’, con un ch-ch-ch-chasing the bullet que resonó de gran manera. Ya era todo una fiesta allí en la cancha del Caupolicán.

Por cierto, el sonido era excelente (lo mismo para Battlerage), lo que permitía apreciar, entre otras cosas, el excelente despliegue vocal del gran Biff, y de los grosos solos de Doug Scarratt y Paul Quinn. Con el sonido del motor de una moto avisaban que lo siguiente era otro clásico de aquellos, también de hace treinta y un años, Motorcycle Man, del también enorme Wheels Of Steel (1980) (cuánta grandeza, ¡por la cresta!). Y de nuevo, puro desmadre en la cancha, cosa que era avivada por los asesinos chiflidos de Biff (imaginen nada más la sensación en los oídos con un chiflido de 120 decibeles en un lugar cerrado). ¡Heavy Rock en estado puro y refinado! Luego, Biff anuncia que la siguiente canción pertenece al nuevo álbum, Back In ’79. Para muchos es uno de los cortes más bajos de Call To Arms, pero a mí me encanta, y creo que a los demás asistentes también, ¡porque cómo coreaban y levantaban sus manos con ese “Show me your hands”! Y así mismo pasó con And The Bands Played On, rememorando el pasado en aquella época donde tocaban con leyendas como Rainbow, Judas Priest, Black Sabbath y Scorpions, entre otros. Luego dio paso a la ultra-tremendísima Battalions Of Steel, mi favorita del Into The Labyrinth (2009), y una de mis preferidas de la banda. ¡Glorioso! Y la parte instrumental sirvió para que Biff pudiera darse el tiempo de colgar dos banderas en la batería de Nigel.

Lo siguiente es simplemente anunciado como “algo del nuevo álbum”, pero de inmediato comenzó a sonar un suave arpegio y la gente identificó que se trataba de la mismísima Call To Arms. Viejo… ¡Cuánto poderío! ¡Cuántos huevos le ponen esos ancianos! El quiebre con el que inicia la parte pesada de la canción, justo después de esa suave intro, sonó como un bombazo. ¡Notable! Un verdadero llamado a las armas, muy emotivo. El sonido fue impecable, cosa que hizo que sonara mejor y muchísimo más poderosa que en la versión del disco. Creo que todos nos dimos cuenta, y de ahí que esa haya sido una de las ovaciones más monumentales de la noche. Luego una pequeña tanda de algo más hardrockero de la mano de Dallas 1 P.M., donde Biff dio cuenta de un gran histrionismo al tiempo que iba relatando la historia de la canción, y también de Rock N’ Roll Gypsy, canción que el cantante presenta muy agradecido de los aplausos y el cariño, no sin antes gritar “¡Gran público, muchas gracias!”, en un perfecto español.

Continuamos, y la decimosegunda canción fue ni más ni menos que Mists Of Avalon, otro de los grandes aciertos de Call To Arms, cosa que quedó demostrada cuando Biff dio al público la oportunidad de cantar por sí solo el estribillo y este retumbó por todo el Teatro. ¿Y luego? Battle Cry, hermano, ¡Battle Cry! ¡Pero qué pedazo de canción! Si el coroto de la canción anterior resonaba fuerte, esto fue una locura. ¡Gran momento! Y lo siguiente no se quedó atrás, ¿eh? Biff anuncia que es del nuevo material, y que formará parte de la banda sonora de una película que llevará por nombre Hybrid Theory, que se estrenará el próximo año, hablamos de When Doomsday Comes. Para mí este es otro de los puntos altos de la última placa, pero no creí que fueran a tocarla, y la verdad disfruté muchísimo esta gran versión en vivo. Enorme interpretación. Pero con lo siguiente sí que se estremeció el Teatro, porque no habremos sido más de 900 personas, pero clásicos de la talla de Denim And Leather maximizan las capacidades del rockero promedio y lo vuelven un energúmeno, ¡como debe ser! En momento como estos, uno no canta, ¡grita! Por cierto: hermoso gesto el de dedicarla a San Ronnie James Dio, patrono de los metaleros, y gran amigo de Biff y los demás muchachos.

Un muy sorprendido Biff exclama “¡Grande, ¿ah?!” Es que el tipo estaba contentísimo. Tanto así que le dice a uno de los técnicos “give me the fucking camera!” La toma y se pone a grabar a los enloquecidos fanáticos, y dice que esas imágenes se van al sitio de la banda (habrá que cobrarle la palabra). Luego hace notar su felicidad de ver a tantas generaciones en la audiencia, ¡y tenía razón! Yo ya había reparado en un niñito de unos seis o siete años en los hombros de su padre que estaba vuelto un chango, totalmente desquiciado disfrutando de lo que para él debe haber sido una de las mejores experiencias de su corta vida. Hacia el otro lado, un hombre de unos cincuenta años rockeando como si tuviera veinte. ¡Un cuadro notable! Y eso tenía feliz a la banda, seguramente orgullosos también de poder propiciar aquello. Estábamos en eso cuando rápidamente retoman posiciones y comienzan a  entonar la potente 20.000 Feet, que puso nuevamente a todo el mundo saltar. Luego una sorpresa de aquellas: Ride Like The Wind, rescatada de uno de sus discos más cuestionados: Destiny (1988). Esa es probablemente la mejor canción de aquél disco, así que se agradeció mucho, y la gente la disfrutó tanto como los clásicos mayores.

Y hablando de clásicos de talla mayor: ¡Wheels Of Steel! Un tema tan sólido, que da nombre al disco inmortal de 1980. ¿Cómo no corearlo a todo pulmón? Así lo entendió la gente y así se hizo. El mismo Biff advirtió que quería más entusiasmo: “I wanna see all of you jumping up!”, gritó al comienzo, aunque quizás no hacía falta, ¡si lo íbamos a hacer igual! Unos de los momentos álgidos de la noche, sin duda. El vocalista era el que mejor lo pasaba, se fue hacia una esquina del escenario para vacilar con Paul, luego se fue corriendo a toda velocidad a la otra esquina junto a Tim, con quien se va corriendo abrazado hasta donde estaba Paul, y luego de vuelta: ¡cuenta energía del viejo Biff! No sólo se banca todo un show cantando, si no que salta y corre, y recordemos: tiene sesenta años. Luego quedan tocando sólo Tim y su bajo junto a Nigel y su bombo, con lo que Biff avisa que vamos corear un poco, y después de un par de “eeeh ooohs” recuerda algunos lugares donde han tocado recientemente, y donde van a tocar en los próximos días, provocando enormes alaridos cuando mencionó que ahora era el turno de Chile y que había que romperla. Buen manejo del público, mostrando que tres décadas sobre los escenarios no han sido en vano. Termina finalmente la canción y abandonan el escenario por primera vez.

Pero eso dura poco, pues Paul Quinn vuelva rápido y comienza  tocar el arpegio de la enorme, prodigiosa y excelsa Crusader, del no tan grandioso (siendo honestos) disco del mismo nombre, editado en 1984. En lo personal fue otra gran sorpresa, no la vi venir y siendo una de mis favoritas, me dejó pletórico de dicha. ¡Temazo! Similar cosa pasa con 747 (Stranger In The Night), aunque en este caso no fue tan sorpresivo, porque si bien no es de esos temas que toquen siempre, sí es considerado un gran clásico y es muy querida por la fanaticada y aparece más seguido en los shows. Al terminar aquello, un solo de Doug Scarratt (quien por cierto desde lejos es igual a Janick Gers), que no destacó tanto por su virtuosismo, pero sí por la crudeza del sonido por lo sólido de los acordes. Es entonces cuando el resto de la banda se une y comienza a sonar la genial Power And The Glory, del disco del mismo nombre, de 1983. Prodigiosa interpretación, es un tema que en su versión en estudio es un despliegue notable de Heavy Metal clásico, pero en vivo gana mucho y simplemente te vuela la cabeza. Alucinante.

El anterior era el vigésimo-primer tema de la noche y al terminar, la banda se retira triunfante del escenario, bajo una ovación ensordecedora. Si no volvían, nadie podría haberlos juzgado mal, pues ya lo habían dado todo. ¡Pero Saxon es de verdad! Y siendo las 23:10 regresan al escenario, y esta vez el que se despacha con un solo es Tim Carter, y si Doug es igual Janick Gers, Tim muy parecido a Jason Newsted, no sólo físicamente, sino incluso en la forma de moverse, ¡hasta los cabeceos circulares son iguales! En fin, eso da un poco lo mismo, lo importante es que casi destruye el escenario con su estridente solo. ¡Y cuánta entrega! No sólo en ese minuto de protagonismo, sino que durante todo el show. ¡Un monstruo! En ese momento vuelven los demás y como un flechazo llega Strong Arm Of The Law, tema que abre el disco homónimo, y que ya mencionamos en su calidad de ícono. El “Stop! Get Out!” tronaba por parte del respetable, lo que hacía sonreírse una y otra vez al buen Biff. Casi dos horas de show y todo seguía siendo una fiesta, como el comienzo.

Unas breves palabras para agradecer a los asistentes, incluyendo a la banda soporte Battlerage (no muchas veces vemos esto, y menos que nombren a la banda en cuestión), y luego de eso, probablemente la canción más conocida de Saxon: Princess Of The Night. Más de dos horas de show, y la gente como si nada, ¡qué forma de gritar y saltar! Tanto o más que en el primer a tema, hacía ya 22 episodios. Impresionante la entrega de esos fanáticos y de la banda. La canción efectivamente termina, dedican algunas palabras nuevamente a los asistentes, pero retoman enseguida para repetir el final y rematar de forma portentosa. Hasta hace no mucho, pensé que jamás veríamos a Saxon en vivo, y al tiempo, los teníamos justo enfrente tocando uno de los clásicos más grandes del Heavy Metal. ¡Simplemente memorable!

Fue sin lugar a dudas una noche histórica, en la que contamos con un sonido de primerísimo nivel y una selección de temas que rayó en lo perfecto. Noche histórica que por cierto en un principio pudo verse empeñada pro la baja asistencia (algo que de todas formas no deja de preocupar, pero que no he querido analizar aquí), pero que finalmente salió a flote de una forma más que diga. Y eso queda patente con lo que se llevó la banda: una noche de debut majestuosa ante una audiencia que los había esperado por décadas. El mejor indicio de eso era simplemente la cara y la actitud de los músicos, total y gratamente sorprendidos por la cariñosa recepción de aquél millar de fans, cargada de respeto y admiración. No habrán sido muchos, pero los pocos que fueron, se encargaron de hacer de esa noche algo realmente histórico, tanto para ellos mismos como para Saxon. Ya saben: ¡Never surrender y cosas buenas pasarán!

Setlist Saxon:

01. Hammer Of The Gods
02. Heavy Metal Thunder
03. Never Surrender
04. Chasing The Bullet
05. Motorcycle Man
06. Back In ‘79
07. And The Bands Played On
08. Battalions Of Steel
09. Call To Arms
10. Dallas 1 P.M.
11. Rock N’ Roll Gypsy
12. Mists Of Avalon
13. Battle Cry
14 When Doomsday Comes
15. Denim And Leather
16. 20.000 Feet
17. Ride Like The Wind
18. Wheels Of Steel
Encore 1:
19. Crusader
20. 747 (Strangers In The Night)
21. Power And The Glory
Encore 2:
22. Strong Arm Of The Law
23. Princess Of The Night

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

Muchas dudas surgían al ver anunciado un nuevo concierto de Guns N’ Roses en Chile luego de haber venido hace un año y medio al Movistar Arena. Las principales preguntas eran: ¿van a tocar algo distinto o el mismo setlist?, ¿cuánto se va a demorar Axl en llegar al recinto y comenzar el show?, ¿va a cantar bien o va a cantar bien mal? Las tres preguntas fueron respondidas en esta tercera visita de GN’R a nuestro país.

El paso por el festival Rock In Rio el domingo dos de octubre abrió la puerta para una nueva gira por Latinoamérica del “Chinese Democracy Tour”. Y fue precisamente ese show el que sembró las dudas de lo que podía pasar en Chile, tras una pobre performance de W. Axl Rose y la demora de una hora y media para comenzar a tocar.

Anteponiéndose al seguro retraso del cantante en Chile, la producción optó por dejar a los teloneros en el horario que viene a ser generalmente el del show estelar. A las 21:30 aparecía en escena Raíz Terca. Con algún problema de sonido en la guitarra al principio, que no se escuchaba, el trío tuvo una fría recepción por parte de los seis mil asistentes que a esa hora habían llegado. Con una propuesta de temas que comenzaban algo lentos y luego con riffs más pesados en los coros, Raíz Terca lidió con la impaciencia de la gente que ya después de la sexta canción comenzaba a pifiar para que terminaran luego, a ver si se apuraba todo para que Guns N’ Roses apareciera pronto en el escenario.

Si bien la primera banda telonera se paró con personalidad sobre el escenario, mejoró en sonido y se notó muy afiatado, no logró dejar prendido a un público que no empatizaba mucho con su estilo. Donde sí se logró prender un poco a la gente en esta espera fue con la acertada música envasada, donde se escucharon a bandas como Iron Maiden, Judas Priest, Van Halen, AC/DC, Rush y Queensrÿche. Pasaban los minutos y comenzaban a aparecer algunas pifias de impaciencia y rabia, tomando en cuenta que estaba programado que Guns N’ Roses apareciera en escena a las 23:00. Sin embargo, diez minutos después se apagan las luces para que el quinteto Dion siguiera amenizando la espera.

Con un sonido muy claro, los nacionales trataban de mantener en pie a la gente que ya no aguantaba los bostezos ni el cansancio físico o mental, pensando en cuál sería la hora a la que llegarían a sus casa. Su propuesta, algo liviana y suave para el público gunner, colmó la paciencia de éstos luego del séptimo tema. Generalmente, las primeras cinco canciones son las que dejan enganchado al público previo la banda principal.

Mientas Dion seguía con su presentación, y recordando que el 2010 cuando tocaba Sebastian Bach, Axl Rose todavía se encontraba en Uruguay sin intenciones de viajar a Santiago a esa hora, la gente se informaba por sus celulares sobre qué estaba pasado con Axl, aprovechando de hacer correr la voz a los que tenían curiosidad de saber lo que ocurría. La información que llegaba en ese momento era que su avión había aterrizado en suelo chileno a las 23  horas. y que eso haría que el show partiera a las doce y media de la noche.

El “este es el último tema” que anunció el vocalista de Dion recibió una de las más grandes ovaciones en lo que corría de concierto, siendo que el tipo trababa de animar a la gente. El cantante agradeció el aguante durante los 45 minutos de presentación y a las 23:55 horas, el escenario ya se preparaba para lo que todos estaban esperando (¡y hace rato!).

Algunos aprovechaban la espera para conversar en los pasillos del Arena, otros revisaban sus cuentas de Twitter y Facebook para encontrar alguna información si Axl Rose ya estaría o no en el recinto del Parque O’Higgins. En toda esa previa, Ron “Bumblefoot” se dejaba ver a un costado del escenario conversando con los técnicos, probando sus guitarras y respondiendo con gestos de “I don’t know” a la gente que le mostraba sus relojes en la muñeca.

Una y diez de la madrugada y las luces por fin se apagan para dar comienzo al tercer concierto de Guns N’ Roses en Chile y el segundo del Chinese Democracy Latin American Tour 2011. Luego de la intro para que cada integrante subiera a sus respectivos puestos, DJ Ashba toma posición en la tarima tras la batería para comenzar los riffs de Chinese Democracy, partida idéntica al año pasado, incluyendo la pirotecnia del inicio. Toda una antesala al momento en que la famosa frase “You know where you are? You’re in the jungle baby, you’r gonna die!” se escucha mientras Ashba empieza a tocar Welcome To The Jungle, el himno de Guns N’ Roses que las 15 mil personas corearon con todo.

El setlist se mantenía intacto al que habíamos visto, con una dupla del Appetite For Destruction, It’s So Easy y Mr. Brownstone, canciones casi hermanas que seguían con la intensidad del concierto. Chinese Democracy se hacía presente nuevamente con Sorry y Better, que daban un respiro al potente comienzo del show. Con estos seis primeros cortes ya se podían notar ciertas diferencias con presentaciones anteriores, y es que los músicos que acompañan a Axl Rose se encuentran cada vez más afiatados y sonando mejor.  ¿Y cómo estaba cantando William Bruce Bailey?, mucho mejor. El tipo no escatimó recursos en llegar a los altos y carraspear su voz para pensar en que no todo está perdido, que es cosa de tiempo para ir tomando el ritmo que lo llevó a ser uno de los mejores frontman.

Vendría entonces la presentación para Richard Fortus y una instrumental donde su guitarra es la protagonista. Era hora de repasar el Use Your Illusion I y tributar a Paul McCartney con Live And Let Die, momento en que se vio a un Axl más prendido y con mayor energía que en otras oportunidades. This I Love pone nuevamente el segundo de tranquilidad en el show, para llegar a uno de los momentos más impactantes para un fanático de Guns N’ Roses. Esto, porque la monumental Estranged del Use Your Illusion II ponía la cara de sorpresa/alegría en cada persona que la coreaba y disfrutaba sus partes instrumentales. Un tremendo tema que no era interpretado hace 18 años, salvo el domingo en Rock In Rio.

El Appetite For Destruction no se quedaba atrás y regresó para presentar Rocket Queen, ganchera canción que hizo sacar algún destilado en la cancha para “brindar” por esto. Axl comenzaba a presentar a sus músicos, siendo el más ovacionado su compañero desde los noventa, Dizzy Reed, quien ejecutó un solo de piano que incluyó una muy buena versión de Baba O’Riley de The Who. Ya eran las dos y 20 de la madrugada y el grupo volvía para interpretar Street Of Dreams, canción en la que Rose recibió un lienzo que, abriendo con curiosidad, causó la carcajada de los presentes al leer que decía “Axl Fuck Me”.

“Esa canción de los Guns que es de Terminator” seguía para inyectar mayor intensidad al show. You Could Be Mine hizo corear a todo el Movistar Arena en lo que era la mitad del show. El turno de DJ Ashba llega para dar un respiro al público con un solo que, al igual que el de Richard, tiene el protagonismo dentro de un instrumental que ejecuta junto a la banda. Este solo dio paso a la intro más reconocida creada por Slash, la de Sweet Child O’ Mine, que reactivó a la gente que echaba abajo el recinto con el coro “oooh ooh ooh Sweet Child O’ Mine”.

El piano nuevamente sale a escena, pero esta vez para que Axl se sentara a tocar. Mientras los técnicos preparaban el instrumento y los retornos, el grupo comenzaba a hacer un jam con Another Brick In The Wall de Pink Floyd, al que que Rose se unió para cantar la primera parte, en un momento similar al show del 2010. Esta intro sirvió para comenzar a tocar una de las baladas más reconocidas de la banda, junto con el recordado video clip que causó furor en los noventa. November Rain, del Use Your Illusion I, es uno de los hitazos indiscutidos de Guns N’ Roses, una canción largaduración que tuvo los tres solos de guitarra repartidos en Richard Fortus, DJ Ashba y Ron “Bumblefoot” Thal.

Precisamente fue este último el encargado del último instrumental-solo de la noche, tocando principalmente el tema de la Pantera Rosa. Lo positivo de estos solos es que los fans de Guns N’ Roses comienzan a familiarizar sus rostros y dar (o no) su aprobación como acompañantes de Axl Rose. Es lógico que se eche de menos a toda la formación anterior, pero también es impredecible una posible reunión con el lineup ochentero o noventero.

Bumblefoot queda solo en la tarima delantera para hacer unos acordes que se reconocieron de inmediato como Don’t Cry, momento en que el público comenzó a cantar la canción “por encima”, sin pensar en que la sorpresa mayor llegaría cuando Axl entra al escenario para continuar cantándola en una versión más íntima. Se extrañó a Don’t Cry el año pasado y con el setlist de Río, era impensado que pudiera ser interpretada. Con esto, se dio algo que no ocurría desde junio de 1993, cuando se interpretó en vivo por última vez la trilogía “Without You” de los videos Don’t Cry, November Rain y Estranged).

Ya acercándonos al final del show, la banda rinde un tributo a AC/DC con las legendarias Whole Lotta Rosie y Riff Raff, bien ejecutadas por los músicos y con una buena performance de Axl Rose. Y si se trata de versionar canciones, una de las más reconocidas es Knockin’ On Heaven’s Door de Bob Dylan. Al igual que el año pasado y a diferencia del ’92, la ejecución fue más cercana a la versión original que a la del Use Your Illusion II. Para terminar la primera parte del concierto, qué mejor que dejar los ánimos arriba con el clásico del Appetite For Destruction, Nightrain. Es en esta canción cuando DJ Ashba cruza el escenario para subirse a la platea baja del Arena y pasarse unas rejas para saludar a un fan en silla de ruedas que gozaba del espectáculo.

Terminaba la primera parte de un extendido concierto siendo las 3:40, pero quedaba por escuchar un par de emblemáticas que la banda no dejaría de tocar. Richard y Bumblefoot salen con sus guitarras electroacústicas para dar paso al silbido famoso de Patience, coreadísima balada del GN’R del Lies y la única presente de este disco. Para terminar de revisar Chinese Democracy, Madagascar fue la elegida que sorprendió con el gran recibimiento que tuvo (junto a Better y obviamente la que da el título al disco).

El gran cierre de cada noche en que toca Guns N’ Roses llegó con Paradise City. Su pegajoso coro y archi-conocido riff tiraron toda la carne a la parrilla, incluyendo pirotecnia, humo y papeles picados que volaban por todo el Arena. La banda salió a despedirse y aprovechó de cantar el “cumpleaños feliz” al bajista Tommy Stinson (cada vez más parecido a Sid Vicious). Axl terminó dando las gracias al “gran público” y comentó que esperan volver pronto a nuestro país .

Con esto, y siendo las 4:05 de la mañana (!) Guns N’ Roses concluía un concierto de casi tres horas, con grandes sorpresas como Estranged o Don’t Cry y que siguió uniendo generaciones de fans, entre los más antiguos y los más actuales que no estuvieron presentes en un lanzamiento de disco en estudio. La interrogante que queda es si Guns N’ Roses es capaz de sacar un nuevo disco de estudio para sostener una gira mundial, o derechamente se concreta la esperada reunión con los músicos emblemáticos que la llevaron alguna vez a convertirse en una de las bandas más grandes del Rock.

Setlist:

01. Chinese Democracy
02. Welcome To The Jungle
03. It’s So Easy
04. Mr. Brownstone
05. Sorry
06. Better
07. Solo de guitarra de Richard Fortus
08. Live And Let Die
09. This I Love
10. Estranged
11. Rocket Queen
12. Solo de Piano de Dizzy Reed
13. Street Of Dreams
14. You Could Be Mine
15. Solo de Guitarra de DJ Ashba
16. Sweet Child O’ Mine
17. November Rain (con intro/jam de Another Brick In The Wall de Pink Floyd)
18. Solo de guitarra de Bumblefoot
19. Don’t Cry
20. Whole Lotta Rosie (AC/DC)
21. Riff Raff (AC/DC)
22. Knockin’ On Heaven’s Door
23. Nightrain
Encore
24. Patience
25. Madagascar
26. Paradise City

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

Finalmente llegaba el día en que los dioses del metal aterrizaban por tercera vez en tierras nacionales. Para muchos era la oportunidad de sus vidas de presenciar a la banda en directo; ya sabemos que este Epitaph World Tour será probablemente la “última” oportunidad de ver en acción a los incombustibles Halford, Tipton, Hill y Travis. Aunque claro, en mis años en esto he visto a Ozzy retirarse en innumerables ocasiones (desde el “No More Tours” específicamente), o a Kiss colgando los terraplenes para siempre tras el apoteósico “Farewell Tour 2000/2001”. Esas despedidas con elástico son tan viejas como el hilo negro, la diferencia ahora es que muchos de nuestros héroes están entrando a la sexta década, disminuyendo las posibilidades de verlos sobre los escenarios aún estando en gran forma.

Bien, independiente de lo triste que pueda ser una despedida, siempre será un agrado presenciar un show de la banda que ha definido el concepto del Heavy Metal una y otra vez desde los setentas. Con el respeto que me merecen otros músicos igualmente influyentes, Judas Priest ha marcado la tendencia a seguir y sin ellos el estilo no sería el mismo. ¡No señor! Una banda con tanta historia y mitología a cuestas trasciende más allá de su legado musical (que por cierto es enorme). Planteo la siguiente pregunta: ¿cuántos conjuntos han creado un universo paralelo en torno a los personajes de su música? Priest, probablemente como ningún otro, han creado su propio lenguaje inspirado en la ciencia ficción y el cine clase “B”, poniendo énfasis en villanos, anti héroes y personajes mitológicos. Siempre me he preguntado porqué nunca experimentaron haciendo algún disco conceptual, filme, comic o serie de TV, en donde los protagonistas fueran The Metallian, Sinner, Exciter, The Sentinel, Painkiller, Jawbreaker, Hellion, Tyrant, Turbo Lover, Jugulator, Night Crawler, etcétera. Las posibilidades para proyectar una franquicia teniendo a estos personajes mesiánicos son innumerables, es decir, ¿se imaginan una vorágine de figuras de acción inspirada en el universo Priest? O un juego tipo Mortal Kombat con escenarios post apocalípticos donde se lleven a cabo combates cabrones como The Metallian vs The Sentinel… FIGHT! (?)

Judas Priest no es sólo Heavy Metal, tachas, cuero y discos inolvidables. ¡Judas Priest es una religión! No podría ser de otra forma, ¡SON LOS DIOSES DEL METAL! Existen leyendas, mitos y personajes heroicos, sin embargo la deidad máxima de este movimiento son los señores del acero británico. Por eso este concierto era especial, si efectivamente no harán más giras mundiales, quedará en el recuerdo haberlos visto retirarse en gloria y majestad, estando aun en la cima del Olimpo metálico.

Al igual que en 2005, el cartel contaría con la participación de invitados de lujo: los legendarios Whitesnake, liderados por ese genio y figura llamado David Coverdale. Tras el fallido show en 2008 (donde quedara como postal el certificado médico del ex Deep Purple pegado en la puerta del Teatro Caupolicán), Coverdale llegaba secundado por los músicos Brian Tichy (batería, ex Foreigner y Billy Idol), Michael Devin (bajo), Brian Ruedy (teclados) y, por supuesto, la tremenda dupla guitarrera conformada por Reb Beach y el tremendo Doug Aldrich, hoy por hoy sus dos grandes socios del crimen.

Pero antes sería el turno de la banda nacional Inquisicion. No se trataba de un teloneo cualquiera, el mismo público los eligió por votación en un concurso. Con Manolo Schäfler y Paulo Domic a la cabeza, son un conjunto que sabe de sobra como responder ante este tipo de responsabilidades; y esta una nueva formación, con Rodrigo García y Cristián Carrasco, debe ser una de las más potentes que han tenido en su carrera. Uno sabe qué esperarse con este conjunto, pueden estar tocando en un pequeño bar en Valparaíso o abriendo para Mercyful Fate, Blind Guardian, Judas Priest, y siempre aprueban con honores.

Con un setlist donde mezclaron material de su reciente placa Opus Dei (como Metal Legions, Electroquinesis, o Believe) con clásicos indiscutidos del metal nacional de la talla de Up The Metal Hammer!, Innocent Sinner, Bats In The Belfry y Mayday’s Eve, mostraron todo el profesionalismo, talento y excelente puesta en escena de una banda que se ha ganado con creces su estatus. Excelente aperitivo para comenzar la jornada.

Setlist Inquisicion

1. Opus Dei
2. Up the Metal Hammer!
3. Metal Legions
4. Bats in the Bellfry
5. Believe
6. Innocent Sinner
7. Electroquinesis
8. Mayday’s Eve

ENTRE EL VENENO DE LA SERPIENTE Y LA SILUETA DE TAWNY KITAEN

A las 19:40 horas era el momento de que saltara a escena uno de los más grandes cantantes de la historia del Rock, el “snake charmer” por antonomasia, David Coverdale. Con My Generation de The Who de fondo, se apagan las luces, y el estallido del público no se hace esperar. Tras cartón, suena en los altavoces la pista introductoria, mientras Coverdale y sus muchachos salen a escena, recibiendo los vítores del público quienes le entregaron una bienvenida de héroe.

Vestido de jeans gastados y camisa blanca, el sexagenario retribuye el cariño aplaudiendo, sonriendo, tocándose el pecho  y apuntando a las personas de las primeras filas. Sus músicos lo siguen a continuación, mientras David y da inicio a Best Years, corte perteneciente al álbum Good To Be Bad (2008). Una buena elección para empezar un concierto, y de entrada me llamó la atención el peso con el sonaba el conjunto, diría incluso que estaban afinados más bajo de lo usual. Como sea, la línea vocal es propicia para admirar los tonos bajos de Coverdale; aunque su voz no sea la misma de antes sigue siendo el amo indiscutido cuando se trata de cantar en esa forma.

Caía el primer clásico del 1987 con la tremenda Give Me All Your Love, una de esas canciones que uno siempre espera que desgranen en vivo, donde Cov hace gala de la candidez que nos tiene acostumbrados. Desde el arranque el hombre tenía al respetable en el bolsillo mientras estos disfrutaban cantando el pegajoso coro. Continuaban con otra joya de proporciones, Love Ain’t No Stranger, clásico perteneciente al excelente Slide It In (1984). El público era protagonista ayudando a David en la introducción: “Who knows where the cold wind blows / I ask my friends, but, nobody knows / Who am I to believe in love / Oh lord, love ain’t no stranger”, y me pareció destacable que Doug Aldrich interpretara el solo respetando la memoria del difunto Mel Galley (quién lo grabara originalmente). Otra cosa que noté en Doug es que cada día se parece más a Randy Rhoads, tanto en la pinta como en sus movimientos en escena. A esas alturas no parecía que Whitesnake fuera sólo un invitado, menos cuando comienzan a tocar los primeros acordes de la inmortal balada Is This Love? Está claro que tiene una conexión especial sobre todo con el público femenino, es más, pareciera que Coverdale las hubiera escrito para ellas y nadie más que ellas. Acá se crea una atmósfera sobrecogedora, que se palpa independiente si eres seguidor o no, y cada vez que la interpreta en directo el resultado es magia pura. Un momento intimista, cálido, romántico, capaz de derretirle el corazón hasta al metalero más duro. Perfectamente Coverdale podría dejar que los asistentes la cantaran completa, pero es esa complicidad entre ambas partes lo que hace que este momento sea aun más emotivo. Aunque inexplicablemente Aldrich tocó cualquier cosa en el solo.

“Algunos de ustedes deben saber que tenemos un nuevo disco llamado Forevermore” decía David, adelantando que tocarían material de esa producción. Luego presenta a Doug Aldrich en el “slide/guitar” dando inicio a Steal Your Love Away,  el primer track de dicha placa. Un blues/rock de riffs pesadísimos cortesía de Reb Beach y el mencionado Aldrich; aunque aquí lamentablemente Coverdale abusó de los tonos agudos, haciendo que su voz pierda su color característico. Luego de reiterar los agradecimientos, le dedica a la gente la excelsa Forevermore, una balada en que nos vuelve a deleitar con esa atmósfera intimista, que sólo él es capaz de lograr. Quedaban solos en escena la dupla de Reb Beach y Doug Aldrich, iniciando una suerte de duelo de guitarristas. Cuando David reformó el grupo le dio al clavo eligiendo a este par de tremendos músicos; tipos con estilos distintos, pero a la vez complementarios, que con el paso del tiempo se han transformado en la columna vertebral del sonido del conjunto. Por un lado Beach (Winger, ex Dokken) proviene de la escuela de los grandes shredders gringos de los ochenta; en cambio Aldrich tiene un estilo de corte más clásico, influenciado por Ritchie Blackmore y Gary Moore. Tras este entremés sería el turno de Love Will Set You Free que juega con ese ritmo hiper sensual, recordando a otras grandes canciones de la primera etapa de la víbora. Por supuesto los fanáticos más duros del grupo lo disfrutaron a concho, como si se tratara de uno de los caballos de batalla de siempre. David presenta a Brian Tichy, quien se despacha un extenso solo haciendo gala de su talento en los tarros. OK, el tipo no es Tommy Aldridge, pero tiene una pegada tan poderosa como el veterano, incluso se dio el lujo de tocar una parte del solo con sus manos, al igual como lo hace el viejo Tom.

Entrando en tierra derecha, llegaba un himno con todas de la ley: Here I Go Again. En ese momento las voces de David y el respetable se fundieron en una sola, con palmas al viento en el inolvidable estribillo. Era el turno probablemente con la más grandiosa composición de toda su carrera: Still Of The Night. En este punto no había concesiones, todos siguiendo la letra, e invocando en nuestras mentes a esa traicionera lindura llamada Tawny Kitaen. ¡Así es!, la misma que alguna vez fuera la mujer más sexy de los videos rockeros, antes que la fama, el alcohol y la cocaína se llevaran su inocencia. Imposible no imaginarla arrancar de su celador, con la banda tocando la parte épica de fondo, mientras Coverdale se desgarraba la garganta y el público le daba una mano en cada una de las estrofas. La afinación la hizo sonar muy diferente, pero el remate del final donde todos gritaron “Still Of The Night, Still Of The Night, Still Of The Night”, fue matador.

Luego de agradecer por la hospitalidad entregada comienza a capella la letra de Soldier Of Fortune, aquella mágica balada que cierra el álbum Stormbringer (1976) de los púrpuras. Imposible no emocionarse escuchando cuando David cantaba: “But I feel I’m growing older / And the songs that I have sung / Echo in the distance / Like the sound of a windmill goin’ ’round / I guess I’ll always be a soldier of fortune”. Este momento de introspección sería bruscamente interrumpido con el puñetazo que significa escuchar los acordes de Burn, que de un momento a otro todos estuvieron haciendo headbanging, levantando los puños y gritando “All I hear is buuuuuuuuuuuuuuurrrrrrrrrrrrrnnnnnnn”. Como ha sido la tónica en las últimas giras es intercalada con un extracto de la poderosa Stormbringer, poniendo fin a estos casi ochenta minutos de show. La banda se despedía en medio de vítores y aplausos, mientras escuchábamos de fondo We Wish You Well, del álbum Lovehunter (1979).

En general fue un buen show, en el cual hubieron cosas destacables y otras no tanto: de lo segundo mencionaría la saturación del sonido a ratos, lo bajo de la afinación de los instrumentos (que hizo que canciones como Still Of The Night sonaran rarísimas), y a Coverdale quién abusa demasiado de esos gritos agudos, sin mucho cuerpo, sonando bastante desafinado la mayoría de las veces. Su voz grave sigue siendo sensacional, pero por alguna razón que desconozco no la ocupa más. De lo que me gustó sin dudas el nivel de su banda, ¡descollante!… y que quedó demostrado que el hombre -a pesar de sus más que notorias limitaciones actuales- sabe de sobra cómo imponerse sobre el escenario. La víbora cumplió y su veneno fue el alucinógeno perfecto antes de entrar al salón de acero…

Setlist Whitesnake

01- Intro: My Generation (The Who)
02- Best Years
03- Give Me All Your Love
04- Love Ain’t No Stranger
05- Is This Love?
06- Steal Your Heart Away
07- Forevermore
08- Guitar Duel (Doug Aldrich / Reb Beach)
09- Love Will Set You Free
10- Solo Brian Tichy
11- Here I Go Again
12- Still Of The Night
13- Soldier Of Fortune (Deep Purple)
14- Burn / Stormbringer (Deep Purple)
15- Outro: We Wish You Well

EL EPITAFIO DE LOS DIOSES

A esa hora el Arena estaba prácticamente lleno, con cerca de doce mil asistentes deseosos de vivir un momento inolvidable. Mientras por los altavoces sonaba War Pigs de Black Sabbath, el sonido de las sirenas acompañaba el enorme e imponente telón que desplegaba la palabra “Epitaph”, señal inequívoca que el momento había llegado. De pronto comienza a escucharse la introducción Battle Hymn -acompañada las luces rojizas que daban vida al emblema del tour-, pero esta vez no dando paso a One Shot At Glory, sino a la imponente Rapid Fire. Y cuando Halford dispara el verso “Pounding the world like a battering ram”, cae el telón dejando al descubierto a los grandes Glenn Tipton, Ian Hill, Scott Travis y Rob Halford, secundados por el recién ingresado Richard Faulkner. El rugido de la gente fue ensordecedor y desde el comienzo se percibía al conjunto sonando potente y con un fiato envidiable. Siguiendo el mismo orden del British Steel (1980) caía Metal Gods, sin antes iluminar a los presentes con llamaradas y rayos láser que salían desde la parte alta del escenario. Lógicamente fuimos testigos de los movimientos robóticos característicos de Rob y no es necesario mencionar que el coro retumbó en cada uno de los rincones del Movistar Arena.

“Hello Santiago de Chile…The Priest is Back!” exclamaba el Metal God, recibiendo la ovación de rigor. Después lanza una pregunta de respuesta obvia: “Are you ready for some Judas Priest’s Heavy Fuckin’ Metal?”, dando paso a Heading Out To The Highway, una de las mejores canciones del irregular Point Of Entry (1981). Cambiábamos la chaqueta de cuero por una de mezclilla, poniéndonos más ad hoc para disfrutar este clásico de carretera, y Richie Faulkner a la hora de interpretar el solo le adhiere algunos arreglos novedosos y refrescantes. A él ya lo habíamos visto en acción junto a Lauren Harris -abriendo para Iron Maiden en 2008 y 2009-; físicamente es muy parecido al K.K. Downing de principios de los ochenta, y me alegra que le hayan entregado la libertad de aportar con lo suyo al grupo, no limitándolo a ser un mero guitarrista contratado. Era el momento de revisar algo de Angel Of Retribution (2005), lo con el track que abre esa producción y uno de los nuevos clásicos del conjunto: Judas Rising. El doble bombo de Travis y la línea de bajo del gran Ian Hill sonaron simplemente aniquiladores, pero aquí el público aprovechó de descansar y tomar un poco de aire, sabiendo que el show era largo y apenas estábamos en la mitad de esta maratónica jornada.

Halford aprovecha de recordar que “este es un show especial porque están tocando canciones de toda la carrera de la banda” para luego presentar Starbreaker, una joya de la primera etapa del conjunto perteneciente al álbum Sin After Sin (1977). Todo un regalo para los más acérrimos, quizás el grueso de los asistentes no la recibió como una de las más emblemáticas, ¡pero qué importa! Priest siempre rescata gemas desde los confines de su catálogo y ésta sonó increíble. Cuando Tipton y Faulkner se unían para ejecutar esa mítica introducción, era obvio que caería otra de las inmortales: Victim Of Changes. Esta canción es a Judas Priest lo que Stargazer es a Rainbow, con una ejecución realmente excelsa y quienes llegaron con algunas copas en el cuerpo, sintieron que sus percepciones se sentían trastocadas gracias a los efectos del alcohol; por supuesto el grito de Rob en la parte final vino de las profundidades del infierno etílico (?).

Debíamos seguir y ahora el viaje nos llevaba hasta Rocka Rolla (1974), donde todo empezó para la banda, y del cual eligieron Never Satisfied. Interesante, porque conforme a lo que pasaban los minutos, apreciábamos las distintas facetas de Priest en su historia, en este caso, de la época donde sonaban a un híbrido entre Purple y Sabbath. El momento para poner los encendedores -digo celulares- en el aire, llegaba con Diamonds & Rust, original de Joan Baez; un momento solemne, porque tanto Tipton como Faulkner comenzaron tocándola  acústica, para luego mezclarla con la versión clásica que pudimos escuchar en Sin After Sin y Unleashed In The East.

La máquina del tiempo no daba tregua, ahora era el turno de revisar algo de Nostradamus (2008), mientras de fondo sonaba la introducción Dawn Of Creation. Como era obvio seguían con Prophecy, mientras Halford aparecía en escena vistiendo una capucha cromada y llevando un báculo con el emblema de Metallian. Dicha producción mostraba a un Priest mucho más teatral, algo que se siente cuando la tocan en vivo. Acto seguido nos propinaban un golpe directo al cráneo con Night Crawler, divisándose algunos moshpits mientras Halford asaltaba en el coro. Una banda que sabe del potencial de su discografía no tiene problemas en sacar canciones increíbles del repertorio y reemplazarlas por otras igual de buenas o mejores.

El sonido de los sintetizadores nos llevaba nuevamente a la carretera, mientras Scott Travis daba la partida a Turbo Lover. Otro de los momentos inolvidables del show, mientras el público con puños en el aire coreaba “I’m your turbo lover, tell me there’s no other”, acompañados de llamaradas que sofocaron a quienes estaban en las primera filas. Acto seguido presentaron Beyond The Realms Of Death, no sin antes mencionar que en su carrera habían experimentado con muchas cosas distintas, y esta era la balada tradicional del Heavy Metal. Retrocedíamos hacia el Stained Class (1978) ¿Y qué les puedo decir? ¡A esas alturas sólo disfrutábamos de unas grandes composiciones de Priest! Es imposible permanecer indiferente ante la magnificencia de esta canción, con ese tremendo arpegio inicial compuesto por Les Binks, un Halford dándose un festín de matices vocales, y el solo del maestro Glenn Tipton es uno de los más inspirados que he escuchado jamás.

Sé que muchos soñaron durante años con escuchar The Sentinel en vivo. Obviamente es del material mas difícil de interpretar, así que Rob varió con inteligencia la línea vocal; de todas formas había que exigir la garganta al máximo para gritar “Sworn to avenge / Condemn to hell / Tempt not the blade all fear the Sentineeeeeeeeeeeeeeeeeeeel”. Y si estamos hablando de regalos inesperados, estoy seguro que más de alguno soltó una lágrima cuando Richard comienza a tocar los acordes de Blood Red Skies, para después escuchar como Halford narra desgarradoramente esas líneas “As the sun goes down / I move around  / Keeping to the shadows / Life, hangs by a thread / And I’ve heard it said, that I’ll not see tomorrow”. La interpretación fue magnífica, imposible describirlo sólo con palabras, sobre todo para quienes pensamos que Ram It Down (1988) es casi tan bueno como Painkiller. No tocan mucho material de ese álbum y que ésta fuera la elegida fue un verdadero premio. Caía otro de los covers emblemáticos, me refiero a The Green Manalishi (With The Two-Pronged Crown) original de Fleetwood Mac, donde nos quedábamos sin aliento coreando la parte de la enorme melodía de Glenn. ¡Cuánto poder por la cresta!

Rob presentaba la siguiente canción sin antes mencionar que 1980 fue un gran año para el Heavy Metal, donde muchas grandes bandas lanzaron discos extraordinarios… “Breaking the what?… Breaking the what?… Let’s break that law!!!”. Y cuando sonaba Breaking The Law, el público fue el encargado de cantarla en su totalidad, mientras se disparaban más llamaradas durante el coro. Scott Travis quedaba en escena comenzando un corto pero preciso solo de batería. ¡Es impresionante este tipo! Le da con una fuerza sobrehumana y pareciera que ni se esfuerza. Lógicamente esto daba paso a la apertura de Painkiller, que fue interpretada de manera avasalladora y donde la cancha se convertía en una batalla campal.

DEL RUGIR DE LOS MOTORES AL CALOR DE LA MEDIANOCHE

Terminaba el set regular, pero quedaba más. De fondo vemos un enorme ojo cibernético cuando comienza a sonar la inconfundible instrumental The Hellion; nuevamente los gritos del respetable se volvieron ensordecedores al corearla, y como no, si a continuación pasaba Electric Eye, con la cual el recinto casi se viene abajo. Rob cantando en una de las plataformas mientras éramos nosotros los encargados de completar el coro. Y el rugir de los motores nos advertía que llegaba el momento Kodak de la noche -de esos que con los años han dejado una marca indeleble en la historia del Heavy Metal- ver al Metal God montando su Harley Davidson mientras cruzábamos los dedos para que no sufriera el percance del show en Brasilia, donde el hombre terminó en el suelo, aunque sin consecuencias serias. Claro, Hell Bent For Leather es el himno del cuero, el cromo, el diablo y a priori también podríamos colgarle algunas connotaciones de doble sentido. Allí te das cuenta que Rob es tan enorme que puede echarse sobre su moto cromada y el público se va a vuelve loco igual.

Cuando el respetable soltaba el cántico futbolero “Olé, olé, olé, olé Judas… Judas”, Halford aprovecha de llevarse lo poco de voz que nos quedaba con sus ya clásicos “Oh Yeah”. Ahí entrábamos en la recta final con el super hit You’ve Got Another Thing Comin’, otro momento mágico cantado a todo pulmón. El lienzo detrás de la batería, que llevaba el logo del grupo y la inscripción “United”, nos recordaba que en ese momento todo el Arena era una fraternidad unida por la pasión del Heavy Metal. Richie podía lucirse ejecutando un solo mientras miles de palmas se agitaban el aire, con rayos láser por doquier y gritando ¡YOU´VE GOT ANOTHER THING COMIN’!.

Y si el reloj marcaba exactamente las 00:00 horas, ¿qué mejor forma que cerrar la velada con Living After Midnight? “I took Santiago about a 1 AM / Loaded, Loaded / I’m all geared up to score again” advertía el Metal God y todos sabían que era la oportunidad para dejar la última gota de sudor. ¡Dicho y hecho! Todos saltando, todos gritando, todos disfrutando… y al final Halford despidiéndose:“Thank you Santiago, we love you… and keep the Metal faith!” .

Como comentario al cierre debo mencionar que este ha sido el mejor show de Priest en Chile. En cuanto a sonido (de todas las veces que he ido al Arena es lejos el sonido más potente y claro que he escuchado), puesta en escena, entrega del público, setlist y un nivel de ejecución descollante. La despedida no podía ser de otra forma -así lo entendimos todos-, y con conciertos como este queda claro porque Judas Priest son los dioses indiscutidos del Metal y no hay nadie que les haga sombra. Si no vuelven nunca más, no hay nada que reprocharles; sólo me queda terminar este comentario parafraseando a los grandes de ABBA: simplemente “Gracias por la música”. ALL HAIL THE PRIEST!

“Rising from darkness where Hell hath no mercy and the screams for vengeance echo on forever. Only those who keep the faith shall escape the wrath of the Metallian… Master of all Metal”.

Setlist Judas Priest:

01- Intro: Battle Hymn
02- Rapid Fire
03- Metal Gods
04- Heading Out To The Highway
05- Judas Rising
06- Starbreaker
07- Victim Of Changes
08- Never Satisfied
09- Diamonds & Rust (Joan Baez)
10- Dawn Of Creation / Prophecy
11- Night Crawler
12- Turbo Lover
13- Beyond the Realms Of Death
14- The Sentinel
15- Blood Red Skies
16- The Green Manalishi (With The Two-Pronged Crown) (Fleetwood Mac)
17- Breaking The Law
18- Painkiller
Encore 1:
19- The Hellion / Electric Eye
20- Hell Bent For Leather
21- You’ve Got Another Thing Comin’
Encore 2:
22- Living After Midnight

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO

Estuve pensando un buen rato y la verdad es que encontré poquísimos casos de conciertos tan improbables e inverosímiles como uno de X Japan en Chile. Basta con conocer un poco de la historia de la banda para entender que una presentación de ellos en esta parte del mundo occidental es sin duda algo que no pintaba con altas probabilidades; pero si conoces bien esa historia, si sabes bien por todo lo que han pasado estos nipones en sus casi veintinueve años de vida, entenderás que lo del pasado viernes rayaba en lo imposible y su realización adquiría tintes de algo histórico.

La mayoría de los que asistimos al Teatro Caupolicán conocimos a la banda cuando, de hecho, ya no existía; excepto por algún afortunado que pudo conocerlos antes de que se separaran en 1997. La lejanía, tanto geográfica como cultural e idiomática, hizo que para la mayoría de nosotros el legado de X Japan llegara con varios años de retraso, casi como un vestigio que algo que ya había sido y no volvería a ser. Sin embargo, lo paradójico es que gracias a su leyenda la banda siguió haciendo ruido incluso durante sus diez años de silencio, y fue así como llegaron a cruzar varios continentes hasta venir a dejarse a oír por este lado del globo. Estábamos todos en eso, disfrutando de la maravillosa música de una banda difunta, cuando rumores de una posible reunión empezaron a ilusionar a millones de fanáticos en todo el mundo. Se sabía que era difícil, pero la fe era grande. Unos meses luego de esos primero rumores, la noticia se confirmaba y en marzo del 2008 X Japan azotaba al mundo con tres mágicas noches: Destruction, Madness y Creation. ¡Estaban de vuelta! ¿Pero una visita a Chile? Eso sí que era difícil, casi imposible.

Tan imposible que aquí estamos, comentando esa visita. ¡Y luego dicen que los milagros no existen! Ahora, puede sonar a exageración, pero el que es fanático sabe de lo que hablo y si no, pregúntenle a aquellos que desde el martes estaban haciendo la fila fuera del Teatro. ¡Cuánto les respeto! Yo por mi parte llegué a eso de las 20:30, y la verdad a esa hora ya no quedaba nadie afuera del recinto, toda la impaciencia se había trasladado dentro, convirtiéndose casi en angustia para lo que deben haber sido unos 4.000 fans, quizás más. Fans que por cierto representaban lo más variopinto del espectro rockero. A decir verdad, era entretenido, y hasta bonito, ver a tantos y tantas jóvenes de estilos tan diversos compartiendo una misma pasión. Y bien, a eso de las 21, esa pasión comenzaba a hacerse muy evidente, cuando los gritos desesperados de cientos de fanáticos reclamaban con justicia el inicio del show. Lo cierto es que hubo que esperar largos cuarenta minutos. 21:41 fue el momento exacto en que comenzó a quedar la grande: Yoshiki se encarama en solitario en lo alto de una imponente tarima. El tipo estaba allí, simplemente parado mirando sonriente a la audiencia, con una enorme X en una pantalla gigante detrás suyo, sin hacer mayor cosa, pero el griterío y la ovación que provocaba era apabullante.

Luego subieron al escenario, casi al mismo tiempo, Sugizo (guitarra y violín), Heath (bajo) y Pata (guitarra), para dejar al final al mítico Toshi, vocalista y fundador de X. A esas alturas el nivel de decibeles dentro del Caupolicán era algo que ustedes difícilmente podrían creer. Uno suele resentirse de los oídos con el poderío de los altavoces (¡a veces! Sólo cuando es muy fuerte), pero acá no sonaba nada aún, sólo las gargantas de 4.000 fanáticos y la verdad es que llegaba a dar miedo. Y cuando pensaba que ya el ruido no podía ser más ensordecedor… ¡Paf! Comienza a sonar Jade, la canción que tiene a todos los fans hambrientos por lo que es su inminente nuevo disco. Frases clichés tipo “el recinto casi se viene abajo” no harían justicia a lo que fue ese momento, pero vamos… ¡Que casi se viene abajo! Era genial ver a toda la gente saltando, al tiempo que cientos de varitas luminosas (para mayor referencia vea alguna toma de Last Live) se alzaban al aire en forma de X. Entre medio, en el segmento en mid-tempo, hicieron una especie de alto, en la que Yoshiki lanzó la primera de muchas (¡muchas!) botellas de agua. Luego siguió la lucha entre banda y público para ver quien entregaba más. El debut de X Japan en tierras nacionales simplemente no podía ser mejor.

“¿Cómo están?” grita Toshi, saludando con un perfecto español (lo que fue un chiripazo, porque luego, como buen japonés, no pudo evitar decir “Chiri”), luego dice unas palabras para expresar la alegría de la banda y alienta al público con un ensordecedor “Are you ready?!”. Estábamos todos ahí, intentando dar crédito a lo que nuestros sentidos nos decían que estaba pasando cuando inicia el teclado de Rusty Nail… ¡El medio trozo de tema! No hubo ni una sola persona que se restara de aquél momento y que no cantara. Eso es algo no menor, porque claro, no se puede pasar por alto el detalle de que en este caso se trata de un idioma sumamente ajeno. De verdad impresionante ver cómo todas esas personas sintonizaban con Toshi y cantaban todo a la perfección. Y lo que debe ser para la banda ver que en el país más lejano del mundo (para ellos) conocen sus canciones y sus letras. Son tipos que han vendido sobre treinta millones de discos, que han tocado ante más de cien mil personas en varias ocasiones; deben sentir que lo han hecho todo y de pronto se topan con esto. Seguro son cosas que les acercan más a la realización como artistas e individuos. Se les notaba en las caras.

Luego Yoshiki se va a sentar a su piano (ubicado a un metro de su batería), aquél Kawai de cristal (que en realidad es resina acrílica) que hasta ahora sólo habíamos podido ver “por la tele”, y comienza a interpretar los inconfundibles y bellos acordes de Silent Jealousy, tras lo cual vuelve tras sus tarros para pegar la siguiente gran patada: todo ese Speed Metal que hizo famosa a la banda durante los ochentas y que aún conservaban en 1991, con Jealousy. Nuevamente la gente no pudo sino desaforarse y durante esas partes más aceleradas todo era salto y empujón. Luego Yoshiki y Sugizo abandonan en el escenario para dejar que sus tres compañeros interpretaran Drain, aunque aquello de “tres” es un poco inexacto. Pensaba que todo el trabajo de orquestaciones y pistas pregrabadas lo hacía alguien desde una computadora, pero lo cierto es que había un sexto miembro hacia la izquierda del escenario, entre sombras y tras varios teclados y otros equipos que lo ocultaban. Por cierto, este héroe anónimo tenía un peluche de Hide sobre uno de sus equipos. No muchos deben haber reparado en ese detalle, pero fue algo bonito de constatar: Hide nunca ha dejado de ser miembro de la banda. Así, los tres (+ uno) ejecutaron perfectamente Drain, un tema que, para ser honesto, hubiese cambiado por algún otro de los temazos que tiene la banda en sus discografía, pero con la misma honestidad señalo que la fanaticada lo recibió como al mejor de lo éxitos y lo corearon con muchísimo entusiasmo.

Ahora era el turno de los otros dos miembros. El primero en subir fue Sugizo, para deleitar con un solo de violín que cada cierto rato provocaba el estadillo del respetable. Era impresionante ver el encanto que exudaba el sujeto, sobre todo para las chicas. Tocaba su violín un instante, luego hacía un gesto mínimo con su mano, ¡pero mínimo! Y el lugar explotaba en gritos. En un comienzo fue un solo bien sicodélico, luego se sumaron unos sintetizadores (cuerdas) y la atmósfera cambió, fue cuando tocó una pieza muy sentida y melancólica. Estaba en eso cuando aparece Yoshiki e inician un dueto de antología. Luego rápidamente ambos retoman sus lugares, mientras los demás hacen lo propio, y es así como comienza a sonar la tremenda Kurenai, fuertemente coreada desde sus suaves versos iniciales y vivida con desenfreno en las esas partes más thrasheras. Por primera vez Toshi bajo del escenario y fue a pararse frente a la barrera, provocando todo el consabido revuelo. Al terminar la canción hace un gesto hacia el cielo, y cuando su mano bajaba, ésta se topa con una bandera chilena. Literalmente, la atrapó de casualidad. La miró sonriente y luego la enseñó con una alegría más que evidente. Ya fuese por la canción recién regalada o por la muestra de cariño hacia Chile, la aclamación era enorme. Pero nada comparado con lo que pasó luego, cuando Toshi ofrece el micrófono a Yoshiki. Con muy tímido “¿Qué pasa?” hizo que las chicas a mi alrededor me reventaran los tímpanos con sus gritos. Toshi se sienta en la batería y comienza a festinar con cada cosa que dice Yoshiki, y es que el hombre no es muy bueno hablando, es más bien tímido. Pero supo ganarse una de las ovaciones más grandes al dar gracias y explicar que si no fueran por lo fanáticos, X Japan jamás había vuelto a existir. Terminó con uno de sus clásicos “We Are…” y el público que estremecía los cimientos del edificio respondiendo “¡X!”.

Posteriormente Toshi presenta lo siguiente simplemente con un “This is our new song”, y rápidamente comienzan a entonar Born To Be Free, que de verdad es un temazo de aquellos. Yo lo había podido escuchar un par de veces en capturas no-oficiales y me había gustado, pero el viernes quedé fascinado. Tiene muchos cambios de ritmo y un coro antológico, muy ganchero, y que atrapa al oyente de inmediato. Sin duda se transformará en uno de los nuevos clásicos de banda. Por otro lado, fue entretenido ver cómo Toshi se descontrolaba por completo por instantes, pues generalmente es más bien compuesto. Y es que la canción invita a eso, era cosa de ver a la gente prendida al máximo. Con temas como este, Jade y el que comento en el siguiente párrafo, el nuevo disco de X pinta para imperdible. Aprovechando ése envión de energía, Yoshiki se dispuso a hacer su solo de batería de rigor. ¡Qué gran batero que es! No fue un solo eterno como otros que he visto, fue justo y preciso, y demostró que es un tipo de una calidad enorme e incuestionable.

Esa ejecución me recordaba a la imponente base rítmica de I.V., curioso que haya sido lo siguiente que tocaron. ¡Y hicieron de forma muy novedosa! Empezaron con el estribillo, dando pie para que la gente cantara con el alma aquellas bellas líneas vocales: “In The Rain, Find the way” cantaba casi a capela la audiencia completa, pero luego Toshi irrumpe con un potentísimo “I’ll Give straght from my veins!” Lo que provoca la irrupción de los demás músicos y un patadón en los chocleros. ¡Fue alucinante! Casi no hubo momentos bajo en esta presentación, y es difícil destacar uno, pero sin duda este fue uno de ellos. ¿Y luego de eso? Difícil de superar, a menos que tengas una X bajo la manga. ¡Una cátedra de cómo hacer Speed Metal! Además era muy, muy genial ver cómo todo el mundo hacía la seña de la X con sus brazos en alto y al tiempo que saltaba con cada repetición del estribillo: ¡X! (Salto) ¡Kanjite miro! ¡X! (Salto) ¡Sakende miro! ¡X! (Salto) ¡Subete nugisutero! Además había cientos de varitas luminosas, lo que hacía que el espectáculo fuera épico. ¡Notable! Al terminar Toshi ensaya unos “We Are…”, con la “¡X!” de respuesta del público, luego Yoshiki le roba (literalmente) el micrófono y hace lo propio. Pero el tipo estaba tan emocionado e hiperventilado, que corrió hasta el frente del escenario y desde allí se lanzó volando sobre el público mientras gritaba “¡X!”. Ni les explico el nivel de locura que se vivió en ese instante. Luego de un rato de lucha, los guardias lograron rescatarlo, lo que a la larga significaría que la banda se despidiera, bajo una de las ovaciones más estridentes y merecidas que haya podido cobijar ese teatro. Y mientras se despedían, Sugizo manda un botella con agua hasta… ¡la mitad de la tribuna!

Luego de una espera bastante larga (y en la gente no pudo evitar corear el nombre de hide), de exactamente diez minutos, la banda vuelve al escenario con otras vestimentas pero con las mismas ganas de seguir rompiéndola. Luego de un muy sentido y emotivo discurso de Yoshiki, que incluyó algunas palabras para hide, comenzaron a tocar la sorpresa de la noche: Forever Love. No porque uno no esperara que la tocaran, todo lo contrario, sino porque no estaba incluida en el setlist original. De hecho, así lo dijo Yoshiki cuando presentaba el tema. Fue un momento increíble. Los dos genios fundadores de X Japan congregados alrededor del piano, uno invocando uno simples acordes con sus teclas, el otro dando vida a unas de las líneas vocales más inspiradas que se puedan encontrar en una balada. Y el público por su parte cantando genuinamente con el corazón, como haciendo explotar el espíritu en lo fue una catarsis que llevaba muchos, muchos años aguardando por producirse. Al finalizar nuevamente algunas palabras de agradecimiento y un “We fucking rock” que hacía pensar que se venía otro de esos azotes más speed, pero nada más lejos de la verdad.

Lo que venía era otra de las míticas baladas de la banda: Endless Rain, ni más ni menos. Fue uno de esos momentos sublimes que se graban a fuego en uno, de esos que van mucho más allá de la simple música. La complicidad que se produjo entre audiencia y banda fue absoluta, todo en un ambiente sumamente íntimo y de cercanía. Yoshiki en su piano, Toshi al frente del escenario, Pata, Heath y Sugizo sentados sobre los escalones de la tarima, Hide en cada rincón del lugar, los focos iluminando la esfera de espejos, los tonos azules y fríos de las luces, la calidez de los versos, todo hizo de aquello eso una experiencia única e irrepetible. Como si eso no fuera ya lo suficientemente hermoso, lentamente, casi imperceptiblemente, el piano de Yoshiki va bajando en intensidad hasta silenciarse por completo, Toshi guarda silencio permitiendo que el público cante completamente solo. Los silencios absolutos que se producían entre cada verso ponían erizaban la piel, y la emotividad misma de esos aquellos versos emocionaba al extremo. No fue para extraño ver lágrimas caer desde los ojos de las personas, como emulando la lluvia de la que habla la canción. En fin, amigos, esos son los momentos preciosos y únicos que van sosteniendo la vida. Inolvidable.

Por instantes creí que eso era todo, pero faltaba algo más; algo que no vi venir ni en mis mejores sueños: ver a X Japan frente a mí interpretando una de sus más grandes composiciones: ¡Art Of Life! Esperaba cualquier cosa, menos eso. Al principio fue difícil darme cuenta, pues inició con un solo de Sugizo en su violín. Después todo fue incredulidad cuando escuché esas frías notas en piano y vi que iniciarían con la parte del dueto de ese instrumento (aquí el héroe anónimo, que me parece era una heroína en realidad, jugó un rol fundamental). Siempre, siempre me fascinó de una forma inexplicable esta parte de la canción, al punto de poder pasar horas repitiendo ese mismo segmento una y otra vez, y jamás dejar de maravillarme. Es de una simpleza que hiela la sangre; una nostalgia furibunda que te conmueve en lo más profundo. Tantas veces escuché eso… Y un buen día tiene a su genio creador junto a su piano de cristal interpretándolo justo frente a tus ojos. ¡Impagable! Luego ver a Yoshiki descargar todos sus sentimientos sobre las teclas de ese piano fue un espectáculo en sí mismo.

Luego de ese monumental solo (por momentos dueto) de piano rescatando uno de los pasajes más bellos de la carrera de la banda, iniciaron los arreglos de cuerda con que inicia la parte más rockera del tema y en un abrir y cerrar de ojos tenían a miles de personas entonando el legendario “I’m breaking the wall”. ¡Tremendo! Ya iban más de dos horas de show, e imagino que la gente intuía que no quedaba más en el repertorio, por lo que todos entendieron que era momento de “dar el extra”. Era como si todos cantaran más allá de sus capacidades. Me resultaba emotivo ver el nivel de entrega desde ambos lados de la reja. Luego de eso vuelve a sonar una pista con el coro de Forever Love, para que la banda pudiera despedirse y regalar todo objeto que tuvieran a mano. Imposible saber quiénes estaban más felices: si ellos o nosotros.

Fueron apenas once canciones, pero nadie puede decir que fue un show corto. Porque X Japan no sólo hace espectáculo cuando ejecuta su música. Y eso es algo que vine a terminar de comprender recién ayer: para los más fanáticos, la sola presencia de estos tipos constituye parte importante de la experiencia. ¿Pudieron haber sido más canciones? Claro que sí. La lista de ausentes es enorme, pero de algún modo, yo al menos, quedé con una sensación de plenitud difícil de explicar (difícil a la luz de tan pocos temas). Y creo que eso se debe a todo lo entregado por la banda, y por la forma en que el público retribuía y viceversa. Fue un concierto memorable, sin puntos bajos, de temazo tras temazo. Apenas once canciones le bastaron a la banda de Rock más grande de toda Asia para saldar su histórica deuda con Chile. Como diría Yoshiki: we got completely Xed!

Setlist:

01. New Intro
02. Jade
03. Rusty Nail
04. Silent Jealousy
05. Drain
06. Solo de violín de Sugizo
07. Kurenai (con intro en piano y violín)
08. Born To Be Free
09. Solo de batería de Yoshiki
10. I.V.
11. X
Encore
12. Forever Love
13. Endless Rain
14. Art Of Life

REVISA AQUÍ LA GALERÍA DE FOTOS DEL CONCIERTO