Me reconozco defensor de este tipo de bandas, lo que en ningún caso significa que me gustan todas.  Como en todo orden de cosas hay algunas que probablemente, y por diversas razones, no lograran sobrevivir por mucho tiempo.  Pero lo cierto es que a aquellas que hacen las cosas de forma seria y con buenos resultados, las considero tremendamente necesarias ahora,  y con mayor razón mirando al futuro.  ¿Qué hubiera sucedido si agrupaciones como Queensrÿche o Fates Warning hubieran hecho caso a las críticas recibidas en relación a sus primeros trabajos y que decían que solo eran un copy/paste de Iron Maiden? Simple.  Nos hubiéramos quedado sin placas que a la larga fueron fundamentales en la concepción de otros estilos, que fueron la inspiración para otros grandes nombres y más allá de su trascendencia, nos hubiéramos quedado sin discos tremendos, que de una u otra forma terminaron transformándose en clásicos.

Ahora bien, con esto no estoy diciendo que estas bandas en particular vayan a ser consideradas en diez años más como clásicos del heavy metal de esta generación, bueno ¿Quién lo sabe?  Tampoco están haciendo nada nuevo, eso esta claro.  De lo que sí nadie me va a sacar es que estas agrupaciones están para que el estilo que nos convoca y que fundó los cimientos para todo lo que vino después, no pase a mejor vida, no quede en el olvido y que las nuevas generaciones entiendan de donde viene todo y así la llama no se extinga… bueno, creo que mi punto ya esta más menos claro y la discusión podría ser bastante larga, así que la dejaremos hasta acá.

Zone of Alienation esta compuesto de nueve tracks, ocho canciones y una intro titulada 2097 A.D. de cerca de un minuto de duración, que en realidad musicalmente no nos dice nada y esta más orientada a recrear un ambiente futurista, guardando muy respetuosamente las proporciones, al estilo del tema central de la maravillosa película Blade Runner.  El primer corte de heavy metal se llama Solar Wind Riders, rápido, melódico y con la marcada presencia de Iron Maiden que impregna a gran parte de las nuevas bandas que recrean los sonidos de los primeros ochenta.  El parecido es obvio, sobre todo en los leads mediando la canción, pero no pasan de eso, una notoria influencia.

Full Speed Ahead! Tercera pista del álbum, conserva la velocidad, pero por momentos suena un tanto más rockero, más callejero.  Es bastante sencillo y directo y basa todo su peso en el coro, que suena casi como una consigna gritada a varias voces, aunque en sí el tema no es tan veloz como lo plantea su título.  Breathless posee un comienzo con unas guitarras muy ala Accept, similitud que se ve acentuada por la velocidad del corte, un marcado medio tiempo.  Sin embargo, cuando parten los fraseos de Riley la cosa se pone un tanto más suave, recordando un poco al Saxon de Innocence Is No Excuse.  Nada mal, la variedad es importante y con este corte logran un poco de aire fresco, aunque una vez que hemos escuchado el disco completo queda la sensación que esta algo fuera de contexto.

A continuación una de las canciones más rápidas del álbum, Tokkotai (Wind of Fury), con influencia directa de Riot en su etapa más speed, entiéndase la dupla compuesta por Thundersteel y The Privilege of Power.  Con un par de oídas tendrán el coro grabado al menos su memoria a corto plazo, es un corte muy entretenido, melódico y con un gran despliegue en las guitarras por parte de Robby Rockbag y Alex Vega, quienes además se encargan de las segundas voces.

El tema que da título al disco, Zone of Alienation, recupera la faceta “maideniana” que Steelwing profesa orgullosamente.  De hecho no es necesario afinar mucho el oído para percibir, desde el mismísimo primer segundo, la notable influencia que la música de los ingleses ejerce sobre esta banda.  Sin embargo, y majaderamente vuelvo a recalcar, esto esta muy lejos de ser una copia descarada de alguna canción de Harris y compañía.  Musicalmente hay similitudes, pero es precisamente la voz de Riley y la forma en que plasma las letras la que los aleja de la masa de clones “zombificados” que la doncella acarrea a sus espaldas.  Al escuchar la forma en que entona las estrofas y los coros se darán cuenta que Steelwing están muy por sobre la media.

Es el turno de The Running Man, otro tema en plan Riot, aunque también me recordó en algunas cosas al Rainbow de la era Turner, ciertamente mucho más metalizado, pero con algunas cosillas y detalles por ahí que los acercan un poco.  Junto a Tokkotai son dos de las canciones más rápidas que van encontrar en este álbum.  En la octava posición tenemos a They Came From The Skies, un entretenidísimo instrumental en donde las grandes protagonistas son las guitarras de Rockbag y Vega y la muralla de riffs con que van cementando su camino.  Sí, es cierto, se parece y mucho a Losfer Words, de hecho es como si hubieran tomado ese tema y le hubieran dado una vuelta de tuerca y listo, y quizás eso le resta algunos puntos, pero aún así resulta muy grato oírlo.

La última pista lleva por título Lunacy Rising y se trata de la canción más larga de la placa y de Steelwing, ya que sobrepasa los diez minutos de duración.  Al menos los primeros minutos guardan mucha similitud con sus coterráneos y contemporáneos de In Solitude, algo que no debiera extrañar a nadie que conozca a ambas bandas y que tenga claro cual es el estilo de ellas.  Musicalmente tienen las mismas raíces, por lo que resulta lógico que guarden semejanzas entre sí.  En todo caso esto dura hasta pasado los tres minutos, ya que luego se produce un cambio de ritmo que vuelve a marcar cierta distancia.  El tema continúa desenvolviéndose entre algunos cambios de ritmo y algunas progresiones necesarias en cortes con esta duración, que hacen que uno llegue a escucharlo en su totalidad sin sentir en ningún momento la tentación de apretar el botón FF del reproductor, para ver como sigue después o para que simplemente esto acabe lo antes posible.  No, la verdad es que es bastante entretenido durante sus algo más de diez minutos.

En lo global, queda la sensación que Steelwing no toma riesgos innecesarios, ya que Zone of Alienation es la continuación obvia y más segura para lograr asentar su propuesta entre quienes gustaron de su primera placa ¿Es eso malo? Desde mi punto de vista, no.  Como lo señalaba en un principio, la misión de estas bandas es otra, no la experimentación ni la exploración de nuevas latitudes sónicas a partir de la fusión con elementos de otros estilos y géneros.  No, Steelwing y muchos otros llegaron para recordarnos que fue lo que hizo grande este movimiento, y debo decir que soy uno de los que agradece que todavía sigan apareciendo tipos que se interesen por hacer heavy metal sin apellidos.

Y esa “pillería” es fantástica: tan genial que si alguien alguna vez se le ocurría que cierto cantante y cierto guitarrista/cantante volverían a estar unidos y armar una banda, habría sido tomado como un inconsciente soñador. Ahora, imaginar que estos dos individuos además anunciaran una visita a Chile quizás no estaba en la mente ni de los más optimistas y afiebrados fanáticos.

Pues claro, estos dos individuos a los que hacemos referencia están lejos de ser cualquier cosa, un ciudadano estándar proveniente de la vieja Prusia o músicos X. Son nada más y nada menos que dos piedras angulares en la historia de un estilo musical que no sólo pega, gusta y entretiene, sino que derechamente se profesa y se vive, como es el Heavy Metal… nada menos que Michael Kiske, dueño de una de las más grandes voces de la historia de la música, y Kai Michael Hansen, insignia del Power Metal y número puesto en la formación de cualquier ranking histórico, banda soñada o equipo ideal. Si bien ambos ya habían hecho cosas juntos post Helloween (sin ir más lejos, las colaboraciones de Kiske, en segundo plano en Land Of The Free y protagónicamente en Time To Break Free de Gamma Ray), lo que aterrizaba todas las expectativas era el alejamiento que tuvo Kiske del mundo del Metal. Les confieso algo: acabo de escribir la palabra “tuvo”, como algo que queda en el pasado, y me provoca una grata sensación.

Porque si bien el primer gran acercamiento con el Metal de Kiske fue con esa gigantesca obra llamada Avantasia (los créditos al genio Tobias Sammet), y gracias a la cual algunos tuvimos la fortuna de cruzar la cordillera y ver a Kiske y Hansen juntos en vivo tocando en un memorable show en Teatro Flores en Buenos Aires, y la existencia de otros proyectos de Kiske (algunos más interesantes que otros) ligados con el hard rock, faltaba algo: consolidación. Y a mi juicio, esa consolidación viene dada con la formación de una banda, que saque un disco y que haga un tour… lo que es precisamente lo que Kiske está haciendo con esto que se llama Unisonic. Pero además, hacerlo en compañía de Kai Hansen no me parece que sea un detalle o un elemento decorativo, porque la importancia y el peso específico de Hansen en la escena le proporcionan un plus gigantesco.

Por ello muchos reaccionamos con la ilusión de un niño apenas supimos la existencia de esta banda, de sus integrantes, y más aun al tomar conocimiento de que Kiske y Hansen, juntos, estarán tocando en Chile. Es en ese contexto cuando recibimos Ignition, este “Mini CD” de 18 minutos, que sirve como un sabroso entremés para realmente empezar a conocer la propuesta de Unisonic, más allá del glorioso e inmutable pasado de Kai y Michael. Pasado que igualmente se honra con una versión de I Want Out –ya hablaremos de ella–, pero que cuenta con tres temas inéditos y propios, cosa que en particular y para estos efectos, es lo que más me interesaba escuchar.

Probablemente, al igual que yo, ya habías visto el videoclip promocional de Unisonic, el tema que abre este Mini CD, y quizás hayas tenido una sensación parecida. Un riff sólido, sencillo y contundente, un “midtempo acelerado” y de inmediato, sin concesiones, llega Michael Kiske y te empieza a cantar Heavy Metal. Sinceramente, y con todo el respeto que me merecen los otros trabajos de Kiske, desde haberlo escuchado en Avantasia no me provocaba esta sensación. Me resulta particularmente emocionante escuchar a Kiske cantando Heavy Metal. Con un puente a dos voces armónicas y con un coro nada más sencillo que “Unisonic, Unisonic”, y con un estupendo trabajo en las guitarras de Kai y Mandy Mayer, Unisonic es un tema perfectamente armado y con un Kiske que hacia el final realmente se luce y te maravilla. Quizás sea criticable que sea un tema casi hecho con una “fórmula”, pero ojo: a no a todos les resulta.

Ya en el ámbito de temas “inéditos inéditos” viene My Sanctuary, que va en una línea similar al tema anterior, a midtempo, con muchas influencias hardrockeras y un sonido que cautiva, realmente, por su frescura y por su naturalidad. Y Kiske muestra aún más credenciales de vigencia, particularmente en el coro, con uno de esos fantásticos agudos con vibrato que lo convirtieron en una de las voces más importantes de la historia. Para destacar, nuevamente un trabajo atinadísimo en los solos de guitarra, sin sobrecarga pero no por ello menos lucidos. A mí, particularmente, me gustó mucho este tema.

El último de los temas inéditos ya era “algo” conocido, Souls Alive, que en este Mini CD encontramos en versión “Demo” y seguramente en el disco vendrá en una versión definitiva. Personalmente, y gustándome bastante los dos primeros temas, este es mi preferido, porque creo que es el que muestra más facetas, con un ritmo algo más galopante (sin ser rápido), un trabajo soberbio de las guitarras en armonía y un coro fantástico realmente, donde Kiske muestra que no es necesario lucir agudos impresionantes para “atraparte” con ese verdadero don que tiene en sus cuerdas vocales. La parte del tema previa al final (después de los solos), prácticamente con la sola voz de Kiske es realmente sensacional. Veremos como suena el tema en su versión definitiva, pero ya la “demo” no tiene desperdicio.

Y lo último es algo con lo cual es difícilmente quedar más “prendidos” para lo que vendrá de Unisonic: nada menos que una versión en vivo de I Want Out, inmortal clásico de Helloween. Está bien, la hemos escuchado muchas veces, es conocida hace veinte años, la hemos escuchado en vivo. Pero el hecho de que la toque Unisonic y la expectativa de escucharla en vivo en Chile cantada por Kiske me parece que hace que esta versión adquiera una dimensión mayor y más allá del tema en sí mismo.

Este “Mini CD” me deja varias conclusiones. La primera, es obvia: la ansiedad por escuchar el material definitivo de Unisonic. La segunda: que es un material de calidad y que definitivamente Kiske y Hansen no sólo vienen con un revival sino que están muy vigentes y con un material valioso. Pero la que quizás sea la más importante a mi juicio es que Kiske se está dando cuenta de algo: que no sólo es un portentoso vocalista, sino que la mejor música que puede cantar es esa que empieza con Heavy y termina con Metal. Kiske está tocando Heavy Metal señores, y al menos yo, no me lo voy a perder.

Quiero partir de una base importante: Riot es una banda no tan conocida por las grandes masas. Siempre me ha parecido injustísima esa subvaloración de una banda de este nivel de quilates, pero no me parece que sea el momento para juzgar o evaluar las razones de esto. Al contrario, y esta es una sensación personal: creo que más que juzgar, me parece un deber de quienes somos fans de esta banda darla a conocer, hacer que su legado no se acabe con las jugadas de esa vieja podrida y canalla llamada muerte. Así que valga un pequeñísimo resumen biográfico para los que no los conocen.

Riot es una banda nacida bajo el alero de Mark Reale, guitarrista nacido el 07 de junio de 1955 en Brooklyn, Nueva York. Bien sabemos que Estados Unidos es una tierra muy prolífica en diversos aspectos de la cultura popular, pero no particularmente en lo que se refiere al Heavy Metal en su vertiente más melódica, lo cual, en mi concepto, da aun más mérito a su obra. Con su primer vocalista, Guy Speranza, la banda lanzó en 1977 su tremendo disco debut “Rock City” (escuchen Warrior y no van a poder creer que esta banda haya hecho este tipo de temas hace treinta y cinco años… de hecho de ahí se deriva uno de los trademarks de esta banda, el concepto del “shine on”); en 1979 el estupendo “Narita” (que lanzaron en principio sólo en Japón, de hecho Narita es el nombre de una ciudad nipona y además del aeropuerto más importante del sol naciente, donde estos neoyorquinos son idolatrados); y en 1981 el glorioso “Fire Down Under”, que quizás sea el primer gran hito de esta banda, un disco formidable en grado sumo. Tras la partida de Guy Speranza (quien lamentablemente falleció en el año 2003 debido a un cáncer de páncreas), Reale y Riot incorporan a Rhett Forrester en las voces, con quien lanzan “Restless Breed” en 1982 y “Born In America” en 1983, tras lo cual la banda se separa. Forrester fallecería trágicamente en 1994 en un confuso incidente donde recibió un impacto de bala evitando que le robaran su vehículo. Con el paso de los años y tras múltiples proyectos, Reale logró convocar a Tony Moore en las voces, a Don van Stavern en bajo y al gran Bobby Jarzombek en batería, y así reformar a Riot, su Riot. Y llegamos a 1988. El año de “ThunderSteel”.

Ya el arte de tapa de este disco llama la atención. En los anteriores discos de Riot utilizaron una dudosísima figura, una foca blanca antropomorfa llamada Johnny, imagen corporativa algo fea y desafortunada para mi gusto personal, pero que a la larga es un clásico. Pero en este trabajo Riot evoluciona hacia uno de sus mejores artes de tapa, muy en la onda de los comics, con el ThunderSteel con una cara atemorizante, digna de preocupación por parte de los “malos” (“his face is frightening, so evil ones beware”), empotrado en un tanque futurista acompañado de una inquietante y curvilínea Cyborg o extraterrestre o ser extraño. Vanguardista pero bien entendida.

Pero lo que importa es la música. Sin temor a equivocarme o a hacer un juicio de valor exagerado, ThunderSteel debe ser uno de los mejores opening tracks de la historia de Heavy Metal. O sea, lo que es ese riff de Reale, lo que es la batería ultra speed con doble bombo del genial Jarzombek, el estupendo bajo de van Stavern y, sobre todo, esa verdadera patada al tablero que es Tony Moore y sus tonos altos, es realmente una locura lo que fue capaz de hacer este sujeto, el coro, el final, no, mágico. Cuando escuché por primera vez este tema realmente no lo podía creer, es para quedar consternado y peinado para atrás, un Speed/Power Metal en estado puro, velocidad, intensidad, garra, calle, asfalto, talento, todo junto, uno de los más clásicos temas de toda la carrera de Riot sin ninguna duda. Un estupendo trabajo en los solos y un coro inolvidable, para gritarlo a todo pulmón (“And now at last we know he’s real / The power of his sword we feel / Thundersteel / Thundersteel”). Bestial y perpetua.

La intensidad heavy/powermetalera no decae en lo absoluto con la genial Fight Of Fall, quizás con menos “peso” que el opening track pero no menos intensa. También comienza rápido, “a todo ritmo”, hasta llegar a un coro a midtempo realmente sensacional y cargado de garra (“Fight or fall / In the name of the children / Fight or fall / In the name of us all / Fight or fall / We can never surrender / Fight or fall / In the night we stand tall”). Una dosis brillante de rápido Heavy Metal, directo, sencillo, contundente e incontestable, donde nuevamente se lucen los impresionantes agudos de Tony Moore. ¿Cuántos discos en la historia tienen este inicio, con dos temas así? Abierto el debate y los aportes.

Puro Heavy Metal priestiano, ochentero y con notorias influencias de Dio encontramos en Sign Of The Crimson Storm, que viene a bajar las revoluciones pero sin perder un ápice de intensidad. Un tema excelentemente construido, muy ABC, donde Tony Moore nuevamente hace gala de una voz impresionante con gritos deliciosamente ensordecedores y donde Mark Reale muestra una faceta de axeman con mayor lucimiento personal.

El Heavy/Power retorna con otra pieza magistral, Flight Of The Warrior, otra bestialidad de canción, rápida, eléctrica y cargada de energía, quizás incluso aun más melódica que ThunderSteel o Fight Or Fall, con un coro a midtempo realmente memorable, con un Tony Moore quizás menos estridente, y con un par de quiebres rítmicos que realmente contribuyen a definir un estilo. Otra gema que brilla por sí misma, y nunca más ad hoc, “el vuelo del guerrero”.

Las patadas en el cráneo siguen con la formidable On Wings Of Eagles, derechamente Heavy/Power, o sea, si te gusta Gamma Ray por ejemplo no puedes sino encontrar que temas como este son influencias directas y pies de página requeridos. La voz de Tony Moore encuentra facetas más cálidas, especialmente con el coro de “And we ride / thundering into the sky / And we ride / on wings of eagles we fly”. Nuevamente Mark Reale luce con luminarias propias en un solo particularmente llamativo.

Con Johnny’s Back no sólo se homenajea a este verdadero símbolo de la banda que es Johnny, la foca antropomorfa, sino que la entiendo como una especie de metáfora del retorno de la banda en este 1988 tras el quiebre de 1983. De hecho, es cosa de leer parte de la letra: “Tell the boys to step aside / Tell the girls to form a line / The king is back to claim the land again / Wanna fight? Let’s get it done / Need to love, I am the one / Time to remember how we played the game”. Musicalmente muestra una nueva variante, bajo de van Stavern junto a una batería con ritmo galopante (brillante Jarzombek), para después incorporar a un Reale casi en segundo plano, hasta llegar a un coro pegajoso y a unos solos fantásticos. Cabe señalar que esta no es la única de las referencias a Johnny y a lo que reseñábamos anteriormente respecto a reencarnar el espíritu de Riot. Es cosa de leer el coro de este tema, “Don’t look now, but Johnny’s back again / I am your man”, que pertenece a un disco estandarte de una era de “retorno” como este “ThunderSteel”, y la letra de por ejemplo Still Your Man de su “Immortal Soul” de 2011, otro disco “de retorno”: “Hey, Johnny, brother take my hand / I remember, I am still your man”. Johnny es Riot y Riot es Johnny, así lo veo yo.

En otra cuerda, con inicio de guitarra acústica y flautas, encontramos el comienzo de Bloodstreets. Luego la voz de Tony Moore nos lleva a pensar erradamente que se tratará de una balada… hasta que la batería, la guitarra eléctrica de Mark y el “oh yeah!” de Tony son realmente puro Heavy Metal, más lento, reposado quizás, pero maravillosamente armado. Con un coro realmente soberbio, me recuerda por momentos a la versión de Diamonds and Rust de Joan Baez que hace Priest, para que se hagan una idea.

Ya acercándonos lamentablemente al final de este increíble disco, un riff hardrockero da inicio a la excelente Run For Your Life, un intensísimo bocadillo midtempo, con un tremendo trabajo de Mark Reale, con un coro lleno de “calle” y con voces altas y bajas, una nueva faceta del gran y versátil Tony Moore. Aquí una curiosidad: el “Fire Down Under” de 1981… ¡¡también tiene una Run For Your Life!! Otro temazo, aunque más rápido. ¡Curiosísimo!

Y el último tema de “ThunderSteel”, a su vez el más largo, es Buried Alive (Tell Tale Heart), de casi nueve minutos –si no me equivoco, es el tema más largo de toda la discografía de Riot- que comienza con una intro hablada, una guitarra elegante pero aguerrida que se va incorporando paulatinamente, hasta convertirse en un tema lento sin ser derechamente pesado, melódicamente muy envolvente, casi sombría, con ciertos toques progresivos y algo sabbathianos (de la era de Dio). Un final con revoluciones más calmadas de lo que uno pudiera esperar, pero sin dejar de lado la esencia eléctrica e intensa de este gigantesco trabajo.

Estamos hablando de uno de los discos más importantes de toda la década de los ’80. De hecho, cuando se presentó a la alineación de su último trabajo, “Immortal Soul”, con Tony Moore en voces, Don van Stavern en bajo, Bobby Jarzombek en batería, más el inmortal Mark Reale y Mike Flyntz (que llegó a la banda en 1993) en guitarras, se promocionó como “la alineación del ThunderSteel”. Quizás haya sido uno de los más grandes momentos de Riot y sobre todo de Mark Reale, juntando a una alineación dorada y creando un trabajo soberbio, clásico y moderno a la vez, trascendente, atemporal, influyente y crucial en la historia del Heavy Metal, y el cual disfrutamos especialmente gracias al genio creativo y a la perseverancia de Reale, un verdadero héroe de la guitarra, que fue capaz de hacer todos los brillantes momentos de guitarras de este trabajo solito y sin la ayuda de nadie. Este sí que es un Guitar Hero, no como esos juegos de maquinitas con botones. Mark Reale no comenzó a hacerse eterno con su partida física, sino que con trabajos como este.

En suma, Riot es una banda que tiene de todo a lo largo de su discografía. Si no los conoces, te gusta mucho el Hard Rock y la onda de la New Wave Of British Heavy Metal, empieza por el “Fire Down Under”. Si tu inclinación va más por el lado progresivo, puedes iniciar por el “The Privilege Of Power”. Pero si lo tuyo es el Heavy/Power Metal, tienes el DEBER de conocer el “ThunderSteel” y agradecerle al destino que un tipo como Mark Reale haya desarrollado su talento en el Heavy Metal, la mejor música del mundo.

Y como dice Flight Of The Warrior:

“Shining, into the night you are riding
Through the darkness and light you are flying
With the wind in your hair
The flight of the warrior”

Y uno dice “morbo” pues claro, no se trata de un disco lanzado en condiciones normales o las que uno podría considerar como las mejores condiciones esperables. La performance de Edú en Angra venía en un notorio espiral descendente en el último tiempo y su punto cúlmine lo vivimos en dos situaciones o instancias prácticamente coexistentes: en el show de Angra en el Rock In Rio (cuya expansión viral de sus videos llegó hasta nuestras tierras obviamente), y especialmente en el show que Angra efectuó en Santiago el pasado 2011.

Así las cosas, y terminando esta breve pero necesaria recapitulación, Edú tomó la decisión de “descansar” de la Diosa del Fuego, dando ciertas explicaciones respecto a las cuales no viene demasiado al caso profundizar pero que, en lo atingente a lo que veremos en este review, se refieren a que para poder cantar en Angra (y a veces, aunque sin decirlo específicamente, ponerse en los zapatos de André Matos y sus impresionantes agudos), tuvo que “sacrificar” su estilo natural para cantar y eso paulatinamente le ha ido pasando la cuenta conforme al paso de los años. Es como ese jugador que hizo todas sus divisiones inferiores como delantero pero para poder llegar al primer equipo tuvo que reconvertirse en un lateral-volante derecho y aprender a marcar al puntero izquierdo del team rival.

Esa es, al menos en mi concepto, la primera arista de la gran razón por la cual me interesaba escuchar este trabajo: quería escuchar a Edú en lo suyo, sintiéndose cómodo, con su propio estilo de cantar, a una banda adaptada a él y no a él adaptándose a un estilo vocal terriblemente exigente y desgastante como lo es cantar nada menos que en Angra, banda que para qué vamos a poner encima de la mesa su tremenda importancia y currículum cuando todos lo tenemos presente.

Almah nace como una especie de spinoff del Edú de Angra, en que en su primer trabajo, “Almah”, se encontró rodeado por músicos más bien de sesión, aunque de bastante notoriedad: nada menos que Lauri Porra (Stratovarius), Emppu Vuorinen (Nightwish) y Casey Grillo (Kamelot). Pero tras “Fragile Equality”, su segundo disco, Almah busca tener una composición más bien de banda, con músicos más estables, y creo que ello se verá mayormente afianzado con el momento actual de Falaschi en que está en una especie de hiato con Angra. Así, acompañado por su partner en Angra, Felipe Andreoli, en el bajo, además de Paulo Schroeber y Marcelo Barbosa en guitarras y Marcelo Moreira en batería, sale a la vida esto que se llama Motion. Mi expectativa personal era encontrar a un Edú más cómodo, en algo quizás distinto a Angra pero con frescura y punch. ¿Se logrará esto?

Las guitarras de Hypnotized, el primer tema del disco, cautivan de inmediato, pero como veremos, son algo engañadoras. Guitarras gemelas, melódicas, interesante… y pasa a ser un tema midtempo con guitarras afinadas muy pero muy abajo. Entiendo que esto se haga para que suenen más pesadas, y de alguna forma se logra, pero personalmente me incomodan las afinaciones tan bajas, a menos que se logre brillantez. Como que les quita personalidad. Y sí, es un buen tema, entretenido, se nota a Edú como pez en el agua y haciendo gala de varios recursos, como cantar más raspado, grave, pero sin olvidar que cuando da con ciertos tonos agudos es de los grandes cantantes de la década pasada… además hay un cambio de ritmo interesante en la mitad del tema y un correcto trabajo de las guitarras. OK. Pero me da la sensación que le falta algo. Y lamentablemente me comienza a generar una vibra que se me mantiene por el resto del disco: siento que si bien hay intentos de demostrar creatividad y varias influencias desplegadas, hay cierto déficit de inspiración.

El midtempo se mantiene, aunque con incrustaciones de teclados muy en la onda de la era de Stratovarius post Tolkki, con Living And Drifting. Me gusta mucho Edú en este tema, se pasea por todas sus diversas formas de cantar y creo que lo hace estupendamente, especialmente en la parte del coro. Es uno de los temas más melódicos de este disco, por momentos me recuerda a To Live Again de Viper con Matos. De los temas más destacables de esta placa, interesante, redondito.

Más “saltarín” es el inicio de Days Of The New, cosa que está lejos de agradarme. Luego transita por derroteros más hardrockeros al entrar Edú pero con momentos más melódicos, especialmente en los instantes previos al coro, bastante bien logrados. Debo decir sí que el coro no me convence para nada. Un tema correcto pero sin brillar.

Con Bullets On The Altar comienzan a incorporarse algunos elementos acústicos –particularmente al principio con las guitarras–, para luego pasar nuevamente a esas guitarras muy bajas y con poco punch. Lo mejor me parece nuevamente Edú, cómo se nota que él es el que está a cargo de este buque compositivo. Bonito el detalle del final con el piano.

Una verdadera patada al tablero es Zombies Dictator, es realmente inesperado que a estas alturas del disco (y en el contexto del mismo) encontremos un tema con inspiraciones casi de Death Metal (en lo cual ayudan las voces guturales de Victor Cutrale de Furia Inc.), pero también con influencias muy Power a dos guitarras armónicas y con Edú haciéndolo a las mil maravillas en el coro. Es un tema extraño, con momentos brillantes, otros más opacos, pero derechamente llamativo y que es difícil que a uno lo deje indiferente. Y ello ya de por sí lo hace destacable.

Uno de los momentos mejores logrados de este trabajo creo que se logra con Trace Of Trait, donde uno encuentra de todo en pequeñas cantidades. Algo de melódico, algo de pesado, algo de progresivo, algo de agresivo (especialmente en la parte más “gritada” del precoro). Un tema bastante sofisticado, pero que precisamente por el hecho de tener tantas influencias, a veces cuesta poco seguirle la pista. Pese a ello insisto con el primer concepto, creo que es de lo mejor logrado del disco.

Nuevamente las influencias Death Metal encuentran eco en Soul Alight, con un gigantesco trabajo en la batería por parte de Marcelo Moreira, particularmente al principio. Luego la faz progresiva se toma el tema, con mucho protagonismo del teclado, para pasar a una parte casi speed/thrashera al momento de los solos. La mezcla suena bastante interesante y, pese a lo diversas de las influencias, no considero que suenen pegadas a la fuerza.

Late Night In ’85, lo siguiente, es una especie de balada que si bien me parece bien hecha, no alcanza la emotividad que uno espera de temas así. Se nota que Edú siente lo que está cantando (en esto, el tipo nunca se ha quedado), pero pese a ello siento que musicalmente al tema le falta una dosis de “sangre” y nunca termina de convencerme.

El Almah progresivo, melódico y powermetalero vuelve a hacerse presente con Daydream Lucidity, lejos el tema más parecido a Angra que uno puede encontrar en este trabajo. Sin ser brillante, es una muestra más de la multiplicidad de influencias que recoge Edú al momento de componer. Lo más bajo, sin dudas, el coro, que me parece derechamente descafeinado. Lo mejor, los momentos rápidos y la estupenda performance de los guitarristas al momento de los solos.

Y para cerrar este Motion tenemos a una balada ahora sí muy bien lograda como When And Why, a pura guitarra acústica, con un Edú que sin exigirse demasiado luce a gran altura, como ese cantante que supimos conocer a principios de la década pasada, con una voz muy europea pero sin perder esa sensibilidad latinoamericana tan característica de su timbre. Un bonito final.

¿Qué podemos sacar en limpio? Primero veamos el lado menos positivo: me parece que es un disco poco inspirado en términos generales, con poca chispa, con guitarras afinadas demasiado bajo, y que lastimosamente genera pocas emociones. A mí me da la impresión que a esta banda se le puede exigir bastante más. Pero por el lado del dedito para arriba, podemos destacar en primer lugar que con varias repasadas el disco adquiere un mayor valor, pero fundamentalmente es necesario enfatizar que Falaschi está vivo y que, en temas más pensados para su estilo natural de cantar, luce en buena forma, muy cómodo y convincente. Ahora bien, la comodidad de Edú en Almah hace necesariamente pensar, en frío, si valdrá la pena un nuevo intento de Edú en Angra, donde el cantante –y según él mismo ha dicho– debe modificar su forma natural de cantar para “dar el ancho” en la Diosa del Fuego. Veremos qué pasa. Por ahora, y sólo por ahora, tenemos este correcto aunque descafeinado Motion para poner un factor más arriba de la mesa de la especulación.

Así que cuando di con el poco llamativo nombre de Rocka Rollas, sólo llegué a prestarle atención al leer la descripción que decía que se trataba de una “banda sueca de power speed metal de la vieja escuela, con influencias del viejo Helloween, Mania, Judas Priest y Running Wild”… y lo cierto es que la descripción es bastante acertada… pero el trabajo en sí dista mucho de todo lo que llegué a esperar.

Ahora bien, Rocka Rollas es lo que se conoce como “one man band”, ya que la persona que se hace cargo absolutamente de todo es un tal Ced, del cual no tengo ninguna otra información, por lo tanto no sé si esto quedará también como un proyecto de un solo disco o si conseguirá integrantes para realizar presentaciones en vivo o grabar otro disco; por ahora no queda otra que disfrutar de este The War of Steel Has Begun, sobretodo quienes gusten de las agrupaciones mencionadas y del estilo en el que se desenvuelven los diez temas que acá encontramos.

La placa abre con Dark Future, que comienza con algunos redobles y directo al speed metal, muy en la vena del Riot del Thundersteel, lo que notarán en algunos de los riffs y también en el elevado tono de voz de Ced, quien, además de tocar todos los instrumentos, canta bien, muy ad-hoc para la música que nos ofrece, similar por momentos a Tony Moore y también a Kai Hansen en la época del Walls of Jericho.

El siguiente Metal The Posers To Death es menos veloz, más heavy metal, con guitarras que en conjunción con la batería recuerdan vagamente a Iced Earth.  El “…to death” del coro  suena algo zonzo, hay que decirlo, pero al final termina gustando.  Lo mismo sucede con el coro de Barbaric Attack, pero como dije uno se termina acostumbrando rápidamente.  El riff principal de este corte está tremendamente influenciado por Acid y eso hace que gane algunos puntos de inmediato.

En Fight For The Loud es perceptible la mencionada influencia de Running Wild, pero sin siquiera llegar a un ápice de la magnificencia de los alemanes.  Falta consistencia, los riffs son bastante débiles la verdad y recién se arregla un poco al llegar el solo, aunque queda la sensación de que ya es demasiado tarde.  More Metal Than The Steel es bastante menos de lo que promete su título, se trata de un mid-tempo que le hace algunos guiños a Accept y al Black Sabbath de Dio, para nada aburrido, pero que no logra convencer del todo.  No como Heavy Metal Machine (Steel) en donde saca a relucir más de la veta inglesa que impregna su música y en este caso se trata de Saxon, de hecho si el corte fuera un poco más lento podría pasar sin mucho problema como un tema del Strong Arm Of The Law, aunque también es clara –nuevamente- la presencia de Riot en él.

Por otra parte, a estas alturas un aspecto que comienza a molestar un poco, es el hecho que las letras de los temas parecieran ser un asunto que no preocupa mucho a Ced, es bastante monotemático la verdad, a todos nos gusta el metal, eso está claro, pero este tipo parece que no tiene nada más que decirnos, llegando a un punto en que uno comienza a cuestionarse si esto es serio o si se trata de un proyecto del tipo parodia… o bien soy yo el que no logro conectar con títulos como Metal Of Steel o Warriors Of Steel And Metal. A los únicos que les compró esa parada es a Manowar e incluso con ellos tengo ciertos reparos, pero bueno, si no les molesta mucho el tema de las letras, no tendrán problema alguno en disfrutar con estas canciones, que más allá del contenido lírico, musicalmente son muy entretenidas, sobretodo Warriors Of Steel And Metal y The Road Warrior, que recuerdan mucho al Helloween de los EP y del primer álbum y en términos generales están muy influenciados por la veta germana del estilo.

El último tema lleva por título Heavy Metal Kings y se trata de un buen corte de speed power metal, con guitarras muy afiladas y nuevamente con esos coros que suenan como esas películas donde aparecen soldados repitiendo todos juntos lo que va cantando el teniente mientras trotan… y por supuesto, solos muy melódicos y en este caso, extensos, de buena factura y bien ejecutados.  Obviando los coros, se trata de una de las mejores canciones de este corto álbum, diez tracks, pero no más de 35  minutos.  En todo caso, la propuesta no da para más tampoco.

The War of Steel Has Begun podrá resultar a la primera muy entretenido, mucho speed power metal con buenas aunque probadas ideas, nada novedoso, pero agradable de oír.  Sin embargo, con la misma rapidez que atrapa uno termina hartándose, y es que está tan lleno de lugares comunes y es tan redundante con la tónica del “steel, metal, warrior” que finalmente queda una sensación algo caricaturesca que no le hace nada bien a la propuesta de este sueco.

Pero a veces el destino entrega segundas oportunidades y de la formas más inesperadas. ¡Claro!, hasta el día de hoy existen muchos que disfrutan con Trans-Siberian Orchestra, esta especie de banda alter-ego o continuación del legado Savatage, sin estar en conocimiento dónde se origina todo. El deseo de llevar a cabo este proyecto partió como una idea del productor, manager y guitarrista Paul O’Neill (pieza fundamental en las mejores entregas de la banda de los Oliva), que inicialmente constaría de seis discos conceptuales divididos en una trilogía de álbumes navideños y el resto revisando temáticas varias. Para ello formaría un grupo creativo junto Jon Oliva y Al Pitrelli, además el tremendo tecladista Robert “Bob” Kinkel, dando como resultado esta súper orquesta (porque ya no se puede llamar proyecto a algo absolutamente consolidado) que hasta el día de hoy ha editado cinco trabajos en estudio con ventas que superan las ocho millones de copias en los Estados Unidos.

Con el paso del tiempo se unirían Chris Caffery, Johnny Lee Middleton, Jeff Plate y Alex Skolnick haciendo de esta experiencia lo más cercano a Savatage y cumpliendo en parte el sueño de los más acérrimos de ver a su banda tocando en grandes recintos frente a multitudinarias audiencias. Se esperaba que el debut discográfico de TSO ocurriera mucho antes, lo que en rigor sería pospuesto ya que por esos días Savatage trataba de sobreponerse a la trágica muerte del Criss Oliva, una pérdida que a la larga sería el inicio del fin para el conjunto. No obstante O’ Neill respetó el luto y no fue hasta 1996 cuando esta ambiciosa producción finalmente vería la luz del día.

Christmas Eve And Other Stories fue el comienzo de la  transición y posterior transformación de un concepto a otro, que como se forjó pareciera tener que ver más con un guión cinematográfico que con la realidad misma. Se mantuvieron muchos elementos de la banda original, siendo ejecutados y compuestos por casi los mismos protagonistas, pero redireccionándolos hacia un público objetivo que probablemente nunca habría comprado el Gutter Ballet o el Streets . Los discos navideños de cualquier estilo funcionan bien en EE.UU. pero me atrevería a decir que nadie preparó a O’Neill, Kinkel y Oliva para el éxito abrumador que les reportaría este trabajo. Hace un tiempo atrás le preguntaron a Jon sobre una posible reunión de Savatage y este respondió con honestidad: “Veo difícil que ocurra de momento. Savatage sin Criss no tiene sentido y Trans-Siberian Orchestra le da de comer a muchas bocas en estos días”. No lo culpo, la rentabilidad siempre es factor y si la música sigue siendo de calidad, ¿cuál es el problema entonces?

Mezclando composiciones propias inspiradas en un cuento corto escrito por el mismo O’Neill,  Christmas Eve And Other Stories también incluye re-versiones de clásicos tradicionales de estas celebraciones pero agregándole novedosos arreglos cercanos al heavy metal y rock progresivo. An Angel Came Down inicia con una melodía de piano muy emotiva, con líneas vocales traspasan esa aura de solemnidad y recogimiento, para luego desencadenar en la explosión de guitarras y base rítmica potentes. Las campanas que desgranan la melodía de Noche de Paz crean el ambiente perfecto para relatar la historia del ángel que baja a la tierra para averiguar el verdadero significado de la Navidad: “An angel came down / One night to the earth / A mission from god / To find out the worth / Of everything that / His children had done / Since that winter night / The birth of his son”. O Come All Ye Faithful  / O’ Holy Night es el medley instrumental que une estos dos clásicos tradicionales llevándolos hacia dimensiones impensadas. Son ejecutadas de una forma más dura y hardrockera, pero con una majestuosidad que cala hondo y te pasea por una variedad de emociones.

A Star To Follow juega con esos contrapuntos vocales que Savatage también revisara en canciones como Chance del álbum Handful Of Rain (1994). No obstante el coro infantil que lo sucede le resta un poco de consistencia. Llega el turno del instrumental First Snow, que contiene una melodía simple y fácilmente reconocible, donde quién luce acá es un actor de reparto, nadie menos que Jeff Plate, dando muestra de su excelente técnica e imponente pegada. The Silent Nutracker es un arreglo en guitarra acústica cortesía de Kinkel y Oliva en que revisan extractos de la melodía principal de La Marcha de Cascanueces -del gran compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky- y también de la ya mencionada Noche de Paz. A Mad Russian’s Christmas rinde tributo en “modo TSO” a otra magnífica pieza de Cascanueces como lo es La Danza Rusa, para luego dar rienda suelta a todos los excesos habidos y por haber que probablemente te harán imaginar que tienes cinco años y estás en la juguetería más grande hayas visitado en tu vida, mientras te encandilas con estanterías llenas de figuras vintage de He-Man, G.I. Joe, Transformers o los Thundercats. O bien escapándote al video club más cercano para arrendar “Mi Pobre Angelito” (Home Alone) de Macaulay Culkin en VHS.

The Prince Of Peace es emoción hecha música. Una melodía e interpretación llena de belleza que se acentúa al juntarse con Hark! The Herald Angels Sing, la cantata de Felix Mendelssohn basada en un poema de Charles Wesley perteneciente al siglo XVIII. Christmas Eve / Sarajevo 12/24 es el himno por antonomasia de TSO, un épico instrumental que entrelaza a Carol Of The Bells con God Rest Ye Merry Gentlemen. Los arreglos son excelsos y la mezcla entre guitarras potentes, secciones de cuerdas y la hipnótica melodía del piano de Kinkel están entrelazadas de manera soberbia. Este corte se convirtió en el caballo de batalla del conjunto aunque originalmente fuera lanzado por Savatage en Dead Winter  Dead (1995). Good King Joy abre con un extracto de Joy To The World (Lowell Mason) en versión metálica, para después seguir con la línea vocal en tono “predicador/narrador” que cuenta la leyenda de cómo los tres magos iniciaron su viaje hacia Belén. Ormanent progresivamente crece en intensidad hasta convertirse en una power ballad que recuerda a maravillas como Believe y All That I Bleed, pero con orientación navideña claro. The First Noel reversiona la composición original de William B. Sandys en un breve instrumental acústico que nos introduce a Old City Bar, una balada que guarda algo de Ornament, pero enmarcándose en un contexto ciento por ciento acústico. A ratos se alarga más de la cuenta, aunque las líneas vocales en tono blusero evocan sentimientos de soledad y melancolía. En especial me conmueve la estrofa que contiene los versos: “Then the bartender gazed / Through the smoke and the haze / Through the window and ice / To a corner streetlight / Where standing alone / By a broken pay phone / Was a girl the child said / Could no longer get home”.

La parte final del trabajo comienza con Promises To Keep que consiste en un coro de niños acompañado de una sutil melodía de piano, seguida a continuación por This Christmas Day, una suerte de clímax de la historia. Esto es Savatage llevando el Gutter Ballet por derroteros broadwarianos, adornados de una ejecución de lujo, arreglos vocales femeninos, mientras que el solo de Al Pitrelli nuevamente es de gran factura. En el epílogo tenemos a An Angel Returned, una recapitulación de An Angel Came Down donde la letra nos habla de la finalización de la misión del ángel y su posterior regreso al cielo. La parte final del solo y la estrofa hímnica “Kyrie among nations / Kyrie among nations /Kyrie among nations / Here as they ring through the night / Listen to the bells as they ring / Listen to the message they bring / Listen to the sound as they sing / As one voice in the night”, finalizan este trabajo de una forma pomposa, grandielocuente y épica. ¡No podia ser de otra forma! Adicionalmente contiene dos bonus tracks con arreglos instrumentales y semi acústicos de O’ Holy Night y God Rest Ye Merry Gentlemen, que resultan agradables pero que a la larga no contribuyen al balance final.

Christmas Eve And Other Stories cuenta con solos vocales de cantantes como John Margolis, Marlene Danielle, Michael Fawcette, Thomas Farese, Ken Williams y Bobby Boyd. A la fecha ha vendido más de tres millones de unidades y se convirtió en la producción más exitosa del “director” O’Neill y su orquesta.

Finalmente la trilogía navideña fue una realidad con los posteriores lanzamientos de The Christmas Attic (1998) y The Lost Christmas Eve (2004). Pero lejos de dormirse en la laureles que le entregaron estas óperas rock temáticas, ampliaron sus fronteras con Beethoven’s Last Night (2000) y Night Castle (2009), esta último un álbum doble que incluye varios covers de clásicos de Savatage. El éxito llego a tal punto que existen dos formaciones de TSO girando en paralelo tanto en la costa este como en la oeste.  En sus giras invernales invitan a leyendas del rock a tocar con ellos en los encores (Steven Tyler, Paul Rodgers, Roger Daltrey, etcétera) y sus shows en vivo cada año se vuelven más espectaculares con producciones llenas de efectos especiales, pirotécnica, pantallas, plataformas y mucha parafernalia. Y ya han anunciado nuevo disco para el 2013, que vendría siendo el tercero de la trilogía “no navideña” y que podríamos colocarlo sin problemas como otro escalafón más en la evolución lógica que para el otro grupo concluiría con Poets and Madmen (2001).

El material Trans-Siberian Orchestra, más allá de proporcionar un buen soundtrack para Navidad, es recomendado para todos quienes disfrutan simplemente de la buena música. Y si eres seguidor de Savatage he aquí el exponente que se encargó de continuar su brillante legado.

Hay pocas bandas que saben sonar bien con tantos layers y Iron Savior es una de ellas. The Landing se afirma con tales recursos noventeros y, como resultado, el grupo entrega su mejor álbum desde al menos Condition Red (2002), con un nivel similar de temas y una producción por lejos superior, ya que la de Condition Red sonaba artificial sobretodo por culpa de la batería de Thomas Nack (ex Gamma Ray). Pensándolo con mayor detención, aquel CD no envejeció bien justamente por lo plástico de su grabación. Claro, es un fiel reflejo de cómo se producía en ese entonces, pero lo nuevo logra sonar armado sin sacrificar fuerza, explosión ni credibilidad.

Como todo ingeniero que es líder y mente creativa de su propio conjunto, el sonido constituye parte fundamental de la propuesta musical de Piet Sielck con Iron Savior, y en cierto modo el enfoque de producción define la vibra del disco. En todo caso, ese approach de más pistas no es el único responsable del éxito de The Landing, porque las canciones en sí tienen mucho que decir y, a decir verdad, hay algunas que recuerdan al nivel de Unification (1998) para mí, el gran álbum de Iron Savior en cuanto a composición, sonido y formación.

Una de ellas es March Of Doom, con melodías trabajadas pero poderosas saliendo de todas partes, de las guitarras, de las armonías, de las voces, de los coros, ¡de todo!, send me a miracle!, un corte que recuerda a cuando bandas del estilo nos volaban la cabeza a fines de los noventa, de esos explosivos e inspirados, con muchos elementos y ninguno de sobra. Cobra absoluto sentido que el grupo regrabe Coming Home del Unification como bonus track para la edición limitada de The Landing, debido a sus similitudes.

Starlight o Faster Than All llegan a emocionar con su filo germano powermetalero, porque recuerdan a la garra y personalidad de creaciones veloces como Brothers (Of The Past), llenas de líneas memorables y bases energéticas. Starlight tiene ese sutil aire a Blind Guardian que Iron Savior mostraba en su primer álbum, mientras que los leads y el doble bombo en Faster Than All, acompañados por golpes de campana, hacen cátedra de la magia del sonido que Sielck ayudó a elaborar en silencio junto con los padres fundadores del Power Metal.

Una clase de tema que extrañaba de Iron Savior era No Guts, No Glory -el último de The Landing-, de esos mid tempos ultra melódicos que son muy metaleros para considerarlos hardrockeros y muy trabajados para simplemente compararlos con Judas Priest. Desde Eye To Eye o Prisoner Of The Void del Unification que Sielck no escribía algo de esta calidad. La magia de estas canciones de Iron Savior es inexplicable y sólo queda disfrutarla al final del álbum. Y Hall Of The Heroes es una versión más trabajada de The Battle, el corte clímax del CD del ’98, épico y muy moderno, con un coro gigante que se inserta dentro de lo más alto del disco. Su final es nada menos que celestial, una pista sensacional que se hace de rogar para ser descubierta pero que después se alza con categoría en el trabajo.

Si el séptimo lanzamiento de la banda se acerca a sonidos más clásicos, como en Heavy Metal Never Dies, no lo hace a través del enfoque simple de Megatropolis ni por medio de mid tempos priesteros. Pese a sus letras en celebración del Heavy Metal y sus riffs tradicionales, el último track mencionado adquiere el toque “Iron Savior” gracias al trabajo de las voces, con los coros precisos, las armonías precisas. A diferencia de Megatropolis que suena a Sielck tributando a Priest o Accept, esto se escucha a Heavy Metal interpretado al estilo Savior, ¡y esa es una gran diferencia!

Aquello se corrobora en R.U. Ready, con un toque mucho más americano y fiestero pero con elementos del Helloween de Kai Hansen que también contribuyeron en su tiempo a la formación de Iron Savior, una mezcla entre I Want Out y Twisted Sister, con mucha onda y melodía conformándose en una de las sorpresas de The Landing. La otra es Before The Pain, trayendo un efecto más noventero como el Helloween de esa época, ¡o incluso el Grave Digger de Lulis tocando baladas! Lo último no es mera coincidencia, puesto que Sielck trabajó en producciones como The Reaper (1993), Symphony Of Death (1994), Tunes Of War (1996), Knights Of The Cross (1998) y Excalibur (1999) haciendo voces, arreglos, intros y sonido.

Desde que Iron Savior dejó de ser un súper proyecto de figuras del Power Metal tras la salida de Kai Hansen y decidió seguir su camino el 2001 como una banda propiamente tal que no sacaba un lanzamiento tan convincente como The Landing, un disco ciento por ciento Hamburgo, con la identidad esperada a flor de piel. Puede que un esfuerzo así no cause el impacto que habría causado hace 13 ó 14 años atrás y que pase un poco más desapercibido, que a la larga no sea más que una réplica -fuerte eso sí-, pero cuando un maestro habla de lo que sabe como en este caso lo hace Piet Sielck, es necesario que la escena le preste atención. Ha ayudado y ha aprendido con los grandes y como un grande ahora se luce a costa de melodía y explosión.

La expectativa era alta… así que la caída fue dolorosa, porque más que un nuevo álbum, lo que acá tenemos es básicamente una compilación de “Grandes Éxitos”, re-grabados sí, pero ya escuchados, más algunos temas compuestos para la ocasión, pero que no alcanzan para saciar el apetito de nuevas canciones.  Una lástima.  Esta bien, considerando el actual revival que vive la escena del heavy metal tradicional, un disco como Burning Leather cae redondo, pero re-grabar seis temas y hacerlo pasar como un “nuevo LP” me deja un poco descolocado.

Pero así no más es la cosa.  Así que vayamos primero con las re-grabaciones.  Tres de los temas escogidos para ser actualizados provienen del que para muchos es EL disco de la banda: Fire In The Brain (1983); estos son el gran Search Lights (al que cambiaron aquel extrañísimo comienzo que poseía por una sirena más ad-hoc con la letra de la canción), Gambler y la misma Fire In The Brain, ¿recuerdan la voz que abría el tema y que decía “Fire In The Brain, take one”?, ahora dice “Fire In The Brain, take two”… seguro quedaron con fuego en el cerebro de tanto pensarlo.  Para quienes no los conocen, son tres canciones rápidas, de riffs sencillos y crudos, solos muy melódicos y coros de fácil enganche, es decir, eminentemente de la NWOBHM, con todo lo que ella implica en términos del sonido.

Las siguientes dos provienen de III Warning (1984) y estas son Third Warning y Total Metal, siendo la primera la que más se aleja de la original y esto solo porque recortaron casi un minuto de su longitud.  El último de los “viejos nuevos” temas se trata del single lanzado también en 1984, Turn The Cross Upside Down, el que debe ser uno de los cortes más conocidos de esta agrupación, o al menos lo fue en alguna oportunidad.  Cuidado que el coro de esta canción es extrañamente inolvidable… cuenta la leyenda que Jay C. Blade dejó de escribir canciones con letras satánicas cuando recibió un cheque por derechos de autor, por este último tema, por una cantidad igual a seiscientos sesenta y seis.  Casi como si se tratara de uno de los Cuentos de la Cripta.

Ahora pasemos a la parte novedosa de Burning Leather.  El primero de los cinco temas nuevos con los que cuenta esta placa es Dominator, primer single y que ya habíamos tenido oportunidad de oír y ver, ya que la banda decidió, además, presentarlo con un video que fue lanzado un par de meses antes que el disco.  Se trata de un corte relativamente rápido y enérgico de heavy metal tradicional y con un muy correcto trabajo en guitarras por parte de los nuevos integrantes, Michel Santunione y John Berg, ambos desconocidos, al menos para mí, antes de ser requeridos por los tres miembros de la formación clásica de la banda.  Tratándose este del tema que abre la placa, lo primero que uno nota es que Ape De Martini conserva su voz en muy buen estado, aun cuando el tono ha cambiado un poco.  Un muy buen inicio la verdad.

En la tercera posición tenemos a Let Sleeping Dogs Lie, aun más rápido que Dominator y con una marcada tendencia ochentera y, más allá de la obviedad implícita en esa palabra, con esto me refiero a que pareciera ser un tema que hubiera quedado fuera de algún disco anterior de OZ, y a menos que eso sea cierto, da gusto saber que la forma de componer de antaño sigue presente y en muy buena forma, ya que en definitiva se trata de una canción muy de la New Wave y eso para cualquier fan del estilo siempre será agradable.  Seasons In The Darkness es un mid tempo de características muy similares a Rock On del disco Roll The Dice, lo que equivale a decir que se trata de un tema con riffs un poco más sabáticos y densos que en los otros cortes, con más secciones abiertas y en el que la pesadez y lo monolítico del bajo se lleva gran parte del mérito.

Burning Leather se trata de otra canción de velocidad moderada, en donde nuevamente destacan las guitarras de la actual dupla a cargo de las seis cuerdas y el empalagoso coro del que hace gala.  En esta ocasión hay algunos fraseos de De Martini que se perciben, innecesariamente, más forzados de lo normal, como que en vez de cantar, los grita, pero bueno, eso no obsta que se trate de un tema que entretiene y que recuerda en algunos momentos al Judas Priest de discos como Turbo o Ram It Down.

El último tema nuevo de la placa es Enter Stadium, que me suena un poco fuera de lugar, ya que se trata de un mid tempo mucho más orientado al hard rock, con notorios guiños al Kiss sin máscaras de mediados de los ochenta, lo que no es malo, pero como que no encaja con el resto del disco.

La verdad es que tengo sensaciones encontradas y me resulta algo complicado darle una calificación a este álbum y es por eso que, para esta ocasión, la omitiré, ya que la razón que tengo para darle una nota alta es la misma por la cual le daría una baja y paso a explicar de inmediato.  Burning Leather es una muy buena carta de presentación para todos aquellos que quieran conocer efectivamente a la banda, ya que no tendrán que ir disco tras disco para comprender de donde vienen, como suenan y porque tocan como lo hacen, hay una buena colección de sus mejores canciones, más un puñado de nuevos y buenos temas y desde esa perspectiva, resulta ideal para quienes no tenían conocimientos previos respecto a OZ; pero por otro lado, para quienes ya los conocíamos y esperábamos oír un nuevo álbum -uno que estuviera conformado por nuevas composiciones- resulta decepcionante toparse con seis canciones, que por muy buenas que sean, no creo que a muchos les interesaba oírlas emperifolladas.

Esto, porque Unbreakable es un álbum ciento por ciento tradicional, sin artificios más allá de aquellos que dan justo en el gusto de los seguidores del Heavy Metal alemán. Primero que todo, creo que Primal Fear la hizo con Seven Seals. Con ese lanzamiento se las jugó, exploró y encontró un sonido que le otorgó identidad en una etapa “tardía” de su carrera. En lo personal, seguirá siendo mi entrega favorita del conjunto, pero Unbreakable es un doble opuesto muy atractivo y con mucho aire fresco a través de los elementos clásicos de siempre, ¡un triunfo!

Primal Fear ya tiene su bien puesto ganado en el medio y con esa tranquilidad después de haber dejado su huella, ahora es el turno de tocar lo que la afición en general quiere escuchar. Eso representa Unbreakable y aquella es la particularidad que me tiene tan fascinado de este trabajo. En lo que interpreto como una muestra de humildad, los avezados integrantes de Primal Fear se bajan de sus sitiales de músicos o productores y se convierten en un fanático más del Heavy/Power Metal, rescatando muchas paralelas, muchos solos, muchas melodías certeras, harto filo Keeper inclusive, que tiene en cuenta a los seguidores del estilo antes que todo pero sin traicionar a los mismos compositores.

No es una vuelta a discos como Primal Fear (1998) o Nuclear Fire (2001), primero porque Unbreakable recoge el sonido de producción logrado a partir de Seven Seals y, más importante, está muy lejos de reiterar las similitudes con Judas Priest que en ese tiempo sostenían las canciones. Es muy posible que sea menos explosivo que aquellos trabajos tempraneros y que al mismo tiempo no sea lo dramático ni lo oscuro que eran los tres álbumes anteriores, pero muestra algo muy infeccioso y efectivo, una alta clase a la hora de conjugar estos elementos típicos que con poco cuidado podrían caer en el cliché. La astucia es innegable.

Por ejemplo, los midtempos son recurrentes en Unbreakable. Sin embargo, no son forzados por el doble bombo ni la caja de la batería, sino construidos a partir de los riffs y sus particulares figuras. La estrategia provoca que tanto Strike, Give Em Hell y Unbreakable (Part 2) suenen muy distintas a pesar de mostrar un ritmo similar, porque son las guitarras las que hablan en nombre de las canciones. Strike y Give Em Hell están pegadas en el tracklist -las pistas #2 y #3 después de la intro orquestada-, ¡y enseñan dos mundos aparte!, siendo que ambas tienen las mismas estructuras y que comparten varias cosas en común como las fabulosas paralelas de lead, OTRO recurso que se repite con facilidad y calidad a lo largo del LP.

Esa labor guitarrera tan dinámica elaborada por Magnus Karlsson y Alexander Beyrodt (reemplazante de Henny Wolter) hace que el disco gane en profundidad. Los ritmos pueden ser simples, pero las guitarras causan que los temas se hagan más atractivos a medida que se escuchan con mayor detención, ¡sin olvidar que están hechas para cabecear! Lo curioso es que la entrega comienza con dos mid tempos, ¡y termina con dos mid tempos! Uno es Blazon Of Glory, más británico en sus riffs, variado en su batería y gravediggeriano en su coro, muy taquillero, mientras que el otro es Conviction, quizás el más especial de los cinco mid tempos del CD gracias a las voces de Ralf Scheepers, quien canta como si nunca se hubiese ido de Gamma Ray y hubiera sido el frontman en Land Of The Free (1995), a lo Time To Break Free. ¡Tremenda clausura de material!

Dicho eso, llega al momento propicio para hablar de las composiciones más powermetaleras de Unbreakable. La primera, And There Was Silence, es una versión de Riding The Eagle o Angels In Black pero sin tanto músculo, más parecida a Lightyears From Home del Black Sun (2002), más armoniosa. Con la segunda mientras tanto, Marching Again, ¡hay que remontarse hasta el Kai Hansen de los Keeper Of The Seven Keys!, una bomba melódica poderosísima con un estribillo ciento por ciento Helloween clásico, veloz e intensa, a la vez que nostálgica por su sonido que recuerda a las grandes glorias del Power Metal. Si bien el disco apenas cuenta con pasajes dramáticos, de esos con teclados o efectos de orquesta, ¡aquí hay uno que quita el aliento!, sencillo y efectivo. Hay partes que traen a la memoria clásicos como Save Us, ¡o Savage!, con una energía aplastante.

Sus letras hablan de compromiso a prueba de vuelos, cansancio y balas por llevar el metal hacia todos los confines, de dar conciertos, de las giras, del “llamado de los escenarios”, de todo lo que vale la pena dedicarse a esto, de lo que significa para los músicos y los fanáticos unidos por un movimiento. La misma temática se escucha antes en Metal Nation. “In a world where greed and money rule, there’s no space for people who are true”, comienza cantando Scheepers. “In a dark where power forces you not to do what you would love to do… we conquered the night, freedom inside, taking our guts and struggle on, until we are lit to the sun / Everybody join the metal nation (I’ve got the beat on my heart), let the music spread the word / Let’s make a brand new start”. Esas son todas las letras, pero el mensaje es inequívoco: un disco con el que los fans se identificarán, tanto con las líricas como con la música. Y sobre lo último, esta canción también tiene harto que decir. Parte con unas guitarras a lo Queensryche ochentero y sin caer en nada elegante ni progresivo, avanza con tintes hardrockeros en unos de los cortes más “en vivo” de la placa, un candidato fijo a los shows venideros.

Pese a todo, Unbreakable igual ofrece dos momentos por arriba de su promedio de sofisticación. Primal Fear no renuncia a las composiciones largas y Where Angels Die así lo corrobora, ocho minutos y medio con leads tan trabajados como los del Black Sun, guitarras limpias, atmósferas, letras oscuras, melodías frías con un cierto aire trágico. Y los que aprecian el nivel que el grupo ha logrado en el territorio de las baladas, Born Again no decepcionará, ya que Scheepers adquiere mucho cuerpo en el coro más gigante del álbum y el solo es absolutamente brillante.

La calidad del abultado equipo compositivo de este Primal Fear, con Mat, Ralf, Alex y Magnus escribiendo, saca a flote un disco muy relajado de actitud pero no por ello menos cuidado. Su objetivo es bien específico y ese es celebrar al Heavy Metal casi como un regalo. La banda se refleja en aquellos que la escuchan y da show con un álbum que no pretende ningún giro, ninguna aventura, sino entretener y construir puentes más sólidos. ¡Grandes tiempos para el diálogo!

Atlantis es su carta de presentación hacia otras latitudes, disco en el que nos presentan nueve cortes de heavy power metal en su vena más tradicional, es decir, sin arreglos orquestales, sinfónicos, endemoniados blast beats, ni nada similar, simplemente heavy metal más una medida cuota de power de corte melódico.  Pero si hay una característica que resalta por sobre cualquier otra que podamos encontrar, esa es la increíble, mejor dicho, impresionante similitud que posee Artur Almeida, vocalista, con quien me imagino debe ser uno de sus máximos ídolos, me refiero a Bruce Dickinson.  Quizás en los primeros cortes no lo notarán con tanta fuerza, pero a medida que transcurre el álbum y se van sucediendo los temas, probablemente podrán corroborar lo que acá les digo.

Musicalmente -y obviamente- una de las principales influencias de la banda es Iron Maiden, de hecho hay algunas canciones que llega a ser desconcertante oírlas, ya que si nos olvidamos que se trata de una agrupación portuguesa, sin mucho problema podríamos imaginarnos estar oyendo a Harris y compañía.  Claro, algunos dirán ¿y entonces cual es la gracia, mejor escucho a Maiden? Pero lo cierto es que Attick Demons tiene lo suyo, los temas son muy entretenidos, tienen algunas líneas vocales y coros que enganchan con notable facilidad y se quedan dando vueltas en la cabeza con tan solo algunas oídas, y ese gancho, con la increíble oferta musical que existe hoy en día, no es tan sencillo lograrlo, pero estos portugueses lo hacen y sin muchas complicaciones.

Aún con lo dicho, la veta más powermetalera de la banda es ostensible desde el mismo comienzo con Back In Time, un corte rápido, potente, con buen trabajo en guitarras y un gran despliegue por parte de Gonçalo Pais en la batería.  Es probable que la mencionada semejanza aún no les resulte tan patente, pero seguro en la siguiente, que lleva por nombre Atlantis, ya comenzarán a percibirla con más fuerza, aunque hay que destacar que también tiene otros recursos, como algunos tonos más agresivos en plan Uncle Reaper, aunque son solo algunos guiños en algunas partes, además de unos agudos gritos que le permiten tomar un poco de distancia respecto del trabajo del maestro inglés.

City of Golden Gates y The Flames of Eternal Knowledge es por lejos lo más Iron Maiden que van a encontrar en la placa, más Maiden que los mismísimos incluso.  Vale hacer notar que la similitud va, sobretodo, por la música que la Doncella nos ha entregado desde Brave New World en adelante.  Están más ligados a la actual etapa de los británicos que al lado ochentero.  Si todo lo dicho hasta ahora les causa algún tipo de rechazo producto de la notoria similitud con la que se encontrarán, les sugiero escuchar The Flames of Eternal Knowledge, si no enganchan con esa canción, no intenten con el resto.  Tómenlo como una prueba.  Si logran soportar el asombroso parecido de este track, es probable que puedan encontrarle el gusto al resto, ya que en este caso, además de la voz, las líneas vocales, las melodías de las guitarras, la estructura y principalmente el coro, pertenecen, sin ninguna duda, al mundo musical creado por los señores Harris y Dickinson. ¿Bueno o malo? La decisión es de ustedes.

Entre los temas con sonido más propio resulta destacable Riding The Storm e In Memoriam, en donde prueban con algunos riffs bastante más pesados o Meeting The Queen, el que posee una estructura más trabajada, menos predecible y a la que adhieren una agradable voz femenina, que por supuesto, los saca del molde mostrado hasta ahora.  Eso hasta que llega el cierre de la mano de Listen to the Fool, el que nuevamente nos traerá reminiscencias de canciones ya escuchadas con anterioridad y no precisamente de su autoría.

A decir verdad, no hay mucho más que contarles acerca de este disco, así que antes de terminar voy a insistir en un punto.  Es cierto, la similitud es extremadamente notoria, no hay que ser un erudito en la historia musical de Iron Maiden para darse cuenta que el parecido va mucho más allá de lo saludable, pero no es menos cierto que Attick Demons pone parte de lo suyo, adhiere ciertos matices que ya no encontramos en la música de los ingleses y tienen un “no se qué” (¿!) que invita a la escucha.

Al menos me entretuvo mucho más de lo que esperé en un principio.  Si logran superar el tema de la voz, quizás podrán notar que al fin y al cabo, Atlantis es un muy buen disco, con grandes canciones y dentro de todo, honesto en su propuesta, a los tipos les gusta Maiden y nos lo dejan extremadamente claro… aunque para más de alguno, esa será la principal razón para vetarlos. ¡Ah! ¿Mencioné que también tienen tres guitarristas?  Parece broma, pero en serio, denle algunas oídas antes, quizás se lleven una buena sorpresa.

Para los que no los conocen (¡espero que este párrafo no sea necesario para nadie!), Battlerage es una banda chilena nacida ya hace casi diez años bajo el alero de ese enorme batero que es Francisco “Pancho” Vera, y cuya “imagen corporativa” no es ni puede ser otra que el gran Fox-Lin Torres, vocalista y frontman de este cuarteto compuesto además por Daniel Román en guitarras y Felipe Vuletich en el bajo. Conozco del trabajo de la banda hace ya bastantes años (de hecho en su oportunidad revisamos el demo Metal Slaughter del 2003 y su propuesta no es nada más ni nada menos que el True Metal, en altas concentraciones. Pero aun sin conocer el material anterior de este actualmente cuarteto, del solo nombre de este trabajo, True Metal Victory, el tercer largaduración de los santiaguinos (tras Steel Supremacy del 2004 y Blood, Fire, Steel del 2009), puede colegirse cuál el estilo que no sólo realiza sino que derechamente profesa Battlerage. O sea, vean lo que es esa carátula.

Y les decía que en lo personal me gusta mucho este tipo de Metal. Puede haber muchas definiciones y palabras asociadas, como “true”, “directo”, “a la vena”, “con bolas”, etc., pero la definición que me convence es que es una banda con pretensiones, pero sin ser pretenciosa. La definición suena un poco inconsecuente y casi como un razonamiento falaz, pero a lo que voy es que la definición del sonido de Battlerage es ser directo, dejar un poco de lado el lucimiento personal “virtuoso” (sin ser ni por si acaso malos músicos ni mucho menos), pero no por ello dejan ser una banda carente de objetivos. De hecho, me llama la atención para bien la persistencia en su propuesta, y de hecho, casi como anécdota, Battlerage es una banda que ha tenido cierta mala suerte porque les tocó en más de una ocasión estar asignados como acto de inicio de una banda internacional, y por X motivos dichos shows se han caído. Pero qué, ¿ustedes creen que Battlerage se va a desmoralizar por eso? Mis polainas.

De esta forma, debo decir que esperaba bastante el lanzamiento de este trabajo porque a estos muchachos les tengo fe. Y es así que lo nuevo de Battlerage se inicia con la enorme intro Battlepath, un bocadillo instrumental de algo menos de dos minutos de duración que no sólo cumple con la función de una intro estándar, sino que cumple perfectamente con el ADN de esta banda, con un sonido a dos guitarras derechamente hímnico y un ritmo de campo de batalla que nada tiene que envidiar a grandes intros de importantes discos de la historia del Metal. En serio. Y da paso a la enorme Return Of The Axeman… “¡¡el retorno del hachero!!”… podría ser el himno de tantos defensas centrales que vuelven a Chile tras ganar sus dólares en el exterior. Pero más allá de haber cumplido con la inevitable y reglamentaria alusión futbolística que debe hacerse en cualquier review de Heavy Metal (?), es un verdadero temazo, una metralla llena de intensidad. De verdad resulta particularmente difícil reprimir las ganas de agarrar un hacha, salir a la calle y golpear a los despreocupados transeúntes infundada e injustificadamente –en todo caso, es mejor que no lo hagan porque me parece que sería delito–. OK, no vamos a encontrar a un vocalista con un rango vocal muy extenso, ni solos muy extensos (cosas y recursos que también me parecen extraordinariamente legítimos), sino que a un cantante de voz raspada que es capaz de trasuntar pasión y actitud a su forma de cantar. Eso, unido a un ritmo imparable, a un coro bestial (“return of the axeman / he’s coming to take you, he’s coming to kill / return of the axeman / an omen of terror and hate to fulfill“) y al enorme trabajo de Daniel y Felipe en el ámbito más melódico (los matices de la guitarra, de sucia a limpia, me parecen excelentes, una notable contribución de Gabriel “Pickblade” Hidalgo), hacen de este tema un indispensable compendio de consistencia, garra y verdad. Tremendo inicio.

La intensidad de la apuesta de Battlerage continúa con Blood On Iron, un corte que me parece muy influenciado por Grave Digger, particularmente de principios de la década pasada. Bueno, no es descubrir la pólvora decir que el estilo vocal de Fox-Lin es bastante similar al de Chris “Uncle Reaper” Boltendahl, y que la injerencia del enterrador germano es muy grande en Battlerage, de hecho no sólo se ve en este tema sino que a lo largo de la carrera de los nacionales. Pero ojo que si bien me parece una influencia notoria, de ninguna manera me parece una copia, ni siquiera derechamente un tributo, sino que una potente inspiración. Aquí vemos a Fox-Lin por momentos experimentando con otro tipo de vocalización, más limpia y melódica, pero sólo al momento del coro, pues en el resto del tema mantiene esa vocalización raspada y muy “de la guata”. Algo menos brillante que el anterior corte, igualmente uno sueña con ver temas como este en grandes escenarios.

Lo siguiente, Raw Metal (o sea, ¡dénse cuenta del nombre de este tema!), mantiene la tónica, esta vez más midtempo que en los anteriores cortes, y nuevamente juega con el recurso de poner a Fox-Lin cantando por momentos más melódicamente. Obviamente me parece que esa forma de cantar de Fox-Lin no es la que lo hace sentir más cómodo, pero sí me parece que lo hace de correcta forma. Me parece muy “de banda” el poner a todos los músicos haciendo los backing vocals. Sí creo que la parte acústica hacia el final, si bien le da un matiz diferente a lo que veníamos escuchando, está un poquito de más y se hace un poco más largo de lo necesario.

Con un sonido de tormenta, un discurso en italiano y campanas se da inicio a lo siguiente que es Black Sunday (La Maschera del Demonio), track muy probablemente inspirado por una película de terror italiana de 1960 llamada precisamente así, y que trata de dos viajeros que encuentran los cadáveres con máscaras de una pareja de amantes brujos ejecutados siglos antes por la Inquisición Rusa, y que una vez que estos viajeros quitan estas máscaras de los rostros de los brujos, éstos vuelven a la vida y cometen fechorías que sólo una pareja de brujos podría cometer. Es una película de culto y es homenajeada por Battlerage de muy buena manera, contando nuevamente con la contribución de Gabriel Hidalgo en los solos. Rítmicamente tiene momentos que me recuerdan a Metal Gods de Priest, y el cambio de ritmo tras la segunda inserción de italiano hablado, unido al solo, me parecen fenomenales. Sí debo decir que no me convence demasiado la pronunciación del inglés de Fox-Lin en el coro pero tampoco me parece algo tan grave, me inquieta un poco. De todas formas creo que es un momento muy bien logrado y trabajado y que da un matiz diferente a la onda más “true” que caracteriza a la propuesta de este cuarteto.

Sin solución de continuidad encontramos a una especie de trilogía, que inicia con The Serpent Slumbers (Book Of Thoth Part I), que sin dudas hace referencia al Libro de Thot, el libro sagrado de los antiguos egipcios, compuesto por jeroglíficos y símbolos, ¡cuánta mística! Y bueno, Battlerage tributa esta tremenda influencia en la historia de la humanidad de buena forma, con un corte algo más denso que lo que veníamos escuchando, quizás incluso más pesado. Me gusta bastante el solo a dos guitarras armónicas, sencillas y contundentes. Y luego se da paso a Stygia (Book Of Thoth Part II), que básicamente es un intenso solo de guitarra muy sencillo pero a la vez muy conectado con el espíritu del tema anterior, finalmente acompañado por el bajo y batería, que le dan un inquietante aura egipcia/densa… ¡y sin parar! Esa es la premisa. Porque para terminar encontramos a My Will Be Done (Book Of Thoth Part III). No me parece un gran, gran final para esta trilogía, pero sí a Fox-Lin le compro completamente su personificación… suena increíble cuando brama “my will be done!” casi a capella.

Y para terminar con este trabajo Battlerage nos regala uno de los mejores momentos de este disco, Warlock’s Epitaph, personalmente uno de mis temas favoritos. Con un ritmo galopante, encontramos mucho de que acostumbra a entregarnos esta banda, voces raspadas, puños en alto, pero realmente es sensacional el momento del solo de guitarra, probablemente el mejor logrado de toda esta placa. Buen final.

Es cierto. Para algunos la propuesta y las ideas-fuerza de Battlerage podrán ser algo monotemáticas, con lo cual no estoy de acuerdo pero sí me parece una opinión legítima. Sin embargo, para mi gusto personal, estos muchachos tienen una propuesta que no sólo es interesante, sino que derechamente se nota, se palpa, se percibe vívidamente la convicción casi podríamos decir que “ideológica” que sienten por lo que tocan. Y eso marca diferencias. Más allá de que estamos en presencia de cuarenta minutos de Metal intenso y consistente, lo que más destaco de Battlerage y de este trabajo es que cualquiera puede agarrar un hacha o un garrote… pero no a cualquiera uno le compra. Y a Battlerage uno le cree. Porque son de verdad.

Integrantes del grupo acusaban estrés, malas vibras, de estar muy cerca de alcanzar un punto de ebullición y quién sabe, quizás ahí Tuomas se tomó la decisión de disolver a Nightwish después de todo, ya que de algún modo se acabó esa actitud de “volvimos a ser una banda” con la que se había forjado la “nueva era” con Olzon. En una medida de protección, sacarían a Anette de la línea de fuego y la colocarían en un segundo plano en cuanto a la exposición mediática y Holopainen aprovecharía la circunstancia para hacerse del control de todo lo que le faltaba por controlar, en una especie de autogolpe que lo transformaría en el salvador, pero también en el tirano.

Obviamente que no hay nadie más indicado que él para dirigir la barca, sólo que ahora, artística y visualmente, es el único que tiene la autoridad para hacerlo sin importar el resto. El concepto de banda se difuminó y el ciclo de Imaginaerum se empezó a encuadrar en torno a la figura omnipresente de Tuomas, con fotos abriendo los brazos sobre un órgano de iglesia, de él solo con un telón azul, de él solo en los estudios grabando la orquesta, sin señales de Marco o Anette siquiera, con un extraño aire a personalismo exacerbado. Y si el río suena es porque piedras trae: Imaginaerum es una oda a sí mismo, una pleitesía a su creador, una extensión de su ego creativo, un disco que habla más del compositor que de las composiciones, un pequeño monstruo…

Por supuesto, Holopainen siempre ha sido el motor detrás de Nightwish, pero ahora su figura está por delante de todo, con los demás miembros actuando como títeres en la función. Tuomas es la nueva diva de la “banda”, saltando a veces de la genialidad a la locura narcisista, al hablar de sí mismo y de todas las grandiosas armonías que crea, de las historias que relata, de ser el mago que nunca falla, de ser el cuento que uno lee y todas esas personificaciones tan inocentes como vanidosas que sinceramente llegan a ser perturbadoras y bizarras.

Avalado por la libertad que da el éxito, el tiempo y el presupuesto, el tecladista hace lo que quiere en este disco sin importar quiénes cantan, quiénes tocan o cómo se toca. Imaginaerum tiene toda la vibra de un trabajo solista y ahora Nightwish para Tuomas Holopainen es lo mismo que Avantasia para Tobias Sammet o Ayreon para Arjen Lucassen, por dar uno que otro ejemplo, con la diferencia que luce una pretensión sin límites por más ingenua que resulte. Compararse en Song of Myself a nivel íntimo con Walt Whitman, el padre de la poesía moderna americana, quien rompió los patrones tradicionales de la rima a través del verso libre, y hacer suyas palabras del poeta, al menos resulta descabellado, por no decir insolente o descriteriado.

En lo musical, el proyecto de Tuomas Holopainen’s Imaginareum es vasto en su superficie, absolutamente ambicioso en su cobertura aunque poco profundo en sus huellas, traspasando la delgada línea entre lo diverso y lo disperso en un álbum donde se escucha mucho de todo y no mucho de Nightwish. Se nota que el artista vive un hito personal con este CD, que cumple un sueño, que disfruta la oportunidad de realizarlo, que se siente como niño frente a la vitrina de una juguetería anonadado con toda la maravilla que vislumbran sus ojos. Sin embargo, esa misma inocencia bien intencionada puede enredar el esfuerzo, puesto que hay canciones escritas como si recién el músico hubiese descubierto tales sonidos.

Y allí se encuentra el cerrojo para mirar dentro de Imaginaerum: un inocenteHolopainen JUEGA a ser compositor de películas, juega a ser poeta moderno en Song Of Myself, y juega a ser compañero de Louis Armstrong en Slow, Love, Slow, ¡una pista que no es más que una jugarreta!, cliché, planamente interpretada por la falta de experiencia de los músicos en estas lides. Se entiende que la banda se sumerja en un mundo de soundtracks, pero aquí suena muy sobreactuada. Ese brush en la caja de Nevalainen, ese solo improvisado de Emppu, ¡muy pobre ejecución y registro!

Componentes dispersos entre sí hay más, como la introducción Taikatalvi, la sección polka tipo Finntroll en Scaretale o toda la parte final de Song Of Myself, con ese extraño solo de versos libres. Dicho sea de paso, esta canción es la que que más sentimientos encontrados me provoca del disco. Por ejemplo, los sonidos característicos de ese Nightwish punzante de orquestas y arreglos corales se hacen presentes en un comienzo fabuloso con Holopainen desplegando lo que mejor sabe hacer, ¡explosión sinfónica con fuerza y pasión! De hecho, las líneas de Anette en el precoro y coros son absolutamente filosas y atrapantes, aunque la tensión va decayendo y antes de seguir con los versos de Whitman, la composición se enreda con unos silencios infantiles. Pero el capricho más grande es el track orquestado al final de Imaginaerum, el sueño máximo de Holopainen: decenas o quizás cientos de músicos tributándolo a él, repasando en una pieza sinfónica de seis minutos las melodías más dirigibles del álbum, ¡como si ya se tratasen de clásicas! Un homenaje por parte del homenajeado, muy bien logrado por lo demás, pero que confirma que el ego y la autoreferencia de Tuomas están fuera de control.

En todo caso, el atrevimiento de Holopainen a la hora de probar elementos a ciegas no es menor y esa valentía de lanzarse al vacío genera ciertos aires de frescura. En dicho sentido, Rest Calm es una sorpresa muy grata, un tema con secas marcas guitarreras de la época del Century Child, sutiles pasajes gótico-noventeros y las dinámicas dadas vueltas, encumbrándose en los versos y calmándose en los coros. I Want My Tears Back es una pausa muy peculiar dentro del tracklist, ¡pues se trata del único corte sin orquesta! En él abundan los timbres acústicos folklóricos del invitado Troy Donockley y realzan unas voces angelicales por parte de Olzon, todo un momento de respiro que además cuenta con melodías que recuerdan al Oceanborn, ¡incluso en las armonías! La balada Turn Loose The Mermaids acentúa el ambiente celta de la misma manera que lo hiciera The Islander en Dark Passion Play, pero finalizando con una ardiente sección de cuerdas llena de cadencia alegre y bailable.

Ahora, creo que la canción más soberbia de Imaginaerum es justamente la única donde Marco Hietala compone, The Crow, The Owl And The Dove, entregando algo de cordura a toda la exorbitancia que la rodea. La historia de amor y lecciones son conmovedoras, las voces de Anette y Marco emocionan y todas muestran algo especial. El trabajo de percusión -no sólo batería- es sensacional y sin duda, para mí, es lo más brillante y aterrizado de esta placa. De las apuestas a sorpresa del álbum esta es la que gana, y también es bueno detenerse en el aspecto vocal porque ambos cantantes responden a todas las expectativas de su entusiasta y alocado creador. Por su parte, el bajista saca a relucir nuevos timbres y los complementa con esos más aguardentosos por los cuales tanto se le conoce, mientras que Olzon (salvo en Storytime) ¡fantástica!, jugando un papel mucho más teatral, adecuándose a los personajes que le toca interpretar en cada pista. Suena maliciosa o dulce, sensual o triste, con actitud o popera cuando se le requiere. Eso sí, su rol no es tan protagónico como en Dark Passion Play, pero Anette supera la siempre difícil prueba de grabar un segundo CD como reemplazo de la cara insigne. Con el primero, los únicos que conocen la nueva voz son los músicos que la contratan. Con el segundo en cambio, los vocales sustitutos ya saben lo que piensan los fans de su cometido -sea bueno o malo- y eso ya debe ser una presión extra enorme. La sueca aquí impresiona para bien y para mal a quienes la aman y la detestan, por lo que el tema de las comparaciones no se extinguirá de aquí a un buen tiempo más.

¿Por qué la excepción con Storytime?, ¡es el single más irritante de los últimos años en el metal! Al principio cuesta tomar en serio el coro y sólo por su descarada insistencia empieza a gustar a la fuerza, como si fuera un placer culpable. La melodía es tan pegadiza que es imposible hacerle el quite en ese instante, pero después de un tiempo pierde la gracia y se convierte en algo un poco hostigoso, como el manjar más espeso. Una cosa parecida ocurre con Last Ride Of The Day, cuya melodía principal se repite hasta el cansancio, sea por medio de los arreglos sinfónicos o las voces. El ritmo up-tempo de ambas pistas saca de quicio, desespera, ganándole con creces a Wish I Had An Angel de Once. Las partes instrumentales salen al rescate y son un verdadero alivio, con orquestaciones severamente dramáticas, ¡aunque cortas!

Si hay que destacar temas más “tradicionales” de Nightwish en este álbum hay que tomar Scaretale, con una fabulosa serie de orquestas, teclados con mucho carácter, una batería fuerte aunque elegante y un performance notable de Anette, una de las grandes composiciones de Imaginaerum, ¡incluyendo su tributo a Finntroll! Por último, sólo quiero destacar la tremenda labor de las percusiones a lo largo de todo el CD, con tambores/timbales de todo tipo dibujando tonalidades que no hacen más que enriquecer el colorido y la batería de Jukka.

Los que han logrado seguir con gusto la evolución de Tuomas Holopainen (quien ha pasado de ser el compositor y letrista de Nightwish a un artista semidios todopoderoso y omnipresente) no se toparán con sorpresas. De hecho, si se daba por sentada dicha curva de locura, el resultado de Imaginareum era esperable, muy cercano a lo que podía anticiparse con la propaganda armada para el lanzamiento. Sin embargo, al resto le costará digerir lo que el otrora reservado tecladista ofrece hoy en día. Su gigante personalidad termina por comerse a la banda y da rienda suelta a un vertiginoso ego creativo que satura los espacios, terminando en un trabajo disperso, idolátrico e inmaduro.