SteelRage

Septiembre es nuestro mes patrio. Y como resulta lógico de ello, nuestra banda del mes es una banda nacional, que quizás represente a muchas otras. Una banda nacida hace ya algunos años que se apronta a lanzar muy prontamente su primer LP, el cual ha costado meses (años incluso) de sacrificios y desembolsos económicos importantes, de ensayos todas las semanas, de tocatas en todas partes … SteelRage, nuestra banda del mes, podría representar una suerte de prototipo de lo que es una banda chilena intentando hacer música no comercial en un medio, al menos, poco proclive a ello. ¡Cuántas bandas sueñan con sacar un disco! ¡Cuánto trabajo conlleva! Por lo mismo, una banda nacional a punto de lanzar su disco debut es digna de destacarse. Cultora de un Power Metal muy directo y carente de excesivos artificios, SteelRage promete Metal del bueno por muchos años.

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A principios de 1998 el país vivía la efervescencia de ganarle a Inglaterra en Wembley (con dos goles del Matador Salas) y de ver a un Marcelo Ríos en su mejor forma física y tenística (llegando a ser nº 1 del ranking ATP). En aquellos entonces, cuatro jóvenes tocaba una especie de «Power Thrash» en una banda llamada Disorder: Patricio Solar (voz y guitarra), Melvin Poblete (guitarra), Julio Díaz (bajo) y Francisco Vera (batería). «Pato», nacido el 26 de Mayo de 1971, es profesor de música titulado de la Universidad Metropolitana de las Ciencias de la Educación, UMCE (ex Pedagógico) e inició su carrera como músico en su colegio, en una banda llamada Madness, para posteriormente formar La Zona junto a Melvin; Francisco es diseñador gráfico, nace el 14 de Marzo de 1977 y tocó en una banda llamada G.R.I.P., además de posteriormente desempeñarse por algún tiempo en Witchblade y en Battlerage (paralelamente a SteelRage); Melvin nace el 26 de Agosto de 1976, tocó en bandas como Death Corruption, La Zona, y Slavery, y es experto en prevención de riesgos.

Hasta esos momentos Disorder era una banda Power Thrash. Pero poco a poco el estilo compositivo de la banda había comenzado a variar. Según «Pato» Solar, «los riffs se hicieron más heavy y las voces más melódicas«. Ante los cambios de fondo que comenzaron a gestarse al interior de la banda, deciden reestructurar su concepto. Buscan un nuevo vocalista que respondiese mejor a las exigencias de la música que pretendían hacer, y cambiarían el nombre del grupo. Francisco bautiza a la «nueva» banda como SteelRage y llega Oliver Monterrosa como nuevo vocalista.

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Durante 1998 y 1999 la banda se desempeña en tocatas a lo largo de todo el país. Este último año se integra a la banda Alejandro «Cayo» Bustamante como tecladista. Alejandro, contador de profesión, nació el 11 de Julio de 1978 y tocó un tiempo junto a Francisco Vera en G.R.I.P. y en una banda llamada Unscarried, antes de unirse a la furia del acero.

El mismo año 1999 la banda, ya con una formación consolidada, daba luz a su primer trabajo, un demo que ha trascendido hasta el día de hoy por contener temas realmente poderosos. «I Swear Revenge«, grabado en los estudios de Francisco Straub, fue lanzado con un muy reducido tiraje -alrededor de 100 copias-, y cuenta con temas que la banda continúa ejecutando en vivo, como las potentísimas «Kill Or Die» o «I Swear Revenge» (los títulos son casi del ABC del Metal pero reflejan el espíritu de la banda: garra, mucha fuerza y entrega), además de «The Blood Of Steel», «SteelRage», «Of Hope And Faith» y «The Quest Begins». Lamentablemente el demo no se encuentra a la venta en estos momentos, pero puede descargarse un par de temas en la página oficial de la banda (www.steelrage.net). De todas formas, la banda tiene intenciones de reciclar algunos temas de «I Swear Revenge» en un futuro no tan lejano.

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Respecto a la música que ya en aquellos entonces podíamos encontrar en SteelRage, Pato Solar dijo lo siguiente en una entrevista para Ciudad Metalera, al consultársele su opinión acerca de las peyorativas denominaciones que algunos han hecho del Power Metal: «Es solo cuestión de apreciación … las temáticas y la música en sí distan bastante de lo que a mi criterio se entendería con lo de música gay .. .con el respeto que esa comunidad merece, no conozco música gay … debe existir pero distan mucho del metal y mas aun del estilo en cuestión … si me lo preguntan, más gay considero otras vertientes del metal ya que aparte de pajerolas temáticas son zalameras y típicas de maricón depresivo y suicida… al final toda esta discusión no dejan de ser pendejadas, de hueones cerrados de mente, que se abanderizan con un estilo y descalifican a otros gratuitamente… filo, que se vayan a la mierda«. Sabio y a la vena.

Durante el año 2000 la banda comenzó a hacerse conocida gracias al demo. Ya entrado el 2001, Julio Díaz abandona el buque, siendo reemplazado por el actual bajista de la banda, Christian Willembrinck, nacido el 12 de Agosto de 1981, quien además se desempeña como bajista estable de Battlerage, banda de True Metal liderada por Francisco Vera. Con esta nueva alineación, SteelRage continúa tocando en diversas zonas de nuestra loca geografía y fundamentalmente comienzan las ideas para crear nuevos temas, proceso que sufrió un quiebre con la partida de Oliver de las voces. Hoy, Oliver Monterrosa es el vocalista de Waning Moon.

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El nuevo vocalista de SteelRage sería un viejo conocido nuestro, Jaime Contreras, amigo personal durante muchísimos años de quien redacta estas líneas y compañero de labores en PowerMetal.cl. Jaime, nacido el 30 de Septiembre de 1978, estudia Derecho en la Universidad de Chile, y se desempeñó anteriormente como vocalista de una banda de covers llamada Sir Caycuss, en una banda tributo a unos tales Iron Maiden llamada Eddie, en Highland y tuvo una breve estancia en Waning Moon. Jaime se integraría a SteelRage en Octubre del año 2002 e inmediatamente enganchó con el concepto y el ideal de la banda, plasmando aquella energía en múltiples tocatas en varias ciudades del país. Según Jaime, al entrar a la banda se encontró «no con cinco músicos sino con cinco amigos … no somos tontos graves ni estrellas del rock, somos seis personas que lo pasan bien tocando rock«.

En Enero del presente año comienza el trabajo para lo que será, en algunos días más, el primer disco de SteelRage. Con un material realmente estupendo bajo el brazo, la banda firma con la compañía Octagon Music Group, cuya subdivisión, Highland Records, produce el disco. El contrato liga a la banda con el sello por este disco y dos más, lo cual resulta sumamente destacable, pues no es usual que los sellos demuestren este nivel de confianza para con bandas de Metal en Chile. En la grabación -que comenzó con las bases, posteriormente los solos, y finalmente las voces y teclados-, que duró hasta Marzo, en los estudios de Juan Pablo Donoso, sólo se incluyeron temas originales -ninguno del demo-, varios de los cuales ya han sido tocados en vivo por la banda en sus presentaciones, destacando especialmente las poderosísimas «Engraved In Steel» (como dato curioso, el nombre del disco es previo al nombre del tema), «Give Us Hope» y la muy rockera «I’m Back Again«. La música que compone el disco, según los propios integrantes de la banda, es un Heavy/Power Metal muy directo y sin tantos artificios, lo que seguramente gustará a gran parte de la fanaticada nacional.

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«Engraved In Steel» será lanzado oficialmente el día 4 de Octubre (aunque se encontrará en las tiendas especializadas desde el 30 de Septiembre) en el pub Garage Rock, junto a otras bandas invitadas. Pero lamentablemente la alineación de la banda ha sufrido un remezón en estos últimos días: Francisco Vera, baterista y letrista de la banda, decidió privilegiar su carrera como baterista de Battlerage. Ante la partida de Francisco (un tremendísimo baterista, pocos en Chile deben golpear los tambores y platillos con su potencia), se ha integrado en estos últimos días a SteelRage Franz Strauss, ex baterista de Highland (donde fue compañero de Jaime), quien hará su debut en la Fonda Metalera del día 20 de Septiembre en Arte Matta.

SteelRage

En un país donde existen -según muchos, me incluyo- más músicos que fans, lo de SteelRage es, sin dudas, el vivo ejemplo de cuánto cuesta hacer Metal en Chile a nivel algo más profesional. En un país donde lamentablemente nadie puede vivir siendo músico de Metal (por algo destacamos las profesiones y/u ocupaciones de los músicos de la banda), llegar a lanzar un disco es mucho más que un sueño cumplido. Es fruto de horas y horas de esfuerzo, de dejar de lado a personas, de adquirir responsabilidades «anexas» a las de un profesor o de un estudiante de Derecho, todo por amor a la que debe ser la música más apasionada del mundo: el Metal. Por ello, el mayor de los éxitos a una banda que no sólo por sacrificio, sino también por calidad musical, se lo merece.

Viva Chile Mierda!

Alineación:
Jaime Contreras: Voz
Patricio Solar: Guitarras
Melvin Poblete: Guitarras
Christian Willembrinck: Bajo
Alejandro Bustamante: Teclados
Franz Strauss: Batería

SteelRage

Stratovarius

A principios de los años ’80, Finlandia distaba de significar mucho más que un país que conformaba la zona de Escandinavia junto a Suecia y Noruega. Una zona realmente gélida, cuyo 10% de su territorio está compuesto por lagos y el 67% por bosques. Un lugar donde, durante el verano, el sol no se pone durante aproximadamente 73 días (creando las «noches blancas» del verano), y durante el invierno el sol se queda abajo del horizonte por 51 días, y cuya independencia se logra en 1917. Todos estos datos bien podrían conformar un atlas escolar, sin dudas. Pero, para estos efectos, y sin que se tome a mal… ¿qué importan estos datos? Finlandia, más allá de las «frías» (más en este caso) estadísticas, adquirió importancia en «nuestro» mundo por una gran razón. Más allá de los éxitos deportivos de Mika Häkkinen (corredor de Fórmula 1) o Jari Litmanen (el mejor futbolista de la historia finlandesa, crack en el Ajax holandés), la razón es una gran banda, que abrió las puertas a una cada vez más consolidada escena, sentando las bases de un estilo único de Power Metal: Stratovarius.

AGUA NEGRA, VIOLINES Y GUITARRAS… EL COMIENZO

Todo comienza cuando tres jóvenes estudiantes, en 1982, deciden formar un grupo, influenciados por Black Sabbath y la omnipotente figura de John «Ozzy» Osbourne: el líder/baterista/vocalista Tuomo Lassila (¿cuántos casos han existido de bateristas/vocalistas? Sólo recuerdo en estos momentos a Willy Iturri de GIT, a Eric Carr y Peter Criss de Kiss, a Chris Cornell en sus inicios en Soundgarden, a Don Henley de Eagles y a los principios de la carrera de Madonna), el guitarrista Staffan Stråhlman, y el bajista John Vihervä. Esta agrupación se hacía llamar Black Water, y su orientación musical no estaba ni siquiera cerca de parecerse a lo que hoy hace Stratovarius, pues se inspiraban en los mismos Sabbath e incluso en Rush.

LassilaPosteriormente, ya en 1984, Lassila, un estupendo baterista, consideró «poco original» el nombre de la banda, y en un arresto de lucidez y con un ojo «visionario» decide cambiarle el nombre. Inspirado en la idea de mezclar lo clásico con el rock, crea un concepto que reunía lo mejor de ambas vertientes de la música: las guitarras Fender Stratocaster y los míticos violines Stradivarius, fabricados por el italiano, oriundo de Cremona, Antonio Stradivari, a fines del siglo XVII. Nacía Stratovarius (suena mejor que «Stradicaster»).

A fines del mismo año, el bajista John Vihervä decide abandonar el buque, siendo reemplazado por Jyrki Lentonen, quien anteriormente tocaba en una banda llamada Road Block, que se dedicaba más bien a tocar covers. Poco después, ya en 1985, Staffan Stråhlman es el segundo en abandonar la banda, por lo que Stratovarius quedó sin guitarrista, una semana antes de irse a tocar a Aalborg, Dinamarca. Y aquí comienza el verdadero Stratovarius.

Jyrki tocaba en Road Block junto a un joven nacido el 3 de Marzo de 1966, cerca de Helsinki, capital de Finlandia, influenciado de forma notoria por la música clásica y por «The Man In Black», Ritchie Blackmore: Timo Tolkki, un tipo sumamente especial, que compone música en los bosques de Klaukkala, en Finlandia. A los siete años, el pequeño Timo recibió de regalo una guitarra clásica Landola, y comenzó con sus estudios de guitarra. «Recuerdo que en esos tiempos me gustaba Abba, e incluso la ‘surf music’ … mi primo tenía una guitarra y por ahí empecé a tocar. La primera canción que toqué se llama ‘Hepokatti maantiellä poikittain’«, señala Tolkki.

Lo que lo llevó al rock y por ende al Metal fue escuchar «Smoke On The Water», de Deep Purple, a los doce años de edad. A ese respecto, Tolkki señala que «cuando la escuché por primera vez, inmediatamente quise una guitarra eléctrica. La siguiente Navidad obtuve lo que deseaba…«. El primer disco que Tolkki compró fue «Rainbow On Stage», donde comenzó a alucinar con los dibujos en las seis cuerdas de Blackmore y con la voz de Ronnie James Dio (incluso, Tolkki conoció a su esposa, Anna-Maria, en el recital que efectuó Dio en Finlandia en el marco del tour de su disco «Dream Evil», de 1987). De hecho, su primer show fue en la gira del «Difficult To Cure» de Rainbow, y a los 16 años el adolescente Tolkki ensayaba incluso 10 horas al día, inspirado por la magia de «The Man In Black».

Lassila telefoneó a Tolkki, quien se unió de inmediato a la banda y aprendió los temas escuchando un cassette. Después de unos pocos ensayos, la banda pudo ir sin problemas a Dinamarca. Pero los días de Lassila como vocalista estaban llegando a su fin. Además del hecho de que su rango vocal era bastante limitado, tocar batería y cantar era una carga demasiado fuerte para él. Favorablemente para la banda, Timo poseía un rango vocal más que aceptable y se hizo cargo de las voces, dejando a Lassila dedicado en exclusiva a las baquetas. Y este hecho sin dudas es una «bisagra» en la historia de Stratovarius, puesto que la influencia de Tolkki en las composiciones comenzó a notarse, con lo que Stratovarius enriquecía su sonido con elementos de Rainbow e incluso de música barroca (incluso, alguna vez Tolkki señaló que le parecía «apropiada» la denominación que alguien hizo de Stratovarius como «metal barroco»), y de hecho, para Tolkki «la melodía es el elemento más importante«. Tolkki comenzaba, poco a poco, a «mandar».

StratovariusLa banda efectuó varias presentaciones en locales pequeños, especialmente en Helsinki, donde ya en 1987 graban su primer demo, llamado «Future Shock«, con tres temas propios: «Future Shock», «Fright Night» y «Night Screamer». El demo fue enviado a muchas compañías finlandesas, siendo CBS Finlandia quien finalmente consigue reclutar a los noveles Stratovarius bajo su alero, después de ver su notable desempeño en un show en el Club Tavastia, Helsinki. Como demostración del peso de la mano de Tolkki, en 1988 se une a la banda Antti Ikonen como tecladista, con el objeto de proporcionar una orientación más melódica al sonido de Stratovarius.

LOS PRIMEROS DISCOS

El ahora cuarteto finlandés estaba ya listo para grabar su primer LP. Antes de ello, graban su primer single, «Future Shock/Witch Hunt» en 1988 (en cuya carátula aparece por vez primera el antiguo logo de Stratovarius, con letras con ángulos muy marcados), el cual fue seguido por «Black Night/Night Screamer» (que curiosamente tiene exactamente la misma carátula de lo que a la postre sería el disco debut de Stratovarius), grabado a comienzos de 1989. Se apreciaba una banda bastante influenciada por la música clásica y especialmente por la maestría de Blackmore, aunque algo «crudo». Podría decirse que las ideas excedían de cierta forma las ejecuciones.

StratovariusY en Mayo de 1989 sale a la luz el primer disco de Stratovarius, «Fright Night«, autoproducido (aunque con la ayuda del ingeniero Make Törrönen) y grabado en tan solo una semana en los estudios Finnvox, un disco que no alcanza a mostrar todo el potencial de la banda en cuanto a la ejecución de los instrumentos, pero que marca pautas. Si bien el sonido algo débil de la placa no ayuda a evaluarla mejor, se aprecia una «idea» distinta.

Temas como «Future Shock», «Night Screamer» o «False Messiah» destacan en un disco que si bien carece de la brillantez de otros discos debut, marcó un camino a seguir. Tolkki escribió toda la música del disco, y entre él y Lassila se repartieron la creación de las letras. Tuomo Lassila contaba en aquellos entonces a Metal Hammer algo que hoy sonaría casi curioso: « … nuestro público es más bien gente más ‘vieja’, mayores de dieciocho años. Muchos adolescentes finlandeses están más en la onda del thrash, así que es la gente más ‘vieja’ la que más disfruta de nuestra música …«. Y realmente Lassila no esperaba el éxito que a la larga «su» banda tendría: «… sabemos que será dificilísimo para nosotros tener éxito en el resto de Europa. Nunca he estado en Inglaterra, por ejemplo, pero no estamos desesperados por irnos de Finlandia, nos gusta vivir aquí…».

La banda tocó en vivo durante meses y meses en 1989, siendo el punto más alto un outdoor llamado Giants Of Rock en Hämeenlinna, Finlandia, donde como cabeza de cartel estuvo nada menos que Anthrax, en la etapa top de su carrera. Luego de ello, Jyrki Lentonen deja la banda, dejando vacía la plaza de bajista. Pero ello no fue problema para comenzar a trabajar en lo que sería la segunda placa de la banda. Tolkki haría las partes de bajo, y así se tenía prácticamente listo todo el material para un segundo disco. Sin embargo, tendrían que lidiar con un tremendo problema: CBS perdió totalmente el interés de lanzar más material de Stratovarius, lo cual recuerda a esas decisiones que a la larga han pasado a la historia como equívocas, como los entrenadores juveniles de Colo Colo que rechazaron a Iván Zamorano por «flaco» y a Marcelo Salas por «chico». Más allá de ello, el problema era sumamente serio, puesto que al no haber contrato alguno con un sello discográfico, las grabaciones de los demos debían ser 100% autofinanciadas. Todo ello retrasó muchísimo el lanzamiento de la segunda placa en estudio de la incipiente banda, aunque ya estaba prácticamente todo listo. Incluso, se incorporó el bajista Jari Behm quien, a pesar de ello (y de aparecer en la foto de la banda en el booklet del disco), no toca en ninguno de los temas del disco puesto que esa labor fue desempeñada por Tolkki.

Finalmente, a principios de 1992, era lanzado en Finlandia el single «Break The Ice» y poco después el LP, «Stratovarius II«, grabado en los estudios Millbrook, fabricándose tan solo mil copias bajo el apoyo de una pequeñísima compañía finlandesa llamada Bluelight Records, por lo cual, obviamente, este disco ha pasado a ser una joya de coleccionista.

«Stratovarius II» fue enviado a muchas compañías en toda Europa, tras lo cual la banda consigue firmar con el sello Shark Records -el cual se vio interesado sobremanera en el tema «The Hands Of Time»-, quien regrabó el disco y lo relanzó en Octubre de 1992 con otro nombre, el que conocemos todos, «Twilight Time«.

El disco muestra una marcada evolución de la banda respecto a «Fright Night», destacando cortes como la homónima «Twilight Time» y las muy Power «The Hands Of Time» y «Out Of The Shadows», temas que, en mi concepto, son absolutamente «reciclables» y causarían revuelo en una presentación en vivo de Stratovarius modelo 2003. Como dato curioso, las fotografías del disco fueron tomadas por John Vihervä, bajista fundador de Stratovarius. «Twilight Time» tuvo un considerable éxito, especialmente en Japón, donde en 1993 se transformó en el segundo disco «de importación» más vendido, superado sólo por un monstruo de cinco cabezas como AC/DC en vivo, durando cinco meses en los top 10 de los charts nipones. El éxito en Japón trajo como consecuencia que la compañía nipona JVC Victor Entertaiment lanzara una nueva edición de «Twilight Time» en Julio de 1993.

StratovariusTras la salida del pasajero bajista Jari Behm (su estilo no coincidía para nada con los intereses de la banda), se integraría a la banda un nuevo bajista, cuando el 70% del nuevo material ya estaba grabado: un fanático del mountain bike, Jari Kainulainen, nacido el 29 de Abril de 1970. Jari a la larga grabaría cinco temas de la que sería la tercera placa de Stratovarius (Tolkki, nuevamente, grabaría el resto). La banda, en todo caso, sufrió un grave inconvenientre debido a una seria lesión (casi una constante en Stratovarius, como veremos) sufrida por Lassila en ambas manos, lo que lo imposibilitó de tocar la batería durante aproximadamente dos meses, siendo reemplazado por el baterista de Kingston Wall, Sami Kuoppamäki, quien grabó cuatro temas.

«Dreamspace«, el tercer disco de Stratovarius, fue grabado en varios lugares (Rauhala Estate, la academia Sibelius y los estudios Soundtrack) y lanzado a la venta en Marzo de 1994. Tanto la crítica como los fans reaccionaron con un impresionante entusiasmo ante el lanzamiento de esta placa, lanzada bajo T&T Records, con lo que la popularidad de Stratovarius pasó a otro nivel. Prueba de ello es que la banda visitaría por primera vez Japón (particularmente Tokio, Osaka y Nagoya), cosechando el éxito de su disco anterior y sembrando nuevas semillas de Metal. Antes de ello, la banda efectuó un único show en Helsinki (donde debutó Jari Kainulainen en vivo), en un recinto legendario para los finlandeses, ahora demolido: el «Shadow Club». En esta placa se incluyen temas clásicos de la banda, como «Hold On To Your Dream», «Chasing Shadows» o «We Are The Future», entre otros. «Dreamspace», además, se caracteriza por evolucionar en la parte lírica, tratando temáticas como el nazismo en «4th Reich» o el medio ambiente en la mencionada «We Are The Future».

StratovariusTolkki se veía como «la» indiscutible cabeza de Stratovarius. El guitarrista señalaba en aquella época: «... de alguna forma, soy la cabeza del grupo. Pienso que sé cómo la banda debería sonar. Sería difícil para mí tener a otro productor, porque perfectamente podrían generarse roces. Pero si bien soy una persona a la que le gusta tomar decisiones, no soy un ‘dictador’. Somos una banda muy democrática, pero por otro lado soy perfeccionista … ¡quizás demasiado! No puedo decirte si eso es bueno o malo, pero así es«.

Con este disco, sin dudas, se cierra una etapa, para pasar a una transición que los llevaría a convertirse, hoy por hoy, en uno de los referentes más importantes del Power Metal mundial.

KOTIPELTO A LAS VOCES… OTRA DIMENSIÓN

Hasta que Timo Tolkki se aburrió de cantar. Decidió que era necesario que la banda buscara a un nuevo vocalista, que sólo se dedicase a cantar, para llevar el sonido de la banda más allá. Probablemente el momento para el «retiro» de Tolkki de las voces no pudo haber sido más adecuado, y el elegido para ocupar esa plaza no pudo haber sido mejor. El procedimiento de búsqueda fue el común y corriente: un aviso en el diario. Sin embargo, alguien recordó a un tipo proveniente de la localidad de Lappajärvi, al cual habían conocido un año y medio antes. Tolkki telefoneó a este muchacho para coordinar una audición, y cuando abrió la boca e hizo uso de sus cuerdas vocales, todos inmediatamente se dieron cuenta que este muchacho no muy alto (1.71 cm), con influencias de Ronnie James Dio, David Coverdale, Bruce Dickinson y Geoff Tate, nacido el 15 de Marzo de 1969, sería el nuevo vocalista: Timo Kotipelto. De hecho, Tolkki cuenta: «al escuchar a Kotipelto por primera vez) Pensé ‘¡qué es lo que está pasando!’, y volé dos metros hacia atrás con mi silla…«. La leyenda cuenta que Kotipelto, en 1989, escuchó el disco «Fright Night» en la casa de un amigo y dijo: «qué buena banda… tan sólo necesita un mejor vocalista«. Años atrás, Kotipelto vivía a 400 kilómetros al norte de Helsinki (ciudad a la que se trasladó para estudiar música), donde grabó un demo (que «apesta«, según su propia opinión) junto a una banda llamada nada menos que «Filthy Asses» («Traseros Inmundos»).

Stratovarius

El ahora quinteto finlandés (Tolkki, Kotipelto, Kainulainen, Ikonen y Lassila) estaba ya listo para comenzar a trabajar en lo que sería su cuarta placa en estudio. Aproximadamente desde el mes de Marzo hasta Agosto de 1994, la banda se dedicó a escribir temas, entrando luego al estudio. Mientras tanto, Timo Tolkki deseaba cumplir un sueño de niño: grabar un disco solista. Es así como nace «Classical Variations and Themes«, un disco bastante heterogéneo (es una especie de compilado de ideas sueltas), que incluye temas como «Fire Dance Suite», «Lord Of The Rings», una versión de «Greensleeves» o «Solitude», cantada por Kotipelto. Este trabajo sería lanzado en Octubre de 1994.

Poco después, en Marzo de 1995, Stratovarius lanzaría «Fourth Dimension«, su cuarto LP y el debut de Kotipelto en las voces. La crítica favorable y la muy positiva reacción de los fans no se hicieron esperar, pues Stratovarius confirmaba que cada disco suyo era mejor que el anterior, mostrando un potencial realmente impresionante.

En este disco aparecen temas que caracterizan el sonido actual de Stratovarius, como la notable «Against The Wind» (la letra de este tema nace un día en que Tolkki se quedó sin gasolina en medio de la carretera, y llegó a su casa a pie tras caminar cuatro kilómetros, desafiando una persistente y heladísima lluvia escandinava), «Distant Skies» (que narra el miedo a los aviones de Tolkki, especialmente cuando niño), la extrañísima «030366» (fecha de nacimiento de Tolkki), la instrumental «Stratovarius», la épica «We Hold The Key» o la muy melódica «Twilight Symphony» (aparecen los violines en Stratovarius). «Fourth Dimension», que vendió el doble de copias respecto a «Dreamspace», podría ser definido como un disco de «transición», para pasar de una etapa de crecimiento a una etapa de consolidación y de éxito a nivel mundial.

La banda llevó a cabo un exitoso tour que incluyó a Alemania, Suecia, Holanda, Grecia, por supuesto Finlandia y nuevamente a Japón. El público por lo general quedaba realmente asombrado con la voz de Kotipelto, al ver que su rendimiento en vivo no decaía respecto al estudio. Pero un día después del tour, la banda sufrió un quiebre que se venía venir. El «poder de dirección» de Tolkki había transformado la «línea editorial» de la banda de forma tal que ello no tenía para nada contento a Tuomo Lassila. Además, tanto él como Antti Ikonen estaban teniendo severos problemas para poder ejecutar el veloz, intrincado y extremadamente técnico material ideado por Tolkki. Ante ello, Lassila, el último miembro fundador, abandona la banda, junto a Ikonen. Lassila forma hoy parte de una banda llamada Conquest, junto a Peter James Goodman, vocalista de Virtuocity, quien alguna vez aspiró a ser el vocalista de Stratovarius, pero Tolkki se decidió por Kotipelto.

La duda estaba instalada: ¿Stratovarius se caería a pedazos?

REEMPLAZANTES DE LUJO, EPISODIOS VISIONARIOS

No. Nada más lejano a ello. Stratovarius no se caería, Tolkki reafirmaría su liderazgo y ante ello decidió buscar a músicos del más alto nivel, con la suerte de que, a la larga, no pudo encontrar mejores integrantes para Stratovarius que los que encontró. Los ojos apuntaron fuera del territorio finlandés. Kotipelto señalaba: «sí, buscamos músicos en Finlandia, pero para este tipo de música no existen muchos ejecutantes, menos aun en un país pequeño como el nuestro. Incluso no hay muchos en todo el mundo«.

StratovariusLas baquetas dejadas por el fundador Lassila serían tomadas por un alemán, nacido el 27 de Marzo de 1963 en Dortmund: Jörg Michael, un batero tan fanático del queso como del equipo de fútbol Borussia Dortmund, con un currículum hasta esos momentos realmente impresionante. Comenzó a tocar a los quince años, edad en la cual su profesor se vio gratamente sorprendido ante la increíble potencia con la que Jörg golpeaba los bombos, cajas y platillos (una especie de «Fernando González» de la batería). Su carrera profesional comenzó en 1983 con Avenger, banda liderada por un joven llamado Peter «Peavy» Wagner que posteriormente se transformaría en Rage, donde grabó «Prayers Of Steel», «Reign Of Fear» y «Execution Guaranteed», estos dos últimos ya bajo el nombre de Rage.

En resumen (sin querer ser injustos con Jörg), se desempeñó en bandas como los estupendos Mekong Delta (un thrash casi melódico realmente recomendable para los fans del Metal más speed), bajo el seudónimo de «Gordon Perkins», los piratas de Running Wild, Headhunter (junto a Marcel Schmier, en aquellos momentos ex vocalista/bajista de Destruction, banda a la cual volvería años más tarde), los renovados Grave Digger en 1993 (en el EP «Symphony Of Death»), además de tocar junto al guitarrista Axel Rudi Pell.

Tolkki tenía una idea en su mente. No quería un tecladista meramente «comparsa», sino alguien que hiciera casi de «segundo guitarrista», alguien con quien pudiese incluso hacer «competencias de solos». Y realmente no pudo encontrar a alguien mejor. Un sueco, nacido el 2 de Noviembre de 1963, cuyos dedos se deslizan por el teclado cual patinador en el hielo: el señor Jens Johansson. Su trayectoria lo dice todo: no sólo tocó en varios discos e incluso en vivo con Yngwie Johann Malmsteen, sino que además, entre otros, con Dio, en el disco «Premontion» de Tony Macalpine y junto a su hermano Anders (actualmente en HammerFall) en proyectos más bien lejanos al Metal.

StratovariusJens ha sido sindicado en muchos rankings como el mejor tecladista de Metal del mundo, y ha creado escuela con su manera de tocar, pulcra y extremadamente técnica. Tolkki no lo conocía en persona, pero consiguió su número telefónico (Jens ya vivía en Nueva York en esos tiempos), y luego de escuchar las cintas que Tolkki le mandó por correo, Jens manifestó sumo interés en el proyecto y se unió a Stratovarius.

¡Qué alineación! Un vocalista como Kotipelto, un excelente bajista como Kainulainen, dos pesos pesados como Michael y Johansson. Todos unidos bajo la idea del capitán del barco, Tolkki. Y una alineación genial no podía sino producir un disco genial. El extenso material ya listo se grabó y mezcló en los estudios Finnvox de Helsinki, en un proceso que duró aproximadamente tres meses. El nuevo disco traería consigo novedades importantes incluso antes de escucharlo: un coro de 40 personas y una orquesta de 20, provenientes nada menos que de la Academia Sibelius. Pero antes de ello, la banda lanzaría un single con su nueva alineación: «Father Time» (que incluye la antigua «Future Shock» cantada por Kotipelto y una versión de «Kill The King» de Rainbow cantada por Tolkki).

«Episode«, el quinto LP de la banda, sería lanzado a principios de 1996. Un disco realmente magistral, que viene a ser una suerte de compendio de lo mejor que podemos encontrar en una banda como Stratovarius: temas rapidísimos («Speed Of Light«, «Father Time«), lentos y emotivos («Forever«, «Season Of Change«), instrumentales cortacabezas («Stratosphere«), midtempo enganchadores («Eternity«, «Nighttime Eclipse«), y clásicos con toques sinfónicos (la citada «Father Time» y Will The Sun Rise?«). La potencia de Michael y el talento de los solos de Johansson se hacían notar, y de qué forma. Además, cabe señalar que en este disco la banda comienza a trabajar junto al ingeniero de sonido Mikko Karmila. En resumen, «Episode» es un disco imprescindible. Como anécdota, Tolkki cuenta lo siguiente en relación a lo que era y aspiraba Stratovarius con esta placa: «Hicimos un demo y lo mandamos a Alemania y a Japón. Los japoneses dijeron que tenía muchos temas lentos, y que por ende no funcionaría. Los alemanes dijeron exactamente lo contrario. Y las actitudes cambiaron cuando tuvieron en disco en sus manos… he aprendido una cosa durante estos años: debes creer en tí mismo lo suficiente como para que no te importe lo que te diga el resto. Tenemos plena libertad para grabar exactamente lo que queramos. Le entregamos a la compañía una masterización terminada, y si no es lo suficientemente ‘buena’, no lo es nomás«.

Stratovarius

El éxito alcanzado fue realmente espectacular, durando ocho semanas en el Top 20 finlandés y llegando al número 12 del prestigioso Orikon Charts de Japón, donde se vendieron nada menos que 65.000 copias. El tour por Europa (donde acompañaron a Rage y a Gamma Ray, incluso junto a estos últimos Kotipelto cantó «Time To Break Free» del disco «Land Of The Free») y Japón nuevamente resultó muy exitoso, y terminan por incluir algunos temas en directo en el segundo single, «Will the Sun Rise?«.

La banda (Tolkki especialmente) era totalmente trabajólica. Quizás en los años ’80 podía verse más corrientemente que una banda de Metal lanzara dos discos espectaculares en dos años consecutivos (los Keepers de Helloween, Iron Maiden hasta «Somewhere In Time», Judas Priest con «Hell Bent For Leather» y «British Steel», y un no muy largo etcétera). Pero lanzar dos discos clásicos en dos años consecutivos a fines de los ’90, cuando la presión del medio es tan grande, cuando los contratos con los sellos son tan estrictos, es toda una gracia. Además, era la primera vez en que Stratovarius repetía un line-up de un disco a otro, lo cual implicaba que el nuevo disco prometiera mucho. Pero antes de lanzar su sexto LP, la banda lanzaría dos singles (con la misma carátula): «The Kiss Of Judas» y «Black Diamond» (ambos contenían prácticamente lo mismo: los dos temas mencionados y versiones en vivo de temas antiguos, como «4th Reich», «We Hold The Key» y «Uncertainty»).

Stratovarius

Finalmente, «Visions» era lanzado en Abril de 1997, logrando inmediatamente ubicarse en el quinto lugar en los charts de Finlandia, durando nada menos que 24 semanas en los Top 40 finlandeses. Este trabajo es sindicado por muchos (tanto por fans como por prensa especializada) como la «obra maestra» de Stratovarius, llegando a un nivel tan alto como quizás inimaginable años antes. Con un estupendo artwork (cortesía de Andreas Marschall), estrenando un nuevo logo que incluye la flor de lis típica del movimiento «scout» (la razón de su inclusión en el logo es tan simple como que «se ve bonito«, según Tolkki), y con temas que han entrado a la categoría de clásicos como el himno de Stratovarius, «Black Diamond» (consagrando el sonido del clavicordio como marca registrada), la genial «Paradise» (uno de los mejores temas midtempo de los últimos 10 años, sin dudas, que sigue la línea lírica del «Environment Metal» iniciada en «Dreamspace» con «We Are The Future»), las veloces «Forever Free» y «Legions» y la impactante «Visions» (donde se tratan las profecías apocalípticas del francés Michel Nostradamus, en su libro «Prophetiés», de 1555), entre otros, este disco marca la cúspide de la carrera de la banda, vendiendo alrededor de 500.000 copias en todo el mundo, con la notable colaboración de Noise Records. Tolkki señalaba: «El secreto de nuestro éxito es que tenemos fans en muchas partes del mundo… existen diferencias pequeñas en ‘Visions’, la versión japonesa tiene a ‘Black Diamond’ como tema de apertura, la europea tiene a ‘The Kiss Of Judas’. Este disco fue hecho muy rápidamente pues la creación de los temas fue muy fluída«. Respecto al mismo disco, cuenta que «no lo considero como un disco claramente conceptual, pero tiene temas y atmósferas relativamente comunes«. Kotipelto, en tanto, estaba asombrado de la facilidad con la que nació «Visions»:

Stratovarius«Fue sorprendentemente fácil. Básicamente ‘Episode’ fue más complicado porque cuando grabamos los demos, no sabíamos todavía quién tocaría en la banda. Ahora tenemos a dos grandes músicos como Jörg y Jens. Ahora hemos ido de gira juntos por gran parte del mundo y por lo mismo fue muy fácil grabar este álbum, ¡casi sorprendentemente fácil! Nuestras metas son cada vez más altas, y tratamos de hacer un mejor trabajo que en ‘Episode’, y creo que tuvimos éxito en ello«.

Como el éxito de la banda en Japón era tan grande, la compañía JVC lanzaría exclusivamente al mercado nipón un disco compilatorio, llamado «The Past And Now«. Pero la banda comenzaba a adquirir fama incluso en Sudamérica. Prueba de ello es que saldrían nuevamente de tour, en el marco del llamado «Visions World Tour ’97», visitando los lugares de siempre (Europa, donde fueron teloneados por los holandeses de Elegy, y Japón), agregándose otras plazas como Corea del Sur y Sudamérica (Brasil y Argentina). Como era la primera vez en que realmente el tour de la banda era a nivel mundial (tocaron 50 veces, durante 5 meses, viajando alrededor de 150.000 kilómetros), se les propuso la idea de grabar su primer disco en vivo. Tolkki aceptó, pensando en que «ya hay muchos bootlegs, y ahora los fans podrán escuchar un disco en vivo con buen sonido«. Así, de las presentaciones efectuadas en Atenas (Grecia) y Milán (Italia) se extrajo el material que compone un disco doble, con cerca de 100 minutos de música, llamado «Visions Of Europe», donde se demuestra que, realmente, Stratovarius era una banda «de verdad». Más allá de los lucimientos personales (especialmente de Tolkki, Johansson y Michael), la banda demuestra en este trabajo que no son sólo un producto de estudio, sino que su rendimiento en vivo alcanza niveles verdaderamente altos. El disco, lanzado en Marzo de 1998, obtuvo una muy buena crítica y excelentes niveles de venta (nueve semanas en los top 10 de las listas finlandesas).

EL DESTINO INFINITO LOS TRAE A CHILE…

Tolkki y compañía no descansaban absolutamente nada. Luego del exitazo de «Visions» y de «Visions Of Europe», la banda entraría al estudio a grabar un nuevo trabajo. Antes de ello, en todo caso, la banda alcanzaría su primer «Disco de Oro» (20.000 copias, por las ventas de «Visions») en Finlandia, lo cual sería celebrado con un show muy especial en el Club Tavastia en Helsinki el 10 de Junio de 1998.

StratovariusEl nuevo single de la banda, «S.O.S.» («Save Our Souls») fue lanzado el 17 de Agosto de 1998, alcanzando el 3º lugar en los ranking finlandeses, y comenzaba a marcar una tendencia en cuanto a los singles de Stratovarius: midtempo, pegajosos, melódicos y bastante sencillos. En este single se incluyen además dos temas que formarían parte de la nueva placa (la muy rápida «No Turning Back» y la balada «Years Go By»), junto con una correcta versión de «Blackout» de Scorpions.

«Destiny«, el séptimo disco en estudio de la banda, fue grabado en los estudios Finnvox, lanzado el 5 de Octubre de 1998 y marcó un precedente: debutó en los rankings finlandeses en el número 1, el día Jueves anterior a su lanzamiento oficial, durando tres semanas en dicha posición de privilegio. En este disco Tolkki explora facetas compositivas que lindan en lo íntimo, en lo personal, más que en temas como los tratados en «Visions». Un disco mucho más introspectivo y lamentablemente con menos luces que su predecesor, a pesar de lo cual posee momentos de altísimo nivel, como en la homónima «Destiny» (como anécdota, el intro de esta canción fue utilizado por el grupo de baile «Generación 2000», del programa «Venga Conmigo», en su presentación en el Festival de Viña del Mar … un momento realmente inolvidable y risible para quienes tuvimos la fortuna de presenciar ese acontecimiento en vivo y en directo, especialmente cuando el «a-aaaah» conectó con un tema de la «cantante» pop Britney Spears), la muy veloz «No Turning Back«, la balada «4.000 Rainy Nights» o la bombástica «Anthem Of The World» (que incluye atisbos de autocopia, a «Nighttime Eclipse» de «Episode»).

Stratovarius

Stratovarius saldría nuevamente de gira mundial. Y finalmente, la banda visitaría nuestro país donde, el 17 de Marzo de 1999, teloneados por Metrópolis, efectuarían un show en el Teatro Monumental, ante más de 3.000 personas. Cabe destacar que fue el primer show íntegramente de Power Metal en nuestro país (el año anterior nos había visitado Helloween, el 10 de Diciembre de 1998, en el marco de un Monsters Of Rock en que participaron Anthrax y Slayer, además de los nacionales de Panzer y Criminal), lo cual marcó el camino a que muchas bandas (Angra, HammerFall, Gamma Ray, etc.) comenzasen a incluir a Chile dentro de sus plazas «fijas». Puntualmente, fue impactante para muchos ver a una banda como Stratovarius, tan geográficamente lejana, en nuestro país, y quienes tuvimos la fortuna de asistir nos vimos sumamente satisfechos con las casi dos horas de show brindadas por la banda finlandesa, que contó con un estupendo sonido y con una carga emotiva realmente importante. El tour se vio interrumpido por una infección que tuvo a Timo Kotipelto sin poder cantar durante aproximadamente un mes, pero continuó con el éxito acostumbrado.

Stratovarius1999 además sería un año de cosecha. «Destiny» alcanzaba «Disco de Oro», y la banda era destinataria de muchos reconocimientos por parte de la prensa especializada, particularmente en las revistas «SFP» y «Soundi» de Finlandia: fueron reconocidos como la mejor banda finlandesa de Metal, el video de «S.O.S.» ganó el premio de «mejor video de 1998», Timo Kotipelto como el mejor vocalista, «Destiny» el segundo mejor álbum, y un gran etcétera. La industria disquera finlandesa los reconoció con el premio «Emma» por ser una banda de exportación, que paseaba y hacía honor al nombre de Finlandia en el mundo.

El mismo año se lanza el segundo disco compilatorio de la banda (el primero a nivel mundial, recordemos que «The Past And Now» fue lanzado exclusivamente en Japón), titulado «The Chosen Ones«, que contiene temas de todos los discos, excepto de «Fright Night», además de dos bonus japoneses, «Dream With Me» (de «Destiny») y «Full Moon» (de «Dreamspace»). Pero la «fatiga de material» comenzaba a manifestarse. El desgaste de aproximadamente 5 años realmente sin parar estaba empezando a pasar la cuenta, por lo que comenzaron los rumores de que la banda se tomaría un receso. Obviamente esto asustó a muchos fans, que pensaron (no sin razones) en la disolución del grupo. Sin embargo, ello no melló en el profesionalismo de la banda, que comenzaba a trabajar en un nuevo trabajo en estudio.

El lanzamiento de su octava placa en estudio, que causó gran expectación, se agendó para el 28 de Febrero del año 2000. Antes de ello, como ya resulta ser una costumbre en Stratovarius, la banda lanzó un single, llamado «Hunting High And Low«, que incluye el tema homónimo (junto a su versión demo), más «Millennium» (que iría en el disco) y su versión demo, «Neon Light Child» (que sólo iría en el single). Si bien el tema es algo predecible (es un single de Stratovarius), es sumamente ganchero, perfecto para ser un single.

StratovariusY, como dijimos, a fines de Febrero del año 2000, se lanzaba bajo el alero de Nuclear Blast «Infinite«, disco que, a pesar de carecer de cierta novedad «estructural» (es un disco bastante predecible), inserta elementos nuevos en la banda, como orquestaciones (en los temas «Mother Gaia» e «Infinity»). Jörg Michael comentaba: «creo que no debemos cambiar tanto nuestro sonido, a nuestros fans no les gustaría…«. En este disco destacan cortes como el single «Hunting High And Low«, la intensa «Phoenix«, la muy optimista «Freedom» y la emotiva «Mother Gaia«, entre otros. Para destacar el bellísimo cover-art, hecho nada menos que por el connotado Derek Riggs, quien ha adquirido fama por diseñar la mayoría de las carátulas de Iron Maiden.

La banda saldría de tour, en lo que se denominaría como «Infinite Tour». Pero Tolkki tenía un importante anuncio que hacer: la banda no se disolvería, sino que se tomaría un receso. El 24 de Abril del 2000, en el sitio oficial de Stratovarius, Tolkki señalaba: «He escuchado, como todos, muchos rumores de que este sería el último tour de Stratovarius y que no haremos más álbumes. No se ha tomado ninguna decision parecida a esta, por lo que los rumores son absolutamente falsos. Nos vamos a tomar un ‘break’ después de este tour, y cuánto durará, nadie lo sabe. Pero yo creo que al menos dos años. Es tiempo de sentarse, descansar y pensar en otras cosas además de Stratovarius, al menos para mí«. Luego de ese fuerte anuncio, el tour de la banda continuó con normalidad hasta el 4 de Agosto, día en el cual se presentaban en el festival Wacken Open Air, en Alemania. La banda estaba tocando «S.O.S.», el cuarto tema de su tracklist, cuando Timo Kotipelto se acerca a tomar una botella de agua cerca de la batería de Jörg Michael. En ese preciso momento, gracias a un infortunio realmente lamentable, un fuego artificial explotó, a consecuencia de lo cual la mano izquierda de Kotipelto resultó seriamente quemada. Lo increíble es que Kotipelto, un profesional realmente admirable, continuó cantando y terminó el show, con su mano enfundada en una toalla. Tras ello, los médicos señalaron que se trataba de una quemadura de segundo grado, por lo que debió someterse a una cirugía plástica luego de recuperarse. Ello acarreó la suspensión de su tour latinoamericano, el cual se desarrollaría un par de meses después de lo agendado con anterioridad.

StratovariusLuego del accidente de Kotipelto, llegaría la hora de la segunda presentación de la banda en Chile. El Domingo 22 de Octubre del año 2000, en el Estadio Chile, Stratovarius (luego de la infortunada actuación de los teloneros, Misty Eyes, una banda bastante correcta pero no muy ad hoc para el evento) se enfrentaría por segunda vez al público nacional, cosechando un gran éxito, mezclando material nuevo con clásicos como «Father Time», «Paradise» o «Black Diamond», entre otras.

Pero la banda guardaba una sorpresa: el día del concierto se anunció que Stratovarius tocaría dos días después, el Martes 24, en el pub-discotheque Zoom, en el Barrio Bellavista, a un precio baratísimo para tratarse de un concierto de Metal. El día del concierto se supo que en lugar de la Zoom el concierto se realizaría en el pub-discotheque Laberinto, recinto que se vio absolutamente copado por los fanáticos del quinteto. Lo más increíble fue que el tracklist tocado fue 100% distinto al que habían tocado en el Estadio Chile, ejecutando sólo material más bien «antiguo», sorprendiéndonos con temas como «Visions» (tema que, según señaló el propio Kotipelto en el show, no lo tocaban desde la gira promocional del álbum homónimo), «Distant Skies», «Hold On To Your Dream», «Legions» o la aclamadísima «Will The Sun Rise?», tema con el que cerraron su memorable segunda presentación. Otro aspecto destacable es que Kotipelto cantó con una infección en la garganta -lo cual aclaró al principio del recital, pidiendo casi «disculpas» si no cantaba muy bien-, que impidió a la banda realizar el show que tenía agendado para el día siguiente en la localidad de Caixas do Sul, en Brasil. A pesar de ello, Kotipelto cantó de forma estupenda y sus problemas en la laringe pasaron a ser casi una anécdota. La extensísima y exitosa gira culminaría a fines del año 2000, con un gran éxito (tocaron ante más de 300.000 personas en todo el mundo), y además «Infinite» lograba el tercer «Disco de Oro» consecutivo de la banda en su tierra natal, lo cual fue celebrado en el Tavastia Club de Helsinki el 26 de Noviembre. Una semana antes (el 20 de Noviembre), era lanzado el primer video/DVD de la banda, titulado «Infinite Visions«, donde se resumen los más de 15 años de carrera de la banda.

RECESO Y PROYECTOS SOLISTAS

El año 2001 marca el inicio del receso de la banda. Antes de ello, en virtud del cumplimiento de ciertos compromisos comerciales, la banda lanzaría a la venta un compilado de bonus tracks, covers y versiones en vivo, junto a cuatro temas nuevos, llamado «Intermission«. Este trabajo es bastante prescindible y sin dudas la banda lo lanzó sin realmente proponérselo, pues a Nuclear Blast no le hizo mucha gracia la idea del «retiro espiritual» de Stratovarius, según cuenta Kotipelto: «la idea de lanzarlo vino de nuestro sello, puesto que hace sólo un año y medio firmamos con Nuclear Black y casi inmediatamente después de lanzar ‘Infinite’, nuestro primer disco con ellos, les dijimos ‘¡OK, ahora podemos tomarnos un break!’, y ellos no se pusieron muy felices con ello. Se preguntaban si los fans olvidarían a la banda porque planeábamos tomarnos un break por tres años. Nos preguntaron si sería posible lanzar una especie de ‘regalo’ para los fans, para mostrarle a la gente que no nos estábamos separando, que sólo nos estábamos tomando un receso. Acordamos en hacer eso si realmente era algo especial«. La carátula, donde se hacen referencias gráficas a otros trabajos de la banda (el signo de infinito de, valga la redundancia, «Infinite», el stonehenge de «Episode», entre otras), nuevamente corrió por cuenta de Derek Riggs. Para destacar las fotos del álbum, con la banda vestida a lo «Machos» (excepto Kotipelto, quien usa un traje a lo Bombo Fica o Marcelo Ríos cuando se casó).

StratovariusY luego de participar en algunos eventos (festivales), el receso comenzó. Los músicos se dedicaron a hacer otras cosas (Jörg Michael fue padre de su hija Lia), y particularmente Tolkki y Kotipelto hallaron el tiempo y la inspiración suficientes como para grabar sendos discos solistas.

Kotipelto trabajaría con músicos de la talla de Janne Wirman (Children Of Bodom, Warmen), Gas (Him), Mikko Harkin (en aquellos entonces en Sonata Arctica), Roland Grapow (aun en Helloween, hoy en Masterplan), Michael Romeo (Symphony X) y Arjen Lucassen (Ayreon, proyecto en el cual Kotipelto grabaría las voces de un tema llamado «Out Of The White Hole»), entre otros, y lanzaría a principios del año 2002 su primer disco solista, «Waiting For The Dawn» (cuya carátula, muy en la onda egipcia -obsesión de Kotipelto-, nuevamente fue obra de Derek Riggs), un disco que si bien carece del brillo de los mejores discos de Stratovarius, es un material bastante interesante. Kotipelto demuestra ser un respetable compositor y un vocalista que no sólo se desenvuelve con presteza en el material de Stratovarius, sino también en otro tipo de temas.

StratovariusTolkki, por su parte, grabaría un material «muy personal«, y muy, pero muy alejado a lo que venía haciendo con Stratovarius. «Hymn To Life» se titularía el disco, con 0% de Metal, cuya carátula muestra un oasis, un río, pajaritos y un cielo muy celeste (¡!). Los dos aspectos más destacables de este disco son la participación como invitados de Michael Kiske (cómo nos gustaría a muchos que le gustara el Metal…) y la maravillosa Sharon Den Adel (cantante de Within Temptation), y la suerte de que nada de este material ingresara a la historia como perteneciente a Stratovarius. Además, Tolkki participaría en el proyecto solista de Tobias Sammet (Edguy), «Avantasia».

LA VUELTA DE STRATOVARIUS

El receso propiamente tal de la banda no duraría más que un año. Ya a mediados del año 2002 comenzaron los trabajos de lo que sería su nueva placa, la primera en tres años. Todo esto, además de las palabras de los mismos miembros de la banda, en el sentido de que señalaban que su nuevo disco mostraría a un Stratovarius «recargado», trajo como consecuencia mucha expectativa por parte de los fans y sobre todo de la prensa especializada, la cual estuvo muy atenta al proceso de grabación, mezcla y masterización del nuevo disco.

Incluso en el sitio oficial de la banda se incluyó una sección, una especie de «bitácora» en la que se registraban detalles de la grabación del disco. Stratovarius tenía la idea de grabar dos discos que siguiesen la misma temática, inspirándose en los elementos de la naturaleza. Así, nacería «Elements«, una especie de «saga» que comenzaría el presente año 2003. Stratovarius estaba vivito y rockeando.

StratovariusEl proceso de grabación y masterización duraría bastante menos de lo que uno pudiera esperarse (alrededor de 4 meses), y se anunció finalmente que la primera parte del trabajo, «Elements, Part 1«, sería lanzada el 27 de Enero del 2003. Antes de ello, a fines del 2002 (poco después de que Jari Kainulainen sufriera un accidente en bicicleta, afortunadamente andaba con casco), se lanzaba el single, «Eagleheart«, que duraría 8 semanas en los Top 10 finlandeses, y que mostraba a una banda quizás no tan «renovada» como pudiera esperarse (el tema es muy entretenido y ganchero, aunque bastante típico), pero que demostraba que el receso había servido para reactivarse como «equipo».

Finalmente, tal como fue anunciado, «Elements, Part 1» fue lanzado el 27 de Enero del presente año, en medio de una fuerte polémica generada por la filtración del disco varias semanas antes de su lanzamiento oficial. Más allá de ello, el disco generó las más diversas reacciones: por una parte, los acérrimos fans disfrutan que la banda continúe con la senda que ha llevado al éxito; por otra, quienes señalan que el receso «no sirvió para nada» y que Stratovarius sigue haciendo «lo mismo de siempre». Razones existen para justificar ambas posiciones. Lo cierto es que Stratovarius experimenta con más orquestaciones que en «Episode» (en temas como «Fantasia«, «Papillon» y «Soul Of a Vagabond«), incluye temas rápidos como las poderosísimas «Learning To Fly» y especialmente «Find Your Own Voice«, juega con el tiempo («Elements» y sus doce minutos), vuelve a las instrumentales («Stratofortress«), y termina con una balada («A Drop In The Ocean«). Un disco con muchos matices e incluso altibajos, pero que ratifica que el receso sin dudas sirvió para que la banda no cayese en un pozo sin retorno. «Elements, Part 1» alcanzaría el segundo lugar en los Top 40 finlandeses. Tolkki se declaró «muy contento con el sonido del disco, trabajamos duro para lograr expandirlo al máximo. Presté atención a cada pequeño detalle, y estoy muy orgulloso especialmente del sonido de la batería, suena muy heavy y clara«. La carátula, nuevamente, cortesía de Derek Riggs.

StratovariusInmediatamente después de ello, en Febrero, Tolkki entró al estudio para preparar todo lo concerniente a «Elements, Part 2«, disco que será lanzado, en principio, en Octubre de este año. Tolkki ha señalado que después de este disco, la banda no saldrá de gira. Algunos de los títulos de los temas serían: «Alpha & Omega», «I Walk To My Own Song», «Awaken The Giant», «Liberty», «Season Of Faith’s Perfection», «I’m Still Alive» y «Dreamweaver».

El tour más grande de la historia de Stratovarius comenzó en el mes de Marzo, particularmente el día 19 en Oulu, Finlandia. En la parte europea del tour han sido acompañados por sus emergentes compatriotas de Thunderstone y por los estadounidenses de Symphony X. En Junio la banda pretendía tocar en China y Taiwán (lugares inimaginables hace años), pero estos recitales fueron cancelados a causa de la pandemia generada por la llamada «neumonía asiática» (S.A.R.), debido a una recomendación del Ministerio de Relaciones Exteriores de Finlandia. Kotipelto sufrió una lesión en su rodilla practicando deportes, pero ello no impidió que la parte japonesa del tour se desarrollase con normalidad.

Y, como lo sabemos, en el marco de este tour que cubrirá prácticamente todo el mundo, Stratovarius visitará nuestro país el Domingo 17 de Agosto, a las 18.00 horas, en el Gimnasio Olímpico de San Miguel, recinto que debutará en las lides rockeras y que devolverá a una zona metalera por excelencia la posibilidad de acunar un show de calidad mundial. Será sin dudas una gran oportunidad para ver el retorno de una de las bandas más importantes de los últimos diez años en la escena Power Metalera mundial, que esperamos que cuente con un marco de público digno de la ocasión.

Tolkki y sus muchachos están de vuelta. Y eso, sin dudas, es motivo de una gran alegría. Muchos temimos que el receso se «comiese» a esta tremenda banda, que nos ha regalado discos antológicos, y que, a pesar de las críticas, ha creado un estilo y ha dado vida a la hoy llamada «escena finlandesa». ¿Cuántos grupos pueden decirlo? Afortunadamente, tenemos no sólo la chance de verlos en nuestro país, sino además de seguir disfrutando durante años de su música, que siempre respeta la melodía, y que esperamos se mantenga en alto, como diría Mägo de Oz, «hasta que el cuerpo aguante».

Gamma Ray

La historia de Gamma Ray es, sin duda (junto a Helloween, por razones obvias), la historia básica del Power Metal. Y es obvio, puesto que el nacimiento de este estilo musical que no sólo justifica la existencia de medios como el nuestro sino que además proporciona una cantidad de glóbulos rojos extra a nuestro organismo se debe, principalmente, a una persona. Un tipo genial, de esos que imaginan y revolucionan, de esos que aparecen de cuando en cuando y que por su creatividad y talento pasan a la historia en cualquier ámbito de la vida. Un van Gogh, un Einstein, un Maradona, un Marcelo Ríos. La historia de Gamma Ray es la historia de Kai Hansen. Por ende, la historia de la banda propiamente tal (nacida a fines de los ’80) tiene una introducción necesaria que se remonta hacia fines de los años 70.

Gamma Ray

Todo parte en Alemania (particularmente la ciudad de Hamburgo) a finales de los años ’70 (específicamente en 1978), donde un par de quinceañeros formaron una banda llamada Gentry, que contaría con amigos como músicos invitados. Uno de esos colegiales era Piet Sielck, actualmente líder de Iron Savior (vocalista y guitarrista) e ingeniero de sonido de bandas como Grave Digger o Blind Guardian, entre otras. Y el otro «pingüino» es el gran motivo del nacimiento de la música que profesamos: un joven de cabello claro y ojos café, nacido el 17 de Enero de 1963, llamado Kai Michael Hansen. Este jovencillo comenzó a interesarse por la música aproximadamente a los diez años de edad, cuando intentaba tocar batería con unas cajas vacías. Como la idea de tener un constante sonido de cajas en la casa obviamente no agradaba en demasía a los padres de Kai, a los doce años, sin quererlo, la familia Hansen iniciaba los «cursos causales» para el nacimiento del Power Metal: Kaicito recibía una guitarra clásica de regalo, tras lo cual comenzó a tomar lecciones para aprender a ejecutar el instrumento, y un par de años más tarde formaría su primera banda, llamada Katherine Wheel, para lo cual adquirió su primera guitarra eléctrica: una sencilla Ibanez Les Paul blanca. Después de tocar aproximadamente un año con Katherine Wheel, llega 1978, año al que hacíamos referencia, produciéndose el segundo hecho fundamental para el nacimiento del Power Metal: Kai Hansen conoce a Piet Sielck.

Piet y Kai eran fans de bandas como Uriah Heep, Sex Pistols, Slade, Black Sabbath, UFO, AC/DC y Deep Purple, entre otras. El repertorio de Gentry, por lo tanto, se basaba en covers de las bandas mencionadas, además de un par temas propios. Kai compatibilizaba su emergente labor como músico con la de repartidor de diarios, con lo cual ganó algo de dinero, lo suficiente como para evolucionar desde su Ibanez Les Paul a una Fender Stratocaster, y para comprarse un amplificador Marshall. Y al parecer (como se vería a la larga) estos bisoños rockeros deseaban trascender en algo más que una banda de covers, por lo que intentaron profesionalizarse y prescindieron de los servicios de su primer baterista, llegando a estar alrededor de seis meses sin quien dominara las baquetas. Tras ello apareció un jovencito inexperto que quería tocar con ellos, y que en realidad no poseía demasiados conocimientos técnicos, pero su entusiasmo y su facilidad para aprender le permitirían llegar a formar parte de Gentry: tal muchacho era nada menos que Ingo Schwichtenberg, quien en a la larga terminaría sus días, como veremos, en forma más que trágica en Marzo de 1995. Y como a Piet y a Kai les resultaba algo incómodo intercambiarse el bajo y la guitarra tocata por medio, decidieron buscar un bajista, enrolando a un «chico» de aproximadamente 196 centímetros de altura y con cabello rizado: don Markus Grosskopf. Así se compone, por tanto, la primera formación «oficial» de Gentry. A fines de 1978, la banda incluso llega a ganar un premio en un festival.

GENTRY CAMBIA DE NOMBRE

Dos años más tarde la banda se percata que su nombre no era demasiado «ganchero», decidiendo cambiarlo por el de Second Hell (nombre bajo el cual escribieron «Murderer» y algunas partes de lo que posteriormente se transformaría en «Heading For Tomorrow») y posteriormente por el de lron Fist, ya en 1982, con el que gestaron temas como «Metal Invaders», «Gorgar», «Metal Invaders», «Victim Of Fate» y «Priest Of Satan» (que a la postre se transformaría en «Save Us»). A fines del mismo año se produce el primer gran «quiebre»: Piet decide dejar la banda en busca de otros horizontes y Kai se va a hacer el servicio militar, después de aprobar sus exámenes en el Goethe Gymnasium de Hamburgo. Y es, curiosamente, es en una noche de franco, en medio de una fiesta, donde Kai Hansen conoce a su, en esos momentos, «media naranja musical», un joven guitarrista que tocaba en una banda de medio tiempo llamada Powerfool: Michael Weikath. Weiki intenta persuadir a Kai para unirse a Powerfool, pero la persuasión de Kai fue más fuerte y finalmente Weikath termina uniéndose a Markus y a Ingo. Después de un corto tiempo, Iron Fist pasaría a llamarse Helloween, con Kai en las voces y guitarras.

Gamma RayEn 1984, el cuarteto lleva a la compañía Noise Records un demo, que contenía los temas «Metal Invaders» (de Kai) y «Oernst Of Life» (de Weikath, que hace poco fue re-lanzado en un compilado llamado «12 Years In Noise»), que a la larga aparecerían en un compilado llamado «Death Metal» (junto a Hellhammer, Dark Avenger y nada menos que Running Wild). La banda logra fichar con la prestigiosa compañía y al año siguiente se encontraba ya lanzando su primer trabajo oficial: un EP con cinco fantásticos temas («Starlight» -con su notable comienzo, que hace imaginar a un rockero despertando con una tremenda «caña», y para pasarla, nada mejor que abrir una buena cerveza …-, «Murderer», «Warrior», «Victim Of Fate» y «Cry For Freedom») titulado simplemente «Helloween«.

El año siguiente sería importantísimo: la banda lanzaría su primer LP. Con una introducción que ha pasado a convertirse en una especie de «grito de guerra» (aunque no es grito ni es de guerra) de la banda («el puente se va a caer, a caer, a caer» transformado en «happy happy Helloween, o-o-ooh«), comienza una de las piedras angulares de nuestra música, nada menos que «Walls Of Jericho«, disco indispensable en la colección de un metalero que se precie de tal. A pesar de que en aquellos entonces Kai Hansen poseía una voz que dejaba bastante que desear, el disco cuenta con joyas del más alto nivel como, por nombrar algunas, la intensa «Ride The Sky«, el himno «Heavy Metal (Is the Law)» o la emotiva «How Many Tears«. Helloween inventaba un estilo: agregaba melodía al speed metal (casi cercano al thrash por momentos), creando los cimientos de algo que en aquellos tiempos intentó definirse como un «powerful speed melodic htai leyeeavy metal», lo que comenzó a ser reconocido por los medios especializados europeos como Power Metal, un par de años antes de que en Estados Unidos el grupo Pantera lanzase un disco titulado homónimamente. Pero más allá de esta discusión doctrinaria, la importancia histórico-musical que tiene este disco eventualmente sólo puede ser superada, a ese respecto, por los dos posteriores.

Continuando con la historia, unos meses después, tras el lanzamiento del segundo EP de la banda, «Judas«, comienza a producirse una situación muy particular. Kai Hansen comenzaba a sufrir el stress de cantar y tocar guitarra (¡y en una banda como Helloween! No es tan sencillo como hacer dos acordes en una banda punk). Ante ello, Kai propone a la banda comenzar la búsqueda de un vocalista que se ajustase a los propósitos de la misma, y los ojos se pusieron en un «pendejo» de dieciocho años poseedor de un registro vocal que hasta el día de hoy lo convierte en uno de los más grandes vocalistas de la historia del Metal en general, que cantaba en una banda rockera llamada Ill Prophecy, junto a sus amigos Karsten Nagel (batería), Uli Schulz (guitarra), Reiko Ebel (guitarra) y Patrick Hampe (bajo): Michael Kiske. En un principio, Kiske desecha la oferta de Kai Hansen de unirse a Helloween, por considerar que el estilo de la banda era demasiado rápido y que le costaría adaptar su voz, por lo que la banda apuntaría a contratar a otro vocalista -que cantaba en Tyran’ Pace-, del que hablaremos en detalle posteriormente: Ralf Scheepers. Ralf desecha la oferta (a pesar de que acompañó a la banda en un show), por lo que volvieron a la carga por Kiske, consiguiendo ficharlo a principios de 1987 tras la insistencia de Michael Weikath. En estos tiempos, Kai Hansen estudiaba Derecho en Hamburgo, pero comenzó a percatarse que su proyecto musical estaba yendo demasiado viento en popa, razón por la cual comenzó a no dar pruebas ni mucho menos asistir a clases, por lo que decidió sumergirse completamente en las templadas aguas del Metal, dejando los estudios del positivismo jurídico de Hans Kelsen y los textos legales absolutamente de lado. Comenzaría lo que a la larga sería, para muchos, la etapa más gloriosa de Helloween.

LOS GUARDIANES DE LAS SIETE LLAVES

La banda pretendía, ya en 1987, lanzar con su nuevo vocalista un disco doble. pero Noise Records se negó, por lo que a la larga la banda lanzaría, en dos años consecutivos, dos de los más grandes trabajos de Heavy Metal de la historia. En 1987 Helloween lanza «Keeper Of The Seven Keys, Part I», disco que con apenas cuarenta minutos de duración ha pasado a la historia. Si bien en «Walls Of Jericho» la banda había tenido un fenomenal debut, «Keeper I» marca el verdadero nacimiento del Power Metal, con la mezcla de elementos como las armonías de las guitarras de Judas Priest y Maiden, voces extremadamente melódicas, baterías con dobles bombos desenfrenados, mucha garra y hasta elementos de música clásica. Resulta inoficioso y hasta un poco hereje destacar temas de este trabajo, pero a grandes rasgos, cortes como las energéticas y poderosas «I’m Alive«, «Twilight Of The Gods«, la casi irónica felicidad extrema de un clásico de clásicos como «Future World» y la impresionante maestría épica de «Halloween» (con uno de los mejores -sino el mejor- dueto de guitarras de la historia), todos temas de autoría de Kai Hansen, pueden considerarse como lo más destacado dentro de un disco genial. El disco vendería 150.000 copias… ¡sólo en Inglaterra! Es decir, estamos ante un disco de proporciones históricas, que impulsaría a Helloween a la elite del Metal mundial, hecho que se vio recalcado con la aclamación de la crítica y de los mismos fans, puesto que además de tocar en muchos lugares de Europa, fueron invitados a Estados Unidos al MTV’s Headbanger’s Ball Tour, abriendo un show en el que además tocaron Armored Saint y Grim Reaper.

Pero no contentos con esto, luego de la exitosa gira de «Keeper I», las calabazas lanzarían uno de los más grandes discos de la historia del metal. La segunda parte de la saga, «Keeper Of The Seven Keys, Part II» es sin duda el trabajo que terminó de catapultar al quinteto germano al olimpo. Se ha sindicado a este trabajo como el que terminó de crear el estilo como el Power Metal, al que ya hemos hecho referencia en reiteradas oportunidades en esta historia. Nuevamente caemos en la herejía de mencionar algunos temas (sabemos que es extremadamente injusto con los temas no nombrados, todos de una calidad excepcional): la indescriptible «Eagle Fly Free» (el más grande himno Power Metal de la historia), las gancherísimas «Dr. Stein«, «I Want Out» y «Rise And Fall» (las letras son un prototipo del humor alemán) y «Halloween II», «Keeper Of The Seven Keys«, que cierra de manera perfecta un disco insuperable, que ha traspasado generaciones. Gracias a este trabajo, la banda consigue no sólo ratificar sino que incrementar de forma notoria el éxito alcanzado con «Keeper I», siendo incluso invitados a tocar en el mítico Festival de Donington, Gran Bretaña, junto a bandas como Iron Maiden, Megadeth, Skid Row y Kiss, entre otras. Durante el tour «Pumpkins Fly Free» (que los lleva a Estados Unidos, Europa y Japón), la banda graba en Escocia uno de los más notables álbumes en vivo de la historia (es cierto, hemos repetido muchas veces la palabra «historia», pero el caso sin dudas lo amerita), el cual sería editado en 1989 con tres nombres distintos: «Live In The U.K.» en Europa, «Keepers Live» en Japón y «I Want Out Live» en Estados Unidos (este último viene con sólo seis temas, no se incluye «Rise And Fall»).

LA PARTIDA DE KAI Y SU NUEVO PROYECTO

Pero a pesar de lo anterior, comienzan a notarse ciertos quiebres. Y este es el punto donde nuestra historia cambia de rumbo, donde el camino se bifurca. Kai Hansen sólo compuso tres temas de este maravilloso trabajo («Save Us» -que, recordemos, viene de los tiempos de Iron Fist-, «March Of Time» y «I Want Out»), en comparación a que «Keeper I» fue prácticamente compuesto por él en su totalidad. Si bien los tres temas son increíbles, es más bien «poco» para lo que Kai nos estaba acostumbrando. Ello era un revelador síntoma de las tensiones que comenzaron a vivirse en la banda, tanto por factores netamente relativos a relaciones interpersonales (lo que ha sido una constante en la historia de Helloween, quizás Hansen haya intuído eso), como por problemas con el management de la banda. Ello traería como consecuencia un creciente stress de Hansen, el que desembocaría en una «fatiga por las largas giras». El último show de Kai en Helloween sería en Birmingham, Inglaterra, el 8 de Noviembre de 1988.

A principios de 1989, Kai Michael Hansen anuncia su desvinculación de Helloween, en el momento más glorioso de la banda, lo cual causó una tremenda conmoción en el medio. Según Hansen, venía analizando la posibilidad de dejar la banda desde Julio de 1998 y que no lo había hecho, en gran parte, por pedido de sus compañeros, pero que debido al desgaste que todo lo anterior le estaba provocando, consideró que era el momento exacto para abandonar la banda. En aquellos tiempos se señaló que la separación se había producido en términos amistosos, tanto así que el mismo Hansen ayudó a buscar a su reemplazante, el que resultaría ser el mecánico de autos y guitarrista de Rampage hasta 1982 Roland Grapow (que sería reemplazado en esta banda por Henjo Oliver Richter, personaje que veremos con posterioridad), viejo amigo de la banda que se enteró de la vacante en un aviso de una revista. Algunos meses después de la partida de Kai, se lanza el disco en vivo al que hacíamos referencia, conocido mayoritariamente en Sudamérica como «Live In The U.K.«.

Gamma RayDespués del shock que produjo en la escena su partida de Helloween, lo primero que hizo Hansen fue tomarse un buen descanso durante algunos meses. Pero pronto estaba de vuelta, anunciando a los medios especializados (que estaban absolutamente expectantes) que comenzaría a trabajar en un proyecto junto a su amigo Ralf Scheepers, ex vocalista de Tyran’ Pace (estupenda banda e mediados de los ’80, cultora de un metal muy sencillo, como se ve principalmente en sus discos «Long Live Metal» y «Watching You»), que -recordemos- fue la primera sugerencia de Kai para reemplazarlo como vocalista a mediados de los ’80.

Ralf, un vocalista con un registro privilegiado (es de los que menos le cuesta llegar a tonos altísimos) nació el 5 de Febrero de 1965 en Berkheim, Alemania, y comenzó su carrera como cantante a los dieciséis años, cuando además tocaba guitarra en la banda Voltage. Luego de ello cantó en Beast Of Pray y Heavy Magnun, conjuntamente con desarrollar sus estudios de electricista, tras lo cual formaría su primera «gran» banda, Tyran’ Pace, que incluso llegaría a telonear en un par de ocasiones a Uriah Heep y a Golden Earring, y que debió disolverse a causa de un pésimo manejo económico.

NACE GAMMA RAY, RUMBO AL MAÑANA

Kai no tenía, en principio, muy claro qué deseaba hacer con su carrera. En aquellos tiempos, señala Hansen, «pasaba mi tiempo en casa escribiendo canciones tal y como me gustaban. Encontré mucha energía positiva, y comencé a decirme a mí mismo ‘veamos qué es lo que viene, y veremos qué es lo que pasa'».

Gamma RayMientras Kai componía temas para su nuevo proyecto, compuso un tema para el álbum debut de una cantante rockera llamada Joal, donde incluso tocó un solo, y además hacía algunas cosas con una banda que más tarde se convertiría en una de las top de la escena Power metalera mundial: Blind Guardian. Los bardos le ofrecieron a Kai un trabajo como músico invitado para su segundo disco, «Follow The Blind», donde Kai terminó haciendo varias partes de guitarra e incluso de voz (en la notable «Valhalla»). Luego de ello, a Kai y a Ralf se les unieron dos músicos de estudio: el bajista Uwe Wessel, que comenzó su carrera a los 15 años con la banda Bullfrog, y al terminar la existencia de la misma se dedicó a hacer trabajos de estudio, y a formar la banda Traventhal (un nombre bastante poco creativo pues así se llamaba la villa donde vivían) junto a su amigo baterista Mathias Burchardt; y el mismo Burchardt, que tendría un muy fugaz paso por la banda, pues posteriormente la dejaría para priorizar sus estudios.

Respecto a cómo conoció Hansen a este par de músicos, señala: «fue realmente pura casualidad. Me encontré con un viejo amigo llamado Jens, con el que estuvimos en el ejército, en el aeropuerto de Hamburgo. Él tocaba bajo y le conté acerca de mis planes, así que se interesó en audicionar, por lo que nos juntamos una tarde a tocar. Sin embargo, Jens tenía un carácter totalmente distinto al mío y le gustaba mucho la onda progresiva y el jazz … así que desafortunadamente el asunto no funcionó con Jens, pero conocí a Mathias». Burchardt se mostró interesado en el puesto y, como al parecer las cosas en Traventhal no andaban de lo mejor, le sugirió a Kai traer al bajista de la banda al proyecto.

Las grabaciones de lo que sería el primer disco del proyecto solista de Hansen se desarrollaron en los estudios Horus de la ciudad de Hannover (lugar en el cual, el 26 de Enero de 1989 se le hizo entrega a Helloween de un «Disco de Oro» por las ventas de los «Keepers») entre Septiembre de 1989 y Enero de 1990, sería co-producido por Tommy Newton y el ingeniero de sonido sería nada menos que Piet Sielck, el antiguo amigo de Kai. El mismo Hansen deseaba, en principio, producir el disco, pero se dio cuenta que era demasiado trabajo y ello importunaba su labor como músico. «De verdad quería producir un sonido como el de los ’70, como Rainbow o Deep Purple, pero tuve que darme cuenta que no estaba funcionando. Estaba cada vez más confundido, y al final ni siquiera distinguía si los temas estaban bien o mal. Así que Tommy comenzó a ayudarme y sin duda él tiene el mejor oído para muchas cosas …«, señalaba Kai.

Pero había un pequeño problema: el nombre de la banda. Después de una noche de lluvia infernal, Kai y el resto de los músicos terminaron en un pub-discotheque donde escucharon la canción «Gamma Ray» de una banda germana setentera de música disco llamada Birth Control. Después de que las únicas sugerencias de nombres para la banda habían sido «Toilet Lid», «Jägermeister» o «Death Devil», decidieron bautizar al proyecto/banda como Gamma Ray.

Gamma RayGamma Ray

El disco se llamaría «Heading For Tomorrow«, y fue lanzado el 19 de Febrero de 1990, con la aparición del mismo Piet Sielck como músico invitado, además de un bajista/guitarrista del que ya hablaremos: Dirk Schlächter (cuyo apellido significa nada menos que «carnicero» … sencillamente notable), a quien conoce Kai a mediados de 1989 mientras desarrollaban un curso de tres semanas denominado «Curso de Estudio para la Música Popular» en el Music High School de Hamburgo. El disco marcó un sólido debut, muy demostrativo de la características distintivas de la música de Hansen: mucha melodía, gran prioridad a la guitarra, cierta dosis de humor y letras positivas in extremis. De este trabajo destacan cortes como la muy power «Lust For Life«, la felicísima «Heaven Can Wait«, la irónica «Money» (donde toca Schlächter) y, sobre todo, la magistral «Heading For Tomorrow«.

Gamma Ray

Además, el disco incluye un cover de una de las bandas predilectas de Kai, Uriah Heep: «Look At Yourself». El disco tuvo una excelente recepción por parte de la prensa especializada germana, obteniendo un 7/7 en Metal Hammer y un 10/10 en la Rock Hard Magazine. Además, la banda graba un video para el tema «Space Eater», con un chico llamado Tammo Vollmers (alumno de batería de Mathias Burchardt) en los tarros. «Heading For Tomorrow» fue particularmente aclamado en Japón, donde incluso la banda, debido a su notable éxito, grabaría posteriormente (con su siguiente formación) su primer video en directo: «Heading For The East«, en el que se muestra completamente el show efectuado el 8 de Noviembre de 1990 en el Salón Kokaido Shibuya, en Tokio, y que saldría a la venta a principios de 1991. A pesar de que el video obtuvo muy buenas críticas, los músicos se sintieron particularmente incómodos con la presencia de 5 cámaras en escena. Ralf Scheepers cuenta una anécdota al respecto: «sin dudas fue el peor show del tour… y de repente se me bajó el cierre del pantalón … ¡qué parece cuando me ves en la televisión cantando ‘The Silence’ con el cierre abajo!»

A mediados el año ’90 se producen los primeros cambios en el proyecto/banda. Mathias Burchardt decide dejar la banda, como señalamos, para priorizar sus estudios, siendo reemplazado por un baterista que hoy por hoy destaca por su dilatada trayectoria: Ulrich «Uli» Kusch, quien vivió durante muchos años en Bélgica y que antes de Gamma Ray tocó en una estupenda banda thrash de los ’80 llamada Holy Moses (donde cantaba una buenamoza señorita llamada Sabina Classen, cuya voz no tiene nada que envidiar a Tom Araya o a Mille Petrozza), aún vigente, para posteriormente pasar nada menos que por Helloween y continuar hoy su carrera en Masterplan.

Gamma RayY además se incorpora como miembro estable Dirk Schlächter, bajista/guitarrista nacido el 15 de Febrero de 1966 en la localidad germana de Bad Nauheim, Alemania. Antes de Gamma Ray, Dirk tocó en bandas como Blue Live, Sould Out, Louis Glover Houseband y Drivin’ Force, que se enmarcaban más bien en estilos somo el soul y el blues. Dirk tocó algunas partes de bajo en «Heading For Tomorrow», pero se incorporaría a la banda como segundo guitarrista.

Con esta formación, la banda saldría de tour, a pesar de que -en teoría- la principal razón de Kai para emigrar de Helloween era el stress que le provocaban las extenuantes y largas giras, pero se dio cuenta que, a pesar de incluso haberse juramentado a sí mismo nunca volver a salir de tour, lo extrañaba. El primer show de la historia de Gamma Ray se efectuó el 1 de Septiembre de 1990 en el «Conny’s Hard And Heavy Palace» en la localidad de Hanau-Erlensee, cerca de Frankfurt, que en realidad se trató de una pequeñísima tocata. Pero la noche siguiente tocarían en la ciudad de Bochum frente a todos los medios especializados, que aguardaban con ansias el regreso de Kai Hansen. El periodista de Metal Hammer, Mathias Breusch, señaló lo siguiente: «tan pronto como Kai y sus colegas entraron al escenario, el lugar se convirtió en un manicomio y el ambiente estaba tan cálido como un radiador de auto con un hoyo en el medio … el debut de Gamma Ray llegó a ser realmente notable … Ralf Scheepers nunca perdió un tono y jamás cometió errores, ni siquiera en los tonos más altos … y qué decir de Kai Hansen, un maestro, que lideró a su equipo con gran alegría y fascinación por lo que estaba haciendo». Durante el tour, llamado «Headache For Tomorrow», efectuaron numerosos conciertos en Europa e incluso algunos en Japón, como vimos recientemente. Gamma Ray se transformaba en una banda con identidad, pues ya comenzaron las ideas de grabar otro disco. Se terminaba el proyecto, comenzaba la banda.

EL CIELO ESPERA, SIN SUSPIRAR, INSANO Y GENIAL

En aquellos tiempos la mayoría de las bandas no se demoraban casi nada en sacar y sacar discos. Y Gamma Ray no era la excepción, puesto que durante la gira, en Septiembre de 1990, se lanzó un estupendo mini LP llamado «Heaven Can Wait«, que contenía una nueva versión del title track, algunos lados B y un nuevo tema, «Who Do You Think You Are«, y en cuya versión japonesa se incluye la maqueta de un tema llamado «Heroes», que posteriormente se transformaría en «Changes».

La banda continuaba con su frenético proceso de creación y se encierra, en Febrero de 1991, durante once días en una casita perdida en Dinamarca (particularmente en la Isla Rømø) para preparar su segundo LP. El disco, cuya masterización se produciría en los estudios Karo en Brackel, Alemania, también sería producido por Tommy Newton, y saldría a la venta el 23 de Septiembre del mismo año, y se llamaría «Sigh No More«. El título del disco nace como un juego de palabras propuesto por Dirk Schlächter, referente a la película Monty Phyton, donde uno de sus personajes repetía constantemente la frase «say no more, say no more» («no digas nada más»), que parecía sonar como «sigh no more» («no suspires más»), debido al acento del actor.

Gamma Ray

El estilo que Gamma Ray muestra en este trabajo es bastante distinto a lo que mostraba en «Heading For Tomorrow»: un sonido más lento y letras bastante más depresivas, a consecuencia del conflicto internacional de proporciones generado por la Guerra del Golfo entre Estados Unidos e Irak en el mismo año. Es cosa de ver la carátula, puro humor alemán pero más depresivo que antes. «Sigh No More», donde destacan temas como la mencionada «Changes«, «As Time Goes By«, «Start Running» y «Dream Healer«, entre otras, sin ser un mal disco, es sindicado por gran parte de los fans como el más bajo de la carrera de Gamma Ray, y de hecho la banda no lograría el mismo éxito en su gira respecto a la anterior, a pesar de ser bastante más larga, y que comenzaría en Octubre de 1992, realizando más de 50 conciertos.

Gamma Ray

Después de la gira japonesa de principios de 1992, Gamma Ray sufría, nuevamente, cambios en su alineación. Uwe Wessel y Uli Kusch, aduciendo problemas personales (Uwe vivía en una localidad llamada Bad Segeberg, distante a unos 70 kilómetros de Hamburgo, y no tenía licencia de conducir), dejaban la banda, incorporándose a Axe Le Chapelle, siendo reemplazados en Agosto del mismo año por dos jóvenes que provenían de una banda pequeña llamada Anesthesia, a la cual fueron a ver un día en la localidad de Luebeck: Jan Rubach en bajo y Thomas Nack en batería. Jan y Thomas venían tocando juntos desde 1989, en una banda llamada Trash. El primer show de Gamma Ray con su nueva alineación tuvo lugar el 20 de Agosto de 1992 en el Grosse Freiheit 36 de Hamburgo, con ocasión del lanzamiento de un álbum compilatorio llamado «Metal Monday», que incluía a varias bandas de Hamburgo.

Con ya algunos shows en el cuerpo, la banda comenzaría las grabaciones de lo que sería su tercera placa en estudio bien entrado 1993, en los nuevos estudios, propiedad de Kai, los cuales fueron sencillamente llamados «Hansen Studios». Sin embargo, la banda decide hacer las mezclas nuevamente en los estudios Horus de Hannover, lo cual resultó algo estresante debido a que mientras la banda grababa en Hamburgo, Kai y Dirk se trasladaban constantemente a Hannover (en turnos de dos días) para empezar a mezclar. «A pesar de todo el stress, lo pasamos bastante bien en la producción«, señalaba Schlächter. Luego de lanzar el single «Future Madhouse», el día 28 de Junio del mismo año, Gamma Ray lanzaba oficialmente «Insanity And Genius«, disco que recupera el espíritu de «Heading For Tomorrow», y que incluye entre otros temas la intensísima «Tribute To The Past», la frenética «Future Madhouse», la muy Power «Last Before the Storm», la operática y muy Queen «Heal Me» (donde Kai vuelve en parte a las voces), y además el tema que dio el nombre a la banda: «Gamma Ray», de Birth Control, para lo cual en medio de la grabación del disco fueron a una tienda cercana y compraron el álbum «Hoodoo Man» y tocaron el tema a una velocidad mayor. El disco, nuevamente, recibe muy buenos comentarios de la prensa especializada, alabando especialmente la habilidad compositiva de Hansen. Además, la banda grabaría un video, que en un principio sería para «Future Madhouse», pero cuando iban camino al estudio para grabar el video cambiaron de idea y decidieron que el video fuera para «Gamma Ray».

Gamma Ray

Como el tour de «Sigh No More» no fue demasiado exitoso, la banda dudó entre salir o no de gira. El impulso final para efectuar la gira estuvo dado por la compañía Noise Records, quien organizaría cuatro fechas para cuatro bandas: los emergentes alemanes Helicon, los hasta ese momento desconocidísimos noruegos de Conception (con Roy Khan, actualmente en Kamelot, en las voces) y los cabeza de cartel junto a Gamma Ray, los inmortales Rage con Peavy wagner a la cabeza. La serie de cuatro recitales se llamaría «Melodic Metal Strikes Back», que comenzaría el 21 de Septiembre de 1993. El título lo dice todo: el metal melódico contraatacaba. Se cuentan muchas anécdotas de este mini tour, como por ejemplo la inclusión del logo del licor «Jägermeister» en los bombos de la batería (es como si Pablo Stagnaro de Six Magics pusiera un logo de «Escudo» y otro de «Malta Morenita» en los bombos …), o la grandilocuente presentación que hace Ralf a Schlächter, Rubach y Nack («señoras y señores, con ustedes, el grandísimo y famoso …«), y cuando va a presentar a Hansen, lo hace diciendo « …y bueno, ese tipo que está ahí, es Kai Hansen. Continuando con el siguiente tema…«. En el concierto de Hamburgo, la banda grabaría un segundo video, «Lust For Live», y de esa serie de tocatas saldría un CD doble (con la participación de las cuatro bandas) llamado «Power Of Metal», lanzado en Diciembre de 1993.

Luego de eso, Gamma Ray participaría como banda invitada en el Festival del 2º aniversario de la revista «Horror Infernal», que tuvo lugar en en «Musikzirkus» de Dortmund el 19 de Diciembre, donde compartieron escenario con Quiet Riot, Thunderhead, Sargant Fury y Squealer. Ya en Febrero de 1994, la banda apoyaría algunas fechas del tour europeo de una de las más grandes bandas de Metal de la historia: nada más y nada menos que a los reyes del True Metal, Manowar. Joey DeMaio resume la participación de Gamma Ray en una sola frase: «es la mejor banda de apoyo que hemos tenido en toda nuestra carrera«. Como dato anecdótico, es en uno de los recitales de Manowar con Gamma Ray (en Hannover) donde el cuarteto estadounidense entra al Libro de Records de Guinness como la banda con sonido más fuerte de la Tierra, y DeMaio se convertía en el músico individual con el sonido más fuerte.

Otra anécdota se cuenta al iniciar el tercer viaje a Japón: entre los viajeros figuraba una persona que no pertenecía ni a la banda ni a los técnicos: una misteriosa persona llamada Wanda, que recientemente se estaba haciendo cargo del fan club de Gamma Ray, el cual se llamaría «Schizoid Clan». Wanda no era, a la larga, otra persona que Gabi, a la larga esposa de Kai.

RALF SE VA, KAI VUELVE A LAS VOCES

En los tiempos del «Melodic Metal Strikes Back» ya se especulaba en la prensa con que Ralf Scheepers deseaba ser el nuevo vocalista de Judas Priest. La gran mayoría de los live reviews de los recitales de Gamma Ray eran positivos, pero siempre había un «pero»: la performance de Ralf no resultaba ser lo suficientemente energética, y se le criticaba fundalmente el estar continuamente actuando de forma «posera» y algo desconcertante. Todo ello comenzó a reventar en el festival de Wacken de 1994 (muchísimo más pequeño en ese entonces), donde Gamma Ray compartió escenario con bandas como Skyclad, Atrocity y Paul Di’Anno, entre otros. No importaba cómo lo hiciera, Ralf era siempre despedazado por la prensa, por lo cual su confianza bajó considerablemente. A pesar de ello, la banda se decidió a mostrar un espíritu positivo y de unión, tocando en muchos lugares. Incluso llevaron a cabo un insólito show (en el marco de un evento llamado «Rock bei Kurt») en una granja, y el escenario que nada menos que el remolque de un tractor … y más encima, gran parte del público se retiró antes pues, ¡comenzó a nevar! Pero si bien no se veían señales externas del final de una era, esto terminaría por ocurrir.

Gamma Ray

El hecho fundamental que en principio terminaría por desencadenar lo inevitable es el hecho de que Ralf vivía a 800 kilómetros de Hamburgo. Kai y Dirk le habían señalado en reiteradas ocasiones que deseaban que se mudara a Hamburgo -lo cual a la larga nunca ocurriría-, sólo pudiendo verse los fines de semana. Pero si bien esto podía ser sobrellevado por Kai y compañía, lo que a la larga terminó por romper la cuerda fue el hecho de que Ralf ambicionaba convertirse en el nuevo vocalista de Judas Priest, tras la partida de Rob Halford, para lo cual había incluso audicionado. Cuando Kai le preguntó a Ralf acerca del tema, éste le contestó que claro que aceptaría ser el vocalista de Judas Priest, pues había sido fan de la banda desde años y años, y que sería un sueño para él. Así que, como resultaba obvio, se tomó la decisión de que Ralf no continuaría siendo el vocalista de Gamma Ray. De más está decir que Ralf no llegó a ser el vocalista de Judas, siendo el puesto alcanzado por el norteamericano Tim ‘Ripper’ Owens. Scheepers posteriormente formaría una banda tributo a Judas Priest llamada «Just Priest», que sería la base de lo que en 1997 se oficializó como Primal Fear, estupenda banda Power, que ya cuenta con cuatro LPs a su haber.

¿Quién reemplazaría a Ralf? El «reemplazante» sería nada menos que el mismo Kai Hansen, quien inmediatamente una vez oficializada la partida de Ralf toma, no sin nervios, el micrófono para comenzar con la grabación del cuarto LP de la banda. Kai había demostrado un impresionante progreso en su calidad vocal, desde su trabajo en «Walls Of Jericho». De acuerdo a lo que el mismo Hansen señala, esto sólo se debió al hecho de su amor por cantar, pues estuvo constantemente probando su voz, incluso sin ser el vocalista de la banda.

Gamma Ray

En Mayo de 1995 saldría a la venta lo que, para muchos, es el mejor disco del ahora cuarteto germano. «Land Of The Free« es un disco que reúne lo mejor del Power Metal: mucha pasión, buenas letras, fuerza, potencia y melodía. Gloria pura. Kai lo describe como «una especie de viaje a lo más profundo de la conciencia, un mundo fantástico que de una u otra forma está basado en la realidad«. En un álbum lleno de himnos, y en el cual resalta sobremanera, desde el primer verso, el impresionante progreso vocal de Kai Hansen, destacan la épica «Rebellion in Dreamland» (cuyo single incluye una versión re-grabada de «As Time Goes By», tema de «Sigh No More», y un cover de «Heavy Metal Mania», tema original de la banda Holocaust), la impresionante «Man On a Mission«, la gloriosa «Land Of The Free» y la emotiva «Afterlife«, dedicada al baterista de Helloween, Ingo Schwichtenberg, quien se suicidó, a los 29 años de edad, lanzándose a la línea ferroviaria el 8 de Marzo de 1995, tras sufrir la fase final de su esquizofrenia crónica (hereditaria), que lo llevó, durante mucho tiempo, a la adicción a la cocaína y al alcohol, lo que había desencadenado su salida de Helloween a principios de 1994, antes de un show en Japón en el que terminó llorando sentado frente a su batería y posteriormente botado en el suelo. Este álbum, además, cuenta con la colaboración de Michael Kiske, en el entretenido pero algo fuera de contexto tema «Time To Break Free«, y en coros de un par de temas (especialmente en «Land Of The Free»), lo que hizo soñar a los fans del Power Metal en una re-incorporación de Kiske al Metal (tras su polémico despido de Helloween en 1993), lo cual nunca ha ocurrido y se ve cada vez más lejano.

Gamma Ray

Dirk y Kai entran, en Agosto del mismo año, al estudio para grabar un EP que contendría cuatro baladas, destacando la extraña «Miracle» (la versión lenta de «Man On A Mission») y la hermosa «A While In Dreamland«, en la que Kai sólo es acompañado por un piano. Este EP, que se llamaría «Silent Miracles«, y que salió a la venta en Febrero de 1996, puede llegar a considerarse dentro de la discografía más prescindible de la banda.

UN DRAGÓN CARPINTERO Y UN JUEZ DISEÑADOR

La banda saldría nuevamente de gira a finales de 1995, en lo que a la postre sería el exitoso «Men On A Tour». Tras sus exitosas performances en vivo, la banda decide lanzar su primer disco en directo, el que fue grabado en las presentaciones efectuadas en España e Italia, y que titularían «Alive ’95» (a pesar de que es lanzado en Mayo de 1995). Sin embargo, antes de iniciar una gira por España (presupuestada para Septiembre) junto a dos tremendas bandas, Stratovarius y Rage, se notaba que las cosas en la banda no andaban 100% bien: por un lado, Kai era el líder de la banda y soñaba con continuar con el empuje de la misma; Dirk deseaba volver a tocar bajo; y Jan junto a Thomas no estaban contentos con el estilo de la banda. Simplemente no era «su onda», y querían volver a Anesthesia, su anterior banda, con la que tocaban un thrash con toques progresivos. Thomas decidió efectuar esa gira española, Dirk tomaría el bajo. Faltaba el guitarrista, que ojalá también tocara teclados (algo innovador en la banda).

Gamma RayEl hombre indicado sería Henjo Oliver Richter (Richter significa «juez» en alemán), nacido el 24 de Noviembre de 1963 en Hamburgo, Alemania. No sólo es un buen guitarrista, sino que además se desempeña bastante bien en los teclados (de hecho, comenzó su coqueteo con la música a los 6 años, tocando piano), y además es un estupendo diseñador gráfico: de hecho, ha diseñado los booklets de «Powerplant» y «Blast from the Past» (de Gamma Ray); «Better than Raw» y «Metal Jukebox» (de Helloween); «Stairway to Fairyland» y «Crystal Empires» (de Freedom Call); «Catch the Rainbow» (de Catch the Rainbow); «Shockmachine» (de Shockmachine); y «The Four Seasons of Life» y «Kaleidoscope» (de Roland Grapow). Henjo formó su primera banda a los 13 años (luego de obtener su primera guitarra eléctrica), y en 1982 reemplaza a Roland Grapow en Rampage, banda que se disolvió poco tiempo después, y a cuyo respecto no existen registros, debido a que un miembro de la banda ¡destruyó las copias de sus trabajos!

La carrera de Richter se siguió desarrollando en una banda tributo a Uriah Heep llamada Easy Livin’ (donde tocó durante algún tiempo Markus Grosskopf, bajista de Helloween), por lo que se ganó por parte de los fans el apodo de «The Wizard» (título de uno de lo más conocidos temas de Uriah Heep). Además se ha desempeñado en Charon, Mydra, Catch The Rainbow y Tobias Sammet’s Avantasia. Como se ve, es un tipo con una extraordinaria trayectoria e incluso «utilidad» para la banda. Kai Hansen comentaba: «… necesitabamos otro guitarrista, preferentemente alguien que tocara teclados también … y un amigo nos recomendó a Henjo. Es bastante divertido, pues Henjo tocó en una banda después de Roland Grapow, quien me reemplazó en Helloween, así que todo parece ir en círculos«.

Luego del tour por España, debía encontrarse el reemplazante para Thomas Nack. Y no sólo se encontró a un simple reemplazante, sino que se integró a un estupendo baterista: Daniel Hans Erwin Zimmermann («carpintero» en alemán), nacido el 30 de Octubre de 1966 en Nurnberg, Alemania. Comenzó a tocar batería a los 12 años, y en 1988 entró a estudiar al Frankfurt Music College hasta 1990 (donde preferentemente tocaba jazz), para posteriormente, en 1991, entrar al American Institute of Music en Viena, Austria. Kai conoció a Dan cuando éste último tocaba en una banda de covers llamada Lanzer, en el momento en que esta banda estaba grabando su álbum debut, «Under a Different Sun». Dan, además de ser un baterista muy técnico, posee un talento muy particular, desarrollado en los tiempos de Lanzer: escupir fuego (no, no es un dragón), técnica muy peligrosa que requiere, además de mucho valor, varios años de trabajo (¡niños, no hagan esto en casa!). Dan hoy además toca en Freedom Call y en Easy Livin’, junto a Henjo Richter, y participó en Iron Savior como músico invitado.

Gamma Ray

Con esto, se configura la formación actual de Gamma Ray, que tiene a Kai Hansen en las voces y guitarras, Henjo Richter en guitarras y teclados, Dirk Schlächter en bajo y Dan Zimmermann en batería. El renovado Gamma Ray comenzaba a trabajar en los Hansen Studios de Hamburgo en Febrero de 1997 en lo que sería el quinto LP de la banda. En Mayo lanzarían un adelanto, un EP llamado «Valley Of The Kings«. En Julio del mismo año, la banda se dirigió por primera vez a Sudamérica en un improvisado mini-tour, que los llevó a Brasil y Argentina. Y en Agosto Gamma Ray lanzaría «Somewhere Out In Space«, un solidísimo trabajo inspirado en la fascinación de Kai por los temas espaciales: «nos inspiramos viendo Star Trek y leyendo novelas de ciencia ficción … cuando comencé a escribir temas para ‘Somewhere Out In Space’, lo primero que escribí fue ‘Men, Martians and Machines’. Todo el tema relacionado con el espacio se me vino a la mente mientras estaba en Hawaii, estaba en una tienda de antigüedades donde tenían libros muy antiguos, así que empecé a observar y me encontré con un libro llamado ‘Men, Martians and Machines’ … me fascina la idea de pensar ‘de dónde venimos’ o ‘hacia dónde vamos’, y la respuesta parece ser el espacio … «. Sin embargo, no todos los lyrics fueron escritos por Kai, siendo considerable el aporte de Henjo y Dan a ese respecto.

Gamma RayEl álbum, en el que destacan las muy Power «Beyond the Black Hole» y «Somewhere Out in Space», la citada «Men, Martians and Machines» y la ultramelódica «Winged Horse» (obra de Henjo), incluye un cover de «Return To Fantasy«, tema original de Uriah Heep, banda de culto de Hansen y sobre todo de Henjo Richter que, recordemos, aun toca en Easy Livin’, banda tributo a Uriah Heep. El álbum fue un éxito de ventas en Europa (el álbum de la banda que más se vendió desde «Heading For Tomorrow», por lo que obviamente la gira efectuada por la banda (donde tocaron en los grandes festivales: en el Wacken Open Air, en el Dynamo Open Air y en el Gods Of Metal de Milán) fue exitosa, a pesar de la gran cantidad de críticas al estado de la voz de Hansen.

En el mismo año 1997, Kai Hansen se une al proyecto musical de su amigo Piet Sielck, Iron Savior, junto al batero de Blind Guardian, Thomen Stauch, lanzando el disco debut llamado simplemente «Iron Savior» a fines del año mencionado. Puede destacarse, como curiosidad, que el disco incluye a «Watcher In The Sky», tema compuesto conjuntamente por Sielck y Hansen, cantado por este último, y que también aparece en «Somewhere Out In Space».

LA PLANTA DE PODER LOS TRAE A CHILE

Luego del éxito de «Somewhere Out In Space», la banda se toma un pequeño receso, para posteriormente comenzar a grabar su sexto larga duración, y el primero con la misma alineación del disco anterior. «Fue mucho más fácil trabajar junto a las mismas personas -señala Hansen-, no hubo malos entendidos y hubo un tremendo trabajo en equipo». Kai Hansen comienza a escribir temas en Enero de 1998, dos de los cuales («Deadly Sleep» y «Forevermore») terminarían en el segundo disco de Iron Savior, «Unification«, en el cual Dan Zimmermann figura como baterista invitado.

Gamma Ray

Kai llegó con algo así como cinco canciones listas al estudio, las cuales fueron grabadas, y posteriormente se le ocurre en la idea de hacer un cover de una banda pop, «It’s A Sin» de Pet Shop Boys, la cual ha pasado a ser uno de los mejores covers de los últimos años. Hasta que pasados algunos meses, en Febrero de 1999, la banda lanza «Power Plant«, su sexto LP, en el cual hay atisbos de continuación del tratamiento de la temática «espacial» en los lyrics («Anywhere In The Galaxy»), pero no se trata de un álbum conceptual. Kai señalaba: «este no es un álbum conceptual. Queríamos, en un principio, hacer una continuación para ‘Somewhere Out In Space’ llamada ‘Anywhere In The Galaxy’, pero en ese momentos muchas bandas estaban haciendo álbumes conceptuales … Blind Guardian hizo uno … Grave Digger también .. así que parecía estar algo ‘de moda’. Así que dijimos ‘mandemos a la mierda el concepto y hagamos un álbum con buenos temas’. De alguna forma, nuestro concepto era no hacer un álbum conceptual, jaja«. En este disco se destacan las potentísimas «Anywhere In The Galaxy» y «Strangers In The Night» (no es un cover de Frank Sinatra), la muy single «Send Me A Sign«, la extremadamente Manowar «Heavy Metal Universe«, la épica «Armageddon» y el mencionado cover de Pet Shop Boys, «It’s A Sin«. A este respecto, Hansen dice: «siempre me han gustado las canciones no-metal tocadas en versión metalera, como ‘Diamonds And Rust’ de Joan Baez por Judas Priest, por ejemplo«. Además, este disco incluye como bonus track el clásico de Rainbow, «Long Live Rock ‘n’ Roll«.

Gamma Ray

«Power Plant» además cuenta con un «detalle» especial: el cover art, diseñado nada menos que por Derek Riggs, autor de las clásicas carátulas de Iron Maiden. Kai explica la carátula, que cuenta (al igual que la de «Somewhere Out in Space» con pirámides en ella): «Pienso que las pirámides simbolizan misterios sin resolver. Las pirámides en Egipto están supuestamente alineadas con un sistema estelar, así que supongo que existe una conección entre ellas y el espacio. Es fascinante, y me gustó la idea de que esas pirámides pareciesen OVNIs también».

Gamma RayLa gira de este disco fue bastante especial. Principalmente porque en el marco de este tour, la banda visita Chile por primera (y hasta el momento única) vez, el día 4 de Junio de 1999 en el Teatro Monumental. El evento, que contó con la participación de Roland Grapow como telonero, quien venía promocionando su disco solista, «Kaleidoscope», y cuya banda estaba conformada por músicos de real excepción como Mike Terrana en batería, Mike Vescera en voz y Ferdy Doernberg en teclados, lamentablemente no contó con un marco de público adecuado al recinto (asistieron entre 1.000 y 1.500 personas, poco para el Monumental), pero mostró a una banda realmente espectacular en vivo, que hizo delirar a quienes tuvimos la fortuna de asistir.En todo caso, gran parte de la baja asistencia se debió a que los metaleros tuvimos la suerte de tener, en menos de tres meses, a Stratovarius, Angra, Hammerfall con Arch Enemy y Metallica con Sepultura en vivo en nuestro país, con el consiguiente descalabro económico de miles de esforzados bolsillos criollos. Como dato curioso, en el afiche (pequeño) promocional, se señalaba que Roland Grapow venía acompañado por «la voz de Helloween: Yngwie Malmsteen» (¿?).

10 AÑOS DE GAMMA RAY, Y UN NUEVO ORDEN EN EL MUNDO

Luego del exitoso tour de «Power Plant» (donde, tocando con Iron Savior, Dan Zimmermann se quiebra un pie, en el Wacken Open Air), que además de Chile llevó a la banda a países nunca antes visitados, como México, Kai sintió que el décimo aniversario de la banda era la ocasión precisa para grabar un álbum «Best Of». Pero Kai no deseaba hacer un mero compilado de temas antiguos y más nuevos, sino que decidió que la banda re-grabara antiguos clásicos, como «Heaven Can Wait» (su tercera versión en estudio), «Heading For Tomorrow«, «Dream Healer«, «Lust For Life» y «Heal Me«, entre otras (tres por cada disco), conformando lo que llegaría a ser un disco doble llamado «Blast From The Past«, que sería lanzado en Mayo del año 2000. El álbum compilatorio, que viene en un hermoso digipack, puede ser una muy buena puerta de entrada al mundo de Gamma Ray, para quienes no conozcan a la banda. El tour posterior a «Blast From The Past», llamado «Historay Tour», comenzó a mediados del año 2000, y que llevó a la banda a participar, más que nada, en festivales.

Gamma Ray

Durante los últimos meses del año 2000, la banda volvió a los Hansen Studios, para preparar lo que sería su séptimo LP. Se trataría, según se dijo en ese entonces, de un álbum que apuntaría «de vuelta a las raíces», que contaría con elementos que recordarían a Iron Maiden y a Judas Priest, pero sin perder el sonido típico de Gamma Ray. Pero antes de ello, Iron Savior lanzaría, en Enero del 2001, su tercer LP, «Dark Assault«, en el cual la participación de Kai fue mínima. Por lo mismo, Kai decide dejar Iron Savior para concentrarse en Gamma Ray, efectuando un show de despedida en España a mediados del mismo año.

Con todo esto, la banda ya estaba lista para lanzar «No World Order!«, su séptima placa en estudio, el 10 de Septiembre de 2001. En este disco se aprecia una vuelta de Gamma Ray a su «estado natural», dejando un poco el Power de lado y apuntando a una raíz algo más rockera-ochentera, tal como lo habían prometido, destacándose cortes como el single «Heaven Or Hell» (lanzado en Japón el 1 de Agosto), la gran performance vocal de Kai en «The Heart Of The Unicorn«, el casi cover de Judas Priest «Solid«, la épica «Eagle» y la muy Power «Dethrone Tyranny» (inspirada en el tema de los Illuminati). El sonido de la banda se hace algo más oscuro, pero sin perder los toques de distinción propios de Hansen. La carátula del disco fue diseñada por Hervé Monjeaud, y nuevamente apunta a la onda futurista (incluyendo las infaltables pirámides) con elementos que recuerdan a Eddie de Iron Maiden.

Las expectativas para su «No World Order Tour» eran bastante altas, y se hicieron acompañar en Europa por dos bandas muy emergentes: los australianos progresivos de Vanishing Point y los noveles finlandeses de Sonata Arctica. Además de Europa, la banda realizó algunas fechas en Japón.

En el mismo año 2001, Kai y Henjo participan en el disco solista de Tobias Sammet, «Avantasia», el cual -como sabemos- tuvo un notabilísimo éxito en la escena. Pero además Henjo se vio, a fines del mismo año, envuelto en una situación bastante particular: Henjo habría ofrecido ser un guitarrista «parche» para Helloween, tras la partida de Roland Grapow de la banda. Ante ello, los rumores de que Richter dejaría Gamma Ray para unirse a Helloween fueron más y más fuertes, debiendo ser desmentidos algún tiempo después por el propio Richter y por Michael Weikath. Posteriormente se anunciaría que el nuevo guitarista de Helloween sería el ex Freedom Call Sascha Gerstner.

Gamma Ray

A principios del año 2002, la compañía Sanctuary Records anunció que los seis primeros discos de Gamma Ray serían re-lanzados, remasterizados digitalmente, en versión digipack con algunos bonus tracks cada uno, y con nuevas carátulas, diseñadas por el mismo Hervé Monjeaud. A mediados del mismo año, la banda anuncia el comienzo del «Skeletons In The Closet Tour 2002», en el cual la banda tocó, en aproximadamente 10 fechas en Europa, temas elegidos por los fans, vía internet.

Gamma RayEn aquel tiempo se anunció que la banda lanzaría un disco doble en vivo en Marzo del 2003, lo que aún no ha ocurrido, pues el lanzamiento se pospuso hasta Agosto del presente año. Al tratarse de temas elegidos por los fans, encontramos ciertas «rarezas», como algunas ejecutadas en el Torres Rock Festival en España en Mayo de este año: «Rich and Famous», «One With The World» y «Victim Of Fate» de Helloween, entre otras. Hoy en día, la banda se prepara para efectuar una presentación, nuevamente, en el Wacken Open Air, y para lanzar su segundo trabajo en vivo, manteniendo a los fans esperando su nuevo trabajo en estudio.

¿Qué más podemos agregar? Hay tantas anécdotas y otras cosas que quedan en el tintero… pero lo importante es el intento de «resumir» la vida de un personaje que no sólo ha hecho una gran contribución a la música, sino que a la vida de muchos de nosotros. Un genio como pocos, que no sólo ha creado música, sino que ha aportado sobremanera al nacimiento y crecimiento de una escena: la del Power Metal. Por lo mismo, es de esperar que hayamos hecho relativa justicia con don Kai Michael Hansen, quien el presente año ha cumplido nada menos que 40 años de vida (¡cómo pasa el tiempo!), y de 25 años de carrera desde sus años de Gentry. Gracias, señor Hansen, por música concedida.

Mythology

Un equipo, un sueño, una creencia, un estilo de vida. Así ven a Mythology los músicos que la integran. ¿Quién va a culparlos? Chile es un país en el que cuesta soñar y ellos, con los mismos esquivos medios que han sepultado al olvido a muchos otros conjuntos, están abriéndose camino firmemente. Aún sí, ya nadie les viene con cuentos de hadas ni promesas vanas. El quinteto se apoya en la experiencia de los ex integrantes de la banda progresiva Polimetro, el guitarrista Carlos Esquivel y su hermano Patricio, batero, los que encontraron nueva sangre y energía en el cantante Freddy Cortez, las teclas de Aníbal González, en los fraseos de Nicolás Munizaga y en el bajista Carlos Cid.

Mythology es la nueva banda chilena que mezcla experiencia y juventud, ojos maduros y mentes ansiosas para un proyecto serio, profesional y dedicado. Hacer buen Heavy Metal, darse a conocer fuertemente por la música y rescatar nuestra cultura, tradiciones y pueblos a través de las letras e imagen, es la proposición de este conjunto que lleva un par de años de vida, pero que tiene mucha historia detrás de su nombre. Mythology es el último paso de un proceso que ha llevado a los hermanos Esquivel a recorrer este «camino difícil de andar, pero lleno de sueños y magia» por más de una década. Y en esta trayectoria se refleja una historia de constancia, trabajo, grandes éxitos, pero también tropiezos y decepciones, como un testimonio vivo y humanizado de cuan adverso es el panorama para los músicos chilenos.

No hay forma de referirse a Mythology sin hacer un repaso a la carrera de los hermanos Esquivel, desde la banda que hicieron con amigos de barrio a finales de los ochenta y cómo esta se transformó con los años en uno de los episodios más importantes del Heavy Metal de los noventa hasta la llegada del 2000. Quienes conocen a Polimetro, o Metropolis, saben con qué fuerza su único álbum se está transformando poco a poco en un clásico, como también el golpe de la sorpresiva, amarga separación del grupo, tema nunca aclarado del todo hasta ahora, en momentos que parecían abrirse en el mercado tal como Criminal y Dorso.

PowerMetal.cl siempre ha tratado de destacar a Mythology por su música sin compararlo con el pasado de sus miembros; en esta oportunidad tampoco se hará, pero hablar sólo de Mythology sería contar una historia a medias sin perspectiva ni contextualización. La banda de este mes no se formó de la nada, «todo efecto tiene su causa«. Pero el propósito, en cuanto a Polimetro, no es abrir una discusión, sino terminarla: qué pasó, cómo y por qué.

«El Heavy Metal tiene arraigado todos los sentimientos que la música pueda expresar…» Suena fuerte como una verdad que raja velos y rompe piedras, Pero la frase no fue dicha ni por Steve Harris, Glenn Tipton, Kai Hansen, Joey DeMaio ni André Matos, no. Fue precisamente Carlos Esquivel, protagonista de esta historia…

Mythology

LA FUSIÓN DE LOS HERMANOS EN FIXION

Carlos Esquivel empezó a tocar la guitarra en la segunda mitad de los ochenta con Mascada, la primera formación seria a la que perteneció. Antes, había participado en grupos tributo a bandas de rock en español como Soda Stereo y Los Prisioneros. En Mascada, como recuerda Carlos, donde hacían «Heavy Metal tipo Poison«, tocó e hizo contactos con músicos importantes de la escena, como el hoy bajista de Saiko, Jorge «Coyote» Martínez, ex Bismarck, Centurión y Rímel, entre otras. El grupo pasó por su mejor momento en 1989, cuando tuvieron la oportunidad de grabar algunos temas que fueron pasados en la radio.

Como Pato vio a su hermano en una banda, no quiso quedar atrás y junto con dos amigos de barrio, formó la banda Fixion. Inexpertos totales, en un principio tuvieron que transformarse en los roodies de Mascada para poder tocar siquiera una canción. Iván Rubio, el bajista de Fixion y ahora, compositor para el nuevo programa de Mega, Operación Triunfo, recuerda: «Eramos tres niños que hacíamos música por verlos a ellos (…) Nosotros cargábamos sus equipos para que en los ensayos nos prestaran los instrumentos y poder tocar una, ¡sólo una!, con bajo volumen después que ellos habían dejado la cagada. ¡Y la única que nos sabíamos era Humo Sobre el Agua (Smoke On The Water)! Más encima nos arrendaban la batería por 500 pesos«.

Resultó que un día, Pato, Iván y Nelson, el guitarrista, fueron a ver grabar a Mascada. «Eran bacanes, los artistas, rock super stars -comenta Iván- pero nos dimos cuenta que la cosa no era tan difícil». Así, en dos fines de semana Fixion escribió tres canciones, una cada integrante y «las grabamos más rápido que Mascada«. Se entusiasmaron tanto con el chispazo de creatividad, que Iván gastó sus ahorros para comprar una batería para Pato.

Fixion creció. En cambio, Mascada decayó y, por diferencias personales, dejó de existir, lo que para nada significó el fin de Carlos en la música. Esta disolución fue el hecho que dio comienzo a un proceso que sigue hasta el día de hoy: los hermanos Esquivel juntos en una banda. Carlos llegó a Fixion con un cantante de origen sueco, Joe Canner. Ahí fue cuando la banda logró tener algo interesante que mostrar en un tiempo que en Chile el Heavy Metal estaba rezagado y dominaba el Thrash. El problema no era la moda del estilo, sino su calidad: «La gente que hacía (thrash) metal era muy mediocre -dice Iván-. Tomaban la guitarra, agachaban la cabeza y eso era todo (…) Era triste«. Fixion trató de marcar la diferencia con una propuesta distinta, con una preocupación especial en la imagen y en el show, así como en el sonido influenciado por un Heavy Metal clásico tipo Malmsteen y Rainbow.

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Tan pronto como el nuevo Fixion empezó a caminar, Joe se devolvió a Suecia y llegó a la banda una persona que sería fundamental en la carrera de los Esquivel e importante más tarde en la escena chilena: el vocalista Ricardo Susarte. El grupo hizo presentaciones en lugares vetados para el metal en ese tiempo, las discotheques Dangerous y Broadway. Grabaron el demo Leyenda en 1992, con Kike Yorio, quien acompañaría desde ahora en adelante a los Esquivel en cada trabajo. Uno de sus temas, Juntos, apareció al año siguiente en el compilado «Con el Corazón Aquí» de la Asociación de Trabajadores del Rock (ATR), organización fundada por el guitarrista de Los Prisioneros, Claudio Narea, y fueron parte de un festival en el Court Central del Estado Nacional ante 12 mil personas. Hasta editaron un video clip de la balada Amor Eterno, grabado en las afueras de la disco Excalibur. La canción salió por un tiempo en el nuevo canal de televisión Rock&Pop.

Todo iba bien en Fixion hasta que una decisión, que parecía la indicada, resultó fatal: hacer una gira a Perú. La idea de Iván, quien era el que más se preocupaba del manejo, aunque ya contaban con un manager, Aldo Robledo, era hacer conocida a la banda afuera del país y abrir perspectivas en otros mercados. Sabían que la música que hacían no resultaba en Chile, sobre todo en ese momento. El Heavy Metal era un grupo minoritario dentro del movimiento metalero de principios de los noventa. Con muchas ganas encararon el desafío, pero terminó siendo un desastre que se filtró al ánimo de los integrantes, especialmente el de Iván. Las condiciones y comodidades eran pésimas y no les fue como lo tenían planeado. Para colmo, Carlos se enfermó gravemente. Iván hasta tuvo que vender sus pantalones de cuero para comprar los remedios. «Partimos con ni uno y llegamos endeudados«. La experiencia fue horrible.

Tal decisión, según Iván, fue adelantada, el grupo parecía irse por otros caminos y optó por apartarse de Fixion. «Me da tristeza que haya terminado por algo que no somos nosotros. Creo que fue una mala elección tener un manager (Aldo Robledo) porque éramos muchos más felices cuando estábamos solos. Lo veíamos como una familia, no como negocio«.

AÑOS BAJO LAS SOMBRAS

Hasta acá llegó Fixion… siguieron con otro nombre. Para tomar el puesto dejado por Iván, se integró Mauricio Espinoza y el tecladista César Anguita, por Juan Aránguiz. Esta formación sería la que daría forma a Metropolis, nombre que «nos sonaba bien del álbum (Images And Words) de Dream Theater«, reconoce hoy Carlos.

Con un nuevo nombre pero ya con sus años de participación en la escena, Metropolis trató hacer lo que le había faltado a Fixion: un disco debut. En 1995, Robledo contactó al guitarrista y vocalista de Feedback, Nestor Leal Ponce, interesado en producir un álbum para el conjunto. El quinteto y Leal se juntaron y empezaron a grabar el trabajo de diez temas que sería llamado como el grupo, Metropolis. Lamentablemente, los propósitos de Leal no coincidieron con los de la banda. Mientras los últimos esperaban que el larga duración fuera editado por un sello y lanzado a la venta, Leal pensaba distribuirlo de manera personal, y eso no quedó aclarado hasta cuando la grabación, las mezclas y la posproducción habían finalizado.

El álbum no circuló comercialmente, sólo en cassette a nivel underground. Fue un disco, con todas sus letras, que no se vendió en la práctica. Para Carlos, Leal no cumplió con su compromiso de sacarlo a la venta, por lo que se desligaron del productor para trabajar de manera independiente. Después de esta fallida experiencia fue cuando se deshicieron del sonido que caracterizaba a para evolucionar hacia uno progresivo. Con este estilo se harían conocidos.

En 1997 autoprodujeron el primer Ep de Metropolis, Bajos las Sombras. Este contenía tres pistas: una introducción, Necropolis, y los temas Episodios y Finjo Ser Fuerte. El grupo mandó las canciones a medios musicales, las que tuvieron una gran acogida en la Radio Concierto, donde Episodios sonó varias veces en la rotación de la emisora.

Entusiasmados por la buena recepción, al año siguiente sacaron otro EP promocional, esta vez llamado Fábulas de Horror, con Fábulas y la helloweenera Luz y Sombra. El destape les valió en 1999 para ser invitados a abrir los conciertos de Stratovarius, el 18 de marzo, y los brasileños de Angra, el 17 de abril, ante una gran cantidad de público que ya estaba familiarizada con la banda. Metropolis se hacía un nombre importante en la escena.

El ’99 se caracterizó además por una noticia buena, muy buena, y otra mala. Cuando compartieron escenario con Angra, se les acercó el dueño del sello chileno Musicland, Eduardo Balazs, quien les propuso trabajar juntos en el futuro. Esta conversación informal se tradujo, unos meses más tarde, en un acuerdo para grabar un disco, pero no un contrato, según el bajista Mauricio Espinoza aclara. «Con Musicland nunca se firmó contrato y nunca se pagó un peso a la banda«. «Lo firmo al tiro -dice Pato por su parte: nosotros no hemos ganado ni un puto peso en este país por hacer todas las canciones que hemos hecho«.

La mala fue que no podrían seguir ocupando el nombre Metropolis ya que otro grupo, llamado igual, lo había registrado. Sin más remedio que cambiarse, a Pato se le ocurrió hacer un juego de palabras. El conjunto pasó a llamarse Polimetro, una herramienta que sirve para medir los voltios, amperios y la resistencia de un circuito eléctrico.

Esto sucedió justo cuando grababan el álbum, entre noviembre del ’99 y febrero de 2000, con la producción de Andrés Godoy, quien los Esquivel conocían desde la época del compilado de la ATR, y Kike Yorio. No esperaron prácticamente nada tras el acuerdo, de inmediato se pusieron a trabajar en el álbum. Metropolis sería el nombre del primer -y único- disco de Polimetro.

SIMPLEMENTE METROPOLIS

En el primer semestre del 2000 salió a la venta Metropolis. El disco trataba de doce pistas, incluyendo las cuatro, regrabadas, que aparecían en Bajo las Sombras y Fábulas de Horror. Entre las nuevas estaban Laberintos, Dioses Negros, Guerras Eternas, etc. También se encontraba una canción dedicada a Sola Sierra, Sola. El homenaje no se trató para nada de una declaración política de Polimetro, sino de una balada preciosa en música y conmovedora en contenido.

No es insensato decir que Metropolis fue un disco esperado y que provocó expectativas previas. De lo contrario no podría haberse explicado su sorprendente recibimiento. Musicland distribuyó el álbum desde Arica a Punta Arenas, revistas especializadas y sitios en Internet le dieron cobertura, incluso desde el extranjero. Se destacaba la solidez, madurez, riqueza técnica y compositiva del quinteto, calificándolos como una de las promesas no solo del metal, sino del rock progresivo en Chile y Sudamérica. Aunque la comparación con Dream Theater era muy recurrente, afuera se dijo que las letras en castellano y sus melodías atractivas se volvieron en puntos a favor que le otorgaban identidad.

En mayo del 2000 fue el concierto de lanzamiento del álbum, en el Teatro Monumental, con un invitado muy especial: André Matos de Angra, quien llegaba al país por segunda vez en el lapso de un año, esta vez para participar en unas cuantas canciones con los chilenos.

Tiempo después vino el primer cambio de integrante desde que la banda se había transformado en Metropolis. Por falta de compromiso, según Mauro, le pidieron a César Anguita que dejara el grupo. El tecladista Manuel Soto ingresó para continuar el trabajo.

La otra presentación importante de Polimetro ese año fue la que hicieron como teloneros en el concierto de Symphony X en el Providencia, el 19 de noviembre, la primera de este tipo desde la salida de Metropolis. Pocas veces había tenido tanta importancia el número de una banda nacional, no tanto por la participación y momento del grupo, sino por una especie de polémica que causó la entrevista de Patricio Esquivel en el programa del líder de Criminal, Anton Reisseneger, Carne Molida, cuando dijo que la gente «pagará cinco lucas por ver a Polimetro y cinco lucas por Symphony X«. Se les acusó de «agrandados» y de tener los humos en la cabeza. Según su hermano, las palabras fueron mal interpretadas ya que había querido decir que estaban preparados para entregar un show a gran nivel. Al final, el poco público que asistió (al día siguiente era el recital de Vision Divine y Labÿrinth) los apoyó y Polimetro se fue entre aplausos. Incluso anunciaron la grabación el tema Episodios para hacer un video clip. Desafortunadamente la idea no llegó a puerto.

El 2001 se vino para Polimetro con enormes expectativas, para ellos y para su público. Sacarían el álbum via NEMS para México y Argentina, se importaría a Japón, llegarían copias a Europa, participarían en el disco tributo a la banda pionera del Heavy Metal en Argentina, V8, «Tributo a V8 – V8 No murió» con el tema Tiempos Metálicos, junto con Barón Rojo, Ataque 77, entre muchas otras. Desde Chile, lograrían entrar al mercado internacional. Darían los pasos claves para su carrera en el extranjero. Ese año Balazs les ofrecería hacer un segundo disco y, con estos tremendos desafíos a la vuelta de la esquina, Polimetro se disolvería…

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SONRISA AL VIENTO…
…QUE VIENE Y DESAPARECE…

«Había un desorden completo, de ego, de amistad. Era un caos en la banda«. Así se acuerda Carlos Esquivel de los últimos días en que estuvo en Polimetro. A pesar de los años transcurridos desde Fixion, para el bajista Mauricio Espinoza, el concepto de banda estaba errado. «Para mí una banda es un grupo de amigos, no un grupo de músicos tratando de ser amigos«, aunque en un principio las relaciones hayan sido buenas. ¿De qué otra forma abrían aguantado juntos todos estos años? «La gente va cambiando igual que la música«, recalca.

La mala convivencia fue la razón de la salida de Patricio y Carlos y el abrupto final de Polimetro. Pato estaba aburrido que sus ideas no fueran consideradas en el núcleo, por lo que el proceso compositivo se estancó. Entre ellas, la de hacer un disco conceptual y doblar la línea del grupo hacia una más heavy. El ambiente estaba tenso y el roce empezó a ser constante. «Había gente que no estaba dispuesta a hacer cosas (…) Uno llegaba con una idea y te decían no, está malo«. Mauro también recuerda que no se podía hacer nada: «La cosa era destruirse. Si uno traía un tema, fuera quien fuera, los otros cuatro lo destruían. Era como el deporte de la banda«. Carlos: «Todo dentro estaba podrido (…) Sentíamos que la parte Dream Theater estaba manoseada. Queríamos salir de ese hoyo y a los integrantes no les gustó«.

Sucedió que Carlos hizo un largo viaje hacia el norte del país y tuvo que dejar por un tiempo su puesto en la banda, por lo que la búsqueda de un reemplazante, temporal al menos, mientras duraran las ausencias de Esquivel, era necesaria. Se contactó a Hugo Martin. Sin embargo Polimetro, a excepción del batero, por supuesto, encontró que Hugo poseía mayores cualidades y disposición para el grupo, por lo que se integró definitivamente. «Carlos estaba dejando de ir a los ensayos y llegó el momento de decidir«, apunta Mauro. El manager, Aldo Robledo, fue el encargado de informarle la noticia.

«Cuando a Carlos le dijeron «tú te vas», -dice Pato- ha sido lo peor que me han hecho en la vida (…) Puede no ser el mejor guitarrista del mundo, que no lo es, claramente, pero él había hecho todo el trabajo. ¡De los once temas había hecho diez y medio!» El que hayan puesto en el Metropolis «todos los temas compuestos y escritos por Polimetro«, fue por razones de convivencia y comprometer en el espíritu del grupo a los demás miembros, «pero todos en la banda -señala Carlos- sabían que yo era el que los escribía«. Mauricio se defiende: «Los temas que hacían ellos quedaban siempre, los de nosotros no. Además era común que los trabajáramos juntos«. «Si el problema era que yo siguiera -continua el guitarrista-, bueno, ellos lo decidieron así. Me sentí un poco fuera de la cosa y salí humildemente, con abrazos y deseándoles toda la suerte«.

Pero Pato no aguantó. Vio que con la salida de su hermano, el compositor, Polimetro no iría a ningún lado. La música y el metal era lo que Pato amaba, pero no tenía ganas ni motivación de seguir con Polimetro y se marchó. Ensayó dos veces más después de la partida de Carlos. Luego, entró Juliano Scuadrito.

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Lo que más le dolió a Carlos fueron las declaraciones de Mauro en un programa de la radio Futuro, dos semanas después de que Pato se fuera. Al ser entrevistado acerca de la partida de los Esquivel, respondió que «no les había dado el culo para seguir con la banda«, en momentos que se proyectaban en el extranjero, con el disco editado fuera y con posibilidades de presentarse en otros lugares.

Mauricio explica sus palabras: «Soñaste toda tu vida con tener un disco y poder tocar afuera (…) Hubo una opción de irse a tocar a Alemania y ellos (Carlos y Pato) dijeron que no porque no podían dejar la familia y sus trabajos (…) Eso se los dije siempre«. Su frustración se hizo notar.

Según los Esquivel, la banda quedó descabezada, sin composición y empezaron a morir. Polimetro tendría un par de presentaciones más, una de ellas, junto a Shaman en el Estadio Chile. El grupo con sus nuevos miembros logró sostenerse haciendo algunos temas, pero pronto Ricardo decidió alejarse del canto, por problemas personales, al igual que Manuel, el tecladista. De ahí Polimetro guardaría los instrumentos y se separaría. «Nosotros no tuvimos nada que ver«, dice Carlos.

«La experiencia que aprendimos fue muy grande -agrega Pato-. Había muchas expectativas y gente que esperaba que fuéramos internacionales, y pudimos haberlo sido. Polimetro fue nuestra escuela internacional, nos dejó mucho«.

«La disolución de Polimetro -termina Mauricio- fue un error regrande de todos. Lo que pensé en su momento no estuvo mal, pero sí la decisión. Debimos seguir tocando (…) Asumo mi parte por haber dicho lo que dije y espero que los demás hagan lo mismo«. También se enorgullece de lo hecho en la banda. «Hicimos cosas que no se habían hecho antes en Chile«.

EL ARRIBO DE LA LUZ

«Mythology le tapa la boca a los que piensan que Pato y Carlos se fueron de Polimetro porque no se la pudieron» – Freddy Cortez, abril 2003

Tan pronto como salieron de Polimetro, Carlos y Patricio Esquivel empezaron a buscar gente para una nueva banda y materializar sus ideas antes no concretadas. Unas cuantas cosas tenían claras. Primero, el grupo sería de Heavy Metal moderno; segundo, para el disco próximo hablarían de la cultura precolombina, materia que Pato había estado estudiando, y, por último, que las letras serían en inglés, algo totalmente inédito en sus trayectorias. «El inglés -dijo Patricio en su oportunidad- te abre fronteras, territorios a que el castellano no puede llegar. Nos encantaría algún día ir a tocar a Japón o a Europa, sería increíble… y con el castellano ni siquiera puedes ir a Brasil, Argentina como máximo.»

El cantante que se les unió fue Freddy Cortez. «Yo lo tenía fichado de a que tiempo«, reconoce Pato. A Freddy lo conocía porque había estado un una banda paralela con él y Hugo Martin, el mismo que sustituyó a Carlos, cuando Polimetro estaba con el disco recién sacado. Dice Freddy que no tuvo ningún profesor con nombre ni apellido, sino maestros «en silencio». «Estudiaba todos los días, me encerraba en mi casa escuchando a André Matos, a Timo Kotipelto, Michael Kiske. Llegaban los pacos, los vecinos dejaban constancia y me fui preso alguna vez«. Freddy venía de Orion y las presentaciones que hizo con este grupo fueron las que le dieron cancha para entrar luego al proyecto de los Esquivel.

Mythology

Ese mismo mes, en junio del 2001, conocerían al tecladista de Buin llamado Aníbal González. Ultrafanático de Yngwie Malmsteen, el Blues y la música barroca, cuando se editaba el cd de Polimetro, él hacía lo suyo en una banda tributo a Pink Floyd.

Al mismo tiempo entró el bajista Carlos Cid, quien el 2000 hizo sus maletas desde Coihaique para prepararse, con el maestro Claudio Vivar, con el propósito de entrar al Conservatorio de la Chile. Ese año tuvo dos clases a la semana y siete horas diarias de práctica. En la prueba «eran quince minutos los que había que tocar y tenía 18 años… Entre super viejo y era casi imposible que quedara«. Cid logró entrar con otras tres o cuatro personas, Sin embargo, el rock pesó más que la música docta y decidió seguir con el bajo, que practicaba desde los 17, dejando un lado la guitarra clásica.

La escena metalera de Aysén se mantiene aunque muy pequeña, «como una llama a punto de apagarse«. Carlos la describe principalmente, como black y death metalera, con pocas bandas, sin infraestructura ni lugares donde puedan ensayar y en un año «ni siquiera hay dos tocatas, una con suerte«. Ya que Internet no está desarrollado como en Santiago (en Magallanes, por ejemplo, aún no ha llegado la fibra óptica), la música se pasa en cassettes y los metaleros se comunican por cartas con los demás del país.

La ventaja de tener una escena incipiente es que no pasa lo que en Santiago. «Es muy unida. En Santiago están como todos disgregados. Los Black con los Power se odian y hablan unos contra otros. Allá son tan pocos que tienen que estar unidos. Si no, prácticamente no existiría una escena«.

El guitarrista Nicolás Munizaga fue el último en integrar las filas del grupo en octubre. Quien empezó a tocar a los catorce, como desafío personal y autodidacta, en el colegio formó un trío en el que interpretaban covers de Satriani y Steve Vai. Luego tuvo clases con Rodrigo Contreras de Criminal y en talleres de Alejandro Silva, pero con el que más aprendió fue con el guitarrista de Shrink, Franco Lama. «Me enseño todo el concepto melódico«. Nico entró gracias un aviso que la banda había puesto en la Rockaxis. «Le contesté al Aníbal y me hizo cagar en la audición«.

A esas alturas, la banda ya tenía un nombre. Se le conocería como Mythology…

EL AUGE DEL REINO DEL SOL

Meses de trabajo silencioso, sin conciertos ni presentaciones, fueron los que siguieron para el sexteto, enfocado en las composiciones y preparando la temática del álbum que vendría. Pato había optado, mucho tiempo antes, por hacer un concepto relacionado con la cultura del Imperio Inca, sin tratarse de un enfoque épico europeo. «Nosotros tuvimos una cultura valiosa. Los europeos sí, pero los Incas nunca fueron guerreros, y su sabiduría es admirable (…) Las culturas de América fueron del alma, no guerreras, y aquello no se ha explorado. Queremos que el espíritu de Latino América trascienda en nuestra música, un gran ser mitológico que no lo tienen los europeos, los gringos ni nadie, sólo nosotros. Por eso nos llamamos Mythology«. Freddy: «La idea de los Incas me encantó porque se logra que un concepto bañe al grupo y lo vivamos (…) Bandas como Rhapsody nos muestran su cultura y quedamos alucinados, nos conquistan. Tenemos una hermosa y no la hemos aprovechado«.

Con el objetivo de facilitar la salida de la banda hacia otros países, todo esto sería narrado con letras en inglés, nada incómodo para Cortez, ya que todas sus influencias, desde Sebastian Bach, Axl Roses, hasta Matos y Kotipelto, han cantado en ese idioma.

Mythology

En enero del 2002, Mythology entró a los estudios A&N, donde los Esquivel se reencontraron con Kike Yorio, para grabar dos canciones que entrarían en un EP promocional. Estas fueron The Arrival Of The Light y The Island, más una intro, Illumination. The Kingdom Of Sun, así llamado, no fue tirado a la venta, pero sí enviado a estaciones como Radio Carolina y Rock&Pop, además de poner los mp3s en Internet. Así se expusieron a la crítica, con buenos resultados.

«…Les aseguro que los nacionales Mythology exhiben prolijidad sin perder ninguna pizca de potencia, sino por el contrario, gran técnica mezclada con melodía, enganche y poder. Así, Mythology entra en el campo que se encuentran bandas como Elegy, Symphony X y Angra» PowerMetal.cl, mayo 2002.

Este EP y, en gran medida, el atractivo de tener en sus filas a los ex Polimetro, Carlos y Patricio, le sirvió al grupo ser considerado para el concierto de lanzamiento del disco Dead Kings From The Unholy Valley de Six Magics, realizado el 6 de julio de ese año en la Laberinto. En lo que se trató el debut de Mythology en un escenario, interpretaron seis canciones, incluyendo los dos del EP y un emotivo medley de Polimetro que trajeron a la memoria ya clásicos como Fábulas, Episodios, Luz y Sombra y Sola. El resto del número trató de los temas que aparecerían en el LP, algunos anunciados con nombres tentativos (2000 Years, después Power Of Wisdom).

De inmediatamente después se pusieron cabeza abajo en las grabaciones y mezclas del álbum, en los Estudios Yorius de Kike Yorio para lanzarlo, con o sin sello, en agosto. Sin embargo, la intromisión de problemas extramusicales, familiares, retrasos, imprevistos, etc., además de una ida a Concepción con Bloden Wedd, hizo que la fecha de término de la producción se postergara una y otra vez.

Tampoco les convencían las propuestas de contrato que les llegaron de sellos nacionales. Decidieron editarlo y distribuirlo de forma independiente hasta que llegara una mejor oferta (Desafortunadamente para Mythology, esto aún no ha sucedido).

The Kingdom Of Sun, igual que el EP, fue el nombre elegido para el disco que salió, por fin, en diciembre del 2002. Mythology logró entregar un trabajo variado en recursos musicales pero homogéneo a la vez, con canciones tan distintas como la tradicional Power Of Wisdom y la atípica Last Breath, pero unidas por el talento y personalidad de Aníbal en los teclados, las voces de Freddy y, sobre todo, por el concepto del disco que mezcla la cultura Inca con historia, ciencia-ficción, extraterrestres, etc.

Mythology

La historia trata de un indígena y jefe de una tribu, Manca (o Manco Cápac), que con la sabiduría y las revelaciones de Falgar, un maestro del planeta Namybion, creador y padre de los seres humanos, levanta el fabuloso Imperio Inca. Después se ve amenazado por la invasión y ambición de los conquistadores españoles, quienes en realidad descienden de una raza hostil que habitaba en el cuarto planeta del Sistema Solar (PowerMetal.cl, enero 2003).

Eligen el tema A Lake Of Lie como single, el cual sonó en Radio Carolina, Rock&Pop y Rockaxis en Los 40 Principales.

La primera actuación de Mythology con el The Kingdom Of Sun a la venta fue en el Tributo al Rock Finlandés el 5 de enero pasado, con Burning Tears, Alta Densidad y Six Magics. Luego hicieron tocatas en la House Of Rock, dos durante febrero y otra en abril. Participaron el 4 de ese mes en el festival que conmemoró el segundo aniversario del programa Metalogia de Valparaíso, como invitados estelares, realizado en el puerto y con la participación de Sanctuary (tributo a Iron Maiden) Anoxia, Ethernia y Noctus.

En esta actividad se aproximó mayo y para Mythology la oportunidad de mostrar su música en vivo en un concierto más masivo. Este fue el de Hammerfall en el Estadio Chile, en su tercera visita al país desde 1999. Les tocó el turno de abrir la noche ante 2 mil 300 asistentes. Ha sido, hasta ahora, la presentación más importante del grupo que incluyó un recuento de clásicos de Queen, Rainbow, Deep Purple, Judas Priest Helloween, un acto de magia de Freddy Cortez al desaparecer en un dos por tres debajo del escenario después de dar un salto en la tarima, durante A Lake Of Lie, y la grabación de imágenes para editar un video clip de The Island.

¿Qué esperanzas tienen con Mythology? Para Carlos, el guitarrista de Fixion que se enfermó durante la gira por Perú, el mismo que en el clip de Amor Eterno encarna a Yngwie Malmteen, al que André Matos acompañó en el lanzamiento de Polimetro… para él, todas las esperanzas. Según su impresión el grupo está en un muy buen pie anímico, de amistad, de creación, proyectos, etc. La ambición de Mythology es clara… y grande. «Dios quiera, nos ayude a llegar a Europa, a estar en Japón, en mercados grandes donde la banda pueda vender hartos discos. Queremos dar grandes pasos«.

¿Cuál es la promesa de Mythology para lo que viene? Tener un nuevo disco para el 2004. Pato: «Vamos a encontrar lo que siempre hemos buscado y nunca logrado», en música y creación. Eso, asegura, está en todo Mythology. «Hemos logrado, por una vez en la vida, el equipo ideal». Es la banda definitiva con la que van a cumplir sus metas. Hasta ahora han trabajado sin manager, con nadie de por medio. Para Carlos, la banda tiene un grupo excelente, bien unido y compenetrado, en lo que es música, en hacer cosas, organización. «No va a ver ningún cambio de acá a lo que queremos lograr».

Mythology

Formación Mythology:
Freddy Cortez: vocales
Carlos Esquivel: guitarras
Nicolas Munizaga: guitarras
Patricio Esquivel: batería
Carlos Cid: bajo

Avalanch

Un Canto Asturiano

España es sin duda una cuna de buen rock, y sobretodo de buen metal. Bandas como Barón Rojo, Obús y Ángeles del Infierno son leyendas vivientes algunas, parte del pasado otras, de un legado que la llamada Madre Patria ha dejado a los seguidores del rock. Bandas que han llevado el estandarte del metal en español (la otra gran fuente del metal de habla hispana es Argentina, y en menor medida Chile) y lo han hecho traspasar fronteras no sólo en los países de habla hispana, sino que también fuera de los límites de habla hispana.

Sin embargo hubo un vacío de bandas españolas, o puede hablarse también de un desconocimiento de las nuevas agrupaciones que nacían en España. Sólo en la segunda mitad de la década de los 90 comenzó a hacerse notar una nueva hornada de grupos hispanos. Bandas como Tierra Santa, Mago de Öz, Azrael, Ankhara y Saratoga comienzan a hacerse de un nombre en el circuito mundial de esta bella música llamada metal. Pero sin duda, una de las agrupaciones que ha llevado la batuta en el nuevo metal en español, es sin duda la que nos convoca este mes. Los asturianos de AVALANCH, de los que podemos señalar, sin temor a equivocos que son la banda estandarte de la nueva camada de metal español y sobretodo de metal EN Español. Esto debido a que tienen un mayor recorrido histórico, aunque su despegue se produjo bastante tiempo después de sus inicios

Comienza a encenderse la llama.

La historia de Avalanch comienza a fraguarse hace muchísimo tiempo, en 1988, cuando un cuarteto de jóvenes asturianos comienza a hacer crujir los oídos de las almas asturianas, con Alberto Ardines como líder, esta agrupación llamada SPEED DEMONS, es el primer indicio de la banda que, luego de algún tiempo realizando maquetas, y con el agregado de un quinto integrante graba un LP llamado Ready To Glory, completamente discontinuado. Como se señaló de esa agrupación sólo Ardines, en la batería sobrevive en la banda. Es con este trabajo, lanzado por Vudu Records, con el que la banda comienza a hacerse conocida y a acercarse a la gente.

Luego de un tiempo, la banda cambia de nombre, y la anécdota del cambio es sabrosa. Un día en un ensayo, el techo de la sala cedió cayendo encima de los músicos que ensayaban. Alguien exclamó «esto fue como una Avalancha«, quedando así, de la nada, bautizado este quinteto, que luego con Juan Lozano, en las voces (del que alguna vez escuché era chileno, pero no lo aseguraría), Alberto Rionda en las guitarras y teclados, Roberto García en las guitarras, Francisco Fidalgo en el bajo y el ya citado Alberto Ardines en la batería, empiezan la historia de una de las bandas más influyentes en la escena española: Avalanch.

Va a ser entre Agosto de 1996 y Marzo de 1997, cuando Avalanch graba su segundo disco, segundo numéricamente, pero primero en lo que a nueva formación y nuevo estilo se refiere. Entran a los Estudios Bunker de Astillera, y luego de casi ocho meses de composición y grabación, ve la luz La Llama Eterna, un disco que dejó muy contento a la agrupación asturiana, lo que redundó en conversaciones con diferentes sellos para la distribución del material. Luego de tratativas con diferentes sellos, la banda decide entregar su material para la distribución fuera de las fronteras españolas al prestigioso sello italiano Underground Symphony, quien además lanzaría una edición del mismo disco, pero en inglés, el que básicamente es una versión del disco en español, con algunos cambios en orquestaciones, pero líricamente es lo mismo, pero traducido al inglés, algo muy difícil, pero que resultó de una gran manera. La edición en España, quedaba a cargo de Estudios Bunker

Del disco podemos señalar que, a pesar de que no suena del todo bien, ya que el sonido es un tanto sucio, Avalanch se destaca tanto en lo musical, como en lo lírico. En el primer aspecto, nos encontramos frente a un power metal de mucha velocidad, mucha fuerza, muchos cojones, pero a la vez muy bien ejecutado, con influencias de bandas señeras como Helloween, pero en especial de una de las bandas preferidas de Rionda, Angra, sobretodo en lo que a percusiones se refiere, como en la gran El Mundo Perdido, donde Fernando Arias como invitado, realiza todo el trabajo de percusiones.

Además de lo netamente musical, Avalanch destaca en lo lírico, contando historias de héroes, guerras, pero que no deja de lado lo juglaresco como en la gran La Taberna. Temas como El Mundo Perdido, Rainbow Warrior y Vicio Letal, donde se trata el tema de las drogas, son las que más destacan dentro de un álbum muy poderoso, aunque como señalamos con un sonido que pudo haber sido mejor

Avalanch

Los Héroes no Lloran

Víctor García entra con inusitada fuerza en la banda. Un gran show en Barcelona da el vamos a una siguiente etapa en la vida de la banda. Víctor es, sin duda un vocalista con más fuerza que Lozano, más rudo, y con una mayor actitud en escena, sin contar que además es un gran compositor.

Es en el mes de Noviembre donde el grupo concluye la gira hispana y se lanza de lleno a grabar lo que sería su segunda placa. Nuevamente los Estudios Bunker fueron escogidos, y bajo la producción de Alberto Rionda, nace el mejor disco de Avalanch hasta hoy, el gran Llanto de Un Héroe. Este disco fue masterizado en los Estudios Metropolis por el prestigioso Tim Young. El resultado, sin duda es fabuloso. Partiendo por el sonido, mucho más pulcro y de mejor calidad que su predecesor, que hace que la música, en esencia similar a La llama Eterna adquiera un cariz distinto, sonando mucho más potente. Temas como Torquemada, uno de los grandes clásicos de la banda, Por Mi Libertad, con grandes toques de percusiones que suenan muy a lo Angra, la majestuosidad de El Cid, y ese gran himno que es Aquí Estaré, que representa mucho la vida del músico metalero, son parte de un álbum que en España ha hecho historia.

No está de más decir que la recepción del público fue apoteósica, tanto en ventas del disco como en presentaciones de la banda en directo.

Y es precisamente este poder en directo el que lleva a Avalanch hacia un nuevo desafío: dejar un testimonio de sus presentaciones en directo, además de ser una forma idónea de manifestar a su público, a la fiel fanaticada de Avalanch, la gratitud de la banda por el apoyo brindado en los shows y en los comentarios hacia los discos. Esto llevó a la banda a lanzar un deico en vivo, Días de Gloria, que es fruto de una presentación de la banda en la sala Quattro de Avilés, el 18 de Junio de 1999, el cual fue editado sólo en formato cd, ya que la banda no quedó del todo conforme con el trabajo visual del show, decidiendo no lanzar el disco en formato de video. De todos modos es una gran muestra de lo que Avalanch en vivo, que tiene dos gracias funadmentales: la primera de ellas es que suena como un recital. Aunque suene obvio decirlo, hay muchos trabajos en vivo, que parecen ser en estudio con gente gritando atrás, hay demasiada post producción, lo que hace que se pierda esa magia que sólo los recitales son capaces de entregar. Algo que en este disco, está muy lejos de ocurrir. El otro punto a favor del disco, es que es una muestra de Víctor García cantando temas de La Llama Eterna como Vicio Letal y Excalibur, más el himno de los alemanes Helloween, I Want Out. Esto sumado al cover de Queen, Save Me, hecho en versión estudio, hacen de este trabajo en vivo uno de los mejores hechos en la madre patria, comparado en su momento al gran Barón Al Rojo Vivo de la leyenda hispana, Barón Rojo.

La Partida de un Ángel Caído y los Nuevos Tiempos

Avalanch no paraba, luego de la gira de Llanto de Un Héroe, la banda tenía nuevos temas en mente, por lo que un nuevo álbum era sólo cuestión de tiempo. Nuevamente la banda se traslada a lo que prácticamente se convierte en su segundo hogar, los Estudios Bunker, a trabajar en temas para su ya cuarto trabajo. Con Iván Blanco en los teclados, como miembro estable de la banda, ésta se enfoca en encontrar un sonido de excepción y composiciones de excepción. Tanto Rionda como García se esmeran por poner su mayor talento compositivo, uno con su genio y el otro con su garra. Fruto de este esfuerzo es que nace El Ángel Caído, un disco excelente, pero que, personalmente no logra el brillo de su anterior placa. Pero es una apreciación muy personal. Los medios de todo el orbe, incluídos aquéllos que no son de habla hispana, se rinden ante esta obra musical. Comentarios como «Extraordinario» (Metal, Italia), «Rezad por los dioses del metal español» (The Metal Observer) son algunos de los comentarios vertidos hacia el trabajo de estos asturianos. De hecho, este último medio pide encarecidamente una nueva traducción de esta placa, tal como lo hizo la banda con su primer disco, La Llama Eterna. Temas como Levántate y Anda, El Ángel Caído y la magistral Las Ruinas del Edén, que es una obra maestra en sí misma, y que cuenta con la colaboración de Leo, vocalista de Saratoga. Estamos en presencia de un disco completo, que tiene un correlato lírico y musical, aunque reconozco a veces un déficit en lo lírico, y una caída en lugares comunes, que, de todos modos no merman el gran trabajo que hizo Avalanch con este disco. Quizás el brillo y la majestuosidad de Llanto de un Héroe opaca un tanto a este disco. Nuevamente es un éxito de ventas, transformándose en el disco más vendido en el país en el género metal nacional.

Sin embargo la historia de Avalanch no está exenta de piedras en el largo camino hacia la leyenda. Y esas piedras provienen de la voz. Sí, porque diferencias musicales, personales, que nunca se han dilucidado del todo, hicieron que Víctor García, la voz que se transformó en característica de Avalanch deje la banda para explorar nuevos horizontes. Sin embargo, no se fue sólo, lo acompañó el baterista y uno de los fundadores de la banda, Alberto Ardines, quienes pasan a crear Warcry. El golpe fue fuerte, remeció la escena rockera hispana, pero sin embargo, Rionda no se iba a quedar de brazos cruzados, tenía que encontrar a un reemplazante con una voz que diera en el punto exacto que Avalanch necesitaba como vocalista, que, en una banda es el encargado de transmitir lo que la banda quiere expresar. El elegido fue Ramón Lage, un viejo conocido de Rionda, ya que participó en la banda PAco Jones, cuyo último disco, Invisible fue producido por, Rionday Marco Álvarez, ex Storm, en la batería.

Ahora la tarea era crear un disco tal que hiciera olvidar no a Víctor, que marcó una historia en la banda, sino que olvidar los problemas que rodearon la salida de los músicos de la banda y que reposicionara a Avalanch en lo más selecto no sólo del metal español, sino que europeo. La tarea era difícil, Warcry, con Víctor García como líder había lanzado el extraordinario El Sello de los Tiempos, un disco que hace, en muchos momentos recordar el Avalanch de Antaño. Sin embargo Rionda, que musicalmente es un genio, nos tenía guardado un as bajo la manga. Un disco totalmente diferente, alejado de la épica que por momentos rodeaba los discos anteriores de Avalanch y que habían sido bien reproducidos por Warcry, e inmerso en una pulcritud y eleancia que la banda no poseía antaño. Sonidos que rememoran al más puro Angra, muy íntimo, con arreglos vocales y musicales excelentes. Cada tema es una obra maestra en sí, llena de emoción y sentimiento, donde Ramón juega un papel fundamental. ¿El nombre de la obra?, Los Poetas Han Muerto, un título sugerente, hermoso, que lleva un correlato visual impresionante, con la portada a cargo del maestro Luis Royo, y con una poesía en sus letras que no se había visto anteriormente. Quizás para los más puristas seguidores de Avalanch, podría sonar un poco débil, sin embargo la respuesta del público no se hizo esperar, posicionando al álbum en su primera semana de aparición en el nº 2 no del metal español, sino que de toda la industria musical hispana. De hecho, en la lista de los discos más vendidos, Avalanch es sólo superado por… Joaquín Sabina, lo que muestra el nivel de aceptación que ha tenido no sólo el grupo, sino que también LAge en las voces. Personalmente un discazo.

¿Qué le depara el futuro a Avalanch?. Ésta es una pregunta de resultados insospechados. La historia ha mostrado que la banda es dura, que se ha sobrepuesto a muchos avatares y, lo más probable es que giren un torno su línea musical, hacia lo que van con su última placa. Un metal directo, pero lleno de sentimiento, de emoción y de elegancia. Que quizás sus letras ya no hablarán de historias épicas, sino que girarán hacia temas más personales, más íntimos, como en la hermosa Alborada, una historia que para Rionda es muy especial. Si de algo podemos estar seguros, es que Avalanch hay para rato, y que definitivamente esta banda española está destinada a convertirse en una leyenda en la madre patria, en ser los dignos sucesores de Barón Rojo y de llevar el estandarte en el mundo del metal en nuestra lengua.

Los Poetas No Han Muerto, les resta una larga vida.

Avalanch

Alineación:

Ramón Lage: Voz
Alberto Rionda: Guitarras
Roberto García: Guitarras
Francisco Fidalgo: Bajo
Iván Blanco: Teclados
Marco Álvarez: Batería

Dream Evil

Dream EvilSi hacemos un recuento de lo mejor del 2002, podemos encontrar grandes discos de bandas consagradas, como Blind Guardian, Nightwish o Symphony X. Pero si vamos más allá e intentamos dilucidar la interrogante de cuál fue la revelación del pasado año, tenemos algunas alternativas, como por ejemplo los finlandeses de Thunderstone. Sin embargo una banda que, en sólo un año creció como espuma debido a su fantástico disco debut, fue sin duda la banda que nos convoca este mes: nos referimos a los suecos Dream Evil.

Suecia es una cuna de grandes músicos y sobretodo de grandes bandas, resaltando, sin lugar a dudas la escena de Gotemburgo, aunque debemos destacar que Gotemburgo, es más célebre en lo que a bandas death metal se refiere, llegándose a hablar de un estilo de metal: el death metal sueco.

A pesar de que Suecia esté ligada al trabajo más extremo, existen grandes bandas de heavy metal nacidas bajo el frío de las tierras boreales: partiendo por el gran Yngwie J. Malmsteen y con Hammerfall como referente más cercano. Y es esta banda la que tiene un roce con la banda de este mes, parentesco que se detallará más adelante.

DE PRODUCTOR A MÚSICO

Pero dónde están las raíces de esta banda que dio tanto que hablar el pasado año. Habría que remontarse a 1999 cuando el ya afamado productor, Fredrik Nordström un reputado productor musical que ha tenido a su haber bandas de la talla de HammerFall, In Flames, Dimmu Borgir y Spiritual Beggars ente otras decide que su conocimiento musical podría canalizarlo en una banda propia. Antes de dedicarse por completo a su trabajo en los Estudios Ferdman, Fredrik, quien vive en un pequeño campo a las afueras de Gotemburgo, había estado tocando en una banda de covers llamada Snake Skin Cowboys, pero que sin embargo nunca abandonó la idea de tener una banda propia, con temas propios.

Dream Evil

Para eso se une a su gran amigo, el joven Gus G., ex guitarrista de bandas como Firewind y Mystyc Prophecy, venido de las mitológicas tierras griegas, más específicamente de la ciudad de Thessaloniki, pero que pasa su mayor parte del tiempo en un departamento compartido con unos amigos en Gotemburgo y le propone llevar adelante un proyecto musical, haciendo germinar la semilla de algo que vería la luz más adelante.

Dream Evil

Pero faltaban aún más músicos para llevar a cabo esta propuesta musical. Para llenar el puesto vocal, Fredrik contacta a un vocalista invitado en los dos primeros albums de HammerFall (y ahí la ligazón entre HammerFall y Dream Evil), que él había producido, por tanto ya había sondeado para poner la voz en DreamEvil, nos referimos al experimentado (está por sobre los 35 años) Niklas Isfeldt, quien pone su particular voz, muy en la onda de Anders Zackrisson, primer vocalista de los también suecos, Nocturnal Rites. Fue invitado a un ensayo, y bastaron sólo pocos minutos para que Fredrik se diera cuenta que su voz calzaba perfecto en lo que él tenía pensado para DreamEvil, por lo que no hubo que buscar más: Niklas se transforma en el vocalista de este nuevo grupo. De hecho, fueron necesarias sólo tres canciones para que Gus G. saltara gritando en la sala «Él es, él es!!!», y así no más fue.

Dream Evil

Ya la base estaba casi formada, sólo faltaba llenar los puestos de la base rítmica, esto es bajo y batería. En el primer caso, la vacante fue llenada en forma natural, porque es común que las bandas hayan tenido experiencias anteriores, sobretodo tributando en bandas de covers, y ésta no es la excepción, ya que una cosa trae a la otra y la llegada de Niklas a la banda trajo de la mano le llegada de uno de sus grandes amigos a DreamEvil, el bajista Peter Stålfors, oriundo de Hindes, un pequeño pueblo a 35 kms. a las afueras de Gotemburgo. Peter era un viejo conocido de Niklas, puesto que había estado compartiendo escena en una banda de covers con él llamada The Jericho Brothers, donde habían entablado una gran amistad, y que también participó en el primer disco de HammerFall, por lo que la llegada a Dream Evil, fue más sencilla de lo esperado. En efecto en el momento de que Niklas fue elegido como vocalista, éste les señaló que conocía a un bajista, le preguntaron si era bueno, Niklas respondió afirmativamente, con lo cual Peter se transforma en el bajista de la incipiente banda.

Dream Evil

Y el puesto de la batería fue llenado de una forma no menos sencilla. Estando en Inglaterra Gus y Peter conversaban acerca de la necesidad de un baterista permanente. «Sí, pero un buen baterista, porque hay una gran cantidad de bandas con malos bateristas«, señaló Peter. Gus conocía a una de las leyendas de la batería, Snowy Shaw, quien trabajó con King Diamond, Notre Dame y Memento Mori, por lo que Gus quedó en llamarlo, sin saber si éste aceptaría, por su reputación. Sin embargo éste aceptó en un principio a ayudarlos en los ensayos, la sintonía fue tal, que pasado un tiempo, se le ofreció que tocara en la banda de forma permanente, ante lo cual Snowy aceptó gustoso.

Dream Evil

Con los músicos ya listos, había que ver qué nombre se le ponía a este nuevo grupo. Fredrik se había anticipado a muchas cosas, entre ellas a conseguir sello para su banda. El hecho de ser un reconocido productor le abrió las puertas a numerosas casas discográficas, entre ellas Century Media, que fue la elegida para distribuir el futuro trabajo de la banda. Con ellos mismos fue la discusión acerca del nombre para el grupo. Fredrik es un gran fanático del Hard Rock y del heavy metal de los ’80, bandas como Thin Lizzy y Accept son influencia directa de este músico sueco, quien encontró en Ronnie James Dio una fuente de inspiración para el nombre del grupo. Claro está… Fredrik antes de elegir el nuevo nombre se había paseado por toda la familia de los «Dragons», «Dragon Heart», «Dragon Foot», «Dragon Kidney», hasta llegar al «Dragon Slayer», sin embargo el tema no agradó a Century Media. Hasta que llegó el nombre de uno de los más grandes discos de Dio a Fredrik, «Dream Evil«, lo cual encantó al músico y lo presentó a los encargados del sellos quienes se manifestaron conforme. Paradójico, Dragon Slayer iba a ser el nombre del grupo, pero terminó siendo el nombre del disco.

Ya estaba todo listo y la ventaja de que todos son muy buenos músicos, hizo que el proceso de composición del material fuera más fácil, por lo que el resultado, si bien demoró, por los compromisos de los integrantes de la banda, sobretodo de Fredrik, hicieron que a mediados del 2001 la banda se metiera de lleno a los estudios Ferdman (era que no), con la producción de… Fredrik Nördstom, lo cual pudiera parecer fácil, sin embargo él ha declarado en más de una oportunidad que ese proceso ha sido muy difícil puesto que es mucho más difícil alcanzar un sonido propio, por la responsabilidad que conlleva crear un sonido particular, propio, no para terceros.

Dream Evil

El resultado fue extraordinario. Se sabía que Fredrik y la banda en sí, tenían en mente un disco melódico, pero a la vez con mucho poder. Lo que quizás la banda no imaginó fue la repercusión que iba a tener el disco, ya que rescata todo el hard rock de los ’80, con un tinte de heavy metal de la vieja escuela, que recuerda un tanto a HammerFall, pero que va más allá, Dragonslayer (nombre que como se señaló estaba elegido hace tiempo), es un disco muy variado, con temas que van directo al hueso, de distinta forma, con temas a medio tiempo, muy melódicos, como la excepcional Chasing the Dragon, que es la que abre los fuego; con temas rápidos muy bien logrados, como In Flames You Burn, y la magistral The Prophecy, un tema directo, muy powermetal, que está llamado a convertirse en un nuevo clásico. Pasa por momentos de carácter hímnicos, con The Chosen Ones y Heavy Metal In The Night, momentos de calma que encontramos en Losing You, y entretención con Heavy Metal Jesus. En este trabajo, Fredrik trabaja en un par de temas con la sección de cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Gotemburgo, conocida por Fredrik ya que trabajó con ella en el Puritanic Euphoric Mysantropia de Dimmu Borgir, quienes realizan un sutil y excelente trabajo en The Chosen Ones. Un artwork muy poderoso a cargo de Axel Hermann, da un complemento perfecto entre imagen y música.

Este álbum le trajo excelentes dividendos a la banda sueca con excelentes críticas, los medios especializados de todo el orbe se rindieron a los pies de este nuevo portento musical. Frases como «si vives para el heavy metal y además te gusta el power metal, no hay razón para que no ames este disco» (Metal – Rules); «con un mayor desarrollo de su estilo están llamados a formar parte de las grandes ligas del heavy metal» (Metal Reviews); «estamos en presencia de la revelación del 2002, un disco potente, con una fuerza y frescura que se extraña y que siempre será bienvenida.» (Powermetal.cl), sirvieron de base para un real y prematuro éxito que los hizo pisar grandes escenarios como el Wacken, el 3 de Agosto del 2002. Giraron por toda Europa, y llegaron incluso a pisar tierras niponas, lo cual indica que el suceso fue amplio.

Dream Evil Dream Evil

Pero la banda no se duerme en los laureles, a pesar del éxito, las cosas fueron tomadas más en serio, y comenzaron a trabajar en nuevo material. Entre giras, siguieron componiendo, tratando de mantener el nivel de composiciones, para que lo sembrado con Dragonslayer, no se esfumara, y es así como desde Septiembre del pasado 2002, Dream Evil trabajó en nuevo material, siempre en los estudios Ferdman. Este material vio la luz el 27 de Enero de este año, y lleva por título Evilized. En este trabajo, nos encontramos con una banda que no ha perdido el poder y la melodía que los ha hecho particular, sin inventar absolutamente nada nuevo, sino que rescatando la potencia del heavy metal y hard rock de los ’80, y eso entre tanto trabajo similar que privilegia los sonidos más «épicos», con más fineza que fuerza, se agradece, ya que Dream Evil va por otro lado, por el contrario ya que la música de esta banda sueca desborda poder. Se destacan en este disco la potencia de Break The Chains, con un gran trabajo melódico entre Fredrik y Gus, la potencia de By My Side, y los sonidos hímnicos de Made Of Metal. Podemos señalar que es un disco más maduro, quizás más hard rockero que su predecesor, con un excelente trabajo del autodidacta Niklas.

Qué le espera a Dream Evil en el futuro. Disfrutar y aprovechar de los buenos dividendos que, de seguro, les dejará este disco. Preparar la gira europea con HammerFall que los llevará a Alemania, Francia y España, entre otros países.

Dream Evil

Como palabras finales, podemos señalar, que quizás a esta altura, es poco lo que se pueda crear, la mayoría (por no decir todas) las bandas nuevas siguen una influencia, por lo mismo quizás la influencia de bandas como Iron Maiden, Dio y Manowar es escasa, sin embargo podemos señalar que estamos en presencia de una banda que ha rescatado todo el hard rock y todo ese heavy metal clásico y nostálgico, lleno de melodía, le ha regalado frescura y mucho, pero mucho poder. Dream Evil es una banda cien por ciento recomendable, no sólo para los amantes del clásico heavy metal, sino para todo aquél que disfruta del buen rock, y eso se agradece. Si le das «Larga Vida al Rock And Roll», Dream Evil es imprescindible.

Kamelot

Kamelot es una banda que poco a poco ha ido ganándose un espacio en la escena metalera mundial. Y eso tiene un gran mérito, considerando que, como hemos dicho en reiteradas oportunidades, Estados Unidos nunca ha sido un país muy prolífico en cuanto a Power Metal «Europeo». El mes pasado destacábamos a Symphony X, y anteriormente a Iced Earth, pero Kamelot es una banda diferente. Quizás diferente a todo el resto.

Esta banda de Tampa, Florida, Estados Unidos, nace en 1991, en pleno período de auge del grunge, cuando un joven guitarrista llamado Thomas Youngblood (¡qué apellido, «sangre joven»!) empezó a hacer sus primeras armas junto a su compañero de colegio, Richard Warner, quien tocaba la batería. Youngblood, desde los 13 años, poco después del fallecimiento de su padre, se dedicó a su primer instrumento musical, el saxofón, por lo cual empezó bastante «tarde» a tocar la guitarra, a los 17 años, tomando clases con un profesor griego de guitarra clásica durante un año, ante lo cual comenzó a animarse a crear su propia música. Ya en ese proceso, un amigo, Les Dave Alvarez, le presentó al mencionado Richard Warner, y comenzaron a tocar canciones de grupos que ambos les gustaban: Iron Maiden, Rush, Judas Priest y otros.

Kamelot

Tras un montón de pruebas, Mark Vanderbilt -como vocalista- y Glenn Barry -como bajista- se unirían a Thomas y Richard, completando ya su primera formación como banda. Barry tocaba en una banda llamada Hemlock, banda que estaba en proceso de lograr un contrato con una disquera, y era un muy buen amigo de Youngblood. Vanderbilt cantaba en bandas de covers, y es importante señalar que su profesor de canto fue Al Koehn, quien también fue profesor de Midnight, ex vocalista de Crimson Glory, con quien se le comparó en reiteradas ocasiones. En los años venideros, la banda comenzó a trabajar en material propio, y en invierno de 1993, se une a la banda David Pavlicko como tecladista, lo cual proporcionaría a la banda un evidente enriquecimiento sonoro, con influencias como el metal europeo e incluso elementos de jazz clásico.

Kamelot

Ya en 1994, Kamelot consigue firmar con la compañía germana Noise Records, quien produciría su primer trabajo. Y a fines de 1995, lanzarían a la venta su álbum debut, denominado «Eternity«, que consiguió una gran aceptación de la crítica especializada, quien calificó a Kamelot como una de las más grandes «promesas» existentes en el metal de aquellos tiempos, prácticamente «hecho» para fans de Crimson Glory. «Eternity» nos muestra un metal distinto, bastante «sofisticado» (por lo que a veces carece de fuerza) y progresivo, y en él destacan temas como el que le da el nombre al disco, «Eternity», «Proud Nomad» y «One Of The Hunted», entre otros, con un sonido que por momentos intenta emular a grandes bandas del género, como el antiguo Queensrÿche o los ya mencionados Crimson Glory. Lamentablemente, el disco adolece de ser algo repetitivo.

No pasaría mucho tiempo, tan solo poco más de un año (1997), hasta la salida de su segundo trabajo, titulado «Dominion«, disco que muestra que la banda estaba comenzando a consolidarse. Es un disco que muestra un poco más de Power, y los mezcla con matices progresivos bastante interesantes. Excelentes riffs y un muy buen manejo de los medios tiempos y de los arreglos orquestales son ingredientes esenciales de este trabajo, grabado (tal como «Eternity») en los conocidos Morrisound Recording Studios de Tampa, Florida, Estados Unidos, bajo la producción de Jim Morris, conocido por su participación como productor de sus compatriotas de Iced Earth. De este disco destacan cortes como «Birth Of A Hero» o «Song Of Roland», entre otras. Ya en estos tiempos, Youngblood señalaba: «Nuestro fan ‘promedio’ no desea escuchar millones de cambios de tiempos, solos de guitarra por todas partes y un baterista que toque en todas partes… es divertido que nos incluyan dentro de la categoría ‘progresiva’, porque no estamos realmente inclinados hacia lo progresivo, para nada. Si realmente lo quisiéramos, podríamos ser muy progresivos, pero no es lo que más nos atrae hacer…«. Puntualizando en lo anterior, Youngblood señala lo siguiente: «Creo que es más Power Metal lo que hace Iced Earth, incluso lo más antiguo de Iron Maiden … me gusta pensar que Kamelot es una mezcla entre lo melódico, Power y progresivo«.

KamelotYoungblood es muy crítico acerca de la imagen que el metal tiene en su país de origen, envidiando un tanto a las bandas europeas. En alguna oportunidad señaló: «Hay una GRAN diferencia entre los locales y pubs en Estados Unidos y en Europa… en esta última, la gente va a verte y no sólo a tomarse una cerveza … los fans realmente legitiman el género del metal en Europa. En Estados Unidos, todavía nos consideran como una clase baja o que no somos lo suficientemente ‘cool’… pero afortunadamente eso está cambiando, pienso que Internet ha ayudado, los fans están siempre ahí, pero no hemos tenido suficiente apoyo de los medios en Estados Unidos. Ojalá que, con suficiente presión, eso pueda cambiar«.

Tras el éxito de «Dominion», tanto en las ventas como en cuanto a la crítica (Kamelot era distinguido por los especialistas como uno de los nuevos líderes en el Metal melódico en los Estados Unidos), nace la posibilidad de efectuar una gira de presentación, con lo cual, los problemas ya existentes al interior de la banda se acentuaron. Ni Richard Warner ni Mark Vanderbilt podían salir de gira. A este respecto, Youngblood contaba: «quizás use el viejo cliché y decir que ‘son sólo razones de trabajo, nada personal. Debíamos crecer musicalmente, y de otra forma no estaríamos siendo honestos ni con los fans ni con nosotros«. Mark y Richard no quisieron o no pudieron continuar debido a sus trabajos, y nosotros realmente queríamos salir a tocar afuera». Irónicamente, poco tiempo después, Warner sería despedido de su trabajo, quedándose sin pan ni pedazo. Así, comenzó la búsqueda de un nuevo baterista y vocalista. Thomas y Glenn visitaron algunos locales en Clearwater, Florida, y en uno de ellos vieron tocar a Casey Grillo, de 21 años, que tocaba en una banda de covers llamada Sequel, que variaba desde los Rolling Stones hasta Aqua («I’m a Barbie Girl, in my Barbie World» … esa misma). Grillo, actualmente profesor de batería, era fan de bandas como Fates Warning y Queen, entre otras, por lo que, además de su calidad como baterista, sus gustos encajaban perfecto con los del resto de la banda.

Kamelot

El problema sería encontrar un vocalista. Youngblood no pretendía que fuese alguien ultra famoso ni mucho menos, pero que tuviese cierta experiencia. Después de oír entre 75 y 100 audiciones, la banda ya tenía listo su tercer trabajo en estudio, pero no había encontrado vocalista. Y casi por casualidad, lo encontraron … Youngblood deseaba contar con Tommy Newton para mezclar el álbum, a través de quien se enteró de que el grupo Conception (de cuyo vocalista siempre había sido un acérrimo fan) se había disuelto hacía poco. Tres semanas después, el noruego Roy Khan viajaba hacia Tampa para grabar las voces del nuevo disco. La química fue perfecta y «Siége Perilous» el consecuencial resultado. Al principio, la idea es que Khan sólo grabase el disco, pero todo decantó en que se convirtiese en el nuevo vocalista estable de Kamelot.

Kamelot

Así, con nueva formación, en 1998 Kamelot lanzaría a la venta su tercer trabajo en estudio, llamado «Siége Perilous«. En este disco comienza a apreciarse, tenuemente, un viraje en el sonido de la banda, con elementos un tanto más Power, además del hecho que la voz de Khan marcaba notorias diferencias con la de Vanderbilt. De este trabajo, destacan cortes como la rápida «Millennium», «Providence» o «Rhydin». Gracias al éxito de su último disco, la banda tuvo la chance de efectuar un pequeño tour por Europa en 1998, para luego tomarse un tiempo de descanso. De hecho, Youngblood se fue a las montañas de Virginia para poder relajarse y componer. Luego, en Marzo de 1999, Youngblood iría a Noruega, junto a Roy Khan, y pasar 3 semanas retomando fuerzas para componer, en medio del frío y la nieve. Cuando se le preguntó a Thomas acerca de sus inspiraciones al componer, señaló sencillamente: «la vida misma, los fans y mi propia necesidad de crear«.

Los años venideros marcarían una bisagra en la carrera de Kamelot. Si bien sus anteriores trabajos (especialmente «Siége Perilous») son bastante buenos, lo que vendría lanzaría a Kamelot a la élite del Power Metal. Muy determinante es el cambio de productor de la banda: ahora lo sería el ya mítico Sascha Paeth, guitarrista de Heavens Gate y productor de bandas como Rhapsody y Angra. Además, Roy Khan pasaría a escribir los lyrics y las líneas vocales. Y además, David Pavlicko deja la banda. Todo ello decantaría en su cuarto disco en estudio, llamado «The Fourth Legacy«, un disco realmente notable, que cuenta con una evolución en su sonido hacia algo mucho más Power, pero sin perder la sofisticación de su sonido. Es más, aumentándola, creando un estilo de Metal más bien «de salón» o «fino». Temas fantásticos como el fantástico intro «New Allegiance» (basado en «Eclipse», obra de René Duperé, conocida por ser la introducción que utiliza la Radio Agricultura), «The Fourth Legacy», «Nights Of Arabia» o la muy Power «Until Kingdom Come» (con los teclados del conocido Miro) son indispensables en el inconsciente de cualquier buen fan del Power Metal. Además, hay que señalar que este trabajo cuenta con una gran cantidad de músicos invitados, como los nombrados Paeth (algunas guitarras adicionales) y Miro (a cargo de todos los arreglos orquestales), Thomas Rettke (vocalista de Heavens Gate) y Cinzia Rizzo (voz femenina en los discos de Luca Turilli). Estamos en presencia de un nuevo Kamelot.

KamelotKamelot

Como ya es una costumbre a fines de los ’90, una banda medianamente exitosa a nivel mundial DEBE tener un disco en vivo. Antes costaba más. Pero en fin, lo de Kamelot no es tan criticable, ya poseía 4 discos en estudio a cuestas (hay bandas que sacan un disco en vivo un año después de sacar su primer trabajo en estudio …), y la solidez de su último trabajo les permiten ganarse el honor de mostrar su trabajo en vivo al público. Así, tomaron las grabaciones de sus conciertos en Alemania y Grecia en abril del año 2000 (en la gira que efectuaron junto a Crimson Glory y Evergrey) y dieron vida a «The Expedition» en Septiembre del mismo año. El disco, que cuenta con Günter Werno de Vanden Plas como tecladista invitado, es una correcta muestra de lo que Kamelot rinde como banda. Sabemos que donde se ven «los gallos» es en vivo, y Kamelot no destiñe. El disco cuenta, además, con tres temas en estudio: «We Three Kings» (inédita), «One Day» (bonus japonés de «Siége Perilous») y «We Are Not Separate» (versión re-hecha del original que aparece en «Dominion»).

Ya en el año 2001, el nuevo Kamelot ya estaba listo para lanzar a la venta su quinto álbum en estudio. Khan y Youngblood se trasladaron a Wolfsburgo, Alemania, donde grabarían su nueva placa, la cual sería llamada «Karma«, un disco que refleja fielmente lo que es Kamelot: una banda elegante y sofisticada, quizás no tan potente, pero que aprovecha de forma notable el estilo y carácter de su sonido. La química compositiva de la dupla Khan/Youngblood comienza a acercarse a la perfección. En este disco podemos encontrar numerosos puntos altos, como la poderosa «Forever», la preciosa «Don’t You Cry» (que Thomas Youngblood dedicó a su fallecido padre), y la fantástica trilogía «Elizabeth», compuesta por «Mirror Mirror», «Requiem For The Innocent» y la muy heavy «Fall From Grace», basada en la historia de la condesa húngara Elizabeth Bathory, nacida en 1560 y famosa por sus crueles actos de vampirismo y torturas con más de 650 jóvenes vírgenes, quien pensaba que la sangre de sus víctimas le permitiría alcanzar la juventud eterna. Si bien «Karma» no es un disco propiamente conceptual, Youngblood deseó tocar el tema de la religión, señalando que «siento que la religión organizada ayuda más a separar a la gente que a unirla, mostrando sus diferencias en lugar de mostrar qué es lo que todos tenemos en común«. El disco cuenta, nuevamente, con la participación de interesantes invitados, como Robert Hunecke-Rizzo (Heavens Gate, Virgo), Olaf Hayer (Lord Byron, Luca Turilli) y los ya nombrados Paeth y Miro.

KamelotKamelot

Durante el recién pasado año 2002, la banda efectuó un bastante largo tour europeo, que los llevó a efectuar alrededor de 10 conciertos sólo en Alemania, y otros tantos en otros lugares, como Italia, Suiza, Bélgica, España, Portugal, etc.. Una vez terminada la gira, y tras un pequeño descanso, la banda comenzó a ponerse en campaña para trabajar en su sexto trabajo en estudio, el que será lanzado en este mes. En cuanto a la parte lírica, Youngblood señaló: «la inspiración viene de Fausto (la conocida obra del escritor y filósofo germano Johann Wolfgang von Goethe) y nuestros (de los miembros de la banda) principios, de vivir la vida día a día«. El disco se denomina, como ya se ha divulgado, «Epica«, y es muy probable que cuente con una segunda parte. De hecho, la parte lírica ya está escrita. Youngblood cuenta: «Ya escribimos la historia para ‘Epica II’, no así la música. Queremos dejar abierta la opción, de que nuestro siguiente disco sea ‘Epica II’, o hacer dos discos más a partir de ‘Epica’. Hacer un álbum conceptual es más difícil. Requiere más energía … no quisimos que ‘Epica’ se llamase ‘Epica, Part I’, pero existe la posibilidad de hacer otro, considerando que la historia ya está lista«.

Para este año 2003, además del lanzamiento de «Epica», Kamelot ya tiene confirmados algunos shows en España (en nuestro otoño), y probablemente puedan venir a Sudamérica, lo cual, sabemos, no depende de la banda. Luego, tienen proyectado ir a los festivales metaleros europeos, efectuar un nuevo tour por Europa e ir por vez primera a Japón, uno de los sueños de Youngblood. Como se ve, Kamelot es una banda trabajólica y ambiciosa. Y esa es la clave… si el trabajo y el talento van de la mano, la vida te condena al éxito. Bien por Kamelot, una banda que ha forjado su nombre e importancia a través de los años, y que promete deleitarnos con su Metal casi «ABC1» por mucho, mucho tiempo más.

Alineación de Kamelot:
Roy Khan: Voces
Thomas Youngblood: Guitarras
Glenn Barry: Bajo
Casey Grillo: Batería

Kamelot

Symphony X

Estados Unidos nunca se ha caracterizado por ser un país demasiado prolífico en cuanto a lo que nosotros entendemos por Power Metal. El aporte de este país ha radicado más bien en el thrash y en el death metal, con bandas clásicas como Metallica, Slayer, Anthrax o Death, entre otras. Es muy raro oír de la existencia de bandas más Power en el país del Tío Sam. Pero de un tiempo a esta parte, principalmente desde la década de los ’90, tres bandas norteamericanas han emergido en el mundo del Heavy Metal, apuntando hacia sectores distintos al thrash y al death metal: Dream Theater, quienes explotan una veta progresiva fantástica, que los ha llevado al reconocimiento mundial -especialmente en los últimos cinco años-; Iced Earth, nuestra banda del mes pasado, con una dosis de intensidad y fuerza muy propia de ellos; y Symphony X, nuestra banda del mes, banda que si bien funda su sonido en estructuras progresivas, no teme en apuntar hacia sonidos más Power melódicos.

La historia de Symphony X nace hace muy poco, en Abril de 1994, en la ciudad de New Jersey, Estados Unidos, como idea del guitarrista Michael Romeo, nacido el 6 de Marzo de 1968, quien a los 12 años comenzó a tocar piano, el cual dejó de lado por la guitarra un par de años después, tocando -como es obvio- cosas como Led Zeppelin, Kiss, Iron Maiden y Judas Priest, y siendo influenciado por diversas y connotadas fuentes, como Jimmy Page, Eddie Van Halen, Al DiMeola, Johann Sebastian Bach, Steve Vai, Frank Zappa y Randy Rhoads. Romeo fue uno de los finalistas, a sus 19 años, de un concurso de guitarras a nivel nacional denominado «Sam Ash Music Store», lo que hacía prometer que este joven haría de las suyas en el futuro. Y de hecho, así comenzó a hacerlo en una banda llamada Gemini.

Symphony X

El «gordo» Romeo, un guitarrista virtuoso y expresa muchos sentimientos al tocar, lanzó en 1994 su autoproducido disco solista denominado «The Dark Chapter«, el cual fue objeto de muy buenas críticas e interés por parte de los entendidos. En este disco, que cuenta con una muy ambiciosa versión del Concierto de Paganini en Si Menor, Romeo toca todas las guitarras (eléctricas y acústicas), bajo, teclados y además programa la batería. La banda comenzaba a formarse con la llegada del bajista Thomas Miller, quien había tocado en muchas ocasiones con el «gordo» Romeo en los últimos diez años. Poco después de ello, arribarían a la banda el vocalista Rod Tyler, el pequeño gran baterista Jason Rullo, y finalmente el tecladista Michael Pinnella, quien grabó un par de teclados en el disco de Romeo. Con ello, la primera alineación de Symphony X ya estaba lista.

Symphony X

El primer disco de la flamante banda, titulado simplemente «Symphony X«, terminó de ser grabado en Septiembre de 1994, y fue lanzado en Japón en Diciembre del mismo año, causando una gran impresión en los fans del metal progresivo y del hard rock en general a nivel mundial. Temas como «Absinthe and Rue» o el ya clásico «Masquerade» son parte de los más destacado de este sólido primer trabajo, cuyo artwork cuenta con el símbolo de la banda: las máscaras propias del teatro, una alegre y la otra triste. Es cosa de fijarse, pues en todas las carátulas de los discos de esta banda aparecen (algunas veces algo escondidas) estas máscaras.

Muy poco tiempo después, tan solo 8 meses (ya en 1995), Symphony X ya tenía listo su segundo trabajo, titulado «The Damnation Game«, disco cuya grabación acarreó ciertos problemas … Rod Tyler, el vocalista, no estaba interesado en seguir en la banda, situación ante la cual la banda quedó sin voces, hasta que Thomas Miller recordó a un tipo al cual el mismo Tyler le había presentado en una tienda de ropa en Nueva York. Su nombre era Russell Allen, vocalista con una alta formación musical y pinta de bailarín de martes femenino (sus padres y abuelos eran músicos country), e influenciado por grandes vocalistas como Robert Plant, Bruce Dickinson, Ronnie James Dio (sus tonos altos «raspados» son similares) e incluso por Chris Cornell (Soundgarden). Allen tomó el puesto dejado por Tyler y se unió a la banda, grabando en unos pocos días las voces de «The Damnation Game», un disco muy bien logrado, que cuenta con notables temas como «Dressed To Kill» o «The Damnation Game», entre otros. Con este trabajo, la banda buscaba y conseguía llegar con su música más bien progresiva a todo el mundo, especialmente a Europa. Las reacciones de la fanaticada y de la prensa respecto a este trabajo fueron aun más positivas que respecto a su álbum debut.

Symphony X

Ya en la primavera de 1996, el quinteto de New Jersey comenzó a trabajar en lo que sería su tercer trabajo, probablemente uno de los mejores discos de Metal Progresivo de la historia … «The Divine Wings Of Tragedy«, un disco absolutamente imprescindible en el cajón de discos de cualquier metalero que se precie de escuchar buena música. Con más de sesenta minutos de pura buena música, con temas excelentes y casi sin altibajos, este disco impresionó sobremanera a la prensa europea y japonesa, alcanzando ratings perfectos en cuanto magazine se revisaba, y siendo reconocido como uno de los mejores discos de 1997. Incluso, este trabajo vendió más de 100.000 copias solamente en Japón. Temas como «Of Sins And Shadows» (gran comienzo de disco!), «Sea Of Lies» (espectacular introducción de bajo), «Out Of The Ashes» (uno de los cortes más Power de Symphony X), «Candlelight Fantasia» (hermoso tema lento) y la fantástica «The Divine Wings Of Tragedy» (que dura más de 20 minutos) han pasado a ser clásicos de la banda.

Después de la grabación de este exitosísimo trabajo, comenzó a generarse cierta tensión en la banda, lo que, unido a ciertos problemas personales, provocó que el baterista Jason Rullo (uno de los mejores bateristas que se ha visto en Chile) dejase la banda, siendo reemplazado por Tom Walling para la grabación de su próximo trabajo. La nueva alineación de Symphony X se aprontaba a grabar lo que sería su cuarto trabajo en estudio, que se denominaría «Twilight In Olympus«, el que quizás sea el trabajo menos alto de la banda (a pesar de ser un muy buen trabajo), pues cae en ciertos altibajos «anímicos» que se vieron agravados por las altas expectativas que «The Divine Wings Of Tragedy» había generado a su respecto. A pesar de ello, el disco vendió notablemente, y contó con la aprobación de la prensa especializada a nivel mundial, destacándose temas como «In The Dragon’s Den» (muy Power!), «Smoke and Mirrors» y «Church Of The Machine», entre otros.

Symphony X

Los problemas continuarían en la banda, la que se aprontaba para iniciar lo que sería su primer tour mundial, por Japón y Europa. El nuevo baterista, Tom Walling, «no estaba realmente comprometido con la banda» (según palabras del propio Michael Romeo), y comenzó paulatinamente a desinteresarse por ella. Y además, el bajista Thomas Miller, integrante original de la banda, decidió no unirse al tour. Ante ello, Jason Rullo volvió a la banda con nuevos bríos y sintiéndose mucho mejor. En el bajo, Andy DeLuca tomaría el lugar de Miller durante el tour, que los enfrentó por primera vez al extrañísimo público japonés (ellos esperan sentados a que la música les guste) y al europeo, donde junto a los ingleses de Mindfeed causaron furor durante tres semanas de tour en países como Alemania, Holanda, Italia, Suiza y Francia.

Symphony X

Por compromisos con su sello, seguramente, Symphony X lanzó un disco compilatorio, denominado «Prelude To The Millennium – Essentials Of Symphony«. Pero la preparación de su quinto trabajo en estudio ya estaba en marcha. A la banda ya se había unido Mike LePond como bajista estable -conformando la actual formación de Symphony X-, lo que provocó renovadas sensaciones de energía y entusiasmo en la banda. El quinto trabajo de la banda, «V – The New Mythology Suite«, ha sido catalogado como uno de los mejores discos de la banda, y quizás uno de los mejores discos conceptuales de la historia del Heavy/Power Metal. La lírica de este trabajo está basada en la leyenda de la Atlántida, en la antigua mitología egipcia y en la astrología. Según Edgar Cayce, investigador en el que la banda se basa para el tema de la cultura de la Atlántida, «muchas cosas del día a día son simplemente el redescubrimiento del conocimiento y la información que poseía la cultura de la Atlántida«. En cuanto a lo musical propiamente tal, la banda explora una veta un poco más sinfónica y orquestada, creando un sonido un tanto distinto a sus trabajos anteriores, aunque con el sello de Symphony X. Temas como «Evolution (The Grand Design)», «Fallen» o «A Fool’s Paradise» destacan dentro de este completísimo trabajo.

La banda ya era lo suficientemente conocida a nivel mundial como para llevar a cabo un tour a nivel más «macro». Y así, Symphony X visitó por primera vez Sudamérica, visitando nuestro país el Domingo 19 de Noviembre del año 2000 en un abarrotado Teatro Providencia (a pesar del sacrificio económico que muchos fans debieron hacer, gastando dolorosos $21.000 pesos, debido a que nuestras productoras no se pusieron de acuerdo, pues al día siguiente se presentaban los italianos de Labÿrinth y Vision Divine junto a los nacionales de Alta Densidad). Teloneados por los nacionales de Polímetro, Symphony X llevó a cabo un sólido show, cuyo comienzo no pudo ser más notable, pues ejecutaron formidablemente la primera parte de su último disco, sin descansar (aproximadamente 40 minutos sin parar), para posteriormente deleitarnos con clásicos como «Sea Of Lies», «Smoke And Mirrors» o «Candlelight Fantasia», entre otros. Para destacarse el nivel individual de un fantástico baterista como lo es Jason Rullo, extremadamente técnico y con un impresionante dominio de las baquetas.

Symphony XAnte el éxito de la gira mundial, la banda decidió registrar sus performances en vivo y lanzar un álbum doble en vivo, titulado «Live In The Edge Of Forever«, grabado en sus shows en Francia y Alemania. En el momento en que el disco era lanzado a la venta, en Octubre del año 2001, la banda se encontraba llevando a cabo un tour con los míticos Savatage.

Para este año, la banda anunció la salida de su sexto trabajo en estudio, el que se denomina «The Odyssey«. El disco, que ha salido a la venta hace muy poco, cuenta con un sonido por momentos más pesado y agresivo que sus trabajos anteriores, pero sin perder la esencia melódica y progresiva tan característica de este quinteto norteamericano. Los casi 73 minutos de este nuevo trabajo prometen… y prontamente podrán revisar el CD Review de este excelente trabajo.

Mientras tanto, la banda se encuentra efectuando un tour por Estados Unidos nada menos que con los bardos de Blind Guardian (¡qué recitales!), y en Marzo del próximo año se dirigirán hacia Europa, donde harán shows en Finlandia, Holanda, España, Suecia, Noruega, Bélgica, Inglaterra, Alemania, Portugal, Suiza, Italia, Francia, Austria, Hungría y Eslovaquia. Y mientras acá en Sudamérica esperamos el retorno de este notable quinteto, «The Odyssey» nos servirá para mucho más que pasar el rato. La sinfonía X lo ha hecho de nuevo. Bien por ellos y por nosotros.

Symphony X

Alineación de Symphony X:
(imagen superior de izquierda a derecha)

Russell Allen: Voces
Michael Romeo : Guitarras
Michael Pinnella : Teclados
Mike LePond: Bajo
Jason Rullo: Batería

Iced Earth

Pasión, actitud, ambición y convicción, sobre todo convicción… a prueba de balas. Aquellos son los primeros pensamientos que se invocan al hablar de Iced Earth.

A través de sus 18 años de existencia, estos norteamericanos se han establecido como uno de los grupos más sólidos y multidimensionales hoy por hoy. Poder, melodía y sentimiento, con una única concepción de lo épico… ni siquiera se les puede encasillar en un estilo. Es que Iced Earth es una de esas bandas de las que su música no se encuentra en ningún otro conjunto de la actualidad. Su estilo es simplemente Iced Earth, una propuesta que si bien ha conmocionado a los europeos y la ha levantado como deidad en países como Alemania y Grecia, sólo recién ha empezado penetrar en el esquivo mercado estadounidense.

Iced EarthEn un principio quizá, porque por un lado, tuvo que competir con la explosión del Death Metal (Death, Morbid Angel, Obituary) de Florida y, por el otro, cuando el Aggro y el Nu Metal irrumpieron en MTV durante finales de los noventa. Pero nunca la banda cedió ante los vaivenes de las tendencias y se paró firme contra ese mundo, sola, costara lo que costase. Han salido con la frente en alto, pero sus logros no han llegado gratis… meses que durmieron en casas abandonadas, trabajo duro, tiempos de oscuridad y frustraciones e infortunios de la naturaleza más inverosímil.

Fuck trends and fuck posers!!! Esa frase proviene del guitarrista rítmico, fundador y carismático líder de Iced Earth, Jon Schaffer, un  muchacho de 16 años que escapó de su casa en Indiana para seguir su destino y que ha mantenido su visión inalterable hasta hoy, a pesar de las duras pruebas que le han puesto en el camino. Para él, nada es más importante que su arte y su creación, Iced Earth. La historia de Iced Earth es la historia de Schaffer…

YA ESTAMOS Y LO HAREMOS!

Para llegar a la génesis de Iced Earth, hay que situarse en los Estados Unidos de mediados de los ochenta, Indiana, el 20 de enero de 1985 exactamente, cuando un joven rebelde y busca problemas llamado Jon Schaffer decidió crear una banda con unos amigos del colegio. Purgatory fue el nombre que escogieron.

Desde los cuatro años de edad que ha estado inmerso en el rock gracias a su hermana mayor que escuchaba a grupos como Black Sabbath y Kiss. Fue en el primer año de secundaria cuando empezó a tocar la guitarra y desde aquel momento, el deseo de ser compositor surgió en su mente. “Steve Harris era mi ídolo (…) Cuando Iron Maiden salió me dio vuelta por completo. Por eso es que empecé con la banda. Quería hacer buenas canciones, no ser un guitarrista superestrella”.

No obstante, Schaffer sentía que en Indiana iba a ser imposible concretar sus pretensiones. Su padre quería que manejara en el futuro el negocio familiar, un bar restaurante en un pueblo del estado, tenía problemas familiares en casa, vivir no era fácil y su rebeldía le aconsejó dejar su hogar y empezar su carrera musical lejos. Este conflicto duró por un tiempo hasta que un trágico hecho le ayudó a tomar la decisión: Bill Blackmon, su mejor amigo desde tercer grado, murió de forma terrible en un accidente motociclístico. Esto lo marcaría toda su vida en adelante. Así, Jon, de 16 años, tomó sus maletas y partió a Tampa, Florida. De los miembros de Purgatory, sólo lo acompañó el baterista Greg Seymour, mientras que el resto de los integrantes permanecieron en Indiana porque “no quisieron abandonar a sus mamis”.

Jon partió a Florida al año siguiente sin dinero, sin romper del todo sus lazos familiares. Llegaron a Tampa con Greg para vivir en la calle. Por un tiempo durmieron en un auto y más tarde tuvieron que romper ventanales y puertas de casas abandonadas para acostarse en el suelo, pero Jon tenía la convicción absoluta de que saldrían adelante: “Fueron tiempos muy duros. Yo casi no sabía tocar la guitarra y Greg apenas podía con la batería… ni siquiera teníamos una. Pero nuestra actitud era: ¡ya estamos y lo haremos! (…) Quería hacer este sueño realidad por mi amigo muerto… él era mi hermano de sangre, mi mejor amigo y por él yo estaba allá”.

Pronto buscaron cualquier tipo de trabajo y juntaron un pequeño capital que les permitió arrendar un departamento. Después, Greg compró una batería y Jon, una mejor guitarra y amplificador. Después de ocho meses la situación mejoró, por lo que estaban ya en condiciones de continuar con la banda. Jon contactó al resto de Purgatory que se había quedado en Indiana y llegaron hasta Tampa… pero duraron muy poco. Un día, cuando Jon y Greg llegaron del trabajo, encontraron una nota junto a la puerta que decía, o debió haber dicho: “Arrugamos, nos devolvemos a Indiana”. Nunca más se supo de ellos.

Ahora tenían que encontrar a nuevos músicos. Se les permitió ensayar en una tienda que en ese entonces trabajaban y empezaron a jammear en el tiempo libre. Algunas personas que escuchaban el ruido desde fuera del local comenzaron a visitarlos y conocieron a una tal Richard Bateman, quien se ofreció para ser el bajista, al guitarrista Bill Owen y al cantante Gene Adam. Esta fue la primera alineación de Purgatory que realmente empezó a tocar en Florida, estado conocido posteriormente como el “Death Metal State” por la arremetida de grupos como Death, Morbid Angel, Obituary y Deicide.  Purgatory no se unió al movimiento y propuso un metal melódico y poderoso con influencias más directas de Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, Kiss y Alice Cooper.

Purgatory hizo actuaciones en varias tocatas en la bahía de Tampa y ganaron un buen número de seguidores. En ese entonces, la imaginería del grupo inspirada en películas de terror era fuerte. Escribían temas con letras gore, se vestían con ropas largas oscuras y llevaban los filmes al escenario. Gene se disfrazaba de Freddy Krueger de Pesadilla, un amigo encarnaba a Jason de Martes 13 y traían bolsas con tallarines, vísceras de vacuno y salsa de tomate (¿fideos con tuco?) y las arrojaban al público. Con estos tipos de actos, Purgatory se ganó el odio de unos y la admiración de otros, pero nadie quedó indiferente.

Grabaron un demo en 1987, llamado Horror Show, que no tuvo acogida en la escena porque no se ajustaba al Death Metal imperante. Más tarde Schaffer diría: “La prensa dirá con toda seguridad que no somos una banda Death Metal, sino Power Metal (Metal Hammer, enero 1991). Aunque cuando, bien avanzada la década de los noventa, el término Power Metal había evolucionado a lo que se conoce hoy, prefirió no autoencasillarse. “Tenemos tantos elementos en nuestra música que no sería justo”.

Luego entraron dos nuevos y a la postre muy importantes integrantes. Uno fue Randy Shawver, guitarrista que se transformó en el socio de Schaffer en los primeros discos y, el otro,  el bajista Dave Abell. El grupo siguió con estos tipos de espectáculos hasta que se cambió de nombre cuando otro Purgatory había ya lanzado un álbum. Bill, el gran amigo de la niñez y adolescencia de Jon, ahora muerto, le había sugerido llamar a la banda Iced Earth, pero el guitarrista lo había desestimado. Sin embargo Schaffer, en una forma de honrar su memoria, rebautizó al grupo como hoy se le conoce.

LA ENTRADA AL REINO CONGELADO

Inmediatamente después del cambio de nombre, Iced Earth se concentró en grabar su segundo demo. Los músicos y las canciones eran mejores, por lo que había que empezar a tomar el asunto de forma más seria. Tom Morris, productor de Morrisound Recording Studios de Tampa, se acercó a Iced Earth y los asesoró para sacar un demo de buena calidad que fuera considerado por la prensa y pudieran conseguir algún contrato.

Iced Earth

Enter The Realm se grabó en 1989 y consta de seis pistas entre las que se encuentra el clásico tema-himno Iced Earth. El conjunto se encerró por un largo periodo y gastaron una buena suma de dinero con el convencimiento de que si lo hacían bien, se les abrirían varias puertas. El demo gozaba de una calidad de producción de un LP, con una presentación que incluía portada a todo color.

Iced Earth entregó aproximadamente mil copias de forma gratuita a todas las direcciones posibles en busca de un contrato y tuvo una espléndida acogida en el medio underground especializado, sobre todo –y sorprendentemente– en Alemania. Enviaron una cinta al editor de Rock Hard y la revista le otorgó el premio de demo del mes y, más tarde, demo del año, además de pedir permiso para venderlo con una de las ediciones.

Otra copia llegó a Robert Kampf de Century Media Records en Alemania. Cuando vio la calidad de la música y al darse cuenta de la difusión que Iced Earth tenía en el país teutón con Enter The Realm, decidió ofrecerles un contrato. Jon no había presupuestado que desde el otro lado del Atlántico salieran ofertas porque, siendo él de Estados Unidos, hubiera esperado más bien entablar negociación sólo con sellos americanos, pero la oferta de Century Media era la mejor… la reacción del público germano había sido muy buena por lo que no era “tan malo” firmar con una casa discográfica no estadounidense. Así lo hicieron entonces en enero de 1990. “La principal razón de por qué nos contrataron –explica ahora Jon– fue gracias al trabajo de las guitarras que Randy y yo hicimos que se ha transformado en nuestra marca registrada”. Sobre su estilo característico de galopeos desenfrenados, Schaffer se refiere: “Lo desarrollé solo. Nunca tomé clases, empecé a experimentar con las cuerdas bajas, el palm muting  y eso. Nunca nadie me enseñó cómo tocar en realidad”. Recién en 1997 decidió tomar sus primeras clases porque “puedo imaginarme todo en mi cabeza y sé cómo tienen que ir en la guitarra, pero no por qué van así (…) Quiero saber por qué hago las canciones que hago (…) No sé nada de escalas –decía en ese entonces-. Ahora aprenderé algunas para aumentar mis conocimientos (…) pero seguiré siendo un guitarrista rítmico”.

A un mes antes de lograr la firma, Greg Seymour, el baterista y miembro fundador, dejó el grupo. Mike McGill, ingeniero eléctrico encargado de la iluminación de los recitales de Iced Earth (sí, ya contaban con roadies) quien conocía los temas que grabarían en el álbum, tomó las baquetas. Con esta formación (Schaffer, Adam, Shawver, Abell y McGill), Iced Earth entró a grabar el primer disco que sería conocido simplemente como Iced Earth.

ICED EARTH A LA CONQUISTA DE EUROPA

El álbum se grabó en 1990 y fue lanzado a principios del año siguiente. En él se escuchan ocho cortes de los que destacan Iced Earth, Colors y When The Night Falls. Schaffer recuerda: “La calidad de la producción es realmente mala (risas) y el performance en varios aspectos también lo es… pero tiene actitud y eso definitivamente tocó a muchas personas”.

Con el resultado final de Iced Earth, Jon se preguntó si es que se habían apurado al sacar tan rápido el primer álbum, pero el tiempo demostró que el momento no pudo haber sido mejor. No tanto por el disco, sino por tour que hicieron por Europa teloneando a Blind Guardian. Para un joven que vivió en Indiana y pasó un gran periodo de prueba personal en Florida, saltar de América al continente viejo para hacer la primera gira era mucho más de lo esperado. Durante el primer show en Hamburgo, mientras Jon y el grupo estaban en backstage, los mil fanáticos presentes empezaron a corear el nombre de la banda. Cuando salió Iced Earth a tocar, el público, enloquecido, cantó los temas a todo pulmón. Jon estaba extasiado, “ha sido la experiencia más fuerte de mi vida”. Lo mismo, quizá hasta más fuerte, fue en Grecia.

Iced EarthIced Earth

Además de ser un gran momento gracias a la gira europea con Blind Guardian, banda con la que entablaron una amistad que hasta ahora los une, lo fue también porque Schaffer aprovechó esos meses de emociones para escribir material para el segundo disco. “Estaba tan motivado por el tour que comprendí que algo muy bueno tenía que salir de esto”.

Iced Earth conquistaba Europa, pero en Estados Unidos, el disco casi no vendía…

Terminada la aventura, Schaffer se dio cuenta de cómo había crecido musicalmente, de la calidad de las canciones que estaba creando y de que los demás integrantes también habían mejorado… pero otros no. Por ello, sacó a Mike McGill de la batería –aunque hasta hoy siguen siendo muy buenos amigos– y despidió al cantante Gene Adam. Así mostró Jon por primera vez lo inflexible que es para exigirle lo mejor a los músicos que lo acompañan: “La gente no ve a las bandas como un negocio, pero lo es. Si haces el trabajo bien, te pagan. Si no, te vas”. Después, Schaffer “contrató” al vocalista John Greely y a Richey Secchiari para la batería. Así dejó en claro que él no había vivido terribles meses en vano y que tenía el legítimo derecho de hacer y deshacer como se le diera la gana en su banda.

EL HOLOCAUSTO DE LOS ÁNGELES

El excelente 1991 se reflejó en el segundo disco de Iced Earth: el inspiradísimo Night Of The Stormrider (1992), primer trabajo conceptual que trata de una persona que se siente traicionada por el cristianismo y se revela. El poder oscuro lo transforma en el poderoso, temido y malvado Stormrider, que se encarga de traer el Apocalipsis al mundo.

Stormrider fue un gigantesco paso hacia adelante en términos globales. Los riffs, baterías inalcanzables y las canciones de ambiente épico oscuro hicieron del segundo álbum de Iced Earth uno de los más sólidos trabajos de la banda. Casi todos los temas del álbum se transformaron en clásicos: Angels Holocaust, Stormrider (con Schaffer en las voces) y las inconmensurables Pure Evil y Travel In Stygian.

Con un disco de estas proporciones, Iced Earth se preparó para la próxima gira europea… ni pensar en hacerla por Estados Unidos, donde eran prácticamente ignorados. Mas en este instante que la banda tenía la capacidad y ganas volar los techos de todos los gimnasios por donde pasaran, los problemas empezaron a cruzarse, factores externos que significaron el comienzo de los años más espantosos de Iced Earth.

Iced Earth

El invierno europeo entre 1992 y 1993 había sido uno de los más duros. Hace 60 años que no se sentía tanto frío en Alemania… y Iced Earth, de gira, se movía de una ciudad a otra con un auto en pésimas condiciones (manejado por Marlene, quien se convertiría en la mujer de Jon), que quedaba en pana cada vez que se encendía el motor. Ni siquiera tenía calefacción. Con ese cacharro de Century Media tuvieron que atravesar Europa.

Pero el asunto fue mucho más allá de la anécdota del auto. Estos tipos de tratos incómodos por parte del sello a la banda se sucedieron una y otra vez en el tour, hasta que Schaffer comprendió realmente el asunto: “Vendíamos un montón de discos, nos seguían en todas partes, pero ganábamos prácticamente cero. No había plata”. Fue natural entonces para Jon preguntarse: ¿Dónde estába el dinero? Y respuesta que encontró fue la siguiente: Según él, Century Media se estaba quedando con  todas las ganancias mientras Iced Earth hacía el trabajo gratis. La compañía aprovechó el buen momento del grupo para salir de los serios problemas económicos que en ese tiempo atravesaba. En cierto modo, la justa  recompensa de todo lo que Jon había pasado en Florida antes de grabar el primer álbum había caído en otras manos.

El muy descontento líder de la banda entregó un ultimátum a Century Media: mientras no mejoraran las condiciones no iría a grabar más discos. “Decidimos no hacer más álbumes con ellos hasta que cambiara toda esta porquería. Aunque no vendiésemos tantas copias, tenían que pagarnos igual”.

El sello se demoró en percatarse de lo serio de la amenaza y de la determinación del guitarrista. 1993 llegaba a su fin y Schaffer seguía firme en su postura. Pero como Iced Earth era uno de los grupos que mantenía a flote a Century Media y las ventas del álbum habían sido muy buenas, la compañía cedió, tomaron una actitud más profesional y Jon Schaffer logró mejorar la situación.

Llegó 1994 y se prepararon para grabar entonces el atrasado tercer disco. Lamentablemente, estos años afectaron a Jon y la banda, mucho. Por eso, Secchiari (batero) y Greely (cantante) se fueron. Schaffer comenta: “(Greely) estaba por la plata. Pensaba de una forma poco realista y creyó que seríamos millonarios de un día para otro… No quiso enfrentar los malos momentos y ahora maneja camiones”.

Iced EarthEn la búsqueda de nuevos músicos, Jon integró a las filas de Iced Earth al baterista Rodney Beasley, de Sarasota, Florida. Cuando se preparaba para conseguir al nuevo vocalista, Rodney le comentó que en el mismo garage donde él ensayaba, tocaba también una banda llamada Caudron y le recomendó que chequeara al cantante: Matthew Barlow. “Sólo conocía a Iced Earth –dice Matt– porque había escuchado una o dos veces por la radio algunas canciones del Stormrider (…) no sabía que era una banda con contrato y que habían hecho dos álbumes”. Jon llamó a Barlow para audicionar y después de meses en el que tuvo que demostrar su desempeño vocal, finalmente lo enroló.

Ahora se podía vislumbrar un mejor futuro para Iced Earth. Si bien el tercer disco pudo haber sido un buen recomienzo, lo peor estaba por venir…

LA ERA DANTESCA Y LOS NUEVE INFIERNOS DE ICED EARTH.

Era 1995. Desafortunadamente, así como el tour de 1991 había inspirado la creatividad de Schaffer, todos estos malos ratos hicieron réplica en su estado de ánimo. Durante el proceso de composición, Jon no estaba contento y ello se reflejó en el álbum. Burnt Offerings (1995) es un disco denso, lleno de furia, rabia y enojo, negativo y oscuro. Hasta la carátula dio a conocer el hecho. La portada, totalmente deathmetalera, muestra a un demonio sacado de una ilustración del libro El Infierno de Dante, que Jon la había escaneado de un ejemplar editado el siglo XIX.

No estaba feliz con el resultado de Burnt Offerings ni satisfecho con la composición ni los performance, incluyendo el suyo. “Las grabaciones de la batería fueron una pesadilla absoluta. Le tomó a Tom Morris (productor) aplicar todos los trucos de ingeniería sólo para terminarlas”. Hasta con Matt se sentía decepcionado porque no fue capaz, según Jon, de interpretar bien las líneas vocales que tenía pensadas.

Iced EarthCon Burnt Offerings, Iced Earth recibió los peores reviews de su carrera y las más bajas ventas en Europa y Japón, aunque en Estados Unidos subieron de 3 mil a 8 mil copias. El tour fue horrible. Jon nunca se había sentido más avergonzado en su vida que cuando fueron en la gira a festivales y tocaron como “un grupo de garage. Realmente me quería esconder”. Incluso tuvieron que suspender unos shows con Rage porque la banda simplemente no podía pararse en un escenario.

En comparación con Stormrider, el LP fue un retroceso. Sin embargo, el disco cuenta con temas que se han transformado en clásicos de la banda. Uno es Last December, y el otro, la canción más larga y épica que ha hecho Iced Earth: la increíble Dante’s Inferno, de 16 minutos: “Fue todo un desafío (…) Estoy orgulloso de esa canción… ¡Y lo estoy también del álbum! No me arrepiento de nada de lo que he hecho (…) Lo bueno es que a muchas personas les gusta el disco, lo que demuestra que no fue malo del todo (…) Burnt Offerings (sin embargo) es un periodo de mi vida que no quiero volver a repetir y no escribiré canciones como esas nunca más”.

Después de tres años de frustraciones, Jon llegó incluso a pensar que era el tiempo de terminar con Iced Earth. A pesar de que Night Of The Stormrider fue un álbum exitoso dentro del underground metalero europeo, el grupo tenía en su haber discos que sólo habían tenido acogida en Alemania, Grecia y algo en Japón. Ni hablar de Estados Unidos, donde no se les conocía. Tampoco Schaffer podía encontrar una formación estable. Contaba en Randy Shawver y Dave Abell con un gran apoyo, pero recién en el tercer álbum había encontrado a un buen cantante (recordar que Schaffer no había quedado satisfecho con el desempeño de Barlow) y que los bateristas con que había tocado casi no existían.

Lo principal fue que Schaffer comprendió que la disolución de Iced Earth era la solución más fácil; en una postura autocrítica, sabía que las canciones del último disco no fueron sus mejores, pero que eso no volvería a pasar. Asumió toda la responsabilidad como líder y compositor de la banda y se levantó. No había que terminar nada, todo lo contrario, seguir trabajando de mejor manera: “Puedes tener al mejor cantante del mundo, la mejor primera guitarra, al mejor baterista… lo mejor de todo, pero si no hay canciones, no hay nada”.

Jon Schaffer había sorteado con éxito la prueba más dura de su vida…

LA VUELTA DE ICED EARTH COMO THE HELLSPAWN

Borrón y cuenta nueva, Schaffer decidió que 1996 era el año perfecto para reivindicarse.  Primero, le tiró sin piedad el sobre azul al baterista y, segundo, negoció con Century Media un contrato “algo mejor”.

La oportunidad de oro llegó gracias a Spawn, la serie de cómics más exitosa de los noventa en Norteamérica, la historia de un asesino contratado por el gobierno federal que muere y vende su alma al Demonio para volver a ver su amada esposa, pero regresa a la Tierra engendrado en el HellSpawn: “Firmó un muy mal acuerdo, como algunos músicos (en una indirecta alusión a Century Media)”.

Sucedió que a principios de 1996 se anunció la adaptación al cine del cómic, además de una versión de dibujos animados para HBO. Como Jon era fanático de Spawn, al enterarse de  la noticia quiso de inmediato participar en la banda sonora.

Matt y Jon viajaron a Atlanta donde se efectuaba una convención de cómics y conocieron a Al Simmons, jefe del Departamento de Promoción de McFarlane Productions, los creadores de Spawn. Se presentaron, Jon ofreció sus servicios para una eventual banda sonora y le mostró una maqueta del tema que se conocería como Dark Saga. Así entablaron una muy buena –y conveniente– amistad.  Simmons, interesado en la banda, le presentó a Schaffer nada menos que al mismísimo creador de Spawn, Todd McFarlane. Aprovechando el contacto, Jon le preguntó si podía encargar de la carátula de su próximo álbum. McFarlane asintió y le prestó una de las ilustraciones que aparecería en la edición #50. Una cosa llevó a la otra: McFarlane entregó la portada y Iced Earth decidió hacer un álbum conceptual de Spawn, una especie de promoción cruzada: la gente del cómic daría a conocer a Iced Earth en Estados Unidos, y la banda mostraría a Spawn en Europa y Japón.

Trastornado por la idea, sólo le tomó cinco semanas escribir las canciones: “Todo salió muy fácil, estaba muy contento e inspirado. Hice (la balada) I Died For You en media hora, la música y las letras, ¡todo! Hacía tiempo que no me sentía tan bien”.

Iced Earth

De inmediato la banda se concentró en Morrisound Studios, en Tampa, y grabaron el álbum que titularían The Dark Saga en menos de un mes. A falta de un músico oficial que se hiciera cargo de los tarros, el baterista de sesión  Mark Prator se ocupó del –fabuloso– trabajo. Mientras que el bajista que estuvo al lado de Jon desde los tiempos de Purgatory, Dave Abell,  abandonó la banda. Él tomó parte de las grabaciones pero al terminar la producción, le comunicó la decisión de irse de Iced Earth porque iba a casarse. En su reemplazo llegó Keith Menser, pero solamente apareció en las fotos del disco porque prefirió crear una compañía de diseño gráfico y se fue. James MacDonough entonces fue contratado junto con el baterista Brent Smedley, ambos provenientes del conjunto Oracle de Jacksonville, Florida, para integrarse al tour.

“The Dark Saga es (1996) como nuestro segundo Stormrider –dice Schaffer–. Si Burnt Offerings había sido un paso atrás, The Dark Saga lo fue hacia adelante”, según él, porque fue la primera vez que se preocupó realmente de escribir “canciones canciones”, más enfocadas, maduras, sin tratar de hacerlas todas épicas. Cada corte del disco habla de un personaje o capítulo de Spawn: I Died For You trata de cuando descubre que su mujer vive con su mejor amigo… The Hunter es acerca de Ángela, el ángel que tiene la misión de matar al Engendro; Vengance Is Mine, de un hombre que tortura niños y es asesinado por el protagonista, mientras que la trilogía The Suffering (Scarred, Slave To The Dark y A Question Of Heaven), es una versión inventada por Jon del final de la historia.

Gracias al famoso productor Jim Morris, quien se transformaría en el miembro invisible de Iced Earth, la calidad del sonido del álbum fue lejos la mejor hasta ese tiempo, como así el trabajo de los músicos de los que la vocalización de Barlow fue lo más sobresaliente. Su voz había alcanzado un nivel impresionante al conocido en el álbum anterior por causa del empuje y exigencia de Jon hacía el pelirrojo cantante. Muchos han comparado su timbre con el del guitarrista y vocalista de Kiss, Paul Stanley, y eso que nunca ha sido fanático de la legendaria agrupación.

El “crossover” promocional iba a toda marcha. The Dark Saga se vendía en las tiendas de cómics y el disco se tocaba en las convenciones. Pero en perjuicio de Iced Earth, las negociaciones para incluir una canción del grupo en la banda sonora de la película o la serie animada, que habría significado una fuerte presencia en el mercado estadounidense, fracasaron por la “falta de visión” de Century Media y por la decisión de McFarlane de hacer la música del film con la mezcla de bandas de rock y metal con música techno. Así, otra vez, Iced Earth no tendría promoción en su país.

El hecho de estar unidos a un sello europeo incapaz de entrar a EE.UU no era el único factor que influía, según Schaffer, en que Iced Earth fuera casi desconocido allá. La forma de la industria musical norteamericana tenía un alto grado de culpa: “Es el lavado de cerebro que existe, las personas no pueden respirar y pensar por su cuenta. (Medios como) MTV y las radios influyen en la manera que la gente piensa de la música. Puedes vender cualquier porquería al público americano si lo promocionas bien. Si tuviéramos una de nuestras canciones en la rotación, venderíamos toneladas de discos. (En Estados Unidos) es un asunto de marketing y plata… En Europa y Japón, es cuestión de talento”.

Asimismo, en 1996 sale el Load de Metallica, el álbum más polémico de la historia del metal. Jon Schaffer se unió a la declaración de principios de Manowar y declaró una cruzada en contra de los “hipócritas y poseros”.

Iced EarthEn Europa, Iced Earth volvió a ganarse el respeto del público. La banda al fin tenía una formación sólida para los conciertos y se encaminaron en su gira más exitosa hasta ese momento. Una encuesta de la revista Rock Hard puso a The Dark Saga entre los cinco mejores del año y a la banda dentro de los top ten.

Pero la mala fortuna seguía persiguiéndolos. Durante uno de los festivales de verano, en Berlín, Jon sufrió una grave lesión al cuello (sí… por el cabeceo o headbanging) y paró en el hospital. La gira estaba en sus primeros pasos y faltaban 30 presentaciones por hacer en las siguientes seis semanas. Los doctores le indicaron que debía parar, pero al temor de que se repitieran los días oscuros de la era Burnt Offerings, Jon decidió seguir con el tour con inyecciones para evitar el dolor, aun sabiendo que se provocaría un daño más severo. Prácticamente se molió uno de los discos del cuello, pero ignoró el problema hasta el 2000 cuando decidió someterse a cirugía: “Con lo bien que nos estaba yendo, no quería parar en lo más mínimo con la banda”.

LA REVISIÓN DE LOS DÍAS DE PURGATORIO

Por el contrario, en adelante vendrían los años más ocupados pero exitosos de Iced Earth. Ahora que Jon Schaffer contaba con un cantante estable, decidió realizar un antiguo anhelo: regrabar las canciones antiguas. Days Of Purgatory (1997) se llamó el doble CD.

Esto salió de la idea preliminar de lanzar el demo Enter The Realm remezclado. Schaffer aprovechó el momento para volver a grabar material de los dos primeros álbumes y remasterizar algunas canciones del tercero. Las guitarras originales quedaron en casi todos los temas y se regrabaron la batería y el bajo, por Brent Smedley y Jimmy MacDonough, respectivamente. Matt se encargó las voces, excepto en Stormrider que las hizo Schaffer.

Con Days Of Purgatory, Jon se sacó una espina que lo molestaba de hacía años: “(Los dos primeros álbumes) siempre me han fastidiado, las mezclas y los tonos, sobre todo las voces del disco debut. El que cantó (Greely) en el segundo hizo un muy buen trabajo, pero las mezclas finales y masterización fueron malas (…) Estaba decepcionado con el resultado final”.

Canciones como Iced Earth, Written On The Walls (rebautizada como Cast In Stone), Pure Evil y Travel In Stygian fueron revisitadas. De esta manera acercaron los temas antiguos a los nuevos fanáticos. Además, y aunque suene increíble, en agosto hicieron la primera gira norteamericana fuera de Florida, cinco shows en el centro oeste del país.

En este álbum doble aparece una nota de Jon que se transformaría muy luego en el acta de guerra en contra del Nu Metal que arremetía en los Estados Unidos y de las bandas que alguna vez fueron metal y después lo han negado (¿Metallica?) Así va:

Iced EarthAQUÍ VIENE LA REVOLUCIÓN!!!! ¿Qué es lo que quiero decir con esto? Que Iced Earth seguirá en lo suyo. El metal no es algo que pase, es un estilo de vida. Es actitud, es fuerza, es  lo que quieras que sea. Ha estado acá desde los sesentas y nunca se irá. Han habido épocas en la historia de la música en que el metal ha sido “cool” y no, pero que las modas vayan y vengan nunca me ha importado. Lo único que me preocupa es Iced Earth y lo que hacemos.

Ha sido frustrante, incluso hasta deprimente, cuando la gente nos ha dicho que estamos pasados de moda… ¿pero saben? Que se vayan a la mierda, porque esto lo hacemos por nosotros y nuestros fans, y las opiniones de los que siguen la moda nos importan una mierda. Somos los mejores en lo que hacemos, doce años de trabajo sólido y dedicación están pagando y nuestro número de seguidores crece cada día.

La mejor cosa que pueden hacer, como fanáticos, es pensar por ustedes y ser sus propios líderes. Los poderes siempre han manipulado a las audiencias con una saturación torrentosa de técnicas lavacerebros. La decepción más grande sin embargo, es cuando se leen entrevistas a otros músicos del género en las que niegan sus raíces metaleras siendo que estaban, o todavía están, tocando riffs de metal. Estos individuos, a los que levanto mierda de perro en honor máximo, son los verdaderos poseros de los noventa. La primera persona o grupo que dijo que el metal no valía pena, puede meterse sus dichos por el culo.

Iced Earth madurará, pero cuenten con que seremos fieles a nuestro arte. FUCK TRENDS AND FUCK POSERS!!! Jon Schaffer

THE CHICAGO ASS

Iced EarthJon decidió entrar en una batalla directa contra la industria “metalera” norteamericana y provocar una revolución con Iced Earth a la cabeza. Lamentablemente, el guitarrista Randy Shawver no pudo seguir en la causa. La mano derecha de Schaffer, que lo había acompañado en todos los discos, se sentía cansado y ya no estaba contento en la banda. Así que optó por apartarse. “En su defensa tengo que decir –comenta Jon– que es muy difícil mantener el entusiasmo después de tantos años de pelea”. En noviembre de 1997, en Grecia, fue el último show con Randy.

La banda se mudó al sur de Indiana, a tres horas del lugar adonde creció Jon, y de inmediato se puso cabeza abajo en la composición de los temas para el próximo álbum y en la búsqueda de un nuevo primer guitarrista.

Para ello, publicó avisos de “se busca”. Cientos de cintas llegaron, entre las que estaba la de un chico de veinte años –que sólo había tocado en cinco shows toda su vida– llamado Larry Tarnowski, de Chicago.

Iced EarthCuando Jon la escuchó, más que quedar impresionado con su forma de tocar, le sorprendió el hecho que entre las principales influencias nombradas por Larry se encontrase Iced Earth, que los seguía desde Night Of The Stormrider cuando sólo era un pre adolescente.  Jon explica su inclusión: “Larry es muy buen guitarrista líder, pero la razón de por qué obtuvo el trabajo es que también es un muy buen guitarrista rítmico (…) La mayoría de las primera guitarras no pueden tocar las rítmicas bien (porque) se quedan haciendo escalas todo el día y no le prestan atención a lo otro”.

EL NACIMIENTO DEL SER ABOMINABLE

Con algo malévolo vendría el siguiente disco de Iced Earth. Después de The Dark Saga, Jon empezó a  trabajar en su propio cómic que, como ha adelantado, se trata de un endemoniado ser creado por una sociedad secreta que viaja por el tiempo y altera el curso de la Historia Humana. Mezcla elementos de civilizaciones antiguas, extraterrestres, conspiraciones, anticristos, etc. Algo de la saga que llamó “Set Abominae” lo mostró en el sexto álbum de Iced Earth, Something Wicked This Way Comes, editado el 15 de junio del ‘98. En la portada se muestra al personaje y en la trilogía Something Wicked, se encuentra el espíritu de la trama. No se trata de un disco conceptual, pero lo anterior define al álbum.

Este es el trabajo más diverso y variado de Iced Earth. Schaffer vuelve a ocupar esos riffs desenfrenados de antaño en temas como My Own Savior y Something Wicked, pero también hay una gran cantidad de canciones lentas, entre las que se encuentran Melancholy y Watching Over Me, balada dedicada a la memoria del gran amigo de Jon, Bill Blackmon. Otros momentos notables son Burning Times y la tremenda instrumental maidenezca, 1776. Por segunda vez produjo Jim Morris y Mark Prator tocó la batería en vez de Brent Smedley.

Iced EarthFue gracias a este disco que Iced Earth empezó a ser reconocido en el mercado norteamericano. Antes de que terminara el año ya se habían vendido 20 mil copias y el grupo hizo tres extensas giras por Estados Unidos y Canadá entre agosto y junio del ’99. Para ganar más adeptos en su país, grabaron un single exclusivo para difusión radial, pero Century Media no pudo distribuirlo a las estaciones. Luego, The Melancholy EP, llamado así, fue lanzado en una edición limitada de mil 500 copias en 1999 y otra de forma ilimitada a principios del 2001.

En Europa mientras tanto, una docena de festivales, una pequeña gira con Blind Guardian y conciertos por todo el continente. La popularidad de Iced Earth estaba en alza como también su solidez musical en escenario, incontenible desde los días de The Dark Saga. Por eso, Schaffer decidió que era el momento justo para hacer el primer álbum en vivo…

ATENAS EN TRES DISCOS

Jon quería hacerlo especial por lo que escogió Grecia para grabarlo, porque ese fue el primer país, junto con Alemania, que había recibido a la banda con los brazos abiertos y desde aquella gira en 1991 con Blind Guardian, su lealtad ha perdurado hasta en los más duros momentos. Por ello, premió a los griegos por su “lealtad y devoción”. En enero de 1999 viajaron a Atenas especialmente para grabar el álbum. Los fanáticos enloquecieron y provocaron una especie de beattlemania metalera. Barlow agrega: “No teníamos ni idea de cómo iba a ser, pero en el aeropuerto las personas nos esperaban con lienzos y gritos”. Schaffer: “Era una locura. Los fanáticos nos paraban en las calles y llegaban al hotel. Ya no se ven cosas como esas”.

Dos noches seguidas, con dos diferentes sets, dieron forma a uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal: Alive In Athens, un triple CD que incluye 31 canciones, más de la mitad de todo lo que Iced había escrito hasta la fecha, ejecutadas a un nivel de performance impresionante y con versiones de temas clásicos como Iced Earth, When The Night Falls y Pure Evil años luz mejores que las originales (Más sobre Alive In Athens, en la sección Reviews del Recuerdo).

En seis meses, Alive In Athens se transformó en disco de oro en Grecia, un tremendo logro si se considera que el último álbum que lo había logrado en ese país fue el Fear of the Dark de Iron Maiden, en 1992.

Con esto y sin ningún descanso desde The Dark Saga, se cerró el ciclo más extenso de Iced Earth. La banda tomó vacaciones después del tour de Something Wicked, pero Jon Schaffer no. Ocupó el break para juntarse con Hansi Kürsch de Blind Guardian y hacer Demons & Wizards. El proyecto se originó por accidente, cuando Jon visitó a Hansi durante la gira de Days Of Purgatory, en 1997, después de una fiesta: “Estábamos aburridos, empecé a tocar la guitarra y él (Hansi) a cantar”. Así salió la canción My Last Sunrise.

A principios del 2000, el poderío musical de Schaffer y la emoción lírica de Hansi se unieron en un álbum tan soberbio como exitoso. Demons & Wizards hizo una pequeña pero explosiva gira europea a mediados de ese año, vendieron 200 mil copias y lograron una nominación a los Echo Awards, el Grammy alemán. (más sobre Demons & Wizards en biografía de Blind Guardian – banda del mes – agosto).

Iced EarthLuego de terminada la gira de D&W en julio, Jon se operó al fin de la lesión al cuello que arrastraba desde hacía cuatro años. En la cirugía le unieron dos vertebras y sacaron uno de los discos, por lo que su movimiento se vería limitado: “Mis días de headbanging terminaron. Me será difícil porque era algo que hacía de forma natural cuando tocaba”. Pero Jon no pensaba en descanso alguno, por lo que tres semanas después viajó a Alemania para actuar en Wacken Open Air, con cuello ortopédico incluido, la única presentación de la banda en suelo europeo ese año y con un nuevo hombre detrás de la caja… Jon le pidió a Smedley que dejara el grupo por sus problemas con las drogas y el alcohol. En marzo del 2000 fue anunciado el nuevo miembro: Richard Christy (Death, Control Denied), uno de los mejores bateristas norteamericanos del momento. Wacken fue su primer show con la banda.

Y en noviembre vino otro integrante tanto o más talentoso que Christy, el tremendo bajista conocido por su trabajo en Death, Control Denied, Sadus y Testament, Steve DiGiorgio. Los dos experimentados músicos le entregarían una dimensión nunca antes vista al trabajo patentado de las guitarras, las voces y composición de Iced Earth.

Con esta tremenda formación Schaffer tenía presupuestado hacer el “gran disco de su carrera”, un álbum conceptual acerca de su historia Set Abominae, pero se retractó porque no quería sacarlo con sello actual: “El siguiente trabajo sería el último álbum con Century Media, (Set Abominae) tiene un gran potencial para transformarse en una gran cosa y queremos que sea tratado como se debe. CM no se lo merece, tenemos que hacerlo con un sello que tenga visión (…) En Europa andan bien, pero en Estados Unidos son una mierda (…) La historia es demasiada como para dársela a estos perdedores”.

DE VUELTA AL SHOW DEL HORROR

Así, Jon aplazó el disco conceptual y empezó a trabajar en un álbum temático sobre cine de horror. Esta no era una idea nueva. Partió en 1997 cuando se habló de hacer un EP de cinco canciones basadas en películas de terror. Schaffer: “Es uno de mis temas favoritos y lo hacíamos en los primeros días de Purgatory. Ahí escribíamos mucho sobre eso”.

En ese tiempo, Purgatory había hecho un demo llamado Horror Show, y Schaffer, para su primer álbum del siglo XXI, no encontró nada mejor que titularlo de la misma manera. Horror Show fue lanzado en 25 de junio del 2001 y cada tema se basó en personajes de estas historias: El Hombre Lobo, Damien de La Profecía, Frankenstein, Drácula y El Fantasma de la Ópera, entre otros. Las únicas canciones que salieron del esquema fueron Ghost Of Freedom, dedicada a las personas que han dado su vida por Estados Unidos (Matt y Jon no se excluyen del gran sentimiento patriótico de los norteamericanos), que se transformaría en uno de los himnos de la banda después de los atentados del 11 de septiembre, y el cover de Iron Maiden, Transylvania.

Iced EarthHorror Show es la producción más ambiciosa de Iced Earth y la más intensa desde The Dark Saga, con una solidísima base rítmica por parte de Christy y DiGiorgio, que le da un pequeño toque Control Denied al resultado final, gran protagonismo de la primera guitarra de Tarnowski y ostentosos coros de Matthew Barlow.

Lamentablemente, antes de que se editara el álbum, Steve DiGiorgio se rehusó de participar en la próxima gira, a pesar de que el “contrato” lo estipulaba:  “Fue como una puñalada en la espalda –aseguró Jon–, me mintió. Ni siquiera tuvo los huevos para decírmelo en la cara. Su manager mandó un fax que decía que por compromisos previamente fijados no podría hacer el tour”. Por lo tanto, Schaffer sacó la foto de DiGiorgio y sus agradecimientos del álbum antes de que fuera lanzado y lo relevó al puesto de músico invitado, aunque en la versión doble CD apareció como miembro oficial.

Jon, Matt y Larry se molestaron mucho por la actitud de DiGiorgio ya que estimaron que sólo había tocado en el disco para dejar su nombre y ensanchar su currículum. El que se puso muy feliz con la noticia en cambio fue el anterior bajista. Jimmy MacDonough, quien incluso se había tatuado el logo de Iced Earth en la espalda, volvió a la banda.

Iced EarthIced Earth

Llegó el tiempo entonces para agendar el tour y surgió la oportunidad de oro que siempre buscó Jon para ganar más público en Estados Unidos: tocar con una banda realmente grande; en este caso, se trataba de Judas Priest. En la gira del Something Wicked, el show con más asistentes no había sido con más de 3 mil… ahora con Judas Priest, actuarían ante 15 ó 20 mil personas. Así Iced Earth tendría una difusión enorme. Pero cuando todo parecía ir muy bien, los atentados a las Torres Gemelas frustraron las pretensiones de Jon y sus dirigidos. Como medida preventiva, Judas Priest optó por no viajar al país y posponer el tour hasta principios del 2002. Se le preguntó a Iced Earth si podía acompañar a los británicos en esa fecha, pero tenían compromisos en Europa. La mala suerte parecía condenar a Iced Earth al anonimato en su propio país, pero el destino se apiadó. Al grupo le llegó una oferta de Megadeth y Anthrax para tocar con ellos en todo el país y Jon ni lo pensó. Había que hacerlo.

Mientras se hacía este tour, Iced Earth lanzó una caja de 5 cedés llamada Dark Genesis, que revivió la infancia del grupo. En ella se encuentran los tres primeros discos de la banda totalmente remezclados por Jim Morris y con nuevo artwork hecho al estilo cómic de los últimos álbumes, Something Wicked, Alive In Athens y Horror Show. También está el demo Enter The Realm, nunca antes lanzado, y un CD de covers llamado Tribute To The Gods, en el que se homenajea a conjuntos que influyeron a Iced Earth como Kiss, Iron Maiden, AC/DC y Judas Priest, entre otros.

En Europa se aparecieron recién a principios del 2002, pero la espera valió mucho la pena. Iced Earth actuó por el viejo continente con un show extraordinario, con distintos escenarios con rampas a lo Maiden, juegos de pirotecnia y luces, más una extensa revisión a toda la discografía. Jon: “El primer escenario fue The Metal Stage, en el que tocamos temas de los tres primeros discos.  Luego, el segundo set, con motivos egipcios en el que hicimos canciones de The Dark Saga y Something Wicked, incluyendo las trilogías. La última fue el set del Horror Show”.

Horror Show ha sido el disco que más se ha vendido de Iced Earth, pero no es el favorito de Jon: “Something Wicked y Stormrider son mis preferidos. Horror Show fue distinto porque tuve que restringirme al tema, no fue tan personal y no pude tratar las letras con la profundidad que quería. Además, en el 2000 tuve algunos problemas (operación, divorcio) que hicieron las cosas más difíciles (…) Le falta esas canciones  íntimas que hacen a Iced Earth especial”.

Iced Earth

En estos días, el líder de Iced Earth, Jon Schaffer, espera con ansias hacer el 2003 un disco más personal y profundo, del que ya está escribiendo canciones. Hollow Man, The Haunting, Night Train, The Mark y Human Factor son algunos de los títulos que bien podrían estar, según Jon, en el próximo disco de Iced Earth o Demons & Wizards, este último para 2004.

Pero este próximo trabajo de Iced Earth no se tratará de la historia de Set Abominae… ese planea hacerlo para el 2005 porque quiere poner a prueba primero la eficiencia del sello –aún no revelado– al que se cambiarán el próximo año. “Este álbum conceptual será lo mejor que hayamos hecho. Tiene que ser así, la historia lo merece y no quiero que nada salga mal”. Además, piensa escribir el cómic y publicarlo.

Jon Schaffer está tranquilo. Calcula ahora con seriedad y madurez los pasos a seguir que dará Iced Earth para dominar al mundo, pero con la misma pasión y convicción que lo ha caracterizado desde el día que decidió abandonar su casa y vivir por su cuenta. “Por 18 años he estado en esto… No soy nuevo en el negocio… aún hay mucho camino por recorrer, pero todavía tengo fuego, determinación y garra para mantener a Iced Earth vivo. El futuro está abierto y todo es posible”.

icedearth

Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Iced Earth cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

Material visual con copyright del sitio oficial de Iced Earth, The Iced Realm (www.icedrealm.de) y de los autores (Rudy, Vincent Kroese, Jan Hermes, Jeff Moore)

hammerfall_titulo

«Brothers in arms are fighting tonight
the Forces of Steel live again
born in the fire, they look to the sky
the power of metal unchained»

Con la mentalidad que las cuatro líneas anteriores expresan, a fines de 1997 el mundo supo de la existencia de un quinteto sueco, que con su álbum «Glory To The Brave» llegaría a ser una revelación en la escena Heavy/Power europea. El poder épico y guerrero de este joven quinteto prometía, pues se vislumbraba que la banda llegaría a ser uno de los más grandes estandartes del True Metal con el paso de los años. Y ya estamos a fines del 2002, con esta banda aprestándose a lanzar su cuarto LP, con tres recitales en Chile y confirmando las expectativas que hace cinco años nos generamos. El poder de HammerFall, como veremos, está más vigente que nunca.

Hammerfall

Para conocer más de la historia de esta banda sueca, debemos remontarnos hacia el año 1993, donde el guitarrista Oscar Dronjak deja su banda Ceremonial Oath -de tendencias claramente más death metal-, para involucrarse en una aventura insospechada para esa época: una banda de heavy metal. El nombre surgió de inmediato. HammerFall sería el nombre de esta nueva aventura. Muy pronto se contacta con su amigo Jesper Strömblad para el trabajo en las guitarras. Jesper acepta, pero sin dejar sus trabajos en sus bandas Crystal Age y los incipientes y posteriormente famosísimos In Flames. Así, enrolaron músicos que también tenían sus proyectos paralelos. Nos referimos a los líderes de una de las bandas más importantes de la nueva hornada del Death Metal de Gotemburgo, Niklas Sundin, en las guitarras y Mikael Stanne en la voz, ambos integrantes de Dark Tranquillity, además de Johan Larsson. El primer corte que esta incipiente banda logra crear, es el ya clásico Steel Meets Steel.

HammerfallEstábamos en presencia de una banda que ensayaba poco, ya que los proyectos de los músicos lo impedían. Cabe recordar que estamos en presencia de una Suecia que no se caracterizaba, precisamente por sus bandas heavy metal, sino que de la escena death metal de Gotemburgo, lo que no les impidió participar en algunos concursos de bandas de rock. El principal concurso en Suecia era el «Rockslaget». El tiempo pasaba y Niklas y Johan decidieron permanecer en sus bandas y dejar HammerFall, siendo reemplazados por Glenn Ljungström (In Flames) y Fredrik Larsson (Crystal Age). En esta competencia además del ya nombrado Steel Meets Steel, la banda realizó HammerFall y el clásico de los daneses Pretty Maids «Red, Hot and Ready«.

Ya en las semifinales del Rockslaget, en 1996, la banda sorprendió con el ya clásico y reconocido Steel Meets Steel, su nueva Unchained y el himno de himnos, Breaking the Law, clásico de Judas Priest. Pero no había tiempo para celebrar. Su vocalista Mikael Stanne decidía dedicarse en un 100% a Dark Tranquility, y no iba a estar disponible para las finales de la competición. Había que encontrar un reemplazante lo antes posible, y es en ese momento donde emerge otra piedra angular de la banda. Joacim Cans fue uno de quienes ensayaron con la banda, y luego de un par de llamadas, la banda señala que era él quien tenía el puesto, puesto que los ensayos habían resultado un éxito y la voz de Joacim encajaba perfectamente con lo que la banda necesitaba. A pesar de esto, HammerFall no logró llegar a las finales, pero dos temas fueron registrados en video, los cuales fueron enviados a Roel van Reijmersdal, dueño del sello holandés «Vic Records», quien quedó impresionado por la calidad de la banda. Ante ello, la firma de un contrato no se hizo esperar, y HammerFall pudo al fin dedicarse exclusivamente a la composición y arreglo de temas.

Hammerfall

Y así nacería «Glory To The Brave«, disco al que hicimos referencia al comienzo de esta reseña histórica, que marca una tendencia de la banda: riffs potentes, actitud guerrera y, musicalmente, agresividad, melodías y coros más bien «graves«. Temas como HammerFall, The Dragon Lies Bleeding o Steel Meets Steel (por solo nombrar tres, aunque sé que estamos cometiendo una injusticia con el resto) sin duda han pasado a engrosar el memorial colectivo de temas clásicos de los últimos años.

HammerfallEl proceso de HammerFall era vertiginoso. Imaginamos que tanto Jesper Strömblad como Glenn Ljungström nunca imaginaron que el proyecto «Heavy Metal» que llevaban a cabo con HammerFall llegaría a tener el éxito mundial que estaba teniendo. Por ello, tomaron la sabia decisión de dedicarse full time a los no menos exitosos In Flames. Ante ello, Stefan Elmgren (en guitarra) y Patrik Räfling (batería), miembros de Highlander, la ex banda de Joacim Cans. Posteriormente, Fredrik Larsson abandonó la banda, para dedicarse a su banda thrash Beyond, propiciando la llegada del multifacético Magnus Rosén en el bajo.

Poco tiempo después, sucedería algo que marcaría que la banda estaba en un proceso de crecimiento irreversible: la compañía germana Nuclear Blast mostró gran interés (era que no) en la banda, tras lo cual se selló un vínculo contractual que une a HammerFall con Nuclear Blast por cuatro discos, comenzando con el siguiente, y pactando además la licencia para «Glory To The Brave». Con esto, se consolida la entrada de HammerFall a las grandes lides del Heavy/Power Metal europeo, y «haciendo patria» por el Heavy Metal en Suecia, tierra acostumbrada a la depurada técnica y denso sonido que caracteriza al Death Metal de Gotemburgo. Nuclear Blast, para lanzar aun más internacionalmente a HammerFall, planteó la idea de realizar dos video-clips, y así se grabaron el himno HammerFall y la hermosamente épica Glory To The Brave. Ya con la distribución de «Glory To The Brave» por Nuclear Blast, el dfsco fue elegido como «disco del mes» en un par de prestigiosos fanzines en Alemania, y alcanzó el lugar nº 38 en los charts en Alemania, el más alto lugar que un álbum debut de Heavy Metal había alcanzado en la historia hasta esa fecha. Todo hacía presagiar que Hammerfall recién iniciaba un camino glorioso. «Glory To The Brave» vendería, en el mundo, más de 100.000 copias.

Ese mismo año, 1997, la banda actuó por primera vez en el mítico festival Wacken Open Air, en el cual actuaron frente a casi 15.000 personas, y en otras ocasiones compartieron escenario con grandes como Gamma Ray o Virgin Steele.

Hammerfall

Pero la hora de lanzar su segundo trabajo no se hizo esperar sino hasta entrado el año siguiente, 1998. «Legacy Of Kings«, quizás el mejor disco de HammerFall, fue compuesto en su totalidad por Cans, Dronjak y Jesper Strömblad (quien, recordemos, ya no tocaba en la banda), y es un disco quizás más «maduro» que «Glory To The Brave», con un sonido fresco, eléctrico, energético y sin dejar de lado ni la actitud guerrera ni la simpleza de la sofisticación del sonido de las guitarras. Cortes como Legacy Of Kings, Heeding The Call o Let The Hammer Fall hicieron y hacen delirar a los fans del buen Heavy/Power Metal.

Llegaría la hora de salir a mostrarle al mundo de qué madera estaba hecho el árbol de los Templarios. Y qué mejor que hacerlo con una gira mundial, que los paseó por lugares como Japón, el Dynamo Open Air en Holanda y, por supuesto, por Sudamérica, donde llevaron a cabo conciertos en Brasil, Argentina … y por supuesto en Chile, donde realizaron una sólida (y accidentada, por la no llegada a último momento de los estadounidenses de Deicide) presentación en Estadio Víctor Jara (ex Chile), en Abril de 1999, junto a sus connacionales de Arch Enemy y los osorninos de Epsilon.

HammerfallLa no presencia de Deicide provocó que HammerFall, que estaba supuesto a tocar aproximadamente 50 minutos, terminara como «cabeza de cartel», tocando por más de una hora y media, en la cual ejecutaron prácticamente toda su discografía más un par de covers («Man On The Silver Mountain«, de Rainbow -con AC, ex baterista de Running Wild y actualmente tour manager de muchas bandas europeas que visitan nuestras tierras, como baterista- y «Breaking The Law» de Judas Priest, con Oskar Dronjak en las voces y Joacim Cans en batería). Un recital sin dudas inolvidable, pese a la sempiterna mala acústica del recinto santiaguino.

La gira marcaría la salida de la banda de Patrik Räfling, un baterista «correcto» (en ningún caso virtuoso) que nunca satisfizo totalmente el espíritu que la banda deseaba sentir y expresar. Ante ello, Magnus Rosén propuso como reemplazante (en primera instancia, provisoriamente) a un excelente músico y amigo personal: Anders Johansson, un baterista que ha participado en más de cien (sí, cien) discos a lo largo de su exitosa carrera, junto a músicos tan importantes como Yngwie J. Malmsteen, su mismo hermano Jens Johansson (Stratovarius) e incluso junto a Magnus Rosén en 1993 en su banda «Billionaires Boys’ Club», en la cual cantaba nada menos que Mark Boals, vocalista en un par de trabajos de Malmsteen. En agosto de 1999, Anders pasó a ser el baterista oficial de HammerFall.

HammerfallDurante el verano del hemisferio norte (nuestro invierno), HammerFall participó en algunos tributos a bandas señeras en lo que a Heavy metal respecta. Así, grabaron en estudio la gran Man On A Silver Mountain de Rainbow, que contó con la participación de AC (gran admirador de Cozy Powell, baterista de Rainbow y de Yngwie Malmsteen trágicamente fallecido en un accidente de tránsito en 1998) en la batería para el tributo a una de las más grandes voces de la historia del rock, el «enano maldito», Ronnie James Dio; además, grabaron una muy buena versión de Head Over Heels, clásico del disco «Balls To The Wall» de Accept, que cuenta con la participación de Udo Dirkschneider (vocalista de Accept); y por último, junto a Dirk Schlächter y Kai Hansen (Gamma Ray) grabaron I Want Out de Helloween, el cual fue lanzado como single por la banda.

El año ’99 terminó exitosamente para la banda, tocando en festivales como el Gods Of Metal en Milán, Italia, o el Eurometal ’99 en España.

Ya en el año 2000, comienza a gestarse el tercer disco en estudio de HammerFall. Así, en Octubre de aquél año HammerFall lanza «Renegade«, un disco distinto a los anteriores trabajos de la banda, quizás menos contundente musicalmente, pero con temas de calidad y, sobre todo, manteniendo vigente y en alto la propuesta de Heavy Metal tan característica de la banda. Templars Of Steel, Keep The Flame Burning o The Way Of The Warrior destacan dentro del quizás más bajo trabajo de la banda.

Hammerfall

A comienzos del año 2001, en la época en que esta página nacía al mundo (por ende es muy especial para quienes formamos parte de este equipo), HammerFall visitó nuestro país, realizando dos conciertos muy especiales: el primero, el Jueves 15 de Marzo, en el centro de eventos La Batuta, en Ñuñoa, Santiago, donde aproximadamente 150 fans vivieron un show muy «europeo» (con muy poco público, debido al lugar y con un ambiente muy distendido), sin perder esa pasión sudamericana que nos ha hecho famosos en todo el mundo; y el segundo, el Viernes 16, con un Teatro Providencia lleno hasta las banderas, un show extraordinario, un sonido muy bien logrado, un setlist correcto y sobre todo, pura pasión y sentimiento.

HammerfallHammerfall

Después de llevar a cabo un exitoso tour por todo el mundo, en el presente año 2002 HammerFall anunció la salida a la venta de su esperado cuarto trabajo en estudio, que llevará por nombre «Crimson Thunder«. En septiembre, la banda estaba supuesta a grabar el video para su single, «Hearts Of Fire«, pero la banda sufrió el grave inconveniente de la agresión de la cual fue víctima Joacim Cans, en un bar en Gotemburgo, Suecia, situación a la cual hicimos referencia en su momento como noticia, y que trajo como consecuencia que la grabación del video clip se retrasase en al menos un mes, debido a la gravedad de las heridas sufridas por Cans en su rostro, y que perfectamente podrían haberle costado la pérdida de su ojo izquierdo.

Pero pasando a lo que nos atañe, la música, ya se encuentra a la venta el single al que hacíamos referencia. En efecto, con «Hearts Of Fire» (que además incluye el clásico «We’re Gonna Make It» de Twisted Sister como cover) y una versión en vivo y en video del clásico «Heeding The Call«), se ve una banda madura, un sonido más hard-rockero y sobre todo la misma actitud, aunque quizás expresada con menos énfasis que en los comienzos de la banda.

¿Qué podemos decir de «Crimson Thunder», su nuevo trabajo? Pronto lo sabremos. El día 28 de Octubre el disco saldrá a la venta mundialmente. Y les recomendamos que vayan preparando sus oídos para escuchar a un HammerFall un poco más Priestiano, con menos revoluciones, pero bastante pesado y con mucha mística y pasión. Y mientras esos elementos no se pierdan, tendremos templarios para mucho, mucho rato. Mientras tanto, paciencia…

Hammerfall

Inquisicion

Septiembre se caracteriza por ser nuestro mes, el mes de Chile, y Powermetal.cl, no desea estar ajeno a ello, por lo cual hemos decidido dedicar este espacio, la banda del mes, a una agrupación chilena. Y hemos querido dedicarla a una agrupación legendaria, que marcó un hito importante en la historia del metal en nuestro país, al hacer heavy metal en un momento donde las poleras negras y las melenas propias del thrash y el death metal marcaban pauta en el metal nacional. Nos referimos a Inquisición.

La historia nos hace remontarnos a 1993, donde la escena nacional era eminentemente dominada, como se dijo anteriormente, por el thrash y el death metal; bandas como Pentagram (luego Criminal), Dorso, Atomic Aggressor, Death Yell y Torturer eran las más importantes dentro de la incipiente escena nacional, la que no tenía un exponente de calidad dentro del heavy metal; sólo Panzer y su heavy rock en español lograba destacar dentro del oscuro mundo chileno, y principalmente santiaguino.

Inquisicion

Es en ese instante donde Manolo Schaffler, guitarrista del grupo Torturer, decide formar un grupo paralelo a los ya nombrados, para explorar una veta más heavy metal, algo que sólo Panzer y alguna que otra banda habían explorado. Para ello contó con la colaboración del baterista Carlos Hernández. Es en Junio de 1993 cuando este proyecto comienza a tomar forma. Pero no es sino hasta fines de ese año cuando se comienza a concretar la tarea. Hasta ese entonces, Santa Inquisición, había estado buscando un vocalista y había estado presentándose en tocatas con un esporádico bajista. Hasta que dio con Freddy Alexis, ex vocalista de Panzer, quien se quedó definitivamente con el puesto de frontman.
En este entonces Manolo, líder del grupo, presagiaba que podía ser no sólo un proyecto sino que una importante realidad, por lo que decide dejar su banda Torturer y concentrarse exclusivamente en este camino junto a otros músicos y explorando nuevos horizontes.

Ya en 1994, la banda toma forma pasándose a llamar simplemente Inquisición; la razón principal de este cambio obedeció al deseo de no ser confundido con una banda cristiana, ya que el sentido de la banda, la filosofía de ella, giraba en una dirección absolutamente contraria, ocultista, llena de imaginería oscura.

Inquisicion

Inmediatamente captaron la atención de los fanáticos locales… ¿una banda heavy metal?, ¿qué cante en inglés?, ¿y el vocalista no ladra?, eran las interrogantes que poco a poco fue develando esta incipiente agrupación que como dije dio que hablar desde el primer momento por las razones expuestas.

Sí, era una banda de heavy metal, camino poco explorado hasta ese entonces, donde sólo Panzer y Panzer era lo representativo del heavy metal nacional. Pero había una característica que la hacía diferente a la banda de Juan Álvarez; las letras eran absolutamente en inglés, además tenía un sonido muy bueno para la época y una puesta en escena que hacían de cada show de Inquisición un espectáculo notable, tanto para los fans del heavy metal, (que vieron a esta agrupación como una respuesta a sus plegarias de que en Chile existiera una banda del estilo), como para los fans de las vertientes más oscuras del metal, quienes veían en Inquisición una gran dosis de ocultismo.

InquisicionA fines de 1994 y comienzos de 1995, Manolo y Cia. finalizan un proceso de composición y entran a grabar un demo tape de 4 temas, con un sonido de una calidad desconocida en estos lares, que rápidamente se agotó y que en estos momentos es una pieza de culto y de colección para todo metalero que admire la escena nacional. Dentro de ese demo se encuentra la excelente Mayday ‘s Eve, uno de los clásicos de la banda que aún es ejecutada en vivo.

Es esos momentos estos muchachos comienzan un proceso de promoción de su demo, incluso grabando un video clip de Mayday’s Eve, con ayuda del extinto canal 2 (no el de ahora, obviamente), lo que le permitió masificar, (en la medida de lo posible) su música y tomar al metal no como un hobby sino como algo más profesional. No por nada Manolo, líder y creador de la banda, había estudiado música en la Universidad de Chile, dándole esto un toque de profesionalismo para abrirse camino en el dificil mundo del arte chileno, con puertas tan cerradas para ciertas expresiones artísticas como el rock, y por supuesto el metal. Sin embargo el esfuerzo de la banda sería recompensado con la aprobación de los fans que cada día y a cada tocata iban multiplicándose transformando en poco tiempo a Inquisición en una de las bandas más respetadas de la escena local.

Sin embargo, todavía el puesto de bajista estaba vacante, siendo llenado con el que hasta ese entonces era bajista de una banda progresiva llamada Psiquis, Cristián Maturana, por lo que ya Inquisición era una banda con miembros estables, dedicados 100% y con un proceso de composición de temas que iba viento en popa y que pronto vería la luz.

InquisicionLA VENGANZA DEL ACERO

Como dijimos, la banda en directo era un espectáculo, tenía el reconocimiento de sus pares, tanto así que en el programa Rock and Roll Adiction, Juan Álvarez les entrega el premio como la banda de metal del año. Sin embargo los fans querían ver los temas de Inquisición plasmados en un disco, y eso llega a fines del 1996, cuando la banda ingresa a los Estudios HYT para grabar su ya clásico, Steel Vengeance. DEIFIER Records, sello independiente fue quien lanzó el disco a la calle, en Febrero de 1997, sin embargo el poco apoyo de la casa discográfica, más los malos manejos económicos hicieron que la banda desistiera de ellos.

En ese disco encontramos grandes canciones como Innocent Sinner, tema que es imposible dejar de tocar y que se transformó en un clásico en poco tiempo. Así como Sed Diabolus,y Fate was Sealed. Sin embargo el disco tiene un pero. Hay una canción, Message in Black, que tiene una similitud tremenda a Start Running de Gamma Ray, lo que trajo los primeros problemas entre la banda ya que se percataron del parecido una vez salido el disco a la calle.

El disco fue un éxito rotundo, el cassette (en esos tiempos no se masificaba el cd) fue objeto de culto de los fanáticos, y su música trascendió las fronteras de nuestro país editándose en Argentina, a través del sello Dreamland.

El público metalero quedó rendido ante este disco, que nos muestra a una banda que no sólo hace heavy metal, sino que muy buen heavy metal. Con composiciones simples, pero a la vez con momentos de virtuosismo por parte de un Manolo, que debe ser uno de los mejores exponentes en las seis cuerdas que nos ha dado este país. Con una gran performance de Freddy, quien alcanza en ciertos temas tonos agudos extraordinarios (aunque, personalmente prefiero su performance en el demo, ya que es menos forzada). Y una actitud oscura, muy cercana a lo que hace King Diamond y Mercyful Fate….además se nota una gran influencia en los ritmos, melodías y voces a lo que hacía Riot a mediados de los 80.

InquisicionPara la promoción del disco grabaron un video del clásico Innocent Sinner.

En 1998, uno de los sellos independientes más importantes del medio nacional, Toxic Records, se la juega por Inquisicion lanzando un cd recopilatorio, In Nomini, que más bien es el Steel Vengeance, sin la polémica Message in Black, más su primer demo tape remasterizado. El cual además de ser lanzado en Chile salió de las fronteras de nuestro país siendo editado en Europa por Repulse Records

CUERO NEGRO DESDE EL INFIERNO

Sin embargo, la banda seguía con su proceso de composición, nuevos temas iban siendo creados, por lo que un segundo larga duración era cuestión de tiempo. Octubre de ese año sería el momento en que Inquisición nos sorprendería con un nuevo álbum, Black Leather From Hell, que inmediatamente contó con la aprobación de la prensa especializada y sobretodo de los fans que colmaban cada recinto donde la banda se presentaba. Así es, Inquisición es una banda que además cuenta con un gran apoyo en regiones; cada salida fuera de Santiago es un acontecimiento para estos cuatro muchachos, puesto que los shows se repletan y son tomados como grandes eventos.

Este disco es más maduro, con un Manolo que se luce, como siempre y con un Freddy que ya, sin llegar a los inalcanzables tonos de su primera placa se desenvuelve con calidad, lo mismo con el talentoso Cristian y sobretodo con Carlos Hernández, en mi opinión uno de las mejores baquetas de Chile, puesto que sin poseer una batería monstruosa, es un reloj, con un sentido de los tiempos impresionante.

Inquisicion

En esta placa destacan temas como la gran Dragonslayer, Army of Darkness, The Axis of the Mist y la espectacular Extermination, con uno de los riffs más acelerados y poderosos de la banda. Dos anécdotas de este disco, la primera y más obvia, fue el lanzamiento de un tema en español Mensaje Oculto, que es la esencia de lo que era Message in Black, que prescinde de todos los sonidos que alguna vez la hicieron parecerse al tema de Gamma Ray. Y la segunda, que Extermination, no estaba contemplada en los planes del grupo, fue la última en componerse para llenar un vacío, y así, casi a la rápida, se transformó en uno de los más importantes temas de este cuarteto. Una de las cosas importantes de este disco es que fue lanzado de forma completamente independiente.

En este momento se produce un hito en la carrera de Inquisición, extrañamente nunca se le había visto tocar junto a bandas internacionales, lo que logran en 1999, cuando tocan junto a los legendarios daneses de Mercyful Fate, con Mr. King Diamond a la cabeza, en un Teattro Providencia repleto, con un concierto histórico, tanto para Chile como para la banda que comparte escenario con una de sus principales influencias.

Luego de eso realizan diferentes recitales tanto en Santiago como en regiones que darán vida a un trabajo próximo en vivo.

Inquisicion

EL QUIEBRE DEFINITIVO Y UNA NUEVA ERA

Las cosas no andaban bien en Inquisición, roces entre Manolo y Freddy y las ganas de Freddy de hacer un proyecto y un grupo aparte hacen que éste se aleje definitivamente de la banda, lo que hizo que Inquisición, a fines del 2001 quedara sin vocalista.

Entre tanto Inquisición debía cumplir compromisos pactados, tuvo vocalistas ocasionales (incluso Cristian Maturana llegó a tomar el micrófono alguna vez), y no daban con el vocalista que llenara el vacío que dejó Freddy y que además calzara con lo que deseaba Inquisición en ese entonces: un cantante no con la voz tan limpia como Freddy, sino que algo más desgarrador, de la escuela de Ronnie James Dio.

Pero, como suele decirse la vida da muchas vueltas. Freddy formó la banda Witchblade, y es de esa alineación desde donde Inquisición encontraría la respuesta.

InquisicionLuego de audiciones que no convencieron a la banda (incluso circuló el rumor que Freddy volvería al grupo), el bajista de Witchblade, banda de Freddy, Paulo Domic, ensaya con la banda en la voz, quedando impresionados con su calidad vocal, y descubriendo que eso era lo que necesitaban. Le ofrecen el puesto de cantante, y luego de meditarlo deja el bajo en Witchblade y se enrola en Inquisición, siendo su frontman hasta el día de hoy.

Pero como señalábamos hace un poco, Inquisición había grabado unas tomas de algunos recitales tanto en regiones como en Santiago, por lo que deciden lanzar un disco en vivo, sin Freddy en la actual alineación, pero con él en el disco. El disco tiene un nombre sugerente para el momento que pasaba la banda Live Posthumous, con ocho cortes ejecutados en forma excepcional.

¿Y qué viene para la banda?. Están preparando su nuevo LP «Metal Genocide» el cuál tendrá 10 nuevos temas de lo mejor que ha hecho la banda, entre ellos «Freedom Man» el cuál aparecerá en el CD gratuito de promoción de cerveza ESCUDO.

En suma Inquisición, es una de las bandas que ha marcado historia en el metal nacional. Primero por su innovación al atreverse a hacer heavy metal en un momento donde nadie daba un peso por el estilo y segundo, porque siguen manteniendo esa frescura y calidad en sus presentaciones en vivo, por que a pesar de que el medio se ha llenado de bandas de heavy metal, algunas de excelente calidad, ellos han seguido su senda, no han transado en sus valores y seguramente nos van a deleitar con un trabajo fuerte, demoledor y con la esencia de una banda legendaria, respetada y que, aunque pasen los años no van a perder vigencia. Porque bandas puede haber muchas, pero leyendas y pioneros son muy pocos, e Inquisición es uno de ellos.

Blind Guardian

DE LOS BARDOS…

Hay muchas instancias en la literatura fantástica en que la palabra «Bardo» se utiliza indiscriminadamente para hablar de trovadores, juglares, poetas, músicos, heraldos, es decir, cualquier oficio en el arte del entretenimiento. Los verdaderos Bardos se encontraban en las culturas celtas (Escocia, Irlanda, Gales, Galia, Bretaña, etc.) y cumplían la misma función que los «Escaldos» en Escandinavia y los «Scops» entre los anglosajones.

Los Bardos escribían y recitaban poesías, hablaban de historias, leyendas y mitos versadamente y con música. El instrumento principal de un Bardo era el arpa y él era el responsable de transmitir oralmente las epopeyas nacionales y poemas a otros. Un círculo de Bardos consistía en una junta de estos que se entretenían contando historias y en la que todos participaban con un par de canciones o poemas musicalizados. Sus tradiciones se remontan desde la Antigüedad, pero proliferó con más fuerza en Gales y en Irlanda durante la Edad Media hasta el Prerrenacimiento. Los Bardos desaparecieron de la Galia después de la Conquista Romana, aunque permanecieron en otros lugares ocupados como Armórica, actual Bretaña. Luego de la llegada del Cristianismo a Gales, los Bardos se transformaron en «Poetas de la Corte». Algunos solían pertenecer a la nobleza y fijaron reglas para recitar a través de la formación de gremios.

Blind GuardianLos Bardos desaparecieron cuando fueron considerados por los ingleses «políticamente peligrosos» y decretaron a sus gremios fuera de ley. No se escuchó más de ellos hasta que a finales del segundo milenio, en el siglo XX, la década de los noventa, el espíritu bardo renació en cuatro alemanes. Ellos son Hansi Kürsch, André Olbrich, Marcus Siepen y Thomen Stauch, quienes encantaron al metal con emotividad épica, dulzura juglaresca y una sensibilidad mágica musical nunca oída, lo que los transformaron en uno de los conjuntos más reconocidos del metal de los últimos años. La siguiente es la historia de los Bardos del Metal perdidos en el tiempo: BLIND GUARDIAN. Al final se podrá apreciar un apéndice relacionado con la música de Blind Guardian vinculada a la obra de J.R.R. Tolkien.

Tomorrow will takes us away
Far from home
Noone will never know our names
But the bard’s songs will remain…

DE LUCIFER’S HERITAGE AL GUARDIAN CIEGO

En la localidad alemana de Krefeld se encuentra el punto de partida de Blind Guardian, cuando en 1985, el guitarrista de 18 años André Olbrich propone a uno de sus compañeros de colegio, Hansi Kürsch, formar una banda con influencias de Metallica, Iron Maiden, Queensryche y la incipiente escena de Hamburgo liderada por Helloween. El último accede a tocar el bajo y cantar, y eligen el nombre Lucifer’s Heritage.

El dúo encuentra a Marcus Dörk para acompañar a Olbrich y al inexperimentado baterista de no más de 15 años, Thomas Stauch, quien tomaba lecciones de guitarra con André. Con formación completa, ese mismo año, Lucifer’s Heritage graba Symphonies Of Doom. En la maqueta se escuchan cinco canciones («Halloween», «Brian», «Dead Of The Night», «Symphonies Of Doom» y «Lucifer’s Heritage») con marcadas influencias de Metallica de la era de Kill’em All, el tinte épico de los primeros años de Iron Maiden y de la explosiva melodía de Helloween. Pero el grupo no consigue el ansiado contrato con algún sello que los llevase a grabar un LP y Thomen, junto con Dörk, que también canta en SoD, abandona la fallida incursión.
Blind Guardian
Pero en 1986, y tras la ida y venida de varios integrantes, hacen el segundo demo con la participación de Christoff Theissen en la segunda guitarra y Hans-Peter Frey como baterista. Battalions Of Fear es el título y se ven clásicos como «Majesty» y «Run For The Night». La nueva propuesta de Lucifer’s Heritage es mejor recibida, la producción mejora y los temas son mucho más ordenados que los del primer demo. A raíz del progreso del grupo, Stauch no tarda en volver a la alineación y entra el nuevo guitarrista Marcus Siepen, en lo que sería el último cambio de miembros en la carrera de la banda. Sin duda, el inédito hecho en la historia del metal de que Blind Guardian mantenga su formación intacta desde 1986 -desde hace16 años para ser precisos-, es uno de los secretos que ha desembocado en el éxito de la trayectoria de estos alemanes.

Después de los cambios, Lucifer’s Heritage pasa a llamarse Blind Guardian y la suerte les empieza a sonreír. Una copia del Battalions Of Fear llega a manos del departamento de No Remorse, una nueva compañía discográfica independiente y Blind Guardian firma contrato con dicha casa en 1987.

Blind Guardian

Así Hansi, André, Thomen y Marcus graban su primer full length album en Karo Studio Münster, Alemania, entre octubre y noviembre del ’87 y con la producción de Kalle Trapp (Destruction, Drifter y Grinder). En enero de 1988 el disco sale a la venta bajo el nombre de Battalions Of Fear, al igual que la maqueta anterior. En esta primera placa aparecen los cinco temas del segundo demo más otros cuatro que fueron escritos después de la llegada de Siepen. Battalions Of Fear muestra a una banda joven con una actitud agresiva pero melódica, tal como en Walls Of Jericho de Helloween.

Desde este disco ya se nota una preferencia por parte de Blind Guardian de hablar en sus letras de ficción y fantasía medieval, especialmente de la literatura del profesor J.R.R. Tolkien. En «Majesty» se habla de El Señor de los Anillos, al igual que el título de la instrumental inspirada en el compositor clásico Antonin Dvorak, «By The Gates Of Moria» y el bonus track «Gandalf’s Rebirth«. Y esto sería sólo el comienzo del coqueteo entre la obra de Tolkien y la música de Blind Guardian, que más tarde llegaría a zanjarse en una relación inseparable. La canción «Guardian Of The Blind», mientras, está basada en It de Steven King. Battalions Of Fear irrumpe con cierto éxito en el underground de Alemania, pero no más allá de eso. «Tocamos nuestros primeros conciertos -ocho fechas, junto con Grinder- en todo el país y llamamos la atención de varios fanáticos de la escena (Hansi)».

Lanzado al año siguiente, Follow The Blind es el álbum más rudo que Blind Guardian ha entregado hasta la fecha. «Pasábamos escuchando Testament, Forbidden y Holy Terror todo el día. Sí, fue nuestra época Thrash (Marcus)». En el segundo trabajo aparece una nueva fuente, la saga Stormbringer extraída de las series de Elric of Melnibone escritas por Michael Moorcock, patente en «Damned For All Time» y «Fast To Madness». Este álbum es considerado ahora por algunos como el más débil de la discografía, refiriéndose al estándar histórico del grupo.

Blind Guardian

Salvo «Banish From Sanctuary» y «Valhalla», más la colaboración de Kai Hansen en voces y guitarras en esta última y «Hall Of The King», el resto del LP no posee ningún otro punto sobresaliente y pocos son los momentos en que se escuchan trazos melódicos, a pesar de la utilización de sintetizadores, es lo que se argumenta. Sin embargo y gracias al performance de Hansen, Follow The Blind capta nuevos adherentes para Blind Guardian en Alemania y, sorprendentemente, en Japón, donde el álbum se mantiene durante varios meses rankeado en los charts, lo que habla muy bien de este LP. Lamentablemente, la banda no realiza ningún tour este año debido a que Marcus y André son reclutados en el servicio militar alemán. Ello quedaría para el siguiente álbum…

EL RENACIMIENTO DE LOS BARDOS

Después de Battalions Of Fear y Follow The Blind, llega 1990, el año clave en la carrera de Blind Guardian. El 16 de julio, Tales From The Twilight World sale a la venta. Este tercer esfuerzo representa un enorme salto evolutivo en la música, lejos lo mejor que haya hecho hasta ese entonces y, probablemente, el cambio más significativo de Blind Guardian que ayudaría construir las bases de los discos que llegarían. Marcus: «Twilight es el primero en donde alcanzamos nuestro real estilo. Los dos anteriores fueron entretenidos de grabar y todavía nos gustan, pero no estaban definidos».

Tales From The Twilight World derrocha velocidad y melodía del Power Metal con la precisión técnica del Speed. La voz de Hansi muestra un gran progreso y los coros alcanzan una gran elaboración, a la vez que las segundas voces juegan un papel más relevante, estampa característica de Blind Guardian de los noventa. Es en este LP también es donde André Olbrich empieza a desarrollar su ahora inconfundible estilo de tocar los lead breaks.

Blind GuardianTambién se trata del debut del pintor alemán Andreas Marschall (Running Wild, Grave Digger, Destruction) que se encarga de crear la carátula para Blind Guardian, la primera de muchas en las que contribuiría en el futuro, ilustrando un submundo atestado por repulsivas criaturas adorando a un pérfido ser. Algunos de los temas que se pueden nombrar son «Welcome To Dying», «Goodbye My Friend», «Lost In The Twilight Hall» nuevamente con la participación en guitarras y voces de Kai Hansen, y «Lord Of The Rings» escrita por Hansi y Marcus, donde se aprovecha el progreso a la hora de componer para lograr el ambiente adecuado que acompañase las letras inspiradas en los libros del mismo nombre. Como dato curioso de la canción, Hansi Kursch utiliza sin razón alguna la frase seven rings to the gnoms in their halls made of stone, cuando en realidad es seven rings to the dwarves… Además, otra vez recurren a Steven King para los versos de Tommyknockers.

Twilight World es la primera gran obra maestra de Blind Guardian y la última que lanzan uno un año después de haber editado otro el anterior. Venden 30 mil copias en Alemania, pero seis meses después del lanzamiento, No Remorse Records se hunde en la bancarrota y desaparece. El grupo se las arregla para salir del contrato, recupera los derechos sobre su catálogo y queda libre de negociar con cualquier otra compañía. Mientras tanto, Virgin Records distribuye el disco. Como en 1989, Blind Guardian el ’90 tampoco realiza giras. El tour estaba fijado justo después de la salida de Tales…, pero Thomen se somete a una intervención quirúrgica a uno de sus pulmones lo que lo imposibilita tocar por ese año. Recién en 1991 Blind Guardian hace su primera gira por Europa con los norteamericanos Iced Earth y se origina una amistad que no sólo duraría hasta hoy, sino que también entregaría jugosos dividendos musicales en el futuro.

Negociar un nuevo contrato era el objetivo después del tour e, increíblemente, la misma compañía que se había «apiadado» de Blind Guardian cuando No Remorse había quebrado, Virgin Records, un sello de alta envergadura y presupuesto, hace una muy buena oferta y la banda acepta. Blind Guardian contaría con mayores sumas dinero para concretar sus proyectos, pero no falta, y con razón, la voz temerosa que advierte que podrían cambiar su estilo a uno más comercial a cambio de grandes estudios para grabar, edición de ciento de miles de copias, etc. Pero Hansi Kursch se atreve a correr el riesgo. «Cuando llegamos a Virgin, la gente esperaba que cambiásemos de ser una banda de Heavy Metal a una del mainstreem. Afortunadamente, el sello nunca nos pidió que hiciéramos eso. No habríamos firmado con ellos si nos lo hubieran exigido… tuvimos el privilegio de no ser interrumpidos».

Blind GuardianCon un nuevo y mucho más ventajoso contrato, Blind Guardian entra a Karo Studios de Hamburgo, el mismo de siempre, entre marzo y mayo de 1992 para dar forma a Somewhere Far Beyond, una de las piedras angulares del Power Metal de los ’90 y la pólvora que detona la popularidad de la banda. En palabras del propio Marcus, con Somewhere Far Beyond tratan de hacer el Tales… aún mejor, más preciso, pero sin mayores cambios. El álbum sin embargo significa otro paso adelante en el desarrollo musical de los Bardos y cuenta con una puesta en escena más fantasiosa, mágica y melódica que su antecesor gracias a canciones como «Time What Is Time», «Journey Through The Dark» y «Somewhere Far Beyond». Por última ocasión se escucha la guitarra de Kai Hansen en una colaboración con Blind Guardian en «The Quest For Tanelorn», inspirado nuevamente en la saga Stormbringer y escrita por el mismo Kai y la banda. Se descubre además a Blind Guardian haciendo composiciones atípicas como «Black Chamber» y «Theatre Of Pain» con importantes arreglos de orquesta. Pero los momentos más recordados de este cuarto álbum son sin duda las dos canciones conocidas como «The Bard’s Song: In The Forest y The Hobbit». La primera, una balada que emula aquellos círculos de bardos -escena ilustrada en la portada-, se convierte en un gran hit y hoy es un punto obligado en cada uno de los shows. Cabe destacar la primera guitarra de Olbrich que consigue en Somewhere Far Beyond patentar definitivamente su estilo de lead breaks al armonizar los solos con octavas y utilizando el pedal wah.

De inmediatamente realizado el álbum, salen de gira por Europa, otra vez con Iced Earth, hasta que en diciembre tocan por primera vez fuera del Viejo Continente, en Japón para ser exactos. Estas presentaciones no significan sólo para Blind Guardian una de sus más excitantes e inolvidables experiencias, «llegar al otro lado del mundo y tocar ante cuatro mil fanáticos enloquecidos», sino que además escogen dos de esos recitales para grabar un álbum en vivo, como Deep Purple, Judas Priest y Iron Maiden lo hicieran en su oportunidad. Lo titulan Tokio Tales y aparece en las tiendas en febrero de 1993. El disco consta de una compilación en directo de varios de los mejores temas de Blind Guardian, entre ellos «Journey Through The Dark», «Traveler In Time» y «Welcome To Dying», aunque se echa de menos la presencia de canciones del Somewhere Far Beyond -solamente hay tres-, especialmente «The Bard’s Song – In The Forest».

Es durante la mezcla de Tokio Tales cuando la ruptura de relaciones entre Blind Guardian y Kalle Trapp, se hizo evidente. Trapp había sido el responsable de grabar Tokio Tales y cuando les enseñó el tema «Banish From Sanctuary», los integrantes lo detestaron: «¡Sonaba igual a la versión del Follow The Blind! ¡Igual que a la de estudio! Un álbum en vivo debe ser como un álbum en vivo y no como uno de estudio (Marcus)». La banda sintió que Trapp se había alejado de la visión que tenían -hacia una música más compleja- y que no aprenderían más de él, por lo que el momento de buscar a un nuevo productor había llegado.

Blind Guardian

El reemplazante lo encuentran en Flemming Rasmussen, hombre detrás de notables discos como Ride The Lightning, Master Of Puppets y …And Justice For All, de Metallica. La primera experiencia de Blind Guardian con Rasmunssen no obstante fue atípica: Hansi, Marcus, André y Thomen querían con ansias grabar nada menos que «Mr. Sandman» de Walter Valentino Liberace antes de entrar de lleno en el álbum. El nuevo productor odiaba tanto la canción que cuando trabajaban en ella, mandaba a un ingeniero asistente para terminarla. Cuando la finalizaron, decidieron que «Mr. Sandman» aparecería como lado B del single para el CD que grabarían. Resultó que cuando enviaron el cover a Virgin, los ejecutivos se enamoraron de la canción y por primera vez estuvieron dispuestos en gastar grandes sumas de dinero para promocionar un tema del grupo con un video clip. Hansi: «Dijimos OK, pero para hacerle un video tendríamos que incluir «Mr. Sandman» en el próximo álbum, lo que echaría a perder la actitud del disco». De este modo, decidieron que debería estar en otro LP especial y fue así que surgió la idea de The Forgotten Tales

LA CONSOLIDACIÓN DE BLIND GUARDIAN Y SALVACIÓN DEL POWER METAL

Pero el nuevo disco «en serio» es la prioridad de los Blind Guardian que trabajan desde agosto del 1994 hasta marzo del año siguiente en Sweet Silence Studios, Copenhague Dinamarca, en lo que sería la primera superproducción del grupo. El 3 de abril de 1995 aparece Imaginations From The Other Side, un álbum complejo lírica y musicalmente, denotando una búsqueda premeditada hacia la perfección. Se trata de un disco que habla difusamente en algunas canciones de lo que Hansi llama «The Other Side», donde están todas las fantasías -y temores- del ser humano, además de tocar tópicos religiosos («The Script For My Requiem», «Another Holy War») y la Leyenda del Rey Arturo en «Mordred’s Song» y la canción que se transformaría en el primer single CD de la carrera Blind Guardian, «A Past And Future Secret», una especie de réplica de «The Bard’s Song – In The Forest» pero más terminada y con más elementos «bardos». Las letras son simplemente extraordinarias, entre oscuras, íntimas y épicas a la vez, por lo que a Hansi se le reconoce como uno de los grandes letristas del metal europeo.

El trabajo de la batería y percusión de Thomen Stauch alcanza nuevos niveles de complejidad, los solos de André Olbrich se vuelven más elaborados, los efectos de sintetizadores, más prominentes y Kursch canta con más fuerza y energía que nunca… para qué hablar de los poderosos coros y las líneas vocales. Imaginations From The Other Side es el trabajo más nebuloso, carismático e intrigante de Blind Guardian, los músicos pasan como quieren desde la melodía más sobrecogedora hasta descargas de poderío en un mismo tema, como en «Bright Eyes».

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En 1995, año en que el Power Metal pasa por sus días más negros, Iron Maiden trabaja sin Dickinson, Judas Priest y Metallica no dan signos de vida y Iced Earth a punto de disolverse, Blind Guardian junto con Gamma Ray y su Land Of The Free (en el que Hansi aparece cantando en Farewell) se consolida como una de las bandas más sólidas del metal melódico en Europa, levantando alto el estandarte del Power Metal.

El estándar sin embargo parece no afectarles y, ante muchos ojos atentos, se dan el lujo de concretar al año siguiente el proyecto que se había originado con la grabación de «Mr. Sandman», The Forgotten Tales. En el peculiar disco se encuentran canciones de Uriah Heep («The Wizard»), The Beach Boys («Surfin’ USA») Mike Oldfield («To France») y otros covers que habían hecho a lo largo de su trayectoria, además de temas propios en versiones acústicas y orquestadas, como «Lord Of The Rings», oportunidad que Hansi aprovecha de corregir la frase donde ocupa la palabra gnoms y utiliza correctamente dwarves. También aparece «The Bard’s Song – In The Forest» en vivo, remediando el error de no incluirla en Tokio Tales. A pesar de correr el riesgo de ser calificados de oportunistas, The Forgotten Tales se transforma en todo un éxito de ventas tal como Imaginations From The Other Side.

Así llega, al final de 1996 y primera mitad de 1997, un momento de distensión para Blind Guardian. Durante las vacaciones, Thomen Stauch presta sus ya reconocidos baquetazos para la nueva banda del ingeniero asistente y músico invitado en varios de los discos de Blind Guardian, Piet Sielck, llamada Iron Savior. En Krefeld mientras tanto, se construye un estudio de grabación exclusivo para los Bardos, Twilight Hall Studios, el cual no estaría listo sino hasta después del lanzamiento de Nightfall In Middle Earth.

La acción que más consecuencias trae en este período es el comienzo del proyecto entre Hansi Kürsch y el guitarrista rítmico estadounidense y líder de Iced Earth, Jon Schaffer. Antes de que empezaran las sesiones del próximo trabajo de Blind Guardian, Jon visita a Hansi en Krefeld por unos días durante el descanso de la gira de Days Of Purgatory (1997). A la mañana siguiente después de una fiesta en la casa de Kürsch, aburrido, Jon toma una guitarra y empieza a improvisar unos rasgueos, luego se le une Hansi en las voces y en un poco más de dos horas ya tienen listo un tema: «My Last Sunrise». Este chispazo de creatividad hace ver en ambos un gran potencial y acuerdan realizar un álbum. No obstante, el proyecto que se denominaría Demons & Wizards -como un antiguo disco de Uriah Heep- tendría que esperar a causa de las convulsionadas agendas de Blind Guardian y Iced Earth…

UN HOMENAJE AL PROFESOR…

Blind GuardianHaciendo retrospectiva, 1998 es el año clave del Power Metal, en el que se produce la gran explosión del género en Europa. Los festivales empiezan a quedar chicos por el alza de las concurrencias y ya no resulta un anacronismo confeccionar brazaletes y cadenas como en la época dorada de Judas Priest. Al incluir a Gamma Ray, Stratovarius, Rhapsody con Symphony Of Enchanted Lands, Hammerfall y su Legacy Of Kings, Edguy presentando Vain Glory Opera, algunas revistas especializadas hablan de la Generación del ’98, igual que aquel movimiento literario intelectual español de finales del siglo XIX.

En este competitivo y emergente «mercado», Nightfall In Middle Earth de Blind Guardian es considerado hoy el álbum más importante y referente de la explosión del Power Metal. Cuando todos esperaban una réplica en la línea de Imaginations From The Other Side, Blind Guardian causa un shock en la escena, el más radical y confuso de los virajes estilísticos de los que ha hecho la banda.

Nightfall In Middle Earth es un álbum conceptual basado en El Silmarillion de Tolkien. En once canciones y mismo número de interludios, instrumentales y recreación de escenas, se relata desde la huida de Morgoth y Ungoliath de Valinor con los silmarils hasta el final de la Quinta Batalla, por medio de complejas instrumentalizaciones y desbordes de magia, emoción y todos los sentimientos expresados en el libro como orgullo, dolor, traición y lealtad impregnados en las letras. La portada, la última de Andreas Marschall para Blind Guardian, muestra el momento en que Beren y Luthien intentan arrebatar un silmaril de la corona de Morgoth, el señor oscuro, quien observa hechizado el seductor baile de la elfa.

No es condición leer El Silmarillion para entender el álbum, pero ayuda a apreciarlo mucho mejor, especialmente el trabajo lírico de Hansi Kursch. Por eso mismo, Nightfall In Middle Earth cuesta comprenderlo en su totalidad. «Into The Storm», «Nightfall», «The Curse Of Feanor», el single «Mirror Mirror», «Times Stands Still (At The Iron Hill)» y «When Sorrow Sang» son algunos de los temas más sobresalientes.

Blind GuardianCabe destacar la presencia de un nuevo miembro, aunque no oficial, que se encarga a partir de este trabajo en adelante y también en las giras, de tocar el bajo que Hansi Kursch decide no interpretar más. Su nombre es Oliver Holzwarth. Las razones: «No había quedado conforme con mi desempeño en el bajo en Imaginations, por lo que antes de entrar a grabar Nightfall le comenté al resto de la banda que si queríamos hacer algo mejor que el álbum anterior, tendríamos que conseguir a un nuevo bajista». En ese momento, el en ese entonces mezclador asistente Charlie Bauerfeind intercede ante Blind Guardian a favor de su amigo Oliver y el grupo se transforma en sexteto, porque también se incluye a Mathias Wiesner para los teclados en estudio y a Andreas Kuck (Iron Savior) para los conciertos.

Con NIME, los horizontes de Blind Guardian se amplían, el disco y el catálogo completo es editado por primera vez en EE.UU. y la banda realiza giras por Europa continental, Japón, sudeste asiático, México, Brasil y Argentina. Debido a la agotadora gira, Hansi sufre una lesión que le afecta al sentido de la audición, pero se recupera completamente tras unos meses de descanso. «¡La enfermedad no tuvo nada que ver con el volumen de los amplificadores!»

Luego de su mejoría, Hansi retoma Demons & Wizards. Intercambiándose cintas entre Estados Unidos y Alemania, Schaffer escribe la música y Kürsch, las líneas vocales y en julio de 1999, se juntan en Florida y graban las 13 pistas que formarían el primer y hasta ahora único álbum de Demons & Wizards, la cual se edita en enero del 2000 en Europa y febrero en los Estados Unidos, a través de SPV Records. Schaffer se encarga de la guitarra rítmica y el bajo, el productor Jim Morris de la primera guitarra y Mark Prator, baterista de sesión de Iced Earth, de los tarros. En Demons & Wizards se reconocen «Heaven Denies», «Blood On My Hands», la balada de atmósfera «barda» «Fiddler On The Green» y «The Whistler» basada en El Flautista de Hamelin, más la trilogía «Tear Down The Wall – Gallows Pole – My Last Sunrise» que trata de un duende creador del mundo que decide destruirlo ya que ningún hombre cree en él.

El LP homónimo es fantásticamente recibido, lo que le vale al dúo una nominación al Grammy alemán. La banda, con la incorporación del eximio batero Richard Christy (Death, Control Denied, actual Iced Earth), hace una pequeña pero muy exitosa gira por Europa y antes de que terminara el año, Demons & Wizards logra vender 200 mil copias del disco.

Blind Guardian

Paralelamente, se anuncia mundialmente la adaptación al cine de la trilogía de El Señor de Los Anillos, bajo la dirección de Peter Jackson. De inmediato, el círculo metalero levanta las manos por los Bardos para realizar la banda sonora de la película. Las posibilidades resultan ciertas, hasta incluso se rumoreaba una posible participación de Hansi Kürsch como extra siendo un guardia de la ciudadela de Minas Tirith. Jackson dirige su mirada a esta poco conocida banda de Heavy Metal cuando se da cuenta que Blind Guardian aparecía entre los candidatos más votados en Internet para escribir la música. Se contacta con Virgin Records y pide un demo con algunas ideas por parte de los alemanes. No obstante las negociaciones no prosperan y la banda sonora se la adjudica Enya. «En ese momento estábamos trabajando en las canciones de A Night At The Opera, y si hubiéramos tenido que hacer la banda sonora, no habría existido disco de Blind Guardian el 2002 (Marcus)».

A NIGHT AT THE OPERA & FOURTEEN MONTHS AT THE STUDIO

Después de la salida de Nightfall In Middle Earth, trasformado rápidamente en icono de idolatría, las miradas se fijan con enorme expectación en lo que haría Blind Guardian en el futuro… o lo que no haría. La salida de un nuevo trabajo se agenda para finales del 2000, después se atrasa para principios del 2001 y luego, a medida que avanza el proceso de preproducción y para desgracia de los fanáticos, se vuelve a anunciar para noviembre del mismo, la cual tampoco sería la fecha definitiva. La euforia por Nightfall In Middle Earth y el intervalo de cuatro años sin que Blind Guardian sacase un álbum, hace de A Night At The Opera el disco más esperado de los últimos años.

La banda entra a sus estudios Twilight Hall en octubre del 2000 y no salen de él hasta diciembre del 2001, es decir, 14 meses. A modo de disculpa, en noviembre lanzan el single «And Then There Was Silence», un tema de estruendosa mitológica épica griega de 14 minutos basado en La Iliada, aunque se había dicho preliminarmente que iba a hablar acerca de Tolkien. Se demoran cuatro meses en producirla y ocupan nada menos que 128 pistas para dar conjunto a las toneladas de coros y arreglos que lleva consigo. Como lado B cuenta con la balada «Harvest Of Sorrow» y la portada se le acredita a Anry.

Blind Guardian

La espera termina en marzo del 2002 con la salida del noveno disco oficial que iba a ser llamado The Soulforged, pero se lanza como A Night At The Opera, título sacado de un álbum de Queen quienes, a su vez, lo habían tomado de la comedia musical con el mismo nombre, de los hermanos Marx, 1935. La superproducción, llevada por Charlie Bauerfeind (Angra, Gamma Ray, Helloween, Rage) es monstruosa y justifica todos los meses de trabajo en el estudio. La enorme cantidad de arreglos orquestales, la omnipresencia de la voz de Hansi y los coros hacen ver un álbum de sofisticación llevada a su esencia y perfección. ANATO es otro fuerte quiebre en el estilo de Blind Guardian y, aunque hay canciones «reconocibles» a la línea de la banda como «Battlefield» y «Punishment Divine», hay otras que resultan ser toda una nueva experiencia como «Sadly Sings Destiny» y «Precious Jerusalem».

A diferencia de Nightfall, A Night At The Opera no cuenta con un concepto o línea narrativa, ya que «lo experimentamos con Nightfall In Middle Earth y las letras conceptuales determinan la música y quitan cierta libertad -comenta Marcus-. Cuando tienes un episodio triste, no vas a hacer una canción alegre…»

De «Harvest Of Sorrow», Blind Guardian hace dos versiones en inglés, dos en castellano («Cosecha del Dolor» para Sudamérica y «Mies del Dolor» para España) y otras en italiano y en francés, las cuales sacan como bonus track en los países en que se habla la lengua. A Night At The Opera se instala alto en los rankings europeos, alcanzando el primer lugar en Grecia y top 10 en Alemania, España, Italia y Suecia, a la vez que Blind Guardian se embarca en una exitosa gira que los estaría haciendo pisar escenario en lugares que todavía no lo han hecho como Gran Bretaña, Estados Unidos y Chile.

Blind Guardian

A causa de la estruendosa instrumentalización y cantidad de arreglos que se encuentran en los tres últimos trabajos especialmente, el sonido en vivo de Blind Guardian es diferente a lo que se escucha en estudio, y otras, son simplemente imposibles de interpretar. Siepen argumenta: «Es verdad, ha sido así desde Tales From The Twilight World, cuando empezamos a ocupar coros y armonías. En escenario sólo tenemos dos guitarras y tratamos de hacer las segundas voces lo mejor posible, pero va a ser distinto (…) En todo caso, así sonamos más «crudos y heavy», y con respecto a los coros, en cada show tenemos a dos mil personas que cantan con nosotros…».

Mirando hacia atrás en su trayectoria y comparando cada álbum y las etapas de Blind Guardian, cómo a través del tiempo la banda ha ampliado su estilo, logrado alcanzar nuevos niveles y reinventado a sí misma, Hansi Kürsch saca las siguientes conclusiones: «Todavía estamos muy orgullosos de Battalions Of Fear y Follow The Blind, pero cuando los escucho, hasta yo mismo me asombro de cómo nos fuimos en una dirección completamente diferente. Se puede explicar a razón de que estamos más viejos y hemos ganado experiencia, pero pienso que es sólo en parte porque otros conjuntos no varían tan drásticamente. Cada miembro de la banda ha estado enfocado a metas específicas y ello nos ha permitido crecer».

Y al existir nueve álbumnes con propuestas diferentes, el estilo de Blind Guardian, en palabras de Marcus Siepen, trasciende el Power Metal: «Muchos nos preguntan que tipo de metal tocamos. ¿Es Speed? ¿Progresivo? ¿Clásico? ¿Power? Personalmente, no me gustan las clasificaciones porque te limitan en todo lo que haces. Tenemos progresivo, speed, power, baladas, todo lo que quieran en cada unos de nuestros discos. Somos simplemente una banda de metal». (citas de Marcus Siepen extraídas de metalupdate.com).

BLIND GUARDIAN, J.R.R. TOLKIEN Y EL SEÑOR DE LOS ANILLOS.
(Citas de Hansi Kursch extraídas del sitio oficial de LOTR movie)

Running and hiding I’m left for the time
To bring back the order of devine
Hunted by goblins no Gandalf to help
With swords in the night
Oh the last part of the game
Decision of death and life
Blood for Sauron they’ll call tonight
The final battle cry…

Majesty, Battallions Of Fear.

Como muestra esta canción de 1986, desde los días de Krefeld que los miembros de en ese entonces los llamados Lucifer’s Heritage, son aficionados a la literatura épica fantástica. Las novelas de Michael Moorcock, sagas como Dragonlance y la Leyenda del Rey Arturo han inspirado algunas de las letras de Blind Guardian, pero uno de los reconocimientos más grandes de la banda es haber compenetrado a una propuesta «metalizada» los sentimientos y emociones de la obra de J.R.R. Tolkien. Ese ha sido siempre el objetivo primordial y clásico de Blind Guardian.

gandalf

«Majesty» fue el primer intento en mezclar música y versos basados en emociones de la banda cuando Frodo estaba en búsqueda del Monte del Destino. Pero en esta etapa «estábamos muy lejos de ser perfectos, desafortunadamente aún lo somos… Éramos muy jóvenes y no contábamos con experiencia. Apenas podíamos captar el espíritu de la historia, era demasiado temprano». A pesar de aquello, el público reaccionó positivamente ante la mezcla: letras fantasiosas inspiradas en Tolkien conocieron el metal melódico.

Pero, como más de alguno diría, ¿no es esta una manera poco ortodoxa, casi irrespetuosa se podría afirmar, de homenajear a Tolkien a través del metal? Hansi asegura que cada palabra escrita en la Tierra Media esconde una música que es difícil de no percibir, y las composiciones de Blind Guardian son como sienten sus cuatro miembros esas emociones. «Todo lo que creamos puede ser sólo bajo un aspecto: el nuestro. A algunos les puede gustar y a otros no, pero no deben olvidar que siempre tratamos de honrar al mundo de Tolkien, no contaminarlo».

Dos años después de Battalions Of Fear, Blind Guardian volvió a acudir a Tolkien en Tales From The Twilight World, cuando escribieron «Lord Of The Rings», nuevamente dedicada Frodo. «Lo hicimos mucho mejor (…) Aunque Frodo es intelectualmente más elevado que sus amigos hobbits, él sigue siendo uno más de La Comarca. Esa es la razón por la que decidimos hacer una canción folklórica y simple como tributo a Tolkien y su fantástico mundo». Para Somewhere Far Beyond crearon «The Bard’s Song – The Hobbit«, un muy buen ejemplo de cómo la banda había mejorado como músicos y compositores. Nightfall In Middle Earth se atrevieron a dedicarlo completamente a El Silmarillion. «Me siento muy orgulloso de este, se narra la historia de una manera adecuada (…) Si me pidiesen que recomendara algún álbum como para una primera «experiencia Guardian», propondría escuchar el Imaginations o Twilight World, pero para un fanático de Tolkien, Nightfall In Middle Earth«.

Ahora, si los Blind Guardian hubiesen tenido la oportunidad y el tiempo para escribir la banda sonora para la película basada en «El Señor de los Anillos» y dirigida por Peter Jackson, no lo habrían pensado dos veces. «En el caso de que tuviéramos la chance, dudo que vaya a ser de Heavy Metal. Será algo único que nunca jamás se haya escuchado». Hansi estaba consciente de que no podían competir con la sabiduría orquestal de compositores de la talla de Williams y Goldsmith, pero «somos fanáticos de la trilogía, tenemos garra, frescura, y trabajamos con mayor flexibilidad».

Blind Guardian

El punto era el siguiente: Blind Guardian ya había empezado a trabajar en un proyecto clásico… adivinen sobre qué… «esté en las películas o no. El Señor de los Anillos merece una nueva música alejada de clichés y categorías» y ellos estarían dispuestos a concretarla. «Con André (Olbrich) hemos trabajado algunas partes para cada personaje (…) y lo que puedo decir es que será un viaje por casi todos los estilos, muy parecida a la Música de los Ainur, viva y colorida pero fría y majestuosa (…) He preparado coros a lo Carmina Burana como otras piezas folklóricas para una sola voz (…) Yo, como cantante, voy a tener que mantener mi boca cerraba la mayor parte del tiempo, pero las partes vocales serán tomadas de textos de Tolkien narrados en Quenya, Sindarin o cualquiera otra lengua que se adapte mejor (…) No será una banda sonora de Heavy Metal ni al estilo Hollywood, será algo simplemente más allá de nuestra imaginación».

Peter Jackson optó a favor de Enya para realizar la banda sonora de su película. Sin embargo, Blind Guardian pretende en un futuro no fijado lanzar este proyecto en un álbum. «Tenemos algunos samples listos para quien quiera escucharlos». Volviendo a Blind Guardian, Hansi está seguro «de que vamos a seguir utilizando letras inspiradas en Frodo, Maglor, Olórin o quien sea al momento de dar vida a una canción (…) Creo que cada uno sabe cuantas emociones, olores, imágenes y sonidos existen en el mundo de Tolkien y vamos a seguir ocupando esos sentimientos en nuestra música».

Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Blind Guardian cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

Freedom Call

Uno de los fenómenos más importantes del metal, o mejor dicho del rock en general, sucedió con el ocaso de la década de los ´80. Más específicamente en 1986, cuando un grupo de visionarios alemanes liderados por Kai Hansen dieron vida a uno de los movimientos musicales más fuerte de los que tenemos conocimiento, estamos hablando de nuestro querido Power Metal, y de su banda madre Helloween, quienes mezclan la melodía del heavy metal, con el poder de otros estilos, como el thrash, tan en boga por esos días. Y uno de sus puntos cumbres se dio en 1988, con el nacimiento de una de las obras musicales más maravillosas de que tengamos memoria: Keeper of the Seven Keys part. II, fuente de inspiración de numerosas obras a lo largo de las décadas posteriores, y, como se dijo anteriormente padre de una futura generación de músicos.

¿Porqué este preámbulo? Por numerosas razones, la primera de ellas es porque la escena alemana nos ha dado numerosas muestras de talento, y entre ellas está la que nos convoca: los alemanes de Freedom Call. La segunda y no menos importante, porque uno de los líderes de esta banda, el señor Dan Zimmermann, está emparentado cercanamente con el padre de esta generación, ya que además de baterista y líder de Freedom Call, Dan es miembro de la banda de Kai Hansen, estamos hablando de Gamma Ray.
Y la tercera, y muy importante también, porque, como dijimos 1988 es una fecha importantísima dentro del power metal alemán y mundial con el nacimiento del Keeper of the Seven Keys II. Y también es importante en la historia de Freedom Call, puesto que fue en esta fecha, que podríamos llamar prehistoria de Freedom Call, donde la semilla comienza a germinar. Sí, puesto que es en 1988 donde los caminos de los futuros líderes de Freedom Call comienzan a cruzarse.

Dan Zimmermann se encontraba en ese entonces en una banda de covers, llamada «China White», la que necesitó de un vocalista. Es en este instante donde entra Chris Bay a la historia, siendo el elegido para dicho puesto. Podemos señalar que la banda tenía su nombre dentro de la escena de covers del sur de Alemania, donde tocaron junto a otras bandas de covers, mas cada uno siguió su rumbo, separándose. Sin embargo el destino se encargaría de juntarlos un tiempo más tarde…

Freedom Call

LA LLAMADA DE LA LIBERTAD

Ambos entablaron una gran amistad en la época de «China White», por lo cual no eran extrañas las conversaciones entre ellos, donde a menudo aparecía el tópico de formar una banda que hiciera rememorar tiempos pretéritos, pero a la vez explorar nuevos elementos, crear composiciones. Mas el tiempo escaseaba. Chris se encontraba con una banda de muy bajo perfil llamada Moon’ Doc, con la cual lanzó dos trabajos: «Moon’ Doc» en 1995 y «Get Mooned» un año más tarde.

Pero era Dan el que tenía mayor trabajo, ya que llenó el vacío que había dejado Thomas Nack y se enroló en un proyecto superior: ser el baterista de una de las bandas ícono del power metal, estamos hablando de Gamma Ray. Además que la labor de Dan no se limitó a sentarse tras la batería, ya que participa activamente en la composición de la banda, la cual desde la llegada de Dan y Henjo ha adquirido una solidez y estabilidad como nunca antes había poseído, es por eso que costaba que Dan tuviera un tiempo para dedicar al proyecto que tenía con su amigo Chris. Pero estaba claro que el momento llegaría.

Y ése momento esperado arribó a principios de 1998, específicamente en Enero de dicho año. Chris le sugiere a Dan que escribieran algunas canciones. Comenzaba a escribirse la historia, ya que afortunadamente Daniel había logrado hacerse un tiempo debido a que Gamma Ray se encontraba en el receso posterior al Somewhere Out in Space, con pocos festivales a la vista y sin un proceso de creación cercano, por lo que el momento era el preciso para comenzar lo pactado hacía ya diez años.

Existía un gran feeling entre ambos músicos, por lo que los resultados llegaron antes de lo imaginado, ya que transcurridas sólo unas pocas semanas 6 demos ya habían visto la luz. Necesitaban ahora músicos para completar la banda y un productor que difundiera su material. Esto último no fue difícil, siendo elegido Charlie Bauerfeind, viejo conocido de ambos y hombre de respeto en la escena, quién aprobó de inmediato el trabajo y lo difundió con premura entre varios sellos, siendo la respuesta ampliamente positiva.

Pero faltaban ciertas piezas para terminar este rompecabezas, los músicos. La solución, como siempre, estaba más cerca de lo imaginado. Las guitarras estarían a cargo de Sascha Gerstner, a quien Chris y Dan conocieron en una de las numerosas bandas de covers del sur de Alemania, quedando ambos impresionados con su precisión y dominio del instrumento, ofreciéndole de inmediato unirse a la banda.

Por su parte Ilker Ersin sería el encargado de adueñarse del bajo en Freedom Call. Ilker era un viejo conocido de Chris, ya que fue su compañero en los tiempos de Moon’ Doc, por lo cual el equipo ya se había completado…

A mediados de 1998, 5 temas más habían sido terminados. Poco después fueron sellados contratos con compañías que distribuirían su material. C. B. H. Records sería la encargada de lanzar y distribuir el material de Freedom Call en su tierra natal, Alemania; NTS se encargaría de hacerlo en Francia y la prestigiosa JVC Victor Entertainment sería la encargada de hacerlo en las lejanas, pero productivas tierras niponas. Había pasado ya un año desde la fundación de Freedom Call, cuando el 2 de Enero comenzaron las grabaciones de lo que sería su opera prima, el gran Stairway to Fairyland, que fue lanzado el 7 de Mayo en Francia, el 21 del mismo mes en Japón y el 31 de Mayo en Alemania y el resto del orbe.

Cabe destacar que inmediatamente los ojos del mundo metalero fueron hacia Freedom Call, ya que pocas bandas logran tener un debut tan sólido, tan afiatado y con tan buenas composiciones. Podemos señalar que el disco parte inmediatamente con un himno, ya que «Over the Rainbow» es de esos temas que quedan grabados en tu inconsciente fácilmente. Lo mismo que temas como «Tears Falling», «Shine On» o «Tears of Taragon».

Además que el sonido de Freedom Call, difiere un poco de lo que hacen las demás bandas de power metal alemanas. Si bien mantiene la base rítmica y la velocidad, las melodías son diferentes, ya que el uso de teclado, a cargo del mismo Chris, le imprimen una dosis lúdica al sonido de Freedom Call, haciéndolos sonar alegre, frescos y no tan oscuros, pero sin perder la fuerza característica del power metal. Armonía y potencia van de la mano en su justa medida, a diferencia de ciertas bandas peninsulares que no logran tener un equilibrio, perdiéndose la fuerza (pero eso es ya otra historia…).
Es el 25 de Mayo donde Freedom Call hace su debut en directo, durante un tour en Francia, donde hacen de banda soporte de sus compatriotas de Edguy y los grandes brasileños de Angra, es decir, un debut en grande. La ciudad que los vio debutar: Grenoble.

Freedom Call

El tour por Francia había sido todo un éxito, y la prensa especializada ya comenzaba a hablar de esta prodigiosa banda alemana. La revista Hard Rock los elige el segundo mejor debut de 1999. A mediados de este año, la banda ya había tocado en festivales tan prestigiosos como el Wacken, además de conciertos individuales y un gran concierto en Colonia junto a los legendarios Savatage.

Pero la sed de composición no cesaba, ya que los chicos seguían escribiendo nuevas canciones. A fines de Agosto Freedom Call comienza la grabación de un Mini LP de 5 temas llamado Taragon, con nuevas canciones, una versión del tema de Ultravox, «Dancing with Tears in my Eyes», una nueva versión de un bonus track japonés llamada «Kingdom Come» y una nueva versión de «Tears of the Dragon», con la participación de Biff Byford, vocalista de los legendarios Saxon narrando «Tale of Taragon».

La popularidad de Freedom Call crecía como la espuma. En noviembre de 1999 Freedom Call realizó 17 conciertos paseándose y mostrando su música por Alemania, Bélgica, Holanda y Suiza, como banda soporte de Saxon en su tour de promoción del album Metalhead, siendo extraordinariamente recibidos.

Una vez finalizado el tour con Saxon, Freedom Call se prepara para entrar nuevamente al estudio, para grabar lo que sería su segundo álbum, el cual sería la continuación de la historia comenzada con su primer trabajo: The Tale of the Taragon. Pero ahora la banda se tomaría más tiempo en realizar el trabajo, puesto que el inicio de las grabaciones comenzaron el 17 de Noviembre de 1999. El proceso tardó bastante tiempo, en parte porque la banda quiso hacer aún mejor las cosas, y en parte también por los numerosos quiebres en el medio de la grabación debido a conciertos y festivales en los que participaron. Entre ellos podemos señalar los conciertos en Fulda, con Edguy; en Bourges, Francia junto a Stratovarius y Rhapsody; en Pratteln, Suiza con Saxon y U. D. O. y en Bolonia, Italia junto con Gamma Ray y Labyrinth. Es por esto que recién a mediados de Septiembre del 2000 el trabajo estuvo terminado. La obra llevaría por título «Crystal Empire», la que vio la luz el 22 de Enero del 2001.

El éxito de la banda con su segunda placa fue tremendo, ya que el sonido tan potente con que habían debutado un año y medio antes, se veía consolidado, con un afiatamiento aún mayor entre los músicos, con una calidad vocal de Chris que aumentaba día a día, y con composiciones increíbles entre las que destacan «Freedom Call» y «Rise Up».

Esto hizo que la demanda por ver en vivo a estos teutones aumentara, por lo que su tour se hizo extenso. Acompañaron a Virgin Steele y Hammerfall en su «Renegade World Crusade» y visitaron toda Europa: Noruega, Suecia, Dinamaca, Austria, España, Portugal, entre otros, fueron los destinos de esta agrupación, la que a modo de anécdota estuvo a punto de pisar Chile en Marzo del 2001 junto a Hammerfall, situación que se coartó a última hora (incluso todavía hay gente que en sus tickets puede leer ‘Hammerfall & Freedom Call'». Es de esperar que puedan visitar estas tierras.

EL CAMBIO Y EL CAMINO A LA ETERNIDAD

A mediados del 2001, Freedom Call se vio en la necesidad de buscar un nuevo integrante en sus filas. Eso debido a que Sascha decide abandonar la banda para proyectar su propia carrera y explorar nuevos sonidos. El reemplazante es el suizo de 22 años Cedric Dupon, venido de las filas de Symphorce.

La banda continúa tocando en numerosos lugares y con numerosas bandas como Edguy, en Francia, y en el ascendente festival de Motala en Suecia, donde comparte escenarios con In Flames, y con el ex frontman de Iron Maiden, Blaze Bayley.

Freedom Call

Sin embargo, numeroso material sigue siendo escrito en el intertanto, por lo que un material nuevo no debería demorar. Así que se toma la decisión de volver a entrar a estudio para lo que será la tercera placa de Freedom Call. El 4 de Enero del 2002 es la fecha de ingreso y el estudio elegido para esta tarea es el de Kai Hansen, ya que las condiciones de grabación en ese lugar son las ideales para el sonido que pretende alcanzar Freedom Call. La nueva obra lleva por título Eternity, y salió a las calles a mediados de Mayo. Según mi parecer, es el mejor trabajo que nos ha dado esta banda alemana. El sonido mantiene la línea de sus trabajos anteriores, pero con mayor fuerza y mayor peso. Destacan en este álbum temas como «Metal Invasion», que es, para mí, el mejor tema que ha compuesto Freedom Call y «Ages of Power», un temazo, donde además Freedom Call se pasea por sonidos oscuros con pasajes en que una gutural voz nos penetra el alma.

En materia de presentaciones, destacan las que hará con Blind Guardian por Europa, además de los festivales que se realizan en el verano europeo, aunque se extraña su presencia en el Wacken.

Como dijimos al comienzo de esta nota, Freedom Call es una de las bandas más importante y de mayor futuro dentro del espectro del metal, ya que ha logrado salir del underground que suele pesar a las bandas, y a punta de talento, ha puesto su nombre en lo más alto de la escena metalera europea y mundial. Con tres discos a cuesta, Freedom Call está llamada a formar parte de la nueva savia del power metal, esa que nació hace casi veinte años, y que necesita urgente de un recambio. Y si viene de la mano de bandas con la frescura y talento de Freedom Call, podemos estar tranquilos. El Power Metal tendrá larga vida.

Freedom Call

Line Up

Chris Bay: Voz, teclados, guitarras
Dan Zimmermann: Batería
Ilker Erzin: Bajo
Cedric Dupon: Guitarras

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El nacimiento de Nightwish se remonta a Julio de 1996, tiempo en el cual Tuomas Holopainen había creado tres canciones, y se había decidido a formar una banda en la cual poder plasmarlas. Éstas fueron grabadas entre Octubre y Diciembre de 1996, con la ayuda de Emppu Vuorinen, gran amigo de Tuomas, en la guitarra acústica y de Tarja Turunen, en ese tiempo estudiante de la Academia Sibelius, en las voces. Esto produjo el gran deseado resultado : la voz de Tarja compenetraba perfectamente la música.
Luego de un tiempo, el primer demo fue grabado entre Diciembre ‘96 y Enero ‘97 en el estudio Kitee Huvikeskus por Tero Kinnunen. Sin embargo este no fue comercializado a gran escala y solo fue enviado a algunos sellos discográficos y revistas del medio. Todos quienes recibieron la cinta la encontraron buena, pero al mismo tiempo pensaban que ese tipo de música era muy limitada y que no tenia variedad. Pese a esto el demo llamó la atención de Spinefarm, aunque aún no se formalizaría nada concreto.

En mayo de 1997 nuevamente entran al mismo estudio y graban 7 nuevas canciones. La formación de la banda hasta este entonces era prácticamente la misma a la original, a no ser por la inclusión de Jukka Nevalainen quien tomaría el mando de la batería y percusión. Esta adquisición se debió a que se buscaban un sonido más metalero, ya que además cambiaron la guitarra acústica de Emppu, quien además ejecutaría el bajo, por una eléctrica. Tuomas a su vez tendría a su cargo el teclado y las voces de fondo. Tarja seguiría siendo la vocalista principal.

NightwishLuego de realizadas las nuevas grabaciones dos proposiciones de contrato recayeron sobre la banda, pero la aceptada fue la de Spinefarm, con quienes firmaron un contrato que estipulaba la realización de dos discos. Inmediatamente formalizada la unión entre las dos partes, Nightwish entra a estudio a grabar cuatro nuevas canciones.

El primer Single bajo el sello de Spinefarm fue “The Carpenter”, el cual ocupó el puesto número 8 en los charts finlandeses. No mucho tiempo después sale al mercado lo que sería el disco debut de Nightwish, Angels Fall First, con fecha de estreno para Finlandia en octubre de 1997 y para el resto de Europa en marzo de 1998. Sin embargo el disco no ocupa una ubicación tan privilegiada como el single, estando relegado sólo al puesto 38 en los charts finlandeses.

Angels Fall First tiene una duración aproximada de 52 minutos con un total de 9 temas, tras los cuales la banda da a conocer el estilo que los identificaría hasta el día de hoy, con una hermosa y potente voz de Tarja (la que, sin duda alguna, es el sello de la banda), Tuomas creando ambientes góticos/fantásticos y llenos de magia con su teclado Körg ; Emppu maravillándonos con un estilo que mantiene hasta el día de hoy con esos solos tan claros y melancólicos, según el tipo de canción, y Jukka, un gran batero que improvisa mucho y no se mantiene en una sola línea. Sin lugar a dudas un buen disco debut que mostraría el comienzo de una gran carrera musical para estos chicos(a) finlandeses.

Tras esto, Nightwish da lo que sería su primer concierto una tarde de invierno, el 31 de diciembre de 1997 en Kitee. Luego de este la banda sólo ejecutaría 7 presentaciones mas, debido a que Jukka y Emppu se encontraban en el Ejército y Tarja estaba demasiada ocupada con sus estudios de canto. Pese a eso el contrato con Spinefarm se extiende de 2 a 3 discos.

Tras el éxito de Angels Fall First, durante Abril y Mayo del ‘98 Nightwish realiza lo que sería su primer video clip, el de “The Carpenter”.

Nightwish

Luego, a mediados de ese año se integra a la banda Sami Vänskä, quien se haría cargo de las 5 cuerdas quitándole un peso de encima a Emppu. Esto permitió que la banda entrara, de forma casi inmediata, nuevamente a los estudios, a grabar lo que serían los temas de su próximo álbum. Estas finalizaron en Octubre, y ya el 13 de Noviembre se presentarían nuevamente en Kitee, concierto del cual se extraerían imágenes para el video de “Sacrament of Wilderness”, una nueva canción de la cual tomaría forma un nuevo single, del mismo nombre, el cual vería la luz el 26 del mismo mes y que definitivamente mostraría a Nightwish no como una banda más, sino como una de las más grandes de Finlandia, ya que éste ocuparía el puesto número 1 por algunas semanas en los charts fineses. También saldría a la venta un segundo single, “Walking in the Air”, el cual también ocuparía puestos privilegiados en los rankings.

Finalmente el segundo álbum llamado Oceanborn apareció en los locales de venta el 7 de Diciembre. Éste, gracias al camino ya pavimentado que le había dejado “Sacrament of Wilderness” se mostró inmediatamente como uno de los favoritos de la escena metalera de ese país ya que, para sorpresa de muchos, se mantuvo en el lugar número 5 de los rankings por cerca de 30 SEMANAS!!. Días después la banda se encontraba dando conciertos por toda Finlandia, siendo recibidos con ovaciones y dejando en claro que ya contaban con una enorme cantidad de fieles fans. Esta gira se extendió por cerca de tres meses. En el otoño del ‘99 Oceanborn fue estrenado fuera de Finlandia.

Luego de esto la banda nuevamente retoma el gusto de las presentaciones en vivo y se embarcan en una gira por el país de alrededor de dos meses y medio, participando en cuanto festival se les cruzaba por delante. Nightwish tenía un sonido fresco, revolucionario, capaz de cautivar a cualquiera. Al mismo tirmpo un nuevo single era preparado, su nombre, “Sleeping Sun”. Este fue lanzado en Alemania en Agosto, e incluía las canciones “Walking in the Air”, “Swanheart” y “Angels Fall First”. El mismo mes Oceanborn y “Sacrament of Wilderness” y se mostraban en camino de obtener disco de oro.

Nightwish

A estas alturas la fama y reconocimiento obtenido por Nightwish eran totalmente crecientes, cosa que se confirma con el tour europeo junto a la banda alemana Rage, el cual contempló 26 conciertos por el viejo continente. Y, en lo que constituye otro logro de la banda, “Sleeping Sun” vendía 15.000 copias en Alemania en un mes.

A comienzos del 2000 Nightwish abre nuevamente las puertas del estudio para entrar de lleno a lo que sería su tercer álbum, creando ansias y nerviosismo entre sus seguidores que esperaban un disco realmente bueno, tal como lo son sus dos primeros LP. Mientras las grabaciones se llevaban a cabo, se vive una brevísima y deseada “tregua”, ya que la banda toma parte en la calificación para el concurso de la canción de Eurovisión con la canción “Sleepwalker”. Lamentablemente, pese a que la canción se encontraba como clara favorita a ganar el trofeo máximo entre el público, los jueces la relegaron al segundo lugar.

La tercera placa de Nightwish llegó a nosotros con el nombre de Wishmaster, en el mes de Mayo del 2000. Realmente hay que decir que estaba frente a nosotros el mejor trabajo de la banda, el cual satisfizo con honores máximos el selectivo y temido paladar metalero. Rápidamente se ubicó en el puesto número 1 del chart fines por tres semanas, número 21 en el alemán y 66 en el francés, lo que marcaba el comienzo de una nueva gira, esta vez mundial, el “Wishmaster Tour 2000”. Esta comenzó en su ciudad natal de Kitee, y para gracia de todos, al término de la primera presentación obtenían Disco de Oro Oceanborn y los singles “Sacrament of Wilderness”, “Sleeping Sun” y «Walking in the Air”. Y, para qué menos, tres semanas después de su lanzamiento, Wishmaster también se coronaba con Disco de Oro, y era elegido como Disco del Mes en la revista germana Hard Rock.

Nightwish

Y llegó el momento en el cual comenzaba la gira más atrevida de la banda: fechas por Europa y Sudamérica completaban la ya apretada agenda. En Julio se presentaron en nuestro continente, en Brasil, Chile, Argentina, Panamá y México, quedando completamente enamorados de nuestra hermosa y majestuosa Cordillera de los Andes, y en especial del público sudamericano. En Chile, sin ir más lejos, efectuaron una presentación soberbia, mostrando una inusitada frescura y complementación como banda, reforzando la imagen de “frontwoman” de Tarja, quien en aquella fría noche del 18 de Julio del 2000 deleitó nuestros oídos con su maravillosa voz, así como nos impactó con su femineidad y su excelente dominio escénico. De vuelta en Europa participaron con muy buenos resultados en el Wacken Open Air y el Biebop Metal Fest, así como las presentaciones junto a Sinergy y Eternal Tears of Sorrow en el Tour Europeo. A finales de año tuvieron dos presentaciones en Canadá, específicamente en Montreal.

Finalizado el tour, aún exhaustos por todo el despliegue que éste significó y la energía que debieron gastar para hacer cada una de sus presentaciones, una maravillosa experiencia para el público, comenzaban un nuevo proyecto. Esta vez era algo diferente a los demás, ya que no era un CD de estudio, sino un DVD-VHS que contenía una presentación con data 29 de Diciembre del 2000 en el club Pakkahuone, en Tampere. La fecha de lanzamiento en Finlandia fue en Abril del 2001, y para el resto del mundo en el verano del mismo año. También del mismo concierto, se produjo un CD con la totalidad del mismo, exclusivo para Finlandia. Cabe destacar que al término del concierto los miembros de Nightwish reciben los Discos de Platino que obtuvo Wishmaster, así como los de Oro por parte de “Deep Silent Complete”. Los DVD-VHS y CDS fueron distribuidos bajo el nombre de From Wishes To Eternity.

Por otro lado, estaban preparando lo que sería su primer MCD, al cual llamarían Over The Hills And Far Away debido al tema de Gary Moore al cual le hacen cover. También incluye la versión rehecha de “Astral Romance”, y dos nuevas canciones, “Away” y “Tenth Man Down”. La versión alemana del MCD (producida por Drakkar) incluye también 6 canciones en vivo extras, las cuales pertenecen al CD From Wishes To Eternity.

Así transcurre el tiempo…..y para la alegría de todos los fans, el contrato con spinefarm Records se extendió a un CD más, el que fue llamado Century Child ; este álbum trae 11 tracks y un cover. Tuomas afirma que se usarán instrumentos de cuerda reales y que si todo va bien, el álbum debería estar a la venta entre fines de mayo y principios de junio del presente año 2002.

Nightwish

Antes de terminar la reseña sobre la banda, es imposible dejar de mencionar el gran concierto que brindó Tarja Turunen en Santiago de Chile el 29 de Mayo, junto a las sopranos Invild Storhang, Marjut Paavilainen, y la pianista Izumi Kawakatsu…fue una noche mágica que de seguro quedará en la memoria de quienes asistieron. Tarja nos brindó todo su gran potencial como cantante lírica, a través de la interpretación de temas selectos de lied y folk escandinavo, que tanto le agrada hacer. Y por si eso fuera poco, Nightwish nuevamente pisará tierras sudamericanas para caer en Santiago en Julio próximo, en la presentación de su gran nuevo álbum Century Child.

En tan pocos años, es increíble lo que ha logrado esta talentosa y elegante banda de metal…..esperemos que la presencia mágica de Tarja, las composiciones de Tuomas, la fuerza de Jukka, la creatividad de Emppu y el nuevo aporte que pueda dar Marco en vivo, nos acompañen por mucho tiempo más….la escena del power metal sinfónico y melódico no sería lo mismo sin ellos!

Sonata Arctica

Hablar de un comienzo de carrera meteórico en estos días no es raro. Muchas son las bandas que con su primer disco trastornan a muchos, pero que luego de un tiempo misteriosamente pierden sus cualidades y dejan de ser la promesa que solían ser. Pero en 1999 esto deja de ser un hecho. Cobraba vida “Ecliptica”, un excelente álbum de Power Metal Melódico: comenzaba la era de Sonata Arctica.

BIOGRAFÍA

Estos precoces genios finlandeses empezaron su carrera metalera por 1996, año en el cual, con el nombre de Tricky Beans, grabaron tres demos, los que tuvieron muy poca, por no decir nula, difusión, ya que sólo es posible conseguirlos con gente cercana a la banda. Eran tiempos de colegio, en que la banda debía esforzarse mucho, para mejorar cada vez más.

Luego de un tiempo, estos iniciados metaleros cambiaron su nombre por uno que, según ellos, sería más “apropiado” para una banda de metal : “Tricky Mean”, nombre con el que grabaron el demo “Fullmoon”, en “Tico Tico Studios”. Este demo de 4 temas llamó inmediatamente la atención de uno de los sellos más importantes de Finlandia, “Spinefarm Records”, el cual los adoptó y los albergó hasta el día de hoy. En ese tiempo, su formación era casi igual a la actual, con Tony Kakko en la voz y los teclados, Jani Liimatainen en la guitarra, Tommy Portimo en la batería y Janne Kivilahti en el bajo.

Al mismo tiempo que cobraban fama fuera de su pueblo natal, Kemi, se cambiaban el nombre a Sonata Arctica.

Sonata Arctica

Ese mismo año 1999 grabaron lo que sería su primer trabajo serio: el single “UnOpened”, el cual captó la atención de los oídos metaleros casi instantáneamente, por lo cual se llevo la merecida recompensa de que la canción fuera incluida en la compilación anual de Metalliliitto. Cabe destacar que este single llegó a estar entre los Top 20 en los “charts” fineses.

La 1ª placa de larga duración de Sonata Arctica fue Ecliptica, un sorprendente disco debut que se muestra agresivo desde sus primeras notas con el tema apertura “Blank File”. Sin lugar a dudas es un espectacular disco, en el que estos jóvenes finlandeses (por esos tiempos de rozando los 20 años) descargaron toda su energía y capacidad para demostrar al mundo metalero lo mucho que tenían que decir y llamar la atención de la escena. El disco cuenta con temas variados : agresivos, melódicos, baladas, con lo cual no cae en la monotonía de otras bandas.

Hay que destacar que las letras de Sonata Arctica marcan diferencias desde el comienzo con las de las demás bandas de la escena. En vez de componer sus temas en base a historias épicas, paganismo, o simplemente identificarse con el metalero clásico, como lo hacen muchas bandas, sus líricas se basan mas que nada en cosas cotidianas, como lo son internet («Blank File», «WebAllergy»), romances («Fullmoon», «MaryLou», «Letter to Dana», etc), ecológicos («Respect The Wilderness»), etc., para todos los gustos.

Tras el lanzamiento de Ecliptica, que obtuvo puntuaciones perfectas por parte de la prensa metalera (7/7 en la alemana Rock Hard, 10/10 en la brasileña Renegade, 5/5 en la noruega Scream, 5/5 en la finesa Soundi, etc.), se une a la banda Mikko Harkin, ex tecladista de Kenziner, ya que Kakko buscaba un mayor despliegue del grupo sobre el escenario, cosa que no se lograba con él en las voces y teclados. Aprovechando esto, y gracias a su meteórica carrera, acompañan a Stratovarius y a Rhapsody en un tour por Europa por cerca de dos semanas. Es en este momento cuando, gracias a la fama obtenida por Ecliptica, la banda es invitada a participar en dos discos tributos de dos grandes e históricas bandas germanas : a Helloween, en el disco Keepers of Jericho con la canción “I Want Out”, y a Scorpions, con el clasiquísimo y romántico “Still Loving You”.

Sonata ArcticaTras una breve pausa musical, lanzan al mercado el año 2000 el MCD Successor, el cual pasaría sin pena ni gloria. Este incluye una versión editada de “FullMoon”, tema al cual prácticamente sólo le extrajeron el solo de teclado, lo cual hizo que el tema, una de los mejores temas de Ecliptica, perdiese todo el feeling de la versión original; luego, los dos covers que recién mencionamos, y dos temas totalmente nuevos para nosotros, “San Sebastian” (que temazo!) y “Shy”, una balada bastante buena. Finalmente el disco concluye de diferentes formas, según la versión de el que se tenga, ya que vienen un número diferentes de canciones en vivo de una presentación en Finlandia, donde se demostró que aún les faltaba mucho por mejorar en vivo.

A estas alturas la cantidad fans de Sonata Arctica crecía a raudales, lo cual aumentó de forma considerable su itinerario por las planicies europeas. Pero como no todo era color de rosas, puesto que el en ese entonces bajista Janne Kivilahti se decide a dejar la banda debido a motivos personales, dejando su vacante a Marko Paasikoski, actual bajista.

Ya a comienzos del 2001 se lanza al mercado el single de su nuevo trabajo, single que se llamaría “Wolf & Raven”, el cual incluía la canción que da nombre al disco y “PeaceMaker”, un antiguo tema de la época de “Tricky Means”. Ambos temas son muy diferentes entre sí, lo que lleva a volver a resaltar que Sonata Arctica posee músicos de gran nivel, lo cual se nota en lo variado de sus temas. Posee una gran flexibilidad como para hacer muchas cosas y no limitarse a una solamente. Continuando con el disco, una gran sorpresa nos esperaba a aquellos que tuviéramos al alcance de nuestras manos un PC, ya venia el video-clip de “Wolf & Raven” (por lo menos la versión francesa lo tiene), el primero de ellos. El video es de una gran calidad (pese a la falta de experiencia de la banda a ese respecto), superando incluso a los de Rhapsody (los cuales dejan bastante que desear, incluso contando con un mayor presupuesto que el de Sonata Arctica). En fin, “Wolf & Raven” sería un anticipo de lo que sería su próxima placa, la cual era esperada con ansias entre sus fans.

Sonata Arctica

Finalmente la espera llegaría a su fin, y en Julio del año recién pasado tuvimos por fin el placer de escuchar Silence, un discazo, donde la banda demostró una fantástica madurez. A pesar de que las reacciones a este nuevo trabajo han sido encontradas, el resultado final sorprende sobremanera, superando las expectativas de gran cantidad de fans. De una u otra forma Silence es diferente a Ecliptica por lo que es difícil compararlos, pero Silence es definitivamente más rápido y melódico. Los teclados de Harkin tienen un protagonismo mucho más marcado que los de Kakko en Ecliptica, creando una atmósfera muy rica en sonidos que hace de la placa un “todo”, a pesar de las diferencias entre los temas, además de los excelentes solos de teclado así como los de Jani en la guitarra. En esta placa encontramos grandes temas, como “WebAllergy”, “False News Travel Fast”, “Wolf & Raven” y “The Power Of One”, temas que sin lugar a duda se convertirán en clásicos entre los fans de la banda, y por que no, entre los amantes del buen Power Metal Melódico.

Finalmente, a finales del 2001, Sonata saca dos discos exclusivos, uno sólo para Japón llamado Orientation y el otro para Finlandia llamado Last Drop Fall. Estos dos discos son entre si muy similares, el primero contiene un cover a Maiden, “Die with your Boots On”, y otro a Bettle Midler, “The Wind Beneath my Wings”, además de la canción “Blacksheep”, el video de “Wolf & Raven” y una entrevista realizada a la banda, mientras que el segundo sólo los cobres y la canción “Last Drop Fall”.

Sonata Arctica

En estos momentos está por salir al mercado un disco en vivo de la banda, producto de algunas grabaciones realizadas durante unos conciertos en Japón. No por nada a estos chicos les dicen los “Kemikaze”, Kemi por su ciudad natal y “kaze” obviamente por kamikaze debido a la frecuencia con la que viajan al país del sol naciente (qué fantástico sería si un grupo nos apadrinara y sacara CDs especialmente para acá). Hay que destacar que la banda ha mejorado mucho su performance en vivo, pues hemos tenido la fortuna de escuchar un bootleg llamado Only Way You Can, donde el sonido de la banda mejora de forma notable respecto a los tema que aparecen en Successor, con Harkin demostrando ser un fantástico tecladista (tocando igual que en estudio), Jani con excelentes solos, Portimo tocando mucho mejor y más coordinado, así como un sólido Marko en el bajo. Lamentablemente Kakko se encontraba con una fuerte gripe por aquellos días, por lo cual su performance no es de las mejores.

Mucho se ha hablado de la similitud de esta banda con Stratovarius. Incluso se los ha calificado como “Sonatavarius”. Y si bien es cierto existen similitudes (son bandas finlandesas de Power Metal melódico, rápidas y con una importante participación del teclado), no es ningún gran descubrimiento que Stratovarius ha ido perdiendo mucho de lo que a lo largo de su carrera ha plasmado en discos históricos para el Power Metal, como lo han sido Episode y sobre todo Visions (mucho de ello se aprecia en el trabajo solista de Timo Tolkki, Hymn To Life, un intento desesperado por salir del metal por parte de Tolkki). Y Sonata Arctica está viviendo el proceso inverso, con un número de fans siempre creciente, con un sonido fresco, sólido, rápido, melódico y siempre interesante. Es de esperar que en la primera visita que Sonata Arctica hará a nuestro país, a finales del presente mes de Marzo, nos demuestre la frescura, solidez y virtuosismo que han convertido a esta banda ya no en una promesa, sino en una notable realidad, lista para tomar el relevo que algunas bandas tienden a dejar.

Integrantes de Sonata Arctica:

Tony Kakko – voz y teclados adicionales
Jani Liimatainen – guitarra
Tommy Portimo – batería
Mikko Harkin – teclados
Marko Paasikoski – bajo

Edguy

Mucho se ha discutido acerca de quién es el padre del Power Metal germano… Muchos nombres se barajan entre los grandes…Kai Hansen, M. Weikath, aportes de Running Wild, Rage, etc etc …..y ya hay grandes sucesores que han tomado la batuta del “Power”, como el gran Hansi Kürsch de Blind Guardian.

Pero hay alguien, un joven músico metalero alemán, al cual el apelativo de «maestro» empieza a quedarle cada vez más pequeño, y es al señor Tobias Sammet. Dueño de una particular mente y una creatividad sin par, Sammet es una especie de Rey Midas del Power Metal de finales de los ’90, siendo capaz de crear complejas e interesantes composiciones, además de excelentes letras, tanto en Avantasia, su proyecto «solista» de Metal Opera como en Edguy, la banda que ha liderado por más de 8 años.

EL NACIMIENTO

EdguyUn adolescente Tobias Sammet (13 años), lleno de ideas, conoce en el colegio a su amigo Jens Ludwig, quien se transformaría a la larga en su mayor colaborador, intentando plasmar en ensayos sus gustos musicales, que en ese tiempo no consistían en otra cosa que Iron Maiden o Helloween. Posteriormente, a este par de incipientes músicos se agrega Dirk Sauer, del mismo colegio, quien se incorporaría a este proyecto como guitarrista. Y si bien sufrieron para conseguir un baterista, al final lo encontraron en Dominik Storch. Como puede apreciarse, el joven Sammet cantaba, tocaba el bajo y además tocaba teclados, lo cual es una notable demostración de su versatilidad. Ya no deseaba ser periodista, sino un vocalista de heavy metal.

Ya funcionando como una banda propiamente tal, Edguy (nombre inventado por ellos en una ociosa tarde juvenil) grabaría un par de demos, Evil Minded y Children Of Steel en 1994, y al año siguiente lanzan su primer trabajo más «en serio», que se llamaría Savage Poetry, que llamaría la atención de la compañía disquera AFM Records, con la cual sellan un vínculo contractual que a la postre les traería buenos dividendos. En 1997, con una mejor producción, lanzan Kingdom Of Madness, el verdadero primer LP de Edguy, que si bien constituye lo más débil de la discografía de estos jóvenes germanos, demuestra una interesante comunión como banda, y excelentes temas, como «Wings Of A Dream» y la larguísima «The Kingdom».

LA GRAN REVELACIÓN

Poco después del lanzamiento de Kingdom of Madness, Dominik Storch deja la banda, siendo reemplazado posteriormente por Felix Bohnke, quien había tocado en un par de bandas no muy serias, y que nada había escuchado de esta joven revelación. Así, con Bohnke como baterista oficial de la banda (a pesar de que en realidad la batería es tocada por Frank Lindenthal), en 1998 lanzan Vain Glory Opera, espectacular disco con el cual se hicieron mucho más conocidos a nivel mundial, incluyendo por supuesto a Sudamérica, que cuenta con la participación de consagrados personajes como Timo Tolkki de Stratovarius y Hansi Kürsch de Blind Guardian. En este disco, Edguy muestra un sonido impecable, limpio, bombástico, energético y absolutamente refrescante, con composiciones sencillamente espectaculares como lo son «Vain Glory Opera», «Until We Rise Again» y «Fairytale», entre otras.

Edguy

Pero si hay un trabajo que ha hecho grande a Edguy en la historia moderna del Power Metal, es su maravilloso Theater Of Salvation, de 1999. Con la llegada a la banda de Tobias «Eggi» Exxel, el nuevo bajista, Tobias Sammet se concentra aun más en la composición, lo cual se nota a lo largo del disco. Dotado de composiciones un tanto más complejas, pero sin perder esa fantástica frescura compositiva tan característica de Edguy, Theater Of Salvation es un trabajo que supera con creces las altas expectativas generadas en esta joven banda, que en ese momento deja absolutamente de ser una promesa, para convertirse en una notable realidad. Con fantásticos coros (con una implícita influencia de Queen), riffs pegajosos y canciones con estructuras clásicas remozadas, Theater Of Salvation es una fiel muestra del Power Metal de los ’90 en estado puro. Temas como «Wake Up The King», la increíble «The Unbeliever» y la majestuosa «Theater Of Salvation» son sólo muestras del fascinante e inagotable caudal creativo de Tobias Sammet.

EL RECICLAJE Y LA ÓPERA DEL METAL

Después del impresionante éxito a nivel mundial de Theater Of Salvation, Edguy entra en un proceso de «descanso compositivo activo», pues intentan complacer uno de los más fervientes deseos de Tobias Sammet, re-lanzar su primer trabajo. Es así como en el año 2000 Edguy lanza The Savage Poetry,  en el cual se nota la madurez compositiva que siempre ha tenido Edguy, principalmente en temas como «Sacred Hell», «Eyes Of The Tyrant» y «Frozen Candle».

EdguyPero aquél año Sammet además planeaba otra cosa. Al grabar Vain Glory Opera, Tobias se vio sorprendido sobremanera al ver a Hansi Kürsch, al apreciar su forma tan particular de cantar y componer, por lo que se sintió incentivado a crear un proyecto solista. Y un buen día se sentó a escribir una historia, protagonizada por un novicio Domínico en la localidad de Mainz, en Alemania, llamado Gabriel Laymann, quien descubre que su hermanastra, Anna, ha sido encerrada en una torre por estar poseída. Buscando una explicación, encuentra un libro prohibido, donde encuentra ciertos secretos … en resumen, en esta historia se mezclan conceptos fantásticos y verídicos, así como ideas profundamente religiosas y filosóficas.

Así nació lo que a la postre se convertiría en el “DISCO DEL AÑO” para los visitantes de www.powermetal.cl , Tobias Sammet’s Avantasia – The Metal Opera, que a comienzos del reciente año 2001 vino a consagrar para siempre al notable Tobias Sammet, quien fue magistralmente secundado por personajes de la talla de Henjo Richter y Kai Hansen (Gamma Ray), André Matos (Shaman), Oliver Hartmann (At Vance), Timo Tolkki (Stratovarius), Markus Grosskopf (Helloween), Alex Holzwarth (Rhapsody), David De Feis (Virgin Steele) y el ex Helloween, Michael Kiske, entre otros.

LA MAGIA DEL PRESENTE

Luego de una no tan larga espera, Edguy ha lanzado hace muy poco su quinto trabajo en estudio. Llamado Mandrake, citando al mítico mago así llamado, este nuevo trabajo está dotado de una notable producción y distribución (superando en ventas incluso a muchos artistas pop), y de una gran calidad compositiva. Si bien no alcanza la majestuosidad de Theater Of Salvation, Mandrake es un excelente trabajo, cuyos puntos más altos son la emocionante, «Tears Of A Mandrake», la muy power «Save Us Now» y la callejera «Nailed To The Wheel», entre otros.

Lamentablemente, días antes del lanzamiento de su nuevo trabajo, fueron hurtados desde las mismísimas bodegas de AFM Records cientos de copias auténticas de Mandrake, lo cual facilitó el que las canciones estuviesen antes del lanzamiento en internet. Pero afortunadamente para la banda, la venta de copias originales del disco ha ido viento en popa, para lo cual la banda hizo una especie de tour promocional por Europa, con el fin de firmar autógrafos y promocionar la comercialización legal del disco.

Y, como ya lo sabemos, una de las formas clásicas de demostrar que una banda europea es consagrada, es visitar Sudamérica. En efecto, hace algunas semanas ya se rumoreaba acerca de la presencia de Edguy en nuestro subcontinente, pero sólo se habían confirmado 4 fechas en Brasil, descartándose Argentina por la caótica situación económica y social en la cual se encuentra inmerso nuestro país vecino. Pero hace sólo algunos días se ha confirmado la visita de Edguy a nuestro país, el día Viernes 8 de Febrero. Es de esperar que los powermetaleros de corazón asistamos a este evento que promete mostrarnos la notable calidad en vivo de estos jóvenes maestros germanos, que mantienen y mantendrán muy alta la bandera del Power Metal alemán por mucho, mucho tiempo … nos vemos en el Providencia!!!

Edguy

Quiénes son Edguy?:

Tobias Sammet (vocalista)
Felix Bohnke (Batería)
Dirk Sauer (Guitarra)
Jens Ludwig (Guitarra)
Tobias Exxel (Bajo)

Edguy

Grave Digger

Son muchos los ejemplos. Existen bandas que llegan a la cima del éxito en los primeros años de su carrera, sacan espléndidos trabajos y sacuden a todo el mundo sin que nadie se lo explique cómo. Pero al pasar el tiempo, esos mismos jóvenes de antaño se vuelven viejos y su música decae. No vuelven a repetir, por más que lo intenten, el éxito de antes. Son bandas que empiezan a vivir del pasado. Metallica es un muy buen ejemplo.

Grave DiggerEn cambio hay otras que tienen un notable debut y su marca. Pasan los años y siguen manteniendo o, incluso, suben su nivel. Evolucionan sin perder su línea y consiguen mantenerse totalmente vigentes. Es más, pareciera que el presente es siempre su mejor momento. Ejemplos hay varios y GRAVE DIGGER es prueba de ello. Esta veterana y legendaria banda germana ha sacudido las cabezas de sus fanáticos por más de 20 años y se perfila para seguir haciéndolo por muchos más. Esa es la razón por qué Grave Digger es hoy una de las agrupaciones más idolatradas en Alemania y Europa.

Sobre el estilo:
Junto con Running Wild, Sinner y Rage, entre otras, Grave Digger ayudó a establecer lo que hoy se conoce como Heavy Metal Alemán, corriente paralela al rock de los Scorpions y Accept y anterior al estilo inspirado por Helloween. La historia de Grave Digger se puede dividir en dos épocas: el Grave Digger de la década de los ochenta y el Grave Digger de los noventa.

LA ERA DEL HEAVY METAL BREAKDOWN

Los comienzos se remontan a Noviembre de 1980, cuando el joven de 18 años nacido en Gladbeck, Chris Boltendahl –poseedor de una peculiar forma de cantar, cuyo estilo haría único–, decide dar vida a Grave Digger, reclutando a Peter Masson para encargarse de la guitarra, Willi Lackmann en el bajo y Albert Eckardt detrás de los platillos.

En 1983, la banda graba el tema «Violence» para el compilatorio Rock From Hell, en el cual actúa también Running Wild. Gracias a esta canción es que el grupo obtiene su primer contrato con el sello alemán Noise Records. De este modo, Grave Digger lanza al año siguiente Heavy Metal Breakdown, su primer disco que, a pesar de su descuidada producción, se ha convertido en objeto de culto para los fanáticos y no es para menos. Cortes tales como «Headbanging Man» y «Heavy Metal Breakdown» son considerados himnos del metal alemán. En esta época además, Grave Digger gira acompañando a Warlock, Sinner y Running Wild.

Grave Digger

Lackmann abandona la banda, C.F. Franck entra como sustituto y Witch Hunter es lanzado en 1985. Estos dos discos iniciales se caracterizan por ser de una naturaleza más bien directa, sencilla en arreglos pero furiosa en carácter. Sin embargo, esto empieza a cambiar tras el alumbramiento en 1986 de War Games, primer trabajo con Uwe Lulis y el batero Jörg Michael –actualmente en Stratovarius–. Es la primera incursión de Grave Digger en discos conceptuales: todo el segundo lado del LP trata sobre la bomba atómica tirada en Hiroshima. Además, los arreglos se vuelven algo más complejos y experimentan por primera vez con coros a varias voces –estampa característica del Grave Digger de los noventa–. Pero para los fanáticos de ese entonces War Games es calificado como un acercamiento a un sonido más comercial. Mientras, Grave Digger hace gira con la  banda de Hamburgo, Helloween.

Pero el desastre se produce en 1987, cuando la banda cambia de nombre –simplemente a Digger– y sacan el controvertido Stronger Than Ever, de corte comercial. Hasta la carátula da miedo: una versión robotizada del Pato Lucas usando una gorra y enseñando sus músculos. La banda recibe una tonelada de malas críticas y se separa.

Digger desaparece de la escena metalera, pero Chris y Uwe siguen escribiendo canciones y grabando demos, mas ningún sello firma con ellos.

Es lo único que se sabe de la época de silencio. Tras cinco años entregando cintas y cerrándoseles puertas, el dúo decide volver a formar el añorado Grave Digger…

Grave Digger
THE RETURN OF THE REAPER

We’re back, back to the roots… HEAVY METAL RULES!!

Es 1991, Chris y Uwe se reúnen con Jörg Michael y el bajista Thomas Göttlich para resucitar a Grave Digger. Graban el demo Return Of The Reaper y en 1993 firman el anhelado contrato con G.U.N Records, a la vez que Noise saca a la venta una selección de los mejores temas del grupo llamado The Best Of The Eighties. Ese mismo año Grave Digger vuelve con más fuerza que nunca (ahora sí… stronger than ever) con The Reaper. El álbum es elogiado por la crítica alemana. Brutal, rápido y pesado, como en los viejos tiempos… perfecto regreso.

La misma formación, en 1994, entrega el excelente mini LP Symphony Of Death, el cual reúne temas escritos durante el receso y giran por Alemania nada menos que con los reyes de metal, Manowar. Además, es primera vez que aparece en portada de Grave Digger la “mascota” de la banda, The Reaper.

Jörg Michael se va del cuarteto para enfocarse exclusivamente en Running Wild e ingresa Frank Ulrich tomando su lugar. Heart Of Darkness (1995) es el nuevo título de Grave Digger, disco lleno de oscuros pensamientos de muerte y destrucción, pero también de sonidos. Este álbum es un salto evolutivo referente a la música y producción, canciones de mayor duración, más vanguardista en comparación con The Reaper y con una pincelada más fuerte de Power Metal.

Together we stand, steel in our hands,

Fighting forever, forever we stand!!

Grave Digger no se satisface sólo con continuar la línea de sus trabajos anteriores y sigue experimentando. Sin embargo, ninguna fórmula hasta entonces le había dado tanto éxito como la de Tunes Of War, primer disco de lo que se conocería como la “Trilogía Épica” de Grave Digger, en la cual, durante los años siguientes, la banda haría tres placas conceptuales sobre historias, sucesos y leyendas de la Edad Media. El comienzo de esta época coincide con el arribo de Stefan Arnold a la batería y la inclusión de un quinto miembro: el tecladista H.P. Katzenburg.

Grave DiggerEl primero de la serie es Tunes Of War, basado en la guerra de los clanes de Escocia luchando por su libertad e independencia en contra de los ingleses. En la saga se pueden encontrar personajes tales como William Wallace, la Reina Mary y The Bruce, entre otros. Incluso, la música está acompañada por gaitas efectos de sonido imitando marchas y batallas, algo nunca visto hasta ese entonces. Esas mismas gaitas y marchas de rebelión escocesa se hacen sentir en todo el mundo… es la primera vez que Grave Digger realiza una gira mundial, pasando también por Sudamérica.

Con un sonido más épico aún vuelve Grave Digger en 1998, relatando el auge y caída de una de las órdenes más poderosas de la Edad Media: los templarios. El disco tiene por nombre Knights Of The Cross y cuenta con la participación del ex Running Wild Jens Becker en las cuerdas bajas. La música de este álbum es mucho más Power, baterías aceleradas, arreglos de teclado y gloriosos coros, alejado del antiguo Grave Digger, pero, a diferencia de Stronger Than Ever, es muy bien acogido.

La banda no demora y en 1999 lanza Excalibur, álbum sobre de la Leyenda del Rey Arturo y la Mesa Redonda, el trabajo más Power Metal que la banda ha hecho hasta la fecha.

Antes de terminar el siglo, Grave Digger se consolida como institución del Metal Europeo.

The grave is open, the digger smiles

He takes me under, the deadly skies…

Grave Digger se ve con serios problemas el 2000. Chris Boltendahl y Uwe Lulis se juntan una vez más para escribir las canciones del próximo LP. Chris quería tomar un rumbo distinto al que Grave Digger se dirigía, alejarse de los conceptos épicos y volver al sonido Heavy, mientras que Uwe aparecía con bases y riffs muy similares a los trabajos épicos anteriores.

Grave DiggerLas dos mentes creativas del veterano grupo entran en conflicto. Ninguna de las partes cede, por lo que se ve venir una ruptura inminente. El resto de la banda decide quedarse al lado de Boltendahl y Uwe se queda solo. Es lógico pensar que Lulis debía retirarse, pero anuncia en Internet al nuevo Grave Digger con él mismo a la cabeza y con toda una tropa de nuevos integrantes, incluyendo nuevo vocalista (imagínense a Grave Digger con otro cantante por favor). También se dice que hubo problemas judiciales con respecto a quien iba a quedarse con el nombre de la banda.

A final de cuentas, Uwe Lulis recibe la desaprobación de los fanáticos y toma conciencia de que no tenía nada más que hacer. De este modo, después de casi 14 años, el guitarrista abandona Grave Digger.

Pasado el lamentable incidente, Grave Digger sale sorprendentemente fortalecido y se encierra a trabajar para la materialización del próximo álbum. Ese mismo año, tomando el puesto dejado por Lulis, ingresa Manni Schmidt, conocido entre los fanáticos por su desempeño en Rage.

Todo material escrito por Boltendahl y Lulis durante el 2000 es desechado -cerrando así la trilogía épica de Grave Digger- y en sólo siete días Chris, Manni y Jens componen los temas que aparecen en el nuevo The Grave Digger (2001), bajo el sello Nuclear Blast. Como se lo habían propuesto, el álbum, de principio a fin, es un latigazo de Heavy Metal, retornando en cierta medida a las raíces del grupo y recreando un ambiente oscuro y tenebroso basado en la obra del poeta y escritor Egdar Allan Poe. El Grave Digger experimentado de hoy se encuentra con aquel de la misma actitud de los ochenta logrando una mezcla explosiva.

Para el 2002, la banda tiene planeada una gira por Europa y participar en festivales norteamericanos, además de lanzar su primer disco oficial en vivo tentativamente llamado Tunes Of Wacken, actuación grabada precisamente en la versión 2001 del prestigioso festival.

Al hablar de Grave Digger, nos referimos a una de las bandas con más historia y peso del Heavy Metal Alemán, de esa misma, joven y agresiva de los ochenta que sobrevivió a un largo período de silencio, de la misma que estuvo totalmente vigente durante la década de los noventa y que, al empezar el siglo XXI, se ve con más fuerza que nunca. Dos décadas de trabajo, experiencia y aprendizaje no pasan en vano.

Grave Digger

¿Quiénes son Grave Digger?

Chris “Uncle Reaper” Boltendahl – Voz
Manni Schmidt – Guitarra
Stefan Arnold – Batería
Jens Becker – Bajo
Hans Peter  Katzenburg – Teclados

Children Of Bodom

¿Y por qué no? En el metal se habían probado mezclas heavy/power, thrash/death, heavy/thrash pero heavy-black melódico no….hasta Children Of Bodom…….y el resultado está a la vista: 3 exitosos álbums, una gira mundial y un gran reconocimiento generalizado en todos los espectros del metal.

El sello finlandés se hace notar en las composiciones de esta banda liderada por Alexi Laiho…mucha melodía, producidos cover art asociados a temas conceptuales y letras ajenas a lo épico pero con una estructura bien realizada.

Children Of Bodom es sin lugar a dudas, una de las propuestas más diferentes en el metal de hoy en día, con una mezcla entre Black, Power y Heavy Metal melódico, la esencia de esta creación te hace regresar a los tiempos cuando estabas escuchando por primera vez Metal…….discos como Something Wild, Hatebreeder y Follow The Reaper han creado un nuevo sello…….Si todavía no los conoces…..tienes que prepararte a escuchar lo que tal vez estabas esperando por mucho tiempo………

Sobre el estilo: Something Wild es Heavy Black Metal……. pero con Follow the Reaper giraron más al power que antes……así que en resumen serían heavy/power black metal.

Biografía de Children of Bodom

Children Of Bodom nació a fines de 1997 cuando su álbum debut «Something Wild» fue lanzado. Antes de eso la banda se llamaba «Inearthed».

Inearthed fue originalmente fundado por Alexi y Jaska en 1993. Posteriormente Ale, Henkka y su tecladista original J. Pirisjoki se unieron a la banda. Ellos lanzaron dos demos, el primero fue llamado «Ubiquitos Absence Of Remission» y tenía cuatro canciones. Fue grabado en 1994 en los Estudios Astia. El segundo fue llamado «Shining» y también tenía cuatro canciones. Fue grabado dos años después. El sonido en ambos demos es (para un demo) bastante bueno, pero Inearthed es claramente diferente a lo que Children Of Bodom toca en estos días. Inearthed era Death Metal melódico.

Cuando Inearthed vio partir a su tecladista, Janne se unió a la banda. Primero fue sólo como un tecladista de sesión para las grabaciones de «Something Wild», pero luego como un miembro permanente. El «Something Wild» de Inearthed fue planeado originalmente para ser publicado a través de de una pequeña compañía disquera de Bélgica, pero Sami Tenetz (Thy Serpent ) le dio el demo de «Something Wild» al jefe de Spinefarm, Ewo Rytkönen a quien le gusto tanto que les hizo un contrato. El contrato contenía tres discos. Cuando Inearthed supo que tenían un contrato con Spinefarm se separaron de la compañía Belga y cambiaron su nombre a Children Of Bodom.

¿Que hay acerca del nombre? Independiente de la banda, la historia que se esconde tras este nombre, es un caso de asesinato… Bodom es un pequeño lago en Finlandia, como 20 km al norte de Helsinki. El 5 de junio del año 1960  este lago fue el escenario de un aterrador homicidio. Cuatro adolescentes, dos niñas de 15 años y dos jóvenes de 18, acamparon en este lago…..luego de una fatídica noche todos amanecieron muertos. El único sobreviviente se volvió loco…. unos años después (por ahí por los 70) un viejo dijo que él había sido el asesino, pero la policía probó que no podría haber sido. Así que el asesino nunca fue encontrado……

Bueno, volviendo a la banda, poco después que Something Wild fuera lanzado en Finlandia por Sinefarm en Noviembre de 1997, Childrem Of Bodom firmó un importante contrato con Nuclear Blast de Alemania para la distribución en toda Europa. Children Of Bodom grabó una nueva canción llamada «Children Of Bodom» y lanzó un single limitado el cual estuvo número uno en las listas finlandesas por ocho (!) semanas, y sin promover el single!

Desde ese entonces las cosas empezaron a suceder bastante rápido. El primer Tour de Nuclear Blast (Febrero 1998, junto conm Hypocrisy, Benediction y Covenant) fue exitoso, pero Janne no pudo ir debido a sus exámenes finales en el colegio. Un amigo de la banda, Erne, lo remplazó. El segundo Tour de NB fue en Septiembre (esta vez con Gorgoroth- quien canceló, Night In Gales tocó en su lugar-, Dismember, Agathodaimon y Raise Hell), y sucedió de nuevo sin Janne. Esta vez Kimberly Goss (ex – Dimmu Borgir/Therion y la novia de Alexi) ayudó en los teclados.

Mientras tanto, algunas nuevas canciones había sido escritas y su segundo álbum «Hatebreeder» fue grabado. Justo antes del lanzamiento de este disco sacan el single «Downfall», el cual también contiene un cover de «No Commands» de los Stone. Después «Hatebreeder» fue lanzado exitosamente a principios del 99.  Luego CoB  hizo una breve y fructífera gira a Japón (tres shows, uno en Osaka y dos en Tokyo).
Los dos de Tokyo fueron grabados y lanzados como edición limitada en una caja que incluía diez cartas de fotos. Después siguió otro Tour de NB en Septiembre, con In Flames, Dark Tranqulity y Arch Enemy (Esta vez con Janne!!!).

En el comienzo de Mayo del 2000 CoB lanzó su nuevo single «Hate Me». El single fue número uno en las listas finlandesas otra vez!!!.

El 28 y 29 de julio del 2000 CoB fue a USA a tocar en el festival metalero de Milwaukee XIV.

El 30 de Octubre, el nuevo disco Follow The Reaper  fue lanzado en Finlandia. El lanzamiento mundial a través de Nuclear Blast fue en Enero 2001 del para Europa y Febrero del 2001 para USA.

En su primera semana el Follow the Reaper de CoB vendió más de 50.000 copias en medio Europa.

En Alemania el disco alcanzó la posición 46, en Francia fue número 88, y en Austria incluso alcanzó el lugar 38! En Finlandia el disco alcanzó su lugar más alto como número tres.

Children Of Bodom hizo una gira por Europa con Primal Fear y Sacred Steel a comienzos del 2001, en lo que sería el preámbulo de su visita a Sudamérica y posterior tour mundial…………al parecer, el legado del Hate Crew está sólo comenzando…………..

(Fuente: www.childrenofbodom.net, Usada bajo expreso permiso)

¿Quiénes son Children of Bodom?

Alexi Laiho- Voz y guitarra
Alexander Kuoppala- Guitarra
Janne Warman – Teclados
Hencka Blacksmith – Bass
Jaska Raatikainen – Batería

falconer_titulo

«Metal will never die!» (Falling Higher – Helloween)…..todos los metaleros nos sentimos orgullosos de esta frase, que más que un grito de batalla, es una responsabilidad nuestra hacer que se cumpla siempre…..sin lugar a dudas que la creatividad y la inspiración de los músicos metaleros son la fuente que permite enriquecer el estilo y lograr que siempre se mantenga vivo y fuerte…..en este sentido, una corriente nórdica del metal autodenominada Viking-Pagan Metal (con raíces en el Black, pero mezclando elementos de música nativa vikinga) ha desarrollado ideas bastante interesantes. Una de las grandes bandas de este estilo fue Mithotyn, hoy lamentablemente ya disuelta…….

falconerSi uno escucha que un ex-integrante de una banda viking como Mithotyn decide hacer un proyecto con reminiscencias en la fuente del metal, es decir, en el heavy metal, es algo como para poner atención…. y así ha sido! Stefan Weinerhall, motivado por sus raíces e influencias decidió crear una banda heavy metal que promete mucho, como lo es ….. FALCONER!

Un gran debut tuvo esta nueva agrupación sueca con su primer álbum homónimo…….una propuesta diferente con respecto a la nueva escena Heavy-Power Metal de europa; variadas influencias, letras muy diferentes, una composición creativa y un muy interesante trabajo en las voces…..

Sobre el estilo:  Según propia definición de ellos, la música es un heavy metal melódico con influencias medievales y de música nativa nórdica.

La historia comienza a principios de 1999, cuando una banda Viking Metal llamada Mithotyn grababa su tercer y último álbum…..después de 7 años sentían que que era el momento de hacer rutas separadas….al mismo tiempo Stefan Weinerhall (miembro de Mithotyn) tenía una seria y y fuerte motivación  de virar hacia su propia dirección personal…. al Heavy Metal.

Después de escribir material durante el verano el primer demo se grabó en hacia fines de año. . . Karsten (batero de Mithotyn) se unió a Stefan, logrando este último llenar el espacio que más le preocupaba: las baquetas….sin embargo, aún faltaba llenar el espacio de las voces; era complicado encontrar un perfil de vocalista que encajara con las extrañas demandas de los nuevos falconers. . . . . . .

falconerLa forma en que fue encontrado fue bastante fuera de lo común, según propias palabras de Stefan extraídas de una entrevista con WarriorMetal, ocurrió de esta forma: «encontré a Mathias gracias a su padre, que tiene una tienda de música aquí en el pueblo. Le quise preguntar por si conocía vocalistas por los alrededores y me mencionó a su propio hijo. Las grabaciones que tenía de él estaban llenas de material prometedor….afortunadamente le gustó mi música y estaba de acuerdo en cantarla….fue tan bueno el resultado que muchos sellos se interesaron….»

Poco tiempo después que fueran encontrados batero y vocalista, un contrato con Metal Blade Records sellaba un promisorio proyecto de futuro para la agrupación sueca. Durante el año 2000 la banda se dio el tiempo de crear un muy buen álbum, denominado simplemente Falconer, que vio la luz el 5 de Marzo del 2001 en Europa….

¿Quiénes son Falconer?

Mathias Blad- Voces y teclado
Stefan Weinerhall- Guitarras y bajo
Karsten Larsson- Batería

Yngwie Malmsteen

Introducción

Es realmente difícil hablar sobre «El Maestro» sólo con palabras….habría que explicar qué tan importante es él para el metal sólo a través de una Opera Magna, porque su inmenso legado es tan grande como su genialidad….gracias a Yngwie el Metal alcanzó el TOP en reconocimiento generalizado, después de sus primeros trabajos no sólo sus fans hablaban de él, gracias a la estructura y arreglos que le dio a sus composiciones, esa mezcla genial entre heavy metal y música clásica estremeció a todo el mundo musical para siempre… bueno, es deber decir en todo caso que Yngwie no fue el primero en hacer esto, él siguó el sendero de su maestro R. Blackmore en las influencias de la música clásica sobre el Rock, pero no hay duda en dar a Yngwie Malmsteen los créditos respecto a la difusión y legado de este concepto a nivel mundial y en cambiar radicalmente al metal………..

Sé que esto es tema de un interesante debate y no sé si es primera vez que se dice pero para mí está más que claro que el heavy metal comienza a dejar de ser «Rock» fundamentalmente por el legado de Yngwie (desde su primer trabajo en 1984), ya que las influencias iniciales del blues, «Rock and Roll», jazz, etc fueron dejadas de lado en las bandas de metal para dar fuertemente paso a la música clásica, lo que enriqueció tremenda y determinantemente el estilo en tiempos, melodía y armonía (muchas bandas actuales de metal no componen sólo en 4/4 y las posteriores influencias del folk europeo en el Power, Death melódico, Black y Viking Metal se han acoplado muy bien a la estructura clásica, separando cada vez más al metal del «Rock») y bien, esto es una de las mejores formas que permite definir bien lo que es metal de lo que no lo es (no la única en todo caso!)………realmente Yngwie es un Maestro, pocos se merecen como él este título, estoy seguro que si Nicolo Paganini hubiera nacido algunos años después de él, se habría inclinado por la guitarra eléctrica y no por el violín…..la historia se habría invertido…..(Yngwie es gran admirador de este legendario violinista!)

Finalmente, es necesario comentar que muchas bandas le deben mucho a Yngwie, sin ir más lejos todas las de metal sinfónico y baluartes del Power Metal en todos los estilos como Helloween, Rhapsody, Stratovarius, etc ……la biografía a continuación es además un homenaje de PowerMetal.cl al maestro, hail viking!

Sobre el estilo: Heavy Metal Neoclásico….aunque después de su gran e influyente legado, basta con llamarlo Heavy Metal.

«I am a Viking, I’m going out to war
And I’ve got death upon my mind.
As I was leaving, oh yesterday
I’ve got no fear in my heart.»…….
De «I am a viking» del «Marching out»:

Biografía de Yngwie (Fuente: Malmsteen Fan Club. Usada bajo expreso permiso.)

Los comienzos

Lars Johann Yngwie Lannerback nació en Estocolmo, Suecia, el último día de Junio de 1963….

El matrimonio entre el padre de Yngwie, un enérgico capitán del ejército sueco y el artístico y liberal espíritu de su madre terminaron en divorcio muy poco tiempo después que él nació. El pequeño genio creció en un ambiente permisivo entre su madre Rigmor, su hermana Ann Louise, y su hemano Bjorn, Yngwie (así lo llamó su madre en recuerdo de un antiguo pololo) era algo «salvaje» y sin reglas……….tempranamente (a los 5 años) luego de intentos fallidos de su madre de acercarlo a la música con clases de trompeta y piano, le compraron una guitarra acústica, la que permaneció colgada en la pared un buen tiempo…….nada hacía presagiar lo que venía…….no fue hasta un 18 de Septiembre de 1970, cuando veía el especial de la muerte del guitarrista Jimi Hendrix, que una llama inexplicable se prendió dentro de él….el niño de 7 años veía con asombro cómo Hendrix maravillaba a toda la audiencia con esos torrentes de energía y cómo sacrificaba su guitarra en llamas. El día que Hendrix murió, el guitarrista Yngwie nacía….

Descargando su intensa curiosidad y tenacidad en su Stratocaster barata, Yngwie se sumergió en la música de bandas como Deep Purple y gastó muchas horas tratando de descubrir los secretos de los instrumentos y la música. Su admiración por las influencias clásicas de Ritchie Blackmore le hicieron girar la atención hacia los gustos musicales de su hermana, a las raíces: Bach, Vivaldi, Beethoven, y Mozart. Al mismo tiempo en que Yngwie internalizaba las estructuras clásicas de los maestros, su prodigioso estilo comenzaba a tomar forma…..tocaba y tocaba horas y horas todos los días, a veces caía dormido sobre su guitarra….

A la edad de 10, había decidido tomar el apellido de su madre, Malmsteen, enfocando ahora todas sus energías en la música, dejando a veces de ir al colegio regularmente, donde era considerado un «problema», ya que odiaba a todos los de «comportamientos estúpidos»….. sólo le interesaban 2 ramos, en las que además sobresalía notoriamente: Inglés y Arte. Su madre, quien reconocía su talento único musical, le permitió permanecer en casa con su música y su guitarra, la maestría con que tocaba ya se hacía notar. Pero algo le inquietaba al joven prodigio……..¿dónde estaba la conexión entre las formas estructurales de la música clásica y la performance virtuosa de Hendrix en vivo? La respuesta la encontró nuevamente en la televisión, observando al gran violinista ruso Gideon Kremer tocando «Paganini’s 24 Caprices»……y eso era!!! Niccolo Paganini era la solución e inspiración! entendió al fin gracias al maestro del violín del siglo XIX cómo su pasión por la música clásica y la guitarra eléctrica podían ser compatibilizadas en un nuevo estilo que cambió determinantemente las influencias del heavy metal! Gracias a esto Yngwie además hace escuela sobre otra forma de tocar guitarra eléctrica…..menos escalas pentatónicas y diatónicas, ahora venían los barridos, sweet picking, etc.

El estilo de Yngwie comenzaba a emerger

A la edad de 15 estaba claro que el colegio ya no era para él, así que lo deja, y para bien…… trabajó un tiempo como luthier en una tienda de reparaciones de instrumentos.

No se puede dejar de comentar un suceso importantísimo que aconteció cuando entró al local un Laúd del siglo 17…..Yngwie observó que la madera del mango estaba socavada, de modo que las crestas formaban los trastes…..y claro! ¿porqué no? ¿qué pasaría si ese concepto se aplica a una guitarra eléctrica? lo hizo y quedó impresionado de los resultados, notó que era más dificultoso tocar, pero el control que se adquiría sobre las cuerdas era algo increíble…..prontamente adaptó el «scalloped fretboard» a todas sus guitarras….

Al mismo tiempo, Malmsteen comenzaba a tocar en innumerables bandas destacando por su estilo explosivo y novedoso……muchas veces cansaba los oídos y la paciencia de la audiencia sueca acostumbrada más la música pop de ABBA. Cuando llegó a los 18, el ejército sueco trató de recrutarlo para oficial debido al excelente resultado de sus test de inteligencia….pero convenció a los oficiales de reclutamiento que no era la mejor idea ni para él ni para el ejército sueco…..Yngwie volvió a la música con una temprana formación de Rising Force, grabaron un demo de 3 temas para la CBS sueca, pero nunca fue producido. Frustrado, Malmsteen sabía que tenía que dejar Suecia y enviar demos a sellos extranjeros….fue el guitarrista y fundador de Shrapnel Music Mike Varney quien le tendió la mano, Yngwie fue invitado a Los Angeles a unirse a la nueva banda de Shrapnel «Steeler»…

Yngwie emigra a USA

Construida alrededor de Ron Keel, el debut de Steeler marcó con fuerza detalles como el gran solo de Yngwie en «Hot On Your Heels.» Al mismo tiempo que el álbum fue conocido, Malmsteen fue llamado a una banda del estilo Rainbow, Alcatrazz fundada por el cantante Graham Bonnett. Aunque grandes temas y solos fueron «Kree Nakoorie,» «Jet to Jet,» and «Hiroshima, Mon Amour,» era limitante para el joven guitarrista sueco quien prefirió seguir en una carrera como solista….

El primer álbum solista de Yngwie, Rising Force, llegó al #60 en los Billboard charts, e impresionó bastante a nivel de músicos. El álbum además ganó una nominación a los Grammy como mejor álbum de rock instrumental. Pronto llegaban otros honores: fue votado como el mejor Nuevo Talento en muchas encuestas, mejor guitarrista de Rock un año después, y Rising Force se convirtió en el álbum del año. Potenciada por su viejo amigo y gran tecladista Jens Johansson (sí, el mismo de Stratovarius), la banda Rising Force se estableció como como una de las importantes y colocó a Yngwie como una de los mejores guitarristas de rock, adicionando un nuevo término al léxico de los estadounidenses: neoclassical rock.

Las composiciones neoclásicas de Yngwie alcanzaron nuevos bríos en Trilogy, álbum de 1986. A esas alturas, el estilo Malmsteen ya era un fenómeno mundial en la música, las influencias de su técnica en la eléctrica no se hicieron esperar, aparecieron muchos clones pero sin entender todo el fondo musical que tenía el sueco….

El accidente…

En el siguiente año (1987), el 22 de Junio, cerca de su cumpleaños 24, Yngwie estrelló su lujoso Jaguar en un árbol, rompiendo el volante con su cabeza, causándose un corte profundo en la cabeza, dañando los nervios de su celebro, impidiéndole esto los movimientos de su mano derecha. Después de estar en coma por una semana, inconsciente, despertó con el instinto de mover la mano derecha inútilmente….temeroso que su carrera viera su final tan prontamente, con mucha impetuosidad comenzó la terapia que le devolviera la vida a su mano, esperando impacientemente que los nervios se regeneraran……su recuperación fue casi un milagro, pero poco tiempo después recibió la noticia que su madre, la gran inspiración de su vida había muerto en Suecia de cáncer….para complicar las cosas más aún, los problemas financieros lo dejaron muy mal debido a los altísimos costos de las cuentas médicas…..

En vez de caer en depresión como muchas otras personas lo hubieran hecho, Yngwie colocó todas sus fuerzas en la música para poder salir del fondo en que estaba….

El resultado fue Odyssey, destacando el single y video «Heaven Tonight»….se alcanzó el disco de oro y una clara llegada a un público diferente, no sólo a guitarristas y músicos, destacaba en la formación de este disco el ex- vocalista de Rainbow Joe Lynn Turner como frontman. Para Febrero de 1989, el show se desplazaba a Moscú y Leningrado (precediendo el Bon Jovi’s Moscow Peace Festival por 6 meses aproximadamente). Después de la realizacdión del video Live in Leningrad / Trial By Fire, los miembros de la banda tomaron caminos separados y el nombre Rising Force fue retirado para bien.

Yngwie se va a Miami a forma una nueva banda

Comenzando una nueva fase en su carrera, Yngwie se desplazó a Miami, Florida, reclutó al ex-vocalista de John Norum, el señor Goran Edman, quien con su voz de tenor se adaptó fácilmente a las demandas de Yngwie en cuanto a tonos altos. Los otros puestos fueron llenados con músicos no tan conocidos fuera de Suecia pero con talentos excepcionales: el bajista de orquesta sinfónica Svante Henryson, el experimentado tecladista y arreglista Mats Olausson, junto al batero Michael von Knorring. El primer trabajo de la nueva formación, Eclipse, grabado y mezclado en el Criteria Studios de Miami, probó que Yngwie podía escribir material «accesible a la radio» sin sacrificar su estilo clásico. Una pobre promoción por problemas con el sello Polygram estancaron las ventas en U.S.A, pero el oro y platino en Japón y Europa fue un mensaje tranquilizador para Yngwie con respecto a la decisión de dejar a Rising Force atrás.

Malmsteen decide dejar a Polygram….y como él decía a veces su vida es siempre como «fire and ice, either really good or really bad with no in-between» …..una vez que la situación fue superada, las cosas comienzan a mejorar…..el nuevo manager Nigel Thomas trabajó duro y en Marzo de 1991 Yngwie firmaba con Elektra Records.

El gran debut por Elektra, Fire & Ice, volvió atrás a los tiempos en que la perfección de lo no comercial llevaba sus composiciones. El álbum encendía sus emociones con la incorporación de breves de los compositores barrocos que él tanto admira (quien diga que este álbum es malo realmente no sabe nada de Y. Malmsteen ni de metal neoclásico). Con este trabajo Yngwie al fin pudo cumplir su gran deseo de grabar con una orquesta clásica, esto ocurrió en los arreglos de Bach de «Badinerie» Orchestral Suite No. 2, la que es incluida en el TEMAZO «No Mercy,» y en el sólo de inspiración clásica de «Cry No More.» Aclamado por la crítica especializada por su somposición y performance, Fire & Ice debutó en Japón en el #1 («Ichi-ban») y vendio sobre 100,000 copias en el día de lanzamiento. El álbum alcanzó el oro y platino en Europa y Asia. Para Junio de 1992, Yngwie volvió apara descanzar y componer…

Desafortunadamente, el desarrollo del nuevo álbum fue estancado debido a una serie de sucesos extrañamente concatenados…el huracán Andrew que devastó Miemi en Agosto de 1992, la muerte del manager Nigel Thomas en Enero de 1993, y el rompimiento del contrato por el sello Elektra en Marzo del mismo año. En el mes de Julio (también 1993), Yngwie se quebró la mano y en Agosto fue víctima de un falso arresto que provocó un revuelo internacional…..

En Septiembre, los cargos contra Yngwie fueron levantados y en Octubre su mano se recuperó completamente. Un nuevo contrato fue firmado con el sello japonés Pony Canyon label, y una nueva formación consistente en el vocalista Michael Vescera (ex-Loudness), batero Mike Terrana (ex-Tony McAlpine), tecladista Mats Olausson, y el mismo Yngwie en el bajo se formaba. Barry Sparks de L.A. fue elegido como el bajista de relleno para el tour.

Yngwie firma con Pony Canyon y comienza una nueva etapa en su carrera

El nuevo álbum, The Seventh Sign, fue realizado en Japón en Febrero de 1994. Lo crudo y agresivo de del trabajo hizo volver la vista a los comienzos, al Marching Out. Fue triple platino en Japón! y la CMC International Records lo distribuyó en Europa y America, aunque en USA debido al «grunge»no vendió lo mismo que antes….

En Septiembre y Octubre, Pony Canyon lanzó dos mini-albums, Power and Glory y I Can’t Wait. Después de casi un año de gira, la terminan en Noviembre de 1994 para tomar un merecido descanso.
En Diciembre de 1994, Yngwie comienza la construcción de un estudio propio en Miami, retomando el trabajo musical con Magnum Opus, con el objeto de lanzarlo en Junio de 1995.

El tour Magnum Opus comenzó en Septiembre de 1995 en Japón, cubriendo la increíble cantidad de 17 ciudades en Japón y llenando estadios…..luego partieron a Inglaterra por 2 meses….durante los shows Michael Vescera enfermó de bronquitis y estuvo fuera de 5 shows….en vez de cancelar los recitales el mismo Yngwie tomó las voces, aunque los temas de registro muy alto fueron eliminados…Mike se les volvió a unir en Alemania…retornaron a fin de año a casa para el merecido descanso.

Yngwie graba su primer album en el Studio 308

Comenzando Enero, Yngwie comenzó a usar su Studio 308, llamando a viejos amigos músicos– incluyendo a Joe Lynn Turner, Jeff Scott Soto, David Rosenthal, Marcel Jacob, y Mark Boals–para trabajar en un nuevo proyecto. Por muchos años, Yngwie tuvo en mente el deseo de grabar los temas clásicos que con los cuales creció….esto significa la música de Deep Purple, Rainbow, U.K., Kansas, Scorpions, Rush, y Jimi Hendrix. Con los hermanos Johansson en batería y teclados, el álbum «Inspiration» tomó forma. Para mediados de Abril, las grabaciones fueron masterizadas y el cover art se encargó al destacado artista japonés Asari Yoda.

El trabajo orquestal que los fans habían estado esperando se vuelve realidad

Después de meses de trabajo intensivo en el Miami Studio 308, Yngwie produjo su primer trabajo completamente clásico, Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in Eb minor, Op. 1. En Enero de 1997, Yngwie vuela a Prague para grabar con la prestigiosa orquesta filarmónica de Praga, la cual celebraba recientemente sus 100 años de vida. En 3 intensivos días de trabajo, el sueño de grabar una creación propia con una orquesta de prestigio se hacía realidad ….

Sin dejar de trabajar luego de tantos triunfos, Yngwie vuelve a Miami para finalizar el álbum Facing the Animal, destacando en las baterías al gran Cozy Powell. Distribuído fuera de Japón por Mercury label, Yngwie dio una gran cobertura al álbum dando numerosas entrevistas y promoción.

La Paternidad y otros cambios de vida

El 6 de Marzo de 1998, nace en Miami Antonio Yngwie Johann Malmsteen, Yngwie y su esposa April tuvieron que afrontar la paternidad en medio de tours y ajetreos, así que el pequeño Antonio obtuvo su primer pasaporte a las 3 semanas de vida!!! Dicen que el pequeño y su padre estaban felices como nadie dentro del movimiento de los aviones, trenes, buses, y taxis….qué familia(!)

Sin embargo otra noticia negativa llegaba a la banda, en un trágico accidente de tránsito el maestro de la batería Cozy Powell falleció. Fue reemplazado por Jonas Ostman para el tour. Durante los conciertos de Brazil, fue grabado un nuevo video y CD llamado simplemente Yngwie Malmsteen LIVE!!!

A comienzos de 1999, comenzaron los trabajos para el próximo álbum Alchemy. Realizado en Septiembre de 1999, la idea de Yngwie era darle en el gusto a sus fans más duros, volviendo plenamente a las raíces del comienzo él mismo decía «Quería hacer un álbum donde mi forma de tocar fuera lo más extrema posible, sin importar su destino comercial. Escribí todas las letras, usando temas interesantes para mí como Leonardo da Vinci.» Yngwie explica, «Elegí este título porque la ‘alquimia’ es donde la ciencia y la magia se encuentran …..la ciencia del trabajo de grabación con la magia de la música». Para este retorno al sonido «Rising Force», Yngwie escogió al vocalista de Trilogy Mark Boals. Alchemy fue definido como el «manifiesto de guitarra de Yngwie para el nuevo milenio».

Adiós Lewis Entertainment, Hello Spitfire

A comienzos del 2000, Yngwie despidió el management de Lewis Entertainment que no pudo hacer avanzar su carrera en USA. Su nuevo manager, el hombre de negocios Michael Spitzer, cerró contrato con Spitfire Records, con quien Yngwie realizó su último álbum War to End All Wars en Noviembre del 2000……el resultado fue diferente respecto a las ventas de los álbums anteriores en USA, convirtiéndose en el mejor álbum vendido en años en norteamérica…

La vida de Yngwie ha sido una permanente serie de momentos buenos y malos, y el comienzo del último tour no ha sido la excepción, ya que ante las excelentes críticas y respuesta de los fans, en un gigantesco tour que comprendía 45 fechas en USA, emigran en la mitad del tour el vocalista Jorn Lande y el batero John Macaluso, obligando a cancelar más de una docena de recitales programdaos…

La historia se sigue escribiendo en esta segunda parte del presente año 2001, siguiendo el tour en Europa, Asia, y en el Reino Unido…y sudamérica……por vez primera lo tendremos en Chile y en 2 presentaciones!!!…….sin lugar a dudas que si llegaste hasta esta línea de esta EXTENSA biografía es porque te interesa el maestro y ahora sabes más de él y de su gran legado……si eres un músico metalero joven nunca olvides la música clásica al momento de componer! muchos te lo agradeceremos….

Reflexiones finales

Aunque en USA le hayan colocado al estilo de Rising Force «Rock neoclásico» luego de sus primeros trabajos, es obvio que Yngwie es un metalero absoluto, después de leer su vida queda más que claro…….aunque hubo entre medio algunos pocos álbums más comerciales, fueron por necesidad y en todo caso siempre dentro de sus raíces….