¿Lo mejor de Inglaterra? bueno, porqué no decirlo, la respuesta a esa pregunta ciertamente que podría ser sin ningún tapujo la siguiente: el Fútbol, el Gin, y Iron Maiden (fanáticos del Whisky, dije Inglaterra, no Escocia(!)), y bien, hablando ahora muy en serio, lo que va a vivir el mundo del metal a partir del 1 de febrero del 2008 es algo tan tremendamente especial, que merece que todas las páginas del género en todos los continentes brinden el debido homenaje a este grupo de músicos que cambió las vidas de muchos de nosotros, los británicos Iron Maiden, quienes a través del «Somewhere Back in Time World Tour», cual máquina del tiempo, nos llevarán atrás en las eras y edades…no solamente a lo mejor de los 80´s, sino también a Egipto (Powerslave), Macedonia y Persia (Alexander The Great), Mongolia (Gengis Khan), la Segunda Guerra Mundial (Aces High), la alta mar de los piratas (The Rime of The Ancient Mariner), la batalla de Balaclava (The Trooper), el mito de Ícaro y tantos, tantos otros lugares a través de la magia de la música reforzada con la potencia del metal…esta gira es un regalo de los Dioses…

Para muchos de nosotros Iron Maiden es mucho más, pero es que mucho más que la banda favorita, ellos ya son nuestros amigos, parte de nuestras vidas, «blood brothers» de verdad, no importa que no los conozcamos en persona, al momento de tener un álbum y un tema para cada una de las etapas de nuestras vidas, ya son parte de la historia que escribimos en esta tierra, y parte de las vivencias que nos llevaremos a la tumba, momento en que ciertamente recordaremos el tema «Die with your boots on»! la verdad mientras escribo estas líneas me parece increíble que en el 2009 tengamos las oportunidad de revivir en un show los grandes éxitos de los 80´s con motivos escenográficos del Powerslave…para los «viejos» sobre 30 será la mejor forma de recordar nuestra niñez y juventud de una época increíble del heavy metal, para los más jóvenes, la oportunidad de sus vidas de conocer a UNA BANDA DE VERDAD, así de simple, sin más que decir en estos meses de emoción extrema, ahora más que nunca hermanos de sangre en el metal, esperemos nuestro turno con un eterno UP THE IRONS!!! (prólogo de MTWebmaster)

EL COMIENZO DE LA LEYENDA

En 1971, un quinceañero llamado Stephen Percy Harris, nacido en Leytonstone, Londres, el 12 de Marzo de 1957, vivía entre dos pasiones: la música y el West Ham United, equipo de fútbol de la Premier League de Inglaterra. Steve, quien poseía (y posee) bastante talento para el fútbol, se vio un tanto decepcionado al ver que muy pocos de los jóvenes como él llegarían a ser futbolistas profesionales, por lo que poco a poco fue trasladando sus esfuerzos hacia la música y decidió adquirir un bajo por la módica suma de 40 libras esterlinas. Así, inspirado en bandas como Jethro Tull o Genesis, formaría después de poco tiempo lo que fue su primera banda, llamada Influence, que posteriormente cambió su nombre a Gypsy’s Kiss. Después de algunas pequeñas tocatas, el imberbe Steve abandonó la banda para unirse a Smiler, agrupación compuesta de jóvenes bastante mayores que él, y con la cual adquirió la experiencia suficiente como para dar a luz a su proyecto personal.

Así, ya en 1975, inspirado en la película «The Man In The Iron Mask» y en la dudosa femineidad de la Primera Ministra de Inglaterra de aquellos entonces, Margaret Thatcher (apodada «la Dama de Hierro»), Steve Harris encontró el nombre para su banda: Iron Maiden. Ya con el tema del nombre resuelto, Steve comenzó a buscar músicos en su barrio, el East End de Londres, reclutando a Terry Rance y Paul Sullivan en las guitarras, a Ron Matthews en la batería y al cantante Paul Mario, quien fue reemplazado poco después por Dennis Wilcock (con quien había tocado en Smiler). Éste recomendó a Steve a un rubio y joven guitarrista, con rostro felino, que hacía sus primeras armas en Urchin, llamado David Michael Murray, nacido en Edmonton, Londres, el 23 de Diciembre de 1958, lo que motivó la partida de Rance y Sullivan de la banda (quienes vieron esto como una falta de respeto), llegando Bob Sullivan («Bob D’Angelo») a suplir esa plaza faltante. Y además, Ron Rebel reemplazó a Matthews en la batería. Poco después, luego de múltiples cambios -donde incluso Iron Maiden tuvo ¡tecladista!, Tony Moore, y Dave Murray fue echado de la banda por Wilcock, para posteriormente volver-, otro ex-Smiler, Doug Sampson, llegaría a tomar las baquetas, mientras buscaban otro vocalista. Y en ese entonces un compañero de Steve le recomendó a un cantante de apellido italiano con tendencias algo punk y con un gran carisma, que mostraba sus virtudes en Bird Of Prey. Su nombre era Paul Andrews, más conocido como Paul Di’Anno, nacido el 17 de Mayo de 1958, en Chingford, Essex.

En esos entonces la situación de Iron Maiden era complicada. Las casas discográficas les hicieron algunas ofertas, a condición de que se cortaran el pelo y se volvieran una banda punk, lo cual Steve Harris estaba lejos de desear. La dura indiferencia, sumada a la reticencia de las radios a incluir bandas metaleras en sus programaciones, se convirtieron en una gran razón para no claudicar. Pero a fines de 1978, tiempo en el cual tocaban por algunas cervezas y se trasladaban en una furgoneta que ellos llamaban «The Big Goddess», la situación comenzó a cambiar y lograron grabar un demo, que contenía los temas «Prowler», «Invasion», «Strange World» y «Iron Maiden». Para dimensionar la pobreza franciscana en la cual Maiden se inició, hay que decir que no pudieron pagar el cassette original. Dave Murray le entregó su copia a Neal Kay, un DJ que dirigía la noche rockera en «The Soundhouse», un lugar casi de mala muerte, donde Maiden comenzaría a pavimentar su camino a la fama. En honor a esto, la banda elaboraría poco tiempo después un EP llamado «The Soundhouse Tapes», que fue originalmente distribuido en forma independiente y que llegaría a transformarse en un ícono de colección.

Una de las copias de la cinta llegó a manos de Rod Smallwood -personaje clave en la historia de Maiden- quien, encantado con la banda, acudió a una presentación en vivo bastante accidentada de la doncella en donde Paul Di’Anno fue detenido horas antes por posesión de arma blanca, por lo que el repertorio fue en su mayoría instrumental y Steve las hizo de vocalista en los restantes temas. A pesar de este inconveniente, Smallwood ofreció ser el manager de la banda, lo cual aceptaron. Poco después, tras una presentación en «The Marquee» con alrededor de 700 fans, Iron Maiden firma contrato con EMI, en lo que se convirtió en un tremendo paso. Ya con EMI, la banda grabó en 1979 dos temas, «Sanctuary» y «Wrathchild», para la compilación «Metal For Muthas», con Di’Anno en las voces, Murray y el recién llegado Tony Parsons en las guitarras, Steve en el bajo y Doug Sampson en batería.

EL SEXTO INTEGRANTE Y LOS PRIMEROS DISCOS

Doug comenzó a tener algunos problemas de salud, por lo cual salió de la banda, siendo sustituido por Clive Burr, nacido el 8 de Marzo de 1957. Y Tony Parsons nunca enganchó con la «onda» de la banda, por lo cual también la dejó, llegando en su reemplazo Dennis Stratton, nacido el 9 de Noviembre de 1954 en Londres, quien era el gerente de «The Cart & Horses». Así, con una formación renovada, la banda salió de gira en Febrero de 1980 para promocionar el «Metal For Muthas» y celebrar la edición de su primer single, «Running Free», que ascendía al nº 44 en los rankings británicos. La banda recibe una oferta de la BBC, para tocar en el programa “Top Of The Pops”, lo cual aceptaron a condición de tocar en vivo (serían los primeros desde que The Who lo hiciera ocho año antes), en actuación que puede chequearse en el uno de los discos del DVD «The Early Days».

El día 14 de Abril de 1980 la doncella da a luz a su primer hijo. «Iron Maiden» alcanzó el nº 4 en los rankings, lo que fue consecuencia de la enorme popularidad que estos jóvenes estaban alcanzando -con temas increíbles como «Phantom Of The Opera», «Running Free» o «Prowler», entre otros- lo que trajo como consecuencia que incluso fueran invitados a la gira británica nada menos que de Judas Priest, quienes recientemente habían lanzado su clásico de clásicos, «British Steel».

Y en ese tiempo, puntualmente en Enero del mismo año 1980, nace el -en ese entonces- sexto integrante de Iron Maiden. De la mano de Dave «Lights» Beasley, nace «Eddie», la mascota de la banda, que aparece en todas y cada una de las carátulas oficiales de los trabajos de la banda. Se dice que el nombre “Eddie” se habría originado de un viejo chiste inglés, que hablaba de un niño llamado Eddie que no tenía cuerpo sino sólo cabeza, que rogaba no recibir más sombreros de regalo para Navidad. Perfeccionado y rediseñado posteriormente por Derek Riggs, Eddie, quien ha aparecido como un faraón, un cyborg o un demente con camisa de fuerza, ha pasado, por derecho propio, a transformarse en un integrante más de la banda, estando presente en las presentaciones en vivo y evolucionando al mismo ritmo que lo ha hecho la banda.

Posteriormente, la banda hizo una gira de dos meses por las islas británicas, además de cuatro presentaciones en «The Marquee», con lleno total. En el mes de agosto, acompañan a Kiss en su gira europea y en el Festival de Reading, donde además comparten escenario con UFO. Y al terminar la gira, la tensa situación entre Dennis y el resto de la banda se hizo insostenible, por lo que Iron Maiden se quedó con sólo un guitarrista. Pero no sería por mucho tiempo, pues Dave Murray recomendó a un ex-compañero de Urchin, un delgado y pulcro guitarrista llamado Adrian Frederik Smith, nacido el 27 de Febrero de 1957 en Hackney, Londres Este, quien se unió a la banda poco después.

Con esta nueva alineación, y bajo la producción de Martin Birch, el 2 de Febrero de 1981 salió al mercado el segundo trabajo de Iron Maiden, denominado «Killers», que obtuvo doce discos de oro alrededor del mundo y llegó a situarse en el nº 12 de los rankings ingleses. Con temas como «Purgatory», «Wrathchild» y «Murders In The Rue Morgue», Iron Maiden mostró una mayor sofisticación en la elaboración de sus canciones, sin perder la fuerza con la cual emergieron en una escena inhóspita. Tras visitar por primera vez países como Canadá, EEUU y Japón, lanzan un single en vivo (con temas grabados en este último país) , llamado «Maiden Japan», parafraseando al clásico «Made In Japan» de Deep Purple.

A pesar del éxito anteriormente señalado, existía algo que la banda nunca había tenido: estabilidad. Y ahora el turno de abandonar la banda era de Paul Di’Anno, quien llevaba una vida totalmente ligada al «ideal» rockero del «sexo, drogas y rock’n’roll», lo cual estaba deteriorando su salud y especialmente sus cuerdas vocales. Y este hecho marcaría historia, pues su reemplazante, un ex estudiante de historia, admirador de Ian Gillan y talentoso esgrimista -incluso se señala que fue invitado a participar del equipo olímpico de esgrima de Inglaterra para los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992-, un tal «Bruce Bruce», el enmascarado cantante de Samson, se transformaría en uno de los más grandes vocalistas de la historia del heavy metal.

LA FORMACIÓN IDEAL Y LA ETAPA DORADA

En efecto, a Bruce Bruce, el vocalista de Samson, le encantó la idea de tocar con Iron Maiden. Tras una audición en la cual Steve quedó sorprendido por la potencia de la voz de Bruce, éste quedó oficialmente integrado a la banda, retomando su verdadero nombre, Paul Bruce Dickinson. Nacido el 7 de Agosto de 1958 en Worksop, Nottinghamshire, cantó por primera vez en público cuando era muy pequeño, haciendo una sui generis interpretación de la canción de su héroe del momento, Popeye el Marino.

Con el objeto de que Bruce se acoplase, Iron Maiden realizó algunos recitales en Italia, para posteriormente presentarlo al público inglés, quien lo apodó “The Air Raid Siren” (sirena de ataque aéreo), por la potencia de su voz. Y es sabido que el público metalero no es muy dado a dar oportunidades a los reemplazantes, pero Bruce se metió al público al bolsillo en muy poco tiempo.

Ya con Dickinson en la banda, llegaría el momento de la consagración definitiva. Su nuevo trabajo, “The Number Of The Beast”, salió a la venta el 29 de Marzo de 1982, ubicándose en los primeros diez lugares en los rankings de toda Europa, y fue el primer álbum de Maiden en ubicarse en el nº 1 de las listas inglesas. Con temas clásicos como “The Number Of The Beast”, “Run To The Hills” (el single del álbum, que llegó a ubicarse en el nº 7 de los rankings) y “Hallowed Be Thy Name”, entre otros, este trabajo es considerado como el que llevó a la consagración a esta banda inglesa, mostrando una actitud arrolladora, sonidos armónicos con el notable aprovechamiento de las twin guitars y sobre todo con la maravillosa voz de Bruce. Como consecuencia de este éxito, Iron Maiden hizo un tour, “The Beast On The Road”, que duró cerca de 8 meses, donde en alrededor de 180 conciertos visitaron lugares como Australia, Nueva Zelanda, Nueva York, culminando con una gran presentación ante 35.000 personas en el festival de Reading.

Pero el final de la gira marcaría un punto oscuro en la banda, pues el baterista Clive Burr, aludiendo a una serie de problemas personales y al intenso ritmo de trabajo, decide abandonar la banda. Y es así como Iron Maiden recordó al baterista de los franceses Trust, quienes apoyaron a Maiden en la gira del álbum “Killers”. Y es así como Michael Henry McBrain, nacido el 5 de Junio de 1952 en Hackney, Londres, arriba a la banda, configurando lo que, para muchos, es la alineación ideal de Iron Maiden. Cabe señalar que su apodo, «Nicko», proviene de su niñez, en la cual su hjuguete favorito se llamaba «Nicholas the Bear», por lo que sus padres lo llamaban «Nicky», lo que derivaría en «Nicko» poco tiempo después, adoptándolo como nombre artístico..

La banda voló a Nassau, Bahamas, para grabar su cuarto disco, y aprovechando su estancia en aquel paradisíaco lugar, decidieron aprovechar de grabar el video de su nuevo single, “Flight Of Icarus”. El guión del video indicaba que apareciera alguien maquillado de azul y vestido de monje, papel que fue representado por Nicko. Y así, en Mayo de 1983 salió a la venta “Piece Of Mind”, trabajo que en su artwork muestra a un Eddie con camisa de fuerza y encadenado. Rápidamente, este disco alcanzó el nº 3 en los rankings británicos. Este trabajo mostró otras facetas de la banda, con un sonido un poco más elaborado y con un pequeño toque de mayor complejidad en las composiciones -como vemos en la maravillosa “To Tame A Land”-, aunque sin perder la actitud guerrera, como vemos en el clásico “The Trooper”, o en “Where Eagles Dare”.

La banda llevó a cabo entonces el “World Piece Tour”, recorriendo prácticamente los mismos lugares de su gira anterior, culminando con una presentación televisada en Dortmund, Alemania, en cuyo show la banda atacó “brutalmente” a Eddie, lo cual causó cierta controversia.

Si lo que hemos visto hasta ahora es histórico y consagratorio, lo sucedido en 1984 lo sería aun más. La salida a la venta en Septiembre de su quinto trabajo en estudio, “Powerslave”, marcó una etapa importantísima en la banda. En este trabajo, que cuenta con un artwork absolutamente de lujo, con Eddie convertido en una especie de faraón en medio de una pirámide egipcia, la complejidad compositiva insinuada en “Piece Of Mind” llega a niveles fantásticos, especialmente con dos joyas de la historia del metal, como “Rime Of The Ancient Mariner” y “Powerslave”, sin perder la agresividad, que vemos en “Aces High”, y sobre todo marcando el “sonido Maiden”, con el bajo en un rol protagónico, las twin guitars haciendo de las suyas y Bruce retando a que alguien cante como él.

El éxito de “Powerslave” hizo que Iron Maiden llevara a cabo un tour a gran escala, llamado “World Slavery Tour”, que constó de alrededor de 300 conciertos en poco más de un año, visitando incluso países sometidos a regímenes comunistas como Polonia, Hungría o Yugoslavia, en pleno período de la guerra fría entre EEUU y la URSS, y la “Cortina de Hierro”, que dividía al mundo occidental del comunista. Y la doncella demostró que su música estaba más allá de las luchas políticas, en lo que fue considerado como un hito histórico. Además de esto, la banda visitó por primera vez Sudamérica (puntualmente Brasil), en lo que fue un majestuoso Rock In Rio (con un público aproximado de 200.000 personas), compartiendo escenario con Queen, AC/DC y Ozzy Osbourne, entre otros. Con un Eddie transformado en un atemorizante monstruo de casi 20 metros de altura y con un Dickinson recordado (y en vigencia) como uno de los mejores frontman de la historia, la puesta en escena de la banda sobresalía, resaltándose las performances en el Hammersmith Odeon y cuatro noches consecutivas en el Long Beach Arena en California, Estados Unidos, las cuales fueron aprovechadas para sacar para grabar un disco doble y un video de sus presentaciones en vivo, en el mejor momento de la banda. El disco y el video, llamados “Live After Death” (uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal), salieron a la venta en Octubre de 1985, llegando al nº 2 del ranking de ventas.

El 29 de Septiembre de 1986 salió a la venta el sexto disco en estudio de la banda. “Somewhere In Time”, grabado en Munich, Alemania, y Nassau, marca un notorio cambio en el sonido de la banda, pues ésta comienza a utilizar sintetizadores como fondo en varios temas, lo cual causó escozor en algunos fans. Pero tras escuchar temas como “Caught Somewhere In Time”, “Heaven Can Wait” o la fantástica y épica “Alexander The Great”, los temores se esfumaron. Y un punto aparte en este trabajo es su artwork, para muchos metaleros el mejor que se haya hecho en la historia, pues muestra a un Eddie futurista en el centro de Londres, y con una serie de detalles (que especialmente pueden apreciar quienes tengan la versión en vinilo) perfectamente diseñados por Derek Riggs que lo hacen merecedor de comentarios y análisis aparte.

Lamentablemente no todo podía ser color de rosa. El aporte creativo de Bruce Dickinson se redujo notablemente, al tiempo que Steve Harris tendía a ensimismarse en la composición de los temas. Y esto se unió a que se originó un montón de versiones separatistas debido a la poca repercusión del disco, considerando las expectativas generadas. Todo esto se vio acrecentado debido a que Steve Harris decidió dedicarse a trabajar con su amiga, la cantante Anita Dobson, componiendo algunos temas y participando de la grabación de su álbum. Y otra revista especializada señalaba que Bruce estaba hastiado de las “tiranteces que imperan en Maiden”. Pero la gota que rebalsó el vaso emanó del propio sello grabador de Iron Maiden, el que señaló que la grabación del nuevo álbum estaba postergada indefinidamente, y que sería reemplazada por una remasterización de “Killers”. Esto provocó la reacción de Dave Murray, quien desmintió tajantemente los rumores de separación, tranquilizando de cierta forma a los fans.

A pesar de todos estos problemas, la banda llevó a cabo el “Somewhere On Tour”, que contaba con un inmenso Eddie convertido en cyborg, y que comenzó en Belgrado, Yugoslavia, y terminó en Osaka, Japón, en lo que fueron más de ocho meses. La banda registró algunos momentos del tour y algunas entrevistas y los lanzó a la venta en 1987, en un video llamado “12 Wasted Years”.

EL SÉPTIMO HIJO Y LA PARTIDA DE ADRIAN

La banda ya se encontraba preparada para lanzar su séptimo trabajo en estudio. Pero antes de ello decidió grabar un video promocional de su single, “Can I Play With Madness”, el que sería dirigido por Terri Gillian, director de la película “Brazil”, y que sería una especie de “mezcla entre ‘Monty Phyton’ y ‘Los Cazadores del Arca Perdida’”, según Gillian.

Ya con el video estrenado, Iron Maiden lanzó su séptima placa, titulada “Seventh Son Of A Seventh Son”, que inmediatamente alcanzó el nº 1 en el ranking inglés y se mantuvo durante muchas semanas en el top 5. Con un artwork rayando en lo demoníaco y convertido por la historiografía metalera como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos, este trabajo, que es considerado por muchos dentro de lo mejor de la discografía de Maiden, acentúa las bases de sintetizadores esbozadas en “Somewhere In Time” (de hecho en los shows habría un tecladista invitado, Coun Kenney), sin perder su sonido clásico y llegando a niveles de majestuosidad con temas como “Seventh Son Of A Seventh Son”, “Infinite Dreams” o “Moonchild”, entre otros.

La banda decidió entonces centrar su gira, denominada “Seventh Tour Of A Seventh Tour”, en Estados Unidos, la cual se desarrolló con mucha efervescencia por parte de los fans, pero sin provocar mayores altercados. Pero lo que verdaderamente generó comentarios de toda índole fue la actitud de ciertos personeros estadounidenses, entre los cuales se incluía al conservador reverendo Jimmy Swagart, quienes enarbolaron la bandera de la censura contra esta banda británica, calificándola de satánica, e incluso utilizando una foto del mismísimo Steve Harris para la portada de un libro en el que hablaba de los “alcances demoníacos y degenerantes” del Heavy Metal, ante lo cual Steve demandó a Swagart por el uso sin autorización de su imagen, y además se determinó a arrasar en los Estados Unidos, con el fin de obtener el reconocimiento que sí tenían en Europa. Y no está de más señalar que en aquel entonces el señor Swagart, cuyo pasado no era muy católico, estuvo involucrado en escándalos con prostitutas, lo cual restaba toda validez a sus críticas acerca de ética y moral. La consecuencia no era su virtud más destacada, al parecer.

El punto más alto de la gira se logró en el recital de Donington, en lo que según muchos constituyó el mejor recital de la historia de Maiden y que contó con dioses del rock como Kiss, David Lee Roth, Guns N’ Roses y Helloween, entre otros. Y la banda decidió tomarse un reponedor descanso en 1989, tiempo que Bruce y Adrian aprovecharon en llevar a cabo proyectos solistas. Bruce grabó junto a otros rockeros ingleses una versión de “Smoke On The Water” de Deep Purple, donde conoció a su ídolo Ian Gillan, y se decidió a lanzar su primer álbum solista, denominado “Tattooed Millionaire”, que se enmarca en un estilo que no tiene mucho que ver con Maiden, más relajado y rocanrolero, en el cual trabajó con un guitarrista llamado Janick Robert Gers, nacido el 27 de Enero de 1957 en Hartlepool.

Lo de Adrian tuvo otros matices. Además de su intención de sacar a la luz su proyecto solista con su banda Adrian Smith & Project (A.S.A.P.), llamado “Silver And Gold” -proyecto en el cual además se hizo cargo de la vocalización-, era sabido que, debido a su introvertida personalidad, a Adrian le resultaba cada vez menos cómodo y satisfactorio el estar en una banda tan importante, y que requería tanto desgaste, como Iron Maiden. Y es así como, poco tiempo después de sacar a la venta su video “Maiden England”, y conjuntamente con la celebración de los diez años de la banda como la estrella de la compañía EMI, Steve Harris anunciaba la amistosa salida de Adrian Smith de Iron Maiden. Y sólo siete días después se anunciaba su reemplazante, que, para variar, estaba al alcance de la mano: el propioJanick Gers.

El trabajo, que vagamente había comenzado antes de la salida de Adrian, continuó como si no hubiese habido cambios. Y es así como el 1 de Octubre de 1990 Iron Maiden lanza su octavo trabajo en estudio, llamado “No Prayer For The Dying”, trabajo que, extrayendo el sonido de teclados y sintetizadores, intenta dar al sonido Maiden una connotación un poco más sencilla y directa, como se ve por ejemplo en temas como “Holy Smoke” (que tiene un video bastante divertido), “Tailgunner” o “Run Silent Run Deep”. Y si bien es cierto el álbum debutó con un nº 2 en los rankings ingleses, no consiguió la popularidad de los álbumes anteriores. Con un afán de hacer más sencilla y directa su puesta en escena, la banda, en su “No Prayer On The Road Tour”, sólo usaba un telón gigante en sus presentaciones en vivo, las cuales se vieron ciertamente limitadas en su número debido a la tensión internacional emanada del conflicto bélico entre Estados Unidos e Irak, en la llamada “Guerra del Golfo”. Y el toque de distinción lo hizo el gran despliegue escénico de Janick Gers, quien demostró que su carácter y su entusiasmo estaba lejos de ser similar a la pulcra timidez que Adrian Smith mostraba en escena.

Para el nuevo disco, se hizo una especie de concurso entre varios artistas para diseñar a Eddie. Y así fue como triunfó el modelo diseñado por Melvyn Grant, con un terrorífico Eddie saliendo de un árbol que, sin duda, se convirtió en una de los mejores cover arts de Maiden. El 11 de Mayo de 1992 salió a la venta la novena placa de Iron Maiden, llamada “Fear Of The Dark”, que a pesar de haberle dado a la banda su tercer nº 1 de la historia, es un disco un tanto irregular, que en todo caso llevó un par de gemas al olimpo del Metal, “Fear Of The Dark” y “Be Quick Or Be Dead”, además de otros temas muy interesantes como “Afraid To Shoot Strangers” o “Judas Be My Guide”.

La banda inició en Escandinavia su “Fear Of The Dark Tour”, para posteriormente, en Agosto, presentarse por segunda vez en Donington, donde grabaron un nuevo disco doble en vivo. Incluso la banda visitó Sudamérica, y estuvo algunas horas en Chile, donde tenía presupuestado tocar el día 23 de Julio en la Estación Mapocho, pero no pudo hacerlo debido a que grupos ultra católicos y moralistas, que tildaron a la banda de satánica -a oesar que la versión oficial hablaba de problemas con el recinto- terminaron por impedir la realización del recital de Iron Maiden en nuestro país, para desazón y furia de los fans y de los integrantes de la banda. A pesar de este impasse, la banda continuó su exitoso tour a lo largo del mundo. Pero algo no andaba bien.

LA PARTIDA DE BRUCE

Bruce Dickinson estaba cansado. Sentía que no podía desarrollar todo su potencial compositivo con Iron Maiden, y que su etapa en la banda estaba cumplida, por lo que, en términos más o menos amistosos, emigró de la banda. Steve Harris no manifestó su molestia de inmediato, sino que primero se encargó de recopilar el extenso material en vivo generado de sus múltiples presentaciones, y decidió que se lanzaran dos discos en vivo por separado, uno con material anterior a 1985, “A Real Dead One”, y uno con material posterior, “A Real Live One”. Bruce fue despedido en un impresionante recital, que se llamó “Raising Hell”, televisado a muchos países.

Después de pasada la efervescencia y la desazón por la partida de Bruce, Steve Harris señaló a la prensa su molestia no por la salida de Bruce, sino por lo que éste declaró a la prensa, en el sentido de que su molestia y desmoralización respecto a la banda venía desde mucho tiempo antes. Steve declaró entonces que si Bruce se sentía así, él mismo le habría dicho mucho antes que se fuera de la banda.

Y obviamente la búsqueda del reemplazante de Bruce sería una cuestión que no sólo llamaría la atención de la banda, sino que del público metalero en general. Así, se realizaron audiciones por todo el mundo, rumoreándose que el vocalista podría haber sido Michael Kiske, en ese entonces vocalista de Helloween, o Joey Belladona, ex-Anthrax, o incluso el mismísimo Paul Di’Anno. Pero nada de eso llegó a ser cierto, pues después de escuchar más de 5.000 cintas, la banda se decidió por un discreto y poco conocido vocalista de una banda conocida por Maiden llamada Wolfsbane. Su nombre era Bayley Cook, nacido el 29 de Mayo de 1963 en Birmingham, más conocido como Blaze Bayley.

LA ERA DE BLAZE

Con la llegada de Blaze, y de su nuevo productor, Nigel Green (quien compartiría funciones en ese ítem con Steve Harris), Iron Maiden comenzó a trabajar en lo que sería su décimo trabajo en estudio. Y así, el 2 de Octubre de 1995 (año en el cual Bruce Dickinson visitó por primera vez nuestro país, el día 9 de Marzo en el Teatro Monumental) sale a la venta “The X-Factor”, un disco bastante largo y con un sonido absolutamente distinto a cualquier otro trabajo de Iron Maiden, que raya en lo oscuro, intentando explotar al máximo el limitado campo vocal de Blaze. Con temas como “Man On The Edge”, “Lord Of The Flies” y sobre todo la magistral “Sign Of The Cross”, Maiden marcaba el comienzo de una era distinta, quizás más oscura, con menos revoluciones y, sobre todo, intentando sopesar el enorme fardo que les dejó la partida de Bruce pues, para la mayoría de los fans, era imposible imaginar a Maiden sin Dickinson.

Y así fue como Iron Maiden quiso mostrar su nueva conformación al mundo metalero. El tour, al cual llamaron “The X-Factour”, los llevó a lugares “exóticos” para estos efectos, como Israel o Sudáfrica y, ¡al fin!, a nuestro país, donde llevaron a cabo una presentación el Jueves 29 de Agosto de 1996. Con un Teatro Monumental lleno hasta las banderas, Iron Maiden llenó de emoción a los fans que los esperaron durante tanto tiempo, a pesar de la limitadísima voz de Bayley y de un par de incidentes (inolvidable el impresentable incidente con el batero de Héroes del Silencio, a quien a los 40 segundos de haber salido a escena le lanzaron nada menos que un palo, así como el «No more! I fuckin’ kill you!» de Blazey la cara de perro de Steve Harris tocando «The Trooper» ante los escupitajos recibidos), que no lograron empañar el éxtasis de aquella noche.

El nuevo Maiden decidió echar una mirada hacia atrás, para lanzar su primer álbum recopilatorio, que se llamaría “Best Of The Beast”, que incluiría un tema nuevo, “Virus”. Con el “pretexto” del nuevo disco, la banda prolongó la gira, mientras se preparaba el material para el nuevo trabajo, el segundo de la era Blaze.

Mientras tanto Bruce Dickinson, un poco aburrido de sus experimentaciones cercanas al rock alternativo (junto a su banda “Skunkworks”, con la cual realizó un disco llamado de la misma forma), lanza, con el tremendo apoyo de la guitarra de Adrian Smith, un tremendo disco, llamado “Accident Of Birth”, en el cual volvía a sus raíces metaleras y a mostrar que su voz estaba más vigente que nunca. Y con la gira de ese disco, Bruce nos visitó por segunda vez la noche del Viernes 21 de Noviembre de 1997 en el Velódromo del Estadio Nacional, junto a Ronnie James Dio, Jason Bonham y The Scorpions, en una presentación memorable para quienes tuvieron la fortuna de asistir, especialmente para los fanáticos de Iron Maiden, quienes deliraron con los tres temas de la doncella que Bruce, Adrian y compañía ejecutaron aquella noche.

La banda se preparó entonces para lanzar su undécimo álbum en estudio. Intentando abordar el tema de la computación y la consecuencial deshumanización por parte de la sociedad, mezclado con alusiones futboleras (incluyendo la polera oficial de fútbol de la banda y a varios futbolistas usándola, como Paul Gascoigne o el Tino Asprilla, entre otros), “Virtual XI” salió a la venta a fines del mes de Marzo de 1998. Con, según muchos, el peor cover art de la historia de Iron Maiden, y sólo ocho temas, este trabajo desilusionó a muchos fans y reactivó la ilusión de otros. Temas como la excelente “The Clansman”, “Futureal” y “When Two Worlds Collide” llamaron la atención de los fans, y muestran una buena vocalización por parte de Blaze.

Y mientras tanto, Bruce Dickinson junto a Adrian Smith estaban lejos de perder el tiempo, lanzando a la venta un tremendo disco llamado “The Chemical Wedding”, que llevó, tanto a muchos de los fans de Maiden como a la crítica especializada, a manifestar que el trabajo de Bruce como solista superaba con creces al de Iron Maiden con “Virtual XI”.

Y era el turno del tour mundial, que los llevaría a múltiples lugares del mundo, incluyendo una nueva presentación en Santiago el día 10 de Diciembre de 1998, junto a los dioses del Power y del Thrash Metal, Helloween y Slayer, respectivamente. Pero nuevamente las circunstancias jugaron una mala pasada, puesto que el gobierno inglés recomendó a sus artistas connacionales que no visitaran nuestro país, por temor a algún tipo de represalias de inadaptados y subnormales debido a la detención en Londres del General Pinochet. Y así, por segunda vez, los fanáticos mordimos el polvo de la derrota.

CINCO, MENOS UNO, MÁS DOS, SON MÁS QUE SEIS …

Pero después del trago amargo que vivimos al no poder, por segunda vez, ver a Maiden en Chile, el día Viernes 12 de Febrero de 1999 recibimos una sorprendente noticia: Bruce Dickinson regresaba a Iron Maiden, marcando la salida de Blaze Bayley casi por la puerta de atrás. Pero Bruce no volvía solo, lo hacía junto con Adrian Smith, configurando un inédito trío de guitarras sólo experimentadas por Lynyrd Skynyrd. Bruce aprovechó de hacer unos últimos recitales junto a su banda, para lanzar un excelente disco en vivo titulado “Scream For Me Brazil”, para luego incorporarse a Maiden.

Ante esta increíble noticia, el lanzamiento del videojuego “Ed Hunter” pasó a segundo plano. Lo que más resalta de este período es el mini tour que la “nueva” banda realizó, ejecutando temas elegidos por los fans, quienes deliraban e imaginaban la majestuosidad de la tríada de guitarras, y soñaban con un nuevo disco. Esto se convertirían en realidad a fines de Mayo del año 2000, con el lanzamiento de su duodécimo disco en estudio, llamado “Brave New World”, el que sería producido por Kevin Shirley. Con un artwork fantástico, que vuelve a la excelencia de las épocas pretéritas, y un sonido fresco, poderoso, conjuntamente con el inagotable caudal vocal de Dickinson, hacen de este trabajo uno de los mejores desde “Seventh Son Of A Seventh Son”. Con temas como “Dream Of Mirrors”, “Ghost Of The Navigator”, “The Fallen Angel” o “The Wicker Man”, Maiden muestra un sonido muy “de banda”, quizás por el hecho de haber grabado conjuntamente todos los instrumentos (y no por separado como se estila el día de hoy). Además, unos sutiles toques orquestados marcan a este trabajo como uno de los mejores de Iron Maiden.

Y llegaría la hora, al fin, para los fans chilenos, de ver a Maiden en su esplendor, sin problemas políticos, religiosos o de cualquier otra índole. La tarde-noche del Lunes 15 de Enero del 2001, iniciada por el magistral recital de Rob Halford, en ese entonces ex vocalista de Judas Priest, llevaría a los casi 25.000 fans de la doncella que se dieron cita en la pista atlética del Estadio Nacional a delirar, enloquecer y ser felices con la presencia de los 6 británicos que conquistaron nuestros oídos y, a muchos de nosotros, nos llevaron al camino del metal. Con una presentación no exenta de imperfecciones técnicas en el sonido, pero con emoción y adrenalina a raudales, Iron Maiden hizo historia aquella noche, saldando una deuda (que no se originó por culpa de ellos) que ya casi duraba 10 años, desde aquel ingrato episodio con ciertos personeros de la Iglesia Católica chilena.

Luego, Iron Maiden se tomó un pequeño descanso, Bruce planeó algunas presentaciones como solista (entre ellas en el Wacken Open Air de Alemania, junto a Blind Guardian, entre otros), la banda realizó algunos recitales a beneficio de su ex baterista Clive Burr, quien está afectado de una seria enfermedad llamada esclerosis múltiple. Además, se lanzó una edición especial del single «Run To The Hills», cuyas ganancias irían directamente a Clive y su fundación.

El 10 de junio de 2002 editarían «Rock In Rio», su primer DVD en formato doble, con la actuación que el grupo ofreció en el famoso Festival en Rio en el año 2001 ante 250.000 personas. También se editaría en algunos países en formato de doble VHS, doble CD y triple vinilo de edición limitada. El concierto fue filmado por Globo TV con 14 cámaras, incluyendo 2 grúas y un helicóptero, dirigido por Dean Karr, quien trabajó anteriormente con la banda cuando dirigió el clip para «The Wicker Man». El segundo DVD consiste en entrevistas con el grupo y material extra para los fans. El lanzamiento obtuvo un éxito inmediato, llegando al número uno en las listas de video en Reino Unido, al número 2 en las de DVD en Alemania y 4 en las de video.

El 4 de noviembre de 2002, Iron Maiden lanzó un box set llamado «Eddie’s Archive», que contiene dos discos dobles que recogen las primeras grabaciones en vivo de la banda, que van desde 1979 hasta que lideraron el Festival Donington en 1988, más otro disco doble bautizado como «The Best Of The B’ Sides», que recoge todos los temas que no entraron en los discos oficiales. La presentación del box-set es sencillamente notable: una caja con la cara de Eddie plateada, una especie de pergamino en donde se narra la historia completa de Iron Maiden,más un vaso de cristal con la cabeza de Eddie. Junto con lo anterior, la banda lanzaría su segundo disco de grandes éxitos, llamado «Edward The Great», que contiene 16 temas.

Con un afán comercial, Iron Maiden comenzó, a fines de Mayo del 2003, un tour denominado «Give Me Ed… Til I’m Dead», efectuando alrededor de cincuenta conciertos en Europa y Estados Unidos, donde además se estrenó un tema nuevo, «Wildest Dreams». En Junio, la banda lanzó su segundo DVD, llamado «Visions Of The Beast», que reúne todos los videos de la historia de la banda y que no tiene desperdicio.

LA DANZA DE LA MUERTE … Y NUEVAMENTE A CHILE

El 8 de Junio del 2003 saldría a la venta el décimotercer disco en estudio de la doncella, el segundo tras la vuelta de Bruce y Adrian. Este trabajo se llamaría «Dance Of Death», y si bien su carátula deja bastante que desear, es un disco sólido y con momentos brillantes. Con 11 temas y sesenta y ocho minutos de duración, «Dance Of Death» destaca por su tema homónimo, además de las potentes «Montségur» y «Rainmaker», entre otros, además de ser el primer disco que cuenta con Nicko McBrain como compositor de un tema, para la rockera «New Frontier».

Era más o menos obvio que Maiden nos visitaría el 2004, fijándose como fecha el Martes 13 de Enero, a las 21.00 horas, en la Pista Atlética del Estadio Nacional. En una jornada que marcó ciertas similitudes con su venida anterior (fecha, alineación, recinto y los «scream for me, Santiago!») y, por cierto, varias diferencias (telonero, disco, una performance acústica con «Journeyman» y un artero pisoteo en el piso a Blaze subiendo una octava en el coro de «Lord Of The Flies»). De todas maneras, una performance a la altura de la grandeza de Iron Maiden.

En Noviembre de 2004, la banda lanza un DVD doble: «The Early Days», que en su primer disco muestra grabaciones inéditas de los primeros años, es decir, la época que va desde antes de «Iron Maiden», hasta «Piece of Mind», y en el segundo disco, quizás lo más trascendente: la aparición de prácticamente todos los integrantes de la banda en el periodo que abarca 1975 a 1983, incluyendo a quienes no alcanzaron la parte «profesional» de la banda. Destacables los «uuuh!» que seguramente provocan las apariciones de personajes con pinta de cajeros de banco y que alguna vez tocaron con Steve Harris. Para promocionar este DVD, la banda efectuó durante algunos meses de 2005 una gira que abarcó principalmente Europa, en conciertos en los que sólo tocó temas de aquellos años. Y mientras tanto, Bruce Dickinson lanzó «Tyranny Of Souls», un excelente trabajo en solitario.

ENTER WWII !!! A MATTER OF LIFE AND DEATH IS COMING

En Septiembre del 2006 el mundo del heavy metal vio nacer un emotivo y prolijo trabajo sobre la Segunda Guerra Mundial, el álbum «A Matter of Life and Death», el que incluso podría ser considerado la obra de arte musical más relevante que se haya hecho jamás sobre el tema.

En las composiciones se destaca algo que no pasaba desde el tiempo del «Seventh Son», y es el trío compositivo Harris-Smith-Dickinson. Con una banda muy afiatada y compositivamente mejor que nunca, este álbum olvida un poco las guitarras paralelas y se adentra musicalmente en la potencia de Bruce, las guitarras más crudas y un bajo de Steve obsesivo y determinante; elementos que Nicko complementa brindando detalles increíbles en muchos temas.

Puntos altos del AMOLAD son «Different World», «These Colours Don’t Run», «The Longest Day» (debe estar entre los Top 10 históricos de la banda, temazo absoluto), la emotiva «For the Greater Good of God», la esotérica «Lord of Light» y la magnánima «The Legacy». Importante es mencionar que en la gira del «A Matter of Life and Death», se dieron el lujo de tocar el álbum completo, lo que fue gratamente recibido por los más leales fans de la banda, lamentablemente no pasaron por sudamérica, pero el destino nos tenía preparada una gran gran sorpresa a cambio de esta ausencia….

LA GRAN GIRA DE TODOS LOS TIEMPOS

Lo que se comentaba como gran rumor resultó ser cierto y más aún, ¡incompleto!, más que un «Early Days Recargado» u otra «gira de clásicos», expectación mundial causó Iron Maiden cuando en Septiembre del 2007 anunciaron el «Somewhere Back in Time World Tour», mega evento que traería de vuelta los grandes éxitos de los 80`s, pero con motivos escenográficos cercanos al Powerslave y Somewhere in Time.

Elementos muy importantes a destacar de la gira es que fue realmente mundial, visitando la banda Asia, Oceanía, Europa, Norte y Sudamérica y por primera vez América Central. Por otra parte, banda arrendó un avión especial para transportar a los músicos, staff, equipamiento y demases, siendo el mismo Bruce el piloto en al menos la mitad de los kilómetros recorridos. El avión denominado «Ed Force One» y decorado al estilo Iron Maiden, sin duda que fue la gran atracción de los aeropuertos que visitó.

La expectación extrema que provocó la gira hizo que en Brazil y México se acabaran las entradas en el mes de Diciembre (2007), en Chile se agotaron el 18 de enero 2008, casi 2 meses antes del show, lo que provocó reventas a precios inimaginables, exigencias a la Intendencia de Santiago para autorizar más personas en la Pista Atlética y otros que se quedaron afuera. Fue un concierto difícil de borrar de la memoria de cada uno de los cerca de 30 mil asistentes, con un setlist soñado y una banda que cada vez que viene demuestra su entrega ante un país que se rinde a sus pies.

Para recopilar algunos de los temas que fueron traídos al presente con la gira “Somewhere Back in Time World Tour” la banda realizó el 27 de junio del año pasado, el lanzamiento de un disco con el mismo nombre. Esta gran gira, que dio inicio en la India el 1 de febrero de 2008 se extendió hasta inicios de este año debido a su prominente éxito a lo largo de todo el mundo y, para alegría de las y los devotos seguidores en Chile, la Bestia regresa una vez más a Santiago, presentándose el domingo, 22 de marzo a las 19:00hrs, esta vez en el recinto con mayor capacidad que pudo encontrar la producción del show debido a los arreglos del Estadio Nacional: el Club Hípico de Santiago, con capacidad en este concierto para 50 mil espectadores. La banda aprovechó su regreso a Latinoamérica para presentarse en países donde nunca lo había hecho como Ecuador y Perú.

Hace una semana precisamente, Bruce Dickinson anunció a sus fans colombianos que al finalizar esta gira Iron Maiden se dedicará tiempo completo a la composición y producción de un nuevo material, planeado para el 2011. Así mismo, sólo un mes después de su visita a Santiago, publicarán un documental llamado “Flight 666” en el cual se podrán observar escenas de esta magnífica gira.

Con seguridad, el mundo del metal vivirá la última fase del tour de una manera tan especial que merece ser conmemorado en todas las páginas del género ya que a través de «Somewhere Back in Time World Tour», cual máquina del tiempo, Iron Maiden nos llevará atrás en las eras y edades, no solamente a lo mejor de los 80´s, sino también a Egipto (Powerslave), Macedonia y Persia (Alexander The Great), Mongolia (Gengis Khan), la Segunda Guerra Mundial (Aces High), la alta mar de los piratas (The Rime of The Ancient Mariner), la batalla de Balaclava (The Trooper), el mito de Ícaro y tantos, tantos otros lugares por medio de la magia de la música reforzada con la potencia del metal de esta banda británica que sin duda alguna nos ha dejado un rico legado de inolvidables experiencias y música incomparable. Sabemos que vendrán múltiples sorpresas a lo largo de la próxima jornada de la Bestia. Mientras tanto, disfrutemos esta gira que es un regalo de los Dioses…

Y para no cerrar con el típico «Up The Irons!», una mini trivia: ¿sabía usted que el citado «Up The Irons!», adoptado por Iron Maiden, es en realidad un grito de apoyo al West Ham United, apodados antiguamente «The Irons» en razón a su antiguo nombre, «Thames Ironworks F.C.»?

Para cualquier persona que inicia una banda, pensar en permanecer en escena durante un largo tiempo y tener, además, proyectos alternos de gran calidad parece al principio una utopía, pero para Tobias Sammet ha sido solo una realidad. Una realidad que ha visto con la mirada hacia el frente y sin volver atrás.

Tobias Sammet, al cual el apelativo de «maestro» le queda cada vez más pequeño, es dueño de una particular mente y una creatividad sin par; una especie de Rey Midas del Power Metal de finales de los ’90. Ha sido capaz de crear complejas e interesantes composiciones y excelentes letras, tanto en Avantasia, su proyecto «solista» de Metal Opera como en Edguy, la banda que ha liderado por más de diez años. Quizá el secreto del éxito de este talentoso músico –y de su banda- se esconde entre la sencillez, la cordura y el sentido del humor.

EL NACIMIENTO

Un adolescente, Tobias Sammet, (13 años), lleno de ideas, conoce en un colegio de Fulda en el centro de Alemania, a su amigo Jens Ludwig, quien se transformaría a la larga en su mayor colaborador, intentando plasmar en ensayos sus gustos musicales, que en ese tiempo no consistían en otra cosa que Iron Maiden o Helloween. Posteriormente, a este par de incipientes músicos se agrega Dirk Sauer, del mismo colegio, quien se incorporaría a este proyecto como guitarrista. Y si bien sufrieron para conseguir un baterista, al final lo encontraron en Dominik Storch. Como puede apreciarse, el joven Sammet cantaba, tocaba el bajo y además tocaba teclados, lo cual es una notable demostración de su versatilidad. Ya no deseaba ser periodista, sino un vocalista de heavy metal.

Ya funcionando como una banda propiamente tal, Edguy (nombre que inventaron gracias a Edgar Zimmerer, el profesor de matemática al que tachaban de estúpido) grabarían un par de demos, «Evil Minded» y «Children Of Steel» en 1994, y al año siguiente lanzan su primer trabajo más «formal», que se llamaría «Savage Poetry», que cautivaría la atención de la compañía disquera AFM Records, con la cual sellan un vínculo contractual que a la postre les traería buenos dividendos.

En 1997, con una mejor producción, lanzan «Kingdom Of Madness», el verdadero primer LP de Edguy, disco que si bien constituye lo más débil de la discografía de estos jóvenes germanos, demuestra una interesante comunión como banda, y excelentes temas, como «Wings Of A Dream» y la larguísima «The Kingdom».

LA GRAN REVELACIÓN

Poco después del lanzamiento de «Kingdom of Madness», Dominik Storch deja la banda, siendo reemplazado posteriormente por Felix Bohnke, quien había tocado en un par de bandas no muy serias, y que nada había escuchado de esta joven revelación.

Así, con Bohnke como baterista oficial de la banda (a pesar de que en realidad la batería es tocada por Frank Lindenthal), en 1998 lanzan «Vain Glory Opera», espectacular disco con el cual se hicieron mucho más conocidos a nivel mundial, incluyendo por supuesto a Sudamérica, que cuenta con la participación de consagrados personajes como Timo Tolkki de Stratovarius y Hansi Kürsch de Blind Guardian. En este disco, Edguy muestra un sonido impecable, limpio, bombástico, energético y absolutamente refrescante, con composiciones sencillamente espectaculares como lo son «Vain Glory Opera», «Until We Rise Again», «Fairytale», entre otras.

Pero si hay un trabajo que ha hecho grande a Edguy en la historia moderna del Power Metal, es su maravilloso «Theater Of Salvation», de 1999. Con la llegada a la banda de Tobias «Eggi» Exxel, el nuevo bajista, Tobias Sammet se concentra aun más en la composición, lo cual es notorio a lo largo del disco. Dotado de composiciones un tanto más complejas, pero sin perder esa fantástica frescura compositiva tan característica de Edguy, «Theater Of Salvation» es un trabajo que supera con creces las altas expectativas generadas en esta joven banda, que en ese momento deja absolutamente de ser una promesa, para convertirse en una notable realidad. Con fantásticos coros (con una implícita influencia de Queen), riffs pegajosos y canciones con estructuras clásicas remozadas, «Theater Of Salvation» es una fiel muestra del Power Metal de los ’90 en estado puro. Temas como «Wake Up The King», la increíble «The Unbeliever» y la majestuosa «Theater Of Salvation» son sólo muestras del fascinante e inagotable caudal creativo de Tobias Sammet.

EL RECICLAJE Y LA ÓPERA DEL METAL

Después del impresionante éxito a nivel mundial de «Theater Of Salvation», Edguy entra en un proceso de «descanso compositivo activo», pues intentan complacer uno de los más fervientes deseos de Tobias Sammet, re-lanzar su primer trabajo. Ello debido a que en el tour de “Theater Of Salvation” que hicieron junto a Gamma Ray y HammerFall los fans les preguntaban casi todas las tardes sobre su primer álbum, entonces, decidieron volver a grabarlo con el equipo y nivel adecuado. Es así como en el año 2000 Edguy lanza «The Savage Poetry», un muy buen trabajo, en el cual se nota la madurez compositiva que siempre ha tenido Edguy, principalmente en temas como «Sacred Hell», «Eyes Of The Tyrant» y «Frozen Candle».

Pero aquél año Sammet además planeaba otra cosa. Al grabar «Vain Glory Opera», Tobias se vio sorprendido sobremanera al ver a Hansi Kürsch, al apreciar su forma tan particular de cantar y componer, por lo que se sintió incentivado a crear un proyecto solista. Y un buen día se sentó a escribir una historia, protagonizada por un novicio Domínico en la localidad de Mainz, en Alemania, llamado Gabriel Laymann, quien descubre que su hermanastra, Anna, ha sido encerrada en una torre por estar poseída. Buscando una explicación, encuentra un libro prohibido, en el que descubre ciertos secretos. En resumen, en esta historia se mezclan conceptos fantásticos y verídicos, así como ideas profundamente religiosas y filosóficas. Así nació lo que a la postre se convertiría en el “DISCO DEL AÑO” para los visitantes de PowerMetal.cl , «Tobias Sammet’s Avantasia – The Metal Opera», que a comienzos del reciente año 2001 vino a consagrar para siempre al distinguido Tobias Sammet, quien fue magistralmente secundado por personajes de la talla de Henjo Richter y Kai Hansen (Gamma Ray), André Matos, Oliver Hartmann (At Vance), Timo Tolkki (Stratovarius), Markus Grosskopf (Helloween), Alex Holzwarth (Rhapsody), David De Feis (Virgin Steele) y el ex Helloween, Michael Kiske, entre otros.

LA MAGIA DEL PRESENTE

A finales de 1999, también comenzaron a escribir las canciones del próximo disco y durante seis meses estuvieron probando las ideas en el estudio y haciendo arreglos. Los siguientes tres meses los dedicaron a la grabación. Fue así como en septiembre del 2001 dieron a conocer su quinto trabajo de estudio, «Mandrake», citando al mítico mago así llamado. Esta placa está dotada de una notable producción y distribución (superando en ventas incluso a muchos artistas pop), y de una gran calidad compositiva. Si bien no alcanza la majestuosidad de «Theater Of Salvation», «Mandrake» es un excelente trabajo, cuyos puntos más altos son la emocionante, «Tears Of A Mandrake», la muy power «Save Us Now» y la callejera «Nailed To The Wheel» que, contrario a las demás, primero escribieron la letra y seguidamente pensaron en componer la música con un tono bastante agresivo.

Lamentablemente, días antes del lanzamiento de “Mandrake”, fueron hurtados desde las mismísimas bodegas de AFM Records cientos de copias auténticas, lo cual facilitó el que las canciones estuviesen en internet antes del lanzamiento. Pero afortunadamente, la venta de copias originales del disco tuvo buen rumbo, además de que la banda realizó una especie de tour promocional por Europa, con el fin de firmar autógrafos y promocionar la comercialización legal del disco. Una de las formas clásicas de demostrar que una banda europea es consagrada, es visitar Sudamérica. En efecto, el viernes 8 de Febrero del 2002 se confirmó la visita de Edguy en Chile en el Teatro Providencia.

Tras la publicación del álbum en vivo “Burning Down the Opera” en agosto de 2003, grabado en Europa durante la gira mundial de “Mandrake”, los alemanes dejan el sello AFM Records y firman contrato con la gigantesca casa disquera Nuclear Blast Records. Un año más tarde sale a luz “Hellfire Club” con un sonido más heavy metalero y acompañados de la orquesta alemana Babelsberg, que anteriormente había hecho trabajos para los legendarios Scorpions.

“Hellfire Club” tiene varias cosas curiosas, el primer sencillo, “King of Fools”, era en realidad un EP que se vendió a precio de sencillo porque Edguy tenía mucho material para entregar, por otro lado, es uno de los álbumes con más sentido del humor de esta banda. Además, el título alude a un lugar secreto de Inglaterra en el siglo XVIII. El lugar era de una sociedad secreta de hombres jóvenes que pretendían ser de la alta sociedad y decían estudiar filosofía en sus reuniones pero, en realidad, solo se dedicaban a estar de fiesta, tomar y hacer orgías. El nombre del club sonaba rudo y se ajustaba perfectamente para reflejar la manera como sonaba este disco.

Uno de los cortes más destacados del mismo es el propio “King of Fools”, relacionado con la industria actual de entretenimiento y su forma de crear artistas artificiales. Probablemente el tema central del disco sea “fuck you” en el sentido de defender la identidad metalera que, por razones obvias, no está inmersa en las modas que impone la televisión (we don´t wanna be like you). Otras canciones sobresalientes del “Hellfire Club” son: “Lavatory Love Machina”, , «The Piper Never Dies», «We Don’t Need A Hero» y «Mysteria».

El Hellfire dio paso a una gira en la que se dieron más de 80 shows, incluyendo los festivales “Rock am Ring” y “Rock im Park”. En el 2005 se presentaron por tercera vez en Estados Unidos en el marco de la gira “Worldwide Hellfire Tour”, así también, lanzaron un EP / DVD titulado “Superheroes” que contaba con el ahora polémico Michael Kiske como invitado especial.

El estreno del 2006 fue “Rocket Ride”, el cual marcó el inicio de una nueva forma de producción para Edguy, pues fue la primera vez que contrataron a un productor externo: el reconocido Sascha Paeth, quien les dio valiosas contribuciones y diferentes puntos de vista que dieron como resultado un excelente trabajo y, como era de esperarse, rápidamente la agenda estaba dotada de fechas para Europa, Japón, Taiwán, China, Tailandia, Corea, Estados Unidos y la infaltable Sudamérica. Esta tercera gira fue prevista como la más grande de la banda hasta ese momento, refiriéndose con ello a la asistencia masiva y a los elementos que tendrían los shows. Edguy fueron invitados especiales en la gira por Alemania de Aerosmith y en un concierto de Scorpions en Bratislava, Slovakia. En octubre continuaron incansablemente con un nuevo viaje de cuatro semanas por Norteamérica, y ese mismo año la banda vuelve a Chile para presentarse en el Estadio Victor Jara en un show que demostró lo que la banda había crecido desde su primera vez en nuestro país.

Sin duda, “Rocket Ride” es un disco con ligeramente menos intensidad que el anterior y que, por momentos, se acerca más a la línea del viejo “Vain Glory Opera” pero, definitivamente, con características únicas y sonidos nuevos que no pierden el toque de Edguy. Si se tuviera que usar solo una palabra para describir este álbum sería “diversidad”. Entre los temas que tuvieron mayor impacto se encuentran: “Sacrifice”, “Rocket Ride”, “Superheroes”, “Wasted Time” y “Trinidad”, por mencionar algunas. No se puede dejar de mencionar que con el paso de los años la voz de Sammet ha madurado considerablemente hasta el punto de ofrecer la intención correcta en el instante correcto.

La más reciente entrega es “Tinnitus Sanctus” (2008) que demuestra una vez más el sentido de evolución tan peculiar de Edguy: no repetirse a sí mismos para no acabar aburriéndose. Con seguridad, lo han logrado a través del desarrollo de un estilo propio pero que no se limita a probar cosas nuevas. A diferencia de “Rocket Ride”, éste no es tan variado porque busca centrarse en un material más específico y para ello se han orientado en los instrumentos básicos (guitarra, batería, bajo) dejando un poco de lado a los teclados para no recargarlo.

Con respecto al título del álbum, “tinnitus” es un fenómeno auditivo que consiste en oír, de forma leve, silbidos que no provienen de ninguna fuente externa; la segunda palabra es santo, del latín “sanctus”. Por tanto, la idea es escuchar tantas veces el disco hasta que se quede como un sonido constante en los oídos. De ahí que en la portada aparezca un santo al que le sangran los oídos. Con esta novedosa placa, los indicios de que Edguy se está alejando de sus raíces power metaleras son cada vez más evidentes. Pero aunque las canciones de “Tinnitus Sanctus” ya no son tan épicas, conservan el poder y la energía de siempre. Además, poseen poderosos riffs y melodías sumamente pegajosas como en “The Pride Of Creation”, «Sex Fire Religion” y “Speedhoven”.

Si bien es cierto que Edguy se encuentra ahora entre la frontera del power metal y el hard rock, es una situación que no le resta nada a esta gran banda que ha tenido una trayectoria muy limpia y ha sabido mantenerse a lo largo de los años, teniendo en cuenta que incursionaron en una época en la que el grunge era el género que más acaparaba la atención. No se sabe a ciencia cierta hacía donde se dirige la admirable creatividad de Tobías Sammet, lo cierto es que nunca ha tenido miedo de dejar el pasado atrás, para él, como diría el nobel José Saramago, del momento solo sirve lo que acontece. Este quinteto, que por mucho tiempo mantuvo en alto la bandera del power metal alemán regresa al suelo chileno en el marco de la gira “Tinnitus Sactus World Tour”. Los nacionales Aghonya, SteelRage y Delta son los encargados de abrir este show que tendrá lugar el domingo 22 de febrero en Blondie, a las 18:00hrs.

En tiempos actuales, donde el público exige más que escuchar discos, el registro en DVD se hace indispensable para darse a conocer como banda en vivo. Siguiendo esta tónica, la banda Delta sacó a fines del año pasado su primer registro de este tipo titulado Live At The Begining, una presentación realizada en la Sala SCD Vespucio junto a los disueltos Human Factor en Diciembre del 2007.

Difícil es sonar mal en este recinto tan íntimo para presentarse en vivo. El sonido de aquel día se plasma en el disco de muy buena manera, si cabe alguna duda de cómo puede sonar una banda nacional (inquietud de algunos a los que se les invita a comprobarlo en vivo), éste desmiente categóricamente aquella teoría. Éste debe ser el punto más alto del DVD ya que en imágenes deja un poco que desear. Lo mismo con el menú que tenía para haber aprovechado la buena ilustración de la carátula del disco, que no van de la mano en cuanto a gráfica.

Todo parte con una intro que presenta a cada uno de los integrantes de la banda. Más de 1 minuto se hace largo para algo que podría haber sido más preciso sobre todo si se hace en cámara lenta. Two Bullets es el comienzo del concierto y de partida mostrando lo que será el DVD en su totalidad: excelente sonido, muy buena calidad de imagen, pero no así las cámaras. Excepto el plano fijo al baterista Andrés Rojas, las otras cámaras parecen estar improvisando planos más que teniendo un objetivo determinado en cada toma con movimientos que tienden a ser más de acomodamiento de cada camarógrafo que con intenciones claras a mostrar. Con una grabación así, difícil también poder hacer una buena edición, la que tiene ritmos concretos acordes a las canciones, pero que al momento de presentarse un protagonista en momentos determinados de cada tema se llega un poco tarde a mostrarlo. Se puede ver esto cuando se comienza un solo y al rato después tenemos recién la toma de quien lo está haciendo, como por ejemplo en el solo de Nicolás Quinteros la cámara demora en encuadrar la mano con la que lo está haciendo, algo que presenta la inquietud en querer ver realmente lo que está pasando.

El concierto tiene momentos musicales notables con canciones como Apollyon Is Free o Who I Am y «el hit inmortal» Burning Soul entre otros, temas que al igual que todo el setlist tienen sólo alagos para el vocalista Felipe del Valle. Otro buen momento es un interesante adelanto del disco solista de Nicolás Quinteros con la canción Passion (junto al guitarrista Álvaro Zambrano de Dama Juana). Una hora de conciero con temas bien elegidos e interpretaciónes que van cada día en alza por parte de cada integrante de la banda.

Como menú extra, el DVD ofrece una entrevista al guitarrista de la banda Benjamín Lechuga donde comenta las bondades de las distintas guitarras que utiliza y hace demostraciones de cada una con canciones de Delta. Un buen gancho de su sponsor que puede servir de guía para quienes tengan las inquietudes de su sonido.

El siguiente material extra se titula Viaje al sur de Chile. Éste es un registro personal de la banda que muestra el viaje hecho en el verano del 2008 par auna serie de conciertos al sur de nuestro país. La grabación cuenta con una accidentada prueba de sonido que termina con un corte de luz que incluso hace suspender el show. Carrete, competencias de tragos al seco, promoción del show por parte de Santiago Kegevic en la playa e imágenes del show en Pucón. Todo comienza con el descanso en una bomba de bencina esperando a continuar el viaje y obstáculos como cruzarse con carabineros en el camino o quedarse sin bencina para volver a la capital. Este es el contenido de un video que se sustenta por imágenes que suelen tener mayor duración de la que debería, terminando en redundancia y podría haber sido algo más entretenido por las historias que tiene con una edición de cortes más rápidos.

Live At The Begining termina siendo una buena carta de presentación para mostrar el sonido de Delta en vivo. No será el último DVD de la banda, donde esperamos que las próximas imágenes grabadas puedan estar a la altura de la cada día más prolija parte musical.

CONCIERTO

01 – Intro
02 – Two Bullets
03 – Man Behind The Masquerade
04 – Apollyon Is Free
05 – Who I Am
06 – Andrés Rojas Drum Solo
07 – I Can’t
08 – Passion
09 – Song For The Opressed
10 – Black & Cold
11 – Benjamín Lechuga Guitar Solo
12 – Let’s Reach The Sky
13 – Burning Soul
14 – On A Thread

EXTRAS

01 – Entrevista a Benjamín Lechug
02 – Viaje al Sur de Chile
03 – Créditos

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Dos guitarras en armonía, batería rápida, voz aguda (ojalá con segundas voces también armónicas) y un bajo que no se limita sólo a marcar. ¡Cuántas bandas utilizan hoy en día este «modelo de negocio»! Pero a pesar de que hay muchas bandas anteriores cronológicamente, que adoptaron la estructura de las dos guitarras, si hay una banda que fundamenta la existencia de este webzine, esa banda es Helloween. Y por ello, es menester que, en nuestra vuelta al ruedo, revisemos su historia.

Todo parte en Alemania (particularmente la ciudad de Hamburgo) a finales de los años ’70 (específicamente en 1978), donde un par de quinceañeros formaron una banda llamada Gentry, que contaría con amigos como músicos invitados. Uno de esos colegiales era Piet Sielck, actualmente líder de Iron Savior (vocalista y guitarrista) e ingeniero de sonido de bandas como Grave Digger o Blind Guardian, entre otras. Y el otro «pingüino» es quizás uno de los más grandes motivo del nacimiento de la música que profesamos: un joven de cabello claro y ojos café, nacido el 17 de Enero de 1963, en Hamburgo, llamado Kai Michael Hansen. Este jovencillo comenzó a interesarse por la música aproximadamente a los diez años de edad, cuando intentaba tocar batería con unas cajas vacías. Como la idea de tener un constante sonido de cajas en la casa obviamente no agradaba en demasía a los padres de Kai, a los doce años, sin quererlo, la familia Hansen iniciaba los «cursos causales» para el nacimiento del Power Metal: Kaicito recibía una guitarra clásica de regalo, tras lo cual comenzó a tomar lecciones para aprender a ejecutar el instrumento, y un par de años más tarde formaría su primera banda, llamada Katherine Wheel, para lo cual adquirió su primera guitarra eléctrica: una sencilla Ibanez Les Paul blanca. Después de tocar aproximadamente un año con Katherine Wheel, llega 1978, año al que hacíamos referencia, produciéndose el segundo hecho fundamental para el nacimiento del Power Metal: Kai Hansen conoce a Piet Sielck, actual líder de Iron Savior.

helloween - 1983-1987Piet y Kai eran fans de bandas como Uriah Heep, Sex Pistols, Slade, Black Sabbath, UFO, AC/DC y Deep Purple, entre otras. El repertorio de Gentry, por lo tanto, se basaba en covers de las bandas mencionadas, además de un par temas propios. Kai compatibilizaba su emergente labor como músico con la de repartidor de diarios, con lo cual ganó algo de dinero, lo suficiente como para evolucionar desde su Ibanez Les Paul a una Fender Stratocaster, y para comprarse un amplificador Marshall. Y al parecer (como se vería a la larga) estos bisoños rockeros deseaban trascender en algo más que una banda de covers, por lo que intentaron profesionalizarse y prescindieron de los servicios de su primer baterista, llegando a estar alrededor de seis meses sin quien dominara las baquetas. Tras ello apareció un jovencito inexperto que quería tocar con ellos, y que en realidad no poseía demasiados conocimientos técnicos, pero su entusiasmo y su facilidad para aprender le permitirían llegar a formar parte de Gentry: tal muchacho era nada menos que Ingo Schwichtenberg, nacido el 18 de Mayo de 1965, quien a la larga terminaría sus días, como veremos, en forma más que trágica, antes de cumplir los treinta años. Y como a Piet y a Kai les resultaba algo incómodo intercambiarse el bajo y la guitarra tocata por medio, decidieron buscar un bajista, enrolando a un «chico» de aproximadamente 196 centímetros de altura y con cabello rizado: Markus Grosskopf, nacido el 21 de Septiembre de 1965 en Hamburgo. Así se compone, por tanto, la primera formación «oficial» de Gentry. A fines de 1978, la banda incluso llega a ganar un premio en un festival.

GENTRY CAMBIA DE NOMBRE

Dos años más tarde la banda se percata que su nombre no era demasiado «ganchero», decidiendo cambiarlo por el de Second Hell (nombre bajo el cual escribieron «Murderer» y algunas partes de lo que posteriormente se transformaría en «Heading For Tomorrow») y posteriormente por el de lron Fist, ya en 1982, con el que gestaron temas como «Metal Invaders», «Gorgar», «Metal Invaders», «Victim Of Fate» y «Priest Of Satan» (que a la postre se transformaría en «Save Us»).

A fines del mismo año se produce el primer gran «quiebre»: Piet decide dejar la banda en busca de otros horizontes y Kai se va a hacer el servicio militar, después de aprobar sus exámenes en el Goethe Gymnasium de Hamburgo. Y es, curiosamente, en una noche de franco, en medio de una fiesta, donde Kai Hansen conoce a la que, por muchos años, sería su «media naranja musical», un joven guitarrista que tocaba en una banda de medio tiempo llamada Powerfool: Michael Ingo Joachim Weikath, nacido el 7 de Agosto de 1962 en Hamburgo. Weiki intenta persuadir a Kai para unirse a Powerfool, pero la persuasión de Kai fue más fuerte y finalmente Weikath termina uniéndose a Markus y a Ingo. Después de un corto tiempo, Iron Fist pasaría a llamarse Helloween, con Kai en las voces y guitarras.

helloween_jericho_eraEn 1984, el cuarteto lleva a la compañía Noise Records un demo, que contenía los temas «Metal Invaders» (de Kai) y «Oernst Of Life» (de Weikath, que hace poco fue re-lanzado en un compilado llamado «12 Years In Noise»), que a la larga aparecerían en un compilado llamado «Death Metal» (junto a Hellhammer, Dark Avenger y nada menos que Running Wild).

La banda logra fichar con la prestigiosa compañía y al año siguiente se encontraba ya lanzando su primer trabajo oficial: un EP con cinco fantásticos temas («Starlight» -con su notable comienzo, que hace imaginar a un rockero despertando con una tremenda «caña», y para pasarla, nada mejor que abrir una buena cerveza…-, «Murderer», «Warrior», «Victim Of Fate» y «Cry For Freedom») titulado simplemente «Helloween«.

El año siguiente sería importantísimo: la banda lanzaría su primer LP. Con una introducción que ha pasado a convertirse en una especie de «grito de guerra» (aunque no es grito ni es de guerra) de la banda («el puente se va a caer, a caer, a caer» transformado en «happy happy Helloween, o-o-ooh«), comienza una de las piedras angulares de nuestra música, nada menos que «Walls Of Jericho«, disco indispensable en la colección de un metalero que se precie de tal.

A pesar de que en aquellos entonces Kai Hansen poseía una voz que dejaba bastante que desear, el disco cuenta con joyas del más alto nivel como, por nombrar algunas, la intensa «Ride The Sky«, el himno «Heavy Metal (Is the Law)» o la emotiva «How Many Tears«. Helloween inventaba un estilo: agregaba melodía al speed metal (casi cercano al thrash por momentos), creando los cimientos de algo que en aquellos tiempos intentó definirse como un «powerful speed melodic heavy metal», lo que comenzó a ser reconocido por los medios especializados europeos como Power Metal, un par de años antes de que en Estados Unidos el grupo Pantera lanzase un disco titulado homónimamente. Pero más allá de esta discusión doctrinaria, la importancia histórico-musical que tiene este disco eventualmente sólo puede ser superada, a ese respecto, por los dos posteriores.

kiske1Continuando con la historia, unos meses después, tras el lanzamiento del segundo EP de la banda, «Judas«, comienza a producirse una situación muy particular. Kai Hansen comenzaba a sufrir el stress de cantar y tocar guitarra (¡y en una banda como Helloween! No es tan sencillo como hacer dos acordes en una banda punk). Ante ello, Kai propone a la banda comenzar la búsqueda de un vocalista que se ajustase a los propósitos de la misma, y los ojos se pusieron en un «pendejo» de dieciocho años poseedor de un registro vocal que hasta el día de hoy lo convierte en uno de los más grandes vocalistas de la historia del Metal en general, que cantaba en una banda rockera llamada Ill Prophecy, junto a sus amigos Karsten Nagel (batería), Uli Schulz (guitarra), Reiko Ebel (guitarra) y Patrick Hampe (bajo): Michael Kiske, nacido el 24 de Enero de 1968, en Hamburgo.

En un principio, Kiske desecha la oferta de Kai Hansen de unirse a Helloween, por considerar que el estilo de la banda era demasiado rápido y que le costaría adaptar su voz, por lo que la banda apuntaría a contratar a otro vocalista -que cantaba en Tyran’ Pace-, Ralf Scheepers. Ralf desecha la oferta (a pesar de que acompañó a la banda en un show), por lo que volvieron a la carga por Kiske, consiguiendo ficharlo a principios de 1987 tras la insistencia de Michael Weikath.

En estos tiempos, Kai Hansen estudiaba Derecho en Hamburgo, pero comenzó a percatarse que su proyecto musical estaba yendo demasiado viento en popa, razón por la cual comenzó a no dar pruebas ni mucho menos asistir a clases, por lo que decidió sumergirse completamente en las templadas aguas del Metal, dejando los estudios del positivismo jurídico de Hans Kelsen y los textos legales absolutamente de lado. Comenzaría lo que a la larga sería, para muchos, la etapa más gloriosa de Helloween.

LOS GUARDIANES DE LA SIETE LLAVES

La banda pretendía, ya en 1987, lanzar con su nuevo vocalista un disco doble. pero Noise Records se negó, por lo que a la larga la banda lanzaría, en dos años consecutivos, dos de los más grandes trabajos de Heavy Metal de la historia. En 1987 Helloween lanza «Keeper Of The Seven Keys, Part I», disco que con apenas cuarenta minutos de duración ha pasado a constituir una piedra angular en el desarrollo del Heavy Metal. Si bien en «Walls Of Jericho» la banda había tenido un fenomenal debut, «Keeper I» marca el verdadero nacimiento del Power Metal, con la mezcla de elementos como las armonías de las guitarras de Judas Priest y Maiden, voces extremadamente melódicas, baterías con dobles bombos desenfrenados, mucha garra y hasta elementos de música clásica.

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Resulta inoficioso y hasta un poco hereje destacar temas de este trabajo, pero a grandes rasgos, cortes como las energéticas y poderosas «I’m Alive«, «Twilight Of The Gods«, la casi irónica felicidad extrema de un clásico de clásicos como «Future World» y la impresionante maestría épica de «Halloween» (con uno de los mejores -sino el mejor- dueto de guitarras de la historia), todos temas de autoría de Kai Hansen, pueden considerarse como lo más destacado dentro de un disco genial. El disco vendería 150.000 copias… ¡sólo en Inglaterra! Es decir, estamos ante un disco de proporciones históricas, que impulsaría a Helloween a la elite del Metal mundial, hecho que se vio recalcado con la aclamación de la crítica y de los mismos fans, puesto que además de tocar en muchos lugares de Europa, fueron invitados a Estados Unidos al MTV’s Headbanger’s Ball Tour, abriendo un show en el que además tocaron Armored Saint y Grim Reaper.

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Pero no contentos con esto, luego de la exitosa gira de «Keeper I», las calabazas lanzarían uno de los más grandes discos de la historia del metal. La segunda parte de la saga, «Keeper Of The Seven Keys, Part II» es sin duda el trabajo que terminó de catapultar al quinteto germano al olimpo. Se ha sindicado a este trabajo como el que terminó de crear el estilo conocido como Power Metal, al que ya hemos hecho referencia en reiteradas oportunidades en esta historia. Nuevamente caemos en la herejía de mencionar algunos temas (sabemos que es extremadamente injusto con los temas no nombrados, todos de una calidad excepcional): la indescriptible «Eagle Fly Free» (el más grande himno Power Metal de la historia), las gancherísimas «Dr. Stein«, «I Want Out» y «Rise And Fall» (las letras son un prototipo del humor alemán) y «Halloween II», «Keeper Of The Seven Keys«, que cierra de manera perfecta un disco insuperable, que ha traspasado generaciones. Gracias a este trabajo, la banda consigue no sólo ratificar sino que incrementar de forma notoria el éxito alcanzado con «Keeper I», siendo incluso invitados a tocar en el mítico Festival de Donington, Gran Bretaña, junto a bandas como Iron Maiden, Megadeth, Skid Row y Kiss, entre otras.

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Durante el tour «Pumpkins Fly Free» (que los lleva a Estados Unidos, Europa y Japón), la banda graba en Escocia uno de los más notables álbumes en vivo de la historia (es cierto, hemos repetido muchas veces la palabra «historia», pero el caso sin dudas lo amerita), el cual sería editado en 1989 con tres nombres distintos: «Live In The U.K.» en Europa, «Keepers Live» en Japón y «I Want Out Live» en Estados Unidos (este último viene con sólo seis temas, no se incluye «Rise And Fall»). Pero antes de la salida de este disco en vivo, la banda sufría un severo cambio.

BYE BYE KAI

Como señalamos anteriormente, tras el Keeper II, comenzaron a notarse ciertos quiebres al interior de Helloween. Kai Hansen sólo compuso tres temas de este maravilloso trabajo («Save Us» -que, recordemos, viene de los tiempos de Iron Fist-, «March Of Time» y «I Want Out», tema muy emblemático del momento que vivía Hansen), en comparación a que «Keeper I» fue prácticamente compuesto por él en su totalidad. Si bien los tres temas son increíbles, es más bien «poco» para lo que Kai nos estaba acostumbrando.

Ello era un revelador síntoma de las tensiones que comenzaron a vivirse en la banda, tanto por factores netamente relativos a relaciones interpersonales (lo que ha sido una constante en la historia de Helloween, quizás Hansen haya intuído eso), como por problemas con el management de la banda. Ello traería como consecuencia un creciente stress de Hansen, el que desembocaría en una «fatiga por las largas giras». El último show de Kai en Helloween sería en Birmingham, Inglaterra, el 8 de Noviembre de 1988.

A principios de 1989, Kai Michael Hansen anuncia su desvinculación de Helloween, en el momento más glorioso de la banda, lo cual causó una tremenda conmoción en el medio. Según Hansen, venía analizando la posibilidad de dejar la banda desde Julio de 1998 y que no lo había hecho, en gran parte, por pedido de sus compañeros, pero que debido al desgaste que todo lo anterior le estaba provocando, consideró que era el momento exacto para abandonar la bandaEn aquellos tiempos se señaló que la separación se había producido en términos amistosos, tanto así que el mismo Hansen ayudó a buscar a su reemplazante, el que resultaría ser el mecánico de autos y guitarrista de Rampage hasta 1982 Roland Grapow, nacido el 30 de Agosto de 1959, en Hamburgo. Viejo amigo de la banda, se enteró de la vacante en un aviso de una revista.

Algunos meses después de la partida de Kai, quien formaría Gamma Ray junto a Ralf Scheepers, se lanza el disco en vivo al que hacíamos referencia, conocido mayoritariamente en Sudamérica como «Live In The U.K.«, una brillante performance en vivo, cuyos siete temas dejan con un enorme gusto a poco debido a su enorme calidad.

BURBUJAS ROSADAS Y CAMALEONES

Más allá de la partida de Kai Hansen, la banda sufría conflictos de otro tipo. Un serio inconveniente con Noise Records tuvo a la banda prácticamente inactiva hasta principios de 1991, lanzando sólo material compilatorio como «Pumpkin Tracks» o «The Best, The Rest, The Rare» (material en el cual, sin embargo, aparecen algunos temas inéditos y un par de versiones antiguas cantadas por Kiske), con lo cual los rumores de separación se acrecentaron. Pero en el citado año 1991 la banda finalmente firma con EMI Records, y lanza su cuarto disco en estudio. «Pink Bubbles Go Ape«, el muy esperado disco post-keepers, no tuvo la repercusión esperada ni por los fans ni por la crítica especializada, pues el estilo de Helloween se encausaba hacia un camino algo menos metalero, y bastante más hard rockero y lúdico en cuanto a las letras. De todas maneras, «Pink Bubbles Go Ape», a pesar de ser un trabajo considerado mayoritariamente como irregular, posee una buena cantidad de temas a la altura de una banda como Helloween, como «Someone’s Crying«, «Mankind» o «The Chance«.

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Las tensiones al interior de Helloween fueron creciendo con los malos resultados de ventas de «Pink Bubbles». Además, Ingo Schwichtenberg comenzó a empeorar en su estado de salud, sufriendo un paulatino agravamiento de su hereditaria esquizofrenia debido al consumo de cocaína y otras drogas. Y además, las diferencias musicales entre las dos opiniones más fuertes en la banda, la de Kiske y la de Weikath, comenzaron a pesar, y mucho. En este contexto, Helloween lanza en 1993 «Chameleon«, su quinto disco en estudio, un trabajo totalmente diferente a lo que habíamos escuchado anteriormente de los germanos, alejándose a pasos agigantados del metal más puro y experimentando con sonidos más cercanos, por momentos, al pop, incluyendo temas como «First Time«, «Step Out Of Hell«, «Giants«, quizás las más rockeras, y -tratando de no ser peyorativos, pues no son temas derechamente malos- baladas de parroquia como «I Don’t Wanna Cry No More» o «Longing«, entre otros.

SE ACABA EL EXPERIMENTO, VUELVE EL METAL

Luego de «Chamaleon«, las diferencias musicales con Weikath llevaron a Michael Kiske a abandonar la banda, generando una «viudez» en algunos fans que incluso llega hasta el día de hoy. Viudez en cierto modo comprensible, pues sin duda se trata de una de las mejores voces de todos los tiempos, que posteriormente se dedicaría a proyectos solistas cada vez más alejados del metal, como SupaRed o Place Vendome, teniendo pequeñas incursiones metaleras, destacando lo realizado como Lugaid Vandroiy en Avantasia. Además, la salud de Ingo Schwichtenberg empeoraba, llegando al punto de sufrir una incontrolable crisis de llanto tras un recital en Japón, siendo reemplazado en el final de la gira por un batero llamado Riad «Richie» Abdel Nabi. Tras esto, se decide que Ingo abandonase la banda para tratar su enfermedad médicamente y desintoxicarse.

andi_deris1Tras la partida de Ingo y Michael Kiske, la banda encontró rápidamente sus reemplazantes. Andreas «Andi» Deris, nacido el 18 de Agosto de 1964 en Karlsruhe, Alemania, ex vocalista de Pink Cream 69, tendría la titánica -hasta el día de hoy- labor de reemplazar en las voces de Helloween a Michael Kiske. A los 15 años Andi se desempeñó en su primera banda, llamada «Paranoid», que un par de años después modificó su nombre a «Nameless». Junto a su amigo baterista Ralph Maison, formó un par de años después una banda llamada «Kymera», la cual fue abandonada poco tiempo después por Maison, siendo éste reemplazado por Kosta Zafiriou, con quien en 1987 se une a Pink Cream 69, banda con la que ganó en 1998 el premio «Metal Hammer newcomer» in Ludwigsburg, Alemania, y llegó a grabar tres discos: «Pink Cream 69», «One Size Fits All» y el excelente «Games People Play» en 1993.

La vacante dejada por Ingo en la batería, que recordemos fue tomada interinamente por Richie Abdel Nabi -quien no era lo que la banda estaba buscando-, sería finalmente llenada por Ulrich «Uli»Kusch, nacido el 11 de Marzo de 1967 en Aachen, Alemania, batero de dilatada trayectoria, quien vivió durante muchos años en Bélgica, y en cuya carrera destacan dos hitos fundamentales: el primero, el haber tocado en una estupenda banda thrash de los ’80 llamada Holy Moses (donde canta una buenamoza señorita llamada Sabina Classen, cuya voz no tiene nada que envidiar a Tom Araya o a Mille Petrozza); y el segundo, haberse desempeñado nada menos que en Gamma Ray, junto a Kai Hansen.

Con la nueva formación ya consolidada, la banda lanza su sexto disco de su trayectoria, un trabajo que resultaría crucial para determinar la ruta de navegación de la misma. La expectación era bastante grande: o se seguía y profundizaba en el estilo insinuado en «Pink Bubbles» y consolidado en «Chameleon», o se volvía a las raíces, más metaleras. Y la respuesta que entregó Helloween en 1994 con «Master Of The Rings» fue bastante contundente. Un trabajo que sin lugar a dudas posee una enorme importancia, con un esclarecedor mensaje a quienes pensaban que Helloween estaba muerto: la banda volvía a hacer metal, y del bueno, en un trabajo en el que destacan «Where The Rain Grows«, la simpática «Perfect Gentleman» o la declarativa de principios «Still We Go» («on the metal highway…«), entre otras. Punto aparte es el aporte compositivo de Andi Deris y en menor medida de Uli Kusch, aporte sin el cual, probablemente, Helloween no hubese resurgido de esta manera, marcando incluso la vuelta de la banda al mercado estadounidense y obteniendo excelentes resultados en Japón.

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TRAS EL PUNTO NEGRO, MIRANDO AL FUTURO

1995 fue un año durísimo para Helloween. A los 29 años de edad, tras sufrir los últimos años de su vida de una esquizofrenia de carácter hereditario, agravada por el consumo de drogas, y tras la repentina muerte de su padre, el 8 de Marzo de 1995, Ingo Schwichtenberg decide terminar con su vida, lanzándose a la línea férrea en Hamburgo, cerca de la estación de metro de Friedrichsberg, usando una polera de Helloween. El golpe para la banda, como es obvio, fue devastador, y toda la comunidad metalera europea reaccionó con desazón ante la partida al más allá de este talentoso batero, que lamentablemente no pudo vencer sus problemas crónicos y su lamentable adicción a drogas como la cocaína y el hachís. A la derecha, se ve la lápida de Ingo.

palkerPero el show debía continuar. Helloween lanza en 1996, como homenaje a Ingo (mientras Gamma Ray lo homenajeaba por medio del excelente tema «After Life» y Michael Kiske a través de la hermosa balada «Always»), su séptima placa en estudio, titulada «The Time Of The Oath«, sin dudas uno de los mejores trabajos de la banda a lo largo de su carrera. Un disco bien concebido, de principio a fin, mostrando una notable gama de recursos musicales y manteniendo la línea de vuelta al metal iniciada por su anterior placa, destacando temas como el clásico «Power» (¿dedicada a Kai Hansen?), las muy power «We Burn«, «Kings Will Be Kings» y «Before The War» y la sólida «The Time Of The Oath«. La excelente recepción de este trabajo llevó a la banda a lanzar su segundo disco en vivo, esta vez doble, para no dejar a nadie con gusto a poco, llamado «High Live«, grabado en Girona y Pamplona, España, y Milán, Italia.

A fines de 1997, la banda entraba a estudios para lanzar, en 1998 su octava placa en vivo, llamada «Better Than Raw«, disco que muestra en su portada un dibujo de una estupenda brujilla haciendo una pócima quizás con qué fines. En este trabajo, Helloween comienza a experimentar con sonidos algo más oscuros y ciertamente más densos, por momentos, sin perder su espíritu power, como se ve en temas como «Push«, la enorme «Revelation«, el single «I Can«, la muy power «Falling Higher» («metal will never die…«) y la pintoresca «Lavdate Dominum«, cantada enteramente en latín e inspirada en un salmo (de hecho, el título significa algo así como «que te alaben, señor»). Como anécdota, podemos recordar que «I Can» fue votada en la extinta Radio Concierto como «la canción del Mundial» para Chile, que en aquellos entonces participó en el Mundial de Fútbol de Francia ’98, situación que causó hilaridad y alegría en Markus Grosskopf al enterarse de la noticia.

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Tras el lanzamiento de este trabajo, tuvimos la oportunidad de ver, por primera vez en Chile a una banda de Power Metal. Y esa banda tenía que ser Helloween. Así, en el contexto de un Monsters Of Rock que incluía nada menos que a Iron Maiden (performance que se caería días antes debido a la recomendación del gobierno inglés a sus connacionales de no tocar en Chile debido a coyunturas políticas de aquellos entonces, siendo reemplazados por Anthrax) y a Slayer, el 10 de Diciembre de 1998 Helloween se presentó en Chile por primera vez, en el Velódromo del Estadio Nacional, en una performance bastante corta -menos de una hora- y que contó con un sonido memorablemente precario, a pesar de lo cual quienes tuvimos la posibilidad de asistir, vibramos con la emoción de ver por vez primera a Helloween en nuestro terruño.

Ya en 1999, quizás debido a compromisos comerciales, tras lanzar un álbum doble en versiones karaoke de sus grandes éxitos, Helloween graba un disco de covers, llamado «Metal Jukebox«, en el cual homenajea a artistas tan diversos como Los Beatles, Abba, Faith No More, Jethro Tull, Scorpions, Focus y Cream, entre otros.

Después de este trabajo, el 30 de Octubre de 2000 Helloween lanza su noveno álbum de estudio, «The Dark Ride«, ya habiendo firmado para Nuclear Blast. Siguiendo sugerencias principalmente del management, la banda comienza a concebir este trabajo, bajo la producción de Roy Z y Charlie Bauerfeind, desarrollando un material bastante más oscuro que sus predecesores, con afinaciones más graves y con temas más densos, como «Escalation 666» o «Mirror Mirror«, y otros algo más «Helloween», como la excelente «The Dark Ride» o «Salvation«, entre otras. Pero como veremos, este cambio de giro no generaba unanimidad dentro de la banda, más aun considerando que este trabajo era, hasta esa fecha, el peor vendido de Helloween desde «Chameleon».

EL ÚLTIMO GRAN QUIEBRE…

Michael Weikath era totalmente contrario a este giro que estaba tomando la banda. Por otra parte, Roland Grapow y Uli Kusch estaban conformes con lo que se estaba haciendo, pues se condecía con la dirección musical que deseaban para Helloween. Esta situación interna llegó a tal punto que incluso Weikath ofreció dejar la banda para comenzar una nueva, encontrándose con la negativa de Grosskopf y Deris, señalando que Helloween no sería lo mismo sin él. El «efecto Y2K» golpeaba duramente a Helloween.

En medio de esta tensión, la banda visitó Chile por segunda vez, esta vez para llevar a cabo un concierto propiamente tal, en el Estadio Chile. En esta oportunidad, en la que aproximadamente asistieron 2.500 a 3.000 personas, quienes asistimos no podemos evitar recordar el apocalípticamente pésimo sonido que lamentablemente tuvo ese show. A pesar de que la banda presentó un interesante tracklist e hizo vibrar a los asistentes, hubo momentos en los que no se entendía absolutamente nada. Y además, la tensión era palpable en el escenario. Dicho y hecho. Terminado el tour, se anunció la partida de Grapow y Kusch de Helloween, quienes posteriormente formarían Masterplan.

Sascha_1La tarea de encontrar reemplazantes se tornó titánica. En primer término, Weikath apuntó a su amigo Henjo Richter, guitarrista de Gamma Ray, para tomar la plaza de Grapow en las guitarras, en lo que habría sido una bombástica transferencia. Pero tras la amistosa negativa de Richter, y siguiendo los consejos de Charlie Bauerfeind, reclutó, tras un par de ensayos en los estudios de Andi Deris, llamados «Mi Sueno», ubicados en Tenerife, al ex Freedom Call Sascha Gerstner, quien además por hobby se ha desempeñado como… modelo. Más allá de este pintoresco detalle, Sascha prometía llenar la plaza dejada por Grapow de buena manera, pues aparte de ser un sólido primer guitarrista, es un compositor más que respetable, y coadyuvaría a hacer retornar a Helloween a un estilo quizás menos oscuro.

Pero la búsqueda del baterista tuvo sus aristas complejas. En primer término, se selló la incorporación del británico Mark Cross -que cronológicamente fue anterior a la confirmación de Sascha como el nuevo guitarrista-, pero poco tiempo después, cuando comenzaban las grabaciones de lo que sería el décimo álbum en estudio de Helloween, a principios de 2003, a Cross se le diagnosticó una mononucleosis, enfermedad que afecta a todos los órganos y que impide realizar labores que exijan algún tipo de esfuerzo físico, y cuya recuperación es de larga data. Ergo, Cross no pudo seguir en las grabaciones, para las cuales se reclutó de urgencia al mítico Mikkey Dee (Motörhead, ex King Diamond) para completarlas. Las grabaciones para este trabajo continuaron con Mikkey, pero se informó a la banda que la recuperación de Mark Cross sería más larga de lo previsto, por lo que se vieron forzados -presionados por el management-a buscar un nuevo baterista,que grabase algunos temas para Lados B, por lo que se invitó a Stefan Schwartzmann (ex Accept y UDO), quien aceptó gustoso unirse a Helloween.

Así, tras estos avatares, sacar este disco fue como sacar un conejo de un sombrero. Y dicha analogía se vio reflejada en el título del décimo disco de Helloween, llamado «Rabbit Don’t Come Easy«, lanzado en Mayo de 2003. En esta placa, Helloween vuelve a un sonido más inspirado en los tiempos de los Keepers, menos denso, más digerible y ciertamente menos oscuro -notándose el cambio con Sascha Gerstner especto a Roland Grapow-, con temas muy «happy happy Helloween» como «Just A Little Sign«, «Open Your Life«, la excelente «Do You Feel Good» o la muy Motörhead «Liar«, entre otros cortes. Tras el lanzamiento de «Rabbit…», Helloween se embarcó en un tour mundial, que originalmente los traía a Chile, pero el concierto lamentablemente debió ser cancelado, perdiendo la oportunidad de ver a Helloween con uno de sus mejores setlist de todos los tiempos, pues en esa gira fundamentalmente se dedicaron a rememorar temas de sus épocas más pretéritas.

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Ya en Octubre de 2004, la banda comienza la preproducción de su décimoprimer disco en estudio. Pocos meses después, Stefan Schwarzmann decide abandonar la banda, fundamentalmente debido a que, si bien las cosas iban extremadamente bien en la parte humana, no compartía con resto de la banda la misma visión musical. Stefan decidió ayudar a la banda hasta que se encontrase un reemplazante, el que finalmente se halló en Febrero de 2005 en Daniel «Dani» Löble, respetadísimo baterista nacido en Zürich, Suiza, el 22 de Febrero de 1973, y que se desempeñaba en Rawhead Rexx, y que incluye en su currículum haber tocado junto a Blaze Bayley, entre otros connotados músicos.

Ya con Dani Löble asentado como baterista, Helloween anunciaría el lanzamiento de su décimoprimer disco en estudio. Se confirmaban los rumores que indicaban que se haría referencia directa a los legendarios «Keeper»: tras el lanzamiento el single «Mrs. God» el 4 de Julio de 2005 en Asia, el 31 de Octubre de 2005 se lanza a nivel mundial «Keeper Of The Seven Keys – The Legacy«, como un disco doble con casi 80 minutos de nuevos temas, entre los cuales se incluyen la épica «King For a Thousand Years«, la happy/melancólica «Silent Rain«, la experimental «Occasion Avenue» y la notable «Invisible Man«, por nombrar sólo algunos.

Este último trabajo trajo a Helloween a Chile, en un Teatro Caupolicán que pudo y debió haber tenido un marco de público acorde al espectáculo que, ¡por fin!, nos mostró a Helloween en toda su expresión. Un show realmente sólido en todas sus líneas, emocionante, entretenido y por momentos sobrecogedor, con una banda que al fin pudo desplegar en Chile todo su potencial, saldando una deuda que sin duda poseían con el público nacional. Tras ello, la banda comenzaría a crear su próximo trabajo en estudio.

Helloween

JUGANDO CON EL DIABLO

Debido a que esta banda ha estado inmersa durante tanto tiempo en la escena power-metalera, los fanáticos esperan que cada álbum sea igual o mejor que el anterior. Por lo tanto, “Gambling With The Devil”, el doceavo material discográfico ofrecido para el 2007, tenía la presión no sólo de los once discos anteriores, sino también de devolverle a algunos de sus seguidores la confianza que quizá habían perdido de forma mínima con el trabajo previo.

“Al final del día, la vida es como un juego con el diablo” apunta Andi Deris con respecto al título de este último álbum, que a grandes rasgos se caracteriza por seguir guardando el estilo melódico tan peculiar y típico de la banda, así como la  utilización de varios efectos de sintetizadores e interludios semi-clásicos en los temas, excelentes solos de guitarra y ciertamente, un poco más pesado que los anteriores más recientes.

El disco arranca con “Crack The Riddle”, una introducción narrada por Biff Byford (Saxon), seguido de de “Kill It”, tema vigoroso en el que la voz tiene un parecido a la de Rob Halford (Judas Priest). “The Saints” es un tema de corte épico donde Dani Löble destaca su habilidad con el doble bombo, dándole dinamismo y madurez a la misma, claro, sin dejar a un lado las armonías creadas por el resto del grupo. En este escenario rápido también ocupan un lugar “Paint a New World” con agresividad, “Can Do It” y Dreambound muy al estilo power.

Helloween

El primer sencillo de “GWTD” es “As Long As I Fall”, que baja las revoluciones del ritmo a la vez que trae memorias de “If I Could Fly”. El carácter comercial de este tema es fácilmente detectado por el tipo de composición. Del mismo modo es “Final Fortune”.

Fuera de los parámetros tradicionales de Helloween, se encuentra composiciones como “The Bells Of The Seven Hells” que, seguida de “Fallen To Pieces” y “I.M.E”, constituyen una trilogía eminentemente lírica a la que Deris llama “Trinidad”, la cual es una apreciación crítica a la “carencia de ideologías y a la proliferación de la obediencia ciega”. Con “The Bells Of The Seven Hells” y “I.ME.” se percibe cierto interés por dar un sonido del tipo “The Dark Ride”. Para cerrar con broche de oro, “Heaven Tells No Lies” empieza muy melódicamente y brinda emotividad y euforía gracias a los riffs veloces, con lo que logra satisfacer al escucha al mismo tiempo que, musicalmente, hace recordar ya desaparecidos de Queen.

Es notorio que los integrantes hicieron una magnífica ejecución en cada instrumento, pero cabe mencionar que Andi Deris ha mejorado su trabajo vocal. Y, sobretodo, es válido reconocer que Helloween tiene algo por seguro: siempre tendrán la influencia de ellos mismos, disco tras disco.

Hace muy pocas semanas recibimos a Helloween en nuestro país, pero esta no era cualquier visita: al igual que en varias fechas europeas en tiempo pasado, y cumpliendo el sueño de muchos fans, se unieron al Gamma Ray de Kai Hansen en el llamado “Hellish-Rock Tour 2008”.

¿Qué más puede decirse de Helloween? Es poco más lo que puede agregarse a lo ya dicho, una banda que ha marcado una escuela, un estilo, un camino, un referente a seguir. Es de esperar que la calabaza continúe con su avasalladora carrera, y que siga transitando por la carretera del metal hasta el fin de los tiempos. Al menos, lo hecho ya en el pasado, los ha hecho inmortales.

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Formación de Helloween:

Andi Deris – Voces
Sascha Gerstner – Guitarras
Michael Weikath – Guitarras
Markus Grosskopf – Bajo
Dani Löble – Batería

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Anteriormente otras bandas estadounidenses han sido nuestra banda del mes. Nos tocó revisar la historia de bandas como Kamelot, Iced Earth o Symphony X. Pero quizás la banda norteamericana de mayor trascendencia en el ámbito que nuestro gusto musical nos convoca es Dream Theater, una banda con más de quince años de trayectoria en las arenas del rock progresivo, y que han tomado la herencia de bandas señeras en la historia del rock, como Pink Floyd, Marillion, Rush o Supertramp, proporcionándole elementos técnicos individuales sencillamente excepcionales, además de ciertas reminiscencias de Heavy Metal europeo. Además, Dream Theater posee una particular característica: o gustan mucho, o sencillamente apestan, es una banda que no admite términos medios. Mientras para algunos progresivos son muy heavy, para algunos heavy son muy progresivos …

Myung-Portnoy-Petrucci-antiguaHoy por hoy, Dream Theater es el «espejo» de la gran mayoría de las bandas progresivas, las cuales muchas veces caen en fallidos intentos de copia. Pero su sonido, para bien o para mal, ha demostrado ser inigualable. Muchas veces criticado por ser «frío», este quinteto norteamericano ha forjado su carrera en base a esfuerzo, tesón, profesionalismo y años de sacrificio.

La historia de esta banda comienza en Septiembre de 1986, cuando tres jóvenes dieciochoañeros estudiaban en el famoso instituto de música de Berklee, en Boston, Massachusetts, Estados Unidos. Dos de ellos, John Peter Petrucci y el descendiente de chinos, John Ro Myung, observaron ensayando en una de las salas de práctica de la prestigiosa escuela a un joven baterista, Michael Stephen Portnoy.

Petrucci y Myung se miraron las caras con asombro, pues en aquellos tiempos era un verdadero milagro encontrar a alguien que gustase del rock en Berklee. Un rato más tarde, coincidieron con Portnoy en la cafetería de la escuela, y conversando se dieron cuenta de que además de los gustos musicales tenían otras cosas en común: todos se habían criado en la localidad de Long Island, Nueva York (aunque Myung nació en Chicago), lo cual era particularmente coincidente debido a que en Berklee convive gente de todas partes del mundo.

PetrucciJohn Petrucci, nacido el 12 de Julio de 1967, comenzó con sus lecciones de guitarra a los 12 años de edad. Sus padres no tocaban música, pero su sus hermanos sí: su hermana mayor tocaba piano y órgano, su hermano tocaba bajo y su hermana menor tocaba clarinete. John dice que la razón más importante por la cual decidió tocar guitarra es que todos sus vecinos tocaban, y le parecía divertido. Sus influencias van desde Steve Vai a Al DiMeola.

John Myung, nacido el 24 de Enero de 1967 en Chicago, comenzó a interesarse por la música a los 5 años, cuando comenzó con lecciones de violín. Pero a los 15 años un vecino se le acercó y le pidió que tocara bajo en su banda, asumiendo que no le costaría aprender, asumiendo que ambos instrumentos (violín y bajo) tienen cuatro cuerdas … y aunque eran instrumentos muy distintos, John se dio cuenta que sus inspiraciones iban por ese lado, y jamás volvió a tomar un violín. Es el único que aún vive en Long Island, junto con su esposa Lisa.

PortnoyMike Portnoy, quizás uno de los mejores bateristas del mundo, nació el 20 de Abril de 1967, y comenzó a interesarse desde muy joven en el rock, pues su padre era un disc jockey de rock’n’roll. En su casa, entonces, había una enorme colección de discos, por lo que era inevitable que Mike se transformase en músico, especialmente tras hacerse fanático de Los Beatles y de Kiss. Su gran influencia -cómo no- es Neil Peart, baterista de Rush.

En los ratos libres, el ahora trío de amigos tocaba con el tecladista Kevin Moore, que tocaba junto a Petrucci y Myung en una banda colegial, y que en aquel tiempo estudiaba en la Universidad de Fredonia, al norte de Nueva York. El vocalista de la recién formada banda sería Chris Collins. Esta, entonces, es la primera alineación de la banda, la cual sería bautizada como Majesty. El proyecto de los ratos libres fue tomando cuerpo, tanto así que todos decidieron dejar las clases para concentrarse en la banda. Poco tiempo después grabaron un demo (en cassette) con ocho temas, llamado «Majesty Demos», el cual fue vendido entre los fans locales y distribuidos en las disquerías. El demo vendió la impresionante cantidad de 1.000 copias en los primeros seis meses, y aún están disponibles en el día de hoy, e incluso la banda hoy incluye de vez en cuando algunos temas en sus recitales.

La banda, ya consolidada, sufrió su primer problema. Al firmar con una nueva compañía discográfica, llamada Mechanic Records, fue obligada a cambiar su nombre, debido a que ya existía una banda de jazz de Las Vegas llamada Majesty. En ese entonces, el padre de Mike Portnoy, Howard, sugirió llamar a la banda como un cine (hoy demolido) que existía en California: Dream Theater. Pero quizás si el primer gran problema que tuvo la banda fue asumir que Chris Collins no tenía la capacidad vocal suficiente como para satisfacer las expectativas del resto de la banda. Así, luego de una intensa búsqueda, en Noviembre de 1987 la banda reclutó a Charlie Dominici.

charliedominiciAnte ello, Mike Portnoy señala lo siguiente: «conseguimos a Charlie Dominici, que era mucho más viejo que nosotros, y no cuadraba exactamente con lo que buscábamos, pero en ese momento realmente no teníamos otro candidato y entre las posibilidades, él era el más calificado. Él tenía la experiencia que Chris no tenía, pero al mismo tiempo se nos hizo evidente que él tampoco era quien estábamos buscando. Nos sentábamos en los ensayos y era como tener que sacarle los dientes a alguien para hacer que cantase lo que queríamos, pero luego iba y se sentaba en el piano a tocar Billy Joel y Los Beatles y se sentía como en casa«.

A mediados de 1988, la banda, que ya contaba con el apoyo de Mechanic Records, comenzó la grabación de su primer LP, que se llamaría «When Dream And Day Unite». El disco, cuya mezcla duraría alrededor de un mes y que contó con Terry Date como productor, fue grabado en los estudios Kajem/Victory en Gladwyne, Pennsylvania, y fue muy bien recibido por la prensa especializada, además del éxito que tuvo en las radios de metal de Estados Unidos. Lamentablemente para ellos, Mechanic Records poseía un limitadísimo presupuesto, el que impidió que la banda pudiese realizar giras o hacer un video clip, por lo que los conciertos de la banda estuvieron limitados geográficamente en la zona de Nueva York. Este trabajo, en el cual encontramos clásicos de la banda, como «A Fortune In Lies» o «Ytse Jam» («Majesty» dicho al revés), fue remasterizado y re-lanzado a la venta en Marzo del año 2002, en una edición de lujo en digi-pack, de la cual sólo se hicieron 10.000 copias.

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Ya en 1990, la banda despidió a su vocalista, Charlie Dominici, quien debió ser llamado nuevamente para realizar un concierto, en el cual telonearían a Marillion, banda que escogió personalmente a Dream Theater para esos efectos. En ese show, la banda abrió con un nuevo tema, llamado «Metropolis», que mostraba el progreso de la banda y que, a la larga, formaría parte de su segunda placa en estudio. Después de ese show, comenzó la búsqueda de un nuevo vocalista, la cual se alargó bastante más de la cuenta, casi dos años. Durante ese tiempo, la banda escribía nuevo material, y tocaba como banda instrumental en locales de la zona. De hecho, la mayoría de las canciones que a la larga formarían parte de su segunda placa, «Images And Words», fueron tocadas en vivo como instrumentales, antes de que se crearan las letras.

La banda, bastante frustrada por lo infructuosa que había resultado la búsqueda, consideró seriamente el continuar su carrera como banda instrumental, pero decidió proseguir con la búsqueda. Cerca de conseguir el trabajo estuvo Jon Hendricks, John Arch (vocalista de Fates Warning, pero decidió lo contrario), y Steve Stone, un tipo que cantaba muy parecido a Geoff Tate de Queensrÿche, y que incluso cantó un par de temas con la banda en vivo, pero éste no enganchaba con la idea de la banda. Y pareció que la búsqueda llegaba a su fin cuando, a fines de 1991, consiguieron a Chris Cintron, pero una cinta llegada desde Canadá cambiaría la historia de la banda. La cinta era de una banda glam rockera canadiense, originaria de Toronto, llamada Winter Rose, cuyo vocalista, Kevin LaBrie, llamó poderosamente la atención de Mike, Kevin y los Johns, ante lo cual LaBrie fue invitado a Nueva York para una audición de forma casi inmediata. LaBrie, nacido el 5 de Mayo de 1963 en la localidad de Penetanguishene, en Ontario, Canadá, comenzó a cantar a los tres años, cuando -según sus padres- caminaba por la casa tarareando todas las canciones que escuchaba en la radio. Con Kevin LaBrie, la banda grabó demos de temas como «To Live Forever«, «Learning To Live» y «Take The Time«, decidiendo elegirlo como nuevo vocalista de Dream Theater, lamentablemente para Chris Cintron. LaBrie, ya siendo parte de la banda, decidió usar su segundo nombre, James, pues si ya había dos John en la banda, la confusión con dos Kevin sería aun mayor.

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La banda, una vez terminado su vínculo contractual con Mechanic Records, firmó con la compañía disquera ATCO Atlantic (hoy EastWest), y comenzaría con, a fines de 1991, la grabación de su segunda placa, a llamarse «Images And Words«. El disco contó con la producción de David Prater, y fue grabado en los estudios Bear Track, un recinto muy pequeño en Nueva York, que pertenecía a Jay Beckenstein, saxofonista de una banda llamada Spyro Gyra, quien tocó como invitado en el tema «Another Day». El disco ha sido sindicado, con razón, como una de las obras maestras del rock progresivo de los ’90, y cuenta con temas que han pasado a la historia, como «Pull Me Under«, «Take The Time«, «Learning To Live«, «Surrounded» o «Metropolis 1: The Miracle And The Sleeper«. Además de ello, gracias a la mayor disponibilidad de recursos, pudieron grabarse tres videoclips, para «Another Day« (el tema que más sonaba en las radios), «Take The Time» y «Pull Me Under« (que, sorpresivamente para la banda, llegó a ser un hit en MTV, en desmedro de «Another Day»).

La banda hizo su primera presentación con James LaBrie como frontman el 8 de Junio de 1992 en el Ritz de Nueva York (coincidentemente, el mismo lugar donde Charlie Dominici hizo su última presentación en Dream Theater), nada más y nada menos que teloneando a Iron Maiden. James fue muy bien recibido por los fans, quienes se sabían la mayoría de las letras de «Images And Words» antes de su salida a la venta.

Posteriormente, la banda firmó con Rountable Entertainment, y se encontraba preparada para comenzar un tour a nivel mundial. Las estaciones rockeras de radio locales e incluso MTV apoyaron de forma considerable a los Dream, quienes realmente sintieron que iban camino a la gloria cuando supieron que «Images And Words» había alcanzado «Disco de Oro» nada menos que en Japón, ante lo cual se planeó una corta gira por aquél país, la que fue un total éxito de ventas. De hecho, a fines de 1993 saldría a la venta «Images And Words – Live In Tokio«, el primer video oficial de la banda en vivo, en el marco de la gira que se denominaría «Music In Progress».

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La banda, ya con reconocimiento mundial, decidió homenajear a sus fans mediante un concierto en el Limelight de Nueva York, el 4 de Marzo de 1993. En este recital, cuyas entradas se agotaron con bastante anticipación, la banda estuvo en escena por alrededor de tres horas, y ejecutó algunos temas nuevos, como «To Live Forever«, «Eve» y la fantástica «A Change Of Seasons«, tema que dura más de 23 minutos y que raramente la banda ejecuta en vivo. La gira «Music In Progress» continuaría en Europa, donde la banda grabó un EP en vivo denominado «Live At The Marquee«, en honor al famoso club en Londres así llamado.

Dream-666La banda, como vemos, estaba tocando en salas cada vez más grandes, grabando prácticamente todos los conciertos … quizás por ello es que Dream Theater es una de las bandas que mayor cantidad de bootlegs tiene en su discografía no oficial (de hecho, en el último tiempo, la banda ha sorprendido por haber tocado en vivo, completamente, los históricos discos «Master Of Puppets» de Metallica y «The Number Of The Beast», de Iron Maiden). La gira ya había culminado, pero en Noviembre de 1993 la banda debió volver a Asia, más precisamente a Corea del Sur, con el objeto de realizar una gira promocional debido al éxito alcanzado por la banda.

A principios del mes de Marzo de 1994, luego de un pequeño descanso después de el tour más grande de sus carreras hasta ese entonces, Dream Theater comenzó a trabajar en lo que a la postre sería el tercer álbum en estudio de la banda, el primero que escribirían como «grupo», ya que tanto «When Dream And Day Unite» como «Images And Words» fueron escritos sin vocalista. En un principio, la banda planeaba incluir algunas de las canciones que habían incluido sólo en sus recitales, pero a la larga terminaron por componer más de 75 minutos de material nuevo. Como estimaban que el material antiguo no era lo suficientemente «actualizado» para lo que la banda quería, prácticamente nada se utilizó, a excepción de un jam llamado «Puppies In Acid«, que a la larga se convirtió en el gran tema «The Mirror«. «To Live Forever«, otro de los temas antiguos, fue incluido en el single «Lie» (en el que además encotramos la versión en vivo de «Another Day«, y «Space Dye Vest«, tema que aparecería en el LP), pero no en el disco, y la instrumental «Eve» se encuentra en el single «The Silent Man» (el que además incluye la versión demo de «Take The Time«). El resultado de este proceso, cuya grabación (que se llevó a cabo en Los Angeles) comenzó en Mayo y terminó en Julio de aquel año, y que contó con la producción de John Purdell y Duane Baron, sería el sólido «Awake«, la tercera placa en estudio de la banda. En este disco encontramos temas notables, como «Innocence Faded«, «A Mind Beside Itself» o «The Mirror«, entre otros.

kevinmooreLamentablemente, un gran golpe azotó el corazón de la banda, y especialmente el de Petrucci y Myung. Kevin Moore, antes de terminar la grabación de «Awake«, decidía dejar la banda, debido a diferencias musicales, pues deseaba concentrarse en otros proyectos. Moore, en aquél momento, señalaba: «Creo que musicalmente mi manera de escribir ha cambiado bastante estos últimos años. Llegó a tal punto que mi punto de vista era tan diferente del resto de la banda que ellos estaban teniendo problemas para comunicar sus ideas entre ellos. Al mismo tiempo, lo que a mí me llenaba era escribir y grabar mi propio material. Eventualmente, esto llegó a ser más importante que cualquier otra cosa. Llegué a la decisión de que necesitaba concentrarme en mi propia identidad musical y que la separación sería lo mejor, tanto para el grupo como para mí. Yo creo, honestamente, que Dream Theater tiene mucho más que ofrecerle al mundo musical y les tengo un gran respeto a cada uno como músicos y como personas. Les deseo todo lo mejor«.

Más allá de las palabras, de buena crianza, y de que la separación fuese en términos amistosos, se generó un tremendo problema para la banda, pues no era fácil encontrar un tecladista que supliera el talento de Moore, quien se dedicaría principalmente a su nuevo proyecto, Chroma Key, con el cual lanzaría los discos «Dead Air For Radios» (1998), «Colorblind» (1999) y «You Go Now» (2000).

En un principio, la banda intentó que Jordan Rudess tomase el lugar de Moore, pero éste ya se encontraba embarcado en una banda llamada Dixie Dregs (en ese entonces la banda de Steve Morse, actual guitarrista de Deep Purple). Rudess, en todo caso, tomaría el lugar de Moore con el objeto de presentarse en vivo en el Concrete Foundations Forum, en una presentación que la banda había comprometido de antemano. Pero el reemplazante de Moore ya comenzaba a clarificarse: Derek Sherinian, quien, al igual que Myung y Petrucci, también asistió a la escuela de Berklee y que contaba en su currículum el haber tocado con connotados personajes en la escena rockera como Alice Cooper o Kiss. Sherinian acompañó a Dream Theater en la gira promocional de «Awake«, en cuyos últimos shows se anunció que Sherinian sería miembro oficial de la banda. Dentro de los tecladistas que estuvieron cerca de reemplazar a Moore estuvo un conocido nuestro, Jens Johansson, connotado tecladista sueco hoy en Stratovarius, pero a la larga Dream Theater se decidió por Sherinian.

dereksherinianEl lanzamiento a nivel mundial de «Awake«, en Octubre de 1994, sobrepasó todas las expectativas de la banda, debutando en el lugar 32 del Ranking Billboard, y vendiendo casi 45.000 copias en su primera semana en Alemania. El single «Lie» obtuvo un tremendo éxito en las radios rockeras norteamericanas, y su videoclip aparecía recurrentemente en MTV. Ya en 1995, tras un extenso y exitoso tour por Estados Unidos, la banda se dirigió a Japón (donde recibieron un Disco de Platino) y luego a Europa, donde la banda, como ya señalamos, ungió a Derek Sherinian como el tecladista oficial de Dream Theater.

En Abril de 1995, la banda se reunió con David Prater, productor de «Images And Words«, tras lo cual la banda volvió a los estudios Bear Tracks para grabar «A Change Of Seasons«, tema de 23 minutos compuesto en 1989, el cual fue completamente reestructurado, ante lo cual Sherinian tuvo la posibilidad de «meter mano» en la parte de los teclados. Pero para no lanzar un trabajo de sólo un tema de 23 minutos, la banda incluyó en el EP varios covers grabados en el club de Jazz de Ronnie Scott, en Londres, el 31 de Enero de 1995, en lo que se conoce como el show «Uncovered», conformando un disco de más de 57 minutos. Dentro de los covers, destacan «Perfect Strangers» de Deep Purple, un medley de Elton John, otro de Led Zeppelin y sobre todo el «Big Medley» (que incluye temas de Pink Floyd, Kansas, Genesis y Queen, entre otros). El EP «A Change Of Seasons» sería lanzado el 19 de Septiembre de 1995, y contó con la aclamación de los fans.

A fines de 1996, Dream Theater realizó cinco conciertos, en lo que se denominó «The Fix for ’96», donde se presentaron cinco temas que aparecerían en el cuarto LP (quinto, si consideramos como LP a «A Change Of Seasons«) de la banda, además de temas antiguos con nuevos arreglos. Este año, además, John Petrucci lanzaría un VHS (que sería reeditado como DVD el 2002), llamado «Rock Discipline«.

DT con sherinianLuego de ello, la banda se tomó algunos meses de receso, para luego realizar una mini gira por Europa («The Fix For ’97») y luego abocarse a la grabación del nuevo trabajo, que fue lanzado en Estados Unidos el 23 de Septiembre de 1997, y que llevaría por nombre «Falling Into Infinity«. Aunque quizás para muchos fans es el disco más bajo de la banda, encontramos temas notables, como la gran «Peruvian Skies«, «Hollow Years» (el single del disco, en el que se incluye, entre otras cosas, un tema que no aparece en el disco, «The Way It Used To Be«) o la hermosa «Take Away My Pain«, que Petrucci dedica a su fallecido padre.

La banda en aquellos entonces tenía material para grabar dos CDs, incluyendo la continuación de «Metropolis Part 1: The Miracle And The Sleeper«, pero el sello Elektra decidió no llevarlo a cabo. De todas formas, la banda llevaría a cabo un extenso tour, denominado «Touring Into Infinity», al término del cual se toman un tiempo para «descansar», lo cual no sería tal, debido a que estos trabajólicos músicos encontraron proyectos paralelos para mantenerse ocupados.

Quizás el proyecto paralelo más importante de los integrantes de Dream Theater sea Liquid Tension Experiment. John Petrucci y Mike Portnoy se unieron al connotado bajista Tony Levin, quien ha tocado con King Crimson, Alice Cooper, Al DiMeola, Peter Gabriel, Art Garfunkel, Eros Ramazzotti, y nada más ni nada menos que con John Lennon y Yoko Ono, entre otros, y a Jordan Rudess, eximio tecladista que en algún momento fue el reemplazante provisorio de Kevin Moore en Dream Theater. Cuatro músicos de excepción no podrían sino haber llevado a cabo un trabajo sencillamente magistral. Mike Portnoy así lo define: «unas de las más locas, estresantes, y simultáneamente hermosas, mágicas y creativas semanas de mi vida«. Liquid Tension Experiment llevó a cabo dos discos, «LTE 1» en 1998, y «LTE 2» en 1999. Gran importancia en ello tiene el sello Magna Carta, conocida por apoyar considerablemente a los proyectos paralelos de los integrantes de Dream Theater. Al respecto, Jordan Rudess señala: «es una de las compañías interesadas en publicar trabajos de rock progresivo, y fue esa coincidencia de intereses la que nos llevó a trabajar con ellos«. En el mismo año 1998, John Myung junto a Derek Sherinian se verían inmersos en Platypus, junto a Ty Tabor (frontman de King’s X) en voces y guitarra y a Rod Morgenstein (quien formaba parte del proyecto Rudess Morgenstein junto a Jordan Rudess) en batería. Estos cuatro músicos grabaron el disco «When Pus Comes To Shove«. El mismo año, Myung grabaría dos temas en el disco de Gordian Knot, banda instrumental creada por Sean Malone, ex integrante de Cynic. Y al mismo tiempo, por si fuera poco, en el movido «descanso» de 1998 Petrucci, LaBrie y Sherinian participaban en el disco de Explorer’s Club, «Age Of Impact», junto a connotados músicos como Billy Sheehan (ex Mr. Big) o D.C. Cooper (hoy vocalista de Silent Force, ex Royal Hunt), entre otros. Además, LaBrie aparece como vocalista invitado en el disco «Tyranny» de Shadow Gallery.

Volviendo a Dream Theater, en Octubre de 1998 se lanzó a la venta el primer álbum en vivo de la banda. Se trataría de un álbum doble, llamado «Once In a LiveTime«, un estupendo trabajo, que demuestra que el rendimiento en vivo de la banda es sobresaliente, aunque James LaBrie sufre más de la cuenta con ciertos tonos altos. Junto con ello, se lanzó un video recopilatorio de lo mejor de Dream después de la salida de Kevin Moore, llamado «Five Years In A LiveTime«.

Myung-Petrucci-LaBrie-Portnoy-RudessA comienzos de 1999, Derek Sherinian es despedido de Dream Theater, en una separación también amistosa. Mike Portnoy, a este respecto, señaló en un comunicado de prensa: «Con el estreno reciente de nuestro disco y video en vivo, nos pareció el momento adecuado para cerrar un capítulo y empezar uno nuevo … su reemplazo será Jordan Rudess, quien recientemente ha colaborado conmigo y John Petrucci en los proyectos de Liquid Tension Experiment«. Sherinian no perdería el tiempo y formaría Planet X, banda que mezcla lo progresivo con elementos modernos e incluso toques de jazz. Además, el año 2001 Sherinian visitó Chile, formando parte, junto a Doogie White (ex Rainbow), entre otros, de la banda que acompañó a Yngwie Malmsteen en sus recitales en nuestro país, mostando ser un tipo muy abierto y simpático con los fans. Y tal como señaló Portnoy, el reemplazante de Sherinian sería nuestro ya conocido Jordan Rudess, eximio y experimentado tecladista, diez años mayor que el resto de los integrantes de la banda (nació el 4 de Noviembre de 1956), quien cuenta en su currículum el haber tocado, como ya vimos, con Steve Morse en Dixie Dregs y con Rod Morgenstein en Rudess Morgenstein Project , con el guitarrista Vinnie Moore e incluso con David Bowie.

En este mismo año, al mismo tiempo en que la banda preparaba lo que sería el quinto trabajo en estudio de la banda, James LaBrie cantaba en su proyecto solista, Mullmuzzler, junto a Mike Keneally, Mike Mangini, Matt Guillory y Bryan Beller, en el disco «Keep It To Yourself«, un disco mucho más «sencillo» y quizás más fácilmente digerible que Dream Theater. Al menos, esa era la intención de LaBrie. Y además, Liquid Tension Experiment preparaba su «LTE 2«. Pero lo que Dream Theater estaba preparando era algo sencillamente majestuoso … Elektra Records, la compañía discográfica, le dio plena libertad a la banda, la cual no perdió el tiempo y durante 1999 preparó lo que a la larga se convertiría en uno de los más grandes discos conceptuales de la historia del rock, quizás el más grande después del mítico «Operation: Mindcrime» de Queensrÿche. La grabación comenzó el Lunes 8 de Febrero de 1999, en los Bear Tracks Studios de Suffen, Nueva York. Doug Oberkircher sería el ingeniero, el mismo de «Images And Words» y «A Change of Seasons». Todo lo que trataba fue guardado en un celoso secreto, incluso el título del disco, hasta que se declaró oficialmente que éste se titularía «Metropolis Part II: Scenes From a Memory«, y sería estrenado el 26 de Octubre de 1999, cambiando quizás para siempre la historia de esta banda. Este trabajo entra en la puerta grande de la historia del rock, no sólo por su solidez lírica (la historia de Nicholas y su hipnosis y consecuencial regresión a la vida de Victoria Page), sino por los 77 minutos de magia que consigue Dream Theater como «banda». Un sonido magistral, quizás hasta inigualable por ellos mismos. Es imposible destacar sólo dos o tres temas de este genial álbum, pero haciendo un esfuerzo, «Strange Deja Vu«, la impresionante «Fatal Tragedy» (que cuenta incluso con toques Power) o la intensísima «Home« brillan en este disco lleno de luces. A principios del año siguiente, con fines promocionales, es lanzado el single «Through Her Eyes«, que contiene, entre otras cosas, una versión en vivo de «Home» y un medley de temas antiguos, en vivo.

Metropolis2000El Lunes 8 de Noviembre de 1999 Dream Theater comenzó una pequeña gira, en Alemania, que serviría de introducción a la gira que conmemoraría los 15 años de la banda, denominada «Metropolis 2000«, la cual comenzaría el lunes 31 de Enero del 2000 en Phoenix, Arizona, Estados Unidos, con los Dixie Dregs, la ex banda de Jordan Rudess, como invitados. Luego de la gira por Estados Unidos, la banda se dirigió a Europa, a Corea y luego nuevamente a Europa. En Agosto del 2000, Dream Theater regresó para realizar una gira de verano por los EEUU, tocando con Spock’s Beard como invitados especiales, e incluso un par de recitales con Watchtower. Luego, el trabajólico quinteto volvió a Europa en Octubre, continuando su gira junto con Porcupine Tree como invitados especiales.

La banda tenía intenciones de lanzar a la venta su primer DVD. Ante ello, y con este objeto, el día 30 del mismo mes de Agosto la banda grabó el concierto efectuado en el Roseland Ballroom de Nueva York. Ello desembocaría en el lanzamiento de un Video / DVD que se llamaría «Scenes From New York«, que contiene el recital completo y cierto material adicional. Además, se sacaría a la venta un disco triple con el concierto de aquella noche grabado en su totalidad, que se llamaría «Live Scenes From New York«.

En este recital, en el que la banda ejecuta de forma íntegra su disco «Metropolis 2: Scenes From A Memory«, además de varios de sus clásicos, la banda juega con una puesta en escena realmente impresionante … de hecho, comienza con James LaBrie recostado en un diván en el medio del escenario, acompañado por un anciano que haces las veces de terapeuta, quien inicia la regresión de Nicholas, el protagonista de la historia de «Scenes From A Memory».

Además, durante todo el concierto, en una pantalla gigante muy similar a la que existe en el Festival de Viña, podemos observar imágenes alusivas a la historia de Nicholas, la muerte de Victoria Page o la disputa entre los hermanos Edward («The Miracle») y Julian Baynes («The Sleeper»), lo que resulta particularmente atractivo debido a la riqueza de las letras del mencionado disco. Además, otros puntos, como el notable nivel individual de cada uno de los músicos (prácticamente reproducen el disco sin fallas), o la inclusión de coros gospel, coadyuvan a que este disco en vivo sea uno de los mejores de los últimos tiempos, lo cual puede apreciarse especialmente al ver el video (o el DVD).

metropolis2portClaro que no todo fue una maravilla, debido a una trágica coincidencia: el disco iba a salir a la venta el 11 de Septiembre del año 2001, día en el cual se produjo el recordado atentado en contra del World Trade Center en Nueva York. Esto no pasaría de ser un dato anecdótico de no mediar por la carátula original del disco en vivo: se mostraba, encima del corazón encadenado (símbolo de Dream Theater en «Images And Words«, transformado en una manzana ardiente), una imagen del perfil de la ciudad de Nueva York (especialmente notorias son las Torres Gemelas) en llamas. Obviamente, y ante la susceptibilidad generada por el atentado, la banda debió reemplazar la portada del disco, introduciendo el sello de «Majesty» en dorado en vez de la imagen de Nueva York en llamas.

Los dos años siguientes a «Scenes From A Memory» fueron muy fructíferos en cuanto a proyectos paralelos. En el año 2000, además de los shows con Dream Theater, John Myung (junto a Derek Sherinian) sacaba su segundo disco con Platypus (banda que algún tiempo después cambiaría su nombre a The Jelly Jam), llamado «The Ice Cycles«; Jordan Rudess y John Petrucci no perdían el tiempo y lanzaban a fines de este año un álbum en vivo semi-acústico grabado en el Helen Hayes Performing Arts Center en Nyack, Nueva York, en Junio de aquél año, y que se titularía «An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess«. Pero quizás el proyecto paralelo más importante que ha existido en Dream Theater desde Liquid Tension Experiment sea el «supergrupo» TransAtlantic, en el cual, además de Mike Portnoy, participan Neal Morse (ex Spock’s Beard), Pete Trewavas (Marillion) and Roine Stolt (The Flower Kings), y cuyo primer trabajo, «Stolt Morse Portnoy Trewavas» (también conocido como «SMPTe») posee un sonido muy experimental y agradable, con reminiscencias que recuerdan incluso a Los Beatles.

jordanrudessYa en el año 2001, la banda comenzaría a trabajar en lo que sería su sexto trabajo en estudio. Pero antes de ello corresponde hablar de los proyectos paralelos que sus integrantes llevarían a cabo. James LaBrie se abocaría a su segundo disco con Mullmuzzler, llamado sencillamente «Mullmuzzler 2«, además de representar nada más ni nada menos que a Leonardo Da Vinci en «Leonardo, The Absolute Man«, disco compuesto por Trent Gardner (Magellan); TransAtlantic lanzaría su segundo trabajo en estudio, «Bridge Across Forever«, además de un disco doble en vivo, «Live In America» (donde incluso incluyen una versión de «Strawberry Fields Forever» de Los Beatles, y que incluye como guitarrista de «apoyo» a Daniel Gildenlow, de Pain Of Salvation); Rudess Morgenstein Project lanzaría un compilado con un tema inédito y varios temas grabados en vivo entre los años 1997 y 1999, denominado «The Official Bootleg«; Jordan Rudess, además, lanzaría como solista el disco «Feeding The Wheel«, en el que encontramos el aporte de connotados músicos como los ya mencionados Billy Sheehan y Steve Morse, entre otros.

Volviendo a Dream Theater, como anticipábamos, en Marzo del año 2001, la banda entró nuevamente a los estudios Bear Tracks de Nueva York, el cual seguiría el camino de «Metropolis 2: Scenes From A Memory«, debido a que, al igual que éste, sería autoproducido, y el ingeniero sería el mismo (Doug Oberkircher). Durante Junio y Julio de aquel año, Petrucci y Portnoy se tomarían un «break», pero -como ya es obvio- no para descansar, sino para formar parte de la gira «G3» junto a los eximios guitarristas Steve Vai y Joe Satriani. Terminada la gira, Petrucci y Portnoy volvieron a juntarse con el resto de la banda para afinar los últimos detalles del nuevo disco, cuyo título fue anunciado el 25 de Septiembre del mismo año: «Six Degrees Of Inner Turbulence«. Se trataría de un disco doble, que incluiría (en el segundo disco) el tema más largo de la historia de Dream Theater: 42 minutos. El disco fue lanzado a la venta a fines de Enero del año 2002, y quedó claro que estábamos ante un nuevo Dream Theater, quizás alcanzando menos luces que con su trabajo anterior, pero absolutamente consolidados como uno de los más grandes referentes del rock progresivo a nivel mundial, tendiendo a alejarse de las referencias a bandas como Queensrÿche o incluso Watchtower. Destacan en este corte la estupenda «The Glass Prison«, la sólida «The Great Debate» y, sobre todo, la majestuosidad del tema que da el nombre al disco, «Six Degrees Of Inner Turbulence«. Jordan Rudess narra en una entrevista el proceso de creación en el que se vieron inmersos: «Se hizo en dos partes. Para la primera parte disponíamos de un cierto plazo de tiempo en el estudio, el que empleamos para escribir y arreglar, pensar bien cada idea, dar a cada cosa su tiempo de desarrollo, y tras tres meses aproximadamente grabamos el contenido del primer disco. Nos miramos los unos a los otros, porque el resultado era un auténtico disco de Dream Theater, lleno de contenido. En ese momento llegamos a la conclusión de que podíamos escribir mucha más música, y así surgió el segundo disco y empezamos a escribir con energía, furiosamente. Creo que el disco nos captura escribiendo música de todas las formas en que lo hacemos: lento, melódico, rápido, improvisado … «. Un extensísimo tour, que duraría alrededor de un año (Enero a Noviembre), sería lo que vendría para la banda.

DT en escenario

En el mismo año 2002, Rudess sacaría a la venta otro disco como solista, titulado «4 NYC«, que incluye temas grabados en el Helen Hayes Performing Arts Center de Nyack, Nueva York, el 24 de Septiembre del 2001, y otros en estudio. Parte de los recursos generados con este disco irían para la Cruz Roja norteamericana. A este respecto, Rudess señaló: «Acabo de terminar un disco en solitario en el que colabora Dio. Se llama ‘4 NYC’ (For New York City) Es un álbum que se me ocurrió tras la tragedia del 11 de Septiembre. Ese es el concepto principal del álbum. La idea principal es que sea en beneficio de la Cruz Roja Americana. Es un homenaje a esta tragedia que ocurrió que afectó a todo el mundo. Tras esto voy a publicar en todo el mundo el año que viene un nuevo álbum … le hablé a mi esposa Danielle acerca de esto, y ella se dio cuenta que podríamos producir rápidamente el show. A través de Internet, la Cruz Roja norteamericana y algunos amigos, corrimos la voz rápidamente … una gran parte del show fue improvisada, toqué algunas canciones de Dream Theater y de Liquid Tension Experiment, e incluso hice una versión de ‘Mary Had a Little Lamb’, que me pidió mi hija Ariana cinco minutos antes del show«. Además, el año pasado se reeditó el disco «Speedway Blvd.«, de 1980, en el que Rudess participa protagónicamente. John Myung, mientras tanto, en el mes de Marzo, lanzaba junto a The Jelly Jam (ex Platypus) el disco homónimo «The Jelly Jam«.

Hoy en día, los músicos de la banda se encuentran inmersos en otros proyectos, sin descuidar a su banda matriz. John Petrucci se encuentra trabajando en su postergado primer disco como solista, junto a Dave LaRue (Dixie Dregs) en bajo, y Dave DiCenso en batería, y vive con su esposa, Rena, y sus tres hijos, SamiJo, Kiara y Reny, en Nueva York. Mike Portnoy (además de vivir con su esposa Marlene y sus hijos Melody y Max en Nueva York) acaba de lanzar el primer disco de su nuevo proyecto de «superbanda», junto a los connotados Kevin Moore (Chroma Key, ex Dream Theater) en teclados y Jim Matheos (Fates Warning) en guitarra, además de la participación como músico invitado de Sean Malone (Gordian Knot, ex Cynic), llamado O.S.I. («Office of Strategic Influence»). De acuerdo a las palabras de Portnoy, el disco «no es Fates Warning, no es Dream Theater ni es Chroma Key«. De este trabajo, titulado homónimamente, existe una versión de un CD y otra, limitada, de dos CDs, cuya segunda parte contiene, además de tres temas extra, una sección multimedia. James LaBrie y John Myung participaron en la segunda parte de Explorer’s Club, titulada «Raising The Mammoth«, junto a connotados músicos como Marty Friedman (ex Cacophony y Megadeth) y Trent Gardner (Magellan), entre otros. Además, James LaBrie fue entrevistado y aparece citado en muchas oportunidades en el libro «Pro Secrets Of Heavy Rock Singing», escrito por Bill Martin, y donde aparecen entrevistados de la talla de Bruce Dickinson, Tim ‘Ripper’ Owens, Angela Gossow (Arch Enemy) o Joe Lynn Turner, entre otros. Y Jordan Rudess, a fines del año pasado, lanzó otro CD, «Christmas Sky«, donde ejecuta improvisaciones basadas en conocidas melodías navideñas.

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De vuelta con la discografía, el séptimo compacto lanzado al mercado fue “Train of Thought” (2003) que, en general, es el trabajo más pesado hasta ahora sin dejar a un lado la línea progresiva característica de la banda; y en particular se escuchan menos melodías de guitarra, riffs potentes con distorsión y una voz que no proporciona mucha admiración. Mike Portnoy ejecuta la batería de manera impecable, mientras que el bajo da un sonido tan intenso como oscuro. Basta con escuchar el primer track, “As I Am” para deducir el tono del álbum. Posteriormente, se descubren pasajes técnicos de gran dificultad. Una de las partes más gloriosas de éste séptimo disco es la sección final de “This Dying Soul” en la que Petrucci y Rudess explotaron su habilidad veloz junto a la base sólida y constante de Mike y Myung.  “Honor Thy Father” ha sido fuertemente criticado por la inclusión de vocales rapeadas pero, de alguna manera, dan variedad al estilo de la banda. Es un tema referente a la vida de Portnoy, quien se destaca en la percusión (intro infernal).

dt10“Vacant” es un pequeño interludio de piano acompañado con apasionadas y pálidas melodías de LaBrie y arreglos nostálgicos de chelo, que además, es el preámbulo perfecto para la excelente obra instrumental “Stream of Consciousness” en la que cada instrumento juega un papel realmente increíble no por la técnica sino por las emociones que transmite. Este tema ha sido considerado en varias ocasiones como un tributo a la canción “Orion” de Metallica.

En temas como “Endless Sacrifice”, “This Dying Soul e “In The Name Of God”, se oyen interludios sumamente elaborados. La duración es larga ya que llevan una sucesión progresiva con una estructura un tanto comercial. Finalmente, en el interludio de «In The Name of God» se escuchan ritmos sincopados de Pornoy y Myung que dejan relucir las brillantes “psicofonías” de los miembros restantes.

Veinte años de una impresionante trayectoria su cumplen justo con la octava entrega de la banda, Octavarium (2005), que en definitiva, es un disco conceptual, pues cada parte del mismo gira alrededor de los intervalos musicales en la escala de Fa, elementos que están presentes subliminalmente. Este trabajo, continua con un interesante patron iniciado con “Six Degrees of Inner Turbulence” el cual es de seis temas, seguido de “Train of Thought” con siete tracks y Octavarium con ocho. Pero no son esos los únicos detalles: La primera pista empieza con la nota (fa) en la que termina “In the Name of God” del album anterior. La palabra Octavarium tiene como antecedente un libro del Vaticano denominado Octavarium Romanum, el cual fue mencionado por primera vez por Sixtus 5 y mencionado de nuevo por Clemente 8.

Como se puede observar, los números 5 y 8 aparecen en todo el album, apelando una octava de piano. El folleto también tiene características similares, por ejemplo, entre los ocho pendulos hay cinco aves. Así mismo, dichos péndulos representan cada canción y la nota en la que están afinadas. Como estos detalles hay una gran cantidad tanto en la música como en el arte impreso.

Esta vez es notorio el balance de los temas por individual ya que en cortes como “The Root of All Evil”, “Panic Attac” y Never Enough” el sonido es poderoso (sin tanta influencia de Metallica como en discos anteriores), no obstante las melodáss de la voz son más melancólicas de lo normal. Por otro lado, se escuchan influencias de rock progresivo clásico (Pink Floyd, Yes, entre otros) con rasgos alucinantes y destellos armónicos largos que se pueden apreciar en “The Answer Lies Within” y “Octavarium”, del que vale la pena subrayar que la música alude la idea de moverse en círculos y terminar en el principio (“we move in circles, this story ends where it began”), es decir, el último acorde es el mismo que inicia “The Root of All Evil” pero una octava más alta.

La polémica de este material se da con “I Walk Beside You”, con tendencia un tanto commercial, pues Portnoy aseguró no estar interesado en lo comercial después de que el album “Falling Into Infinity” decayó en la industria. Sin duda, este capítulo de Dream Theater simboliza su progresividad tanto en composición como en complejidad conceptual.

dt05Para celebrar el 20 aniversario de la banda y la gran carrera musical que han logrado estos virtuosos músicos, el 1 de abril del 2006 grabaron en la majestuosa sala Radio City Music Hall de Nueva York un dvd en vivo con un documental magnífico y un cd triple. Con Score, la banda proporciona un repertorio único, escoltada, por más de noventa minutos, por la Orquesta Octavarium para adornar las “magnum opus”. La orquesta se mantuvo oculta hasta la segunda parte del show. La calidad interpretativa de cada integrante es impecable, sin embargo, existe un deficit en ciertos detalles de la orquesta.  Otra de las sorpresas fue que el set incluía dos canciones inéditas: “Another Won” y “Raise the Knife”. A causa de ello, muchos de sus fans se manifestaron decepcionados debido a que esperaban escuchar más de los temas que los habían llevado a la cima y no sus primeras tonadas. Jordan Rudess realiza una excelente introducción de aproximadamente diez minutos con el continuum y su base giratoria en “Octavarium”.

También se puede admirar el sonido mejorado y afinado de LaBrie. No se puede hablar mucho sobre Dream Theater en esta jugada, ya que como ellos pronosticaban, éste seria uno de los grandes méritos de Dream Theater en escena, y así lo es, sin palabras.

Ahora bien, el noveno y más reciente lanzamiento de Dream Theater es Systematic Chaos (2007), repleto de distintos tipos de sonido: tan pesados como “The Dark Etnernal Night” hasta melódicos como “The Ministry of Lost Souls”. La velocidad es bastante variable y el promedio de duración de los temas es de diez minutos. El compacto empieza con una buena combinación de bajo, batería y guitarra que dan paso al teclado de Ruddes, quien se percibe mejor integrado en la banda y su interpretación se adapta muy bien al enfoque del disco. En “Forsaken” se escuchan suaves melodias entregadas por LaBrie, las clásicas pero espléndidas frases de Petrucci, un bajo con sonido profundo y el teclado con tonos escalofriantes debido a que la trama es sobre un hombre enamorado de una vampiresa.

dt06“Constant Motion” y “The Dark Eternal Night” son los cortes más pesados de Systematic Chaos. La estructura de “Constant Motion” y sus riffs fáciles de recordar dan la impresión de comercialidad. Para “The Dark Eternal Night” han habido diferentes críticas: algunas personas consideran que tiene una tonalidad demasiado nu-metalera y otras critican el efecto usado en la voz de Portnoy. Este trabajo tiene muchas memorias del pasado, tal como “Repentance” que es continuación de los pasos de Portnoy contra el alcoholimso. El teclado acentúa el sonido de la guitarra mientras que el bajo es misterioso e intenso. Esta canción apunta a varias ifluencias como el album Damnation de Opeth, Pink Floyd y/o Porcupine Tree.

Algunos fans afortunados tuvieron la oportunidad de cantar la tonada de guerra en medio y al final de “Prophets of War” la cual es una ilustración de la Guerra en Irak con notables influencias de la banda inglesa Muse. Se debe enfatizar que la entrega vocal de LaBrie es asombrosa. Las últimas dos canciones, “The Ministry of Lost Souls” e “In the Presence of Enemies Pt. 2”, son las más largas. La primera de las últimas es de carácter épico, y recuerda un poco la ya conocida “Sacrified Sons”. Petrucci se luce en el solo de la última canción con notas rápidas y llamativas. El dramatismo de la misma es muy bien concedido por Rudess, quien toma mayor protagonismo en la parte instrumental. Sin duda, una buena elección para finalizar su novena obra. En fin, Systematic Chaos es a todas luces una obra de ficción contextualizada en diferentes historias oscuras e infernales que dan una sensación de melancolía, tristeza y hasta cierto punto depresión tanto por el sonido de la música como por el tipo de letras.

Tal y como se ha comprobado, Dream Theater es una banda que no le tiene miedo a los cambios ya que cada álbum es diferente pero mantiene en sí la identidad misma de la banda, con lo que demuestran que con cada trabajo su habilidad técnica aumenta, mejora y principalmente, progresa. No por nada han sido valorados como la esencia del género o bien, los máximos exponentes del metal progresivo.

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sigue…

¿curioso por lo que sigue?…

DREAM THEATER - el cineOk, aquí está una imagen, a lo menos curiosa…
el «verdadero» Dream Theater.

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¿Lo mejor de Inglaterra? bueno, porqué no decirlo, la respuesta a esa pregunta ciertamente que podría ser sin ningún tapujo la siguiente: el Fútbol, el Gin, y Iron Maiden (fanáticos del Whisky, dije Inglaterra, no Escocia(!)), y bien, hablando ahora muy en serio, lo que va a vivir el mundo del metal a partir del 1 de febrero del 2008 es algo tan tremendamente especial, que merece que todas las páginas del género en todos los continentes brinden el debido homenaje a este grupo de músicos que cambió las vidas de muchos de nosotros, los británicos Iron Maiden, quienes a través del «Somewhere Back in Time World Tour», cual máquina del tiempo, nos llevarán atrás en las eras y edades…no solamente a lo mejor de los 80´s, sino también a Egipto (Powerslave), Macedonia y Persia (Alexander The Great), Mongolia (Gengis Khan), la Segunda Guerra Mundial (Aces High), la alta mar de los piratas (The Rime of The Ancient Mariner), la batalla de Balaclava (The Trooper), el mito de Ícaro y tantos, tantos otros lugares a través de la magia de la música reforzada con la potencia del metal…esta gira es un regalo de los Dioses…

Para muchos de nosotros Iron Maiden es mucho más, pero es que mucho más que la banda favorita, ellos ya son nuestros amigos, parte de nuestras vidas, «blood brothers» de verdad, no importa que no los conozcamos en persona, al momento de tener un álbum y un tema para cada una de las etapas de nuestras vidas, ya son parte de la historia que escribimos en esta tierra, y parte de las vivencias que nos llevaremos a la tumba, momento en que ciertamente recordaremos el tema «Die with your boots on»! la verdad mientras escribo estas líneas me parece increíble que en el 2008 tengamos las oportunidad de revivir en un show los grandes éxitos de los 80´s con motivos escenográficos del Powerslave…para los «viejos» sobre 30 será la mejor forma de recordar nuestra niñez y juventud de una época increíble del heavy metal, para los más jóvenes, la oportunidad de sus vidas de conocer a UNA BANDA DE VERDAD, así de simple, sin más que decir en estos meses de emoción extrema, ahora más que nunca hermanos de sangre en el metal, esperemos nuestro turno con un eterno UP THE IRONS!!! (prólogo de MTWebmaster)

EL COMIENZO DE LA LEYENDA

Iron MaidenEn 1971, un quinceañero llamadoSteve Harris vivía entre dos pasiones : la música y el West Ham United, equipo de fútbol de la Premier League de Inglaterra. Steve, quien poseía (y posee) bastante talento para el fútbol, se vio un tanto decepcionado al ver que muy pocos de los jóvenes como él llegarían a ser futbolistas profesionales, por lo que poco a poco fue trasladando sus esfuerzos hacia la música y decidió adquirir un bajo por la módica suma de 40 libras esterlinas. Así, inspirado en bandas como Jethro Tull o Genesis, formaría después de poco tiempo lo que fue su primera banda, llamada Influence, que posteriormente cambió su nombre a Gypsy’s Kiss. Después de algunas pequeñas tocatas, Steve abandonó la banda para unirse a Smiler, agrupación compuesta de jóvenes bastante mayores que él, y con la cual adquirió la experiencia suficiente como para dar a luz a su proyecto personal. En esos tiempos, el auge del movimiento punk era prácticamente inhabilitante para el nacimiento de bandas que cultivaran un estilo distinto, pero Harris deseaba otra cosa.

Así, ya en 1975, inspirado en la película «The Man In The Iron Mask» y en la dudosa femineidad de la Primera Ministra de Inglaterra de aquellos entonces, Margaret Thatcher (apodada «la Dama de Hierro», quien incluso aparece caricaturizada en la carátula de «Women In Uniform», cover de una banda llamada Skyhooks, que aparece en el álbum «Guilty Until Proven Insane»), Steve Harris encontró el nombre para su banda : Iron Maiden. Ya con el tema del nombre resuelto, Steve comenzó a buscar músicos en su barrio, el East End de Londres, reclutando a Terry Rance y Paul Sullivan en las guitarras, a Ron Matthews en la batería y al cantante Paul Mario, quien fue reemplazado poco después por Dennis Wilcock (con quien había tocado en Smiler). Éste recomendó a Steve a un rubio y joven guitarrista, con rostro felino, que hacía sus primeras armas en Urchin, llamado Dave Murray, lo que motivó la partida de Rance y Sullivan de la banda (quienes vieron esto como una falta de respeto), llegando Bob Sullivan («Bob D’Angelo») a suplir esa plaza faltante. Y además, Ron Rebel reemplazó a Matthews en la batería. Poco después, luego de múltiples cambios -donde incluso Iron Maiden tuvo ¡tecladista!, Tony Moore, y Dave Murray fue echado de la banda por Wilcock, para posteriormente volver-, otro ex-Smiler, Doug Sampson, llegaría a tomar las baquetas, mientras buscaban otro vocalista. Y en ese entonces un compañero de Steve le recomendó a un cantante de apellido italiano con tendencias algo punk y con un gran carisma, que mostraba sus virtudes en Bird Of Prey. Su nombre era Paul Di’Anno, quien debutaría el 31 de Diciembre de 1977 en el Pub «Ruskin Arms«.

En esos entonces la situación de Iron Maiden era complicada. Las casas discográficas les hicieron algunas ofertas, a condición de que se cortaran el pelo y se volvieran una banda punk, lo cual Steve Harris estaba lejos de desear. La dura indiferencia, sumada a la reticencia de las radios a incluir bandas metaleras en sus programaciones, se convirtieron en una gran razón para no claudicar. Pero a fines de 1978, tiempo en el cual tocaban por algunas cervezas y se trasladaban en una furgoneta que ellos llamaban «The Big Goddess», la situación comenzó a cambiar y lograron grabar un demo, que contenía los temas «Prowler», «Invasion», «Strange World» y «Iron Maiden». Para dimensionar la pobreza franciscana en la cual Maiden se inició, hay que decir que no pudieron pagar el cassette original. Dave Murray le entregó su copia a Neal Kay, un DJ que dirigía la noche rockera en «The Soundhouse», un lugar casi de mala muerte, donde Maiden comenzaría a pavimentar su camino a la fama. En honor a esto, la banda elaboraría poco tiempo después un EP llamado «The Soundhouse Tapes«, que fue originalmente distribuido en forma independiente (vendió 3.000 copias en la primera semana) y que llegaría a transformarse en un ícono de colección.

Una de las copias de la cinta llegó a manos de Rod Smallwood -personaje clave en la historia de Maiden- quien, encantado con la banda, acudió a una presentación en vivo bastante accidentada de la doncella en donde Paul Di’Anno fue detenido horas antes por el cargo de posesión de arma blanca, por lo que el repertorio fue en su mayoría instrumental y Steve las hizo de vocalista en los restantes temas. A pesar de este inconveniente, Smallwood ofreció ser el manager de la banda, lo cual aceptaron. Poco después, tras una presentación en «The Marquee» con alrededor de 700 fans, Iron Maiden firma contrato con EMI, en lo que se convirtió en un tremendo paso. Ya con EMI, la banda grabó en 1979 dos temas, «Sanctuary» y «Wrathchild», para la compilación «Metal For Muthas«, con Di’Anno en las voces, Murray y el recién llegado Tony Parsons en las guitarras, Steve en el bajo y Doug Sampson en batería.

EL SEXTO INTEGRANTE Y LOS PRIMEROS DISCOS

Doug comenzó a tener algunos problemas de salud, por lo cual salió de la banda, siendo sustituido por Clive Burr. Y Tony Parsons nunca enganchó con la «onda» de la banda, por lo cual también la dejó, llegando en su reemplazo Dennis Stratton, quien era el gerente del pub «The Cart & Horses», en Leytonstone, Londres. Así, con una formación renovada, la banda salió de gira en Febrero de 1980 para promocionar el «Metal For Muthas» y celebrar la edición de su primer single, «Running Free», que ascendía al nº 44 en los rankings británicos. La banda recibe una oferta de la BBC, para tocar en el programa “Top Of The Pops”, lo cual aceptaron a condición de tocar en vivo (serían los primeros desde que The Who lo hiciera ocho año antes).

El día 14 de Abril de 1980 la doncella da a luz a su primer hijo. «Iron Maiden» alcanzó un impresionante nº 4 en los rankings, lo que fue consecuencia de la enorme popularidad que estos jóvenes estaban alcanzando -con temas increíbles como «Phantom Of The Opera«, «Running Free» o «Prowler«, entre otros- lo que trajo como consecuencia que incluso fueran invitados a la gira británica nada menos que de Judas Priest (la invitación fue cursada personalmente por Rob Halford), quienes recientemente habían lanzado su clásico de clásicos, «British Steel». Como anécdota, el clásico tema «Sanctuary» no se incluyó en la primera edición del disco, por cuanto causó polémica por ciertas alusiones a Margaret Thatcher, a quien podríamos decir que «tenían de casera». Es cosa de ver la carátula.

Y en ese tiempo, puntualmente en Enero del mismo año 1980, nace el -en ese entonces- sexto integrante de Iron Maiden. De la mano de Dave «Lights» Beasley, nace «Eddie«, la mascota de la banda, que aparece en todas y cada una de las carátulas oficiales de los trabajos de la banda. Se dice que el nombre “Eddie” se habría originado de un viejo chiste inglés, que hablaba de un niño llamado Eddie que no tenía cuerpo sino sólo cabeza, que rogaba no recibir más sombreros de regalo para Navidad. Perfeccionado y rediseñado posteriormente por Derek Riggs, Eddie, quien ha aparecido como un faraón, un cyborg o un demente con camisa de fuerza, ha pasado, por derecho propio, a transformarse en un integrante más de la banda, estando presente en las presentaciones en vivo y evolucionando al mismo ritmo que lo ha hecho la banda.

Posteriormente, la banda hizo una gira de dos meses por las islas británicas, además de cuatro presentaciones en «The Marquee», con lleno total. En el mes de agosto, acompañan a Kiss en su gira europea y en el Festival de Reading, donde además comparten escenario con UFO. Y al terminar la gira, la tensa situación entre Dennis y el resto de la banda se hizo insostenible, por lo que Iron Maiden se quedó con sólo un guitarrista -Stratton formaría una banda llamada Lionheart-. Pero no sería por mucho tiempo, pues Dave Murray recomendó a un ex-compañero de Urchin, un delgado (en aquellos entonces) y pulcro guitarrista llamado Adrian Smith, quien se unió a la banda poco después.

Iron MaidenCon esta nueva alineación, y bajo la producción de Martin Birch, el 2 de Febrero de 1981 salió al mercado el segundo trabajo de Iron Maiden, denominado «Killers«, que obtuvo doce discos de oro alrededor del mundo y llegó a situarse en el nº 12 de los rankings ingleses. Eddie aparece en la portada en una calle, con un hacha goteando sangre, y en los edificios que se pueden ver a la izquierda de Eddie se aprecia una parte del «Ruskin Arms», pub donde debutó Paul Di’Anno, y un sex shop.

Con temas como «Purgatory«, «Wrathchild» y «Murders In The Rue Morgue«, «Killers» mostró una mayor sofisticación en la elaboración de la canciones por parte de la doncella, sin perder la fuerza con la cual emergieron en una escena inhóspita. Tras visitar por primera vez países como Canadá, EEUU y Japón, lanzan un single en vivo (con temas grabados en este último país), llamado «Maiden Japan», parafraseando al clásico «Made In Japan» de Deep Purple. Además, graban el video «Live At The Rainbow».

A pesar del éxito anteriormente señalado, existía algo que la banda nunca había tenido: estabilidad. Y ahora el turno de abandonar la banda era de Paul Di’Anno, quien llevaba una vida totalmente ligada al «ideal» rockero del «sexo, drogas y rock’n’roll», lo cual estaba deteriorando su salud y especialmente sus cuerdas vocales. Y este hecho marcaría historia, pues su reemplazante, un ex estudiante de historia, admirador de Ian Gillan y respetado esgrimista, un tal «Bruce Bruce», el enmascarado cantante de Samson, se transformaría en uno de los más grandes vocalistas de la historia del heavy metal.

LA FORMACIÓN IDEAL Y LA ETAPA DORADA

En efecto, a Bruce Bruce, el vocalista de Samson, le encantó la idea de tocar con Iron Maiden. Tras una audición en la cual Steve quedó sorprendido por la potencia de la voz de Bruce, éste quedó oficialmente integrado a la banda, retomando su verdadero nombre, Bruce Dickinson. Nacido en Agosto de 1958, cantó por primera vez en público cuando era muy pequeño, haciendo una sui generis interpretación de la canción de su héroe del momento, Popeye el Marino. Bruce pasó su juventud en la ciudad de Sheffield, donde pasó su adolescencia, trasladándose luego a Londres, donde ingresó al Queen Mary College, uniéndose al grupo «Speed» y más tarde a «Xero», con quien grabó un demo. Luego cantó en «Shots», para unirse posteriormente a Samson.

Con el objeto de que Bruce se acoplase, Iron Maiden realizó algunos recitales en Italia, para posteriormente presentarlo al público inglés, quien lo apodó “The Air Raid Siren” (sirena de ataque aéreo), por la potencia de su voz. Y es sabido que el público metalero no es muy dado a dar oportunidades a los reemplazantes, pero Bruce se metió al público al bolsillo en muy poco tiempo.

Ya con Dickinson en la banda, llegaría el momento de la consagración definitiva. Su nuevo trabajo, “The Number Of The Beast”, salió a la venta el 29 de Marzo de 1982, ubicándose en los primeros diez lugares en los rankings de toda Europa, y fue el primer álbum de Maiden en ubicarse en el nº 1 de las listas inglesas. Con una excelente carátula (Eddie sujetando con cuerdas de marioneta al demonio, quien a su vez maneja de la misma forma al parecer al mismo Eddie) y con temas clásicos como “The Number Of The Beast”, “Run To The Hills” (el single del álbum, que llegó a ubicarse en el nº 7 de los rankings) y “Hallowed Be Thy Name”, entre otros, este trabajo es considerado como el que llevó a la consagración a esta banda inglesa, mostrando una actitud arrolladora, sonidos armónicos con el notable aprovechamiento de las twin guitars y sobre todo con la maravillosa voz de Bruce. Como anécdota se cuenta que durante la grabacion del álbum, a los integrantes de Maiden les sucedieron cosas bastantes extrañas, como amplificadores que dejaban de funcionar sin razón aparente, luces que se apagaban, pero sin dudas lo más curioso es lo que le sucedió a Martin Birch, productor del disco, que iba rumbo al estudio y sufrió un pequeño acidente en auto, cuya reparacion le costó 666 libras esterlinas, decidiendo pagar 670.

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Pero el final de la gira marcaría un punto oscuro en la banda, pues el baterista Clive Burr, aludiendo a una serie de problemas personales y al intenso ritmo de trabajo, decide abandonar la banda, lo cual era sorpresivo, pues Burr acababa de ser votado como uno de los tres mejores bateristas del mundo por una prestigiosa revista londinense. Y es así como Iron Maiden recordó al baterista de los franceses Trust, quienes apoyaron a Maiden en la gira del álbum “Killers”. Y es así como Nicko McBrain arriba a la banda, configurando lo que, para muchos, es la alineación ideal de Iron Maiden.

La banda voló a Nassau, Bahamas, para grabar su cuarto disco, y aprovechando su estancia en aquel paradisíaco lugar, decidieron aprovechar de grabar el video de su nuevo single, “Flight Of Icarus”. El guión del video indicaba que apareciera alguien maquillado de azul y vestido de monje, papel que fue representado por Nicko. Y así, en Mayo de 1983 salió a la venta “Piece Of Mind”, trabajo que en su artwork muestra a un Eddie con camisa de fuerza y encadenado. Rápidamente, este disco alcanzó el nº 3 en los rankings británicos. Este trabajo mostró otras facetas de la banda, con un sonido un poco más elaborado y con un pequeño toque de mayor complejidad en las composiciones -como vemos en la maravillosa “To Tame A Land” (que originalmente iba a llamarse como el libro en que se inspira, «Dune», pero su autor, Frank Herbert, lo impidió, amenazando incluso con demandar a la banda)-, aunque sin perder la actitud guerrera, como vemos en el clásico “The Trooper”, o en “Where Eagles Dare”.

La banda llevó a cabo entonces el “World Piece Tour”, recorriendo prácticamente los mismos lugares de su gira anterior, culminando con una presentación televisada en Dortmund, Alemania, en cuyo show la banda atacó “brutalmente” a Eddie, lo cual causó cierta controversia.

Iron MaidenSi lo que hemos visto hasta ahora es histórico y consagratorio, lo sucedido en 1984 lo sería aun más. La salida a la venta en Septiembre de su quinto trabajo en estudio, “Powerslave”, marcó una etapa importantísima en la banda. En este trabajo, que cuenta con un artwork absolutamente de lujo, con Eddie convertido en una especie de faraón en medio de una pirámide egipcia (y con millones de detalles), la complejidad compositiva insinuada en “Piece Of Mind” llega a niveles fantásticos, especialmente con dos joyas de la historia del metal, como “Rime Of The Ancient Mariner” (obra basada en un poema de Samuel Taylor Coleridge, que narra la maldición que recae sobre un marinero que mata a una gaviota) y “Powerslave”, sin perder la agresividad, que vemos en “Aces High”, y sobre todo marcando el “sonido Maiden”, con el bajo en un rol protagónico, las twin guitars haciendo de las suyas y Bruce retando a que alguien cante como él.

El éxito de “Powerslave” hizo que Iron Maiden llevara a cabo un tour a gran escala, llamado “World Slavery Tour”, que constó de alrededor de 300 conciertos en poco más de un año, visitando incluso países sometidos a regímenes comunistas como Polonia, Hungría o Yugoslavia, en pleno período de la guerra fría entre EEUU y la URSS, y la “Cortina de Hierro”, que dividía al mundo occidental del comunista. Y la doncella demostró que su música estaba más allá de las luchas políticas, en lo que fue considerado como un hito histórico. Además de esto, la banda visitó por primera vez Sudamérica (puntualmente Brasil), en lo que fue un majestuoso Rock In Rio (con un público aproximado de 200.000 personas), compartiendo escenario con Queen, AC/DC y Ozzy Osbourne, entre otros. Con un Eddie transformado en un atemorizante monstruo de casi 20 metros de altura y con un Dickinson recordado (y en vigencia) como uno de los mejores frontman de la historia, la puesta en escena de la banda sobresalía, resaltándose las performances en el Hammersmith Odeon y cuatro noches consecutivas en el Long Beach Arena en California, Estados Unidos, las cuales fueron aprovechadas para sacar para grabar un disco doble y un video de sus presentaciones en vivo, en el mejor momento de la banda. El disco y el video, llamados “Live After Death” (uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal), salieron a la venta e 14 de Octubre de 1985, llegando al nº 2 del ranking de ventas. Notable es el inicio del show, con una arenga guerrera de Sir Winston Churchill.

El 29 de Septiembre de 1986 salió a la venta el sexto disco en estudio de la banda. “Somewhere In Time”, grabado en Münich, Alemania, y Nassau, marca un notorio cambio en el sonido de la banda, pues ésta comienza a utilizar sintetizadores como fondo en varios temas, lo cual causó escozor en algunos fans. Pero tras escuchar temas como “Caught Somewhere In Time”, “Heaven Can Wait” o la fantástica y épica “Alexander The Great”, los temores se esfumaron. Y un punto aparte en este trabajo es su artwork, para muchos metaleros el mejor que se haya hecho en la historia, pues muestra a un Eddie futurista en el centro de Londres, y con una serie de detalles (que especialmente pueden apreciar quienes tengan la versión en vinilo) perfectamente diseñados por Derek Riggs que lo hacen merecedor de comentarios y análisis aparte.

Iron MaidenLamentablemente no todo podía ser color de rosa. El aporte creativo de Bruce Dickinson se redujo notablemente, al tiempo que Steve Harris tendía a ensimismarse en la composición de los temas. Y esto se unió a que se originó un montón de versiones separatistas debido a la poca repercusión del disco, considerando las expectativas generadas. Todo esto se vio acrecentado debido a que Steve Harris decidió dedicarse a trabajar con su amiga, la cantante Anita Dobson, componiendo algunos temas y participando de la grabación de su álbum. Y otra revista especializada señalaba que Bruce estaba hastiado de las “tiranteces que imperan en Maiden”. Pero la gota que rebalsó el vaso emanó del propio sello grabador de Iron Maiden, el que señaló que la grabación del nuevo álbum estaba postergada indefinidamente, y que sería reemplazada por una remasterización de “Killers”. Esto provocó la reacción de Dave Murray, quien desmintió tajantemente los rumores de separación, tranquilizando de cierta forma a los fans.

A pesar de todos estos problemas, la banda llevó a cabo el “Somewhere On Tour”, que contaba con un inmenso Eddie convertido en cyborg, y que comenzó en Belgrado, Yugoslavia, y terminó en Osaka, Japón, en lo que fueron más de ocho meses. La banda registró algunos momentos del tour y algunas entrevistas y los lanzó a la venta en 1987, en un video llamado “12 Wasted Years”.

EL SÉPTIMO HIJO Y LA PARTIDA DE ADRIAN

La banda ya se encontraba preparada para lanzar su séptimo trabajo en estudio. Pero antes de ello decidió grabar un video promocional de su single, “Can I Play With Madness”, el que sería dirigido por Terri Gillian, director de la película “Brazil”, y que sería una especie de “mezcla entre ‘Monty Phyton’ y ‘Los Cazadores del Arca Perdida’”, según Gillian.

Iron MaidenYa con el video estrenado, Iron Maiden lanzó su séptima placa, titulada “Seventh Son Of A Seventh Son”, disco inspirado en el libro de Orson Scott Card llamado «Seventh Son». El séptimo disco de Maiden inmediatamente alcanzó el nº 1 en el ranking inglés y se mantuvo durante muchas semanas en el top 5. Con un artwork rayando en lo demoníaco y convertido por la historiografía metalera como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos, este trabajo, que es considerado por muchos dentro de lo mejor de la discografía de Maiden, acentúa las bases de sintetizadores esbozadas en “Somewhere In Time” (de hecho en los shows habría un tecladista invitado, Coun Kenney), sin perder su sonido clásico y llegando a niveles de majestuosidad con temas como “Seventh Son Of A Seventh Son”, “Infinite Dreams” o “Moonchild”, entre otros.

La banda decidió entonces centrar su gira, denominada “Seventh Tour Of A Seventh Tour”, en Estados Unidos, la cual se desarrolló con mucha efervescencia por parte de los fans, pero sin provocar mayores altercados. Pero lo que verdaderamente generó comentarios de toda índole fue la actitud de ciertos personeros estadounidenses, entre los cuales se incluía al conservador reverendo Jimmy Swagart, quienes enarbolaron la bandera de la censura contra esta banda británica, calificándola de satánica, e incluso utilizando una foto del mismísimo Steve Harris para la portada de un libro en el que hablaba de los “alcances demoníacos y degenerantes” del Heavy Metal, ante lo cual Steve demandó a Swagart por el uso sin autorización de su imagen, y además se determinó a arrasar en los Estados Unidos, con el fin de obtener el reconocimiento que sí tenían en Europa. Y no está de más señalar que en aquel entonces el señor Swagart, cuyo pasado no era muy católico, estuvo involucrado en escándalos con prostitutas, lo cual restaba toda validez a sus críticas acerca de ética y moral.

El punto más alto de la gira se logró en el recital de Donington, en lo que según muchos constituyó el mejor recital de la historia de Maiden y que contó con dioses del rock como Kiss, David Lee Roth, Guns N’ Roses y Helloween, entre otros. Y la banda decidió tomarse un reponedor descanso en 1989, tiempo que Bruce y Adrian aprovecharon en llevar a cabo proyectos solistas. Bruce grabó junto a otros rockeros ingleses una versión de “Smoke On The Water” de Deep Purple, donde conoció a su ídolo Ian Gillan, y se decidió a lanzar su primer álbum solista, denominado “Tattooed Millionaire”, que se enmarca en un estilo que no tiene mucho que ver con Maiden, más relajado y rocanrolero, en el cual trabajó con un guitarrista llamado Janick Gers.

Iron MaidenLo de Adrian tuvo otros matices. Además de su intención de sacar a la luz su proyecto solista con su bandaAdrian Smith & Project (A.S.A.P.), llamado “Silver And Gold” -proyecto en el cual además se hizo cargo de la vocalización-, era sabido que, debido a su introvertida personalidad, a Adrian le resultaba cada vez menos cómodo y satisfactorio el estar en una banda tan importante, y que requería tanto desgaste, como Iron Maiden. Y es así como, poco tiempo después de sacar a la venta su video “Maiden England”, y conjuntamente con la celebración de los diez años de la banda como la estrella de la compañía EMI, Steve Harris anunciaba la amistosa salida de Adrian Smith de Iron Maiden, a pesar de haber compuesto partes de siete temas del próximo disco, y haber grabado una parte de «The Assassin». Sólo siete días después se anunciaba su reemplazante, que, para variar, estaba al alcance de la mano: el ya mencionado Janick Gers, nacido en el norte de Inglaterra, cuya familia es oriunda de Polonia. Tras tocar en bandas escolares (covers de T-Rex, Led Zeppelin y Deep Purple), fundó la banda «White Spirit» a principios de los ochenta, década en la cual tocó con Ian Gillan.

El trabajo que, como señalamos, vagamente había comenzado antes de la salida de Adrian, continuó como si no hubiese habido cambios. Y es así como el 1 de Octubre de 1990 Iron Maiden lanza su octavo trabajo en estudio, llamado “No Prayer For The Dying”, trabajo que, extrayendo el sonido de teclados y sintetizadores, intenta dar al sonido Maiden una connotación un poco más sencilla y directa, como se ve por ejemplo en temas como “Holy Smoke” (que tiene un video bastante divertido), “Tailgunner” o “Run Silent Run Deep”. Y si bien es cierto el álbum debutó con un nº 2 en los rankings ingleses, no consiguió la popularidad de los álbumes anteriores. Con un afán de hacer más sencilla, austera y directa su puesta en escena, la banda, en su “No Prayer On The Road Tour”, sólo usaba un telón gigante en sus presentaciones en vivo, las cuales se vieron ciertamente limitadas en su número debido a la tensión internacional emanada del conflicto bélico entre Estados Unidos e Irak, en la llamada “Guerra del Golfo”. Y el toque de distinción lo hizo el gran despliegue escénico de Janick, quien demostró que su carácter y su entusiasmo estaban lejos de ser similar a la pulcra timidez que Adrian Smith mostraba en escena.

Iron MaidenPara el nuevo disco, se hizo una especie de concurso entre varios artistas para diseñar a Eddie. Y así fue como triunfó el modelo diseñado por Melvyn Grant, con un terrorífico Eddie saliendo de un árbol que, sin duda, se convirtió en una de los mejores cover arts de Maiden. El 11 de Mayo de 1992 salió a la venta la novena placa de Iron Maiden, llamada “Fear Of The Dark”, que a pesar de haberle dado a la banda su tercer nº 1 de la historia, es un disco un tanto irregular, que en todo caso llevó un par de gemas al olimpo del Metal, “Fear Of The Dark” y “Be Quick Or Be Dead”, además de otros temas muy interesantes como “Afraid To Shoot Strangers” o “Judas Be My Guide”.

La banda inició en Escandinavia su “Fear Of The Dark Tour”, para posteriormente, en Agosto, presentarse por segunda vez en Donington, donde grabaron un nuevo disco doble en vivo, e incluso contó con la presencia de Adrian Smith en «Running Free». Incluso la banda visitó Sudamérica, y estuvo algunas horas en Chile, donde tenía presupuestado tocar el día 23 de Julio en la Estación Mapocho, pero no pudo hacerlo debido a que el «recinto no cumplía con los requerimientos técnicos», como se dijo en aquella época. Pero todo sabemos que la verdadera razón estuvo dada porque grupos ultra católicos y moralistas, que tildaron a la banda de satánica, terminaron por impedir la realización del recital de Iron Maiden en nuestro país, para desazón y furia de los fans y de los integrantes de la banda. A pesar de este impasse, la banda continuó su exitoso tour a lo largo del mundo. Pero algo no andaba bien.

GOOD-BYE BRUCE

Bruce Dickinson estaba cansado. Sentía que no podía desarrollar todo su potencial compositivo con Iron Maiden, y que su etapa en la banda estaba cumplida, por lo que, en términos más o menos amistosos, emigró de la banda. Steve Harris no manifestó su molestia de inmediato, sino que primero se encargó de recopilar el extenso material en vivo generado de sus múltiples presentaciones, y decidió que se lanzaran dos discos en vivo por separado, uno con material anterior a 1985, “A Real Dead One”, y uno con material posterior, “A Real Live One”. Bruce fue despedido en un impresionante recital, que se llamó “Raising Hell”, televisado a muchos países.

Bruce señaló en su comunicado de despedida: «Estos últimos meses junto a los muchachos han sido fabulosos, los mejores que pasamos juntos, seguramente. Porque vivimos intensamente cada presentación, cada almuerzo, cada ensayo. Pienso que todo ese sentimiento quedo también reflejado en el álbum («A Real LIVE/DEAD One»), porque si bien cuando lo grabamos todavía no les había dicho que me iría, yo sabía que ese era el último trabajo que haríamos juntos. Y me entregué con todo a la grabación. Si hasta soñaba con ella. Y por eso la llevo en un lugar privilegiado de los recuerdos. Creo que es una pequeña joya que me ayudará mucho en el nuevo rumbo que tendrá mi vida. Quiero agradecer a todos los que siempre nos apoyaron en la banda y pedirles que lo sigan haciendo, por que estoy seguro de que los muchachos van a seguir brindando lo mejor de si en cada canción, Y en ellos hay mucho talento para dar todavía, porque tienen una veta creativa inextinguible. Es difícil enfrentarse al adiós, pero hay que hacerlo, gracias«.

Después de pasada la efervescencia y la desazón por la partida de Bruce, Steve Harris señaló a la prensa su molestia no por la salida de Dickinson, sino por lo que éste declaró a la prensa, en el sentido de que su molestia y desmoralización respecto a la banda venía desde mucho tiempo antes. Steve declaró entonces que si Bruce se sentía así, él mismo le habría dicho mucho antes que se fuera de la banda.

Iron Maiden

Y obviamente la búsqueda del reemplazante de Bruce sería una cuestión que no sólo llamaría la atención de la banda, sino que del público metalero en general. Así, se realizaron audiciones por todo el mundo, rumoreándose que el vocalista podría haber sido Michael Kiske, en ese entonces vocalista de Helloween, o Joey Belladonna, ex-Anthrax, o incluso el mismísimo Paul Di’Anno. Pero nada de eso llegó a ser cierto, pues después de escuchar 4.959 cintas, la banda se decidió por un discreto y poco conocido vocalista de una banda conocida por Maiden llamada Wolfsbane. Su nombre era Blaze Bayley.

LA ERA DE BLAZE

Con la llegada de Blaze, y de su nuevo productor, Nigel Green (quien compartiría funciones en ese ítem con Steve Harris), Iron Maiden comenzó a trabajar en lo que sería su décimo trabajo en estudio. Y así, el 2 de Octubre de 1995 (año en el cual Bruce Dickinson visitó por primera vez nuestro país, el día 9 de Marzo en el Teatro Monumental) sale a la venta “The X-Factor”, un disco bastante largo y con un sonido absolutamente distinto a cualquier otro trabajo de Iron Maiden, que raya en lo oscuro, intentando explotar al máximo el limitado campo vocal de Blaze. Con temas como “Man On The Edge”, “Lord Of The Flies” y sobre todo la magistral “Sign Of The Cross”, Maiden marcaba el comienzo de una era distinta, quizás más oscura, con menos revoluciones y, sobre todo, intentando sopesar el enorme fardo que les dejó la partida de Bruce pues, para la mayoría de los fans, era imposible imaginar a Maiden sin Dickinson.

Iron MaidenY así fue como Iron Maiden quiso mostrar su nueva conformación al mundo metalero. El tour, al cual llamaron “The X-Factor”, los llevó a lugares “exóticos” para estos efectos, como Israel o Sudáfrica y,¡al fin!, a nuestro país, donde llevaron a cabo una presentación el Jueves 29 de Agosto de 1996. Con un Teatro Monumental lleno hasta las banderas, Iron Maiden llenó de emoción a los fans que los esperaron durante tanto tiempo, a pesar de la limitadísima voz de Bayley y de un par de incidentes (como el palo que le lanzaron a la banda telonera, los hispanos de Héroes del Silencio), que no lograron empañar el éxtasis de aquella noche.

El nuevo Maiden decidió echar una mirada hacia atrás, para lanzar su primer álbum recopilatorio, que se llamaría “Best Of The Beast”, que incluiría un tema nuevo, “Virus”. Con el “pretexto” del nuevo disco, la banda prolongó la gira, mientras se preparaba el material para el nuevo trabajo, el segundo de la era Blaze.

Mientras tanto Bruce Dickinson, un poco aburrido de sus experimentaciones cercanas al rock alternativo (junto a su banda “Skunkworks”, con la cual realizó un disco llamado de la misma forma), lanza, con el tremendo apoyo de la guitarra de Adrian Smith, un tremendo disco, llamado “Accident Of Birth”, en el cual volvía a sus raíces metaleras y a mostrar que su voz estaba más vigente que nunca. Y con la gira de ese disco, Bruce nos visitó por segunda vez la noche del Viernes 21 de Noviembre de 1997 en el Velódromo del Estadio Nacional, junto a Ronnie James Dio, Jason Bonham y The Scorpions, en una presentación memorable para quienes tuvieron la fortuna de asistir, especialmente para los fanáticos de Iron Maiden, quienes deliraron con los tres temas de la doncella que Bruce, Adrian y compañía ejecutaron aquella noche.

La banda se preparó entonces para lanzar su undécimo álbum en estudio. Intentando abordar el tema de la computación y la consecuencial deshumanización por parte de la sociedad, mezclado con alusiones futboleras (incluyendo la polera oficial de fútbol de la banda), “Virtual XI” salió a la venta a fines del mes de Marzo de 1998. Con, según muchos, el peor cover art de la historia de Iron Maiden (hasta ese momento), y sólo ocho temas, este trabajo desilusionó a muchos fans y reactivó la ilusión de otros. Temas como la excelente “The Clansman”, “Futureal” y “When Two Worlds Collide” llamaron la atención de los fans, y muestran una buena vocalización por parte de Blaze, hasta que se tomaba cualquier cosa de Dickinson y muchos nos preguntábamos qué estaba haciendo Bayley en Maiden.

Y mientras tanto, Bruce Dickinson junto a Adrian Smith estaban lejos de perder el tiempo, lanzando a la venta un tremendo disco llamado “The Chemical Wedding”, que llevó, tanto a muchos de los fans de Maiden como a la crítica especializada, a manifestar que el trabajo de Bruce como solista superaba con creces al de Iron Maiden con “Virtual XI”.

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Y era el turno del tour mundial, que los llevaría a múltiples lugares del mundo, incluyendo una nueva presentación en Santiago el día 10 de Diciembre de 1998, junto a los dioses del Power y del Thrash Metal, Helloween y Slayer, respectivamente. Pero nuevamente las circunstancias jugaron una mala pasada, puesto que el gobierno inglés recomendó a sus artistas connacionales que no visitaran nuestro país, por temor a algún tipo de represalias de inadaptados y subnormales debido a la detención en Londres del General Pinochet. Y así, por segunda vez, los fanáticos mordimos el polvo de la derrota.

CINCO, MENOS UNO, MÁS DOS, SON MÁS QUE SEIS…

Pero después del trago amargo que vivimos al no poder, por segunda vez, ver a Maiden en Chile, el día Viernes 12 de Febrero de 1999 recibimos una sorprendente noticia : Bruce Dickinson regresaba a Iron Maiden, marcando la salida de Blaze Bayley casi por la puerta de atrás. De hecho, el rumor cuenta que el descontento de la banda con Blaze era tan grande que éste viajaba en una van y el resto de la banda lo hacía en otra, casi sin hablarse. Después del show en Buenos Aires, Janick Gers les habría dicho a algunos miembros del crew que ya no aguantaba más a Blaze.

Pero Bruce no volvía solo, lo hacía junto con Adrian Smith, configurando un inédito trío de guitarras sólo experimentadas por Lynyrd Skynyrd. Bruce aprovechó de hacer unos últimos recitales junto a su banda, para lanzar un excelente disco en vivo titulado “Scream For Me Brazil”, para luego incorporarse a Maiden.

Ante esta increíble noticia, el lanzamiento del videojuego “Ed Hunter” pasó a segundo plano. Lo que más resalta de este período es el mini tour que la “nueva” banda realizó, ejecutando temas elegidos por los fans, quienes deliraban e imaginaban la majestuosidad de la tríada de guitarras, y soñaban con un nuevo disco. Esto se convertirían en realidad a fines de Mayo del año 2000, con el lanzamiento de su duodécimo disco en estudio, llamado “Brave New World”, el que sería producido por Kevin Shirley. El concepto del disco está basado en la conocidísima novela de Aldous Huxley titulada homónimamente, traducida al español como «Un Mundo Feliz». Con un artwork fantástico, que vuelve a la excelencia de las épocas pretéritas, y un sonido fresco, poderoso, conjuntamente con el inagotable caudal vocal de Dickinson, hacen de este trabajo uno de los mejores desde “Seventh Son Of A Seventh Son”. Con temas como “Dream Of Mirrors”, “Ghost Of The Navigator”, “The Fallen Angel” o “The Wicker Man”, Maiden muestra un sonido muy “de banda”, quizás por el hecho de haber grabado conjuntamente todos los instrumentos (y no por separado como se estila el día de hoy). Además, unos sutiles toques orquestados marcan a este trabajo como uno de los mejores de Iron Maiden.

Iron Maiden

Y llegaría la hora, al fin, para los fans chilenos, de ver a Maiden en su esplendor, sin problemas políticos, religiosos o de cualquier otra índole. La tarde-noche del Lunes 15 de Enero del 2001, iniciada por el magistral recital de Rob Halford, en esos entonces ex vocalista de Judas Priest, llevaría a los casi 25.000 fans de la doncella que se dieron cita en la pista atlética del Estadio Nacional a delirar, enloquecer y ser felices con la presencia de los 6 británicos que conquistaron nuestros oídos y, a muchos de nosotros, nos llevaron al camino del metal. Con una presentación no exenta de imperfecciones técnicas en el sonido, pero con emoción y adrenalina a raudales, Iron Maiden hizo historia aquella noche, saldando una deuda (que no se originó por culpa de ellos) que ya casi duraba 10 años, desde aquel ingrato episodio con ciertos personeros de la Iglesia Católica chilena.

Luego, Iron Maiden se tomó un pequeño descanso, Bruce planeó algunas presentaciones como solista (entre ellas en el Wacken Open Air de Alemania, junto a Blind Guardian, entre otros), la banda realizó algunos recitales a beneficio de su ex baterista Clive Burr, quien está afectado de una seria enfermedad llamada esclerosis múltiple. Además, se lanzó una edición especial del single «Run To The Hills«, cuyas ganancias irían directamente a Clive y su fundación.

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El 10 de junio de 2002 editarían «Rock In Rio«, su primer DVD en formato doble, con la actuación que el grupo ofreció en el famoso Festival en Rio en el año 2001 ante 250.000 personas. También se editaría en algunos países en formato de doble VHS, doble CD y triple vinilo de edición limitada. El concierto fue filmado por Globo TV con 14 cámaras, incluyendo 2 grúas y un helicóptero, dirigido por Dean Karr, quien trabajó anteriormente con la banda cuando dirigió el clip para «The Wicker Man». El segundo DVD consiste en entrevistas con el grupo y material extra para los fans. El lanzamiento obtuvo un éxito inmediato, llegando al número uno en las listas de video en Reino Unido, al número 2 en las de DVD en Alemania y 4 en las de video.

Recientemente, el pasado 4 de noviembre, Iron Maiden lanzó un box set llamado «Eddie’s Archive«, que contiene dos discos dobles que recogen las primeras grabaciones en vivo de la banda, que van desde 1979 hasta que lideraron el Festival Donington en 1988, más otro disco doble bautizado como «The Best Of The B’ Sides«, que recoge todos los temas que no entraron en los discos oficiales. La presentación del box-set es sencillamente notable: una caja con la cara de Eddie plateada, una especie de pergamino en donde se narra la historia completa de Iron Maiden,más un vaso de cristal con la cabeza de Eddie. Junto con lo anterior, la banda lanzaría su segundo disco de grandes éxitos, llamado «Edward The Great«, que contiene 16 temas.

Con un afán comercial, Iron Maiden comenzó, a fines de Mayo del 2003, un tour denominado «Give Me Ed… Til I’m Dead», efectuando alrededor de cincuenta conciertos en Europa y Estados Unidos, donde además se estrenó un tema nuevo, «Wildest Dreams«. En Junio, la banda lanzó su segundo DVD, llamado «Visions Of The Beast«, que reúne todos los videos de la historia de la banda.

LA DANZA DE LA MUERTE … Y NUEVAMENTE A CHILE

El 8 de Junio del 2003 saldría a la venta el décimotercer disco en estudio de la doncella, el segundo tras la vuelta de Bruce y Adrian. El nuevo trabajo se llamaría «Dance Of Death«, y si bien su carátula deja bastante que desear, es un disco sólido y con momentos brillantes. Con 11 temas y sesenta y ocho minutos de duración, «Dance Of Death» destaca por su tema homónimo, además de las potentes «Montségur» y «Rainmaker«, entre otros, además de ser el primer disco que cuenta con Nicko McBrain como compositor de un tema, para la rockera «New Frontier«.

Era más o menos obvio que Maiden nos visitaría el 2004. Pero lo agradable fue la confirmación de la fecha: hace un par de meses se ratificó que Iron Maiden tocará en Chile el próximo Martes 13 de Enero, a las 21.00 horas, en la Pista Atlética del Estadio Nacional. Lo mejor de todo es que la banda ha prometido traer a Latinoamérica todo su show, lo que conforma nada menos que 25 toneladas de equipamiento. Ello sin dudas es un plus pues si bien no puede dejar de decirse que el show del 2001 estuvo cargado de emotividad y adrenalina, el sonido no fue de los mejores.

Era más o menos obvio que Maiden nos visitaría el 2004, fijándose como fecha el Martes 13 de Enero, a las 21.00 horas, en la Pista Atlética del Estadio Nacional. En una jornada que marcó ciertas similitudes con su venida anterior (fecha, alineación, recinto y los «scream for me, Santiago!«) y, por cierto, varias diferencias (telonero, disco, una performance acústica con «Journeyman» y un artero pisoteo en el piso a Blaze subiendo una octava en el coro de «Lord Of The Flies»). De todas maneras, una performance a la altura de la grandeza de Iron Maiden.

the_early_daysEn Noviembre de 2004, la banda lanza un DVD doble: «The Early Days«, que en su primer disco muestra grabaciones inéditas de los primeros años, es decir, la época que va desde antes de «Iron Maiden», hasta «Piece of Mind», y en el segundo disco, quizás lo más trascendente: la aparición de prácticamente todos los integrantes de la banda en el periodo que abarca 1975 a 1983, incluyendo a quienes no alcanzaron la parte «profesional» de la banda. Destacables los «uuuh!» que seguramente provocan las apariciones de personajes con pinta de cajeros de banco y que alguna vez tocaron con Steve Harris. Para promocionar este DVD, la banda efectuó durante algunos meses de 2005 una gira que abarcó principalmente Europa, en conciertos en los que sólo tocó temas de aquellos años. Y mientras tanto, Bruce Dickinson lanzó «Tyranny Of Souls«, un excelente trabajo en solitario.

ENTER WWII !!! A MATTER OF LIFE AND DEATH IS COMING

En Septiembre del 2006 el mundo del heavy metal vio nacer un emotivo y prolijo trabajo sobre la Segunda Guerra Mundial, el álbum «A Matter of Life and Death«, el que incluso podría ser considerado la obra de arte musical más relevante que se haya hecho jamás sobre el tema.

IID00002171En las composiciones se destaca algo que no pasaba desde el tiempo del «Seventh Son», y es el trío compositivo Harris-Smith-Dickinson. Con una banda muy afiatada y compositivamente mejor que nunca, este álbum olvida un poco las guitarras paralelas y se adentra musicalmente en la potencia de Bruce, las guitarras más crudas y un bajo de Steve obsesivo y determinante; elementos que Nicko complementa brindando detalles increíbles en muchos temas.

Puntos altos del AMOLAD son «Different World«, «These Colours Don’t Run«, «The Longest Day» (debe estar entre los Top 10 históricos de la banda, temazo absoluto), la emotiva «For the Greater Good of God«, la esotérica «Lord of Light» y la magnánima «The Legacy«. Importante es mencionar que en la gira del «A Matter of Life and Death«, se dieron el lujo de tocar el álbum completo, lo que fue gratamente recibido por los más leales fans de la banda, lamentablemente no pasaron por sudamérica, pero el destino nos tenía preparada una gran gran sorpresa a cambio de esta ausencia….

LA GRAN GIRA DE TODOS LOS TIEMPOS

Lo que se comentaba como gran rumor resultó ser cierto y más aún, incompleto!, más que un «Early Days Recargado» u otra «gira de clásicos», expectación mundial causó Iron Maiden cuando en Septiembre del 2007 anunciaron el «Somewhere Back in Time World Tour«, mega evento que traería de vuelta los grandes éxitos de los 80`s, pero con motivos escenográficos cercanos al Powerslave y Somewhere in Time.

Elementos muy importantes a destacar de la gira es que será realmente mundial, visitando la banda Asia, Oceanía, América y Europa y por otra parte, que la misma banda arrendó un avión especial para transportar a los músicos, staff, equipamiento y demases, siendo el mismo Bruce el piloto en al menos la mitad de los kilómetros recorridos. El avión denominado «Ed Force One» y decorado al estilo Iron Maiden, sin duda que será la gran atracción de los aeropuertos que visite.

La expectación extrema que provocó la gira hizo que en Brazil y México se acabaran las entradas en el mes de Diciembre (2007), en Chile se agotaron el 18 de enero 2008, casi 2 meses antes del show.

¿Qué tiene esta banda, con más de treinta años de carrera y quizás cuántos más por venir, para magnetizar generaciones de poleras negras y ser, quizás, la banda más transversal a todos los subgéneros que componen el metal? Es difícil definirlo, y ni siquiera valga la pena intentarlo. Tan sólo es claro que Iron Maiden, en base a un talento irrepetible, a mucho trabajo duro y sobre todo, a una «consecuencia» sonora, es una banda absolutamente vigente, que sabe sacar réditos de su pasado, y sin embargo, no vivir exclusivamente de éste, mezcla difícil de concretar hoy por hoy.

Y para no cerrar con el típico «Up The Irons!«, una mini trivia: ¿sabía usted que el citado «Up The Irons!«, adoptado por Iron Maiden, es en realidad un grito de apoyo al West Ham United, apodados antiguamente «The Irons» en razón a su antiguo nombre, «Thames Ironworks F.C.»?

Iron Maiden

Alineación 2008 de Iron Maiden :

Bruce Dickinson: Voces
Steve Harris: Bajo
Adrian Smith: Guitarras
Dave Murray: Guitarras
Janick Gers: Guitarras
Nicko McBrain: Batería

Kamelot

Más de cuatro años han pasado ya desde la primera oportunidad en que se eligió a Kamelot como banda del mes por el staff de Powermetal.cl. En ese tiempo hemos podido presenciar como el estilo que nos reúne ha sido criticado por cierto sector de la escena metalera por su falta de originalidad, por quedarse estancado en el mismo sonido que les dio dividendos a los “pioneros” a finales de la década de los noventa; la banda de Roy Khan y Thomas Youngblood sobresale del resto precisamente por tomar riesgos, e intentar matizar su sonido manteniéndose bajo la etiqueta del Power Metal. En palabras del guitarrista “si hiciéramos el mismo tipo de canciones en cada álbum, se nos acabaría la motivación, las ideas y la inspiración. Por eso, para crecer, tenemos que variar un poco en cada album. Y pienso que tenemos la clase de fanáticos que aprecia eso.”

La gira promocional de Epica, que comenzó en el ProgPower Fest V en Estados Unidos, llevó a Kamelot a visitar países como Alemania, Francia, Suecia, Mexico (donde se presentaban por primera vez) y Japón, donde se tocaron tres veces en dos ciudades distintas, con At Vance como teloneros. La apertura del tour en el festival norteamericano fue la única fecha que la banda realizó en su país de origen, que hasta ese momento parecía no valorar al grupo de Youngblood quien, sin embargo, no parecía muy preocupado por el asunto: “No hay mucho que hablar sobre la escena estadounidense. Está creciendo, volviendo, si se quiere, pero aun no está al nivel en que está la Europea (…) Los fanáticos europeos siempre han sido nuestra base, por lo que nunca perderemos de vista esa lealtad”. El trabajo ha llevado a la banda a revertir, paso a paso, esa situación, comose verá mas adelante…

Como se mencionó antes, la historia para una continuación del exitoso Epica estaba lista… Kahn y Youngblood, los compositores de la banda, decidieron poner manos a la obra en la materialización de un proyecto que abarcaría una nueva faceta de la historia de Ariel, o al menos, intentaría interpretarla a la manera de Kamelot; en palabras de Roy “Esta (la segunda parte de Faust) es una mezcla de símbolos y metáforas, diferentes religiones, mitologías, y política anterior, posterior y contemporánea a Goethe (…) nunca ha habido una representación teatral acerca de esta parte de la obra porque sería extremadamente difícil llevarla a escena. No puedo decir que usamos mucho la historia, pero si que intentamos usar las técnicas que uso el autor para realizar las dos partes.”

El 2005, el grupo lanzó su séptimo disco de estudio, sin utilizar el nombre de Epica Part II, como se había dicho en un principio. Altamente aclamado por la crítica, The Black Halo vino a demostrar que este es un conjunto que no se deja estar, y que continúa avanzando y desarrollándose cuando todos piensan que no hay mas camino que el de regreso. Producido una vez más por Sascha y Miro, y contando esta vez con invitados de la talla de Shagrath (Dimmu Borgir), Jens Johansson (Stratovarius), Simone Simmons (Epica) y Thomas Rettke (Heavens Gate), esta placa hace gala una vez más de la versatilidad de la banda, su habilidad para desplazarse desde la velocidad relampagueante de When the Lights are Down, hasta la hermosa balada Abandoned, pasando por los progresivos ritmos del tema homónimo… Mención especial merece el tema Memento Mori, que en casi nueve minutos de genialidad es el track más largo no solo del disco, sino de la carrera de la agrupación.

En este disco la banda tuvo la oportunidad de grabar sus dos primero videos, ambos dirigidos por el prolífico director Patrick Ullaeus, para los temas The Haunting (Soomewhere in Time) y The March of Mephisto, con las actuaciones de Simone Simmons y Shagrath respectivamente. No solo fue la primera experiencia de los miembros de la banda grabando videos, sino que además incluyó grabaciones delante de una pantalla verde. Thomas cuenta que la situación “fue un poco extraña porque no puedes escuchar los instrumentos, y estás ahí guitarreando en el aire hasta que empiezas a sentir mas la música, y a involucrarte en la actuación.

A finales del año 2005 la banda añadió un nuevo integrante a sus filas; Oliver Palotai es el nombre del tecladista y guitarrista que pasó de ser un músico para las giras a un miembro permanente, y que era conocido en la escena metalera por haber sido tecladista y guitarrista de Doro, así como guitarrista de Blaze, agrupación que abandonó en enero de este año. Como dato adicional, podemos decir que Oliver está comprometido con la ya mencionada Simone Simmons, de Epica.

Ya como una banda de 5 integrantes, Kamelot comenzó la segunda parte de su gira promocional de The Black Halo, que los trajo a tierras sudamericanas por primera vez (es una verdadera lástima que solo hayan pasado por Brazil). En el marco de la misma, el 11 de febrero de 2006 en Oslo, la capital de Noruega, se filmó el concierto que pasaría a ser lanzado como el esperado DVD (y tambien un doble CD) en vivo de la banda, titulado One Cold Winter`s Night. A lo largo de sus 18 tracks, el conjunto nos da una demostración de su ya conocida calidad como instrumentistas, y nos presenta la faceta histriónica de Khan, como uno de los recursos utilizados para representar la historia desarrollada en sus dos discos conceptuales. Esta completa entrega contiene además un disco de extras, en el que encontramos pequeños videos de los integrantes de la banda en las giras, y los videos promocionales mencionados arriba… quizá la única crítica que se le puede hacer a esta obra es que en el concierto solo podemos apreciar un tema de su clásico The Fourth Legacy (Nights of Arabia), y ninguna canción de los discos anteriores…

A fines del año pasado, el grupo entró a los Gate Studios en Wolfsburg, Alemania para, una vez más bajo la producción de Paeth y Miro, comenzar la grabación de su octavo L.P. Lanzado a principios de junio, Ghost Opera es una reafirmación casi fastidiosa de la categoría de la banda. Poco se puede decir sobre esta entrega que no se haya dicho ya; tanto la prensa del ramo como los fanáticos alrededor del mundo no han escatimado elogios para esta demostración de una faceta ligeramente mas oscura del ahora quinteto estadounidense – noruego. Musicalmente rico en matices, el disco contiene baladas (Anthem), canciones rápidas (Silence of the Darkness) y Mid Tempos con aires progresivos (como el tema homónimo), variedad que unida a la calidad compositiva de Thomas y Roy siempre es apreciada.

Dejando de lado el concepto que fue hilo conductor en el aspecto lírico de sus dos últimas producciones, esta vez Kamelot apuesta por la pluralidad temática. Youngblood, refiriéndose a las letras de la nueva entrega, comenta que abarcan “eventos de política actual, religión, las diferentes culturas del mundo (…) además usamos algunas referencias históricas, como en Blücher (tema que habla sobre el hundimiento del crucero alemán del mismo nombre, durante la invasión Nazi a Noruega en la Segunda Guerra Mundial.)”. Up Through the Ashes habla sobre el Juicio a Jesús, y el tema que da nombre al disco relata la historia (ficticia) de una cantante lírica que es ultrajada en el camino al teatro en el que realizaría su debut, y que pasa su vida imaginando como habría sido el mágico momento en que subiera al escenario por primera vez. Dicho relato ha sido presentado en el excelente video promocional del tema, hasta ahora el único del disco, dirigido por Ivan Colic.

Las ventas de Ghost Opera han sido excelentes, llevando la placa a lugares tan destacados como el número 13 del ranking de discos internacionales en Japón, y un sorpresivo número 48 en los charts independientes en los Estados Unidos, quizá tan inesperado como las buenas ventas de entradas para sus conciertos en la gira que actualmente realizan por dicho país (ejemplo de lo anterior es el Sold Out que registra la página oficial de la banda para su presentación en Virginia). El resto de este 2007 tendrá a la banda recorriendo su pais de origen, para comenzar en el último trimestre un tour por Europa que interrumpirán para una breve visita a tierras niponas. Aún no se ha confirmado ninguna fecha para Sudamérica, por lo que solo nos queda cruzar los dedos y esperar… Darío lo dijo, “si el trabajo y el talento van de la mano, la vida te condena al éxito”;  Kamelot es un testimonio vivo de que lo anterior es verdad… y lo mejor es que, al parecer, su inspiración está lejos de agotarse…

Kamelot

Heavenly

Noviembre es el mes escogido para el lanzamiento de Virus, el cuarto álbum de esta banda francesa que para quienes ya han tenido la oportunidad de disfrutarlo, es uno de los mejores lanzamientos de este año. Llama la atención que una banda tan joven, con miembros de edad  promedio de 25 años, pueda realizar tan extraordinario álbum, fruto de un constante trabajo que podrán conocer en los siguientes párrafos.
Con ustedes HEAVENLY

De la Tierra al Cielo

El nacimiento de Heavenly está ligado a dos adolescentes parisinos, estudiantes e inclinados hacia el lado musical: Benjamin Sotto y Maxence Pilo. Ben al igual que Max, poco y nada sabían entonces de heavy metal y sus gustos musicales se inclinaban más hacia The Doors, Queen, Michael y Jermaine Jackson y Jerry Lee Lewis (la lista es más extensa). Ambos muchachos de 14 años aproximadamente, recién empezaban a estudiar música y acostumbraban a juntarse a tocar temas de “The Doors” sesiones que afortunadamente terminaron muy pronto cuando conocen a Guns N’ Roses y luego, tras una iluminación divina, descubren a Iron Maiden, Helloween, Stratovarius quienes los impactan de tal manera que deciden dar un giro profundo a sus inclinaciones musicales. En 1994 forman “Satan’s Lawyer” una banda de covers donde tributan a sus recien descubiertas luminarias metaleras. Muy pronto Ben comienza a componer y en 1996 rebautizan a la banda como “Heavenly” (Celestial) un nombre que puede llevar a confusión, pero que no tiene relación con el cristianismo, sino más que más bien se relaciona con una actitud positiva que buscan transmitir con su música.

Tras tener un breve paso por una banda llamada Twilight, que hacía covers de Sepultura, Metallica y Megadeth, les nació la necesidad de formar una agrupación estable,  tarea que no les resultaría fácil: probaron muchos guitarristas y bajistas, pero no lograban afinidad musical con ninguno de ellos. En plena época en que el grunge era furor, hablar de heavy metal era referirse a una música muerta. Después de mucho buscar, encuentran guitarrista en Anthony Parker, y comienzan a ensayar intensamente.

En 1998 lanzan su primer demo al que llamaron “Coming from the Sky”: contenía tres temas: Miracle, Riding Through Hell y Million Ways, y fue enviado a muchas compañías discográficas las que no mostraron mayor interés en él exceptuando a Noise Records a quienes si les gustó, tanto así que habrían estado interesados en ofrecerles un contrato en base a lo escuchado en el demo. No obstante, debieron superar una prueba previa: el sello decide publicar el demo en Internet mediante una competencia online a la que se llamó “Be your Own Boss Label” (Se tu Propio Jefe de Sello”). Las buenas críticas de parte del público sellaron el destino de la prometedora banda y en 1999 firman por fin contrato por 5 álbumes.

Antes de esto, Anthony Parker decide abandonar la banda (después se uniría a Fairyland), pero sin mayores consecuencias ya que pronto llegarían el bajista Laurent Jean y el guitarrista Chris Savourey a llenar el vacío dejado.

Gran comienzo, gran ayuda…

En Febrero del año 2000 se inician las sesiones de grabación del álbum. El productor sería el ahora conocido Piet Sielck, vocalista y guitarrista de Iron Savior, quien por ese entonces estaría por primera vez ocupando un puesto de esta importancia ya que antes sólo había asistido a la producción de otros álbumes. Pero Piet Sielck no sería la única gran ayuda que, por el simple hecho de pertenecer a Noise Records, la banda recibiría.

Ben Sotto escribió Time Machine con la voz de Kai Hansen en mente y s ólo bastó que Ben le expresará su deseo de que Kai estuviera en las voces de ese tema a Piet Sielck, gran amigo y entonces compañero integrante de Iron Savior, para que con una llamada telefónica se sellara su participación en el álbum. Eventualmente Piet y Kai terminaron cantando en el tema Time Machine, haciendo varios coros y tocando algunos solos, hechos que ayudó al álbum en su promoción y a la banda a cumplir un sueño. No obstante esto también constituíría un arma de doble filo. ¿Qué haría la banda cuando Piet y Kai no estuvieran como músicos invitados?

En abril del año 2000 sale al mercado “Coming from the Sky” y como se creyó mucha gente fue atraída más por los músicos invitados que la banda en sí… y como culparlos. Heavenly no era conocida antes de ello. Como fuere el álbum tuvo un gran éxito comercial, conviertiéndose en el álbum debut con mayor venta en la historia de Noise Records, y que significó para la banda un gran espaldarazo de apoyo.

Eventualmente este suceso contribuyó a que fueran elegidos para telonear a Stratovarius en la segunda gira europea del álbum “Infinite”. La banda ensayó muchísimo por esos meses, intentando a la vez encontrar un tecladista que los apoyara en el apartado melódico. Mientras esa búsqueda se sucedía, el bajista Laurent Jean abandona la banda lo que no los dejaba en una posición cómoda. Los días pasaban y la fecha de su primer recital se acercaba implacablemente. Por fin encontraron un reemplazo de las cuatro cuerdas en Pierre-Emmanuel Pélisson, que vivió en la misma ciudad que Chris, en Besanzón, al este de Francia. Dos días antes de su primer concierto, otro conocido de Chris, Frédéric Leclercq se une temporalmente a ellos como tecladista. Ya tenían banda completa y podían respirar más tranquilos.

El primer recital de Heavenly se concretó el 24 de noviembre del año 2000 abriendo para Symphony X, Double Dealer y Majestic en la ciudad de Tours. Importante es señalar que antes de eso NUNCA se habían presentado en vivo. Para acentuar el desafío, se presentan nuevamente tan sólo 24 horas después de su debut, en el festival de la Hard Rock Magazine en Elysée-Montmartre frente a 1600 personas recibiendo un enorme apoyo. Llega Diciembre y comienzan la gira junto a Stratovarius visitando Holanda, Bélgica, Alemania, República Checa y su tierra natal, Francia cerrando un excelentísimo año.

El Gran Desafío

Volviendo a Francia, terminan de preparar los temas para su segundo larga duración. Casi como si de una nefasta tradición se tratara, una semana antes de comenzar las grabaciones, Chris Savourey abandona Heavenly. No obstante, la suerte estuvo con ellos otra vez: Frédéric Leclercq lo reemplaza inmediatamente, tarea que le fue bastante sencilla considerando el hecho que ya había tocado con ellos anteriormente durante sus numerosas presentaciones en vivo.

Asi las cosas, Ben Sotto en las voces, Maxence Pilo en la batería, Pierre-Emmanuel Pelisson en el bajo y Frédéric Leclercq en la guitarra entran a comienzos del mes de marzo del año 2001 a su propio estudio “The Sound of the Winner” en París para grabar su segundo álbum, lugar donde grabarían todos los instrumentos y voces, exceptuando la batería que sería grabada en el Jailhouse Studio, en Horsen, al centro de Dinamarca. El productor sería el conocidísimo y experimentado productor Tommy Hansen, que trabajo con ellos hasta que  terminaron las grabaciones en el mes de junio.

El segundo álbum de Heavenly es bautizado “Sign of the Winner”y ve la luz el mes de septiembre del 2001. Musicalmente representa un gran salto respecto de su primer trabajo, con mejores composiciones, pegajosas melodías, más trabajo armónico y una notable mejora del desempeño vocal de  Ben, elementos que sin duda brillaron con más fuerza gracias al notable trabajo de Tommy Hansen. Sign of the Winner es un álbum sin músicos invitados de conocimiento popular, y la primera gran prueba para mostrarse como una banda capaz de rascarse con uñas propias, tarea que es efectuada satisfactoriamente.

El 7 de octubre se produce la fiesta de lanzamiento del álbum en Paris. Fueron teloneados por la misteriosa banda Mandrake, que no era en realidad otra más que Edguy. Durante el concierto son acompañados por Alex Beyroth, guitarrista de Silent Force y Tobias Sammet como músicos invitados en un show que duró 90 minutos y fue disfrutado por los cientos de fans que los acompañaron esa noche.

Heavenly inicia una nueva gira el mes de Diciembre como teloneros de Edguy, durante el “Mandrake Tour” que los llevó por 26 países de toda Europa. Es en esta etapa cuando ingresa como segundo guitarrista Charley Corbiaux, quien se ha mantenido hasta el día de hoy como miembro estable.

El año 2002 la banda gana consecutivamente dos premios como mejor banda francesa para la Hard Rock Magazine y Rock Hard Magazine. A mediados de año se presentan en el festival más grande de metal del mundo: el Wacken Open Air, en un show realizado en uno de los escenarios secundarios “Wet Stage”, una enorme carpa  que resultó muy adecuada para el sólido show que recorrió las canciones de sus dos álbumes.

GLORY TO THE MIRACLE

Apenas terminada su gira europea a finales del 2001 comenzaron de inmediato a escribir nuevos temas para su tercera placa, tarea que gradualmente se fue alargando más y más , a la par que crecían la duración de los temas y por ende, del disco. Se suponía que comenzarían a grabar en diciembre del 2002 y el álbum lanzado en marzo del año siguiente, sin embargo, problemas con el productor original los obligó a cambiar el comienzo de las grabaciones hasta marzo… y de paso al productor. Los problemas no terminaron ahí, la mezcla debía haber sido finalizada en mayo, pero la agenda del nuevo productor, Sascha Paeth (¿les suena?) estaba absolutamente copada hasta Septiembre. En definitiva, el álbum es grabado, mezclado y masterizado en Hannover, Wolfsburg (Alemania) y Hyeres (Francia) entre los meses de marzo y agosto del 2003. Para ellos como banda emergente, estos atrasos no eran un problema menor, dos años entre álbum y álbum era mucho tiempo, pero no podían hacer mucho, sólo aceptar las condiciones adversas.

El tiempo dirá, no obstante estas dificultades, que la demora tendría su recompensa.

En esta tercera placa y conscientes de las críticas recibidas a sus primeros álbumes, con demasiadas reminiscencias a Helloween y Gamma Ray, les nace buscar una atmósfera distinta, más oscura para las nuevas canciones, partiendo de la base de componer pensando en una historia: Heavenly haría su primer álbum conceptual. Además la banda trabaja más afiatadamente, buscando relación y coherencia entre letra y música con un álbum más oscuro (o también menos “feliz”).

Ben propone al grupo un relato que gira en torno a la vida de una persona que es mordida por un vampiro, y por ende convertida en uno; su problema es que se niega a aceptar esta nueva condición y las consecuencias que esto le conlleva. La banda aprueba la idea. La historia es dividida en tres partes: la primera la historia del protagonista convertido en vampiro; la segunda relata su vida a través de los siglos y como es testigo de los problemas de nuestro mundo como la contaminación de la naturaleza, el hambre y la pobreza; el tercer episodio y final retoma la historia del protagonista.

Llega el año 2004 y con él el muy atrasado lanzamiento del tercer álbum llamado  “DUST TO DUST”, un disco sólido de principio a fin, rápido, dinámico, que poseía todos los buenos elementos de sus dos anteriores lanzamientos, pero mejorados exponencialmente, rico en matices, melódico pero poderoso, con agresivos riffs, pegajosos coros y momentos muy emotivos. El trabajo de grupo se nota de principio a fin y fue elegido por muchos webzines como uno de los 10 mejores lanzamientos de ese año.

En febrero efectúan la premiére del álbum en Londres, Inglaterra, en un local llamado “Underworld” que se llenó completamente de fans, dejando a muchos otros afuera sin poder entrar.

Un gran comienzo de año, pero nuevos problemas no tardaron el llegar.

LA INFECCIOSA FURIA MELÓDICA

En mayo de ese año 2004 se anuncia públicamente que tres miembros dejan la banda: Frédéric Leclercq (que ingresaría a Dragonforce), Pierre-Emmanuel Pelisson y el baterista fundador de la banda: Maxence Pilo, oficialmente las razones fueron diferencias musicales y profesionales. No obstante, y con una rapidez que asombra, se declara que ya se encuentran 3 reemplazantes trabajando con la banda en lo que sería su nuevo álbum.

A fin del año 2004 y comienzos del 2005 Heavenly se encuentra terminando lo que sería su nuevo lanzamiento con tres nuevos integrantes: Matthieu Plana en las cuatro cuerdas, Olivier Lapauze en guitarra y Thomas Das Neves en los tambores y platillos.

Llega el 2006, y la banda entra a grabar su cuarta pieza tomándose los meses entre febrero y junio para realizar las grabaciones, mezcla y masterizado dividiendo la tarea en cuatro estudios en Marseille, Hyères (Francia), Miami (U.S.A.), Wolfburg (Alemania) y Helsinki (Alemania). Son invitados tres músicos: Tanja Lainio (Lullacry) que cantaría en When The Rain Begins to Fall, Kevin Codfert (Adagio) presente en Bravery in the Field y Tony Kakko (Sonata Arctica) que lo haría en Wasted Time.

Con fecha de lanzamiento diferida para cada continente, la cuarta placa llamada “Virus”, con 10 temas ha sido lanzada ya en Japón (junto a 2 bonus tracks) , y en los próximos días le tocará el turno a occidente.

Virus es un complejo álbum que asombra por su calidad técnica y compositiva y posee cada elemento propio a Heavenly, pero más depurado, épicamente poderoso como una bomba de energía y melodía, sin temas de relleno y accesible a la primera escucha, Virus posee un curioso cover:When the Rain Begins to Fall” de Jermaine Jackson (el hermano del gris Michael Jackson) y Pía Zadora (famosa artista de los años ’80), sin duda una influencia que Ben Sotto absorbió en sus tiempos de adolescente antes que descubriera el metal y pusiera en marcha toda su creatividad para el disfrute de la comunidad metalera y musical en general.

Para finalizar, sólo me queda por agregar que HEAVENLY es una banda que tiene un motor creativo evidente y claro llamado Ben Sotto que ha sabido convertir a Heavenly de un dueto colegial, literalmente hablando, a una tremenda banda sorteando toda clase de obstáculos, propios del imperfecto mundo en el que vivimos, saliendo adelante con esfuerzo y energía que se siente cada vez con fuerza en cada lanzamiento. A la vez es innegable que el cambio de integrantes le ha hecho cada vez mejor a la banda. Quizás Heavenly no será un grupo que destaque por su originalidad, más aún si consideramos que sus principales influencias músicales son bandas de reciente historia (si podemos llamar reciente a 10 años promedio de trayectoria) pero que tiene el innegable mérito de rescatar lo mejor de ellas y darle nuevos bríos en este milenio que recién comienza. Sinceramente es difícil imaginar que calidad tendrá el siguiente lanzamiento, pero sería una pena que Virus representará el ápice de su creatividad, ya que si continúan en esta “curva de crecimiento”, sin la menor duda les espera un lugar entre los grandes de la escena metalera mundial.

Heavenly

Alineación Actual:

Ben Sotto: Vocalista
Charley Corbiaux: Guitarra
Matthieu Plana: Bajo
Olivier Lapauze: Guitarra
Thomas Das Neves: Batería

Hechos Curiosos:

  • Heavenly, como es tradición a muchas bandas, tiene bonus tracks exclusivos para el mercado japonés… pero cantados EN JAPONÉS.
  • En cada álbum, la banda aparece con un logotipo distinto.
  • Varias veces les han preguntado si les gustan mucho los vampiros gracias a las camisas estilo barroco que Ben usa durante los recitales…

Los finlandeses de Sonata Arctica nos presentan su primer DVD, llamado “For The Sake Of Revenge”, el cual fue grabado el 5 de Febrero del 2005 en Tokio, Japón.

Para esta ocasión la banda eligió un repertorio basado en todos los discos lanzados a lo largo de sus siete años de carrera, desde el la salida al mercado de “Ecliptica”, algo muy bueno de destacar ya que no discrimina entre sus 4 placas de estudio.

Técnicamente, este DVD nos ofrece lo básico que podemos esperar para un concierto: una cierta cantidad de cámaras que nos permitan tener distintos puntos de vista dentro del recinto y un buen sonido. El ritmo de la edición no es de los mejores pero cumple. Lo que sí es bueno enfatizar es la estética que se le quiere dar al show, un juego de luces inclinado al azul en todo momento, algo característico en carátulas de la banda así como también en fotos promocionales. No hay una postproducción en cuanto al tratamiento de la imagen, salvo unas cámaras lentas pésimamente ocupadas en momentos que ni siquiera lo ameritan, sobre todo el final del concierto, donde no hay respiro desde el fin de la canción hasta la despedida de la banda. Esto sólo queda como un intento de emocionar al espectador con el fin, pero dicho antes, sólo muere en el intento.

La puesta en escena de la banda no es de lo mejor. En varios pasajes se entorpecen entre ellos mientras cambian de posición sobre el escenario. La actitud del público es la misma en todo el concierto, lo que hace imposible hacernos sentir algún tipo de emoción por parte de ellos, que fueron los que participaron de esta grabación. Si queremos sentirlo, debemos sentarnos cómodamente en nuestras casas a disfrutar este DVD haciendo caso omiso a las reacciones del público.

Asimismo, Tony Kakko demuestra ciertas actitudes donde pareciera estar cantando sólo por cumplir, ya que no se ve mayor preocupación en su respiración mientras canta o simplemente se dedica a “payasear” en algunos pasajes de ciertas canciones, como es el caso del final de “Replica”. Tampoco es bueno dejar demostrado el cansancio que pueden provocarle ciertas canciones en momentos donde el show ya está por terminar.

En suma, es un concierto que constituye un buen recopilatorio de la banda para sus fanáticos, pero creo que no logra captar nuevos adeptos después de ver esto.

En el mundo audiovisual podemos definir “documental” como mostrar la realidad de una manera creativa pero con un tema determinado. “The Men Of The North In The Land Of The Rising Sun” es un collage de imágenes muy mal armado y que termina aburriendo de ver a la banda con grabaciones mas bien personales que deben ser entretenidas sólo para ellos y que debieran haberse quedado en sus cintas originales. La única conclusión que podemos sacar de esto es que son la banda más borracha y fiestera del mundo, pero que ni ellos se la creen. No merece mayor comentario.

En estos tiempos las bandas necesitan de un DVD que acompañe sus discos para mostrarnos sus shows y acercarnos más hacia ellos. Esto trae consigo dejar una impresión sobre estas bandas, que en el caso de Sonata Arctica deja una impresión de un trabajo en vivo no más que regular.

CONCIERTO

01 –  Prelude For Reckoning.
02 – Misplaced.
03 – Blinded No More.
04 – Fullmoon / White Pearl, Black Oceans.
05 – Victoria’s Secret.
06 – Broken.
07 – 8th Commandment.
08 – Shamandalie.
09 – Kingdom For A Heart.
10 – Replica.
11 – My Land.
12 – Black Sheep.
13 – Sing In Silence / The End Of This Chapter.
14 – San Sebastian.
15 – The End Of This Keyboard.
16 – Gravenimage.
17 – Don’t Say A Word.
18 – The Cage.
19 – Vodka / Hana Nagila.
20 – Outro «Draw Me».

EXTRAS

01 – “The Men Of The North In The Land Of The Rising Sun”.
02 – Discografía.
03 – Biografía.

Dream Evil

La banda que nos convoca este octubre es una que, sin lugar a dudas, ha traído al nuevo siglo los sonidos puros y crudos de la música que muchos comenzamos a escuchar hace bastantes años y que otros han ido conociendo con el correr de los años, ya que bandas como Black Sabbath, Iron Maiden, Accept, Rainbow y Judas Priest han sido pilar fundamental para toda la movida metalera de los últimos veinte años. Dentro de estas bandas hay una que rescata casi al pie de la letra todo el concepto callejero y de cueros del heavy metal clásico. Estamos hablando de los suecos de Dream Evil.

Suecia es una cuna de grandes músicos y sobretodo de grandes bandas, resaltando, por sobre todas la escena de Gotemburgo, aunque debemos destacar que Gotemburgo, es más célebre en lo que a bandas death metal se refiere, llegándose a hablar de un estilo de metal: el death metal sueco.

A pesar de que Suecia esté ligada al trabajo más extremo, existen grandes bandas de heavy metal nacidas bajo el frío de las tierras boreales: partiendo por el gran Yngwie J. Malmsteen y con Hammerfall como referente más cercano. Y es esta banda la que tiene un roce con la banda de este mes, parentesco que se detallará más adelante.

DE PRODUCTOR A MÚSICO

Pero dónde están las raíces de esta banda que ha dado  tanto que hablar el último tiempo. Habría que remontarse a 1999 cuando el ya afamado productor, Fredrik Nordström un reputado productor musical que ha tenido a su haber bandas de la talla de HammerFall, In Flames, Dimmu Borgir y Spiritual Beggars ente otras decide que su conocimiento musical podría canalizarlo en una banda propia.

Antes de dedicarse por completo a su trabajo en los Estudios Ferdman, Fredrik, quien vive en un pequeño campo a las afueras de Gotemburgo, había estado tocando en una banda de covers llamada Snake Skin Cowboys, pero que sin embargo nunca abandonó la idea de tener una banda propia, con temas propios.

Para eso se une a su gran amigo, el joven Gus G., ex guitarrista de bandas como Firewind y Mystyc Prophecy, venido de las mitológicas tierras griegas, más específicamente de la ciudad de Thessaloniki, pero que pasa su mayor parte del tiempo en un departamento compartido con unos amigos en Gotemburgo y le propone llevar adelante un proyecto musical, haciendo germinar la semilla de algo que vería la luz más adelante.

Pero faltaban aún más músicos para llevar a cabo esta propuesta musical. Para llenar el puesto vocal, Fredrik contacta a un vocalista invitado en los dos primeros albums de HammerFall (y ahí la ligazón entre HammerFall y Dream Evil), que él había producido, por tanto ya había sondeado para poner la voz en DreamEvil, nos referimos al experimentado (está por sobre los 35 años) Niklas Isfeldt, quien pone su particular voz, muy en la onda de Anders Zackrisson, primer vocalista de los también suecos, Nocturnal Rites. Fue invitado a un ensayo, y bastaron sólo pocos minutos para que Fredrik se diera cuenta que su voz calzaba perfecto en lo que él tenía pensado para DreamEvil, por lo que no hubo que buscar más: Niklas se transforma en el vocalista de este nuevo grupo. De hecho, fueron necesarias sólo tres canciones para que Gus G. Saltara gritando en la sala «Él es, él es!!!», y así no más fue.

Ya la base estaba casi formada, sólo faltaba llenar los puestos de la base rítmica, esto es bajo y batería. En el primer caso, la vacante fue llenada en forma natural, porque es común que las bandas hayan tenido experiencias anteriores, sobretodo tributando en bandas de covers, y ésta no es la excepción, ya que una cosa trae a la otra y la llegada de Niklas a la banda trajo de la mano le llegada de uno de sus grandes amigos a DreamEvil, el bajista Peter Stålfors, oriundo de Hindes, un pequeño pueblo a 35 kms. a las afueras de Gotemburgo. Peter era un viejo conocido de Niklas, puesto que había estado compartiendo escena en una banda de covers con él llamada The Jericho Brothers, donde habían entablado una gran amistad, y que también participó en el primer disco de HammerFall, por lo que la llegada a Dream Evil, fue más sencilla de lo esperado. En efecto, en el momento de que Niklas fue elegido como vocalista, éste les señaló que conocía a un bajista, le preguntaron si era bueno, Niklas respondió afirmativamente, con lo cual Peter se transforma en el bajista de la incipiente banda.

Y el puesto de la batería fue llenado de una forma no menos sencilla. Estando en Inglaterra Gus y Peter conversaban acerca de la necesidad de un baterista permanente. «Sí, pero un buen baterista, porque hay una gran cantidad de bandas con malos bateristas«, señaló Peter. Gus conocía a una de las leyendas de la batería, Snowy Shaw, quien trabajó con King Diamond, Notre Dame y Memento Mori, por lo que Gus quedó en llamarlo, sin saber si éste aceptaría, por su reputación. A pesar de que éste aceptó en un principio a ayudarlos sólo en los ensayos, la sintonía fue tal, que pasado un tiempo, se le ofreció que tocara en la banda de forma permanente, ante lo cual Snowy aceptó gustoso.

Con los músicos ya listos, había que ver qué nombre se le ponía a este nuevo grupo. Fredrik se había anticipado a muchas cosas, entre ellas a conseguir sello para su banda. El hecho de ser un reconocido productor le abrió las puertas a numerosas casas discográficas, entre ellas Century Media, que fue la elegida para distribuir el futuro trabajo de la banda. Con ellos mismos fue la discusión acerca del nombre para el grupo.

Fredrik es un gran fanático del Hard Rock y del heavy metal de los ’80, bandas como Thin Lizzy y Accept son influencia directa de este músico sueco, quien encontró en Ronnie James Dio una fuente de inspiración para el nombre del grupo.
Claro está… Fredrik antes de elegir el nuevo nombre se había paseado por toda la familia de los «Dragons», «Dragon Heart», «Dragon Foot», «Dragon Kidney», hasta llegar al «Dragon Slayer», sin embargo el tema no agradó a Century Media. Hasta que llegó el nombre de uno de los más grandes discos de Dio a Fredrik, «Dream Evil», lo cual encantó al músico y lo presentó a los encargados del sellos quienes se manifestaron conforme. Paradójico, Dragon Slayer iba a ser el nombre del grupo, pero terminó siendo el nombre del disco.

Ya estaba todo listo y la ventaja de que todos son muy buenos músicos, hizo que el proceso de composición del material fuera más fácil, por lo que el resultado, si bien demoró, por los compromisos de los integrantes de la banda, sobretodo de Fredrik, hicieron que a mediados del 2001 la banda se metiera de lleno a los estudios Ferdman (era que no), con la producción de… Fredrik Nördstom, lo cual pudiera parecer fácil, sin embargo él ha declarado en más de una oportunidad que ese proceso ha sido muy difícil puesto que es mucho más difícil alcanzar un sonido propio, por la responsabilidad que conlleva éste para uno, no para terceros

El resultado fue extraordinario. Se sabía que Fredrik y la banda en sí, tenían en mente un disco melódico, pero a la vez con mucho poder. Lo que quizás la banda no imaginó fue la repercusión que iba a tener el disco, ya que rescata todo el hard rock de los ’80, con un tinte de heavy metal de la vieja escuela, que recuerda un tanto a Rainbow y a HammerFall como referente más cercano, pero que va más allá, Dragonslayer (nombre que como se señaló estaba elegido hace tiempo), es un disco muy variado, con temas que van directo al hueso, de distinta forma, con temas a medio tiempo, muy melódicos, como la excepcional Chasing the Dragon, que es la que abre los fuegos; con temas rápidos muy bien logrados, como In Flames You Burn, y la magistral The Prophecy, un tema directo, muy powermetal, que está llamado a convertirse en un nuevo clásico. Pasa por momentos de carácter hímnicos, con The Chosen Ones y Heavy Metal In The Night, momentos de calma que encontramos en Losing You, y entretención con Heavy Metal Jesus.

En este trabajo, Fredrik trabaja en un par de temas con la sección de cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Gotemburgo, conocida por Fredrik ya que trabajó con ella en el Puritanic Euphoric Mysantropia de Dimmu Borgir, quienes realizan un sutil y excelente trabajo en The Chosen Ones. Un artwork muy poderoso a cargo de Axel Hermann, da un complemento perfecto entre imagen y música.

Este álbum le trajo excelentes dividendos a la banda sueca con excelentes críticas, los medios especializados de todo el orbe se rindieron a los pies de este nuevo portento musical. Frases como «si vives para el heavy metal y además te gusta el power metal, no hay razón para que no ames este disco» (Metal – Rules); «con un mayor desarrollo de su estilo están llamados a formar parte de las grandes ligas del heavy metal» (Metal Reviews); «estamos en presencia de la revelación del 2002, un disco potente, con una fuerza y frescura que se extraña y que siempre será bienvenida.» (Powermetal.cl), sirvieron de base para un real y prematuro éxito que los hizo pisar grandes escenarios como el Wacken, el 3 de Agosto del 2002. Giraron por toda Europa, y llegaron incluso a pisar tierras niponas, lo cual indica que el suceso fue amplio.

Pero la banda no se duerme en los laureles, a pesar del éxito, las cosas fueron tomadas más en serio, y comenzaron a trabajar en nuevo material. Entre giras, siguieron componiendo, tratando de mantener el nivel de composiciones, para que lo sembrado con Dragonslayer, no se esfumara, y es así como desde Septiembre del pasado 2002, Dream Evil trabajó en nuevo material, siempre en los estudios Ferdman. Este material vio la luz el 27 de Enero de este año, y lleva por título Evilized. En este trabajo, nos encontramos con una banda que no ha perdido el poder y la melodía que los ha hecho particular, sin inventar absolutamente nada nuevo, sino que rescatando la potencia del heavy metal y hard rock de los ’80, y eso entre tanto trabajo similar que privilegia los sonidos más «épicos», con más fineza que fuerza, se agradece, ya que Dream Evil va por otro lado, por el contrario ya que la música de esta banda sueca desborda poder. Se destacan en este disco la potencia de Break The Chains, con un gran trabajo melódico entre Fredrik y Gus, la potencia de By My Side, y los sonidos hímnicos de Made Of Metal. Podemos señalar que es un disco más maduro, quizás más hard rockero que su predecesor, con un excelente trabajo del autodidacta Niklas.

La banda siguió realizando su trabajo, cada vez con un mayor presupuesto y una mejor acogida por parte de los medios y de los fans. Después de una larga gira y de la consecuente participación de Dream Evil en cuanto festival europeo hubo, la banda sintió que era hora de volver a pisar los estudios. El MCD Children of the Night, fue un pequeño aperitivo de lo que vendría, un verdadero libro…

EL LIBRO Y EL QUIEBRE

La banda no quería lanzar un disco cualquiera, quería escribir “un verdadero libro” que llevara en cada página hecha canción lo mejor de las influencias ochenteras plasmadas en cada nota de Dream Evil. Y así es como el 24 de mayo del año 2004 ve la luz el tercer disco de los suecos: “The Book of Heavy Metal”, un verdadero compendio de cómo llevar los sonidos clásicos del heavy metal y el hard rock al nuevo siglo y milenio. Un disco que, si bien no logra superar el fantasma de su debut, mantiene la fuerza de siempre. El presupuesto se nota, un art work de lujo, un sonido impecable y un video impresionante de su opening track “The Book of Heavy Metal”, hicieron de éste uno de los mejores lanzamientos del año 2004.

Y el público lo recibió como tal. Tanto así que en Japón, donde ya se están transformando en hijos ilustres, vendieron la friolera de diez mil copias en sólo cinco días, lo que muestra el nivel de adhesión de los suecos en tierras niponas. Nuevamente se embarcan en gira, donde Japón cómo no, tiene un lugar preponderante. Además se pasean como soporte en Europa, de una de las bandas que más los influenciaron, los ingleses de Saxon.

Sin embargo algo pasa en el grupo. A pesar de que el “The Book of Heavy Metal” fue su disco de mayor éxito en ventas, los roces en el grupo comenzaron a desgastar la relación entre los miembros, lo que hizo que a fines del 2004, el guitarrista Gus G. decidiera abandonar la agrupación siendo reemplazado por Mark Black, nacido, como él mismo dice el mismo día que Jimi Hendrix (27 de noviembre) pero 30 años después (1972).

Con Mark continuaron las giras y continuaron también los problemas para la banda, los que llegaron de la mano de Niklas. Mientras se encontraban realizando su tercera gira por Japón, en febrero del 2005, le fue encontrado un daño en sus cuerdas vocales por lo que el médico le ordenó dejar de cantar, para evitar un daño permanente en su voz. Esta noticia devastó a Niklas, quien le señaló al resto del que no quería ver a la banda caer ni detenerse por su culpa, recomendando incluso otros vocalistas para reemplazarlo temporal o permanentemente, si la situación llegaba a ese extremo. Incluso Niklas decide dejar la banda, llevándose a Peter con él en Junio del 2005. No duraron mucho fuera de DreamEvil. Sólo dos meses alcanzaron a estar fuera de la banda y lejos de sus fans.

El silencio continuaba, no exento de momentos tensos. El mayor se vivió a principios de este año. Mientras la banda se encontraba en proceso de composición de su cuarta placa, Snowy Shaw decide dejar su puesto tras los tarros, llevándose todo el material que llevaba compuesto. Un golpe durísimo para Nordström y compañía. Pero dicen que lo que no te mata…

UNIDOS…

Los fans estaban consternados con la noticia, pero la vida sigue. La banda encontró al reemplazante idóneo para Snowy en el frío y demoníaco (según sus propias palabras) Pat Power (qué nombre), un hombre que gusta de la música más extrema, pero igual de clásica que las influencias de Dream Evil, por lo que el ya nuevamente quinteto recomenzó la tarea titánica de componer el disco y llevar a la banda al sitial que se habían ganado desde su debut.

Y es así como estamos ad portas de lo que será el cuarto disco de los suecos. United es el nombre de la placa que verá la luz el próximo 16 de octubre y del que ya se ha escuchado un pequeño adelanto. Fire, Battle, In Metal!, sigue la senda trazada desde su inicio, recuperando la fuerza un tanto extraviada. Un verdadero temazo de una banda que ha hecho del heavy metal un estandarte, de las guitarras armas afiladas y de cada riff un metralleo incesante. Dentro de tanto recargo y parafernalia, Dream Evil nos entrega el mejor heavy metal, crudo, con los aderezos necesarios colocados inteligentemente. Es de esas bandas que vale la pena escuchar y que a los pocos minutos te tiene con la cabeza de arriba a abajo. Una banda que con sólo escuchar un par de segundos de cualquier tema no te saca otro concepto que no sea HEAVY METAL!!!!

Dream Evil

«El fin de una era» es un título que no podía venir mejor a este DVD. Grabado en el Hartwall Arena en Helsinki, Finlandia, el concierto marca el último capítulo de Nightwish con Tarja Turunen en la voz.

Si hay un concepto que puede englobar lo que es este DVD, ese sería emoción. La atmósfera que tiene este concierto muestra claramente lo que es Nightwish en vivo: una banda que es capaz de plasmar en el escenario pasión y emoción, una emoción que se refleja al saber que es el fin de un período de 10 años donde nunca nadie imaginó lo que pasaría el día después de aquel 21 de Octubre del 2005: una carta abierta difundida por Tuomas Holopainen donde comunica la expulsión de Tarja del grupo. Carta donde al final nos damos cuenta que todos sabían de esto, menos su vocalista.

Al ver el concierto sabiendo de esta situación, es inevitable fijarnos en cada detalle en cuanto a la actitud de la banda y de Tarja. Digo Tarja aparte de la banda porque así es como se ve en este DVD, tanto en el concierto como en el documental presente en los extras. No hay cruce de gesto alguno por parte de la banda hacia la cantante y eso enriquece más una especie de tensión que se siente al ver el concierto.

La banda ha considerado éste show como el mejor de su carrera, y que bueno que éste mejor concierto haya quedado registrado para siempre, ya que la banda suena mejor que nunca y Tarja cantando a la perfección, salvo unos puntos bajos que son mínimos. Con Marco Hietala la banda ha tomado un gran peso en lo musical y también ha ayudado mucho en el juego de voces junto a Tarja. Por esto, se ha dejado de lado en los conciertos los temas instrumentales y se ha aprovechado a Marco para interpretar covers como “Crazy Train” de Ozzy Osbourne o “Symphony of Destruction” de Megadeth. En este DVD es el turno de “High Hopes” de los legendarios Pink Floyd. La pregunta que se ha hecho mucha gente por esto es por qué Nightwish no sigue como cuarteto y con Marco en la voz. Simple, Tuomas sigue insistiendo que Nightwish debe tener una voz femenina la cual sea acompañada con Hietala al igual que con Tarja, algo que ha resultado muy bien para el grupo desde su incorporación y que debe seguir existiendo.

La puesta en escena tiene una notoria preocupación previa, tanto en vestimenta como en juego de luces y pirotecnia, así como también la incorporación de John Two-Hawks, un indio nativo americano que aparece en escena para recitar sus versos y también tocar su flauta en “Creek Mary’s Blood”.

El término del concierto es un clímax, un desenlace y un final. “Wish I Had An Angel” parte presentada por Marco y con su grito de guerra previo a entrar al escenario, una especie de “yeeeah fuck yeeeah”, descargando toda su energía con la que ejecutan esta última canción. Es sin lugar a dudas el momento más emotivo, donde Tarja ríe de la emoción sin saber lo que le esperaba el día después, y Tuomas que se toma la cabeza reflexionando y sabiendo lo que esto significa. La música final acompaña muy bien este momento para crear esta atmósfera.

En el aspecto técnico, el ritmo del montaje en el concierto está perfectamente editado para cada canción. A nivel de cámaras, se encuentran bastante bien justificadas las más de 20 que se ocuparon para grabar el concierto. Salvo unos planos frontales al público donde en reiteradas ocasiones se muestra a un par de niñas que lloran y se toman la cabeza de la emoción, los cuales contrastan con excelentes tomas al escenario, la banda o al público mismo en planos generales. Muy buena postproducción también combinando las gráficas proyectadas en las 5 pantallas del escenario junto con el concierto, algo molesto eso sí cuando interrumpen completamente la visión del espectador hacia la banda mientras toca. Gran detalle también el de remarcar con cámara lenta ciertos gestos de cada integrante, los que nos hacen ver que pequeñas cosas marcan una gran diferencia.

El documental incluido como material extra muestra los 15 días previos al último concierto de la gira en Helsinki, pasando por México y Brasil en el marco del Live N’ Louder Festival. Se puede ver a la banda en hoteles, aviones, conferencias de prensa, sesión de fotos y en momentos previos a salir al escenario. Un documental marcado por la tendencia de mostrar a Tarja aparte de los demás junto a su esposo Marcelo, en otras palabras, Tarja no es para nada protagonista de este registro. Esto queda de manifiesto en la última escena, donde ya la banda se encuentra en su camarín a 1 hora de comenzar su último show de la gira, donde en ese camarín no se encuentra Tarja, sino tal como dice el aviso en la puerta: The Band.

La galería de fotos muestra imágenes de la banda en color y blanco y negro en momentos previos al concierto y también en el show mismo. Grandes aciertos fotográficos que están a la altura de todo el DVD.

End Of An Era ha traspasado algo más que imagen y sonido a un DVD. De nuestros televisores y parlantes saldrá también algo que no todos los registros audiovisuales pueden lograr: la emoción.

CONCIERTO

01. Dark Chest Of Wonders
02. Planet Hell
03. Ever Dream
04. Kinslayer
05. Phantom Of The Opera
06. The Siren
07. Sleeping Sun
08. High Hopes
09. Bless The Child
10. Wishmaster
11. Slaying The Dreamer
12. Kuolema tekee taiteilijan
13. Nemo
14. Ghost Love Score
15. Stone People
16. Creek Mary´s Blood
17. Over The Hills and Far Away
18. Wish I Had An Angel

EXTRAS

01. A Day Before Tomorrow – Documental
02. Galería de Fotos

Vision Divine

Corría el año 1998, y toda la corriente del powermetal italiano estaba en su mejor momento, bandas como LABYRINTH se consagraban con discos como RETURN TO HEAVEN DENIED, RHAPSODY sacaba su segundo y mas consagratorio álbum: SYMPHONY OF ENCHANTED LANDS, el que sea tal vez el mejor de toda su carrera; y otras bandas de un nivel bastante regular, aprovechaban el mencionado apogeo del metal itálico para mostrar su trabajo mas allá de sus fronteras, grupos como SKYLARK y su DRAGON SECRETS, HEIMDALL, PANDAEMONIUM o por ejemplo SHADOWS OF STEEL son una clara muestra de aquello.

Inmersos en este marco de gloria y fama, es como el entonces guitarrista de LABYRINTH Carlo Magnani, ( conocido en el mundo metalero como Olaf Thorsen ), motivado por todos sus temas compuestos en su tiempo libre, decide formar un proyecto paralelo a su banda de siempre, el que bautizaría con el nombre de VISION DIVINE, para esto, se haría acompañar por su amigo, el vocalista de RHAPSODY y ex vocalista de LABYRINTH: Fabio Lione (conocido en su paso por Labyrinth como Joe Terry) completando la banda: Andrea “tower” Torricini en guitarra, Andrew Mc Pauls en teclados y Matt Stanciou (Labyrinth)  en batería.

El nombre para la banda es la mezcla de dos conceptos: VISION, que es como se iba a llamar LABYRINTH cuando fue formado; y DIVINE, que es el nombre que tendría el disco solista de Olaf y que finalmente nunca fue lanzado. El proyecto ya tenia vida propia y sin duda que daría mucho que hablar.

Es entonces en el año 1999, cuando VISION DIVINE lanza su primer disco, el que deciden que sea un homónimo, y que recién lanzado se convierte de inmediato en un éxito total de ventas en Italia y en gran parte de Europa, comenzando a pasear el nombre de VISION DIVINE por los oídos metaleros del mundo entero.

El Angel de la Consagración…

Tras dos años de vida y de haber lanzado su muy exitoso álbum debut, VISION DIVINE aun cargaba con el peso de ser una banda proyecto, con pocas presentaciones en vivo y eclipsada por la fama de Labyrinth, por lo que se hacia necesario de manera imperiosa, el lanzamiento de un segundo disco.

Es así como a fines del 2001, comienzan a componer su segunda placa, la que posteriormente seria lanzada a comienzos del 2002 bajo el nombre de SEND ME AN ANGEL, el que siguiendo con el éxito de su antecesor, se transforma en un super ventas que catapulta a la consagración definitiva al grupo. Es tanto así, el poder y las alas propias que adquirió la banda, que Olaf Thorsen decide finalmente dejar Labyrinth para dedicarse de lleno a su trabajo con VISION DIVINE. El éxito de ventas es tal, que los lleva incluso a recorrer el mundo de gira, presentando su trabajo por muchísimos países, e incluso llegando a lugares tan lejanos como Sudamérica.

Con la renuncia definitiva por parte de Thorsen a su banda de origen, muchos cambios se producen en VISION DIVINE, siendo el más importante de ellos la partida de Andrew Mc Pauls y Matt Stanciou, quienes contrario a la opción de Thorsen, deciden quedarse en LABYRINTH en detrimento del despegue explosivo que por esos días experimentaba VISION DIVINE.  Los reemplazantes entonces, para los dos cupos que quedaron tras la partida de Mc Pauls y Stanciou fueron ocupados por: Matteo Amoroso en batería (Athena) y Oleg Smirnoff en teclados (ex Eldritch).

Un Cambio Radical…

En el año 2003, y siendo VISION DIVINE ya la banda a tiempo completo de Olaf Thorsen, se comienza a trabajar en el que seria su tercer disco de estudio, desafortunadamente el vocalista Fabio Lione, decide poner fin de manera amistosa a su relación con la banda, por problemas personales en la coexistencia de VISION DIVINE y RHAPSODY, por lo que de inmediato Thorsen comienza la búsqueda por un reemplazante de nivel, que cubriera el vacío dejado por Lione, y a la vez le diera a VISION DIVINE un sello propio.

El elegido entonces para esta labor fue Michelle Luppi, un talentoso vocalista italiano, que desarrollaba sus trabajos musicales de manera independiente así sus como clases de canto, y que contaba con una basta experiencia en vivo.

El mes de Abril del 2004 es finalmente lanzado STREAM OF CONSCIOUSNESS, tercer disco del grupo y un cambio radical en términos del sonido de la banda, con un Luppi completamente afiatado con el estilo del grupo este disco es un verdadero giro en el sentido que VISION DIVINE de ahora en adelante daría a su música; un disco conceptual marcado por catorce intensos capítulos que se erigió por la prensa especializada como uno de los mejores discos de powermetal de ese año.

De hecho, es tanto el éxito de la banda, que cancelan todos sus acuerdos previos para firmar definitivamente contrato con Scarlet records para Italia, King records para Japón y METAL BLADE para la distribución del disco en el resto del mundo. Al año siguiente se edita un DVD en vivo, el primero en su carrera, y que lleva por titulo: STAGE OF CONSCIOUSNESS, que presenta el mencionado tercer disco entero, de principio a fin, mas algunos bonus tracks de la era Lione, y donde queda demostrada toda la infinita capacidad del nuevo frontman de la banda. Mientras tanto Olaf Thorsen ya trabajaba en las ideas de su próximo disco.

Una Máquina Perfecta…

Tras el exitoso lanzamiento de su primer DVD oficial, VISION DIVINE hace un viaje al oriente,  presentándose en dos impresionantes shows en Osaka y Tokio, quedándoles pocos lugares del mundo por recorrer y pavimentando el camino a costa de buenos comentarios, para el que seria su cuarto disco de estudio. En Octubre del 2005 el nuevo disco llega, otro trabajo conceptual que al igual que STREAM OF CONSCIOUSNESS, toma influencias mucho mas rockeras y que lleva por nombre THE PERFECT MACHINE, disco que además fue producido por el guitarrista de STRATOVARIUS: TIMMO TOLKKI.

THE PERFECT MACHINE resulta ser un disco impresionante, carismático, con muchísimo feeling, y que aleja a VISION DIVINE de los cánones establecidos por las demás bandas italianas, es un disco muy rockero, bastante ecléctico, y que ratifica que lo de VISION DIVINE dejo de ser una promesa o un proyecto, para convertirse en una gran realidad.

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Dos guitarras en armonía, batería rápida, voz aguda (ojalá con segundas voces también armónicas) y un bajo que no se limita sólo a marcar. ¡Cuántas bandas utilizan hoy en día este «modelo de negocio»! Pero a pesar de que hay muchas bandas anteriores cronológicamente, que adoptaron la estructura de las dos guitarras, si hay una banda que fundamenta la existencia de este webzine, esa banda es Helloween. Y por ello, es menester que, en nuestra vuelta al ruedo, revisemos su historia.

Todo parte en Alemania (particularmente la ciudad de Hamburgo) a finales de los años ’70 (específicamente en 1978), donde un par de quinceañeros formaron una banda llamada Gentry, que contaría con amigos como músicos invitados. Uno de esos colegiales era Piet Sielck, actualmente líder de Iron Savior (vocalista y guitarrista) e ingeniero de sonido de bandas como Grave Digger o Blind Guardian, entre otras. Y el otro «pingüino» es quizás uno de los más grandes motivo del nacimiento de la música que profesamos: un joven de cabello claro y ojos café, nacido el 17 de Enero de 1963, en Hamburgo, llamado Kai Michael Hansen. Este jovencillo comenzó a interesarse por la música aproximadamente a los diez años de edad, cuando intentaba tocar batería con unas cajas vacías. Como la idea de tener un constante sonido de cajas en la casa obviamente no agradaba en demasía a los padres de Kai, a los doce años, sin quererlo, la familia Hansen iniciaba los «cursos causales» para el nacimiento del Power Metal: Kaicito recibía una guitarra clásica de regalo, tras lo cual comenzó a tomar lecciones para aprender a ejecutar el instrumento, y un par de años más tarde formaría su primera banda, llamada Katherine Wheel, para lo cual adquirió su primera guitarra eléctrica: una sencilla Ibanez Les Paul blanca. Después de tocar aproximadamente un año con Katherine Wheel, llega 1978, año al que hacíamos referencia, produciéndose el segundo hecho fundamental para el nacimiento del Power Metal: Kai Hansen conoce a Piet Sielck, actual líder de Iron Savior.

helloween - 1983-1987Piet y Kai eran fans de bandas como Uriah Heep, Sex Pistols, Slade, Black Sabbath, UFO, AC/DC y Deep Purple, entre otras. El repertorio de Gentry, por lo tanto, se basaba en covers de las bandas mencionadas, además de un par temas propios. Kai compatibilizaba su emergente labor como músico con la de repartidor de diarios, con lo cual ganó algo de dinero, lo suficiente como para evolucionar desde su Ibanez Les Paul a una Fender Stratocaster, y para comprarse un amplificador Marshall. Y al parecer (como se vería a la larga) estos bisoños rockeros deseaban trascender en algo más que una banda de covers, por lo que intentaron profesionalizarse y prescindieron de los servicios de su primer baterista, llegando a estar alrededor de seis meses sin quien dominara las baquetas. Tras ello apareció un jovencito inexperto que quería tocar con ellos, y que en realidad no poseía demasiados conocimientos técnicos, pero su entusiasmo y su facilidad para aprender le permitirían llegar a formar parte de Gentry: tal muchacho era nada menos que Ingo Schwichtenberg, nacido el 18 de Mayo de 1965, quien a la larga terminaría sus días, como veremos, en forma más que trágica, antes de cumplir los treinta años. Y como a Piet y a Kai les resultaba algo incómodo intercambiarse el bajo y la guitarra tocata por medio, decidieron buscar un bajista, enrolando a un «chico» de aproximadamente 196 centímetros de altura y con cabello rizado: Markus Grosskopf, nacido el 21 de Septiembre de 1965 en Hamburgo. Así se compone, por tanto, la primera formación «oficial» de Gentry. A fines de 1978, la banda incluso llega a ganar un premio en un festival.

GENTRY CAMBIA DE NOMBRE

Dos años más tarde la banda se percata que su nombre no era demasiado «ganchero», decidiendo cambiarlo por el de Second Hell (nombre bajo el cual escribieron «Murderer» y algunas partes de lo que posteriormente se transformaría en «Heading For Tomorrow») y posteriormente por el de lron Fist, ya en 1982, con el que gestaron temas como «Metal Invaders», «Gorgar», «Metal Invaders», «Victim Of Fate» y «Priest Of Satan» (que a la postre se transformaría en «Save Us»).

A fines del mismo año se produce el primer gran «quiebre»: Piet decide dejar la banda en busca de otros horizontes y Kai se va a hacer el servicio militar, después de aprobar sus exámenes en el Goethe Gymnasium de Hamburgo. Y es, curiosamente, en una noche de franco, en medio de una fiesta, donde Kai Hansen conoce a la que, por muchos años, sería su «media naranja musical», un joven guitarrista que tocaba en una banda de medio tiempo llamada Powerfool: Michael Ingo Joachim Weikath, nacido el 7 de Agosto de 1962 en Hamburgo. Weiki intenta persuadir a Kai para unirse a Powerfool, pero la persuasión de Kai fue más fuerte y finalmente Weikath termina uniéndose a Markus y a Ingo. Después de un corto tiempo, Iron Fist pasaría a llamarse Helloween, con Kai en las voces y guitarras.

helloween_jericho_eraEn 1984, el cuarteto lleva a la compañía Noise Records un demo, que contenía los temas «Metal Invaders» (de Kai) y «Oernst Of Life» (de Weikath, que hace poco fue re-lanzado en un compilado llamado «12 Years In Noise»), que a la larga aparecerían en un compilado llamado «Death Metal» (junto a Hellhammer, Dark Avenger y nada menos que Running Wild).

La banda logra fichar con la prestigiosa compañía y al año siguiente se encontraba ya lanzando su primer trabajo oficial: un EP con cinco fantásticos temas («Starlight» -con su notable comienzo, que hace imaginar a un rockero despertando con una tremenda «caña», y para pasarla, nada mejor que abrir una buena cerveza…-, «Murderer», «Warrior», «Victim Of Fate» y «Cry For Freedom») titulado simplemente «Helloween«.

El año siguiente sería importantísimo: la banda lanzaría su primer LP. Con una introducción que ha pasado a convertirse en una especie de «grito de guerra» (aunque no es grito ni es de guerra) de la banda («el puente se va a caer, a caer, a caer» transformado en «happy happy Helloween, o-o-ooh«), comienza una de las piedras angulares de nuestra música, nada menos que «Walls Of Jericho«, disco indispensable en la colección de un metalero que se precie de tal.

A pesar de que en aquellos entonces Kai Hansen poseía una voz que dejaba bastante que desear, el disco cuenta con joyas del más alto nivel como, por nombrar algunas, la intensa «Ride The Sky«, el himno «Heavy Metal (Is the Law)» o la emotiva «How Many Tears«. Helloween inventaba un estilo: agregaba melodía al speed metal (casi cercano al thrash por momentos), creando los cimientos de algo que en aquellos tiempos intentó definirse como un «powerful speed melodic heavy metal», lo que comenzó a ser reconocido por los medios especializados europeos como Power Metal, un par de años antes de que en Estados Unidos el grupo Pantera lanzase un disco titulado homónimamente. Pero más allá de esta discusión doctrinaria, la importancia histórico-musical que tiene este disco eventualmente sólo puede ser superada, a ese respecto, por los dos posteriores.

kiske1Continuando con la historia, unos meses después, tras el lanzamiento del segundo EP de la banda, «Judas«, comienza a producirse una situación muy particular. Kai Hansen comenzaba a sufrir el stress de cantar y tocar guitarra (¡y en una banda como Helloween! No es tan sencillo como hacer dos acordes en una banda punk). Ante ello, Kai propone a la banda comenzar la búsqueda de un vocalista que se ajustase a los propósitos de la misma, y los ojos se pusieron en un «pendejo» de dieciocho años poseedor de un registro vocal que hasta el día de hoy lo convierte en uno de los más grandes vocalistas de la historia del Metal en general, que cantaba en una banda rockera llamada Ill Prophecy, junto a sus amigos Karsten Nagel (batería), Uli Schulz (guitarra), Reiko Ebel (guitarra) y Patrick Hampe (bajo): Michael Kiske, nacido el 24 de Enero de 1968, en Hamburgo.

En un principio, Kiske desecha la oferta de Kai Hansen de unirse a Helloween, por considerar que el estilo de la banda era demasiado rápido y que le costaría adaptar su voz, por lo que la banda apuntaría a contratar a otro vocalista -que cantaba en Tyran’ Pace-, Ralf Scheepers. Ralf desecha la oferta (a pesar de que acompañó a la banda en un show), por lo que volvieron a la carga por Kiske, consiguiendo ficharlo a principios de 1987 tras la insistencia de Michael Weikath.

En estos tiempos, Kai Hansen estudiaba Derecho en Hamburgo, pero comenzó a percatarse que su proyecto musical estaba yendo demasiado viento en popa, razón por la cual comenzó a no dar pruebas ni mucho menos asistir a clases, por lo que decidió sumergirse completamente en las templadas aguas del Metal, dejando los estudios del positivismo jurídico de Hans Kelsen y los textos legales absolutamente de lado. Comenzaría lo que a la larga sería, para muchos, la etapa más gloriosa de Helloween.

LOS GUARDIANES DE LA SIETE LLAVES

La banda pretendía, ya en 1987, lanzar con su nuevo vocalista un disco doble. pero Noise Records se negó, por lo que a la larga la banda lanzaría, en dos años consecutivos, dos de los más grandes trabajos de Heavy Metal de la historia. En 1987 Helloween lanza «Keeper Of The Seven Keys, Part I», disco que con apenas cuarenta minutos de duración ha pasado a constituir una piedra angular en el desarrollo del Heavy Metal. Si bien en «Walls Of Jericho» la banda había tenido un fenomenal debut, «Keeper I» marca el verdadero nacimiento del Power Metal, con la mezcla de elementos como las armonías de las guitarras de Judas Priest y Maiden, voces extremadamente melódicas, baterías con dobles bombos desenfrenados, mucha garra y hasta elementos de música clásica.

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Resulta inoficioso y hasta un poco hereje destacar temas de este trabajo, pero a grandes rasgos, cortes como las energéticas y poderosas «I’m Alive«, «Twilight Of The Gods«, la casi irónica felicidad extrema de un clásico de clásicos como «Future World» y la impresionante maestría épica de «Halloween» (con uno de los mejores -sino el mejor- dueto de guitarras de la historia), todos temas de autoría de Kai Hansen, pueden considerarse como lo más destacado dentro de un disco genial. El disco vendería 150.000 copias… ¡sólo en Inglaterra! Es decir, estamos ante un disco de proporciones históricas, que impulsaría a Helloween a la elite del Metal mundial, hecho que se vio recalcado con la aclamación de la crítica y de los mismos fans, puesto que además de tocar en muchos lugares de Europa, fueron invitados a Estados Unidos al MTV’s Headbanger’s Ball Tour, abriendo un show en el que además tocaron Armored Saint y Grim Reaper.

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Pero no contentos con esto, luego de la exitosa gira de «Keeper I», las calabazas lanzarían uno de los más grandes discos de la historia del metal. La segunda parte de la saga, «Keeper Of The Seven Keys, Part II» es sin duda el trabajo que terminó de catapultar al quinteto germano al olimpo. Se ha sindicado a este trabajo como el que terminó de crear el estilo conocido como Power Metal, al que ya hemos hecho referencia en reiteradas oportunidades en esta historia. Nuevamente caemos en la herejía de mencionar algunos temas (sabemos que es extremadamente injusto con los temas no nombrados, todos de una calidad excepcional): la indescriptible «Eagle Fly Free» (el más grande himno Power Metal de la historia), las gancherísimas «Dr. Stein«, «I Want Out» y «Rise And Fall» (las letras son un prototipo del humor alemán) y «Halloween II», «Keeper Of The Seven Keys«, que cierra de manera perfecta un disco insuperable, que ha traspasado generaciones. Gracias a este trabajo, la banda consigue no sólo ratificar sino que incrementar de forma notoria el éxito alcanzado con «Keeper I», siendo incluso invitados a tocar en el mítico Festival de Donington, Gran Bretaña, junto a bandas como Iron Maiden, Megadeth, Skid Row y Kiss, entre otras.

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Durante el tour «Pumpkins Fly Free» (que los lleva a Estados Unidos, Europa y Japón), la banda graba en Escocia uno de los más notables álbumes en vivo de la historia (es cierto, hemos repetido muchas veces la palabra «historia», pero el caso sin dudas lo amerita), el cual sería editado en 1989 con tres nombres distintos: «Live In The U.K.» en Europa, «Keepers Live» en Japón y «I Want Out Live» en Estados Unidos (este último viene con sólo seis temas, no se incluye «Rise And Fall»). Pero antes de la salida de este disco en vivo, la banda sufría un severo cambio.

BYE BYE KAI

Como señalamos anteriormente, tras el Keeper II, comenzaron a notarse ciertos quiebres al interior de Helloween. Kai Hansen sólo compuso tres temas de este maravilloso trabajo («Save Us» -que, recordemos, viene de los tiempos de Iron Fist-, «March Of Time» y «I Want Out», tema muy emblemático del momento que vivía Hansen), en comparación a que «Keeper I» fue prácticamente compuesto por él en su totalidad. Si bien los tres temas son increíbles, es más bien «poco» para lo que Kai nos estaba acostumbrando.

Ello era un revelador síntoma de las tensiones que comenzaron a vivirse en la banda, tanto por factores netamente relativos a relaciones interpersonales (lo que ha sido una constante en la historia de Helloween, quizás Hansen haya intuído eso), como por problemas con el management de la banda. Ello traería como consecuencia un creciente stress de Hansen, el que desembocaría en una «fatiga por las largas giras». El último show de Kai en Helloween sería en Birmingham, Inglaterra, el 8 de Noviembre de 1988.

A principios de 1989, Kai Michael Hansen anuncia su desvinculación de Helloween, en el momento más glorioso de la banda, lo cual causó una tremenda conmoción en el medio. Según Hansen, venía analizando la posibilidad de dejar la banda desde Julio de 1998 y que no lo había hecho, en gran parte, por pedido de sus compañeros, pero que debido al desgaste que todo lo anterior le estaba provocando, consideró que era el momento exacto para abandonar la bandaEn aquellos tiempos se señaló que la separación se había producido en términos amistosos, tanto así que el mismo Hansen ayudó a buscar a su reemplazante, el que resultaría ser el mecánico de autos y guitarrista de Rampage hasta 1982 Roland Grapow, nacido el 30 de Agosto de 1959, en Hamburgo. Viejo amigo de la banda, se enteró de la vacante en un aviso de una revista.

Algunos meses después de la partida de Kai, quien formaría Gamma Ray junto a Ralf Scheepers, se lanza el disco en vivo al que hacíamos referencia, conocido mayoritariamente en Sudamérica como «Live In The U.K.«, una brillante performance en vivo, cuyos siete temas dejan con un enorme gusto a poco debido a su enorme calidad.

BURBUJAS ROSADAS Y CAMALEONES

Más allá de la partida de Kai Hansen, la banda sufría conflictos de otro tipo. Un serio inconveniente con Noise Records tuvo a la banda prácticamente inactiva hasta principios de 1991, lanzando sólo material compilatorio como «Pumpkin Tracks» o «The Best, The Rest, The Rare» (material en el cual, sin embargo, aparecen algunos temas inéditos y un par de versiones antiguas cantadas por Kiske), con lo cual los rumores de separación se acrecentaron. Pero en el citado año 1991 la banda finalmente firma con EMI Records, y lanza su cuarto disco en estudio. «Pink Bubbles Go Ape«, el muy esperado disco post-keepers, no tuvo la repercusión esperada ni por los fans ni por la crítica especializada, pues el estilo de Helloween se encausaba hacia un camino algo menos metalero, y bastante más hard rockero y lúdico en cuanto a las letras. De todas maneras, «Pink Bubbles Go Ape», a pesar de ser un trabajo considerado mayoritariamente como irregular, posee una buena cantidad de temas a la altura de una banda como Helloween, como «Someone’s Crying«, «Mankind» o «The Chance«.

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Las tensiones al interior de Helloween fueron creciendo con los malos resultados de ventas de «Pink Bubbles». Además, Ingo Schwichtenberg comenzó a empeorar en su estado de salud, sufriendo un paulatino agravamiento de su hereditaria esquizofrenia debido al consumo de cocaína y otras drogas. Y además, las diferencias musicales entre las dos opiniones más fuertes en la banda, la de Kiske y la de Weikath, comenzaron a pesar, y mucho. En este contexto, Helloween lanza en 1993 «Chameleon«, su quinto disco en estudio, un trabajo totalmente diferente a lo que habíamos escuchado anteriormente de los germanos, alejándose a pasos agigantados del metal más puro y experimentando con sonidos más cercanos, por momentos, al pop, incluyendo temas como «First Time«, «Step Out Of Hell«, «Giants«, quizás las más rockeras, y -tratando de no ser peyorativos, pues no son temas derechamente malos- baladas de parroquia como «I Don’t Wanna Cry No More» o «Longing«, entre otros.

SE ACABA EL EXPERIMENTO, VUELVE EL METAL

Luego de «Chamaleon«, las diferencias musicales con Weikath llevaron a Michael Kiske a abandonar la banda, generando una «viudez» en algunos fans que incluso llega hasta el día de hoy. Viudez en cierto modo comprensible, pues sin duda se trata de una de las mejores voces de todos los tiempos, que posteriormente se dedicaría a proyectos solistas cada vez más alejados del metal, como SupaRed o Place Vendome, teniendo pequeñas incursiones metaleras, destacando lo realizado como Lugaid Vandroiy en Avantasia. Además, la salud de Ingo Schwichtenberg empeoraba, llegando al punto de sufrir una incontrolable crisis de llanto tras un recital en Japón, siendo reemplazado en el final de la gira por un batero llamado Riad «Richie» Abdel Nabi. Tras esto, se decide que Ingo abandonase la banda para tratar su enfermedad médicamente y desintoxicarse.

andi_deris1Tras la partida de Ingo y Michael Kiske, la banda encontró rápidamente sus reemplazantes. Andreas «Andi» Deris, nacido el 18 de Agosto de 1964 en Karlsruhe, Alemania, ex vocalista de Pink Cream 69, tendría la titánica -hasta el día de hoy- labor de reemplazar en las voces de Helloween a Michael Kiske. A los 15 años Andi se desempeñó en su primera banda, llamada «Paranoid», que un par de años después modificó su nombre a «Nameless». Junto a su amigo baterista Ralph Maison, formó un par de años después una banda llamada «Kymera», la cual fue abandonada poco tiempo después por Maison, siendo éste reemplazado por Kosta Zafiriou, con quien en 1987 se une a Pink Cream 69, banda con la que ganó en 1998 el premio «Metal Hammer newcomer» in Ludwigsburg, Alemania, y llegó a grabar tres discos: «Pink Cream 69», «One Size Fits All» y el excelente «Games People Play» en 1993.

La vacante dejada por Ingo en la batería, que recordemos fue tomada interinamente por Richie Abdel Nabi -quien no era lo que la banda estaba buscando-, sería finalmente llenada por Ulrich «Uli»Kusch, nacido el 11 de Marzo de 1967 en Aachen, Alemania, batero de dilatada trayectoria, quien vivió durante muchos años en Bélgica, y en cuya carrera destacan dos hitos fundamentales: el primero, el haber tocado en una estupenda banda thrash de los ’80 llamada Holy Moses (donde canta una buenamoza señorita llamada Sabina Classen, cuya voz no tiene nada que envidiar a Tom Araya o a Mille Petrozza); y el segundo, haberse desempeñado nada menos que en Gamma Ray, junto a Kai Hansen.

Con la nueva formación ya consolidada, la banda lanza su sexto disco de su trayectoria, un trabajo que resultaría crucial para determinar la ruta de navegación de la misma. La expectación era bastante grande: o se seguía y profundizaba en el estilo insinuado en «Pink Bubbles» y consolidado en «Chameleon», o se volvía a las raíces, más metaleras. Y la respuesta que entregó Helloween en 1994 con «Master Of The Rings» fue bastante contundente. Un trabajo que sin lugar a dudas posee una enorme importancia, con un esclarecedor mensaje a quienes pensaban que Helloween estaba muerto: la banda volvía a hacer metal, y del bueno, en un trabajo en el que destacan «Where The Rain Grows«, la simpática «Perfect Gentleman» o la declarativa de principios «Still We Go» («on the metal highway…«), entre otras. Punto aparte es el aporte compositivo de Andi Deris y en menor medida de Uli Kusch, aporte sin el cual, probablemente, Helloween no hubese resurgido de esta manera, marcando incluso la vuelta de la banda al mercado estadounidense y obteniendo excelentes resultados en Japón.

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TRAS EL PUNTO NEGRO, MIRANDO AL FUTURO

1995 fue un año durísimo para Helloween. A los 29 años de edad, tras sufrir los últimos años de su vida de una esquizofrenia de carácter hereditario, agravada por el consumo de drogas, y tras la repentina muerte de su padre, el 8 de Marzo de 1995, Ingo Schwichtenberg decide terminar con su vida, lanzándose a la línea férrea en Hamburgo, cerca de la estación de metro de Friedrichsberg, usando una polera de Helloween. El golpe para la banda, como es obvio, fue devastador, y toda la comunidad metalera europea reaccionó con desazón ante la partida al más allá de este talentoso batero, que lamentablemente no pudo vencer sus problemas crónicos y su lamentable adicción a drogas como la cocaína y el hachís. A la derecha, se ve la lápida de Ingo.

palkerPero el show debía continuar. Helloween lanza en 1996, como homenaje a Ingo (mientras Gamma Ray lo homenajeaba por medio del excelente tema «After Life» y Michael Kiske a través de la hermosa balada «Always»), su séptima placa en estudio, titulada «The Time Of The Oath«, sin dudas uno de los mejores trabajos de la banda a lo largo de su carrera. Un disco bien concebido, de principio a fin, mostrando una notable gama de recursos musicales y manteniendo la línea de vuelta al metal iniciada por su anterior placa, destacando temas como el clásico «Power» (¿dedicada a Kai Hansen?), las muy power «We Burn«, «Kings Will Be Kings» y «Before The War» y la sólida «The Time Of The Oath«. La excelente recepción de este trabajo llevó a la banda a lanzar su segundo disco en vivo, esta vez doble, para no dejar a nadie con gusto a poco, llamado «High Live«, grabado en Girona y Pamplona, España, y Milán, Italia.

A fines de 1997, la banda entraba a estudios para lanzar, en 1998 su octava placa en vivo, llamada «Better Than Raw«, disco que muestra en su portada un dibujo de una estupenda brujilla haciendo una pócima quizás con qué fines. En este trabajo, Helloween comienza a experimentar con sonidos algo más oscuros y ciertamente más densos, por momentos, sin perder su espíritu power, como se ve en temas como «Push«, la enorme «Revelation«, el single «I Can«, la muy power «Falling Higher» («metal will never die…«) y la pintoresca «Lavdate Dominum«, cantada enteramente en latín e inspirada en un salmo (de hecho, el título significa algo así como «que te alaben, señor»). Como anécdota, podemos recordar que «I Can» fue votada en la extinta Radio Concierto como «la canción del Mundial» para Chile, que en aquellos entonces participó en el Mundial de Fútbol de Francia ’98, situación que causó hilaridad y alegría en Markus Grosskopf al enterarse de la noticia.

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Tras el lanzamiento de este trabajo, tuvimos la oportunidad de ver, por primera vez en Chile a una banda de Power Metal. Y esa banda tenía que ser Helloween. Así, en el contexto de un Monsters Of Rock que incluía nada menos que a Iron Maiden (performance que se caería días antes debido a la recomendación del gobierno inglés a sus connacionales de no tocar en Chile debido a coyunturas políticas de aquellos entonces, siendo reemplazados por Anthrax) y a Slayer, el 10 de Diciembre de 1998 Helloween se presentó en Chile por primera vez, en el Velódromo del Estadio Nacional, en una performance bastante corta -menos de una hora- y que contó con un sonido memorablemente precario, a pesar de lo cual quienes tuvimos la posibilidad de asistir, vibramos con la emoción de ver por vez primera a Helloween en nuestro terruño.

Ya en 1999, quizás debido a compromisos comerciales, tras lanzar un álbum doble en versiones karaoke de sus grandes éxitos, Helloween graba un disco de covers, llamado «Metal Jukebox«, en el cual homenajea a artistas tan diversos como Los Beatles, Abba, Faith No More, Jethro Tull, Scorpions, Focus y Cream, entre otros.

Después de este trabajo, el 30 de Octubre de 2000 Helloween lanza su noveno álbum de estudio, «The Dark Ride«, ya habiendo firmado para Nuclear Blast. Siguiendo sugerencias principalmente del management, la banda comienza a concebir este trabajo, bajo la producción de Roy Z y Charlie Bauerfeind, desarrollando un material bastante más oscuro que sus predecesores, con afinaciones más graves y con temas más densos, como «Escalation 666» o «Mirror Mirror«, y otros algo más «Helloween», como la excelente «The Dark Ride» o «Salvation«, entre otras. Pero como veremos, este cambio de giro no generaba unanimidad dentro de la banda, más aun considerando que este trabajo era, hasta esa fecha, el peor vendido de Helloween desde «Chameleon».

EL ÚLTIMO GRAN QUIEBRE…

Michael Weikath era totalmente contrario a este giro que estaba tomando la banda. Por otra parte, Roland Grapow y Uli Kusch estaban conformes con lo que se estaba haciendo, pues se condecía con la dirección musical que deseaban para Helloween. Esta situación interna llegó a tal punto que incluso Weikath ofreció dejar la banda para comenzar una nueva, encontrándose con la negativa de Grosskopf y Deris, señalando que Helloween no sería lo mismo sin él. El «efecto Y2K» golpeaba duramente a Helloween.

En medio de esta tensión, la banda visitó Chile por segunda vez, esta vez para llevar a cabo un concierto propiamente tal, en el Estadio Chile. En esta oportunidad, en la que aproximadamente asistieron 2.500 a 3.000 personas, quienes asistimos no podemos evitar recordar el apocalípticamente pésimo sonido que lamentablemente tuvo ese show. A pesar de que la banda presentó un interesante tracklist e hizo vibrar a los asistentes, hubo momentos en los que no se entendía absolutamente nada. Y además, la tensión era palpable en el escenario. Dicho y hecho. Terminado el tour, se anunció la partida de Grapow y Kusch de Helloween, quienes posteriormente formarían Masterplan.

Sascha_1La tarea de encontrar reemplazantes se tornó titánica. En primer término, Weikath apuntó a su amigo Henjo Richter, guitarrista de Gamma Ray, para tomar la plaza de Grapow en las guitarras, en lo que habría sido una bombástica transferencia. Pero tras la amistosa negativa de Richter, y siguiendo los consejos de Charlie Bauerfeind, reclutó, tras un par de ensayos en los estudios de Andi Deris, llamados «Mi Sueno», ubicados en Tenerife, al ex Freedom Call Sascha Gerstner, quien además por hobby se ha desempeñado como… modelo. Más allá de este pintoresco detalle, Sascha prometía llenar la plaza dejada por Grapow de buena manera, pues aparte de ser un sólido primer guitarrista, es un compositor más que respetable, y coadyuvaría a hacer retornar a Helloween a un estilo quizás menos oscuro.

Pero la búsqueda del baterista tuvo sus aristas complejas. En primer término, se selló la incorporación del británico Mark Cross -que cronológicamente fue anterior a la confirmación de Sascha como el nuevo guitarrista-, pero poco tiempo después, cuando comenzaban las grabaciones de lo que sería el décimo álbum en estudio de Helloween, a principios de 2003, a Cross se le diagnosticó una mononucleosis, enfermedad que afecta a todos los órganos y que impide realizar labores que exijan algún tipo de esfuerzo físico, y cuya recuperación es de larga data. Ergo, Cross no pudo seguir en las grabaciones, para las cuales se reclutó de urgencia al mítico Mikkey Dee (Motörhead, ex King Diamond) para completarlas. Las grabaciones para este trabajo continuaron con Mikkey, pero se informó a la banda que la recuperación de Mark Cross sería más larga de lo previsto, por lo que se vieron forzados -presionados por el management-a buscar un nuevo baterista,que grabase algunos temas para Lados B, por lo que se invitó a Stefan Schwartzmann (ex Accept y UDO), quien aceptó gustoso unirse a Helloween.

Así, tras estos avatares, sacar este disco fue como sacar un conejo de un sombrero. Y dicha analogía se vio reflejada en el título del décimo disco de Helloween, llamado «Rabbit Don’t Come Easy«, lanzado en Mayo de 2003. En esta placa, Helloween vuelve a un sonido más inspirado en los tiempos de los Keepers, menos denso, más digerible y ciertamente menos oscuro -notándose el cambio con Sascha Gerstner especto a Roland Grapow-, con temas muy «happy happy Helloween» como «Just A Little Sign«, «Open Your Life«, la excelente «Do You Feel Good» o la muy Motörhead «Liar«, entre otros cortes. Tras el lanzamiento de «Rabbit…», Helloween se embarcó en un tour mundial, que originalmente los traía a Chile, pero el concierto lamentablemente debió ser cancelado, perdiendo la oportunidad de ver a Helloween con uno de sus mejores setlist de todos los tiempos, pues en esa gira fundamentalmente se dedicaron a rememorar temas de sus épocas más pretéritas.

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Ya en Octubre de 2004, la banda comienza la preproducción de su décimoprimer disco en estudio. Pocos meses después, Stefan Schwarzmann decide abandonar la banda, fundamentalmente debido a que, si bien las cosas iban extremadamente bien en la parte humana, no compartía con resto de la banda la misma visión musical. Stefan decidió ayudar a la banda hasta que se encontrase un reemplazante, el que finalmente se halló en Febrero de 2005 en Daniel «Dani» Löble, respetadísimo baterista nacido en Zürich, Suiza, el 22 de Febrero de 1973, y que se desempeñaba en Rawhead Rexx, y que incluye en su currículum haber tocado junto a Blaze Bayley, entre otros connotados músicos.

EL PRESENTE

Ya con Dani Löble asentado como baterista, Helloween anunciaría el lanzamiento de su décimoprimer disco en estudio. Se confirmaban los rumores que indicaban que se haría referencia directa a los legendarios «Keeper»: tras el lanzamiento el single «Mrs. God» el 4 de Julio de 2005 en Asia, el 31 de Octubre de 2005 se lanza a nivel mundial «Keeper Of The Seven Keys – The Legacy«, como un disco doble con casi 80 minutos de nuevos temas, entre los cuales se incluyen la épica «King For a Thousand Years«, la happy/melancólica «Silent Rain«, la experimental «Occasion Avenue» y la notable «Invisible Man«, por nombrar sólo algunos.

Y este último trabajo trajo a Helloween a Chile, el 4 de Abril del presente año, en un Teatro Caupolicán que pudo y debió haber tenido un marco de público acorde al espectáculo que, ¡por fin!, nos mostró a Helloween en toda su expresión. Un show realmente sólido en todas sus líneas, emocionante, entretenido y por momentos sobrecogedor, con una banda que al fin pudo desplegar en Chile todo su potencial, saldando una deuda que sin duda poseían con el público nacional.

¿Qué más puede decirse de Helloween? Es poco más lo que puede agregarse a lo ya dicho, una banda que ha marcado una escuela, un estilo, un camino, un referente a seguir. Es de esperar que la calabaza continúe con su avasalladora carrera, y que siga transitando por la carretera del metal hasta el fin de los tiempos. Al menos, lo hecho ya en el pasado, los ha hecho inmortales.

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Formación de Helloween:

Andi Deris – Voces
Sascha Gerstner – Guitarras
Michael Weikath – Guitarras
Markus Grosskopf – Bajo
Dani Löble – Batería

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Hablar de Judas Priest es sin lugar a ninguna duda, hablar de una de las bandas más influyentes e importantes en la historia del Metal. Su nombre, sinónimo inmediato de Heavy Metal; su imagen, una de las más características dentro del metal (mucho cuero, puntas y la famosísima Harley de Halford); y su música, el más claro ejemplo de lo que el Heavy Metal significa como sonido. Por todo esto y muchas cosas más, Judas Priest ha sido considerado como una de las piedras angulares del Heavy Metal desde sus mismos inicios y ahora con ya casi 30 años de existencia y al igual que lo hicieramos el mes pasado con otro clásico como Iron Maiden, quisimos entregarles parte de la historia de esta gran banda.

LA BALADA DE FRANKIE LEE Y JUDAS, EL SACERDOTE

La historia de Judas Priest comienza a escribirse básicamente en 1969, cuando Al Atkins y Bruno Stappenhill, quienes vivían en un pequeño pueblo en las afueras de Birmingham llamado West Bromich, convocaran a una audición para buscar al reemplazante en las seis cuerdas de John Perry, quién muriera trágicamente en un accidente carretero. El line-up de esta banda sin nombre, lo conformaban entonces, Bruno Stappenhill en el bajo, John Partridge en la batería y Al Atkins en las voces. Durante las audiciones para encontrar al nuevo guitarrista, se presentó un joven que recientemente había comprado su primera guitarra y quién escasamente se había aprendido las notas Do, Re y Mi para presentarse a esa audición. Su nombre era Kenneth Keith Downing. Una vez comprobada su falta de experiencia fue despachado inmediatamente y el trabajo fue finalmente obtenido por Ernest Chataway, quién tocaba además de guitarra, teclados y harmónica. Ernest venía de una banda de Birminghan llamada Earth, quienes más tarde se hicieran «algo» famosos bajo el nombre de Black Sabbath, pero eso es parte de otra historia un tanto mas larga.

Ya con la formación completa, pero aún sin un nombre, Bruno Stappenhill, bastante influenciado por Ernest Chataway y la música de Earth, se puso a buscar un nombre que tuviera la suficiente fuerza y prescencia como para dar el siguiente paso. Es así como un día escuchando uno de sus discos de Bob Dylan, encontró el nombre que se transformaría en leyenda: The ballad of Frankie Lee and Judas the priest. Ahora sí con Judas Priest como nombre, la banda comenzó a hacer las gestiones para grabar lo que sería su primer álbum, para esto grabaron dos temas Good Time Woman y Well Stay Together y los enviaron a algunas compañias disqueras, recibiendo respuesta de Harvest e Inmediate Records. La banda realizó una presentación en un local llamado The George Hotel en Walshall. Entre la audiencia de esa noche se encontraba un amigo de Alan Atkins, su nombre era Robert Plant. Inmediate Records encantados con el sonido de la banda les dieron un contrato por 3 años y para celebrarlo su nuevo manager les dió una fiesta de bienvenida en grande. Judas Priest comenzaba la grabación de su primer álbum.

Sin embargo, dos meses más tarde, se encontraron con malas noticias. Alan fue el encargado de contarle al resto de la banda que la compañia disquera se encontraba en un muy mal pie económico y por lo tanto no podrían financiar la grabación del disco. La desilución provocó que en 1970 la banda se disolviera. Bruno se fue a trabajar a Dinamarca, Ernie se fue a Londres, John se mudó a Stourbridge y su roadie John «Magnet», se fue con su nuevo patrón, Ian Paice de Deep Purple. Alan Atkins un tanto desconcertado y solo contrajo una grave enfermedad … matrimonio.

A fines de 1970, Alan se puso en búsqueda de una nueva banda. Una noche en un lugar llamado Holy Joe en Wednesbury, Al escuchó a una banda tocando en una habitación, trato de mirar para ver de quienes se trataba y divisó una cara que le pareció familiar… SI! era el joven que meses antes había audicionado para su banda, K.K. Downing y junto a el se encontraba Ian «Skull» Hill tocando bajo y John Ellis en la batería, todos en un frenético HeadBanging con sus amplificadores al máximo. Alan espero a que terminaran de tocar, se acercó y les pregunto si necesitaban un vocalista, a lo que todos respondieron que si. El nombre de la banda era Freight, pero a Alan, no le gustaba dicho nombre y sugirió el de su ex-banda, Judas Priest.

Luego de un par de meses de ensayos, la banda comenzó a hacer presentaciones en vivo. Abrían sus shows con «Spanish Castle» y otros covers de Jimi Hendrix y Quartermass, y se presentaron como teloneros de bandas como Slade, Budgie, Warhorse y Gary Moore.

En Octubre de 1971, John Ellis dejá la banda y es reemplazado en la bateria por Alan «Skip» Moore, quien sólo estará hasta finales de ese año para ser reemplazado por Chris «Congo» Campbell. En 1972 la banda invade todos los clubs locales con el objetivo de configurar una perfomance adecuada para visitar otras grandes ciudades de Inglaterra. Es así como visitan por primera vez Manchester, Liverpool y Londres. Ese mismo año comienzan a componer los temas que serían incluídos en su primer álbum. Sin embargo, los severos problemas económicos de la banda hacen que Atkins y Campbell dejen la banda ese año.

Con la salida de Atkins de la banda, el resto de los integrantes tuvieron que enfocar nuevamente la dirección que tomarían, lo que por supuesto comenzaba por la incorporación de un nuevo vocalista, a lo que Ian Hill recordó que el hermano de su novia, Sue, cantaba en un grupo llamado Hiroshima y al parecer lo hacía bastante bien y además era ingeniero de ilumación, lo que les venía de maravillas. El nombre de este personaje era Robert Lee Halford. Poco tiempo después se unía a las filas de Judas Priest, el batero John Hinch. Al mismo tiempo y por otra parte, la banda The Flying Hat Band que tenía como guitarrista y vocalista a un joven llamado Glenn Tipton, realizan un demo donde destacan canciones como Coming of the lord, Lost time, Reaching for the sky y Seventh Plains. Judas Priest y en especial K.K. Downing, encantados con la forma de tocar de Tipton deciden ponerse en contacto con él para persuadirlo de que se incorporara a Judas, a lo que finalmente Glenn accede.

La primera formación oficial de Judas Priest quedaba entonces conformada por:
-K.K. Downing – guitarra.
-Glenn Tipton – guitarra.
-Rob Halford – voces.
-Ian Hill – bajo.
-John Hinch – batería.

LAS ALAS DEL DESTINO COMIENZAN SU VUELO

Finalmente en el año 1974 la banda consigue el preciado contrato, el acuerdo es sellado el 16 de abril de de ese año en Londres con la compañia disquera independiente Gull Records y ya el 6 de septiembre de ese mismo año la banda lanzaba su primer álbum Rocka Rolla. El productor del disco fue Roger Bain (Black Sabbath).

Esta primera entrega de los Priest tuvo una pobre acogida por parte del público, talvés provocada por la innegable y por lo demás, demasiada influencia del estilo musical que otra gran banda británica como lo es Black Sabbath, ya había popularizado y marcado como sello personal. Sin embargo esto no fue ningún impedimento para que la banda continuará por el mismo sendero, pero ahora agregando mayor velocidad y estructuración propia a cada tema que compondrían a futuro, para más tarde terminar consolidando un sonido y estilo únicos, que hoy en día se reconoce como el sello Priest que marcó a tantas bandas posteriores que nacieron en la década de los 70’s y 80’s.
En 1975 la banda actúa en el festival de Reading captando la atención de mucha más gente. Para aprovechar dicho enganche la banda termina rápidamente de grabar su segundo álbum el que sería llamado Sad Wings of Destiny y el que años más tarde se convertiría en parte de la discografía más clásica de la banda.

Este nuevo trabajo fue producido por Jeffrey Calvert y en el se incluyeron clásicos de la talla de The Ripper, Tyrant, Genocide y Victim Of Changes, que originalmente había sido concebida como dos temas. Alan Atkins había escrito la primera mitad del tema y la había titulado Whiskey Woman y Rob Halford escribió la segunda mitad llamandola Red Light Lady.

Sin embargo, la situación financiera de la banda no cambiaba, lo que finalmente condujo a que Alan Moore se alejara de la banda por segunda y definitiva vez. Poco tiempo después Alan se mostraría arrepentido de su decisión, pero ya era tarde para regresar. La banda ahora había conseguido fichar para CBS Records, quienes ayudaron a que el tercer disco de la banda viera la luz en 1977.

El nuevo álbum de los sacerdotes se llamaría Sin After Sin y en el se incluirían otros tantos clásicos como Sinner y Diamonds And Rust de Joan Báez, además de otras joyitas como Starbreaker y Dissident Aggressor. Como al momento de la grabación Judas se encontraba sin batero, el álbum fue grabado con Simon Phillips como invitado tras los tarros.

Sin After Sin fue producido por el entonces ex bajista de Deep Purple, Roger Glover, quién tras su alejamiento de los Purple, se había dedicado a producir nuevas bandas, como Nazareth y los mismos Judas, quienes recién comenzaban su camino en el muchas veces tortuoso negocio de la música. Roger un tanto sorprendido por la forma de tocar de K. K. Downing, quién a su parecer, se movía demasiado en el estudio de grabación, le pregunto el porque de esto y le dijo que si no era mejor que en vez de moverse tanto se concentraba más en lo que estaba tocando, a lo que K.K. le explicó su posición: «…cuando toco mi guitarra no solo lo hago con mis manos, si no que con todo mi cuerpo; los movimientos que hago influencian en cierta medida mi forma de tocar, y así todos mis sentimientos y sensaciones que experimento mientras toco quedan plasmados posteriormente en las grabaciones …». Interesante y muy válida posición.

Con un nuevo álbum bajo el brazo, Judas Priest comenzó las giras de promoción y su popularidad se acrecentaba rápidamente con cada ciudad que visitaban. La gira los llevó a debutar entonces en Estados Unidos el 17 de junio de 1977 en Amarillo, Texas, donde acompañaron la gira de Reo Speedwagon, quienes lograban llevar más gente a los conciertos lo que ayudó muchísimo a que el nombre de Judas Priest fuera creciendo cada vez más. Judas dejó los states el 7 de Agosto de 1977 tras dos excitantes presentaciones en el Coliseo de Oakland, junto a Led Zeppelin.

Terminadas las giras Judas vuelve a los estudios a grabar su cuarto disco. Este fue lanzado en febrero de 1978 y su nombre Stained Class, trajo consigo más clásicos que agregar a la larga lista que Judas nos ha regalado durante tanto tiempo: Exciter, Beyond The Realms of Death y Saints In Hell, por nombrar algunos.

Tras los tarros ahora se encontraba el batero Les Binks, quizás uno de los mejores bateros que ha tenido la banda a lo largo de su carrera y quién co-escribió el temazo Beyond the realms Of Death. Comienza el nuevo tour y la banda toca un par de fechas en el Reino Unido para después partir en marzo a los Estados Unidos a promocionar su nuevo álbum y estar como banda soporte en la gira de Foghat. PRIEST gana gran prestigio y experiencia. En Agosto de 1978 debutan en Japón con gran éxito.

Después de Japón ingresan a los estudios con el productor James Guthrie y graban Killing Machine (Hell Bent For Leather, para Norte América) el que es lanzado al mercado en 1979. Temas como Take On The World y Evening Star se convirtieron rápidamente en hits en el Reino Unido. Lo mismo ocurre con The Green Manalishi lanzado como bonus track en Estados Unidos.

Ahora los temas son un tanto más gancheros y digeribles, pero conservan el sonido que la banda venía mostrando y además a estas alturas, Judas Priest ya contaba con legiones de fans quienes comenzaban a vestirse de cuero para asistir a sus conciertos, lo que les daba mayor seguridad para grabar la música que les gustaba y no lo que se esperaba. Comienza el tour de promoción y Judas Priest se embarca en una gira de 66 días por Estados Unidos que comienza el 27 de febrero y termina el 6 de mayo. Luego tras el éxito obtenido por el single Take On The World, la banda se va a Japón. El éxito musical y comercial es evidente y los ayuda a solidificarse como la fuerza más emergente del metal.

Durante el verano de 1979, Judas Priest toma y mezcla todas las cintas grabadas durante la gira por Japón, y en los estudios de Ringo Starr en Ascot, Inglaterra, nace uno de los mejores álbumes en vivo de metal de todos los tiempos: Unleashed In The East.

El álbum es lanzado en septiembre de 1979 mientras Judas se encontraba de gira por Estados Unidos, acompañando a Kiss.

Terminan el año acompañando a Ac/Dc por Europa. Luego de las agotadores giras Les Binks decide irse de la banda y en su lugar reclutan a Dave Holland el otrora batero de Trapeze, la banda de Glenn Hughes.

LAS RAICES DEL METAL SE FORJAN CON ACERO BRITANICO

En 1980 la banda edita uno de sus discos más importantes y un clásico indiscutido en la historia del metal: British Steel. El álbum alcanza el nº 3 del ranking británico y golpea los Estados Unidos en el nº 34.

El álbum trae consigo el mega-hit Breaking The Law (la canción favorita de Beavis y Butthead) y Living After Midnight (la canción favorita de Otto, el chofer del autobús de Los Simpsons), además de otros clásicos como Metal Gods, Grinder y Rapid Fire. El disco se vende como pan caliente alrededor de todo el mundo y alcanzan rápidamente el millón de copias vendidas.

Realizaron un tour por 30 ciudades distintas en Inglaterra y vendieron todos los tickets de los recintos en donde se presentaron por casi 4 meses seguidos. La BBC ráudamente comenzó a trabajar en los videos para Breaking The Law y Living After Midnight. También lograron vender totalmente los shows para las giras por Europa y Estados Unidos. Para terminar aparecen como cartel estelar en el festival de Donnington Monsters Of Rock.

Judas Priest ahora era considerado como «La más grande banda de Metal en el mundo«. En 1981 la banda edita Point Of Entry el que trae como nuevos hits los temas Hot Rockin y Don’t Go. El tema Heading Out To The Highway atrae la atención para ser incorporado en algunos soundtracks y así Priest se convierte en una de las primeras bandas en ser entrevistadas por MTV.
Point of entry tuvo un tour a tablero vuelto y el tour fue desde Febrero a Noviembre de ese año. Durante el verano comienzan a preparar el material del próximo álbum.

Las sesiones del nuevo álbum son realizadas a fines de 1981 en Ibiza, España y las mezclas en Miami. Screaming For Vengeance aparece en el verano de 1982 con el cual la banda realiza su tour más grande que dura 9 meses (6 en E.E.U.U.) comenzando en el verano y finalizando el 26/08/82 en Bethlehem, Pennsylvania. Además participan del Heavy metal US Festival en 1983 ante 300.000 personas.

En 1984 la banda edita Defenders Of The Faith. La punta de lanza del nuevo disco fue Freewheel Burning, para el cual grabaron un video en Londres. Otros grandes temas fueron incluídos en este disco Jawbreaker, The Sentinel, Some Heads Are Gonna Roll y la largamente censurada, por su contenido de corte erótico, Eat Me Alive.

El 16 de marzo la banda comienza un maratónico tour por USA comenzando en Niagara Falls.

En 1985 solamente participaron en el festival de Live Aid, ya que los últimos 5 años habían sido de giras sumamente largas y por tanto, agotadoras. Mientras tanto un joven baterista llamado Scott Travis, proveniente de Norfolk, Virginia, se une a la banda del gran guitarrista Paul Gilbert, Racer X. Al comenzar la primavera ingresan al estudio Compass Point de las Bahamas, junto a Tom Allon quien incorpora nuevas técnicas digitales de grabación, las que serían bastante notorias en la nueva producción que judas lanzaría al mercado.
Tras casi dos años de ausencia, Judas Priest sacude nuevamente al mundo con su nuevo disco Turbo, donde la banda dejó los cueros negros y las puntas y aparecieron vestidos casi como banda Glam. Este nuevo trabajo incorporó batería y guitarras sintetizadas y le dió otro matíz al genero.

Turbo, al igual que Unleashed, British, Screaming y Defenders, fue todo un éxito de ventas, alcanzando discos de oro y platino. Sin embargo las dudas se centraban en el nuevo look que la banda mostraba y como sería la reacción del público ante tal drástico cambio. El tour Fuel For Life, fue el encargado de disipar todo tipo de dudas. La gira de promoción fue a tablero vuelto, al contrario de todo lo que se pudo haber pensado, sin embargo y por razones desconocidas, el tour no incluyo ninguna presentación en ciudades del Reino Unido.

En 1987 la banda lanza su segundo álbum en vivo titulado simplemente Priest…Live, que capturó los mejores momentos de este extenso tour en álbum y en video.
En mayo de 1988 la banda edita su decimo tercer álbum oficial. El título escogido para este nuevo trabajo fue Ram It Down, considerado por ellos mismo como un álbum perfecto y por la crítica, como la segunda parte de Turbo.

Aparte del temazo de speed metal que abre y da título al disco, incorporaron un cover de Chuck Berry Johnny B. Good, el cual fue incluído en el soundtrack del film del mismo nombre. Finalizadas las giras de promoción del nuevo disco, Dave Holland se aleja de la banda.

Despues de dos años de ausencia, Judas Priest impresiona al mundo con un nuevo y majestuoso álbum, el que a esa fecha, venía a transformarse en el disco mas brutal de la discografía de Judas y en donde ahora destacan claramente las influencias speed metal que la banda había incorporado a su estilo.

Painkiller es el nombre de la nueva obra y fue lanzado en 1990. Nombrar solo algunos temas, como los mejores de este disco, es practicamente un pecado. Es en este disco en donde se incorpora el actual e impresionante baterista Scott Travis, proveniente de Racer X.

Es así como Scott viene a cumplir el sueño que venía forjando desde 1982, cuando en un concierto obtuvo un autógrafo de Glenn Tipton. Además se convierte en el primer integrante norteamericano en la banda.

En enero de 1990 la banda se presenta en el Rock in Rio en Brasil.

El punto negativo en ese año estuvo dado por la triste demanda que realizaron los padres de 2 jóvenes que se suicidaron escuchando el tema Better By You, Better Than Me, del álbum Stained Class, que según ellos incluía mensajes subliminales. El juicio fue realizado en Reno, Nevada y el juéz, como es de esperarse en estos casos, dió la razón a la banda. Recordemos que muchas han sido las bandas acusadas por este tipo de cosas en la historia, Judas Priest, Ozzy Osbourne, Slayer, Wasp, por nombrar algunas.

En 1991 se produce el quiebre nunca esperado en la banda. Rob Halford sorpresivamente, dejaba Judas Priest. Era el final de toda una era. La versión oficial dice que Halford se alejó de la banda debido a que el resto de los integrantes no le permitió llevar un proyecto solista, paralelo a su carrera en Judas. A esto se sumó el alejamiento temporal del batero Scott Travis, quién acompaña a Halford en su nuevo proyecto llamado Fight.

1992 se convierte en un año de forzado descanso, ya que aún sin un reemplazante para Halford, la banda se dedicó a disfrutar un poco de todo lo que habían logrado y pasar tiempo con sus respectivas familias.

En 1993 CBS edita un álbum doble de Judas Priest más un video. Este se llamó Metal Works ’73 – ’93 y trae 23 canciones seleccionadas por la propia banda como las mejores de su carrera, incluyendo las canciones que Rob había compuesto para la banda.

En 1995 comienzan las publicaciones en revistas especializadas, de los avisos con que Judas Priest invitaba a la gente a participar de las audiciones para encontrar a su nuevo vocalista. Como era de esperarse, cientos fueron los postulantes que llegaron a las audiciones. K.K. Downing y Glenn Tipton fueron los encargados de seleccionar a 3 posibles candidatos. Mientras tanto, comienzan a escribir el material para el nuevo álbum y Glenn se contacta con Scott Travis para que se reinserte en la banda.

Un día de marzo, Scott Travis ve un video de una banda que interpreta covers de JUDAS y le impresiona el cantante, llamado Tim Owens, de Akron, Ohio. Scott decide viajar a Inglaterra en donde sus compañeros estaban en la definición del nuevo cantante, y entonces les pide que vean la cinta. De inmediato Owens es llamado a Inglaterra para realizar una audición y comienza su sesión cantando Victim of changes. Basto ese solo tema para que fuera contratado.

JUDAS EL SACERDOTE Y EL RENACER DEL DESTRIPADOR

Después de seis años de ausencia, Judas edita su nuevo álbum Jugulator, en donde se integraba a la banda el segundo miembro norteamericano, Tim «Ripper» Owens, quien anteriormente cantaba en la banda Winters Bane. Jugulator muestra a Priest más revitalizado que nunca, imponiendo el estilo más clásico del metal existente en los ’90.

El álbum fue producido por Glenn Tipton, K.K. Downing & Sean Lynch y marcó el regreso en grande de la banda. Judas vuelve a la carga más fuerte que años anteriores. El único país latinoamericano visitado en la gira es México, el 18 y 19 de septiembre de 1998.

Ese mismo año lanzan su tercer álbum en vivo titulado Live Meltdown 98 que trae 24 canciones y en donde Ripper deja claro, porque es el nuevo cantante de la banda más significativa del Heavy Metal… Judas Priest. En 1999 el tema Bullet Train del álbum Jugulator en nominado a los grammys como mejor canción de Heavy Metal.

Ya con dos trabajos de estudio bajo el brazo junto a Ripper Owens, los sacerdotes deciden lanzar un disco doble que capture en vivo la nueva sangre que corre por las venas de la banda.  Es así como el año 2003 lanzan en Cd y DVD, Live In London, un registro que consta de nada menos que 25 temas y en donde podemos apreciar que el poder de la banda en vivo se mantiene casi intacto, además de dejar claro que la voz de Ripper es aún más potente en vivo que en estudio, que se adapta fácilmente a los clásicos de la banda, ejecutándolos con una rigurosidad casi religiosa y demostrando en cada grito porque es el actual (en ese entonces) vocalista de Judas Priest.

Sin embargo, y a pesar que la banda se veía muy afiatada, a fines del año 2003 comienzan a correr los rumores… ¡¡¡Rob Halford vuelve a Judas Priest!!! Aún no eran nada más que eso, solo rumores, pero bastaron solo estos para que el mundillo metalero comenzara a agitarse con fuerza inusitada… no era para menos, la voz de toda la vida de una de las bandas que inventó el Heavy Metal, volvía a casa.  Finalmente los rumores se confirman y con bombos y platillos… Rob Halford vuelve a Judas Priest y ya esta todo listo para la próxima gira mundial de la banda.

Por supuesto que la gira no era solo por dar vueltas al mundo sin motivo alguno, primero editan un nuevo disco, el primero junto a Halford en 15 años, Angel Of Retribution, un disco que causó muchas expectativas, pero que al parecer no logró llenarlas todas, de igual forma era la excusa perfecta para que Priest se tomara las carreteras como en los viejos tiempos y salieran de gira mundial, pero esta vez si que fue ¡mundial!… ya que la versión 2005 del Monsters Of Rock los trajo por fin a nuestras tierras.  Ya no era un sueño, sino toda una realidad, ¡¡¡Judas Priest en CHILE!!!

Aquel martes 13 de septiembre, toda la majestuosidad y a la vez simpleza de clásicos como Breaking The Law, Metal Gods, Victims of Changes o incluso Turbo Lover, hicieron cantar y saltar de alegría a todos quienes tuvimos la suerte de estar ese día ahí, observando y admirando a una de las formaciones más emblemáticas en la historia del metal.  Aquella noche el aperitivo fue también una gran banda, nada menos que Whitesnake, pero al lado de Priest no pasaba de eso, solo un aperitivo, y abriendo a estos dos monstruos tuvimos a los argentinos de Rata Blanca.  Sin duda una noche que no será borrada fácilmente de la memoria de los más de 12.000 espectadores… que espectadores… PROTAGONISTAS de una de las noches más increíbles que el metal ha tenido en Chile.

Lo último que se ha sabido de la banda, es que por estos días se encontrarían en pleno proceso de creación de lo que será el primer álbum conceptual de la banda, y este estaría basado en la vida y predicciones de Nostradamus, el cual sería presentado en su totalidad en los shows del grupo, como un musical épico, con actores, caracterizaciones y escenarios de acuerdo al desarrollo de la historia del disco.

Judas Priest es y será siempre la banda que marcó la forma de entender y comprender lo que es el Heavy Metal más clásico, ese que nació allá por los años ’70 y que se consolidó plenamente en los ’80, con la ayuda de muchas bandas que se influenciaron por la música de Judas y que vieron en ellos, todas las características que creyeron esenciales para alcanzar el éxito como banda: mucho cuero, la mayor cantidad de puntas posibles adheridas en su vestimentas y por supuesto, temas con la suficiente fuerza como para convertirse en clásicos del metal durante mucho tiempo.

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Alineación Actual:

– K.K. Downing (guitarra).
Glenn Tipton (guitarra).
Ian Hill (bajo).
Rob Halford (voces).
Scott Travis (batería).

Rage

En los años ’80, el apogeo del metal a nivel mundial unido a otros factores de índole económica producían un maravilloso efecto para los fans: las bandas lanzaban discos prácticamente en razón de uno al año. Ejemplos hay demasiados: a mayor abundamiento los cinco primeros discos de Iron Maiden fueron lanzados en cinco años consecutivos, y así Metallica, Manowar, Slayer y tantas otras cumplían casi con un 100% de eficacia aquel ritmo de producción. Pero en los años ’90 otros factores comenzarían a regir la industria del metal: las giras mundiales, los consecuenciales discos en vivo, la generalidad de las crisis de originalidad compositivas y la necesidad de promocionar mejor las producciones discográficas, entre otros, trajeron como consecuencia que las bandas comenzasen a disminuir paulatinamente su producción, siendo hoy lo normal que ningún grupo relativamente mainstream (contextualicemos este concepto sólo en el metal) saque un disco con menos de tres años pasados del lanzamiento de su placa anterior.

¿Qué tiene que ver todo lo anterior con nuestra banda del mes de Diciembre? Que Rage es, sin lugar a dudas, la banda más prolífica de la historia del Power Metal a nivel mundial. Con la friolera de 15 LPs y más de 200 canciones en menos de 20 años (además de una no menor cantidad de EPs, trabajos en vivo, orquestados, DVDs, etc.), Rage se ha transformado en una banda de culto para varios metaleros cuya bolsa del pan dejó de ser arrastrada hace muchos años, con un estilo único. Un Power Metal distinto al común de las bandas alemanas, siendo influenciado poderosamente por el sector más thrash de la escena germana y adoptando durante gran parte una estructura de trío que hoy en día (en que los quintetos y sextetos dominan la escena) pareciera estar en desuso.

La historia de Rage dista poco de ser la historia de un personaje en particular: Peter «Peavy» Wagner. Nacido el 22 de Diciembre de 1964 (cumple 40 años este mes, ¡cómo pasa el tiempo!) en la localidad de Herne, ubicada en la región de Ruhr, Alemania, Peavy tomó un temprano contacto con el mundo de la música, pues sus padres (ambos profesores) dedicaban gran parte de su tiempo a ésta. De hecho su padre, Paul, conducía un grupo musical que cultivaba la música renacentista, con lo cual Peavy y sus tres hermanos (dos mujeres) estaban familiarizados con instrumentos clásicos y coros en su niñez. Los intereses de Peavy apuntaban a la guitarra, tomando lecciones con Dirk Zdebel (profesor de la Universidad de Dortmund). Pero los estudios de guitarra no eran algo demasiado entretenido para el inquieto y joven Wagner, quien pretendía tocar sus propias canciones en guitarra eléctrica, lo cual causó más de alguna controversia familiar, como el propio Peavy nos contó hace un par de años en una entrevista exclusiva con PowerMetal.cl: «… nadie en mi familia me llevó a este tipo de música. Mi padre era muy estricto en cuanto a la música, no le gustaba para nada el rock, sino la música clásica. Mientras más intentó alejarme del rock, más me interesé, y eso quedó de manifiesto cuando cambié mi guitarra clásica a una eléctrica y empecé con mi primera banda. Yo era un fan del metal por mí mismo, porque amaba la música, y la sigo amando«. Desde joven Peavy Wagner cultivaría además otros intereses, aprendiendo jardinería y asistencia para ciertas patologías (de hecho sus ramos favoritos en el colegio eran los relacionados con la biología), y desarrollando un escalofriante hobby: coleccionar calaveras y huesos.

RageLas influencias musicales de Wagner eran obvias: desde bandas como los Beatles y The Police a otras como Rush, Motörhead, Sex Pistols y la NWOBHM (particularmente Judas Priest). Todo decantaba para que Peavy se decidiese por el Heavy Metal más bien clásico, formando su primera banda, denominada Dark Lights e, inspirado por el legendario Lemmy Kilmister, cambiando la guitarra por el bajo. Dark Lights era una banda de calidad más bien «escolar» que nunca llegó a lanzar material de forma más o menos profesional. Pero Peavy empezaría a tomarse todo un poco más en serio a partir de 1983, año en el cual formaría su primera banda «de verdad» junto a sus amigos Jochen Schröder y Alf Meyerratken: Avenger, banda con la que graba su primer demo, llamado «Faster Than Hell» (obviamente autoproducido) en el mismo año, junto a miembros que harían su debut y despedida como Peter Burtz en voces, Klaus Müller en bajo y Jan Yildiral en batería. Al año siguiente lanzarían otro demo (sin título) y -lo más importante- su primer e único LP, llamado «Prayers Of Steel», apoyados por el sello Wishbone, con Peavy Wagner asumiendo la totalidad de las voces y el bajo, Schröder y Meyerratken en guitarras y un jovencísimo Jörg Michael Musielak (más conocido simplemente como «Jörg Michael«) en batería. «Prayers…» es un disco con bastantes carencias pero con algunos temas interesantes como «Battlefield» (que posteriormente sería parodiada por los propios Rage como «Bottlefield» en el EP «Extended Power»…). Después de su segundo lanzamiento (antes del cual Meyerratken abandona la banda, siendo reemplazado por Thomas «Guinness» Grüning), el EP llamado «Depraved To Black«, la disquera Noise Records tomó interés por la banda, ofreciéndoles un buen contrato discográfico, pero exigiéndoles cambiar el nombre de la banda, pues ya existía un «Avenger». Así, en 1986 nace Rage. En aquél tiempo Peavy y especialmente Jörg Michael (este último bajo el seudónimo de «Gordon Perkins») colaboraban activamente con Mekong Delta, banda germana de thrash con tintes progresivos increíblemente subvalorada, con discos notables como «Mekong Delta» y especialmente «The Music Of Erich Zann», una joya con todas sus letras.

Ya bajo el nombre de Rage, la banda lanza su primer disco en 1986: «Reign Of Fear«, que combina thrash con tintes melódicos, y que es recordado como un correcto (no mucho más que ello) disco debut, destacándose temas como el potente opening track «Scared To Death» o «Deceiver«, y obteniendo un dignísimo 12º lugar en los rankings de los lectores de la revista germana «Rock Hard». Pero Rage no se detendría ni aun con la salida de la banda de «Guinness» Grüning (quien se retiraría de la escena musical), quien sería reemplazado por Rudy Graf, guitarrista en ese entonces de Warlock (la banda de Doro Pesch). Así, la nueva alineación lanzaría su segundo trabajo, «Execution Guaranteed«, a mediados de 1987, que comienza a marcar una evolución en la banda, pues si bien el sonido continuaba siendo más bien thrasher (relativamente parecido a los inicios de Blind Guardian), los arreglos son de mayor calidad melódica sin perder la innata agresividad que esta banda llevaba consigo ya en ese entonces, resaltando «Down By Law» (gran tema para comenzar el disco) o la propia «Execution Guaranteed«, que dura casi siete minutos y que cuenta con varios matices relativamente desconocidos en su primer trabajo. Pero 1987 sería un año complicado para Peavy Wagner, que sufriría la partida de los restantes miembros de la banda. Schroeder abandonó la escena, Graf intentaba formar otra banda más orientada al Hard Rock (sin mucho éxito pues no encontró los músicos adecuados y no obtuvo un contrato) y Jörg Michael continuaría junto a Mekong Delta, y posteriormente como sabemos ha tocado en bandas como Grave Digger, Running Wild, Axel Rudi Pell y por supuesto Stratovarius.

Pero lejos de rendirse, Peavy Wagner buscó dos nuevos guitarristas y un baterista. Así, un batero con raíces griegas llamado Christos «Chris» Efthimiadis (ex Atlain) se uniría a Rage, y la primera plaza de guitarrista sería llenada por Manfred Albert Schmidt, más conocido simplemente como Manni Schmidt, hombre con cuyo talento en las seis cuerdas (unido a la dificultad de encontrar un segundo guitarrista de nivel) convencería a Peavy de sentirse completo con una sola guitarra, dando origen a la prolífica primera era de Rage como trío.

Rage

Con Manni y Chris ya asentados en la banda, Rage lanza su tercera placa en 1988, «Perfect Man«. Y aquí sí que se nota un gran paso adelante, debido no sólo a la calidad como instrumentistas de los nuevos integrantes, sino a que el nivel de composición crece notablemente (de hecho, Manni compuso seis temas junto a Peavy), y es considerado por no pocos fans como uno de los mejores trabajos de la banda, contando con temas como «Wasteland» o el primer clásico de la banda, la increíble «Don’t Fear The Winter«, que hasta el día de hoy forma inevitablemente parte de sus shows. En 1989 ya la banda lanzaba su cuarto disco, «Secrets In A Weird World» (aunque previamente lanzó «Invisible Horizons» como single), donde Rage continúa con el camino trazado en su placa anterior, agregando elementos más melódicos (Peavy cantando mejor) y destacándose cortes como la propia «Invisible Horizons» (otro clásico) y la extensa «Without a Trace«, entre otras.

Ya en 1990 afloran algunos cambios. Con la salida de «Reflections Of A Shadow«, la banda opta por un camino algo menos heavy y un poco más melódico, con mayor presencia de elementos progresivos e incluso con la inclusión de un tecladista invitado, Ulli Köllner. El disco en todo caso es de calidad y posee cortes interesantes como «That’s Human Bondage«, «True Face In Everyone«, y las muy power «Wild Seed» y «Saddle the Wind«. Peavy reconocía que era complicado hacer realidad todas las ideas como trío, lo cual era una gran limitante, comenzando a gestarse la idea de invitar a formar parte de la banda como segundo guitarrista a Spiros Efthimiadis, hermano menor de Chris, lo cual causaría molestia en Manni, quien deseaba a toda costa mantener la estructura de trío. Al mismo tiempo, Noise Records comenzó a desencantarse de la banda, debido a que siempre vieron a Rage como una banda más bien thrash y no veían con buenos ojos el giro melódico que estaban tomando.

Al año siguiente, 1991, la banda se toma un pequeño respiro, haciendo shows junto a Running Wild, U.D.O., Motörhead y Saxon, y «sólo» lanza un EP, «Extended Power«, que cuenta con cinco temas. Y al año siguiente Rage produce uno de los mejores discos de principios de los ’90: «Trapped!«, un disco realmente ideal para que quienes no conocen a la banda se inicien en ella, con lyrics inspirados en H. P. Lovecraft y con el cual Rage comenzaba a tomar reconocimiento internacional (el disco no sólo fue votado «álbum del mes» en Metal Hammer, sino que consiguió buena crítica en japón, lo que los llevó de tour a la tierra del sol naciente). En la carátula del disco aparece una suerte de declaración de principios que pone en claro la intención del disco: «No Keyboards!». Peavy nos contaba en la entrevista: «… como utilizamos algunos sonidos de teclados en el disco anterior, quisimos dejarlos de lado para que el siguiente disco fuera sólo con el poder de la guitarra…«. El propio Peavy califica a «Trapped!» -junto a «The Missing Link»- como una de las obras maestras de Rage, y cuenta con cortes como «Shame On You«, «Solitary Man«, «Enough Is Enough» o «Power and Greed«, entre muchos otros. En el mismo año 1992 además se lanza otro EP, «Beyond The Wall«, que contiene seis temas y, como decíamos, incluye un «cover» de «Battlefield» de Avenger, renombrada como «Bottlefield«.

La ultraprolífica banda no se detendría, consiguiendo en 1993 una de sus mayores producciones. Lanza primero el single «Refuge«, que contiene el tema homónimo y tres covers (uno de los cuales es a The Police, «Truth Hits Everybody»); el single «The Missing Link» y el disco llamado de la misma forma. «The Missing Link» trata en sus letras -inspiradas nuevamente en Lovecraft- la existencia de una raza existente en la tierra después de los dinosaurios y antes de los mamíferos, el «verdadero eslabón perdido». Este disco acentúa el poder y los matices melódicos de «Trapped!», con excelentes temas como «Firestorm«, la mencionada «Refuge«, la ambiciosa «Lost In The Ice» y «From The Underworld«. Pero no contentos con esto, se lanza un disco en vivo que contiene material no sólo de Rage, sino además de Gamma Ray, Helicon y Conception, llamado «Power Of Metal«, que contiene material grabado en los recitales efectuados conjuntamente con las bandas señaladas, denominados «Melodic Metal Tour».

1994 sería un año de cambios profundos. La desgastada relación de Peavy con Manni Schmidt hizo que éste último abandonara la banda, dando espacio a que Rage volviera, después de muchos años, a tener dos guitarristas. De Manni no se supo durante varios años, hasta que volvió a la escena en gloria y majestad el año 2000, reemplazando al mítico Uwe Lulis en Grave Digger. Así, ingresaron a la banda el ya conocido Spiros Efthimiadis y Sven Fischer, este último ex Pyracanda. Nacidos ambos en 1971, podrían otorgar a la banda (particularmente a Peavy) una infinidad de nuevos horizontes y expectativas. Pero mientras la banda se reconstituía, se lanza otro LP, «10 Years in Rage«, su último trabajo bajo Noise Records. Si bien tiene nombre de disco compilatorio, califica como LP, pues contiene temas antiguos no lanzados anteriormente, más algunos nuevos, la versión ’94 de «Prayers Of Steel» de Avenger y un excelente medley de temas clásicos llamado «The Blow In A Row».

Rage

Con la banda ya asentada, en 1995 se lanza el single «The Crawling Chaos», bocadillo previo al primer disco con la nueva alineación, el alucinante «Black In Mind«, ya bajo el alero de G.U.N. Records. Un disco solidísimo con todas sus letras, muy variado, con un sonido por momentos más oscuro y sin perder esos matices thrasheros y agresivos que marcan el código genético de Rage. Pueden destacarse muchos temas: «Black In Mind«, «Sent By The Devil«, «Forever«, «Start!» y sobre todo la maravillosa balada «All This Time«, que cierra el disco.

Los cambios en la alineación trajeron un nuevo aire. De hecho Peavy comenzó a retomar su ancestral background de música clásica. En abril de 1996 se lanza «Lingua Mortis: Rage and the Symphonic Orchestra of Prague«, un disco que contiene temas de Rage con arreglos orquestales, y ejecutados por la banda conjuntamente con la Orquesta Sinfónica de Praga, República Checa. Un proyecto interesante, que manda a callar a quienes celebraban la originalidad de Metallica con su dudoso «S&M». Rage llevaría a cabo un par de shows orquestados en Austria y Alemania, lo cual causaría gran revuelo entre los fans.

Rage

Pero en 1996 no sólo se lanzaría «Lingua Mortis«. La banda ya tenía preparado otro LP, y no sería cualquiera. «End Of All Days«, otro sensacional disco, muestra a una banda en plena madurez, con quizás menos agresividad que sus anteriores trabajos, pero con una mayor sensibilidad y un Peavy cantando como nunca. Rage alcanzaba un equilibrio asombroso con este disco de más de 70 minutos, en el que destacan «Under Control«, «End Of All Days«, «Higher Than The Sky» (uno de los mejores temas de Rage y preferido de Peavy Wagner) y la fantástica balada «Fading Hours«. Peavy en la entrevista nos comenta sobre esta última: «… una noche soñé, tanto con la música como con las letras, me desperté, tomé mi guitarra y me puse a tocarla, tal como la recordaba de mi sueño. Fue un poco terrorífico: además de las melodías en que escuchaba, me veía a mí mismo muerto, tumbado en un ataúd, y algunas fotos mías en una mesa que estaba al lado. Yo estaba dentro de las personas que estaban ahí para enterrarme, y trataba de decirles a todos que aún estaba vivo, pero nadie podía verme ni escucharme, tal como si yo fuera sólo un alma…«.

En 1997 la banda se toma otro pequeño «respiro». Lanza el single «Higher Than The Sky«, que contiene el tema homónimo y covers de «Jawbreaker» de Judas Priest y «The Trooper» de Iron Maiden, entre otros; y un EP denominado «Live From The Vault«, que contiene fragmentos de un show en vivo en Alemania y que como curiosidad incluye un simpático cover de «Motorbreath» de Metallica.

RageEl giro más orquestado de Rage comienza a tomar mayor forma en Marzo de 1998 con la salida de «XIII» (antes se lanzó el single «From The Cradle To The Grave«), que deja de lado la faceta más thrash y explora sonidos más hard rockeros, melódicos, oscuros, todos acompañados por momentos de sutiles elementos orquestados. Un disco incomprendido por muchos fans de la vieja escuela pero ensalzado por varios como una gran obra, que marca el inicio de otra era. «XIII» llegó al 21º lugar en los Media Control Charts alemanes, e incluye entre otros temas la mencionada «From The Cradle To The Grave«, «Days Of December«, «Turn The Page» y una sui generis versión de «Paint It Black» de los Rolling Stones. Aquél año además se lanza el single «In Vain» y Noise Records lanza un compilado de Rage llamado «The Best Of The Noise Years«, un grandes éxitos de la era Noise que culminó en 1994.

Llegado 1999, la banda comenzaría a sufrir un nuevo quiebre. Los hermanos Efthimiadis y Sven Fischer deseaban abandonar la banda para dedicarse a otros proyectos musicales. Aun así, Rage alcanza a terminar de grabar otro disco, que ahonda más en la tendencia orquestada de «XIII».

Rage«Ghosts«, el nuevo disco, sale a la venta en Octubre de 1999, consiguiendo críticas variadas y siendo calificado como otro de los discos «incomprendidos». Peavy lo define como «… uno de nuestros álbumes orquestados. Creo que es un muy buen material, sólo desearía que hubiese tenido una producción más Heavy…«, y cuenta con cortes interesantes como «Beginning Of The End«, «Back In Time» o «Fear«. Tras la salida de «Ghosts», los Efthimiadis y Fischer abandonan Rage para formar otro proyecto, pero no de metal sino literalmente pop, llamado Sub7even. Increíble, pero cierto. Es cosa de ver las fotos en el sitio oficial de esta agrupación pop (www.sub7even.de). Pero todo fue para mejor. Peavy encontró inmediatamente a dos músicos realmente fantásticos para reformar a Rage.

Victor Smolski, guitarrista (en realidad multi-instrumentista), nace el 2 de Enero de 1969 en Minsk, Bielorrusia. Hijo del profesor Dmitry Smolski (reputado compositor clásico ruso), Victor comienza a estudiar piano y cello a los seis años, y posteriormente guitarra, alcanzando un nivel ptrofesional a los once años. A los 15 años toca con la banda local «Pesniary«, consiguiendo ventas de 10 millones de discos (¡!), girando por la en ese entonces Unión Soviética durante nueve meses. En 1988 forma la banda «Inspector«, con lo cual viaja por primera vez a Alemania para hacer algunos shows, causando interés en compañías disqueras germanas, lo cual no fructificó debido a problemas con las visas. Tras lanzar en 1993 «Russian Prayer» con Inspector, Smolski decide permanecer en Alemania, uniéndose en 1995 a Mind Odyssey, banda germana de metal progresivo, con la cual lanza dos discos: «Nailed To The Shade» y «Signs», en los cuales Smolski compuso la mayoría de las canciones, y tocó las guitarras, cítara y teclados. Además, Smolski ha trabajado como productor de bandas como GB Arts o Delirious, y para el vocalista norteamericano DC Cooper (Silent Force), y todo esto lo compatibiliza con una interesante actividad extraprogramática: corre en autos de carrera, con lo cual ha recorrido Europa y se ha desempeñado con éxito en connotados circuitos como Spa-Francochamps o Nürburgring. Se une a Rage (a Peavy Wagner, en todo caso)en Junio de 1999.

RageRage

Mike Terrana es un potentísimo baterista con una tremenda carrera. Nacido en Nueva York, Estados Unidos, se traslada a Los Angeles en 1987 en busca de mejores expectativas musicales, comenzando una prolífica trayectoria que cuenta con participaciones en discos desde 1985 (junto a Hannover) hasta hoy en Rage, tocando, entre otros, junto a Tony Macalpine, Yngwie Malmsteen, John West, Artension, Axel Rudi Pell, Roland Grapow (con quien vino a Chile en 1999), Metalium y Squealer, entre otros.

Wagner, Smolski y Terrana cierran la cosmopolita alineación actual de Rage. Al ser dos músicos con una gran trayectoria, no se trataría de sólo un par de músicos de sesión para Peavy Wagner, sino que miembros de la banda cuyas opiniones valen lo mismo que la de Peavy. Así al menos éste nos confesaba en la entrevista: «… ambos son parte de Rage, tal como yo, con una voz que pesa tanto como la mía. Esa es la razón por la cual ellos tienen la misma importancia e influencia en lo que hacemos«. Después de una exitosa presentación debut en el Festival de Wacken en 1999 y de algunos conciertos en Rusia el 2000 (junto al grupo Aria), el nuevo trío estaba preparado para lanzar su primer disco (el décimotercer LP). En Febrero de 2001 se lanza «Welcome To The Other Side», sólido disco que marca el renacimiento de Rage como banda de metal, volviendo un poco a las raíces más metaleras, destacando Smolski individualmente (incluso tocando cítara) y contando con un sonido más convincente que el de sus anteriores placas, resaltando cortes como «The Mirror In Your Eyes«, «A Tribute To Dishonour» (que consta de cuarto partes) y «No Lies«. En abril del mismo año la banda sale de gira por Alemania y otros países europeos, terminando el tour con algunas fechas en Japón.

Rage

Tras esta gira, la banda se pondría en campaña para lanzar su decimocuarto LP. Así, el 21 de Octubre de 2002 sale a la venta «Unity«, primer trabajo bajo SPV/Steamhammer. «Unity» es un sensacional disco que recoge lo mejor de Rage: la agresividad y garra, el virtuosismo de Smolski y la potencia de Terrana se unen para conformar un trabajo solidísimo, que cuenta por momentos con elementos progresivos que calzan perfecto en Rage. Peavy comenta: «… me encanta la música progresiva, al igual que Mike, así que pienso que todos queríamos que el disco apuntase hacia esa dirección. Quizás la palabra ‘progresivo’ produzca algún tipo de confusión, quizás la gente piense que queremos llegar a ser una banda del estilo de Dream Theater … me gustaría decir que nosotros tratamos de crear nuestras canciones tan ‘musicales’ como sea posible, con arreglos interesantes y un poco ‘inusuales’, pero siempre poderosas y agresivas…«. En «Unity» podemos encontrar notables y muy variados temas como el single «Down«, la sensacional «Set This World On Fire» o la impecable y sorprendente instrumental title track «Unity«.

Rage continúa con su frenético ritmo y el 27 de Agosto de 2003 lanza su décimoquinto LP, «Soundchaser«. Con una carátula que hace pensar que no es más que una continuación de «Unity», este trabajo no sólo pule lo ya pulido, sino que juega con conceptos que en discos anteriores se encontraban dispersos. No sólo conceptos relativos a las letras sino que el disco, más que un conjunto de temas, es una unidad compacta que adquiere mayores réditos si se escucha entero. Resaltan inmediatamente el intro «Orgy Of Destruction«, «War Of Worlds«, «Human Metal«, «Flesh And Blood» y la propia «Soundchaser«.

En el presente 2004 la banda, lamentablemente, sufrió un grave percance: Victor Smolski contrajo una severa infección en un testículo, que se trató médicamente hasta conseguir estabilizarlo. Pero en medio de un show en Bolonia, Italia, el testículo simplemente «explotó», debido a lo cual Smolski debió ser trasladado inmediatamente y de urgencia a un centro asistencial. El guitarrista pasó algunos días con riesgo vital pero afortunadamente se recuperó satisfactoriamente de tan aciago e inverosímil incidente.

Antes de la terrible situación vivida por Smolski, Rage ya había tomado la sabia decisión de lanzar un trabajo en vivo (con shows grabados en Alemania en Enero) para celebrar nada menos que el vigésimo aniversario de la banda. Así, hace algunas semanas se lanzó a nivel mundial «From The Cradle To The Stage«, que no sólo consiste en un disco doble en vivo, sino que ha salido en versión DVD, en un material indispensable para los fans de la banda e interesante para quienes no conocen demasiado de las virtudes de este trío de talentosos. Más de dos horas de material en vivo, además de entrevistas y bonus de aquellos que siempre agradan y entretienen a los fans.

Rage

¿Alguna duda de que Rage es la banda más prolífica de Metal del mundo? Al parecer no. ¿Algún atisbo de parar con este frenético ritmo que los ha llevado a tener, como dijimos, 15 LPs, más EPs, material en vivo, etc, y más de 200 canciones? Afortunadamente tampoco, y de hecho Wagner ha señalado que ya han grabado un demo para la compañía disquera y que piensan en dos proyectos paralelos: un álbum «normal» y otro totalmente orquestado en el estilo de «Lingua Mortis» (todo esto además de los proyectos solistas y paralelos de Terrana y Smolski). Como se ve, Rage (y sobre todo Peavy Wagner) ha malacostumbrado a sus fans con su increíblemente inagotable caudal creativo. Porque sería una gracia que incluso todos los temas fuesen iguales entre sí… ¡pero además no lo son! Sin embargo sería injusto circunscribir la importancia de Rage sólo a ser una banda muy productiva. Es una banda que ha encarnado durante toda su carrera un espíritu incombustible ante los problemas, combatidos con creatividad, agresividad y tenacidad. Y musicalmente ha mantenido un ADN musical durante todo este tiempo, matizándolo sí, es cierto, pero creando un sonido distintivo y característico. Es increíble escuchar temas de «Trapped!» que perfectamente podrían estar en «Soundchaser» y viceversa, pero no queriendo decir que los discos sean iguales, sino que hay un contenido base que hace notar que la banda es la misma, más allá de la inconfundible voz de Peavy Wagner. Una banda subvalorada en desmedro de otras más pirotécnicas, pero respecto de la cual aún es tiempo de hacer justicia.

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No sólo del grunge vivió Seattle. Este movimiento se transformó en un fenómeno mediático tan fuerte en los primeros años de los noventa que faltó muy poco para que toda memoria del pasado musical de esa ciudad de Estados Unidos fuera enterrada. Por este nuevo clima, los thrashers de Metal Church tuvieron que colgar las guitarras después de su Hanging In The Balance, en 1993. De repente, metal isn’t cool anymore. Recién el ’98 volvieron a unirse.

En el rock progresivo, el llamado a revolución de Queensrÿche con Operation Mindcrime, desde Seattle, los lanzó al estrellato, pero no bastó para frenar el ataque de Nirvana y compañía tres años después. En el apogeo de grunge, todo intento para triunfar masivamente, necesariamente tenía que corromperse y dejarse mandar… ¿podía el metal hacerle frente?

NevermoreSeattle también fue la cuna de Nevermore, liderada por el cantante Warrel Dane, el menor de una numerosa familia, que sus padres casi decidieron abortar porque los doctores les habían dicho que iba a ser retardado, y Jeff Loomis, de Milwakee, banda surgida de las cenizas de Sanctuary, el antiguo legendario grupo del vocal, que la oleada del grunge se encargó de desintegrar… Pero, quién iría a decirlo, los sobrevivientes del naufragio, con un metal multifacético, en constante movimiento y evolución, brutal, melódico, intrincado, profundo, introspectivo de temática que explora las emociones más oscuras del hombre, refinadamente oscuro, inconformista y agresivo, pudieron continuar la senda cortada y poder hacer música hasta ahora, diez años después, cuando todo lo que le amenazó había caído por su propio peso. Los álbumes The Politics Of Ecstasy, Dreaming Neon Black y Dead Heart, In A Dead World son la evidencia de aquello.

«Realmente vivimos entre toda la escena grunge aquí en Seattle, ¡desde el ’91 viejo! -dijo alguna vez Loomis-. Pero nunca seguimos el camino de otros, siempre hemos sido fieles a nosotros mismos. Siempre hemos seguido el camino del metal en el que creemos».

LOS APADRINADOS DE MUSTAINE

Nevermore es un grupo que surgió de un quiebre y de improvisto… Al menos con este nombre, no debieron existir. Es la continuación de las carreras de Warrel Dane y el bajista Jim Sheppard, que en 1985 formaron la banda Sanctuary con los guitarristas Lenny Rutledge y Sean Blosl, y Dave Budbill en la batería. El quinteto estaría fuertemente influenciado por el thrash del área de San Francisco, tan pujante en esos días, el disco homónimo de sus paisanos Metal Church, y el Heavy Metal de Judas Priest.

En ese año y el siguiente trabajaron sin lucimiento, grabando demos y tocando en pequeños clubes de Seattle. Nada más que decir hasta que se cruzaron con nada menos que el ex Metallica y en ese momento líder de Megadeth, Dave Mustaine. La leyenda cuenta que Sanctuary conoció a Mustaine en backstage luego de un concierto antes que saliera So Far, So Good… So What, y le entregaron una cinta con sus canciones. La versión oficial es que a través de un compilado de bajo presupuesto, del Northwest Metal Fest, en el que habían dos demos del grupo, atrajo la atención de Mustaine.

NevermoreSea como haya sido, lo cierto es que el hacha de Megadeth se interesó de sobremanera y se contactó con Sanctuary. Para la sorpresa y euforia de la banda, el llamado no fue para darles las felicitaciones, sino mucho más, ofrecerse como productor para una primera grabación seria. Mustaine se apuntaría como padrino de la carrera de Sanctuary. Warrel y los suyos tenían listos los temas, pero no habían pensado en una posibilidad tan concreta, ni menos conseguir acuerdo con alguna casa discográfica. Productor había, pero no presupuesto. Pero la seguridad con que hizo Mustaine su apuesta con Sanctuary, además del potencial del grupo, se basaba también en su propia imagen como uno de los mentores del metal californiano…

Alrededor de la producción del tercer larga duración de Megadeth, Mustaine las hizo de manager y, al parecer, con sólo mostrar su cara y las recomendaciones, Sanctuary consiguió un contrato con el sello Epic Records, parte de CBS, la industria fonográfica más antigua, importante y prestigiosa de Estados Unidos.

Superando el más increíble sueño, Dave Mustaine y el co-productor de So Far, So Good… So What, Paul Lani, viajaron a los Steve Lawson Studios de Seattle para juntarse con Sanctuary y grabar el disco. Así, el debut Refuge Denied salió en 1988, un disco sorprendente, hoy de culto, entre el Thrash y el Heavy que destapa todo el talento de Warrel Dane en la voces, similar al estilo de Rob Halford y, a ratos, Kind Diamond, con gran manejo de la voces altas y graves. Aunque algunas revistas de la época criticaron el trabajo de Warrel por no ajustarse a los estándares de los grupos Thrash y Speed, su performance representó allí un respiro de aire fresco a lo acostumbrado.

De los nueve temas que se encuentran en el elepé, escritos principalmente por Dane y Rutledge, resaltan la apertura Battle Angels, la europea Die For My Sins (hecha cover por Labÿrinth al final de los noventa), Sanctuary y una versión del himno hippie White Rabbit, de Jefferson Airplane, en la que Mustaine colabora con un solo de guitarra y las voces de fondo.

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Con el empuje de Epic y Mustaine, Refuge Denied se transformó en la revelación metalera del noroeste del país. La banda no tardó en revolverse en giras con grandes conjuntos como Megadeth, por supuesto, Death Angel, Testament, y Forbidden, esta última, donde estaba el guitarrista Tim Calvert (no será la última vez que el guitarrista aparezca en la historia), quien se convirtió en fanático y gran amigo de los miembros de Sanctuary. Después diría que «uno de mis (discos) favoritos de todos los tiempos es el primero de Sanctuary«.

En 1988 también, Mustaine despidió de Megadeth al guitarrista Jeff Young, por lo que tuvieron que empezar a audicionar a postulantes. Varios fueron en busca de la vacante antes de dar con Marty Friedman, entre ellos, un adolescente de 16 años de Milwaukee, Wisconsin, llamado Jeff Loomis, el otro gran protagonista de esta historia. Un día, Jeff recibió un llamado desde Los Angeles de un amigo suyo, quien conocía a Dave Mustaine. Le dijo de la partida de Young que le podía conseguir una audición, pero que tendría que viajar a California.

Nevermore«Nunca en mi vida había volado en avión -recuerda Loomis-, tenía el pelo corto. Era un buen guitarrista pero no estaba listo para la banda. Entonces fui a la sala de ensayo cuando Mustaine todavía usaba heroína, drogas y todo eso. Parecía loco cuando lo vi. Me había aprendido sólo tres canciones: Wake Up Dead, The Conjuring y In My Darkest Hour. Cuando las tocamos él no cantó ninguna, me perdía y todo lo que hacía el era mirarme como loco. Después se me acercó y me dijo: ‘Jeff, quiero que sepas que eres demasiado joven para estar en esta banda pero algún día serás un gran guitarrista’. Esas fueron sus palabras, inspiradoras. ¡Ensayé con Megadeth! Fue increíble».

También, Jeff tenía sus palabras para el disco de Sanctuary, que «Refuge Denied es tremendo porque salió justo cuando el metal la llevaba en ese tiempo, 1987-1988, grandes años para el metal».

INTO THE MIRROR BLACK Y LA LLEGADA DEL NIÑO PRODIGIO

Para Sanctuary llegaba el tiempo de su segundo disco. Esta vez no contarían con Mustaine… La razón, Loomis parece explicarlo sin haber estado ahí. «Él estaba en las drogas cuando produjo el álbum de Sanctuary, y después no parece que no quiso saber nada de esos días. Creo que está avergonzado porque estaba muy mal y no recuerda nada». En este tiempo, Dave Mustaine atravesaba por los momentos más difíciles de su problema con la adicción a las drogas y el alcohol. «He escuchado que en la grabación del disco estaba borracho todo el tiempo», señala Calvert. Sin embargo, Warrel guarda los mejores recuerdos: «No tengo nada más que respeto y admiración por el Sr. Mustaine, porque es probable que no estuviera hablando ahora si es que él no hubiera descubierto a Sanctuary«.

Sin cambios en la alineación, Into The Mirror Black salió en 1990, por Howard Benson y grabado en Van Huys, California. Se trata de un álbum que supera en términos de composición al anterior, más técnico, furioso, oscuro y con un envidiable balance entre agresión y melodía en todo ámbito, aunque más sobreproducido y menos fresco. Future Tense, Taste Revenge, Long Since Dark, One More Murder son los temas mejor logrados. En este disco es donde Warrel empieza a desarrollar su estilo de escribir letras: «(En Refuge Denied) era todo fantasía. En el segundo traté de alejarme de eso y me he corrido de los temas fantasiosos desde entonces». Como lo fue Refuge Denied, el segundo es un disco brillante pero con mayor éxito de ventas. Con Into The Mirror Black alcanzarían el máximo de ventas en Estados Unidos, consolidándose con sólo dos álbumes como uno de los números fuertes de metal en la zona. Europa recibió el disco con aplausos, y esas mismas manos le dieron la bienvenida a Sanctuary en su primera y exitosa gira al Viejo Continente.

NevermoreA su vez, Epic hizo un EP promocional en vivo de Sanctuary, llamado Into The Mirror Live / Black Reflections, con los temas Future Tense (versión estudio), Long Since Dark, Battle Angels, One More Murder, White Rabbit y Taste Revenge, extraídos de un show realizado en Reseda’s Country Club, el 12 de mayo del ’90. Obviamente, fue hecho bootleg luego por Reborn Classics.

Hasta hoy, ha sido el mejor momento en Estados Unidos de la carrera de Warrel Dane.El primer percance en Sanctuary fue la partida del guitarrista Sean Blosl en 1991. Quién más que Jeff Loomis, el mismo muchacho de 16 años que había ensayado con Megadeth, se las jugaría para darse a conocer. «Estaba tocando en una banda Death Metal en Wisconsin y me había aburrido del estilo vocal. Quería unirme a un grupo que tuviera un cantante de verdad y escuché de un amigo (¿no habrá sido el mismo que le consiguió la audición con Megadeth?) que Sanctuary buscaba un nuevo guitarrista».

Jeff, ahora de 19 años, seguidor de Jason Becker, Metallica, Queensrÿrche y Sanctuary, por supuesto, grabó un demo y lo envió al manager del grupo. La cinta llegó a manos de Warrel y Lenny y cuando lo escucharon quedaron alucinados con la técnica del joven guitarrista. Lo llamaron para audicionar y sin más, quedó en la banda. «Tuve el privilegio de venir a Seattle y unirme a Sanctuary -dice Jeff-. De 150 guitarristas, la banda me eligió».

Antes de empezar de lleno con el trabajo de la tercera placa, Sanctuary, con Jeff Loomis, haría sólo una presentación, la que en ese tiempo nuevo integrante, recuerda con orgullo… Llegó el momento de empezar a componer, con Loomis incluido… Todo iba muy fuerte hasta que el grunge apareció…

NUNCA MÁS CON SANCTUARY

Nirvana, Alice In Chains, Pearl Jam… el grunge pasó a ser un movimiento local a uno de los grandes fenómenos de la música de los noventa. Mientras el trío de Kurt Cobain y sus clones se tomaban los estadios y gimnasios, el resto de las bandas, metaleras, era relegado de vuelta a los clubes.

Esta explosión hizo estragos en la médula de Sanctuary, no por frustración hacia el grunge, muy por el contrario, sino por el fervor que esta música despertó en algunos de sus integrantes que pensaron tal vez estaban haciendo la música equivocada. Recuerda Jeff: «Estuve como cuatro meses en la banda. Nos preparábamos para escribir, pero las canciones de Lenny sonaban realmente grungy». Según Warrel, el otro líder de Sanctuary, había una cierta corazonada de un par de miembros del grupo, Lenny y el batero Dave Budbill, que empujar hacia el grunge sería lo comercialmente más viable y próspero para la banda: «En otras palabras, un par del conjunto decidió venderse». Él, Jeff y Jim no iban abandonar el estilo. «El sello -Jim- nos prometió mucha plata si es que nos virábamos al grunge y la mitad de la banda pensaba ‘no podemos ser músicos pobres toda la vida'». Warrel: «Ellos (Epic) quería traer a diferentes compositores y nos decían que el sonido de Seattle era muy popular».

Nevermore

Hubo un tremendo conflicto en la banda sobre si cambiaban de dirección o seguían en lo suyo. «Se pegaron mangazos y se arrancaron pelos de sus cabezas (Loomis)». «Tuvimos una gran pelea -dice Warrel-, me quebré la muñeca por aforrarle en la cara a mi guitarrista (Lenny). Me había dicho ‘Fuck you! YO SOY Sanctuary, yo tomo las decisiones’ y de ahí ¡PAF!»

Warrel también señala que «éramos buenos amigos de Alice In Chains, volvimos de los tours y ellos eran estrellas de rock». Eso tuvo un gran impacto mental en algunos de los de la banda, que pensaron «también queremos ser rock stars. Mi aspiración nunca fue esa (…) no quería convertirme en un drogadicto y cagarme la vida (…) sólo quería tocar música y expresar mis sentimientos en las letras».

NevermoreLas diferencias y las peleas fueron irreconciliables, por lo que en 1991 Sanctuary se separó. En un principio, todo fue incertidumbre para Jeff. «No sabíamos qué iba a pasar. Me dije «mierda, tengo que devolverme a mi ciudad y no estar nunca más en una banda». Afortunadamente, Loomis no se decidió así… Lo que sí pasó fue que él, Warrel y Jim, los sobrevivientes de Sanctuary a las tentaciones del grunge, decidieron seguir juntos en el metal, a pesar de la época, partir de nuevo y formar una nueva banda. «Decidimos -explica Jeff- seguir lo que nuestros corazones decían que era lo correcto: el metal».

Muy poco tiempo después, Nevermore surgió…

DE VUELTA A LOS CLUBES

Sin contrato ni apoyo del público, los primeros años de Nevermore fueron muy oscuros. ¿Cómo era vivir en Seattle durante los días del grunge? «Era desesperante -relata Sheppard-, ¡casi imposible! Puedo ver por qué tantas bandas metaleras simplemente se rindieron. Pasamos de presentarnos en teatros que soportaban a mil 400 en el apogeo del metal y cuando llegó el grunge que lo destruyó todo, nos devolvimos a los clubs de 300-400 personas».

Trataron de convencer al guitarrista Tim Calvert, amigo de Warrel y Jim, para entrar a lo que en ese momento era un proyecto, pero prefirió seguir exclusivamente en Forbidden. La primera batería de Nevermore fue Mark Arrington.

El cuarteto estaba listo. Como pasó con Sanctuary, empezaron en los clubes de la ciudad, donde nunca Warrel ni Jim debieron haber vuelto, pero manteniéndose fuerte a sus principios. Esta actitud, firme pero silenciada por el grunge, pronto traería sus recompensas. Cuando Nevermore tocaba en esos lugares de Seattle, Arrington había conocido, a través de un amigo, al afamado productor Neil Kernon, responsable del Rage Of Order de Queensryche, de Dokken y que había sido el ingeniero del Unleashed In The East de Judas Priest. Kernon se trasladaba Washington en busca de bandas con las cuales trabajar. «Probablemente se vino para producir a todos los grupos grunge nuevos», pensaba Warrel, pero para su sorpresa, se estaba enfocando en bandas de metal.

Nevermore

Un buen día, Kernon fue a ver uno de los shows de Nevermore, y en el mismo club, después de finalizado el show, Neil se acercó a la banda. Les dijo que le había gustado mucho sus canciones y que quería trabajar con ellos. El grupo no podía creer que el mismo que había hecho el Rage Of Order les estuviera ofreciendo grabar, ante lo que aceptaron perplejos. Como Sanctuary tuvo a Dave Mustaine, Nevermore encontró su mecenas en Neil Kernon, quien de su propio bolsillo y temeridad, produciría a la banda.

En 1994 empezaron a grabar un demo profesional de 24 pistas en Robert Lang Studios. Fue hecho por fuerza mayor en dos sesiones, ya que a la mitad del proceso tuvieron que ponerse en búsqueda de un nuevo baterista porque Mark Arrington se había ido. Pero no tardaron en encontrar a Van Williams, de Nueva York, estaba viviendo en Seattle y conocía a Sanctuary un año antes de llegar: «Había ido a un club y escuché que Sanctuary era ahora Nevermore, así que fuimos a verlos. Eran buenos, realmente buenos».

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Nevermore tenía la esperanza, y Kernon el convencimiento, de que con una maqueta profesional, con un sonido digno de ser calificado como álbum, podrían conseguir un contrato. En su país, marcado en el metal por el Death, prácticamente se les ignoró, pero en Europa tuvieron mejor suerte. En Century Media, uno de los grandes sellos independientes de metal, se escuchó el demo y vieron en Nevermore una potencial fuente de ingresos: eran ex miembros de los legendarios Sanctuary y para la compañía la calidad de la grabación era tan buena que podía ser lanzado como álbum, no tendrían que costear un presupuesto para producir un disco. La primera intención de Nevermore era regrabar las canciones y agregar más, pero así, el acuerdo se formó sin más. «Fuimos afortunados en llegar a un sello que no nos dijera qué hacer. Nos dieron esa libertad», Warrel.

El disco, que por su calidad paso de ser demo a LP, lo llamaron Nevermore y lo lanzaron en 1995. Constaba de ocho temas. En comparación con los de Sanctuary, la música es de bajas revoluciones, menos aceleradas, con varios pasajes acústicos, pero más pesadas. Acá Warrel empieza a desligarse de los rangos altos que caracterizaron a Sanctuary para caminar hacia un espectro apto para cantar letras más introspectivas, pulcras y grises, según él veía la realidad. El himno What Tomorrow Knows, canción de la que Century Media costeó un video clip, dice: Mistakes, you wear like your skin, you wish you’d never been born / Stand up, you can’t escape your past, but fools will try just to forget. Aparecen los temas de las drogas y política, que empezarían a ser frecuentes en Nevemore. Godmoney, el nombre lo dice todo, critica abiertamente las instituciones religiosas norteamericanas. Send your money to Jesus Christ, mail order your eternal life (…) Even God needs money.

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Timothy Leary trata de un profesor académico que en los sesenta llevó a su clase completa a la India para estudiar el «Tao te Ching», un texto de filosofía china milenaria. Se dice que los hizo tomar LSD a todos, sacaron el manuscrito original y los tradujeron al inglés bajo los efectos de la droga. «Y tengo el libro -señala con orgullo Warrel-, se llama ‘Plegarias psicodélicas después del Tao te Ching’. Es muy difícil de encontrar, me costó como US$ 150. Los seguidores de Timothy Leary lo ven como un gran visionario y revolucionario, estaba loco obviamente, pero cuando lo lees es hermoso». Otros cortes del debut que resaltan son la power-ballad Sanity Assassin, Garden Of Gray y Sea Of Possibilities.

Si bien Nevermore se quedó con las ganas de regrabar las canciones, las satisfacciones llegaron en la gira. El grupo se presentó en Alemania y Austria con los germanos de Blind Guardian como plato fuerte, en la que los «neo Sanctuary» tuvieron una fuerte recepción tocando temas del LP y de la banda extinta. Para hacer el live performance más poderoso, Nevemore enroló al guitarrista Pat O’Brien, ex Monstrosity y fanático de Cannibal Corpse.

Esta gira europea no estaría ni cerca de ser lo más destacable del año. Mientras estaban con Blind Guardian, se acuerda Loomis, recibieron un llamado de su managment. Le había dicho que Chuck Schuldiner, el genio de Death, dio con el disco de Nevermore, le había gustado mucho y quería invitarlos para hacer un tour en Estados Unidos. «Quedamos sorprendidos porque somos totalmente diferentes al estilo de Death y pensamos que debía ser sólo un rumor». Pero al ser confirmado, aceptaron al acto. «Uno de los mejores tours que hemos hecho es este porque fue como si Chuck Schuldiner nos diera el real comienzo al pedirnos que tocáramos con él. Gene Hoglan estaba igual. Fue increíble carretear con estos músicos».

NevermoreEl año terminaría con una actuación en el stage principal del Dynamo Open Air ante 100 mil personas. Apenas terminó la actividad de giras y llegó el ’96, Nevermore sacó el EP In Memory, título dedicado en cierta manera a Sanctuary, según Dane: «Éramos una banda la raja, pero nos separamos justo cuando las cosas empezaban a suceder». Lo hicieron porque faltaba mucho para terminar la composición temas para el siguiente larga duración y ya había pasado su tiempo de la firma del contrato y no se había grabado nada aún.

El EP contiene temas que no pudieron salir en el primer disco por el limitado presupuesto, como In Memory, Matricide y Optimistic or Pessimist. Sobre este tema, Warrel comenta. «Soy el eterno pesimista y optimista. El lado pesimista es el que sale en la música, Es el lado más fuerte de mi personalidad». También tiene medley de dos canciones de Bahaus, Silent Hedges y Double Dare. Por último, se incluyo The Sorrowed Man, canción que había sido escrita para Sanctuary por Jeff y Warrel, para el tercer álbum que nunca fue.

«Gente que conocí mientras girábamos me decía que no estaba totalmente satisfecha con el primer álbum -sentencia Warrel-. Y estaba de acuerdo, tuvimos algunos problemas en juntar bien las cosas siendo una nueva banda. Pienso que ahora vamos por el buen camino (…) Seguimos buscándonos, y con el segundo álbum de Nevermore progresaremos en esa dirección».

NEVERMORE TAMBIÉN PUEDE HACER POLÍTICA

Así llegó la primera oportunidad en que podrían ocupar para Nevermore el presupuesto necesario para hacer un álbum completo. El ahora quinteto, con Pat O’Brien, se trasladó a Texas para trabajar en el álbum que, en palabras de Warrel, sería demoledor y lo más pesado, como el statement de Nevemore.

Así fue, Nevermore se encontró a sí mismo en The Politics Of Ecstasy, un trabajo potentísimo, con mucho carácter, agresivo, furioso desde su comienzo con The Seven Tongues Of God, progresivo en cuanto a la complejidad de las canciones pero igualmente directo. El trabajo de Jeff Loomis es más que descollante y tiene la mejor vocalización que haya hecho Warrel hasta esa fecha, en el que dio por fin con su estilo. De este disco se extraen The Seven Tongues Of God, Next In Line, Lost, The Tiananmen Man y 42147.

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The Politics Of Ecstasy fue el gran salto de Nevermore. «Es nuestra declaración artística -dice Warrel-, nos ganamos el respeto de otros músicos gracias a este álbum y de ahí que no tenemos que probar nada». Además de mostrar lo buenos músicos y compositores que eran, Dane quiso desahogar su rabia, inconformismo, pensamientos y sentimientos como nunca lo había hecho, de una manera inteligente y a veces desafiante y provocadora. El tema título es una crítica descuerada a la clase política y al sistema, en la portada se ve a un niño llorando con una marca en la frente que dice Controlled. Lo mismo en Next In Line. The Seven Tongues Of God, sobre Dios y la ciencia. The Tiananmen Man trata, como dice el nombre, sobre la matanza de la plaza de Tiananmen, en Pekín, China, 1989. Cientos de manifestantes estudiantiles murieron cuando el gobierno ordenó aplastar las protestas. Palabras como Manipulate the Media y Like a hostage the goverment holds your drug, arrancan rechazo de cómo se manejó totalitariamente la situación.

Sobre hacer este tipo de letras, Warrel dice: «Es más fácil decir algo cuando no estas viendo a las personas. Poner las palabras en una hoja es mucho más fácil porque eres completamente honesto. Cuando lo miras a los ojos, no eres capaz de decir la verdad». El tema de las drogas es otra vez tratado en 42147. Además, todo el lay out del disco tiene un aire psicodélico de los sesenta e imaginería New Age. Warrel explica su inclinación por el tema: «Mis hermanos estuvieron justo al medio de todo ese movimiento cuando sucedió lo de la revolución de las drogas en los sesenta y yo lo viví a través de sus historias cuando crecí, y toda esa época me fascinaba bastante. En la secundaria, para «ser como los demás» experimenté harto con drogas».

NevermoreNevermore el ’97 tocó junto con Iced Earth en Europa. Pero antes de que terminaran estas actividades, Pat O’Brien, quien aparentemente nunca se adecuó al estilo de Nevermore, hizo sus maletas y se fue a Cannibal Corpse. «Siempre escuchaba a Cannibal Corpse y les decía a todos que era su banda favorita. No podemos estar más felices por él porque no muchos se van a tocar a su grupo predilecto (Warrel)». Para terminar las actuaciones, contrataron al guitarrista Curran Murphy. Ese mismo año, Forbidden, donde estaba Tim Calvert, se separó y, para no quedar cesante, llamó a Warrel para ver si era posible aún entrar la banda. Las puertas todavía estaban abiertas para él así que le pidieron que se fuera a Seattle y se les uniera.

Ya era 1997 y el grunge había retrocedido para ser un recuerdo. Jim: «Se autodestruyeron. El grunge empezó porque los músicos en Seattle eran pobres y no podían comprar equipos, por eso el sonido. Y cuando tuvieron mucho éxito, se volvieron Pop. Nosotros todavía no somos reconocidos por la prensa en Seattle pero hemos estado en al escena antes que el grunge… ahora también estamos y aún nos ignoran».

DREAMING NEON BLACK, LA AUTOBIOGRAFÍA DE WARREL

«Sometimes bitterness is all you can hold on to,
and within the bitterness I realized my weakness»

El cambio de guitarrista y una estrategia por parte de Century Media para no hacer al mismo tiempo tantos lanzamientos, retrasarían el tercer LP de Nevemore. Con Politics, el mejor disco de sus carreras, Nevermore empezaba a arrancarse la etiqueta de ex Sanctuary. Ahora estaban capacitados de hacer un álbum especial, muy especial: desde los más profundos rincones de la subconsciencia de Warrel Dane. Por esta vez al menos, se alejaría de los temas políticos, religiosos y sociales y entraría de lleno en las desesperadas emociones humanas…

«Vivo en Seattle, allí es muy oscuro, es para deprimirse, tenemos una alta taza de suicidio. Hay que mandar patrullas al puente Aurora en Navidad porque la gente se lanza (…) La base de la existencia humana desde su comienzo ha sido el sufrimiento. Escribir acerca del lado oscuro de la vida siempre me ha intrigado más que cualquier cosa feliz (…) El metal no puede ser feliz».

Nevermore

A Warrel se le ha preguntado si sus letras son así porque es adicto a las drogas, lo que se encarga de negar. Dice que quizás vino tinto, pero que le es difícil explicar de qué se tratan algunas canciones porque «cuando las escribo, algunas veces hay otra fuerza trabajando, como si se hicieran solas».

Para el próximo álbum, Warrel ocuparía una trágica experiencia personal como fuente de inspiración. La inexplicable desaparición de una novia que tuvo cuando estaba en Sanctuary, que se había unido a un grupo religioso y que su cuerpo nunca fue encontrado. Pasó que Warrel empezó a tener sueños en los que ella se mostraba, de la nada, justo cuando comenzaron a escribir el disco. La veía ahogándose, apareciéndose en su pieza, llamándole. Van Williams recuerda: «Ha hablado de esto por un tiempo, contando historias de cómo en verdad podía sentir o verla cuando estaba durmiendo, antes de escribir las letras, incluso antes del Politics me contaba sobre esta mujer». El hecho es que Warrel aprovechó estos dolorosos recuerdos y pesadillas para crear las líricas de un álbum conceptual.

Con Neil Kernon otra vez y en el mismo estudio de The Politics Of Ecstasy, Nevermore se enfrentó a un desafío: mejorar lo conseguido en el anterior y, para Warrel, revivir la experiencia y traspasarla a la música. Este álbum se llamaría Dreaming Neon Black. «Cuando estábamos en el estudio -recuerda Sheppard- (Warrel) rompió en llanto cuando cantaba el tema título», lo que refleja lo difícil que fue para él llevar esta «terapia».

Nevermore

Dane logró enfrentar el reto con éxito… y también la banda. Dreaming Neon Black es una obra maestra, con una energía emocional invaluable, llena de melancolía, dolor, cuestionamientos y rabia. Todo el álbum es la historia de alguien que lentamente enloquece después de perder a la mujer que siempre amó, sin saber qué fue de ella, sin saber cuál fue su destino. Es una montaña rusa mental y emocional que la música no logra menos que hacerla más fuerte. Al lado de Politics, las canciones son algo más simples y modernas, enfocadas en las americanizadas melodías de las voces, riffs contundentes con apariciones de leads sucios, variado, con muchos momentos de intensidad y de calma, gracias a los pasajes acústicos que logran ahondar más en la matriz de la historia. En Forever, con sólo la guitarra de Loomis… recita Dane: I know you’re dreaming, I know you’re at peace. I’ll meet you in the dreamtime. Whenever you call me I’ll go under, I’ll swim through you… siendo uno de los momentos más fuertes del disco entero.

Y Tim Calvert, que como miembro full-time de Nevermore, aportó con cuatro temas: Beyond Within, Deconstrution, All Play Dead y Cenotaph, sobretodo la primera con un estilo muy Forbidden. El resto son créditos de Loomis, con ayuda de Sheppard, como en Death Of Passion, Dreaming Neon Black, The Fault Of The Flesh, y Poison Godmachine, por nombrar las mejores. Loomis: «Básicamente tratamos de ser más una banda enfocada en las canciones (…) Dreaming Neon Black es un álbum mucho más estructurado, tratamos de simplificarlo un poco».

Dreaming Neon Black fue un éxito para Nevermore. Salió el 26 de enero de 1999, doblaron las ventas de The Politics Of Ecstasy y antes de aventurarse en un nuevo álbum, el total superaba las 100 mil copias. La banda hizo cuatro giras en Estados Unidos con Mercyful Fate, Iced Earth y Arch Enemy, visitaron Europa y hasta pararon en Australia, en las que todavía interpretaban clásicos de Sanctuary como Future Tense y Battle Angels.

Warrel sacaba cuantas alegres: «Estamos otra vez en el momento del quiebre. Cuando salió Into The Mirror Black, recuerdo que sentía que íbamos a algún lugar, que algo iba a pasar, era todo muy intenso, y ahora pienso que estamos definitivamente en el lugar donde Sanctuary estaba antes de separarse». Nevermore explicaba que el progreso lo fue gracias a la composición más prudente, según ellos, y al aura de la historia.

Nevermore«Creo que el disco tocó a mucha gente -piensa el autor de las letras- (…) Hablé con alguien hoy que me dijo que el álbum lo había deprimido horriblemente. Yo me decía: ¡Bien! Significa que hicimos nuestro trabajo. Cuando comencé a hacer la historia sabía que iba a afectar emocionalmente a las personas porque hay mucha pasión en las canciones».

Para el resto de la banda, el que Dane haya decidido escribir sobre este episodio de su vida, le sirvió para desahogarse. «Él todavía se acordará de ella pero no le será tan difícil -decía Jim-, nunca se olvidará de ella, era muy especial. Esperemos que pare de despertarse en las noches, saltando de su cama y gritando ‘¡Está en mi pieza! ¡Está en mi pieza!’ «. Warrel lo ratifica: «En el tour conocí a harta gente que me decía que había pasado por esto también, lo que hizo darme cuenta que no soy el único y eso me hizo sentir mucho mejor».

El resto del año para Nevermore terminó en proyectos fallidos. El primero sobre grabar un álbum de covers con temas de Metal Church, Savatage, Queensrÿche entre otros… para Warrel, hacer una novela sobre la historia que dio vida al concepto del Dreaming Neon Black. Además, por falta de tiempo, tuvo que rechazar la oferta de Chuck Schuldiner para integrarse a su proyecto llamado Control Denied, que en el ’99 lanzó, con Tim Aymar como vocalista, el álbum The Fragile Art Of Existence.

Pero ya vendría la revancha….

UN GRAN ÁLBUM EN UN MUNDO MUERTO

Con The Politics Of Ecstasy y Dreaming Neon Black, Nevermore se había levantado muy arriba sobre el fantasma de Sanctuary, pero sin conformarse, Loomis y Dane siguieron tomando riesgos. Para el próximo disco haría una serie de innovaciones. La primera, fue la decisión de no trabajar con Neil Kernon esta vez, el productor que descubrió a la banda y que había hecho todos sus álbumes. Le pedirían a Andy Sneap que grabara el disco, conocido por haber producido a Machine Head, Stuck Mojo, Earth Crisis, Testament, etc.

NevermoreSegundo, que Jeff Loomis empezaría a ocupar y componer con guitarra de siete cuerdas, a quien le entró la curiosidad gracias a que la persona que le confecciona los instrumentos le había dicho que iba a hacer una de éstas. Con la séptima cuerda «puedes hacer mucho con los acordes -asegura Jeff-, abre toda una nueva categoría. De inmediato, Loomis empezó a escribir temas para la séptima. En ese justo instante, Tim Calvert, pieza importante en Dreaming Neon Black, decidió abandonar Nevermore y la música ya que había contraído matrimonio. No buscarían a otro guitarrista, volverían a ser un cuarteto y toda la responsabilidad de crear las canciones recaería en Jeff, aunque contratarían a una segunda para las giras.

De esto salió al año siguiente, el 2000, álbum Dead Heart, In A Dead World, grabado en sólo un mes, julio, por tercera vez en Village Productions, Tornillo, Texas.

Al principio, por la referencia de Andy Sneap y la inclusión de las guitarras de siete cuerdas, se desató cierta incertidumbre al pensar que tendría elementos nu metal, pero al lanzarse, Nevermore le tapó la boca a todos con otro disco sumamente agresivo y profundo, a su manera. Gracias a Sneap la banda logró el mejor sonido de su carrera, pasado, presente y futuro, con todos los instrumentos muy claros y con gran protagonismo y fuerza de las guitarras y la batería de Van Williams. Es tan bueno que hasta el mismo Kernon dijo que la decisión fue correcta.

Si Dreaming Neon Black había sido el disco de Warrel Dane, Dead Heart, In A Dead World es el de Jeff Loomis. Los premios del álbum se los llevan las guitarras, lo que hacen que se esté de frente con un disco muy poderoso, directo. No es la emoción lírica sino la agresividad de Loomis lo más fuerte del álbum. El cover de Simon & Garfunkel, The Sound Of Silence, totalmente reversionado, «era tiempo de destruir al clásico (Warrel riendo)», junto con Narcosynthesis y Engines Of Hate, muestra un tipo de contundencia que no habían hecho antes, no por la técnica del Politics o la fuerza del Dreaming Neon Black, más bien por la nueva producción y la guitarra. «Está todo como lo queríamos -dice Warrel-, no le cambiaría ninguna cosa».

Nevermore

Dead Heart no es conceptual, pero nuevamente Warrel hace gala de su talento como letrista. Evolution 169 habla sobre la teoría matemática del caos, We Desintegrate, la filosofía tibetana de la «muerte del ego» y el renacimiento espiritual. Una gran tragedia humana en China por el rompimiento de un dique que mató a 300 mil personas en la inundación y la creación luego de la obra de ingeniería más grande desde la Gran Muralla, para crear un lago artificial, inspiraron a Warrel para escribir The River Dragon Has Come, hablando de las consecuencias de la tecnología. Dead Heart, In A Dead World, la canción, para Warrel simboliza sepultar los recuerdos de la historia del álbum antecesor. «Es deprimente, expresa que no importa cuán frío o vacío te sientas, todavía hay una pequeña esperanza ahí… Es un mensaje muy positivo». De este tema se extrajo la idea para hacer la portada y el diseño del disco, cortesía del mismo autor de Dreaming Neon Black, Travis Smith quien le dio a Dead Heart la mejor carátula que Nevermore ha tenido.

Pero tampoco se olvido de hablar de política y religión, no. Inside Four Walls es de un amigo de Warrel que fue condenado a diez años de cárcel, según él, de forma injusta. «Lo detuvieron por posesión de drogas… no era traficante pero fue tratado como uno (…) cuando hay personas que han cometido crímenes violentos, que son mucho más peligrosos para la sociedad y están mucho menos tiempo en prisión. Mientras Believe In Nothing, single del álbum, que fue promocionada con un video, es una canción lentas que refleja el escepticismo de Dane.

Las ventas fueron las mejores, el disco fue considerado por revistas europeas como uno de los mejores del año, estando en todos los top ten. Les sirvió para hacer tour a finales del 2000 y todo el 2001, con Curran Murphy otra vez, ahora Annihilator, como segundo guitarrista, con bandas de la talla de los recién nombrados, Arch Enemy, In Flames, Susperia, Lacuna Coil, después con Opeth, Soilwork y Angel Dust. Tocaron en lugares como Rumania en Europa del Este, donde Nevermore se sintieron como estrellas, según Jeff. Fueron estelares en Wacken Open Air 2001 y pisaron por primera vez Sudamérica, donde actuaron en Brasil con los locales de Krisiun. A Chile, Krisiun vendría sin Nevermore.

Nevermore

Dead Heart es el gran álbum de Nevermore, el que ha causado hasta ahora más impacto, que los llevó a la elite de la escena del metal. El próximo tenía que venirse con todo.

BRUTAL Y DURA REALIDAD

El quinto álbum de Nevermore, que pretendían llamar Psychotic Intellectual Narcotic, tendría que llenar las expectativas creadas por Dead Heart In A Dead World. ¿Cuánta presión sintieron? Loomis dice que ninguna «porque si dejas que la presión te afecte va a incidir en las composiciones, así que ni siquiera pensamos en eso».

Lamentablemente, los problemas se sucedieron uno a uno. La banda, con ansias de volver a trabajar con Andy Sneap, vieron como el Dead Heart le había dado fama y transformado al productor en una persona muy ocupada grabando otras bandas como Arch Enemy. El tiempo corría y no se veía que pudieran repetir con él. Además, sería el último disco que por contrato iban que sacar con Century Media, quienes les facilitaron un presupuesto mezquino comparado a lo anteriores, según Nevermore acusa. Por ello, no pudieron volar hasta Texas, al estudio de los LPs anteriores y tuvieron que buscar a alguno que viviera en Seattle. Así dieron con Kelly Gray, productor de bandas rock, entre ellas Queensryche, donde había reemplazado por un lapso a DeGarmo en las guitarras, pero nunca había trabajado con una banda metalera. De hecho, había producido a Candlebox y vendido siete millones de copias con ellos.

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Nevermore estuvo grabando tres meses, «demasiado tiempo» para Loomis, en el estudio que Gray tenía en su casa, trasladándose continuamente a la de Jeff para terminar las voces y los solos, y fue mezclado luego en London Brigde Studios (Soundgarden, Alice In Chains). Y la composición duró entre seis meses y un año. «Fue un parto en Seattle -comenta Jeff-. Estábamos acostumbrados a grabar en Texas en sólo un mes y esto se alargó mucho».

Pero, cuál es el resultado… Enemies Of Reality, finalmente llamado, lanzado el 29 de julio de 2003, y dedicado a la memoria de Chuck Schuldiner, es un disco crudo, brutal, de sonido áspero y poco convencional para una banda metalera, por la producción improvisada. Corto, de nueve pistas que convencen en su composición en un ciento por ciento, que rescata los días de furia de The Politics Of Ecstasy en la música y en la temática.

Nevermore«Enemies Of Reality -entretanto Warrel- es una colección de himnos sinfónicos oscuros de odio y lamento». Es un disco anti realidad, anti todo en cuanto a las letras de Dane, otra vez furioso, otra vez provocador, pero a la vez, gris y ambiguo en su mensaje. «Quiero que las personas saquen distintas conclusiones de esto, y no quiero ser muy obvio ni superficial (…) Estoy muy contento con el álbum y espero que la gente lo entienda».

Lamentablemente la controversia generada hizo más ruido que la música. Century Media quería extender el contrato mientras todavía estaba vigente, mientras que el grupo quería esperar a que terminara para empezar a buscar un mejor acuerdo, y como Nevermore no cedió, según la banda le cortaron el presupuesto. Jeff Loomis, dijo poco tiempo antes de lanzarlo que el productor había hecho «un buen trabajo considerando la plata que se puso». Sobre esto, en septiembre de 2003 Warrel dio una entrevista a Electric Basement, oportunidad que aprovechó para sincerarse y dar su versión:

«El sello cortó nuestro presupuesto a la mierda porque no íbamos a volver a firmar contrato con ellos hasta que el disco estuviese listo. A estas alturas puedo ser honesto, no he hablado de esto mucho a la prensa. No voy a hablar mal de ellos, pero nos han estado presionando mucho en los últimos dos años para que hiciésemos un nuevo contrato, por el éxito de Dead Heart… Les dijimos desde el primer puto día que no, que íbamos a esperar que terminara nuestro contrato y ver cómo le iría al último disco. La única razón de por qué un sello tomaría este curso de acción es porque se dan cuenta que la banda aumenta su popularidad con cada trabajo. Así que si ellos pueden hacerte refirmar antes que se termine tu contrato, pueden cagarte un poco más. Este álbum parece que puede ser más grande que Dead Heart…, así que hicimos lo correcto… y sería agradable porder vivir de la música.

«Hay un montón de cabros que tocan en bandas metaleras y no se dan cuenta de lo que es el negocio, puede destruir totalmente tu fe en la música. En un punto te tranformas en un producto y eso asusta. Lo haces porque amas la música, no porque quieres ser un hombre de negocios, pero a la larga necesitas serlo. Es una dura lección que se aprende, pero así trabaja la industria musical. Esta diseñada para poner dinero en los bolsillos de los sellos y cagarse a los artistas».

En el segundo semestre de 2003, Nevermore fue a Europa para tocar junto con Arch Enemy, gira la que estos últimos debieron abandonar debido a que el bus en que viajaban, según palabras del guitarrista Michael Amott, «estaba infectado con bichos chupasangre que hicieron enfermar a miembros de la banda y del crew, sin mencionar el cansancio por falta de sueño». Luego, en noviembre se unieron con Dimmu Borgir, Children of Bodom e Hypocrisy para un tour por Norteamérica. En esta ocasión, una de las hachas de Testament, Steve Smyth, se ocuparía de la otra guitarra de Nevermore. Y mientras giraban, el video clip de Enemies of Reality rotaba en Headbanger’s Ball de MTV 2.

MEJORES TIEMPOS

Nevermore2004 llegó con novedades para Nevermore. A pesar de todo el publicitado conflicto entre la banda y Century Media, Warrel Dane hizo un sorpresivo anuncio en la página oficial: «Los miembros de Nevermore anuncian que después de largas «negaciones» (habrá querido decir «negociaciones») hemos refirmado con Century Media Records. Ambos lados trabajaron duramente para reparar problemas del pasado y al final, entre todas la ofertas, consideramos que esta era la mejor para nuestro futuro».

Para celebrar la reconciliación, el sello financió la filmación de un segundo video clip para Enemies of RealityI, Voyager, que dicho sea trajo consigo otra noticia grande: Nevermore volvía a ser quinteto. Steve Smyth aparecía en el video, el mismo con quien habían girado por estados Unidos y Canadá. Acababa de abandonar Testament, banda a la que se había unido en 1999, y Loomis le pidió que se integrara a Nevermore. Jeff dijo que «después de un tiempo girando se hizo obvio que él era el eslabón perdido en nuestra hermandad disfuncional».

Smyth comenzó su carrera en 1988 con la agrupación Ariah y en 1995 hasta 1999 estuvo en Vicious Rumors, participando en los discos Something Burning y Cyberchrist. También en 1999 formó con el guitarrista fundador de Testament, Eric Peterson, y Steve Digiorgio, el proyecto llamado Dragonlord y en 2001 editaron su debut, Rapture, proyecto en el que está involuvrado hasta hoy. Sobre su llegada a Nevermore, Steve señaló: «Estoy feliz de tomar el desafío de tocar con estos muchachos. Siempre he amado la música y nos llevamos bien como músicos y como amigos. Espero con ansias contribuir en el nivel creativo y todo hasta ahora ha sido muy positivo».

Nevermore aparecerá como número fuerte de cartel en próximos festivales de verano como Wacken Open Air y en el otoño del hemisferio norte pretenden empezar a grabar un nuevo álbum del cual ya existe material escrito. Así cumplen la promesa de sacar lo más rápido posible otro trabajo luego de los inconvenientes que ocurrieron con Enemies of Reality.

Cada álbum de Nevermore, cada álbum distinto, con su personalidad, pero siempre honesto y que se ha sabido sostener. «El truco es -Jeff- es no pensar y en cualquier momento que venga una buena idea, grabarlo de alguna manera y puede ser que al final de todo el proceso termines con una buena canción y eventualmente con otro buen álbum. Algunas veces tengo esa sensación en el estómago de que no seré capaz de hacer nada más alto, pero trato de no pensar en eso más que hacerlo lo mejor que pueda».

Nevermore

MAKE YOUR OWN RELIGION – Warrel Dane.

Nevermore 2004

Warrel Dane: voces
Jeff Loomis: guitarra
Steve Smyth: guitarra
Jim Sheppard: bajo
Van Williams: batería

Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Sanctuary y Nevermore cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

Esta biografía ya fue publicada en DarkMetal.cl en septiembre 2003, pero debido al estilo transversal de esta y de Sanctuary, se permitía perfectamente incluirla en PowerMetal.cl para darla a conocer a un público distinto.

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Shaman es una banda como muy pocas. Quizás en el último tiempo sólo podría comparársele Masterplan (y probablemente en menor medida): ambas nacieron como bandas con una fanaticada cautiva antes de siquiera sacar un disco. Y esto en un principio iba más allá de una mera apuesta al futuro, pues el magnetismo provocado por estas bandas proviene de una razón no menor: sus miembros más «importantes» provenían de dos bandas exitosas a nivel mundial como Angra y Helloween, respectivamente. Pero sin desmerecer a una notable banda como Masterplan (y dejo hasta aquí la comparación porque el criterio es solamente el esbozado recién), Shaman tiene una «onda» muy especial. No sólo por ser brasileños (por la natural cercanía que genera el espíritu bolivariano que a veces nos aflora), sino porque es una banda que recoge mucho de lo mejor del antiguo Angra, pero llevándolo a otros terrenos. Y bueno, hablar de Shaman es hablar de un talentoso, un músico de excepción, que debe ser de lo mejor que ha exportado Sudamérica en el rubro Metal: André Matos.

MATOSAndré Coelho Matos nace el 14 de Septiembre de 1971 en São Paulo, Brasil, y a los 10 años recibe de regalo de sus padres un piano, lo que comienza a generar en el Matos niño un creciente interés por la música. Poco tiempo después comienza a juntarse con muchachos de su barrio -los hermanos Yves y Pit Passarell (guitarrista y bajista, respectivamente) y Felipe Machado (guitarra)-, con los cuales tocaban covers de sus bandas favoritas. Así, poco tiempo después este grupo de vecinos fue tomando forma de banda, naciendo Viper. André a esas alturas tenía apenas 13 años (de hecho, el primer show de Viper fue el 8 de Abril de 1985), y grabaron un demo, llamado «The Killera Sword»

Lo paradójico del destino es que Matos jamás pensó en ser cantante, pues siempre su favoritismo estuvo cargado hacia el teclado y el piano. Los restantes integrantes lo ungieron como vocalista simplemente porque era el que «mejor cantaba del grupo» y porque físicamente tenía un aire a Bruce Dickinson (¿?). Matos, al hablar de sus inicios, comenta: «tuve una formación desde pequeño, comencé a cantar con mi primer grupo Viper, yo tenía 12 o 13 años de edad, para este entonces yo no tenía ningún tipo de técnica vocal, no conocía nada, simplemente cantaba para imitar a mis ídolos que son Bruce Dickinson, Eric Adams, Ian Gillan y Rob Halford, después comencé a interesarme por la parte técnica de lo que es la voz, tanto para aprender a utilizarla como por el hecho de que me gustaría preservarla… sentí algunas veces que la cosa no era así tan fácil, no era simplemente abrir la boca y comenzar a cantar, me di cuenta de que podrías arruinar tu voz si no la utilizabas de la manera correcta, así que empecé a tomar clases de canto y empecé a cantar en una coral, estas son cosas que me han ayudado mucho y por eso he adquirido técnicas para poder mantener mi voz saludable. Después de eso todo fue cuestión de ir creando un estilo propio, pero comencé imitando a mis ídolos y luego comencé a desarrollar mi propio estilo… me alegra mucho por que he luchado y he trabajado mucho para tener algún tipo de identidad en lo que hago y hoy en día me alegra que la gente me reconozca por la voz y que sea una referencia para algunos, así que ya he alcanzado una buena etapa de mi carrera solamente por este hecho«.

hugo mariuttiMatos tenía imberbes 15 años cuando Viper lanzó su primer disco, llamado Soldiers Of Sunrise. Viper no era un juego, logrando hacerse conocidos en Brasil con un trabajo bastante más speed que lo que hemos conocido de Matos en épocas más contemporáneas a hoy. Pero si hay una razón para que Viper lograra no sólo el respeto de la escena brasileña sino que un reconocimiento ya internacional fue con Theatre Of Fate, disco lanzado en 1989, que cuenta con temas espectaculares como Prelude To Oblivion, una muy bien lograda versión de Moonlight de Beethoven y por supuesto un clásico que Matos recuerda hasta ahora, Living For The Night.

Todo iba viento en popa hasta que comenzaron a manifestarse diferencias de fondo en cuanto a lo que Matos y el resto querían de Viper. La formación musical de Matos (quien además estudiaba piano clásico) era, por decirlo eufemísticamente, muy «diferente» a la de los hermanos Passarell, quienes querían darle a la banda un sonido más crudo y menos elaborado (prueba de ello es escuchar alguno de los posteriores discos de Viper, por ejemplo «Coma Rage»). Matos decide irse y terminar sus estudios de tenor lírico y piano, además de Dirección Orquestal y Composición Musical. Poquito. Y además el tipo habla 4 o 5 idiomas fluidamente, incluyendo un español tan bien hablado que podría pasar por peruano.

Ya a mediados de 1991 André tenía otro proyecto. Pero no se trataría de cualquier proyecto, sino de lo que a la larga se convertiría en una de las más importantes bandas de metal latinoamericanas de la historia: Angra. Además de los guitarristas Henrique «Kiko» Loureiro y Rafael Bittencourt y el baterista Marco Antunes, se les unía el bajista paulista Luis Eduardo Mariutti Pereira, cuya historia tiene ribetes cuando menos entretenidos. Luis, nacido el 22 de Marzo de 1971, comenzó a tocar el bajo a los 13 años inspirado (cómo no) por Steve Harris de Iron Maiden, y dedicando su adolescencia a tocar covers. Su primera banda se llamó Firebox, que en 1989 logró grabar un demo llamado «Starting Fire». El demo tardó en ser lanzado debido a problemas económicos, y a pesar del precio, más encima la calidad era pésima. Entonces, para abaratar costos, la banda montó artesanal y manualmente una a una las mil tapas de los cassettes… ¡eso es sacrificio! Ya por esos tiempos Luis era un fanático del blues, formando un proyecto instrumental llamado «Black n’ Blues», el que hoy sigue vivo bajo el nombre de «Motorblues», y cuenta con Arnaldo Ricci en guitarra y a quien ya nos referiremos en detalle en batería: Ricardo Confessori.

confessoriEl quinteto lanzaba en 1992 su primer demo, Reaching Horizons, llamando la atención de la prensa especializada. Pero no es sino con su primer LP, Angels Cry, cuando logran éxito a nivel internacional, particularmente en Japón y Europa. Carry On, Angels Cry, Evil Warning y Time, entre otros, son temas que pasaron a la categoría de «clásicos» en muy poco tiempo. El disco, tras la partida de Marco Antunes, fue grabado por el alemán Alex Holzwarth, actual baterista de Rhapsody y que en esos momentos se desempeñaba en Sieges Even. Por lo mismo, la búsqueda de otro baterista de hacía urgente, incorporando a Ricardo Confessori, nacido el 25 de Enero de 1969. Confessori comenzó su carrera musical estudiando piano clásico durante cuatro años, y dedicándose además (como buen brasileño) al fútbol, llegando a jugar por el Club Pinheiros. Un amigo suyo en aquellos tiempos le mostró bandas de rock clásico como Rush, Led Zeppelin y Deep Purple y Ricardo se dio cuenta que su pasión iba más por la música que por el fútbol, pero ya no el piano, sino la batería, desempeñándose en las bandas Korzus y Garcia & Garcia (donde grabó el álbum «Mr. Fire» en 1991).

Angra ponía el nombre de Brasil en el mapa Power Metalero mundial (recordemos que el país de la samba, gracias a Sepultura, ya «existía» hacía tiempo como país metalero en el mundo), y André Matos era toda una revelación como vocalista. De hecho, tras la salida de Bruce Dickinson de Iron Maiden, Matos quedó entre los finalistas (las razones de porqué Steve Harris terminó eligiendo a Blaze Bayley son el tercer secreto de Fátima). Tras efectuar varias presentaciones en Sudamérica y también Europa, incluso unafrente a 50.000 personas en Brasil en un recital que reunió nada menos que a Black Sabbath, Slayer y Kiss en 1995, la banda se encerró durante 4 meses en una granja en Brasil para escribir lo que sería su segundo álbum, Holy Land, que llegaría a vender en pocas semanas más de 200.000 copias y que terminó por consolidar a Angra como una banda realmente importante a nivel mundial. Imposible no destacar temas como Carolina IV, Nothing To Say o Z.I.T.O., en el marco de un disco que consolida un estilo diferente al Power europeo, lleno de sutilezas latinas y muy abierto a explorar nuevas facetas.

Tras el lanzamiento de su EP Freedom Call, Angra se fue nuevamente de gira, consiguiendo particular éxito en Japón, y posteriormente presentándose 13 veces en Francia, cerrando con una presentación en el Festival italiano «Gods Of Metal». Era inevitable lanzar un disco en vivo que recopilase lo mejor de estas presentaciones, lo que se llevó a cabo con Holy Live, un EP cortísimo que deja con gusto a poco, paradójicamente, por su notable calidad.

Pero era obvio que algo terminaría por suceder. Las tensiones al interior de la banda comenzaron a ser pan de cada día, con lo que la separación sería inminente. Por un lado, Rafael Bittencourt y Kiko Loureiro querían volver a sonido «antiguo» de Angra, en tanto Matos, Confessori y Mariutti deseaban explorar otras facetas. Además, el manager de la banda se alineó con Loureiro y Bittencourt, con lo que la banda estaba literalmente partida en dos. Aun así, la banda lanzaría su tercer LP, Fireworks, un disco bastante sólido (destacándose temas como Wings Of Reality, Lisbon y sobre todo Speed) pero que carece de la chispa y sobre todo de la «magia» que Angra había alcanzado anteriormente. De todas formas Angra saldría de gira y se presentaría en Chile el Domingo 18 de Abril de 1999 en el Teatro Monumental. A pesar de las desaveniencias, los que estuvimos ahí no podremos olvidar la sólida presentación de los brasileños, e incluso el abrupto final del concierto… debido a que se trataba de un día Domingo, y seguramente por reclamos de vecinos, el recital debió terminar minutos antes de lo previsto, con lo que tuvimos la fortuna de presenciar una sui generis versión de Carry On con las luces prendidas.

SHAMAN - matosTras la gira, a principios del año 2000 se confirmaba la separación de Angra, con la salida de Matos, Confessori y Mariutti. Según Rafael Bittencourt, la salida de André Matos habría tenido que ver al menos en parte con la excesiva cantidad de proyectos paralelos del vocalista (entre ellos Virgo, junto a su amigo Sascha Paeth, ex guitarrista de los lamentablemente desaparecidos Heavens Gate) quien, a su vez, cuenta desde su punto de vista las razones de la separación: «en verdad yo tenía un solo proyecto paralelo que era Virgo, y los chicos sabían que yo tenía ese proyecto, que además hacia música distinta, así que jamás pudo haber un conflicto… fue un conjunto de razones y motivos que se hace difícil detallar, pero en general puedo solamente decir que ya no había más confianza entre nosotros; eran dos partidos dentro del mismo grupo y llegamos a un punto en que siquiera nos hablábamos. Eso ya empezaba a traspasar al publico y por esas razones nosotros tres decidimos dejar el grupo. Lamentablemente no pudimos seguir con el mismo nombre anterior, toda vez que pertenecía al manager y eso ya es una historia sucia que no conviene ser alargada aquí». Rafael Confessori, en el mismo sentido, comentaba: «hubo básicamente un gran desentendimiento con nuestro manager en Brasil. Nosotros tres queríamos echarlo por las cosas malas que ha hecho, pero los otros dos no estaban de acuerdo. Así, empezó a crearse una atmósfera muy nociva para todos y que ya estaba por afectar a nuestras presentaciones en vivo y también a un futuro álbum, si esto ocurriera».

A fines de Febrero del mismo año se confirmó que Matos, Confessori y Mariutti continuarían sus rumbos musicales juntos, pese a que Rafael Confessori señalaba que en un principio pensó que sólo continuaría junto a Mariutti, pues veía a André Matos algo decepcionado de la escena metalera. El proyecto estaba aún en ciernes y lo primero que se necesitaba era darle una identidad. Es así como nace el concepto de Shaman. Confessori lo ratifica: «el concepto estaba justo delante de nosotros hasta que lo vimos. Todo viene de la inspiración de una canción llamada «The Shaman» del disco «Holy Land» de Angra. La canción habla de un ritual de un chamán, de forma que cogimos ideas de ahí y algunas investigaciones que hicimos. La motivación fue un poco dura de coger, porque es un duro trabajo crear una banda en tan poco tiempo, hay que considerar que teníamos que crear un nombre, un nuevo estilo de música y una nueva imagen, y reestructurar todo el negocio entorno a nosotros, comenzando de cero. Creo que encontramos motivación los unos en los otros, tratando de mostrar confianza y ocultando el miedo al fracaso».

shaman2El concepto ya estaba listo, las ideas brotaban, pero hacía falta un guitarrista, al menos «interino», que ayudase en la composición de los temas. De esta forma, Matos y compañía invitaron a tocar con Shaman a Hugo Mariutti Pereira, hermano de Luis, con resultados sorprendentemente positivos: el interinato de Hugo se convirtió en una plaza definitiva. Hugo nació el 18 de Diciembre de 1975 en São Paulo y comenzó a tocar a los 13 años, formando una banda thrash llamada Wardeath, donde además cantaba. Pero sin dudas lo que más «en serio» hizo Hugo antes de unirse a Shaman fue formar una banda llamada Henceforth, junto a sus amigos André Nikakis (bajo) y Fabio Elsas (batería), destacando que este último continúa, al igual que Hugo, hasta hoy en la banda (Nikakis se retiró de la banda y partió a Grecia, siendo reemplazado al menos temporalmente por Luis Mariutti). Como curiosidad, hay que señalar que el primer vocalista de Henceforth fue nada menos que Daniel Matos, hermano menor de André. Con Daniel Matos Henceforth grabó su primer demo, llamado «The Last Day».

Mientras Angra se reestructuraba con la llegada de Edú Falaschi, Aquiles Priester y Felipe Andreoli, Shaman ya era una banda. Y no sólo ello: era una banda con muchos, muchos fans. Sin dudas ello provocó que la banda decidiese, antes de lanzar un disco, salir de gira, lo que les serviría de estreno mundial, donde presentarían algunos temas nuevos y medirían la respuesta del público para con ellos. Así, la incipiente agrupación pasearía su música por -además de Brasil- Francia, México, Argentina y Chile, donde se presentó el Jueves 17 de Mayo del 2001 en el Estadio Chile. En aquellos momentos Shaman sólo tenía un tema algo conocido (a través de su difusión por internet), Time Will Come, pero el show -a pesar de la poca cantidad de público- superó expectativas, recorriendo momentos inolvidables de Angra, presentando 4 temas propios (la mencionada Time Will Come, Blind Spell, For Tomorrow y un corte que finalmente no aparecería en el disco debut de Shaman, Be Free), recordando a Viper con Living For The Night e incluso terminando con For Whom The Bell Tolls de Metallica con Matos en la batería, Hugo en las voces y Confessori en la guitarra.

Ya desligado de Angra, André Matos participó como músico invitado de algunos proyectos, destacándose los dos discos de Avantasia, pero sin dudas lo que más destaca es que pudo dar forma a Virgo, junto a Sascha Paeth. Este proyecto se alejaría considerablemente de lo que se conocía de Matos, como un vocalista de Heavy Metal, puesto que se trata de un trabajo muy influenciado por Queen, además de una multiplicidad de elementos ajenos al metal en sí, con toques rockeros, setenteros, e incluso con guiños de pop y blues. Era obvio que el disco iba a ser objeto de comentarios debido a que el disco no era ni por si acaso de metal, pero muchos fans y especialmente la crítica supieron apreciar la calidad de este proyecto que, valga la redundancia, no era más que un proyecto anexo a las actividades de Matos como músico de Heavy Metal.

shamanCon el material listo, Shaman se trasladó a la ciudad de Wolfsburgo en Alemania para lo que sería la producción (a cargo de Sascha Paeth) y grabación de su primer disco. El lanzamiento del mismo se produciría en Junio del 2002, lo cual acarreó una particular expectativa por parte de la prensa especializada y de los fans a nivel mundial, especialmente debido a que el renovado Angra ya había lanzado meses antes su disco Rebirth, que tuvo una gran aceptación a nivel mundial. Antes de lanzar el disco, Matos prometía: «crearemos un nuevo estilo dentro del Metal, que podría llamarse Mystic Metal«.

La espera se hizo larga, hasta que al fin fue lanzado con bombos y platillos Ritual, un disco que dista de ser ganchero con temas sencillos de tres minutos. Ritual cuenta con una complejidad estilística que, cuando menos, llama la atención. Lo más interesante de todo es que Shaman se hace cargo de la herencia de Angra pero logra inmediatamente una identidad propia, con un sonido muy heterogéneo en el cual se encuentran percusiones africanas, zampoñas, violines y charangos, entre otros instrumentos. En Ritual destacan cortes como la notable For Tomorrow, Here I Am, Blind Spell o la eléctrica Pride, que cuenta con la no despreciable ayuda de Tobias Sammet (Edguy, Avantasia). Además de Sammet, figuran como músicos invitados personajes de la talla del propio Sascha Paeth o Derek Sherinian (Planet X, Dream Theater, Platypus, Yngwie Malmsteen). Del disco se lanzarían dos videoclips, de los temas Fairytale y For Tomorrow. Confessori narra el proceso de grabación: «La grabación y la mezcla tomó tres meses. Nosotros básicamente no acostumbramos a jammear y ensayar por largos períodos de tiempo como lo hacíamos en Angra. André, Hugo y yo preparábamos demos secuenciados con canciones completas o terminadas a medias y yo estaba encargado de hacer las grabaciones con instrumentos reales en mi casa, así que luego decidíamos que era lo que sonaba bien escuchando estas grabaciones. Luis no esta muy involucrado con los secuenciadores, así que el tocaba sus ideas en el bajo«.

Matos nunca ha hecho el quite a hablar de sus sentimientos tras su salida de Angra, lo que volvió a cobrar auge tras la salida de los discos de ambas bandas. Respecto a sus ex compañeros de banda, señala: «Fue su decisión quedarse con el mismo management, y el nombre pertenecía al mismo, por eso nos fue imposible permanecer como Angra. Fue tomar el camino más seguro, por decirlo de algún modo. Ellos son fantásticos, los conozco desde hace mucho tiempo en Brasil, muy buenos músicos. Pero para ser sincero, sin mentir, creo que el espíritu de lo que era Angra antes, se quedó con nosotros, que somos la mayoría. En primer lugar porque lo que teníamos en la cabeza era siempre buscar cosas nuevas, innovaciones, pasión en lo que hacemos. Y no solamente una actitud oportunista de hacer las cosas por la plata, o simplemente mantener un nombre que ya estaba ahí. Nos arriesgamos mucho, pero sabemos que la gente más honesta está con nosotros«.

vEl año 2003 sería pródigo en presentaciones en vivo para Shaman, en lo que se llamaría el Ritual World Tour, pero lamentablemente no visitaron nuestro país, a pesar de que se anunció una fecha, la que posteriormente fue pospuesta para otra, y luego indefinidamente. Siguiendo con las «decepciones», Shaman iba a ser la banda soporte de Metallica en Brasil, pero debido a la cancelación del recital del cuarteto estadounidense esto no se llevó a cabo. Más allá de lo anterior, Shaman registró su presentación en el Credicard Hall en São Paulo del día Sábado 5 de abril de 2003 para lanzar su primer DVD, titulado RituAlive. Cabe destacar que en este recital se utilizó una producción especial (mucha pirotecnia) y participaron músicos invitados de la talla de Tobias Sammet, Sascha Paeth, Andi Deris y Michael Weikath. Del producto final lamentablemente se eliminaron cortes como Living For The Night (Viper), Crazy Me? (Virgo) o Inside (Avantasia), pero a la larga es un interesante material de 115 minutos de duración. De esta misma presentación se extrajo material para realizar un disco en vivo, lanzado este año 2004, también denominado RituAlive, que contiene menos canciones que su homónimo DVD.

Ya este año 2004 la banda ha continuado con sus presentaciones en vivo, planeando pasear su música por Europa (España e Italia, especialmente) y por Sudamérica, agendándose una fecha para Chile para el Viernes 18 de Junio en el Teatro Providencia. Es de esperar que esta vez la banda sí pueda concretar su visita y superar el trago amargo que significó su no venida en los años pasados.

En estos momentos Shaman, además de encontrarse en medio de una gira, ha ido madurando ideas para lo que será su segundo disco. De hecho, muchos temas quedaron fuera de Ritual. De todas formas, más allá de esto, el hecho de que no vengan a Chile con un disco «nuevo» no debería ser de fundamental relevancia, debido a que ahora se trata de una banda consolidada, con un disco en el mercado, y no sólo como una agrupación incipiente con músicos de excepción. Y bueno, siempre será un placer recibir en Chile a músicos de esta categoría y especialmente a Matos, quien se ha ganado la idolatría de la fanaticada latinoamericana gracias a su voz y a su notable carisma.

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Primal Fear

Una banda formada por el ex vocalista de Gamma Ray y por el vocalista y líder de Sinner. Todo partió como un juego y terminó siendo un consolidado proyecto que hasta el día de hoy recorre los más inesperados rincones del mundo. Si hay alguna banda que destaca por su grandeza al tocar frente a cualquier público, esa es Primal Fear, una banda que ha demostrado carácter y agresividad, fuerza y pasión sobre los escenarios de los cinco continentes.

Una banda que al primer salto logró volar por todos los cielos.

LA HISTORIA COMIENZA EN EL HOGAR

Mat Sinner, líder de la banda que lleva por nombre su apellido, y Ralf Scheepers, ex vocalista de Gamma Ray, se conocían hace mas de 15 años, habían vivido en el mismo pueblo toda la vida y jamás habían cruzado palabras sobre hacer un trabajo juntos o simplemente sobre la música de la cual tanto gustaban ambos.

Ralf pasó por distintas bandas, desde Beast Of Prey y Tyran Peace hasta Gamma Ray, con la cual logró dar un paso más allá y destacarse en el medio del heavy metal como uno de los vocalistas con mayor capacidad vocal, con una aptitud agresiva como frontman. Su mayor caída fue cuando, esperanzado por poder reemplazar a Rob Halford, vocalista de Judas Priest, deja Gamma Ray de forma problemática. Para su pesar el puesto de vocalista en Judas es ocupado por el norteamericano Tim “Ripper” Owens, lo que deja a Ralf en completa soledad y sin ningún proyecto por delante.

Es así como al poco tiempo Ralf recibe una llamada de Tom Naumann, guitarrista de Sinner, pidiéndole que participara con algunas líneas en los coros de su próximo álbum. Deseoso de participar en algo, Ralf acepta sin ningún problema y es allí donde conoce a Mat Sinner, líder de la banda, con el cual comparte grandes conversaciones en las que acuerdan con mucho entusiasmo comenzar a trabajar juntos en un gran y nuevo proyecto.

Primal FearPrimal Fear

LOS PRIMEROS PASOS HACIA LA GLORIA

Es así como en 1998 la banda formada por Ralf Scheepers en la voz principal, Mat Sinner en el bajo y las voces secundarias, Tom Naumann en la guitarra y Klaus Sperling en la batería, con el cual Ralf había tocado cuando jóvenes en Beast Of Prey, saca a luz su primer trabajo llamado Primal Fear, tal como el mismo nombre de la banda. El álbum se posiciona rápidamente en el numero 48 de los rankings alemanes de música rock, lo cual lo transforma en un gran éxito para la banda. El álbum homónimo es considerado de gran encanto por aquella fuerza que Ralf pone en las voces, muy parecido al trabajo de Halford, lo cual marca muy tempranamente a la banda con el estilo de Judas Priest. Este mismo año la banda recorre los escenarios junto a Running Wild y aparece en festivales del medio europeo, incluyendo el famoso Dynamo.

Primal FearSiguiendo por el mismo camino y con mucho entusiasmo la banda continúa trabajando con mas fuerza que nunca. Esta vez la novedad esta en el ingreso de Stefan Leibing, ex guitarrista de Insanity en donde había sido compañero de Klaus.

Contentos con su primer álbum, pero sin sentirse completamente satisfechos, la banda busca llenar aquel vacío e invitan a Stefan por iniciativa de Klaus, a participar de la banda.

En junio de 1999 aparece el nuevo álbum de la banda titulado Jaws Of Death que alcanzó la posición 49 de los charts alemanes, lo cual no fue considerado como un éxito ya que esperaban superar a su primer álbum. Si bien sentían que su disco no había logrado lo querido, no fue hasta presentarse en vivo que se dieron cuenta del efecto logrado. Primal Fear se había transformado en muy poco tiempo en una de las bandas más fuertes, más agresivas y más candentes en sus shows en vivo. Tuvieron sus primeras presentaciones fuera de Europa en Brasil y Japón y el éxito fue rotundo, las entradas agotadas confirmaban que Primal Fear era algo más que una banda de estudio.

Jaws Of Death es una placa que sigue el mismo estilo del primer álbum. Esta vez la producción incluye un cover de Rainbow, Kill The King, tema elegido en especial ya que era una de sus canciones favoritas, que cierta forma sirvió de gancho para dar a conocer las vedaderas raíces de la banda.

Primal FearAl mismo tiempo que salió este segundo trabajo, Primal Fear colaboró con el sello Nuclear Blast en un álbum tributo a Accept grabando el tema Breaker. A fines del ’99 la banda realiza su tour por Alemania acompañados de Metalium y Sinergy como teloneras. Además, en el tour por Japón son acompañados por Sinner como número principal en sus shows.

Después de la gira de Jaws Of Death la banda comienza buscar un sustito para Tom y la respuesta la encontrarían muy cerca en la persona de Henny Wolter (ex Thunderhead) quién ya había tocado anteriormente junto a Tom en Sinner y era reconocido como un gran guitarrista de la escena metalera. Antes de comenzar a enfocarse en su próximo trabajo, Primal Fear organiza un concierto en su ciudad natal Esslinge, Alemania para probar la reacción del público ante esta nueva formación. La respuesta habló por sí sola, siendo este uno de los mejores conciertos en la historia de Primal Fear.

El grupo ahora se concentra en su próximo trabajo…

EL ÁGUILA VUELA POR SOBRE LAS NUBES

Los momentos de euforia vividos hasta ahora por la banda, el éxito de sus dos primeras placas y la gran aceptación del público los lleva a trabajar a toda marcha en su próxima producción. El resultado impacta en la escena metalera, la tercera placa de Primal Fear, bautizada tempranamente como Nuclear Fire, se transforma en el mejor trabajo de la banda sin discusión alguna. Agresivo, fuerte, penetrante son algunas de las palabras que la crítica especializada usó para definir a este álbum, sin lugar a dudas un trabajo excepcional. El álbum comienza reventando a toda maquina con Angel In Black, canción que además de ser su primer video clip se transforma en un clásico, obligado para cada concierto. El disco incluye los característicos rasgos de Primal Fear como esa poderosa y agresiva vos de Ralf, aquellos inconfundibles solos de guitarra y esos asesinos riffs de la nueva dupla Stefan/Henny. El álbum, además de ser poderoso en extremo, incluye una balada llamada Bleed For Me, en donde Ralf demuestra que puede ser uno de los cantantes más emotivos y la cuál ha pasado a ser una de las baladas más clásicas del metal ahora último.

El álbum es producido por el mismo bajista y fundador de la banda, Mat Sinner, en la House Of Music en Winterbach, con la ayuda del ingeniero Achim Köhler y las mezclas son realizadas por los estudios Hollywood Blasers.

Nuclear Fire tiene una mejora increíble en cuanto a lo que es sonido, por lo que se nota una preocupación de la banda en hacer que este álbum destaque de forma notable sobre los anteriores. El trabajo de la banda con Nuclear Fire, ya no es mostrar quién es Primal Fear para comenzar a ganar audiencia y respeto, el objetivo ahora es asentarse como una banda de peso y mostrar de qué es capaz Primal Fear y cada uno de sus integrantes.

Primal FearPrimal FearPrimal Fear

El 2001, año en que el álbum ve la luz, es uno lleno de sorpresas y magia para la banda. Nuclear Fire agarra el lugar numero 37 dos días después de su lanzamiento en Alemania, llega a estar dentro de los 20 mejores en los charts europeos y el numero 23 en Japón. Durante su gira son teloneados por Children Of Bodom y Sacred Steel. Se presentan en festivales como Wacken Open Air, el cuál es filmado y pasa a ser parte de lo que más adelante sería el primer, y hasta ahora único, DVD de la banda, y Bloodstock. Así también tienen sus primeros shows en Estados Unidos, con un éxito total.

La banda sorprende con lo especial de sus shows y particularmente con el nuevo look del frontman, Ralf Scheepers, quién al perder una apuesta con Mat se ve obligado a afeitarse la cabeza.

El mismo año la banda vuelve a participar en un tributo con la canción Out In The Fields, para el álbum The Spirit Of The Black Rose. Además hacen un compilado con sus tres cover:Out in the Fields, Hill The King y Breaker, el cual es titulado Out In the Fields.

Así como para Primal Fear el 2001 fue un año que los marcó para siempre, también fue un año en que marcó al mundo completo. Es por esto que a raíz de los atentados ocurridos en EE.UU. el 11 de septiembre, Ralf y Mat deciden contribuir con el German Rock Stars, conjunto formado por estrellas del rock germanas para rendir honor a las víctimas de los atentados en el World Trade Center en EE.UU., con la canción Wings Of Freedom.

UN CONCEPTO Y UNA IMÁGEN

Generalmente se ha hablado de que en los álbumes conceptuales el trabajo de la música siempre es de menor calidad, pero son muchísimos que demuestran lo contrario…

Primal Fear

Y en la cuarta producción el álbum sería conceptual, lo cual produjo duas e incertidumbre, tanto en fans como en la crítica. El concepto sería el siguiente: el vuelo de las águilas hacia el sol negro y las fatalidades por las que pasa la Tierra, por lo que la única salvación es encontrar otro planeta, el sol negro.

El trabajo fue mucho más duro que antes, esta vez hubo que darle una especial dedicación a las letras y un especial cuidado a la música, ya que la banda no quería descuidarse y darle un menor nivel de lo que ya habían hecho. Cada espacio debía ser definido, cada nota debía estar pensada con especial cuidado y con especial justificación.

La banda comienza las grabaciones en diciembre en The House Of Music Studios para en enero del 2002 mudarse al Sonic Ranch en El Paso, Texas en donde terminarían las grabaciones y las mezclas. Cada detalle tenía su espacio, por lo que el artwork de la carátula debía ser hecho de forma especial y por alguien especial. Después de recibir diferentes propuestas, finalmente se decidieron por la del artista Stephan Lohrmann, quién logro integrar de forma simple el complejo concepto que involucraba al disco y darle aquella marca que tenían todos los álbumes de la banda hasta el momento.

El resultado del arduo trabajo llegó a manos de los auditores el 24 de abril de 2002 y logró impactar de la forma esperada. Habían conseguido un álbum fuerte y complejo, con letras que sobresalían de lo común y que iban de la mano con la fuerza de la música. El álbum entra rápidamente en el puesto 55 de los charts alemanes y es éxito dentro de la escena metalera alemana. El disco tiene la colaboración de Mike Chlasciak, guitarrista de Rob Halford en los temas Controlled y Fear.

Contentos con los resultados la banda anuncia una extensa gira por Europa junto a Rage, por Rusia, EE.UU. y Sudamérica.

Black Sun es el título que lleva por carga un álbum lleno de magia y de poder, de agresividad y de aquello que hemos conocido hasta el día de hoy como Primal Fear.

Después de realizar más de 30 conciertos en Europa y recorrer más de 11 países alrededor del mundo, la banda comienza trabajar de nuevo. Esta vez las filas de Primal Fear se verían nuevamente afectadas, esta vez la guitarra volvería a sus manos originales con la vuelta de Tom Naumann a la banda, ya que Henny por razones personales decide retirarse. Así en diciembre del 2002 la banda decide realizar un tour por Sudamérica nuevamente y realizar una gira Estado Unidos-Canadá, haciéndose parte de esta forma del Metal Gods Tour junto a Halford y Testament entre otros. Esta vez con Randy Black detrás de la batería reemplazando a Klaus que se encontraba de gira con su bandas My Darkest Fear.

Durante el verano la banda decide continuar tocando en Europa y participa en festivales como el Blind Guardian Open Air, Metal Manía en España, donde la banda tocó una increíble versión del clásico Breaking The Law junto con Hammerfall, The Rock Otocec en Slovenia, Wacken Open Air 2003 y el Summer Breeze Festival, en el cual la banda presenta a Randy Black (ex Annihilator) como su nuevo y permanente baterista. Antes de lanzar una nueva placa y como forma de tomarse unas pequeñas vacaciones, la banda lanza su primer DVD oficial el 29 de septiembre del 2003 titulado The History Of Fear. La caja incluye un DVD de 160 minutos y un Live Bootleg oficial de la banda grabado en el tour de Estados Unidos-Canada.

Primal FearPrimal Fear

Cansados después de tanto ajetreo vuelven al dulce hogar, a reponerse y a comenzar a trabajar con Naumann nuevamente en la guitarra y con Randy detrás de los tambores como miembro y colaborador permanente.

Ya tenían bastantes canciones acumuladas como para hacer un nuevo álbum, de hecho ya lo habían titulado como In Metal, sin embargo nació un nuevo concepto y una nueva idea que cambio todo el futuro de esta nueva placa. En una entrevista Tom menciona: “Todos sabemos que es lo que sucede sobre la tierra, pero sobre que pasa kilómetros debajo de nuestro pies no tenemos idea”. El nuevo álbum se titula Devil´s Ground y salió al mercado el 24 de febrero del presente año. Las letras fueron trabajadas desde la gira del Black Sun por Ralf, Mat y Tom. Se grabó un vídeo clip para la canción Metal Is Forever, la que pretender transformarse en un nuevo himno del metal.

Devil´s Ground es un álbum más potente y agresivo que Black Sun, sin embargo no ha logrado aquel efecto del Nuclear Fire o el mismo Black Sun que a través de su concepto logró impactar fuertemente en los fans.

La banda también grabó dos covers para este álbum; El primero de Iron Maiden, Two Minutes To Midnight y el segundo de Black Sabbath que fueron lanzados en ediciones especializadas para Japón y EE.UU.

En una entrevista Ralf habla sobre su nuevo álbum, comentó: «Devil´s Ground lo hicimos tal vez de forma rápida, ya que el concepto nos gusto mucho. Tal vez deberíamos haberle dado una vuelta más antes de lanzarlo, creo que nos sentimos presionado un poco, porque cuando teníamos casi listo In Metal se nos ocurrió esto y bueno, aquí estamos. Estamos bastante contentos con el álbum, es lo que queríamos exactamente, pero nos falta tiempo para que nuestros fans logren entender el concepto y este nuevo álbum. Tal vez es algo muy personal sobre lo que trata, pero queremos que el sentimiento sea general»…

EL VUELO FINAL

Primal FearPrimal Fear desde sus inicios se posicionó como una fuerte banda de heavy metal, con un estilo muy agresivo. Es una banda que tiene más de siete años de recorrido y cinco álbumes de gran éxito cada uno. Sus mayores logros han sido en Europa con una gran seguidilla de fans. En Sudamérica han tenido una gran llegada, sin embargo han sido consideradas como bandas de segunda prioridad. La banda no ha logrado aquel efecto que logró en Europa, no es una banda favorita dentro de lo oyentes de metal, pero sí es una gran banda. De cierta forma Primal Fear ha pasado a ser una banda de un estilo más puro, lo cual gusta a un público mas determinado, más selectivo.

Por otro lado, la comparación a la que Primal Fear ha sido expuesta a lo largo de su carrera, con la leyenda británica de Judas Priest, ha despertado la polémica Algunos aseguran que Primal Fear sólo sigue el camino de los británicos y que no tienen estilo propio. Una vez Ralf Scheepers dio la cara respondiendo a estas críticas:

«Escucha los dos últimos discos de Judas Priest y toma después el Nuclear Fire y Black Sun. Compáralos, mírame a los ojos y dímelo en la cara que tratamos de copiar a Priest. ¿No te parece una imbecilidad? En Primal Fear somos cinco integrantes con cinco visiones distintas, cinco músicos con cinco distintas formas de escribir canciones. Entonces, ¿cómo creen posible que nuestra gran meta sea copiar una banda? ¿No te parece otra imbecilidad?

«La manera en que canto es la manera en que siempre he cantado. Me paro detrás del micrófono y abro mi boca sin pensar en nada más que entregar todo el poder y sentimiento que tengo guardado. ¿Quién se atreve a decir que me gusta copiar? ¡PURA MIERDA!

!Existen similitudes entre las bandas de metal porque es un estilo en sí…»

La dupla creadora, Ralf y Mat, ha logrado con mucho esfuerzo crear un equipo increíble y juntos han logrado afinar cada detalle para crear un trabajo maravilloso. Primal Fear ya ha demostrado que no es solo una banda de estudio, que no es una banda de segunda categoría, sino que con trabajo y esfuerzo ha logrado posicionarse como una de las bandas más feroces que se puede ver en vivo.

La cuna del Power metal, Alemania vio nacer en 1997 una banda que en un principio parecía un proyecto de diversión y que no prometía mucho, sin embargo a través del tiempo Primal Fear ha demostrado sus capacidades y se ha superado en cada trabajo.

Hay muchas bandas que pasan desapercibidas y casi son desconocidas completamente, esto no quiere decir que su trabajo sea malo, pero si es una señal de que algo les falta. De cierta forma Primal Fear ha tenido un éxito mucho mayor y una mayor evolución en países europeos, tal vez porque se han abocado a realizar su carrera en su tierra natal, tal vez porque desde siempre los ha unido en su historia un fuerte sentimiento de apego a su hogar, a su ciudad o simplemente pueda ser que a los fans de otros continentes guste más otro estilo de música. Sin embargo siempre se ha hablado de Primal Fear como una de las bandas más potentes en vivo, por lo que apremia verlos en esta faceta para poder conocerlos de forma completa.

Un trabajo impecable ha realizado por años esta banda proveniente de Esslingen. Su música es aquella que se hace con amor y con entusiasmo, con mucha fuerza y pasión, y no es hasta que llega a los oídos del oyente, de aquel fan que goza con la composición que el autor no se siente satisfecho. El mayor momento de gloria es sobre el escenario, en donde esta composición se hace realidad frente a los ojos y oídos del fan y es allí donde han sido más fuertes, donde volando como un águila de metal, Primal Fear llega para tocar el corazón de sus admiradores y rápidamente se va para dirigirse a otros caminos.

“If You Go To Hell …You Will Be There Forever”

Primal Fear

Alineación actual:

Tom Naumann (Guitarras)
Randy Black (Bateria)
Ralf Scheepers (Voz)
Mat Sinner (Bajo)
Stefan Leibing (Guitarra)

Iced Earth

Pasión, actitud, ambición, integridad y convicción, sobre todo determinación y honestidad… Eso es Iced Earth.

A través de sus casi 20 años de existencia, estos norteamericanos han realizado un largo y paulatino ascenso en la «ilusión y gran mentira» que es el negocio de la música con canciones que no son más que espíritu, garra y corazón, de verdad.

La banda no cedió ante los vaivenes de las tendencias y se paró firme contra ese mundo, sola, costara lo que costase. Ni siquiera ha hecho caso a las corrientes metaleras de su tiempo, ni el Death cuando se estableció en Florida o el Power a finales de los noventa, Iced Earth sólo ha seguido su propio enfoque. Han salido con la frente en alto, pero sus logros no han sido gratis… meses que durmieron en casas abandonadas, trabajo duro, tiempos de oscuridad, frustraciones e infortunios de la naturaleza más inverosímil, partida de miembros, malos negocios…

Pero nunca fueron excusas ni disculpas. Y acá está ahora Iced Earth como una de las bandas más sólidas en el metal hoy por hoy…

Iced Earth

Fuck trends and fuck posers!!! Esa frase proviene del guitarrista rítmico, fundador y creador de una visión que llamó Iced Earth. Jon Schaffer, un muchacho de 16 años que huyó de su casa y familia para seguir su destino en el que conocería lo mejor y peor de la vida, pero que ha mantenido su visión inalterable hasta hoy, a pesar de las duras pruebas que le han puesto en el camino. Para él, nada es más importante que su arte y su creación, «el vehículo para transmitir emociones», Iced Earth. Unos versos escritos por él mismo podrían resumir en seis líneas la vida de Jon Schaffer:

Close your eyes and imagine
The Soldier at Valley Forge…
The suffering that he endured was real
Starvation, total war
Yet in his eyes, The iron will to win
And for cause he won’t relent…

Pero hay una historia admirable que contar…

¡YA VINIMOS Y LO HAREMOS!

Para llegar a la génesis de Iced Earth, hay que situarse en los Estados Unidos de mediados de los ochenta, Indiana, en 1985, cuando un joven rebelde y busca problemas llamado Jon Schaffer decidió crear una banda con unos amigos del colegio.

Desde los cuatro años que ha estado inmerso en el rock gracias a su hermana mayor que lo expuso a los primeros discos de Kiss. Su fascinación aumentó cuando de la misma manera conoció a Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Alice Cooper y Deep Purple, entre otras. A los siete compró su primer álbum, Alive! de Kiss, y a los once asistió a su primer concierto de la banda neoyorkina, oportunidad en que conoció a otro conjunto que lo marcaría: Judas Priest. «Nunca había visto algo como eso»… días después ya tendría en sus manos Hell Bent for Leather. Pero más tarde con Iron Maiden, aparecería el deseo de dedicarse a la música: «Steve Harris era mi ídolo (…) Cuando Iron Maiden salió me dio vuelta por completo (…) Quería hacer buenas canciones, no ser un guitarrista superestrella».

Fue en el primer año de secundaria cuando empezó a tocar la guitarra, cuando formó su primera banda llamada The Rose. Aunque no duró mucho, Jon creó el logo de este grupo en clases de arte gráfico y ocupó el mismo estilo de letra que años después luciría su futura banda.

Iced EarthNo obstante, la vida era dura en Indiana. Schaffer sentía que allí iba a ser imposible concretar sus pretensiones. Su padre quería que manejara en el futuro el negocio familiar, un bar restaurante en un pueblo del estado, tenía problemas en casa (lo que nunca schaffer a entrado en detalle), vivir no era fácil y su rebeldía le aconsejó dejar su hogar y empezar su carrera musical lejos. Mientras más dificultades tenía con su familia, más se adentraba en el mundo de la música. Este conflicto duró hasta que un trágico hecho le ayudó a tomar la decisión: Bill Blackmon, su mejor amigo desde tercer grado, murió de forma terrible en un accidente de moto. Esto lo marcaría toda su vida en adelante. Así, Jon, de 16 años, tomó sus maletas y partió a Tampa, Florida. De los miembros de la banda de colegio, que luego pasó a llamarse Purgatory, sólo lo acompañó el baterista Greg Seymour, mientras que el resto de los integrantes permanecieron en Indiana porque «no quisieron abandonar a sus mamis».

Jon partió a Florida en 1985, pensando que sería la cuna de una nueva gran escena con Nasty Savage y Savatage, que no se concretaría debido a la vorágine del grunge en Seattle, y francamente porque «viviría en la calle y allá hacía calor». Con Greg llegó a Tampa sin dinero, empezando desde abajo sin absolutamente nada. Por unos meses tuvieron que dormir en el auto… y lo habrían hecho por más tiempo si no hubiese sido por un «accidente». Una noche, después de una pelea, borracho y fuera de juicio, Jon estrelló el vehículo en una cabina telefónica al frente de un Burger King. El auto quedó hecho pedazos y causó 35 mil dólares en daños. Afortunadamente Schaffer salió ileso y los policías sólo le dieron un parte por exceso de velocidad. Esto los obligó a romper ventanales y puertas de casas abandonadas para acostarse en el suelo, pero Jon tenía la convicción absoluta de que saldrían adelante: «Fueron tiempos muy duros. Yo casi no sabía tocar la guitarra y Greg apenas podía con la batería… ni siquiera teníamos una. Pero nuestra actitud era: ¡ya vinimos y lo haremos! (…) Quería hacer este sueño realidad por mi amigo muerto… él era mi hermano de sangre, mi mejor amigo y por él yo estaba allá». Habría sido muy fácil devolverse a Indiana, pero eso para Schaffer era admitir el fracaso y renunciar a su sueño.

Iced Earth

Pronto buscaron cualquier tipo de trabajo en un local que ofrecía empleos diarios por 20 dólares, desde construcción en edificios, barrer calles en pleno verano, reparar hoyos del pavimento, etc. Sólo en la noche, exhaustos de vuelta de las labores, encontraban tiempo para ensayar y escribir canciones. Así juntaron un pequeño capital que les permitió arrendar un departamento. Ya con un techo sobre sus cabezas, Greg compró una batería y Jon una mejor guitarra y amplificador. Después de ocho meses la situación mejoró, por lo que estaban ya en condiciones de continuar con la banda. Jon contactó al resto de Purgatory que se había quedado en Indiana y llegaron hasta Tampa… pero duraron muy poco. Un día, cuando Jon y Greg llegaron del trabajo, encontraron una nota junto a la puerta que decía -o debió haber dicho: «Arrugamos, nos devolvemos a Indiana». Nunca más se supo de ellos.

NO SE LLEGA AL CIELO SIN PASAR POR EL PURGATORIO

Ahora tenían que encontrar a nuevos músicos. Se les permitió ensayar en una tienda que en ese entonces trabajaban y empezaron a jammear en el tiempo libre. Algunas personas que escuchaban el ruido desde fuera del local, y otras que vieron los anuncios de Jon en el diario, comenzaron a visitarlos. Conocieron a una tal Richard Bateman, quien se ofreció para ser bajista, al guitarrista Bill Owen y Gene Adam como cantante. Esta fue la primera alineación de Purgatory que realmente empezó a tocar en Florida, estado conocido posteriormente como el «Death Metal State» por la arremetida de grupos como Death, Morbid Angel, Obituary y Deicide. Purgatory no se unió al movimiento y propuso un metal melódico y poderoso con influencias más directas de Iron Maiden, Judas Priest y Black Sabbath.

Iced Earth

La primera presentación de Purgatory fue en la noche de Halloween de 1985, abriendo el show de Nasty Savage. Hicieron actuaciones en varias tocatas en la bahía de Tampa y ganaron un buen número de seguidores. En ese entonces, la imaginería del grupo inspirada en películas de terror era fuerte. Escribían temas con letras gore, se vestían con ropas largas y capas oscuras y llevaban los filmes al escenario. Gene se disfrazaba de Freddy Krueger de Pesadilla, un amigo encarnaba a Jason de Martes 13 y traían bolsas con tallarines, vísceras de vacuno y salsa de tomate y las arrojaban al público. Con estos tipos de actos, Purgatory se ganó el odio de unos y la admiración de otros, pero nadie quedó indiferente.

Sobre estos días, escribe el periodista Sumit Sandra: «Muchas de las otras bandas de la escena pensaban que el camino al éxito era tocar covers y ocupar esa exposición para presentar a la audiencia algunas originales. Jon nunca compartió eso. Pensaba que tocar covers era un boleto directo para transformarse en un grupo de bar».

Fue tiempo de empezar a grabar demos cuando ganaron cierta notoriedad en el círculo metalero de Florida. El primero se llamó Burning Oasis, registrado en sólo cuatro pistas, hecho ese mismo año. Este cassette con cuatro temas, Burning, Jack, Lobatomy y Jason, estuvo demasiado lejos de conseguirle algún acuerdo discográfico, pero les sirvió para conocer a Tom Morris de Morrisound Studios, quien enseguida les ofreció grabar otra maqueta.

Esta vez se ocuparían ocho pistas para Psychotic Dreams, en el que se regrabó Jack y Jason (ahí llamada In Jason’s Mind). Este fue seguido por el primer cambio en la banda. Bateman decidió aceptar la oferta de John Cyris de unirse a Agent Steel, conjunto donde encontró prominencia como después también en Nasty Savage. Jon recibió la misma oferta la cual declinó en el acto, porque estaba decidido a seguir su propia visión.

Iced Earth

Así llegó el bajista Dave Abell que a la postre sería pieza fundamental en los primeros años del conjunto. Con esta formación grabaron el tercer demo, en menos de cinco meses entre cada uno, titulado Horror Show, que básicamente era el Psychotic Dreams incluyendo el tema Dracula, escrito entre Schaffer y Abell. Purgatory se encargó de hacer las carátulas de estos demos que vendían en cassettes vírgenes en sus shows. Con recursos limitados, hacían el máximo posible. Sin embargo no tuvieron la acogida esperada porque no se ajustaba al Death Metal imperante. Más tarde Schaffer diría: «La prensa dirá con toda seguridad que no somos una banda Death Metal, sino Power Metal (Metal Hammer, enero 1991)». Aunque, cuando bien avanzada la década de los noventa el término Power Metal había evolucionado a lo que se conoce hoy, prefirió no autoencasillarse. «Tenemos tantos elementos en nuestra música que no sería justo».

Desafortunadamente, otro grupo llamado Purgatory, de Cleveland, para nada familiarizado con el metal, había ya lanzado un álbum con un sello de cierta importancia. Intentaron en 1987 con Purgatory 60 y, en vez de grabar demos, hacer una promoción mejor y mayores producciones en los shows. Flyers con ilustraciones, mejores artworks para sus maquetas, chapas con el logo, incluso poleras de Psychotic Dreams. El show que hacían cuando eran el número principal duraba cerca de dos horas, en una tarima que incluía cortinas negras y grandes pendones, criptas de piedra y tumbas en el escenario, una batería enrejada y con calaveras, hasta incluso pirotecnia. Un gran espectáculo si se comparaba al resto de los conjuntos de la escena.

Iced Earth

El último show de Bill Owen fue en enero de 1988, quien dio lugar a otro miembro fundamental: Randy Shawver, el guitarrista líder que se transformó en el socio de composición de Schaffer en los primeros discos. Sin embargo toda la parafernalia del grupo en vivo fue en vano. Cinco meses después, Schaffer cayó en cuenta que el «cambio de nombre» a Purgatory 60 había sido poco efectivo, así que no le quedó más alternativa que buscar otro, el cual lo encontró sin problemas. Bill, el gran amigo de la niñez y adolescencia de Jon, ahora muerto, le había sugerido un título que el guitarrista lo había desestimado. Pero en una forma de honrar su memoria rebautizó al grupo como hoy se le conoce: Iced Earth.

LA ENTRADA AL REINO CONGELADO

El 25 de junio del ’88 fue el debut del grupo con su nueva etiqueta para luego concentrarse en grabar su cuarto demo. Los músicos y las canciones eran mejores, por lo que había que empezar a tomar el asunto de forma más seria. Tom Morris, productor de Morrisound Recording Studios de Tampa, se acercó otra vez a Iced Earth y los asesoró para sacar un demo de buena calidad que fuera considerado por la prensa y pudieran conseguir algún contrato.

Iced Earth
Enter the Realm se grabó en 1989 y consta de seis pistas entre las que se encuentran el clásico tema-himno Iced Earth, Nightmares y Curse the Sky entre los más destacados. El conjunto se encerró por un largo período y gastó una buena suma de dinero con el convencimiento de que si lo hacían bien, se les abrirían varias puertas. El demo gozaba de una calidad de producción de un LP, con una presentación que incluía portada a todo color.

Iced Earth
manufacturó de manera independiente mil copias, 500 para distribución a sellos, medios y todo tipo de contactos en Norteamérica y, por qué no, en Europa. La otra mitad fue para la venta. Jon llegaría con cantidades groseras de demos al correo para enviarlos a todos los lugares imaginables. Y funcionó. Enter the Realm tuvo una espléndida acogida en el medio underground especializado, sobre todo -y sorprendentemente- en Alemania. Enviaron una cinta al editor de Rock Hard y la revista le otorgó el premio de demo del mes y, más tarde, demo del año, además de pedir permiso para venderlo con una de las ediciones.

Iced EarthOtra copia llegó a Robert Kampf de Century Media Records en Alemania. Cuando vio la calidad de la música y al darse cuenta de la difusión que Iced Earth tenía en el país teutón con Enter The Realm, decidió ofrecerles un contrato. Jon no había presupuestado que desde el otro lado del Atlántico salieran ofertas porque lógicamente hubiera esperado entablar negociación sólo con sellos americanos, pero la oferta de Century Media era la mejor… la reacción del público germano había sido muy buena por lo que no era «tan malo» firmar con una casa discográfica no estadounidense. Así lo hicieron entonces en enero de 1990. «La principal razón de por qué nos contrataron -explica ahora Jon- fue gracias al trabajo de las guitarras que Randy y yo hicimos que se ha transformado en nuestra marca registrada». Sobre su estilo característico de galopeos desenfrenados, Schaffer se refiere: «Lo desarrollé solo. Nunca tomé clases, empecé a experimentar con las cuerdas bajas, el palm muting y eso. Nunca nadie me enseñó cómo tocar en realidad».

Recién en 1997 decidió tomar sus primeras clases porque «puedo imaginarme todo en mi cabeza y sé cómo tienen que ir en la guitarra, pero no por qué van así (…) Quiero saber por qué hago las canciones que hago (…) No sé nada de escalas -decía en ese entonces-. Ahora aprenderé algunas para aumentar mis conocimientos (…) pero seguiré siendo un guitarrista rítmico».

A un mes antes de lograr la firma, Greg Seymour, el baterista y miembro fundador, dejó el grupo. Mike McGill, ingeniero eléctrico encargado de la iluminación (sí, ya contaban con roadies) quien conocía los temas que grabarían en el álbum, tomó las baquetas. Con esta formación (Schaffer, Adam, Shawver, Abell y McGill), Iced Earth entró a grabar el primer disco que sería conocido simplemente como Iced Earth.

LA CONQUISTA DE EUROPA

El álbum se grabó rápidamente con un presupuesto de ocho mil dólares en 1990, donde habían grabado Enter the Realm, y fue lanzado en noviembre en Europa y a principios del año siguiente en Estados Unidos, ambas con dos portadas distintas. En él se escuchan ocho cortes de los que destacan Iced Earth, Colors y When the Night Falls. Schaffer recuerda: «La calidad de la producción es realmente mala (risas) y el performance en varios aspectos también lo es… pero tiene actitud y eso definitivamente tocó a muchas personas».

Iced EarthIced Earth

Con el resultado final de Iced Earth, Jon se preguntó si es que se habían apurado al sacar tan rápido el primer álbum, pero el tiempo demostró que no pudo haber sido mejor momento. No tanto por el disco, sino por el tour que hicieron por Europa teloneando a Blind Guardian, banda con la que Jon empezaría un fuerte lazo de amistad (más tarde hablaría de Hansi como su «hermano»). Para un joven que vivió en Indiana y pasó un gran período de prueba personal en Florida, saltar de América al continente viejo para hacer la primera gira era mucho más de lo esperado. Durante el primer show en Hamburgo, mientras Jon y el grupo estaban en backstage, los mil fanáticos presentes empezaron a corear el nombre de la banda. Cuando salió Iced Earth a tocar, el público, enloquecido, cantó los temas a todo pulmón de principio a fin. Jon estaba extasiado, «ha sido la experiencia más fuerte de mi vida». Lo mismo, quizá hasta más, fue en Grecia. El sueño a largo plazo empezaba a asomarse en la realidad.

Además de ser un gran momento gracias a la gira europea con Blind Guardian, banda con la que entablaron una amistad que hasta ahora los une, lo fue también porque Schaffer aprovechó esos meses de emociones para escribir material para el segundo disco. «Estaba tan motivado por el tour que comprendí que algo muy bueno tenía que salir de esto».

Iced Earth conquistaba Europa, pero en Estados Unidos, el disco casi no vendía… La banda continuó ganando adeptos en el extranjero, y también reconocimientos. Rock Hard calificó a Iced Earth como álbum del mes.

Iced EarthTerminada la aventura, Schaffer se dio cuenta de cómo había crecido musicalmente, de la calidad de las canciones que estaba creando y de que los demás integrantes también habían mejorado… pero otros no. Vio que lo más probable era que Gene Adam no fuera capaz de cantar lo que él tenía en mente. Le pidió que tomara clases de canto, pero como no accedió, Schaffer lo echó. Así mostró por primera vez lo inflexible que es para exigirle lo mejor a los músicos que lo acompañan: «La gente no ve a las bandas como un negocio, pero lo es. Si haces el trabajo bien, te pagan. Si no, te vas». Después, Schaffer «contrató» al vocalista de Quasimoto, John Greely, ante el escepticismo de los fanáticos europeos.

Así dejó en claro que él no había vivido terribles meses en vano y que tenía el legítimo derecho de hacer y deshacer como se le diera la gana en su banda. A su vez, por problemas personales Mike McGill también se iría, aunque hasta hoy siguen siendo muy buen amigo con Schaffer, y vino en su reemplazo Richey Secchiari para la batería, recomendado por Greely.

EL HOLOCAUSTO DE LOS ÁNGELES

El excelente 1991 se reflejó en el segundo disco de Iced Earth: el inspiradísimo Night of the Stormrider (1992), primer trabajo conceptual del grupo. Trata de una persona que se siente traicionada por el cristianismo y se revela. El poder oscuro lo transforma en el poderoso, temido y malvado Stormrider, que se encarga de traer el Apocalipsis al mundo y que por las acciones cometidas acepta su destino de pasar la eternidad en el Infierno.

Iced EarthPero no todo podía salir bien. Rick Borstelman, el mismo que había hecho la de Iced Earth versión norteamericana, aquella del ángel caído, ahora se mandó un papelón con Stormrider, haciéndolo ver como un anciano con cimitarra, electrocutándose la mano y a punto de caerse de un caballo blanco con cara de inepto y estornudando. Fue rechazada y se trabajó rápido en otra que tampoco satisfizo a Jon, pero que fue puesta en las copias iniciales del LP en Europa. No se esperó casi nada a que saliera semana después la definitiva.

Stormrider fue un gigantesco paso hacia adelante. Los riffs, baterías inalcanzables y las canciones de ambiente épico oscuro hicieron del segundo álbum de Iced Earth uno de los más sólidos trabajos de la banda hasta ahora. Casi todos los temas del álbum se transformaron en clásicos: Angels Holocaust, Stormrider (con Schaffer en las voces), The Path I Choose, Desert Rain y las inconmensurables Pure Evil y Travel In Stygian.

Los europeos lo aclamaron. En Estados Unidos algunos temas fueron puestos en la radio, entre medio de las tonadas Death Metal, e irrumpió en Japón donde recibió excelentes calificaciones. De hecho Night of the Stormrider ha sido el disco más vendido en ese país y tuvo el honor de ser el más exitoso de Iced Earth en todo el mundo hasta 1998.

Con un disco de estas proporciones se prepararon para la próxima gira europea… ni pensarlo aún en hacerla por Estados Unidos. Secchiari, quien sólo se había comprometido para grabar el disco, dejó su lugar a Rodney Beasley para la gira, pero eso no fue nada. En este instante, cuando la banda tenía la capacidad y ganas volar los techos de todos los gimnasios por donde pasaran, los verdaderos problemas empezaron a cruzarse, factores externos que significaron el comienzo de los años más espantosos de Iced Earth…

El invierno europeo entre 1992 y 1993 había sido uno de los más duros. Hace 60 años que no se sentía tanto frío en Alemania… Y Iced Earth, de gira, con Blind Guardian nuevamente, se movía de una ciudad a otra con un auto en pésimas condiciones, que quedaba en pana cada vez que se encendía el motor. Ni siquiera tenía calefacción. Con ese cacharro que Century Media entregó a una de sus bandas estrella, tuvieron que atravesar Europa.

Iced Earth

Pero el asunto fue mucho más allá de la anécdota del auto. Estos tipos de tratos incómodos por parte del sello a la banda se sucedieron una y otra vez en el tour, hasta que Schaffer comprendió realmente el asunto: «Vendíamos un montón de discos, nos seguían en todas partes, pero ganábamos prácticamente cero. No había plata». Fue natural entonces para Jon preguntarse qué pasaba. Y respuesta que encontró fue la siguiente: Según él, Century Media se estaba quedando con todas las ganancias mientras Iced Earth hacía el trabajo sucio gratis. La compañía aprovechó el buen momento del grupo para salir de los serios problemas económicos que en ese tiempo atravesaba. En cierto modo, la justa recompensa de todo lo que Jon había pasado en Florida antes de grabar el primer álbum había caído en manos ajenas.

De vuelta en Estados Unidos el muy descontento líder de la banda entregó un ultimátum a Century Media: mientras no mejoraran las condiciones no iría a grabar más discos ni tocar más shows. «Decidimos no hacer más álbumes con ellos hasta que cambiara toda esta mierda. Aunque no vendiésemos tantas copias, tenían que pagarnos igual».

El sello no estimó necesaria una renegociación y demoró en percatarse de lo serio de la amenaza y determinación del guitarrista. 1993 llegaba a su fin y Schaffer seguía firme en su postura. Pero como Iced Earth era uno de los grupos que mantenía a flote a Century Media y las ventas del álbum habían sido muy buenas, la compañía cedió, tomaron una actitud más profesional y Jon Schaffer logró mejorar la situación.

Llegó 1994 y se prepararon para grabar entonces el atrasado tercer disco. Pero estos años de «huelga» se había concretado un cambio importante. Durante la gira, el cantante John Greely había mostrado, a los ojos de Schaffer, que era imposible trabajar con él. El círculo de fanáticos comenta que Greely era racista y que durante los shows en Europa hacía comentarios de muy mal gusto contra los judíos. La banda pensó que podrían hacerlo cambiar de parecer al llevarlo a recorrer el campo de concentración de Dachau, Alemania. Pero esto sólo hizo empeorar las cosas ya que insultó larga y cruelmente a un anciano judío que rezaba de rodillas en dicho lugar. Además trató de robarle plata a Dave Abell cuando vio que los ingresos no le alcanzaban. Lo echaron apenas concluyó la gira. «(Greely) estaba por la plata -señala Schaffer-. Pensaba de una forma poco realista y creyó que seríamos millonarios de un día para otro… No quiso enfrentar los malos momentos y ahora maneja camiones».

Iced EarthEn la búsqueda una nueva voz, el baterista Rodney Beasley, que vivía en Sarasota, Florida, le comentó que en el mismo garage donde él ensayaba tocaba una banda llamada Caudron y le recomendó que chequeara al cantante: Matthew Barlow. «Sólo conocía a Iced Earth -dice Matt- porque había escuchado una o dos veces por la radio algunas canciones del Stormrider (…) no sabía que era una banda con contrato y que habían hecho dos álbumes». Jon llamó a Barlow para audicionar, tras haber probado con varios otros y después de meses en el que tuvo que demostrar y pulir su desempeño vocal, finalmente lo enroló.

Ahora con Barlow se podía vislumbrar un mejor futuro. Si bien el tercer disco pudo haber sido un buen recomienzo, lo peor estaba por venir…

LOS NUEVE INFIERNOS DE ICED EARTH

Era 1995. Desafortunadamente, así como el tour de 1991 había inspirado la creatividad de Schaffer, todos estos malos ratos hicieron réplica en su estado de ánimo. Durante el proceso de composición, Jon no estaba contento y ello se reflejó en el álbum. Burnt Offerings (1995) es un disco denso, lleno de furia, rabia y enojo, negativo y oscuro. Hasta la carátula dio a conocer el hecho. La portada, totalmente deathmetalera, muestra a un demonio sacado de una ilustración del libro La Divina Comedia de Dante Alighieri, que Jon había escaneado de un ejemplar editado el siglo XIX. Por ejemplo, el tema título que abre el álbum, cuyas letras son el espejo rabioso de lo vivido esos tres años. «Estaba nervioso con esa, realmente no salió como quería, los demás me decían que estaba paranoico. Estaba preocupado de que fuera la que empezara el disco. Muestra lo que hemos pasado estos años y hace que todas las canciones sean como un ofrecimiento, nuestros sentimientos más profundos. También advierte a la gente de este negocio que nos quiera cagar otra vez. Hay mucha rabia en ese tema, pero así salió».

Iced Earth

No estaba feliz con el resultado de Burnt Offerings ni satisfecho con la composición ni los performance, incluyendo el suyo. «Las grabaciones de la batería fueron una pesadilla absoluta. Le tomó a Tom Morris (productor) aplicar todos los trucos de ingeniería sólo para terminarlas». Hasta con Matt se sentía decepcionado porque no fue capaz, según Jon, de interpretar bien las líneas vocales que tenía pensadas.

Con Burnt Offerings, Iced Earth recibió los peores reviews de su carrera y las más bajas ventas en Europa, aunque en Estados Unidos subieron de 3 a 8 mil copias. En Japón fue tal el impacto que se dejarían de distribuir discos de Iced Earth hasta bien entrada la segunda mitad de la década. El tour fue horrible. Jon nunca se había sentido más avergonzado en su vida cuando en festivales tocaron como «un grupo de garage. Realmente quería esconderme». Incluso tuvieron que suspender unos shows con Rage porque la banda simplemente no podía pararse en un escenario.

En comparación con Stormrider, para Jon el LP fue un retroceso. Sin embargo, el disco cuenta con temas que se han transformado en clásicos de la banda. En tiempos adversos también fue capaz de hacer buena música. Aunque se cuentan piezas de la talla de Burnt Offerings y Diary, uno de los clásicos es Last December, y el otro, el increíble Dante’s Inferno, de 16 minutos que musicalmente recuerda a los mejores riff de Night of the Stormrider y que sus letras recrea el viaje a los nueve planos del Infierno: «Fue todo un desafío (…) Estoy orgulloso de esa canción… ¡Y lo estoy también del álbum! No me arrepiento de nada de lo que he hecho (…) Lo bueno es que a muchas personas les gusta el disco, lo que demuestra que no fue malo del todo (…) Burnt Offerings (sin embargo) es un período de mi vida que no quiero volver a repetir y no escribiré canciones como esas nunca más».

Iced EarthDespués de tres años de frustraciones, Jon llegó incluso a pensar que era el tiempo de terminar con el grupo. A pesar de que Night of the Stormrider fue un álbum exitoso dentro del underground metalero europeo, el grupo tenía en su haber discos que sólo habían tenido acogida en Alemania, Grecia y algo en Japón. Ni hablar de Estados Unidos, donde no se les conocía. Tampoco Schaffer podía encontrar una formación estable. Contaba en Randy Shawver y Dave Abell con un gran apoyo, pero recién en el tercer álbum había encontrado a un cantante estable y que los bateristas con que había tocado casi no existían. Entre pensamientos oscuros, Schaffer comprendió que la disolución de Iced Earth era la solución más fácil; en una postura autocrítica, sabía que las canciones del último disco no habían sido sus mejores. Asumió toda la responsabilidad como líder y compositor de la banda y se levantó.

No había que terminar nada, todo lo contrario, sólo seguir trabajando de mejor manera: «Puedes tener al mejor cantante del mundo, la mejor primera guitarra, al mejor baterista… lo mejor de todo, pero si no hay canciones, no hay nada».

Jon Schaffer había sorteado con éxito la prueba más dura de su vida…

LA VUELTA DE ICED EARTH COMO THE HELLSPAWN

Borrón y cuenta nueva, Schaffer decidió que 1996 era el año perfecto para reivindicarse. Primero, le tiró sin piedad el sobre azul al baterista y, segundo, negoció con Century Media un contrato «algo mejor».

La oportunidad de oro llegó gracias a Spawn, la serie de cómics más exitosa de los noventa en Norteamérica, la historia de un asesino contratado por el gobierno federal que muere y vende su alma al Demonio para volver a ver su amada esposa, pero regresa a la Tierra engendrado en el HellSpawn: «Firmó un muy mal acuerdo, como algunos músicos (en una indirecta alusión a Century Media)».

Sucedió que a principios de 1996 se anunció la adaptación al cine del cómic, además de una versión de dibujos animados para HBO. Como Jon era fanático de Spawn, al enterarse de la noticia quiso de inmediato participar en la banda sonora.

Iced EarthMatt y Jon viajaron a Atlanta donde se efectuaba una convención de cómics y conocieron a Al Simmons, jefe del Depto. de Promoción de McFarlane Productions, creadores de Spawn. Se presentaron, Jon ofreció sus servicios para una eventual banda sonora y le mostró una maqueta del tema que se conocería como Dark Saga. Así entablaron una muy conveniente amistad. Simmons, interesado en la banda, le presentó a Schaffer nada menos que al mismísimo creador de Spawn, Todd McFarlane. Aprovechando el contacto, Jon le preguntó si podía encargar de la carátula de su próximo álbum. McFarlane asintió y le prestó una de las ilustraciones que aparecería en la edición #50. Una cosa llevó a la otra: McFarlane entregó la portada y Iced Earth decidió hacer un álbum sobre Spawn, una especie de promoción cruzada: la gente del cómic daría a conocer a Iced Earth en Estados Unidos, y la banda mostraría a Spawn en Europa. Trastornado por la idea, sólo le tomó cinco semanas escribir las canciones: «Todo salió muy fácil, estaba muy contento e inspirado. Hice (la balada) I Died for You en media hora, la música y las letras, ¡todo! Hacía tiempo que no me sentía tan bien».

De inmediato la banda se concentró en Morrisound Studios, en Tampa, y grabaron el álbum que titularían The Dark Saga en menos de un mes. A falta de un músico oficial que se hiciera cargo de los tarros, el baterista de sesión Mark Prator se ocupó del -fabuloso- trabajo. Mientras que el bajista que estuvo al lado de Jon desde los tiempos de Purgatory, Dave Abell, abandonó la banda. Él tomó parte de las grabaciones pero al terminar la producción, le comunicó la decisión de irse porque iba a casarse. En su reemplazo llegó Keith Menser quien solamente apareció en las fotos del disco. Su prioridad principal apuntaba a crear una compañía de diseño gráfico y se fue. Pero antes recomendó a unos amigos y así fue que James MacDonough fue contratado junto con el baterista Brent Smedley, ambos provenientes del conjunto Oracle de Jacksonville, Florida, para integrarse al tour.

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«The Dark Saga es (1996) como nuestro segundo Stormrider -dice Schaffer-. Si Burnt Offerings había sido un paso atrás, The Dark Saga lo fue hacia adelante», según él, porque fue la primera vez que se preocupó realmente de escribir «canciones canciones», más enfocadas, maduras, sin tratar de hacerlas todas épicas. Cada corte del disco habla de un personaje o capítulo de Spawn: I Died for You trata de cuando descubre que su mujer vive con su mejor amigo… The Hunter es acerca de Ángela, el ángel que tiene la misión de matar al Engendro; Vengance is Mine, de un hombre que tortura niños y es asesinado por el protagonista, mientras que la trilogía The Suffering (Scarred, Slave to the Dark y A Question of Heaven), es la versión de Jon acerca del final de la historia.

Gracias al famoso productor Jim Morris, quien se transformaría en el miembro invisible de Iced Earth, la calidad del sonido del álbum fue lejos la mejor hasta ese tiempo, como así el trabajo de los músicos de los que la vocalización de Barlow fue lo más sobresaliente. Su voz había alcanzado un nivel impresionante al conocido en el álbum anterior por causa del empuje y exigencia de Jon hacía el pelirrojo cantante. Se transformaría en el nuevo emblema de la banda. Muchos han comparado su timbre con el del guitarrista y vocalista de Kiss, Paul Stanley, eso que nunca ha sido fanático de la legendaria agrupación, distintivo que le trajo tanto admiradores como detractores.

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El «crossover» promocional iba a toda marcha. The Dark Saga se vendía en las tiendas de cómics y el disco se tocaba en las convenciones. Pero en perjuicio de Iced Earth, las negociaciones para incluir una canción del grupo en la banda sonora de la película o la serie animada, que habría significado una fuerte presencia en el mercado estadounidense, fracasaron por la «falta de visión» de Century Media y por la decisión de McFarlane de hacer la música del film con la mezcla de bandas de rock y metal con música techno. Así, otra vez, Iced Earth no tendría promoción en su país.

El hecho de estar unidos a un sello europeo incapaz de entrar a EE.UU. no era el único factor que influía, según Schaffer, en que su banda fuera casi desconocida allá. La forma de la industria musical norteamericana tenía un alto grado de culpa: «Es el lavado de cerebro que existe, las personas no pueden respirar y pensar por su cuenta. (Medios como) MTV y las radios influyen en la manera que la gente piensa de la música. Puedes vender cualquier porquería al público americano si lo promocionas bien. Si tuviéramos una de nuestras canciones en la rotación, venderíamos toneladas de discos. (En Estados Unidos) es un asunto de marketing y plata… En Europa y Japón, es cuestión de talento».

En Europa, Iced Earth volvió a ganarse el respeto del público. La banda al fin tenía una formación sólida para los conciertos y se encaminaron en su gira más exitosa hasta ese momento. Una encuesta de la revista Rock Hard puso a The Dark Saga entre los cinco mejores del año y a la banda dentro de los top ten.

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Pero la mala fortuna seguía persiguiéndolos. Durante uno de los festivales de verano, en Berlín, Jon sufrió una grave lesión al cuello (sí… por el cabeceo o headbanging) y paró en el hospital. La gira estaba en sus primeros pasos y faltaban 30 presentaciones por hacer en las siguientes seis semanas. Los doctores le indicaron que debía parar, pero al temor de que se repitieran los días oscuros de la era Burnt Offerings, Jon decidió seguir con inyecciones periódicas para evitar el dolor, aun sabiendo que se provocaría un daño permanente. Prácticamente se molió una de las vértebras del cuello, pero ignoró el problema hasta el 2000 cuando decidió someterse a cirugía: «Con lo bien que nos estaba yendo, no quería parar en lo más mínimo con la banda».

LA REVISIÓN DE LOS DÍAS DE PURGATORIO

Por el contrario, en adelante vendrían los años más ocupados de Iced Earth. Ahora que Jon contaba con un cantante estable, decidió realizar un postergado anhelo: regrabar las canciones antiguas. Days of Purgatory (1997) se llamó el doble CD.

Esto salió de la idea preliminar de lanzar el demo Enter the Realm remezclado. Schaffer aprovechó el momento para volver a grabar material de los dos primeros álbumes y remasterizar algunas canciones del tercero. Las guitarras originales quedaron en casi todos los temas y se regrabaron la batería y el bajo de los demos, por Smedley y MacDonough, respectivamente. Matt se encargó las voces, excepto en Stormrider que las hizo Schaffer. En esta compilación también se reversionó Winter Nights, un tema que no apareció en ningún demo de Purgatory y que había sido grabado a finales de 1986 en 24 pistas.

Con Days of Purgatory Jon se sacó una espina que le molestaba de hacía años: «(Los dos primeros álbumes) siempre me han fastidiado, las mezclas y los tonos, sobre todo las voces del disco debut. El que cantó (Greely) en el segundo hizo un muy buen trabajo, pero las mezclas finales y masterización fueron malas (…) Estaba decepcionado con el resultado final».

Fueron revisitadas canciones como Written on the Walls (rebautizada por Barlow como Cast in Stone), Pure Evil y Travel In Stygian. De esta manera acercaron los temas antiguos a los nuevos fanáticos. En todo caso esta no sería la última vez que Schaffer volvería a trabajar sus primeros discos. Además, y aunque suene increíble, en agosto hicieron la primera gira norteamericana fuera de Florida, cinco shows en el centro oeste del país.

En este álbum doble aparece una nota de Jon que se transformaría muy luego en el acta de guerra en contra del Nu Metal que arremetía en los Estados Unidos:

«AQUÍ VIENE LA REVOLUCIÓN!!!! ¿Qué es lo que quiero decir con esto? Que Iced Earth seguirá en lo suyo. El metal no es algo que pase, es un estilo de vida. Es actitud, es fuerza, es lo que quieras que sea. Ha estado acá desde los sesentas y nunca se irá. Han habido épocas en la historia de la música en que el metal ha sido «cool» y no, pero que las modas vayan y vengan nunca me ha importado. Lo único que me preocupa es Iced Earth y lo que hacemos.

«Sí, ha sido irritante, frustrante e incluso hasta deprimente, cuando la gente nos ha dicho que estamos pasados de moda… ¿pero saben? Que se vayan a la mierda, porque esto lo hacemos por nosotros y nuestros fans, y las opiniones de los que siguen la moda nos importan una mierda. Somos los mejores en lo que hacemos, doce años de trabajo sólido y dedicación están pagando y nuestro número de seguidores crece cada día.

Iced Earth

«La mejor cosa que pueden hacer, como fanáticos devotos, es pensar por ustedes y ser sus propios líderes. Los poderes fácticos siempre han manipulado a las audiencias con una saturación torrentosa de técnicas lavacerebros. La mayor decepción sin embargo, es cuando se leen entrevistas a otros músicos del mismo género en las que niegan repetidamente sus raíces metaleras siendo que estaban, o todavía están, tocando riffs de metal. Estos individuos, a los que levanto mierda de perro en honor máximo, son los verdaderos poseros de los noventa. La primera persona o corporación que haya venido con preceptos de marketing a decir que el metal no valía la pena, puede meterse sus dichos por el culo.

«Somos metaleros y estamos orgullosos de serlo. Iced Earth madurará, pero cuenten con que seremos fieles a nuestro arte. FUCK TRENDS AND FUCK POSERS!!! Jon Schaffer.-

EL NACIMIENTO DEL SER ABOMINABLE

Jon decidió entrar en una batalla directa contra la industria «metalera» norteamericana y provocar una revolución con Iced Earth a la cabeza. Lamentablemente, el guitarrista Randy Shawver no pudo seguir la causa. La mano derecha de Schaffer, que lo había acompañado en todos los discos, se sentía cansado y ya no estaba contento en la banda. Así que optó por apartarse. «En su defensa tengo que decir -comenta Jon- que es muy difícil mantener el entusiasmo después de tantos años de pelea». En noviembre de 1997, en Grecia, fue el último show con Randy.

Iced EarthLa banda se mudó al sur de Indiana, a tres horas del lugar adonde creció Jon, y de inmediato se puso cabeza abajo en la composición de los temas para el próximo álbum y en la búsqueda de un nuevo primer guitarrista.

Publicó avisos de «se busca» y cientos de cintas llegaron, entre las que estaba la de un chico de veinte años -que sólo había tocado cinco shows en toda su vida- llamado Larry Tarnowski, de Chicago. Cuando Jon la escuchó, más que quedar impresionado con su forma de tocar, le sorprendió el hecho que entre las principales influencias nombradas por Larry se encontrase Iced Earth, que los seguía desde Night of the Stormrider cuando sólo era un pre adolescente. Jon explica su inclusión: «Larry es muy buen guitarrista líder, pero la razón de por qué obtuvo el trabajo es que también es un muy buen guitarrista rítmico (…) La mayoría de las primera guitarras no pueden tocar las rítmicas bien (porque) se quedan haciendo escalas todo el día y no le prestan atención a lo otro».

Así, con algo malévolo vendría el siguiente disco de Iced Earth. Después de The Dark Saga, Jon empezó a trabajar en su propio cómic que, como ha adelantado, se trata de un endemoniado ser creado por una sociedad secreta que viaja por el tiempo y altera el curso de la Historia Humana. Mezcla elementos de civilizaciones antiguas, extraterrestres, conspiraciones, anticristos, etc. Algo de la saga que llamó «Set Abominae» lo mostró en Something Wicked This Way Comes, editado el 15 de junio del ’98. En la portada se muestra al personaje y en la nueva trilogía de la banda, Something Wicked, se encuentra el espíritu de la trama. No se trata de un disco conceptual, pero lo anterior define al álbum.

Este es el trabajo más diverso y variado de Iced Earth, una montaña rusa entre canciones furiosas en las que Schaffer vuelve en cierta medida ocupar esos riffs afilados de antaño en temas como Something Wicked, y baladas entre las que se encuentran Melancholy (Holy Martyr) y Watching Over Me, dedicada a la memoria del gran amigo de Jon, Bill Blackmon. Otros momentos notables son la apertura mid tempo Burning Times y la tremenda instrumental maidenezca, 1776, cuyo origen se remonta a los años de Purgatory. Por segunda vez produjo Morris y Prator tocó la batería en vez de Smedley, quien no pudo hacer lo suyo debido a problemas personales. Ya que Shawver y Abell no estaban presentes, Something Wicked This Way Comes fue el primer disco Iced Earth enteramente escrito por Jon Schaffer. Barlow aparecería en los créditos de algunas letras. Pero toda la música, hasta la melodía de las voces, fue por parte del guitarrista. Sólo una señal de que el «encabronamiento» de Schaffer se iría destapando más y más al punto de tener hoy más de algún enemigo y personas que rechazan la manera de cómo maneja su banda.

Iced EarthPero también subió la cantidad de fanáticos. Fue gracias a este disco que Iced Earth empezó a ser reconocido en el mercado norteamericano. Antes de que terminara el año ya se habían vendido 20 mil copias y el grupo hizo tres extensas giras por Estados Unidos y Canadá entre agosto y junio del ’99. Mientras, Something Wicked This Way Comes alcanzó a colarse en el Top 20 de Alemania, lo mejor que había logrado Century Media en ese país hasta la fecha. Para ganar más adeptos en EE.UU., grabaron un single exclusivo para difusión radial con cinco temas en él: Melancholy, Shooting Star de Bad Company, Watching Over Me, Electric Funeral de Black Sabbath, y I Died for You. Pero Century Media no pudo distribuirlo a las estaciones. Luego, The Melancholy EP fue lanzado en una edición limitada de mil 500 copias en 1999 y otra de forma ilimitada a principios del 2001, incluyendo un cover de Judas Priest, The Ripper, y Colors en vivo.

En Europa mientras tanto, una docena de festivales entre los que pisaron Wacken y Dynamo, una pequeña gira con Blind Guardian por España y conciertos por todo el continente. A decir verdad, nunca hasta ahora le había ido tan bien al grupo. La popularidad de Iced Earth estaba en alza como también su solidez musical en escenario, incontenible desde los días de The Dark Saga. Por eso, Schaffer decidió que era el momento justo para hacer el primer álbum en vivo…

ATENAS EN TRES DISCOS Y CON EL MAGO EN OTRO

Jon quería hacerlo especial por lo que escogió Grecia para grabarlo, porque ese fue el primer país, junto con Alemania, que había recibido a la banda con los brazos abiertos y desde aquella gira en 1991, su lealtad ha perdurado hasta en los más duros momentos. Premió a los griegos por su «lealtad y devoción». En enero de 1999 viajaron a Atenas especialmente para grabar el álbum. Los fanáticos enloquecieron y provocaron una especie de beattlemania metalera. Barlow agrega: «No teníamos ni idea de cómo iba a ser, pero en el aeropuerto las personas nos esperaban con lienzos y gritos». Schaffer: «Era una locura. Los fanáticos nos paraban en las calles y llegaban al hotel. Ya no se ven cosas como esas».

Iced Earth

23 y 24 de enero, dos noches seguidas en el Rodon Club, con dos diferentes sets en cada show, dieron forma a uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal: Alive In Athens, un triple CD que incluye 31 canciones, más de la mitad de todo lo que Iced Earth había escrito, ejecutadas a un nivel descollante y con versiones de temas clásicos de Iced Earth y Night of the StormRider años luz mejores que las originales y las hechas en Days of Purgatory.

En seis meses Alive In Athens se transformó en disco de oro en Grecia, un tremendo logro si se considera que el último álbum del género que lo había alcanzado había sido Fear of the Dark de Iron Maiden, en 1992. Hoy es disco de platino en dicho país.

Iced EarthSin ningún descanso desde The Dark Saga, se cerró el ciclo más extenso de Iced Earth. La banda tomó vacaciones después del tour de Something Wicked, pero Jon Schaffer no. Ocupó el break para juntarse con Hansi Kürsch de Blind Guardian y hacer Demons & Wizards. El proyecto se originó por accidente, cuando Jon visitó a Hansi durante la gira de Days of Purgatory, en 1997, después de una fiesta: «Estábamos aburridos, empecé a tocar la guitarra y él (Hansi) a cantar». Así salió la canción My Last Sunrise. Intercambiándose cintas entre Estados Unidos y Alemania vía correo, Schaffer escribió la música y Kürsch, las líneas vocales y letras. «En Iced Earth, tengo que escribir todo, hasta las armonías y melodías. Ahora Hansi vino con estas mágicas líneas». En julio de 1999 se juntaron en Florida y grabaron las 13 pistas que formarían el primer y hasta ahora único álbum de Demons & Wizards, el cual se editó en enero de 2000 en Europa y febrero en los Estados Unidos a través de SPV Records. Schaffer se encargó de la guitarra rítmica, leads y bajo, el productor Jim Morris de la primera guitarra y Mark Prator, baterista de sesión de Iced Earth, de los tarros.

El poderío musical de Schaffer y la emoción lírica de Hansi se unieron en un álbum tan soberbio como exitoso. En Demons & Wizards se reconocen algunas de las canciones más potentes de la carrera de Schaffer como Heaven Denies y Blood on my Hands, entremezcladas con numerosos pasajes acústicos dentro de los temas, lo que se transformaría en un elemento más importante de ahora en adelante en las composiciones de Schaffer. Aquí está también la balada de atmósfera «barda» Fiddler on the Green y nueva trilogía Tear Down the Wall – Gallows Pole – My Last Sunrise, que trata de un duende creador del mundo que decide destruirlo porque lo ignoran y ningún hombre cree en él.

Demons & Wizards hizo una pequeña pero explosiva gira europea a mediados de ese año en la que se les unió el bajista de Blind Guardian y Sieges Even, Oliver Holzwarth, el reconocido batero Richard Christy, más Jim Morris y Ritchie Wilkison (Angel Dust) en las guitarras. El álbum vendió 200 mil copias -más que cualquier disco de Iced Earth de la era Barlow hasta ese entonces- y lograron una nominación a los Echo Awards, el Grammy alemán. Este disco le dio a Schaffer otro dividendo: el darle vitrina más grande a su banda principal dentro del círculo power metalero, en sectores donde aún no se les conocía, lo que de verdad se vería reflejado en el siguiente álbum.

Iced EarthLuego de terminada la gira en julio, Jon se operó de la lesión al cuello que arrastraba desde hacía cuatro años. En la cirugía le unieron dos vértebras y sacaron uno de los discos, por lo que su movimiento se vería limitado: «Mis días de headbanging terminaron. Me será difícil (porque) hay un daño permanente al nervio con el que tendré que lidiar por el resto de mi vida. (…) Si hago algo estúpido terminaría perdiendo la sensibilidad en la mano derecha y 30% de movilidad en mi cuello. Tengo que ser muy cuidadoso, estamos hablando de una carrera». Pero Jon no pensaba en descanso alguno, por lo que tres semanas después viajó a Alemania para actuar en Wacken, con cuello ortopédico incluido, la única presentación de la banda en suelo europeo ese año y con un nuevo hombre detrás de la caja… Jon le pidió a Smedley que se fuera y en marzo del 2000 fue anunciado el nuevo miembro oficial: Richard Christy (Death, Control Denied), quien había hecho el tour de Demons & Wizards. Wacken fue su primer show.

Y en noviembre vino otro integrante tanto o más talentoso que Christy, el tremendo bajista conocido por su trabajo en Death, Control Denied, Sadus y Testament, Steve DiGiorgio. Los dos experimentados músicos le entregarían una nueva dimensión al trabajo patentado de las guitarras, las voces y composición. Con esta tremenda formación Schaffer tenía presupuestado hacer el «gran disco de su carrera», un álbum conceptual acerca de su historia Set Abominae, pero se retractó porque no quería sacarlo con sello actual: «El siguiente trabajo sería el último álbum con Century Media, (Set Abominae) tiene un gran potencial para transformarse en una gran cosa y queremos que sea tratado como se debe. Century Media no se lo merece, tenemos que hacerlo con un sello que tenga visión (…) En Europa andan bien, pero en Estados Unidos son una mierda (…) La historia es demasiada como para dársela a estos perdedores».

EL SHOW DEL HORROR OTRA VEZ EN CARTELERA

Así, Jon aplazó el disco conceptual y empezó a trabajar en un álbum temático sobre cine de horror. Esta no era una idea nueva. Partió en 1997 cuando se habló de hacer un EP de cinco canciones basadas en películas de terror.

En los tiempos de Purgatory, había hecho el demo Horror Show y Schaffer, para su primer álbum del siglo XXI, no encontró nada mejor que titularlo de la misma manera. Horror Show fue lanzado en 25 de junio del 2001, debutando #1 en Grecia y se coló nuevamente en los Top 40 de Alemania, Holanda, y varios otros países de Europa. Cada tema, menos uno, se basó en personajes de estas historias: El Hombre Lobo, Damien de La Profecía, Frankenstein, Drácula y El Fantasma de la Ópera, entre otros. Incluso se ocuparon pedazos de antiguos temas de Purgatory para este álbum, como el riff principal de Jeckyl & Hyde. La única canción que sale del esquema es Ghost Of Freedom, basada en The Patriot y dedicada a las personas que han dado su vida por Estados Unidos (como se verá más adelante, Matt y Jon no se excluyen del gran sentimiento patriótico de los norteamericanos), que se transformaría en uno de los himnos de la banda después de los atentados del 11 de septiembre. También está el cover de Iron Maiden, Transylvania. Cabe señalar que Jon ya había instalado su propio estudio en Indiana, Schaffer Sound alias «The Dungeon». Aunque gran parte de este álbum fue grabado donde siempre, en Morrisound, fue la primera oportunidad en que se registraron pistas en otro estudio que no fuera el de Tampa desde que Purgatory hizo Psychotic Dreams.

Iced EarthHorror Show fue la producción más intensa desde Burnt Offerings, pero matizada los más que nunca elaborados coros de Matthew Barlow, con una solidísima base rítmica por parte de Christy y DiGiorgio. Lamentablemente, antes de que se editara el álbum, Steve se fue de la banda. Esto fue lo que pasó: el bajista había firmado un contrato en el que acordaba salir de gira con Iced Earth. Luego de grabar sus partes durante diciembre de 2000 y principio de 2001, sólo se presentó para la sesión de fotos. En las siguientes cinco semanas DiGiorgio no contestó a ninguno de los mails, llamados o faxes de Schaffer, hasta que el guitarrista recibió un corto mensaje del managment que decía que «por compromisos previamente fijados, (Steve) no podría hacer el tour». «Fue como una puñalada en la espalda -aseguró Jon-, me mintió. Ni siquiera tuvo los huevos para decírmelo en la cara». Schaffer sacó la foto de DiGiorgio y sus agradecimientos del álbum antes de que fuera lanzado y lo pateó al puesto de músico invitado, aunque en la versión doble americana, sí apareció como miembro oficial.

Jon, Matt y Larry se molestaron por la actitud de DiGiorgio ya que estimaron que sólo había tocado en el disco para dejar su nombre y ensanchar su currículum. El que se puso muy feliz con la noticia en cambio fue el anterior bajista. Jimmy MacDonough, quien incluso se había tatuado el logo de Iced Earth en la espalda, volvió a la banda.

Llegó el tiempo entonces para agendar el tour y surgió la oportunidad de oro que siempre buscó Jon para ganar más público en Estados Unidos: tocar con una banda realmente grande; en este caso, se trataba de Judas Priest. En la gira del Something Wicked, el show con más asistentes no había sido con más de tres mil… ahora con Judas Priest, calculaba Jon, actuarían ante 15 ó 20 mil personas. Así Iced Earth tendría una difusión enorme. Pero cuando todo parecía ir muy bien, los atentados a las Torres Gemelas frustraron las pretensiones de Jon y sus dirigidos. Como medida preventiva, Judas Priest optó por no viajar al país y posponer el tour hasta principios del 2002. Se le preguntó a Jon si podían acompañar a los británicos en esa fecha, pero por compromisos previamente fijados en Europa, no se pudo hacer nada.

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Pero estos trágicos eventos traerían consecuencias más relevantes para el grupo, que partirían desde ese mismo momento: «Después de los ataques me cuestioné lo que había hecho de mi vida, si había alguna manera en que pudiera ayudar a la gente y hacer algo que realmente importara en vez de esta «ilusión» llamada industria de la música (…) Casi disuelvo la banda tras los atentados porque pensaba que lo que hacía con mi banda era bastante insignificante. Pero después de meses y meses de reflexión me di cuenta de que realmente no importa que la industria sea una mentira porque mis canciones son de verdad…».

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La mala suerte parecía condenar a Iced Earth al anonimato en su propio país, pero el destino se apiadó. Al grupo le llegó una oferta de Megadeth y Anthrax para tocar con ellos en todo el país y Jon ni lo pensó. Había que hacerlo. Mientras se hacía este tour, Century Media lanzó una caja de cinco cedés llamada Dark Genesis. En ella se encuentran los tres primeros discos de la banda totalmente remezclados por Jim Morris y con nuevo artwork hecho al estilo cómic de los últimos álbumes, Something Wicked, Alive In Athens y Horror Show. Luego cada una de estas reediciones sería lanzada por separado el 2002 y se dejarían de imprimir las originales, las que en este momento pasan por el proceso de convertirse en piezas de colección.

También está remezclado el demo Enter the Realm y un CD de covers llamado Tribute to the Gods, grabado en los estudios de Jon, en el que se homenajea a conjuntos que influyeron a Iced Earth como Kiss, Iron Maiden, Black Sabbath, AC/DC y Judas Priest, entre otros. «Este fue un proceso muy distinto -escribió Schaffer- porque sólo había tocado seis o siete covers en toda mi vida. Alguna de estas canciones calificadas de «simples», fueron para nosotros un gran desafío y sentimos un nuevo respeto por los artistas que originalmente las grabaron».

En Europa se aparecieron recién a principios del 2002, pero la espera valió mucho la pena. Iced Earth actuó por el viejo continente con un show extraordinario, con distintos escenarios con rampas a lo Maiden, juegos de pirotecnia y luces, más una extensa revisión a toda la discografía. Jon: «El primer escenario fue The Metal Stage, en el que tocamos temas de los tres primeros discos. Luego, el segundo set, con motivos egipcios en el que hicimos canciones de The Dark Saga y Something Wicked, incluyendo las trilogías. La última fue el set del Horror Show«.

Iced EarthDe vuelta en Estados Unidos giraron como banda principal junto a Jag Panzer y los suecos de In Flames. En estos show, después de varios minutos de samples de música épica y efectos de iluminación, Matt Barlow llegaba al escenario portando en su mano y hombro la bandera norteamericana, mientras Jon Schaffer interpretaba con su guitarra una metalera «Star-Spangled Banner», el himno nacional de Estados Unidos. En particular, «nuestro show el 10 de abril en Nueva York -recuerda Jon-, trajo lágrimas a mis ojos cuando empezamos con el himno… por lo de 9/11. La canción me recuerda a nuestra libertad y envía el mensaje que si alguien nos viene a huevear, está hueveando con el país equivocado». Horror Show había sido el disco que más se había vendido del grupo, pero no era el favorito de Jon: «Something Wicked y Stormrider son mis preferidos. Horror Show fue distinto porque tuve que restringirme al tema, no fue tan personal y no pude tratar las letras con la profundidad que quería. El 2000 tuve algunos problemas (operación, divorcio) que hicieron las cosas más difíciles (…) Le falta esas canciones íntimas que hacen a Iced Earth especial».

ICED EARTH HACE HISTORIA…

En la mitad de 2002 Schaffer empezaría a fijar lo que sería el siguiente disco: «Mi meta es hacer un álbum mucho más dinámico y provocador. Me sentí acorralado en cierta manera con los temas de Horror y ahora espero sacar cosas más heavy y emocionales. Será mucho más personal que Horror Show«.

Sin embargo no se refería a la realización disco conceptual Set Abominae, y muchos se preguntaban por qué el siguiente no sería la continuación de Something Wicked. Schaffer estaba en esos meses envuelto en negociaciones para lograr un nuevo contrato con algún sello discográfico, por lo que prefirió esperar y asegurarse que el sello con que firmara demostrara hacer un buen trabajo y «ser un buen compañero de negocios», y para eso no quería tirar «el que siento que será el trabajo más importante de mi carrera. No significa que vaya a hacer menos para el próximo disco de Iced Earth o Demons & Wizards, sino que es más fácil hacer un álbum lleno de canciones la raja que llevar toda una historia original a la música». Schaffer planea durante un año completo escribir el álbum y el libro de cómic, simultáneamente, el que no saldrá antes de 2006.

Iced Earth

Las negociaciones fueron tan arduas que se vieron obligados a posponer los tours de Japón y Sudamérica. Pero Jon ya trabajaba en los futuros discos incluso antes de definir el sello. En noviembre de 2002 dio a conocer el nombre del trabajo: The Glorious Burden, que basaría su temática en hechos históricos desde la Independencia y Guerra Civil americana, la batalla de Waterloo, Atila el Huno, hasta el piloto de la Primera Guerra Mundial, Manfred Freiherr Von Richthofen, más conocido como Barón Rojo.

Schaffer ha sido toda la vida amante de la historia militar, cuando niño estaba «literalmente obsesionado leyendo acerca de los padres fundadores y la Revolución» y creyó que era el momento oportuno para hablar de lo que había aprendido: «Siempre leo más libros de historia que cualquiera de ficción (…) La mayoría de mis canciones han sido sobre fantasía oscura, ciencia-ficción u horror, pero esto es un reto porque nos estamos enfocando en la vida real y en muy trágicos eventos, así que es nuevo para Iced Earth«.

Y cuando hablaba de la dimensión más personal del trabajo, se refería a lo sentimientos que despertaron a raíz de los acontecimientos ocurridos en su país: «Todo lo que ha pasado últimamente en el mundo nos ha afectado… así que ciertamente mostraremos más de nuestro patriotismo a través de estos temas».

Pasó que 2003 fue recibido con una muy buena noticia. Sin especificar los puntos acordados, el 16 de enero el sitio oficial anunció que Iced Earth había firmado contrato con el sello independiente alemán SPV/Steamhammer, el mismo que había hecho el excelente trabajo con Demons & Wizards, lo que había convencido a Schaffer para trabajar con ellos. Palabras del director de SPV, Manfred Schütz: «Iced Earth es una de las mejores bandas de Heavy Metal y todavía hay mucho potencial en su creatividad. Iced Earth se ajusta a nuestro repertorio perfectamente y estoy muy contento que la banda haya decidido continuar con su éxito en SPV».

Iced Earth

La otra noticia importante antes de entrar a grabar fue la partida del guitarrista Larry Tarnowski, en marzo. Se esgrimió la razón de que había optado por seguir sus estudios universitarios y se le deseó la mejor de las suertes, pero el tema levantó cierta polémica tras una entrevista que Schaffer dio explicando la salida y dejando notar, otra vez, la impopular manera de cómo el líder llevaba el grupo. Tarnowski le había hecho ver su frustración al no poder participar en el proceso creativo o simplemente por limitado aporte en los álbumes, donde sólo tocaba los solos. «Debió haber tocado como dos minutos en todos los discos, así que entiendo. Le dije que se fuera a estudiar o hiciera una carrera». Cuando se le sugirió que a Tarnowski se le pudo haber dicho que estuviera más en el disco, Jon interrumpió: «Bueno, entonces no sería Iced Earth, ¿cierto? Podría haber dejado tocar más a Larry para tenerlo contento, puedes dejar a otras personas escribir sus propias cosas para ser amable, pero eso podría arruinar tu carrera. Algunos pueden componer y otros no. Si pueden, ¡¿por qué no empiezas sus propias bandas?!» Jon obviamente sabe cómo quiere sonar y cómo quiere que sean los álbumes.

En Iced Earth no hay espacio para los guitarristas líder. Para Jon solamente están por los solos, todo lo demás lo graba él. «Hay un montón de bandas por ahí con guitar-heroes y tienen que tener un solo en cada canción, pero yo no creo así». Pero como igual los necesita en algunos casos, y sobre todo en vivo, llamó a Ralph Santolla, guitarra que fue parte de la gira de Death el ’93 con el disco Individual Thought Patterns.

Iced EarthY seguía tomando forma The Glorious Burden, que por los comentarios grandilocuentes de Schaffer, iba generando cada vez más expectativas. Anunció que la idea musical original de Gettysburg la había botado para dar paso la creación de una nueva trilogía épica. En media hora se narrarían los hechos de estos tres días de batalla que cambiaron el destino de la Guerra de Secesión, en 1863. Sería el primer tema de Iced Earth con arreglos sinfónicos y para ello, y gracias al sello, no escatimaría recursos. Jon Schaffer contrató nada menos que a la Orquesta Filarmónica de Praga y a mediados de mayo viajó, junto con Jim Morris, hacia dicha ciudad para grabar las partituras. «Fue una tremenda experiencia escuchar a una orquesta de 55 piezas tocando mi música, un momento que nunca olvidaré».Pero la grabación del disco ya había empezado antes en abril y todo menos la batería fue registrado de The Dungeon. Todo hasta junio iba sobre ruedas, pero como se trataba de Iced Earth, nunca faltaban los improvistos en los momentos más inoportunos. Y este puso en jaque la integridad del grupo.

EL ADIOS DE BARLOW A LA MÚSICA

Como también para Jon, los atentados a las Torres Gemelas causaron un gran impacto en Matt, tanto así que su perspectiva acerca de la vida y los objetivos que se había planteado habían dado un giro en 180 grados. También pensó que, después de todo, lo que estaba haciendo con Iced Earth no tenía relevancia ya que no podía ayudar «en lo que verdaderamente importaba». Pero a diferencia de Jon que optó por continuar con la banda, que hasta incluso quiso tratar estos temas en sus nuevas composiciones, Matt decidió alejarse. Ya no se sentía cómodo con el estilo de vida que levaba, que lo que era y hacía no valía la pena… ya no deseaba cantar más.

En diciembre de 2002 un mes antes que se firmara con SPV, Matt y Jon se sentaron a conversar sobre el futuro de la banda y de lo que sería mejor para el cantante. «Le dije -Matt- que mi espíritu ya no estaba en seguir haciendo música y que dejaría mi puesto en la banda para dedicarme a lo que sería una carrera que me satisficiera más y me llevara a una vida más plena». Pero Jon no aceptó su carta de renuncia, le pidió que no tomara una decisión de la que viviría para lamentarse porque «teníamos un nuevo contrato -argumentó Schaffer- y porque había escrito lejos el material más sólido hasta ahora».

Iced Earth

La persuasión logró el efecto deseado. Por la lealtad de Barlow hacia al grupo, lo intentaría una vez más. Así llegó el momento de grabar las voces para The Glorious Burden… lamentablemente, Matt desde su corazón ya se había apartado de Iced Earth y esto se notó en las sesiones. Dice el líder: «Cuando vino y cantó, fue terrible. Era obvio que no estaba motivado en lo más mínimo. La emoción, la convicción, ya no estaban ahí. Fue horrible. Nunca había visto a Jim Morris tan enojado en todos estos años que hemos trabajado juntos».

Aun así se concluyó la grabación completa con las voces de Matt. Pero cuando llegó el momento de viajar a Tampa y mezclar en Morrisound, al tercer día se dieron cuenta que esto iba de mal en peor. Morris trató de hacer su mejor esfuerzo al proponerle a Jon un cambio en el proceso de mezcla de las voces. Eso estaría OK según el productor.

Iced EarthPero cuando empezaron a mezclar la épica Gettysburg (1863), Schaffer supo que habría que tomar una seria decisión: Jon detuvo la producción de álbum y habló con Matt para decirle que no estaba contento con su performance y que lo dejaba libre de acción. Así que Barlow se sacó la chaqueta de mezclilla, muñequeras negras, jeans, se cortó su larga y roja cabellera y se fue a terminar su carrera de Justicia Criminal para estudiar derecho y servir al nuevo Departamento de Seguridad de Estado Unidos. Ese fue el impensado fin de la era Matthew Barlow, dado a conocer el 2 de junio de 2003. «Fue la decisión que nunca quise tomar -se lamentaba Jon-. Siempre creí que Matt y yo íbamos a tocar juntos hasta viejos». Ahora, aunque pasaran dos, seis meses, o un año, dejaría congelada la grabación hasta encontrar un nuevo cantante. «The Glorious Burden es sin duda el mejor álbum que he escrito y prefiero no sacarlo antes que arrepentirme por el resto de mi vida porque no se hicieron las cosas como debieron. Es muy importante para mí».

ROCK STAR: SEGUNDA PARTE

El futuro de Iced Earth tras la ida de Matt era incierto. La, no decepción, sino frustración de los fanáticos era entendible. Schaffer se había encargado de hacerle mucha publicidad a su auto-proclamada obra maestra y ahora decía que quizás no fuera a salir en un año más… y lo peor, que sería sin Barlow, el vocalista que por mérito propio se había transformado en LA voz de Iced Earth después de tantos intentos fallidos por parte de los otros.

Sólo dos meses después de la partida, el siguiente post que Jon Schaffer publicó en la página oficial causó tanto revuelo como la triste noticia anterior. Posted by Jon Schaffer on Thursday, July 31, 2003 at 9:34PM:

Oigan todos,

Bueno, el álbum está listo, y no sólo está listo, IT RULES!! Nunca había estado más complacido en todos mis años de grabación. ¡Salió de la forma que tenía que salir! Y ahora la gran noticia, ¡se trata de TIM OWENS en las voces e hizo un tremendo trabajo! Sé que habían muchos esperando a que esto sucediera y así fue… Honestamente les digo que nunca me había sentido mejor y en verdad estoy viendo el futuro con más entusiasmo que nunca… Hasta la próxima, Jon.

Tim Owens, más conocido como Ripper, quien venía de una banda llamada Winter’s Bane, quien había alcanzado la fama al ser el responsable de devolverle la vida a los legendarios Judas Priest en la mitad de los noventa, nominado al Grammy por el tema Bullettrain, la persona que había inspirado producción hollywoodense Rock Star, se transformaba en la flamante voz de Iced Earth.

Iced Earth

Todo salió rápido porque Schaffer y Owens se conocían de hace años. Ripper: «Lo conocí en un show de Judas Priest cuando tocamos en Indianápolis en la gira de Jugulator, el ’98. Yo estaba caminando afuera con sombrero puesto, viendo el merchandise, cuando Jon me vio y se acercó». «Hola -le dijo-, soy Jon Schaffer de Iced Earth, gusto en conocerte«, a lo que Tim le respondió: «Sí, espera, ¡hable una vez contigo por teléfono!» Así pasó. En 1991 Jon lo había llamado porque supuestamente las dos bandas, Iced Earth y Winter’s Bane, se irían juntas de gira por Estados Unidos, cosa que al final no se concretó. En esa «reunión», según recuerda Ripper, «Jon me dijo que cuando creaba su música, la voz que se imaginaba en su cabeza era la mía».

Se volvieron amigos desde aquel día y siempre hablaron acerca de trabajar en un proyecto. Empezó a fraguarse cuando justo antes de grabar la batería de The Glorious Burden, Jon le envió tres maquetas para que las trabajara mientras producía el LP de Iced Earth con la idea de grabar un demo. Esto cambió cuando Matt se fue de la banda y Jon, apenas pudo, llamó a Owens para preguntarle si era posible que cantase las canciones. El aún Ripper aceptó. Jon le envió una copia de las mezclas con las voces de Matt en el para que se las aprendiera y le ofreció reescribir tres de ellas, Red Baron/Blue Max, Waterloo y Valley Forge, pero por tiempo sólo se ocupó de la primera.

Tim Owens se demoró sólo cinco días en «clavar las voces», como diría Jon al borde del éxtasis: «Nada de lo que hemos hecho antes se acerca a The Glorious Burden. Es lejos el mejor álbum hasta ahora, en composición, performance y espíritu».

Iced EarthLo de Owens se divulgó 20 días después que se confirmara la reunión de Judas Priest con Rob Halford, el 31 de julio, por lo que las impresiones, festejos o reclamos de los seguidores acerca del nuevo miembro de Iced Earth, no se hicieron esperar. Pero a la semana siguiente Schaffer volvió a sorprender cuando señaló que Owens sólo había sido contratado para registrar las canciones, por lo que no era integrante oficial. ¿La razón? Ripper todavía era el cantante de Judas Priest cuando grabó The Glorious Burden y aparecería en el disco como músico invitado. Mas la suerte le sonrió a Jon -ya era hora- cuando dos días de terminadas las voces de Tim, el 11 de julio, Judas Priest anunciara su reunión, dejándolo en libertad de acción. El ex-Priest estuvo mes y medio deliberando acerca de su futuro. «Me encantaría que Tim fuera el nuevo frontman de Iced Earth -confesó Jon-, pero tiene que quererlo si no, no será bueno para nadie». Pero afortunadamente para Schaffer, Owens quiso y decidió unirse al grupo.

«Cuando habíamos terminado de grabar -explica Tim- me di cuenta que había quedado absolutamente alucinado con las canciones y que me fascinaría cantarlas siempre (…) De vuelta a mi casa le dije a mi mujer que algunas veces deseaba que Priest volviera con Rob para que pudieran dejarme libre (…) Estoy muy emocionado porque es más reto que ponerse los zapatos de Halford (…) Iced Earth exige más de mi voz, un rango más grande de mis habilidades es usado en este disco».

THE GLORIOUS, «MARVELLOUS, ESPLENDOROUS» BURDEN

Rápidamente el sello fijaría el lanzamiento del álbum para el 27 de octubre y para el seis del mismo el del primer single de Iced Earth, llamado The Reckoning, el cual traería cuatro temas: The Reckoning (Don’t Tread on Me), When the Eagle Cries versión acústica, Valley Forge y Hollow Man. Además, SPV le entregó un presupuesto para hacer no uno, sino dos video clips, los primeros oficiales del grupo, uno para When the Eagle Cries, con imágenes de 9/11, y el otro para The Reckoning en el que aparece el grupo completo en un set más convencional.

Iced Earth

Jon y Tim viajaron dos semanas a Europa para promocionar el disco que, por razones de publicidad y retraso de la producción debido a la partida y llegada de miembros a última hora, postergaría su lanzamiento para enero de 2004. El 27 de octubre sacaron The Reckoning que, aunque su portada generó burlas dentro del medio por su evidente similitud con la del single de The Trooper de Iron Maiden, vendió en Europa nada menos que 40 mil copias en la primera semana y ocupó el puesto #13 en los charts de singles independientes de la revista norteamericana Billboard.

Iced EarthLa postergación hizo que hubiera más tiempo para promocionar el disco, el que Schaffer ocupó para hacer declaraciones como «Tim es diez veces el vocalista que Halford fue», que Barlow sólo hacía letras y que nunca llegó con nada interesante escrito, que no se involucraba, que «Burnt Offerings con Tim Owens habría sido diez veces mejor», que Owens tiene carácter y Barlow era una persona insegura, que lo de las torres fue más bien una excusa porque no estaba convencido de lo que hacía, que esa era la gran diferencia con Ripper, que la voz de su actual cantante fue la que siempre quiso, etc, etc… frases que los que aún estaban decepcionados con la partida de Matt las reprocharon enérgicamente, como también generó anticuerpos su discurso patriótico y la manera de cómo lo abordaba en el disco… o que álbum era «de lo mejor que se había hecho en el negocio», que tiene «todos los ingredientes necesarios para ser un clásico del metal». Al fin tuvo la oportunidad de avalar sus dichos cuando el 13 enero fue el lanzamiento oficial de The Glorious Burden en sus tres versiones: una doble edición de lujo con todos los temas que se grabaron, la norteamericana sin el corte Waterloo y la europea sin la introducción de Star-Spangled Banner y Greenface, las tres con distintos órdenes en sus track list.

Después que The Reckoning se mantuviera un mes en los single-charts en Alemania, The Glorious Burden entró #15 y como segundo mejor debutante en la lista de álbumes vendidos, #24 en Austria, en Finlandia en el #30 y #39 en Suecia. El único revés en Europa fue Holanda, sólo posicionándose en el #80, cuando Horror Show había alcanzado el sexto lugar. En Estados Unidos Iced Earth logró los mejores números de su carrera. #145 en los charts de Billboard, y #4 en la lista de trabajos independientes de la misma edición, vendiendo cerca de 9 mil copias la primera semana. Hoy en día, un gran logro para una banda de metal con sello independiente.

Jon planea complementar el álbum con el primer DVD de la banda, simplemente titulado Gettysburg. Este tendrá imágenes de las sesiones de grabación con la Orquesta Filarmónica de Praga, un documental en el campo de batalla de Gettysburg, con Jon Schaffer de anfitrión que discutirá los lugares y detalles del hecho, un video 100% animado de la canción y dos DVD especiales con distintas mezclas de Gettysburg (1863). Todo esto dirigido por Mark Briody, guitarrista de Jag Panzer.

Iced Earth

Schaffer comenta el propósito de este álbum: «En un mundo políticamente correcto, las cosas no se enseñan como deberían ser, así que ahora tienes un montón de personas que les importa una mierda y que dan por hecho que lo que tienen ha estado siempre. Asusta ver a estudiantes que les preguntas y no tienen ni idea (…) El sacrificio de cientos de miles de seres humanos en estos doscientos años es la razón de por qué pueden sentarse a jugar Playstation todo el día y vivir a salvos. Ojalá podamos hacer algo con el disco».

Su fascinación por la historia lo ha impactado no sólo como músico, sino también como comerciante. En Columbus, Indiana, Jon abrió una tienda de objetos históricos de colección llamada Spirit of ’76 Collectibles, en la que vende cuadros, miniaturas, figuras de personajes, reliquias de batallas, etc.

Iced Earth, la creación de Jon Schaffer, cada vez toma más peso. Tuvo la fortuna de demostrar en todos estos años que ningún obstáculo es capaz de frenarlo, la valentía de enfrentarlos y la satisfacción de poder sentarse mirar con legítimo orgullo todo lo que ha hecho. Y esto no terminará acá, ni los éxitos ni los sinsabores. Esa es la carga gloriosa de los que se atreven a seguir sus ideales.

¿Quién le dirá entonces que ya está bueno? «Esta ha sido mi visión muy desde el comienzo, desde que empecé a tocar la guitarra que he escrito mis propias canciones (…) Si tienes tu propia visión, ¿por qué tendrías que abandonarla? (…) Por 20 años he estado en esto… No soy nuevo en el negocio… aún hay mucho camino por recorrer, pero todavía tengo fuego, determinación y garra para mantener a Iced Earth vivo». Y con todo, su visión se hace más cada vez más patente… guste a quien le guste. «¡La Revolución está más cerca que nunca!».

Iced Earth

Iced Earth 2004:

Jon Schaffer: Guitarras
Richard Christy: Batería
Tim Owens: Voces
Ralph Santolla: Guitarra
James MacDonough: Bajo

Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Iced Earth cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

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No todos los días nos visita Iron Maiden, quizás la banda que más gente lleve a sus conciertos «sin prensa» en Chile. Más allá de la importancia ontológica y metafísica que ha tenido la doncella en nuestras vidas, se trata de una banda que ha tenido particulares problemas para tocar en Chile, por cuanto debería habernos visitado cuatro veces, pudiendo tocar, por diversas circunstancias, sólo en dos. Lo trágico e incitante a la paranoia es que las veces impares (la primera, en 1993, y la tercera, en 1998) Maiden ha cancelado sus recitales. Este Martes 13 sería el quinto intento… ¿se romperá la mufa? Más aun considerando la mala racha de cancelaciones de conciertos que ha vivido el público chileno en el último tiempo (Metallica, Helloween, Opeth…). Pero Maiden es la banda más importante de heavy metal de todos los tiempos y seguramente estará más allá de toda mufa, brindándonos un show histórico. Por todo lo anterior y lo que revisaremos después repasar la historia de esta banda, que ha impactado de forma radical las vidas de quienes adoptamos al metal como un elemento fundante en nuestros seres, que a veces con tres o cuatro notas hace magia. La doncella vuelve a Chile.

EL COMIENZO DE LA LEYENDA

Iron MaidenEn 1971, un quinceañero llamado Steve Harris vivía entre dos pasiones : la música y el West Ham United, equipo de fútbol de la Premier League de Inglaterra. Steve, quien poseía (y posee) bastante talento para el fútbol, se vio un tanto decepcionado al ver que muy pocos de los jóvenes como él llegarían a ser futbolistas profesionales, por lo que poco a poco fue trasladando sus esfuerzos hacia la música y decidió adquirir un bajo por la módica suma de 40 libras esterlinas. Así, inspirado en bandas como Jethro Tull o Genesis, formaría después de poco tiempo lo que fue su primera banda, llamada Influence, que posteriormente cambió su nombre a Gypsy’s Kiss. Después de algunas pequeñas tocatas, Steve abandonó la banda para unirse a Smiler, agrupación compuesta de jóvenes bastante mayores que él, y con la cual adquirió la experiencia suficiente como para dar a luz a su proyecto personal. En esos tiempos, el auge del movimiento punk era prácticamente inhabilitante para el nacimiento de bandas que cultivaran un estilo distinto, pero Harris deseaba otra cosa.

Así, ya en 1975, inspirado en la película «The Man In The Iron Mask» y en la dudosa femineidad de la Primera Ministra de Inglaterra de aquellos entonces, Margaret Thatcher (apodada «la Dama de Hierro», quien incluso aparece caricaturizada en la carátula de «Women In Uniform», cover de una banda llamada Skyhooks, que aparece en el álbum «Guilty Until Proven Insane»), Steve Harris encontró el nombre para su banda : Iron Maiden. Ya con el tema del nombre resuelto, Steve comenzó a buscar músicos en su barrio, el East End de Londres, reclutando a Terry Rance y Paul Sullivan en las guitarras, a Ron Matthews en la batería y al cantante Paul Mario, quien fue reemplazado poco después por Dennis Wilcock (con quien había tocado en Smiler). Éste recomendó a Steve a un rubio y joven guitarrista, con rostro felino, que hacía sus primeras armas en Urchin, llamado Dave Murray, lo que motivó la partida de Rance y Sullivan de la banda (quienes vieron esto como una falta de respeto), llegando Bob Sullivan («Bob D’Angelo») a suplir esa plaza faltante. Y además, Ron Rebel reemplazó a Matthews en la batería. Poco después, luego de múltiples cambios -donde incluso Iron Maiden tuvo ¡tecladista!, Tony Moore, y Dave Murray fue echado de la banda por Wilcock, para posteriormente volver-, otro ex-Smiler, Doug Sampson, llegaría a tomar las baquetas, mientras buscaban otro vocalista. Y en ese entonces un compañero de Steve le recomendó a un cantante de apellido italiano con tendencias algo punk y con un gran carisma, que mostraba sus virtudes en Bird Of Prey. Su nombre era Paul Di’Anno, quien debutaría el 31 de Diciembre de 1977 en el Pub «Ruskin Arms«.

En esos entonces la situación de Iron Maiden era complicada. Las casas discográficas les hicieron algunas ofertas, a condición de que se cortaran el pelo y se volvieran una banda punk, lo cual Steve Harris estaba lejos de desear. La dura indiferencia, sumada a la reticencia de las radios a incluir bandas metaleras en sus programaciones, se convirtieron en una gran razón para no claudicar. Pero a fines de 1978, tiempo en el cual tocaban por algunas cervezas y se trasladaban en una furgoneta que ellos llamaban «The Big Goddess», la situación comenzó a cambiar y lograron grabar un demo, que contenía los temas «Prowler», «Invasion», «Strange World» y «Iron Maiden». Para dimensionar la pobreza franciscana en la cual Maiden se inició, hay que decir que no pudieron pagar el cassette original. Dave Murray le entregó su copia a Neal Kay, un DJ que dirigía la noche rockera en «The Soundhouse», un lugar casi de mala muerte, donde Maiden comenzaría a pavimentar su camino a la fama. En honor a esto, la banda elaboraría poco tiempo después un EP llamado «The Soundhouse Tapes«, que fue originalmente distribuido en forma independiente (vendió 3.000 copias en la primera semana) y que llegaría a transformarse en un ícono de colección.

Una de las copias de la cinta llegó a manos de Rod Smallwood -personaje clave en la historia de Maiden- quien, encantado con la banda, acudió a una presentación en vivo bastante accidentada de la doncella en donde Paul Di’Anno fue detenido horas antes por el cargo de posesión de arma blanca, por lo que el repertorio fue en su mayoría instrumental y Steve las hizo de vocalista en los restantes temas. A pesar de este inconveniente, Smallwood ofreció ser el manager de la banda, lo cual aceptaron. Poco después, tras una presentación en «The Marquee» con alrededor de 700 fans, Iron Maiden firma contrato con EMI, en lo que se convirtió en un tremendo paso. Ya con EMI, la banda grabó en 1979 dos temas, «Sanctuary» y «Wrathchild», para la compilación «Metal For Muthas«, con Di’Anno en las voces, Murray y el recién llegado Tony Parsons en las guitarras, Steve en el bajo y Doug Sampson en batería.

EL SEXTO INTEGRANTE Y LOS PRIMEROS DISCOS

Doug comenzó a tener algunos problemas de salud, por lo cual salió de la banda, siendo sustituido por Clive Burr. Y Tony Parsons nunca enganchó con la «onda» de la banda, por lo cual también la dejó, llegando en su reemplazo Dennis Stratton, quien era el gerente del pub «The Cart & Horses», en Leytonstone, Londres. Así, con una formación renovada, la banda salió de gira en Febrero de 1980 para promocionar el «Metal For Muthas» y celebrar la edición de su primer single, «Running Free», que ascendía al nº 44 en los rankings británicos. La banda recibe una oferta de la BBC, para tocar en el programa “Top Of The Pops”, lo cual aceptaron a condición de tocar en vivo (serían los primeros desde que The Who lo hiciera ocho año antes).

El día 14 de Abril de 1980 la doncella da a luz a su primer hijo. «Iron Maiden» alcanzó un impresionante nº 4 en los rankings, lo que fue consecuencia de la enorme popularidad que estos jóvenes estaban alcanzando -con temas increíbles como «Phantom Of The Opera«, «Running Free» o «Prowler«, entre otros- lo que trajo como consecuencia que incluso fueran invitados a la gira británica nada menos que de Judas Priest (la invitación fue cursada personalmente por Rob Halford), quienes recientemente habían lanzado su clásico de clásicos, «British Steel». Como anécdota, el clásico tema «Sanctuary» no se incluyó en la primera edición del disco, por cuanto causó polémica por ciertas alusiones a Margaret Thatcher, a quien podríamos decir que «tenían de casera». Es cosa de ver la carátula.

Y en ese tiempo, puntualmente en Enero del mismo año 1980, nace el -en ese entonces- sexto integrante de Iron Maiden. De la mano de Dave «Lights» Beasley, nace «Eddie«, la mascota de la banda, que aparece en todas y cada una de las carátulas oficiales de los trabajos de la banda. Se dice que el nombre “Eddie” se habría originado de un viejo chiste inglés, que hablaba de un niño llamado Eddie que no tenía cuerpo sino sólo cabeza, que rogaba no recibir más sombreros de regalo para Navidad. Perfeccionado y rediseñado posteriormente por Derek Riggs, Eddie, quien ha aparecido como un faraón, un cyborg o un demente con camisa de fuerza, ha pasado, por derecho propio, a transformarse en un integrante más de la banda, estando presente en las presentaciones en vivo y evolucionando al mismo ritmo que lo ha hecho la banda.

Posteriormente, la banda hizo una gira de dos meses por las islas británicas, además de cuatro presentaciones en «The Marquee», con lleno total. En el mes de agosto, acompañan a Kiss en su gira europea y en el Festival de Reading, donde además comparten escenario con UFO. Y al terminar la gira, la tensa situación entre Dennis y el resto de la banda se hizo insostenible, por lo que Iron Maiden se quedó con sólo un guitarrista -Stratton formaría una banda llamada Lionheart-. Pero no sería por mucho tiempo, pues Dave Murray recomendó a un ex-compañero de Urchin, un delgado (en aquellos entonces) y pulcro guitarrista llamado Adrian Smith, quien se unió a la banda poco después.

Iron MaidenCon esta nueva alineación, y bajo la producción de Martin Birch, el 2 de Febrero de 1981 salió al mercado el segundo trabajo de Iron Maiden, denominado «Killers«, que obtuvo doce discos de oro alrededor del mundo y llegó a situarse en el nº 12 de los rankings ingleses. Eddie aparece en la portada en una calle, con un hacha goteando sangre, y en los edificios que se pueden ver a la izquierda de Eddie se aprecia una parte del «Ruskin Arms», pub donde debutó Paul Di’Anno, y un sex shop.

Con temas como «Purgatory«, «Wrathchild» y «Murders In The Rue Morgue«, «Killers» mostró una mayor sofisticación en la elaboración de la canciones por parte de la doncella, sin perder la fuerza con la cual emergieron en una escena inhóspita. Tras visitar por primera vez países como Canadá, EEUU y Japón, lanzan un single en vivo (con temas grabados en este último país), llamado «Maiden Japan», parafraseando al clásico «Made In Japan» de Deep Purple. Además, graban el video «Live At The Rainbow».

A pesar del éxito anteriormente señalado, existía algo que la banda nunca había tenido: estabilidad. Y ahora el turno de abandonar la banda era de Paul Di’Anno, quien llevaba una vida totalmente ligada al «ideal» rockero del «sexo, drogas y rock’n’roll», lo cual estaba deteriorando su salud y especialmente sus cuerdas vocales. Y este hecho marcaría historia, pues su reemplazante, un ex estudiante de historia, admirador de Ian Gillan y respetado esgrimista, un tal «Bruce Bruce», el enmascarado cantante de Samson, se transformaría en uno de los más grandes vocalistas de la historia del heavy metal.

LA FORMACIÓN IDEAL Y LA ETAPA DORADA

En efecto, a Bruce Bruce, el vocalista de Samson, le encantó la idea de tocar con Iron Maiden. Tras una audición en la cual Steve quedó sorprendido por la potencia de la voz de Bruce, éste quedó oficialmente integrado a la banda, retomando su verdadero nombre, Bruce Dickinson. Nacido en Agosto de 1958, cantó por primera vez en público cuando era muy pequeño, haciendo una sui generis interpretación de la canción de su héroe del momento, Popeye el Marino. Bruce pasó su juventud en la ciudad de Sheffield, donde pasó su adolescencia, trasladándose luego a Londres, donde ingresó al Queen Mary College, uniéndose al grupo «Speed» y más tarde a «Xero», con quien grabó un demo. Luego cantó en «Shots», para unirse posteriormente a Samson.

Con el objeto de que Bruce se acoplase, Iron Maiden realizó algunos recitales en Italia, para posteriormente presentarlo al público inglés, quien lo apodó “The Air Raid Siren” (sirena de ataque aéreo), por la potencia de su voz. Y es sabido que el público metalero no es muy dado a dar oportunidades a los reemplazantes, pero Bruce se metió al público al bolsillo en muy poco tiempo.

Ya con Dickinson en la banda, llegaría el momento de la consagración definitiva. Su nuevo trabajo, “The Number Of The Beast”, salió a la venta el 29 de Marzo de 1982, ubicándose en los primeros diez lugares en los rankings de toda Europa, y fue el primer álbum de Maiden en ubicarse en el nº 1 de las listas inglesas. Con una excelente carátula (Eddie sujetando con cuerdas de marioneta al demonio, quien a su vez maneja de la misma forma al parecer al mismo Eddie) y con temas clásicos como “The Number Of The Beast”, “Run To The Hills” (el single del álbum, que llegó a ubicarse en el nº 7 de los rankings) y “Hallowed Be Thy Name”, entre otros, este trabajo es considerado como el que llevó a la consagración a esta banda inglesa, mostrando una actitud arrolladora, sonidos armónicos con el notable aprovechamiento de las twin guitars y sobre todo con la maravillosa voz de Bruce. Como anécdota se cuenta que durante la grabacion del álbum, a los integrantes de Maiden les sucedieron cosas bastantes extrañas, como amplificadores que dejaban de funcionar sin razón aparente, luces que se apagaban, pero sin dudas lo más curioso es lo que le sucedió a Martin Birch, productor del disco, que iba rumbo al estudio y sufrió un pequeño acidente en auto, cuya reparacion le costó 666 libras esterlinas, decidiendo pagar 670.

Iron Maiden

Pero el final de la gira marcaría un punto oscuro en la banda, pues el baterista Clive Burr, aludiendo a una serie de problemas personales y al intenso ritmo de trabajo, decide abandonar la banda, lo cual era sorpresivo, pues Burr acababa de ser votado como uno de los tres mejores bateristas del mundo por una prestigiosa revista londinense. Y es así como Iron Maiden recordó al baterista de los franceses Trust, quienes apoyaron a Maiden en la gira del álbum “Killers”. Y es así como Nicko McBrain arriba a la banda, configurando lo que, para muchos, es la alineación ideal de Iron Maiden.

La banda voló a Nassau, Bahamas, para grabar su cuarto disco, y aprovechando su estancia en aquel paradisíaco lugar, decidieron aprovechar de grabar el video de su nuevo single, “Flight Of Icarus”. El guión del video indicaba que apareciera alguien maquillado de azul y vestido de monje, papel que fue representado por Nicko. Y así, en Mayo de 1983 salió a la venta “Piece Of Mind”, trabajo que en su artwork muestra a un Eddie con camisa de fuerza y encadenado. Rápidamente, este disco alcanzó el nº 3 en los rankings británicos. Este trabajo mostró otras facetas de la banda, con un sonido un poco más elaborado y con un pequeño toque de mayor complejidad en las composiciones -como vemos en la maravillosa “To Tame A Land” (que originalmente iba a llamarse como el libro en que se inspira, «Dune», pero su autor, Frank Herbert, lo impidió, amenazando incluso con demandar a la banda)-, aunque sin perder la actitud guerrera, como vemos en el clásico “The Trooper”, o en “Where Eagles Dare”.

La banda llevó a cabo entonces el “World Piece Tour”, recorriendo prácticamente los mismos lugares de su gira anterior, culminando con una presentación televisada en Dortmund, Alemania, en cuyo show la banda atacó “brutalmente” a Eddie, lo cual causó cierta controversia.

Iron MaidenSi lo que hemos visto hasta ahora es histórico y consagratorio, lo sucedido en 1984 lo sería aun más. La salida a la venta en Septiembre de su quinto trabajo en estudio, “Powerslave”, marcó una etapa importantísima en la banda. En este trabajo, que cuenta con un artwork absolutamente de lujo, con Eddie convertido en una especie de faraón en medio de una pirámide egipcia (y con millones de detalles), la complejidad compositiva insinuada en “Piece Of Mind” llega a niveles fantásticos, especialmente con dos joyas de la historia del metal, como “Rime Of The Ancient Mariner” (obra basada en un poema de Samuel Taylor Coleridge, que narra la maldición que recae sobre un marinero que mata a una gaviota) y “Powerslave”, sin perder la agresividad, que vemos en “Aces High”, y sobre todo marcando el “sonido Maiden”, con el bajo en un rol protagónico, las twin guitars haciendo de las suyas y Bruce retando a que alguien cante como él.

El éxito de “Powerslave” hizo que Iron Maiden llevara a cabo un tour a gran escala, llamado “World Slavery Tour”, que constó de alrededor de 300 conciertos en poco más de un año, visitando incluso países sometidos a regímenes comunistas como Polonia, Hungría o Yugoslavia, en pleno período de la guerra fría entre EEUU y la URSS, y la “Cortina de Hierro”, que dividía al mundo occidental del comunista. Y la doncella demostró que su música estaba más allá de las luchas políticas, en lo que fue considerado como un hito histórico. Además de esto, la banda visitó por primera vez Sudamérica (puntualmente Brasil), en lo que fue un majestuoso Rock In Rio (con un público aproximado de 200.000 personas), compartiendo escenario con Queen, AC/DC y Ozzy Osbourne, entre otros. Con un Eddie transformado en un atemorizante monstruo de casi 20 metros de altura y con un Dickinson recordado (y en vigencia) como uno de los mejores frontman de la historia, la puesta en escena de la banda sobresalía, resaltándose las performances en el Hammersmith Odeon y cuatro noches consecutivas en el Long Beach Arena en California, Estados Unidos, las cuales fueron aprovechadas para sacar para grabar un disco doble y un video de sus presentaciones en vivo, en el mejor momento de la banda. El disco y el video, llamados “Live After Death” (uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal), salieron a la venta e 14 de Octubre de 1985, llegando al nº 2 del ranking de ventas. Notable es el inicio del show, con una arenga guerrera de Sir Winston Churchill.

El 29 de Septiembre de 1986 salió a la venta el sexto disco en estudio de la banda. “Somewhere In Time”, grabado en Münich, Alemania, y Nassau, marca un notorio cambio en el sonido de la banda, pues ésta comienza a utilizar sintetizadores como fondo en varios temas, lo cual causó escozor en algunos fans. Pero tras escuchar temas como “Caught Somewhere In Time”, “Heaven Can Wait” o la fantástica y épica “Alexander The Great”, los temores se esfumaron. Y un punto aparte en este trabajo es su artwork, para muchos metaleros el mejor que se haya hecho en la historia, pues muestra a un Eddie futurista en el centro de Londres, y con una serie de detalles (que especialmente pueden apreciar quienes tengan la versión en vinilo) perfectamente diseñados por Derek Riggs que lo hacen merecedor de comentarios y análisis aparte.

Iron MaidenLamentablemente no todo podía ser color de rosa. El aporte creativo de Bruce Dickinson se redujo notablemente, al tiempo que Steve Harris tendía a ensimismarse en la composición de los temas. Y esto se unió a que se originó un montón de versiones separatistas debido a la poca repercusión del disco, considerando las expectativas generadas. Todo esto se vio acrecentado debido a que Steve Harris decidió dedicarse a trabajar con su amiga, la cantante Anita Dobson, componiendo algunos temas y participando de la grabación de su álbum. Y otra revista especializada señalaba que Bruce estaba hastiado de las “tiranteces que imperan en Maiden”. Pero la gota que rebalsó el vaso emanó del propio sello grabador de Iron Maiden, el que señaló que la grabación del nuevo álbum estaba postergada indefinidamente, y que sería reemplazada por una remasterización de “Killers”. Esto provocó la reacción de Dave Murray, quien desmintió tajantemente los rumores de separación, tranquilizando de cierta forma a los fans.

A pesar de todos estos problemas, la banda llevó a cabo el “Somewhere On Tour”, que contaba con un inmenso Eddie convertido en cyborg, y que comenzó en Belgrado, Yugoslavia, y terminó en Osaka, Japón, en lo que fueron más de ocho meses. La banda registró algunos momentos del tour y algunas entrevistas y los lanzó a la venta en 1987, en un video llamado “12 Wasted Years”.

EL SÉPTIMO HIJO Y LA PARTIDA DE ADRIAN

La banda ya se encontraba preparada para lanzar su séptimo trabajo en estudio. Pero antes de ello decidió grabar un video promocional de su single, “Can I Play With Madness”, el que sería dirigido por Terri Gillian, director de la película “Brazil”, y que sería una especie de “mezcla entre ‘Monty Phyton’ y ‘Los Cazadores del Arca Perdida’”, según Gillian.

Iron MaidenYa con el video estrenado, Iron Maiden lanzó su séptima placa, titulada “Seventh Son Of A Seventh Son”, disco inspirado en el libro de Orson Scott Card llamado «Seventh Son». El séptimo disco de Maiden inmediatamente alcanzó el nº 1 en el ranking inglés y se mantuvo durante muchas semanas en el top 5. Con un artwork rayando en lo demoníaco y convertido por la historiografía metalera como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos, este trabajo, que es considerado por muchos dentro de lo mejor de la discografía de Maiden, acentúa las bases de sintetizadores esbozadas en “Somewhere In Time” (de hecho en los shows habría un tecladista invitado, Coun Kenney), sin perder su sonido clásico y llegando a niveles de majestuosidad con temas como “Seventh Son Of A Seventh Son”, “Infinite Dreams” o “Moonchild”, entre otros.

La banda decidió entonces centrar su gira, denominada “Seventh Tour Of A Seventh Tour”, en Estados Unidos, la cual se desarrolló con mucha efervescencia por parte de los fans, pero sin provocar mayores altercados. Pero lo que verdaderamente generó comentarios de toda índole fue la actitud de ciertos personeros estadounidenses, entre los cuales se incluía al conservador reverendo Jimmy Swagart, quienes enarbolaron la bandera de la censura contra esta banda británica, calificándola de satánica, e incluso utilizando una foto del mismísimo Steve Harris para la portada de un libro en el que hablaba de los “alcances demoníacos y degenerantes” del Heavy Metal, ante lo cual Steve demandó a Swagart por el uso sin autorización de su imagen, y además se determinó a arrasar en los Estados Unidos, con el fin de obtener el reconocimiento que sí tenían en Europa. Y no está de más señalar que en aquel entonces el señor Swagart, cuyo pasado no era muy católico, estuvo involucrado en escándalos con prostitutas, lo cual restaba toda validez a sus críticas acerca de ética y moral.

El punto más alto de la gira se logró en el recital de Donington, en lo que según muchos constituyó el mejor recital de la historia de Maiden y que contó con dioses del rock como Kiss, David Lee Roth, Guns N’ Roses y Helloween, entre otros. Y la banda decidió tomarse un reponedor descanso en 1989, tiempo que Bruce y Adrian aprovecharon en llevar a cabo proyectos solistas. Bruce grabó junto a otros rockeros ingleses una versión de “Smoke On The Water” de Deep Purple, donde conoció a su ídolo Ian Gillan, y se decidió a lanzar su primer álbum solista, denominado “Tattooed Millionaire”, que se enmarca en un estilo que no tiene mucho que ver con Maiden, más relajado y rocanrolero, en el cual trabajó con un guitarrista llamado Janick Gers.

Iron MaidenLo de Adrian tuvo otros matices. Además de su intención de sacar a la luz su proyecto solista con su banda Adrian Smith & Project (A.S.A.P.), llamado “Silver And Gold” -proyecto en el cual además se hizo cargo de la vocalización-, era sabido que, debido a su introvertida personalidad, a Adrian le resultaba cada vez menos cómodo y satisfactorio el estar en una banda tan importante, y que requería tanto desgaste, como Iron Maiden. Y es así como, poco tiempo después de sacar a la venta su video “Maiden England”, y conjuntamente con la celebración de los diez años de la banda como la estrella de la compañía EMI, Steve Harris anunciaba la amistosa salida de Adrian Smith de Iron Maiden, a pesar de haber compuesto partes de siete temas del próximo disco, y haber grabado una parte de «The Assassin». Sólo siete días después se anunciaba su reemplazante, que, para variar, estaba al alcance de la mano: el ya mencionado Janick Gers, nacido en el norte de Inglaterra, cuya familia es oriunda de Polonia. Tras tocar en bandas escolares (covers de T-Rex, Led Zeppelin y Deep Purple), fundó la banda «White Spirit» a principios de los ochenta, década en la cual tocó con Ian Gillan.

El trabajo que, como señalamos, vagamente había comenzado antes de la salida de Adrian, continuó como si no hubiese habido cambios. Y es así como el 1 de Octubre de 1990 Iron Maiden lanza su octavo trabajo en estudio, llamado “No Prayer For The Dying”, trabajo que, extrayendo el sonido de teclados y sintetizadores, intenta dar al sonido Maiden una connotación un poco más sencilla y directa, como se ve por ejemplo en temas como “Holy Smoke” (que tiene un video bastante divertido), “Tailgunner” o “Run Silent Run Deep”. Y si bien es cierto el álbum debutó con un nº 2 en los rankings ingleses, no consiguió la popularidad de los álbumes anteriores. Con un afán de hacer más sencilla, austera y directa su puesta en escena, la banda, en su “No Prayer On The Road Tour”, sólo usaba un telón gigante en sus presentaciones en vivo, las cuales se vieron ciertamente limitadas en su número debido a la tensión internacional emanada del conflicto bélico entre Estados Unidos e Irak, en la llamada “Guerra del Golfo”. Y el toque de distinción lo hizo el gran despliegue escénico de Janick, quien demostró que su carácter y su entusiasmo estaban lejos de ser similar a la pulcra timidez que Adrian Smith mostraba en escena.

Iron MaidenPara el nuevo disco, se hizo una especie de concurso entre varios artistas para diseñar a Eddie. Y así fue como triunfó el modelo diseñado por Melvyn Grant, con un terrorífico Eddie saliendo de un árbol que, sin duda, se convirtió en una de los mejores cover arts de Maiden. El 11 de Mayo de 1992 salió a la venta la novena placa de Iron Maiden, llamada “Fear Of The Dark”, que a pesar de haberle dado a la banda su tercer nº 1 de la historia, es un disco un tanto irregular, que en todo caso llevó un par de gemas al olimpo del Metal, “Fear Of The Dark” y “Be Quick Or Be Dead”, además de otros temas muy interesantes como “Afraid To Shoot Strangers” o “Judas Be My Guide”.

La banda inició en Escandinavia su “Fear Of The Dark Tour”, para posteriormente, en Agosto, presentarse por segunda vez en Donington, donde grabaron un nuevo disco doble en vivo, e incluso contó con la presencia de Adrian Smith en «Running Free». Incluso la banda visitó Sudamérica, y estuvo algunas horas en Chile, donde tenía presupuestado tocar el día 23 de Julio en la Estación Mapocho, pero no pudo hacerlo debido a que el «recinto no cumplía con los requerimientos técnicos», como se dijo en aquella época. Pero todo sabemos que la verdadera razón estuvo dada porque grupos ultra católicos y moralistas, que tildaron a la banda de satánica, terminaron por impedir la realización del recital de Iron Maiden en nuestro país, para desazón y furia de los fans y de los integrantes de la banda. A pesar de este impasse, la banda continuó su exitoso tour a lo largo del mundo. Pero algo no andaba bien.

GOOD-BYE BRUCE

Bruce Dickinson estaba cansado. Sentía que no podía desarrollar todo su potencial compositivo con Iron Maiden, y que su etapa en la banda estaba cumplida, por lo que, en términos más o menos amistosos, emigró de la banda. Steve Harris no manifestó su molestia de inmediato, sino que primero se encargó de recopilar el extenso material en vivo generado de sus múltiples presentaciones, y decidió que se lanzaran dos discos en vivo por separado, uno con material anterior a 1985, “A Real Dead One”, y uno con material posterior, “A Real Live One”. Bruce fue despedido en un impresionante recital, que se llamó “Raising Hell”, televisado a muchos países.

Bruce señaló en su comunicado de despedida: «Estos últimos meses junto a los muchachos han sido fabulosos, los mejores que pasamos juntos, seguramente. Porque vivimos intensamente cada presentación, cada almuerzo, cada ensayo. Pienso que todo ese sentimiento quedo también reflejado en el álbum («A Real LIVE/DEAD One»), porque si bien cuando lo grabamos todavía no les había dicho que me iría, yo sabía que ese era el último trabajo que haríamos juntos. Y me entregué con todo a la grabación. Si hasta soñaba con ella. Y por eso la llevo en un lugar privilegiado de los recuerdos. Creo que es una pequeña joya que me ayudará mucho en el nuevo rumbo que tendrá mi vida. Quiero agradecer a todos los que siempre nos apoyaron en la banda y pedirles que lo sigan haciendo, por que estoy seguro de que los muchachos van a seguir brindando lo mejor de si en cada canción, Y en ellos hay mucho talento para dar todavía, porque tienen una veta creativa inextinguible. Es difícil enfrentarse al adiós, pero hay que hacerlo, gracias«.

Después de pasada la efervescencia y la desazón por la partida de Bruce, Steve Harris señaló a la prensa su molestia no por la salida de Dickinson, sino por lo que éste declaró a la prensa, en el sentido de que su molestia y desmoralización respecto a la banda venía desde mucho tiempo antes. Steve declaró entonces que si Bruce se sentía así, él mismo le habría dicho mucho antes que se fuera de la banda.

Iron Maiden

Y obviamente la búsqueda del reemplazante de Bruce sería una cuestión que no sólo llamaría la atención de la banda, sino que del público metalero en general. Así, se realizaron audiciones por todo el mundo, rumoreándose que el vocalista podría haber sido Michael Kiske, en ese entonces vocalista de Helloween, o Joey Belladonna, ex-Anthrax, o incluso el mismísimo Paul Di’Anno. Pero nada de eso llegó a ser cierto, pues después de escuchar 4.959 cintas, la banda se decidió por un discreto y poco conocido vocalista de una banda conocida por Maiden llamada Wolfsbane. Su nombre era Blaze Bayley.

LA ERA DE BLAZE

Con la llegada de Blaze, y de su nuevo productor, Nigel Green (quien compartiría funciones en ese ítem con Steve Harris), Iron Maiden comenzó a trabajar en lo que sería su décimo trabajo en estudio. Y así, el 2 de Octubre de 1995 (año en el cual Bruce Dickinson visitó por primera vez nuestro país, el día 9 de Marzo en el Teatro Monumental) sale a la venta “The X-Factor”, un disco bastante largo y con un sonido absolutamente distinto a cualquier otro trabajo de Iron Maiden, que raya en lo oscuro, intentando explotar al máximo el limitado campo vocal de Blaze. Con temas como “Man On The Edge”, “Lord Of The Flies” y sobre todo la magistral “Sign Of The Cross”, Maiden marcaba el comienzo de una era distinta, quizás más oscura, con menos revoluciones y, sobre todo, intentando sopesar el enorme fardo que les dejó la partida de Bruce pues, para la mayoría de los fans, era imposible imaginar a Maiden sin Dickinson.

Iron MaidenY así fue como Iron Maiden quiso mostrar su nueva conformación al mundo metalero. El tour, al cual llamaron “The X-Factor”, los llevó a lugares “exóticos” para estos efectos, como Israel o Sudáfrica y, ¡al fin!, a nuestro país, donde llevaron a cabo una presentación el Jueves 29 de Agosto de 1996. Con un Teatro Monumental lleno hasta las banderas, Iron Maiden llenó de emoción a los fans que los esperaron durante tanto tiempo, a pesar de la limitadísima voz de Bayley y de un par de incidentes (como el palo que le lanzaron a la banda telonera, los hispanos de Héroes del Silencio), que no lograron empañar el éxtasis de aquella noche.

El nuevo Maiden decidió echar una mirada hacia atrás, para lanzar su primer álbum recopilatorio, que se llamaría “Best Of The Beast”, que incluiría un tema nuevo, “Virus”. Con el “pretexto” del nuevo disco, la banda prolongó la gira, mientras se preparaba el material para el nuevo trabajo, el segundo de la era Blaze.

Mientras tanto Bruce Dickinson, un poco aburrido de sus experimentaciones cercanas al rock alternativo (junto a su banda “Skunkworks”, con la cual realizó un disco llamado de la misma forma), lanza, con el tremendo apoyo de la guitarra de Adrian Smith, un tremendo disco, llamado “Accident Of Birth”, en el cual volvía a sus raíces metaleras y a mostrar que su voz estaba más vigente que nunca. Y con la gira de ese disco, Bruce nos visitó por segunda vez la noche del Viernes 21 de Noviembre de 1997 en el Velódromo del Estadio Nacional, junto a Ronnie James Dio, Jason Bonham y The Scorpions, en una presentación memorable para quienes tuvieron la fortuna de asistir, especialmente para los fanáticos de Iron Maiden, quienes deliraron con los tres temas de la doncella que Bruce, Adrian y compañía ejecutaron aquella noche.

La banda se preparó entonces para lanzar su undécimo álbum en estudio. Intentando abordar el tema de la computación y la consecuencial deshumanización por parte de la sociedad, mezclado con alusiones futboleras (incluyendo la polera oficial de fútbol de la banda), “Virtual XI” salió a la venta a fines del mes de Marzo de 1998. Con, según muchos, el peor cover art de la historia de Iron Maiden (hasta ese momento), y sólo ocho temas, este trabajo desilusionó a muchos fans y reactivó la ilusión de otros. Temas como la excelente “The Clansman”, “Futureal” y “When Two Worlds Collide” llamaron la atención de los fans, y muestran una buena vocalización por parte de Blaze, hasta que se tomaba cualquier cosa de Dickinson y muchos nos preguntábamos qué estaba haciendo Bayley en Maiden.

Y mientras tanto, Bruce Dickinson junto a Adrian Smith estaban lejos de perder el tiempo, lanzando a la venta un tremendo disco llamado “The Chemical Wedding”, que llevó, tanto a muchos de los fans de Maiden como a la crítica especializada, a manifestar que el trabajo de Bruce como solista superaba con creces al de Iron Maiden con “Virtual XI”.

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Y era el turno del tour mundial, que los llevaría a múltiples lugares del mundo, incluyendo una nueva presentación en Santiago el día 10 de Diciembre de 1998, junto a los dioses del Power y del Thrash Metal, Helloween y Slayer, respectivamente. Pero nuevamente las circunstancias jugaron una mala pasada, puesto que el gobierno inglés recomendó a sus artistas connacionales que no visitaran nuestro país, por temor a algún tipo de represalias de inadaptados y subnormales debido a la detención en Londres del General Pinochet. Y así, por segunda vez, los fanáticos mordimos el polvo de la derrota.

CINCO, MENOS UNO, MÁS DOS, SON MÁS QUE SEIS…

Pero después del trago amargo que vivimos al no poder, por segunda vez, ver a Maiden en Chile, el día Viernes 12 de Febrero de 1999 recibimos una sorprendente noticia : Bruce Dickinson regresaba a Iron Maiden, marcando la salida de Blaze Bayley casi por la puerta de atrás. De hecho, el rumor cuenta que el descontento de la banda con Blaze era tan grande que éste viajaba en una van y el resto de la banda lo hacía en otra, casi sin hablarse. Después del show en Buenos Aires, Janick Gers les habría dicho a algunos miembros del crew que ya no aguantaba más a Blaze.

Pero Bruce no volvía solo, lo hacía junto con Adrian Smith, configurando un inédito trío de guitarras sólo experimentadas por Lynyrd Skynyrd. Bruce aprovechó de hacer unos últimos recitales junto a su banda, para lanzar un excelente disco en vivo titulado “Scream For Me Brazil”, para luego incorporarse a Maiden.

Ante esta increíble noticia, el lanzamiento del videojuego “Ed Hunter” pasó a segundo plano. Lo que más resalta de este período es el mini tour que la “nueva” banda realizó, ejecutando temas elegidos por los fans, quienes deliraban e imaginaban la majestuosidad de la tríada de guitarras, y soñaban con un nuevo disco. Esto se convertirían en realidad a fines de Mayo del año 2000, con el lanzamiento de su duodécimo disco en estudio, llamado “Brave New World”, el que sería producido por Kevin Shirley. El concepto del disco está basado en la conocidísima novela de Aldous Huxley titulada homónimamente, traducida al español como «Un Mundo Feliz». Con un artwork fantástico, que vuelve a la excelencia de las épocas pretéritas, y un sonido fresco, poderoso, conjuntamente con el inagotable caudal vocal de Dickinson, hacen de este trabajo uno de los mejores desde “Seventh Son Of A Seventh Son”. Con temas como “Dream Of Mirrors”, “Ghost Of The Navigator”, “The Fallen Angel” o “The Wicker Man”, Maiden muestra un sonido muy “de banda”, quizás por el hecho de haber grabado conjuntamente todos los instrumentos (y no por separado como se estila el día de hoy). Además, unos sutiles toques orquestados marcan a este trabajo como uno de los mejores de Iron Maiden.

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Y llegaría la hora, al fin, para los fans chilenos, de ver a Maiden en su esplendor, sin problemas políticos, religiosos o de cualquier otra índole. La tarde-noche del Lunes 15 de Enero del 2001, iniciada por el magistral recital de Rob Halford, en esos entonces ex vocalista de Judas Priest, llevaría a los casi 25.000 fans de la doncella que se dieron cita en la pista atlética del Estadio Nacional a delirar, enloquecer y ser felices con la presencia de los 6 británicos que conquistaron nuestros oídos y, a muchos de nosotros, nos llevaron al camino del metal. Con una presentación no exenta de imperfecciones técnicas en el sonido, pero con emoción y adrenalina a raudales, Iron Maiden hizo historia aquella noche, saldando una deuda (que no se originó por culpa de ellos) que ya casi duraba 10 años, desde aquel ingrato episodio con ciertos personeros de la Iglesia Católica chilena.

Luego, Iron Maiden se tomó un pequeño descanso, Bruce planeó algunas presentaciones como solista (entre ellas en el Wacken Open Air de Alemania, junto a Blind Guardian, entre otros), la banda realizó algunos recitales a beneficio de su ex baterista Clive Burr, quien está afectado de una seria enfermedad llamada esclerosis múltiple. Además, se lanzó una edición especial del single «Run To The Hills«, cuyas ganancias irían directamente a Clive y su fundación.

El 10 de junio de 2002 editarían «Rock In Rio«, su primer DVD en formato doble, con la actuación que el grupo ofreció en el famoso Festival en Rio en el año 2001 ante 250.000 personas. También se editaría en algunos países en formato de doble VHS, doble CD y triple vinilo de edición limitada. El concierto fue filmado por Globo TV con 14 cámaras, incluyendo 2 grúas y un helicóptero, dirigido por Dean Karr, quien trabajó anteriormente con la banda cuando dirigió el clip para «The Wicker Man». El segundo DVD consiste en entrevistas con el grupo y material extra para los fans. El lanzamiento obtuvo un éxito inmediato, llegando al número uno en las listas de video en Reino Unido, al número 2 en las de DVD en Alemania y 4 en las de video.

Recientemente, el pasado 4 de noviembre, Iron Maiden lanzó un box set llamado «Eddie’s Archive«, que contiene dos discos dobles que recogen las primeras grabaciones en vivo de la banda, que van desde 1979 hasta que lideraron el Festival Donington en 1988, más otro disco doble bautizado como «The Best Of The B’ Sides«, que recoge todos los temas que no entraron en los discos oficiales. La presentación del box-set es sencillamente notable: una caja con la cara de Eddie plateada, una especie de pergamino en donde se narra la historia completa de Iron Maiden,más un vaso de cristal con la cabeza de Eddie. Junto con lo anterior, la banda lanzaría su segundo disco de grandes éxitos, llamado «Edward The Great«, que contiene 16 temas.

Con un afán comercial, Iron Maiden comenzó, a fines de Mayo del 2003, un tour denominado «Give Me Ed… Til I’m Dead», efectuando alrededor de cincuenta conciertos en Europa y Estados Unidos, donde además se estrenó un tema nuevo, «Wildest Dreams«. En Junio, la banda lanzó su segundo DVD, llamado «Visions Of The Beast«, que reúne todos los videos de la historia de la banda.

LA DANZA DE LA MUERTE … Y NUEVAMENTE A CHILE

El 8 de Junio del 2003 saldría a la venta el décimotercer disco en estudio de la doncella, el segundo tras la vuelta de Bruce y Adrian. El nuevo trabajo se llamaría «Dance Of Death«, y si bien su carátula deja bastante que desear, es un disco sólido y con momentos brillantes. Con 11 temas y sesenta y ocho minutos de duración, «Dance Of Death» destaca por su tema homónimo, además de las potentes «Montségur» y «Rainmaker«, entre otros, además de ser el primer disco que cuenta con Nicko McBrain como compositor de un tema, para la rockera «New Frontier«.

Era más o menos obvio que Maiden nos visitaría el 2004. Pero lo agradable fue la confirmación de la fecha: hace un par de meses se ratificó que Iron Maiden tocará en Chile el próximo Martes 13 de Enero, a las 21.00 horas, en la Pista Atlética del Estadio Nacional. Lo mejor de todo es que la banda ha prometido traer a Latinoamérica todo su show, lo que conforma nada menos que 25 toneladas de equipamiento. Ello sin dudas es un plus pues si bien no puede dejar de decirse que el show del 2001 estuvo cargado de emotividad y adrenalina, el sonido no fue de los mejores.

La maldición de las venidas «impares» de Maiden parece estar destruyéndose. Y ante ello no podemos sino estar contentos y expectantes. Como señalamos anteriormente, no todos los días viene Iron Maiden. Para muchos es un acontecimiento que marca vidas, que hace recordar anécdotas, una «bisagra» entre un antes y un después en la vida de un metalero. Y quiero dedicar estas líneas para quienes este sea su primer concierto, como seguramente ocurrirá en muchos casos: si todo sale bien, esta será una experiencia inolvidable para ustedes. Que me perdone la gente católica, pero creo que para un metalero ni la primera comunión es tan importante como su primer concierto, especialmente si es así de masivo. Por ello, preparen sus oídos y sus ojos para vivir una sensación indescriptible, y sobre todo, siéntanse aún más orgullosos de la música que escuchan. Los metaleros somos pocos, vilipendiados en todas partes, víctimas de prejuicios imbéciles… y si hay una banda que nos une a todos, es Maiden. Disfrutemos y demostrremos que somos el mejor público del mundo.

Iron Maiden

UP THE IRONS!!!

Alineación Actual de Iron Maiden :

Bruce Dickinson : Voces
Steve Harris : Bajo
Adrian Smith : Guitarras
Dave Murray : Guitarras
Janick Gers : Guitarras
Nicko McBrain : Batería