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Hablar de Judas Priest es sin lugar a ninguna duda, hablar de una de las bandas más influyentes e importantes en la historia del Metal. Su nombre, sinónimo inmediato de Heavy Metal; su imagen, una de las más características dentro del metal (mucho cuero, puntas y la famosísima Harley de Halford); y su música, el más claro ejemplo de lo que el Heavy Metal significa como sonido. Por todo esto y muchas cosas más, Judas Priest ha sido considerado como una de las piedras angulares del Heavy Metal desde sus mismos inicios y ahora con ya casi 30 años de existencia y al igual que lo hicieramos el mes pasado con otro clásico como Iron Maiden, quisimos entregarles parte de la historia de esta gran banda.

LA BALADA DE FRANKIE LEE Y JUDAS, EL SACERDOTE

La historia de Judas Priest comienza a escribirse básicamente en 1969, cuando Al Atkins y Bruno Stappenhill, quienes vivían en un pequeño pueblo en las afueras de Birmingham llamado West Bromich, convocaran a una audición para buscar al reemplazante en las seis cuerdas de John Perry, quién muriera trágicamente en un accidente carretero. El line-up de esta banda sin nombre, lo conformaban entonces, Bruno Stappenhill en el bajo, John Partridge en la batería y Al Atkins en las voces. Durante las audiciones para encontrar al nuevo guitarrista, se presentó un joven que recientemente había comprado su primera guitarra y quién escasamente se había aprendido las notas Do, Re y Mi para presentarse a esa audición. Su nombre era Kenneth Keith Downing. Una vez comprobada su falta de experiencia fue despachado inmediatamente y el trabajo fue finalmente obtenido por Ernest Chataway, quién tocaba además de guitarra, teclados y harmónica. Ernest venía de una banda de Birminghan llamada Earth, quienes más tarde se hicieran “algo” famosos bajo el nombre de Black Sabbath, pero eso es parte de otra historia un tanto mas larga.

Ya con la formación completa, pero aún sin un nombre, Bruno Stappenhill, bastante influenciado por Ernest Chataway y la música de Earth, se puso a buscar un nombre que tuviera la suficiente fuerza y prescencia como para dar el siguiente paso. Es así como un día escuchando uno de sus discos de Bob Dylan, encontró el nombre que se transformaría en leyenda: The ballad of Frankie Lee and Judas the priest. Ahora sí con Judas Priest como nombre, la banda comenzó a hacer las gestiones para grabar lo que sería su primer álbum, para esto grabaron dos temas Good Time Woman y Well Stay Together y los enviaron a algunas compañias disqueras, recibiendo respuesta de Harvest e Inmediate Records. La banda realizó una presentación en un local llamado The George Hotel en Walshall. Entre la audiencia de esa noche se encontraba un amigo de Alan Atkins, su nombre era Robert Plant. Inmediate Records encantados con el sonido de la banda les dieron un contrato por 3 años y para celebrarlo su nuevo manager les dió una fiesta de bienvenida en grande. Judas Priest comenzaba la grabación de su primer álbum.

Sin embargo, dos meses más tarde, se encontraron con malas noticias. Alan fue el encargado de contarle al resto de la banda que la compañia disquera se encontraba en un muy mal pie económico y por lo tanto no podrían financiar la grabación del disco. La desilución provocó que en 1970 la banda se disolviera. Bruno se fue a trabajar a Dinamarca, Ernie se fue a Londres, John se mudó a Stourbridge y su roadie John “Magnet”, se fue con su nuevo patrón, Ian Paice de Deep Purple. Alan Atkins un tanto desconcertado y solo contrajo una grave enfermedad … matrimonio.

A fines de 1970, Alan se puso en búsqueda de una nueva banda. Una noche en un lugar llamado Holy Joe en Wednesbury, Al escuchó a una banda tocando en una habitación, trato de mirar para ver de quienes se trataba y divisó una cara que le pareció familiar… SI! era el joven que meses antes había audicionado para su banda, K.K. Downing y junto a el se encontraba Ian “Skull” Hill tocando bajo y John Ellis en la batería, todos en un frenético HeadBanging con sus amplificadores al máximo. Alan espero a que terminaran de tocar, se acercó y les pregunto si necesitaban un vocalista, a lo que todos respondieron que si. El nombre de la banda era Freight, pero a Alan, no le gustaba dicho nombre y sugirió el de su ex-banda, Judas Priest.

Luego de un par de meses de ensayos, la banda comenzó a hacer presentaciones en vivo. Abrían sus shows con “Spanish Castle” y otros covers de Jimi Hendrix y Quartermass, y se presentaron como teloneros de bandas como Slade, Budgie, Warhorse y Gary Moore.

En Octubre de 1971, John Ellis dejá la banda y es reemplazado en la bateria por Alan “Skip” Moore, quien sólo estará hasta finales de ese año para ser reemplazado por Chris “Congo” Campbell. En 1972 la banda invade todos los clubs locales con el objetivo de configurar una perfomance adecuada para visitar otras grandes ciudades de Inglaterra. Es así como visitan por primera vez Manchester, Liverpool y Londres. Ese mismo año comienzan a componer los temas que serían incluídos en su primer álbum. Sin embargo, los severos problemas económicos de la banda hacen que Atkins y Campbell dejen la banda ese año.

Con la salida de Atkins de la banda, el resto de los integrantes tuvieron que enfocar nuevamente la dirección que tomarían, lo que por supuesto comenzaba por la incorporación de un nuevo vocalista, a lo que Ian Hill recordó que el hermano de su novia, Sue, cantaba en un grupo llamado Hiroshima y al parecer lo hacía bastante bien y además era ingeniero de ilumación, lo que les venía de maravillas. El nombre de este personaje era Robert Lee Halford. Poco tiempo después se unía a las filas de Judas Priest, el batero John Hinch. Al mismo tiempo y por otra parte, la banda The Flying Hat Band que tenía como guitarrista y vocalista a un joven llamado Glenn Tipton, realizan un demo donde destacan canciones como Coming of the lord, Lost time, Reaching for the sky y Seventh Plains. Judas Priest y en especial K.K. Downing, encantados con la forma de tocar de Tipton deciden ponerse en contacto con él para persuadirlo de que se incorporara a Judas, a lo que finalmente Glenn accede.

La primera formación oficial de Judas Priest quedaba entonces conformada por:
-K.K. Downing – guitarra.
-Glenn Tipton – guitarra.
-Rob Halford – voces.
-Ian Hill – bajo.
-John Hinch – batería.

LAS ALAS DEL DESTINO COMIENZAN SU VUELO

Finalmente en el año 1974 la banda consigue el preciado contrato, el acuerdo es sellado el 16 de abril de de ese año en Londres con la compañia disquera independiente Gull Records y ya el 6 de septiembre de ese mismo año la banda lanzaba su primer álbum Rocka Rolla. El productor del disco fue Roger Bain (Black Sabbath).

Esta primera entrega de los Priest tuvo una pobre acogida por parte del público, talvés provocada por la innegable y por lo demás, demasiada influencia del estilo musical que otra gran banda británica como lo es Black Sabbath, ya había popularizado y marcado como sello personal. Sin embargo esto no fue ningún impedimento para que la banda continuará por el mismo sendero, pero ahora agregando mayor velocidad y estructuración propia a cada tema que compondrían a futuro, para más tarde terminar consolidando un sonido y estilo únicos, que hoy en día se reconoce como el sello Priest que marcó a tantas bandas posteriores que nacieron en la década de los 70’s y 80’s.
En 1975 la banda actúa en el festival de Reading captando la atención de mucha más gente. Para aprovechar dicho enganche la banda termina rápidamente de grabar su segundo álbum el que sería llamado Sad Wings of Destiny y el que años más tarde se convertiría en parte de la discografía más clásica de la banda.

Este nuevo trabajo fue producido por Jeffrey Calvert y en el se incluyeron clásicos de la talla de The Ripper, Tyrant, Genocide y Victim Of Changes, que originalmente había sido concebida como dos temas. Alan Atkins había escrito la primera mitad del tema y la había titulado Whiskey Woman y Rob Halford escribió la segunda mitad llamandola Red Light Lady.

Sin embargo, la situación financiera de la banda no cambiaba, lo que finalmente condujo a que Alan Moore se alejara de la banda por segunda y definitiva vez. Poco tiempo después Alan se mostraría arrepentido de su decisión, pero ya era tarde para regresar. La banda ahora había conseguido fichar para CBS Records, quienes ayudaron a que el tercer disco de la banda viera la luz en 1977.

El nuevo álbum de los sacerdotes se llamaría Sin After Sin y en el se incluirían otros tantos clásicos como Sinner y Diamonds And Rust de Joan Báez, además de otras joyitas como Starbreaker y Dissident Aggressor. Como al momento de la grabación Judas se encontraba sin batero, el álbum fue grabado con Simon Phillips como invitado tras los tarros.

Sin After Sin fue producido por el entonces ex bajista de Deep Purple, Roger Glover, quién tras su alejamiento de los Purple, se había dedicado a producir nuevas bandas, como Nazareth y los mismos Judas, quienes recién comenzaban su camino en el muchas veces tortuoso negocio de la música. Roger un tanto sorprendido por la forma de tocar de K. K. Downing, quién a su parecer, se movía demasiado en el estudio de grabación, le pregunto el porque de esto y le dijo que si no era mejor que en vez de moverse tanto se concentraba más en lo que estaba tocando, a lo que K.K. le explicó su posición: “…cuando toco mi guitarra no solo lo hago con mis manos, si no que con todo mi cuerpo; los movimientos que hago influencian en cierta medida mi forma de tocar, y así todos mis sentimientos y sensaciones que experimento mientras toco quedan plasmados posteriormente en las grabaciones …”. Interesante y muy válida posición.

Con un nuevo álbum bajo el brazo, Judas Priest comenzó las giras de promoción y su popularidad se acrecentaba rápidamente con cada ciudad que visitaban. La gira los llevó a debutar entonces en Estados Unidos el 17 de junio de 1977 en Amarillo, Texas, donde acompañaron la gira de Reo Speedwagon, quienes lograban llevar más gente a los conciertos lo que ayudó muchísimo a que el nombre de Judas Priest fuera creciendo cada vez más. Judas dejó los states el 7 de Agosto de 1977 tras dos excitantes presentaciones en el Coliseo de Oakland, junto a Led Zeppelin.

Terminadas las giras Judas vuelve a los estudios a grabar su cuarto disco. Este fue lanzado en febrero de 1978 y su nombre Stained Class, trajo consigo más clásicos que agregar a la larga lista que Judas nos ha regalado durante tanto tiempo: Exciter, Beyond The Realms of Death y Saints In Hell, por nombrar algunos.

Tras los tarros ahora se encontraba el batero Les Binks, quizás uno de los mejores bateros que ha tenido la banda a lo largo de su carrera y quién co-escribió el temazo Beyond the realms Of Death. Comienza el nuevo tour y la banda toca un par de fechas en el Reino Unido para después partir en marzo a los Estados Unidos a promocionar su nuevo álbum y estar como banda soporte en la gira de Foghat. PRIEST gana gran prestigio y experiencia. En Agosto de 1978 debutan en Japón con gran éxito.

Después de Japón ingresan a los estudios con el productor James Guthrie y graban Killing Machine (Hell Bent For Leather, para Norte América) el que es lanzado al mercado en 1979. Temas como Take On The World y Evening Star se convirtieron rápidamente en hits en el Reino Unido. Lo mismo ocurre con The Green Manalishi lanzado como bonus track en Estados Unidos.

Ahora los temas son un tanto más gancheros y digeribles, pero conservan el sonido que la banda venía mostrando y además a estas alturas, Judas Priest ya contaba con legiones de fans quienes comenzaban a vestirse de cuero para asistir a sus conciertos, lo que les daba mayor seguridad para grabar la música que les gustaba y no lo que se esperaba. Comienza el tour de promoción y Judas Priest se embarca en una gira de 66 días por Estados Unidos que comienza el 27 de febrero y termina el 6 de mayo. Luego tras el éxito obtenido por el single Take On The World, la banda se va a Japón. El éxito musical y comercial es evidente y los ayuda a solidificarse como la fuerza más emergente del metal.

Durante el verano de 1979, Judas Priest toma y mezcla todas las cintas grabadas durante la gira por Japón, y en los estudios de Ringo Starr en Ascot, Inglaterra, nace uno de los mejores álbumes en vivo de metal de todos los tiempos: Unleashed In The East.

El álbum es lanzado en septiembre de 1979 mientras Judas se encontraba de gira por Estados Unidos, acompañando a Kiss.

Terminan el año acompañando a Ac/Dc por Europa. Luego de las agotadores giras Les Binks decide irse de la banda y en su lugar reclutan a Dave Holland el otrora batero de Trapeze, la banda de Glenn Hughes.

LAS RAICES DEL METAL SE FORJAN CON ACERO BRITANICO

En 1980 la banda edita uno de sus discos más importantes y un clásico indiscutido en la historia del metal: British Steel. El álbum alcanza el nº 3 del ranking británico y golpea los Estados Unidos en el nº 34.

El álbum trae consigo el mega-hit Breaking The Law (la canción favorita de Beavis y Butthead) y Living After Midnight (la canción favorita de Otto, el chofer del autobús de Los Simpsons), además de otros clásicos como Metal Gods, Grinder y Rapid Fire. El disco se vende como pan caliente alrededor de todo el mundo y alcanzan rápidamente el millón de copias vendidas.

Realizaron un tour por 30 ciudades distintas en Inglaterra y vendieron todos los tickets de los recintos en donde se presentaron por casi 4 meses seguidos. La BBC ráudamente comenzó a trabajar en los videos para Breaking The Law y Living After Midnight. También lograron vender totalmente los shows para las giras por Europa y Estados Unidos. Para terminar aparecen como cartel estelar en el festival de Donnington Monsters Of Rock.

Judas Priest ahora era considerado como “La más grande banda de Metal en el mundo“. En 1981 la banda edita Point Of Entry el que trae como nuevos hits los temas Hot Rockin y Don’t Go. El tema Heading Out To The Highway atrae la atención para ser incorporado en algunos soundtracks y así Priest se convierte en una de las primeras bandas en ser entrevistadas por MTV.
Point of entry tuvo un tour a tablero vuelto y el tour fue desde Febrero a Noviembre de ese año. Durante el verano comienzan a preparar el material del próximo álbum.

Las sesiones del nuevo álbum son realizadas a fines de 1981 en Ibiza, España y las mezclas en Miami. Screaming For Vengeance aparece en el verano de 1982 con el cual la banda realiza su tour más grande que dura 9 meses (6 en E.E.U.U.) comenzando en el verano y finalizando el 26/08/82 en Bethlehem, Pennsylvania. Además participan del Heavy metal US Festival en 1983 ante 300.000 personas.

En 1984 la banda edita Defenders Of The Faith. La punta de lanza del nuevo disco fue Freewheel Burning, para el cual grabaron un video en Londres. Otros grandes temas fueron incluídos en este disco Jawbreaker, The Sentinel, Some Heads Are Gonna Roll y la largamente censurada, por su contenido de corte erótico, Eat Me Alive.

El 16 de marzo la banda comienza un maratónico tour por USA comenzando en Niagara Falls.

En 1985 solamente participaron en el festival de Live Aid, ya que los últimos 5 años habían sido de giras sumamente largas y por tanto, agotadoras. Mientras tanto un joven baterista llamado Scott Travis, proveniente de Norfolk, Virginia, se une a la banda del gran guitarrista Paul Gilbert, Racer X. Al comenzar la primavera ingresan al estudio Compass Point de las Bahamas, junto a Tom Allon quien incorpora nuevas técnicas digitales de grabación, las que serían bastante notorias en la nueva producción que judas lanzaría al mercado.
Tras casi dos años de ausencia, Judas Priest sacude nuevamente al mundo con su nuevo disco Turbo, donde la banda dejó los cueros negros y las puntas y aparecieron vestidos casi como banda Glam. Este nuevo trabajo incorporó batería y guitarras sintetizadas y le dió otro matíz al genero.

Turbo, al igual que Unleashed, British, Screaming y Defenders, fue todo un éxito de ventas, alcanzando discos de oro y platino. Sin embargo las dudas se centraban en el nuevo look que la banda mostraba y como sería la reacción del público ante tal drástico cambio. El tour Fuel For Life, fue el encargado de disipar todo tipo de dudas. La gira de promoción fue a tablero vuelto, al contrario de todo lo que se pudo haber pensado, sin embargo y por razones desconocidas, el tour no incluyo ninguna presentación en ciudades del Reino Unido.

En 1987 la banda lanza su segundo álbum en vivo titulado simplemente Priest…Live, que capturó los mejores momentos de este extenso tour en álbum y en video.
En mayo de 1988 la banda edita su decimo tercer álbum oficial. El título escogido para este nuevo trabajo fue Ram It Down, considerado por ellos mismo como un álbum perfecto y por la crítica, como la segunda parte de Turbo.

Aparte del temazo de speed metal que abre y da título al disco, incorporaron un cover de Chuck Berry Johnny B. Good, el cual fue incluído en el soundtrack del film del mismo nombre. Finalizadas las giras de promoción del nuevo disco, Dave Holland se aleja de la banda.

Despues de dos años de ausencia, Judas Priest impresiona al mundo con un nuevo y majestuoso álbum, el que a esa fecha, venía a transformarse en el disco mas brutal de la discografía de Judas y en donde ahora destacan claramente las influencias speed metal que la banda había incorporado a su estilo.

Painkiller es el nombre de la nueva obra y fue lanzado en 1990. Nombrar solo algunos temas, como los mejores de este disco, es practicamente un pecado. Es en este disco en donde se incorpora el actual e impresionante baterista Scott Travis, proveniente de Racer X.

Es así como Scott viene a cumplir el sueño que venía forjando desde 1982, cuando en un concierto obtuvo un autógrafo de Glenn Tipton. Además se convierte en el primer integrante norteamericano en la banda.

En enero de 1990 la banda se presenta en el Rock in Rio en Brasil.

El punto negativo en ese año estuvo dado por la triste demanda que realizaron los padres de 2 jóvenes que se suicidaron escuchando el tema Better By You, Better Than Me, del álbum Stained Class, que según ellos incluía mensajes subliminales. El juicio fue realizado en Reno, Nevada y el juéz, como es de esperarse en estos casos, dió la razón a la banda. Recordemos que muchas han sido las bandas acusadas por este tipo de cosas en la historia, Judas Priest, Ozzy Osbourne, Slayer, Wasp, por nombrar algunas.

En 1991 se produce el quiebre nunca esperado en la banda. Rob Halford sorpresivamente, dejaba Judas Priest. Era el final de toda una era. La versión oficial dice que Halford se alejó de la banda debido a que el resto de los integrantes no le permitió llevar un proyecto solista, paralelo a su carrera en Judas. A esto se sumó el alejamiento temporal del batero Scott Travis, quién acompaña a Halford en su nuevo proyecto llamado Fight.

1992 se convierte en un año de forzado descanso, ya que aún sin un reemplazante para Halford, la banda se dedicó a disfrutar un poco de todo lo que habían logrado y pasar tiempo con sus respectivas familias.

En 1993 CBS edita un álbum doble de Judas Priest más un video. Este se llamó Metal Works ’73 – ’93 y trae 23 canciones seleccionadas por la propia banda como las mejores de su carrera, incluyendo las canciones que Rob había compuesto para la banda.

En 1995 comienzan las publicaciones en revistas especializadas, de los avisos con que Judas Priest invitaba a la gente a participar de las audiciones para encontrar a su nuevo vocalista. Como era de esperarse, cientos fueron los postulantes que llegaron a las audiciones. K.K. Downing y Glenn Tipton fueron los encargados de seleccionar a 3 posibles candidatos. Mientras tanto, comienzan a escribir el material para el nuevo álbum y Glenn se contacta con Scott Travis para que se reinserte en la banda.

Un día de marzo, Scott Travis ve un video de una banda que interpreta covers de JUDAS y le impresiona el cantante, llamado Tim Owens, de Akron, Ohio. Scott decide viajar a Inglaterra en donde sus compañeros estaban en la definición del nuevo cantante, y entonces les pide que vean la cinta. De inmediato Owens es llamado a Inglaterra para realizar una audición y comienza su sesión cantando Victim of changes. Basto ese solo tema para que fuera contratado.

JUDAS EL SACERDOTE Y EL RENACER DEL DESTRIPADOR

Después de seis años de ausencia, Judas edita su nuevo álbum Jugulator, en donde se integraba a la banda el segundo miembro norteamericano, Tim “Ripper” Owens, quien anteriormente cantaba en la banda Winters Bane. Jugulator muestra a Priest más revitalizado que nunca, imponiendo el estilo más clásico del metal existente en los ’90.

El álbum fue producido por Glenn Tipton, K.K. Downing & Sean Lynch y marcó el regreso en grande de la banda. Judas vuelve a la carga más fuerte que años anteriores. El único país latinoamericano visitado en la gira es México, el 18 y 19 de septiembre de 1998.

Ese mismo año lanzan su tercer álbum en vivo titulado Live Meltdown 98 que trae 24 canciones y en donde Ripper deja claro, porque es el nuevo cantante de la banda más significativa del Heavy Metal… Judas Priest. En 1999 el tema Bullet Train del álbum Jugulator en nominado a los grammys como mejor canción de Heavy Metal.

Ya con dos trabajos de estudio bajo el brazo junto a Ripper Owens, los sacerdotes deciden lanzar un disco doble que capture en vivo la nueva sangre que corre por las venas de la banda.  Es así como el año 2003 lanzan en Cd y DVD, Live In London, un registro que consta de nada menos que 25 temas y en donde podemos apreciar que el poder de la banda en vivo se mantiene casi intacto, además de dejar claro que la voz de Ripper es aún más potente en vivo que en estudio, que se adapta fácilmente a los clásicos de la banda, ejecutándolos con una rigurosidad casi religiosa y demostrando en cada grito porque es el actual (en ese entonces) vocalista de Judas Priest.

Sin embargo, y a pesar que la banda se veía muy afiatada, a fines del año 2003 comienzan a correr los rumores… ¡¡¡Rob Halford vuelve a Judas Priest!!! Aún no eran nada más que eso, solo rumores, pero bastaron solo estos para que el mundillo metalero comenzara a agitarse con fuerza inusitada… no era para menos, la voz de toda la vida de una de las bandas que inventó el Heavy Metal, volvía a casa.  Finalmente los rumores se confirman y con bombos y platillos… Rob Halford vuelve a Judas Priest y ya esta todo listo para la próxima gira mundial de la banda.

Por supuesto que la gira no era solo por dar vueltas al mundo sin motivo alguno, primero editan un nuevo disco, el primero junto a Halford en 15 años, Angel Of Retribution, un disco que causó muchas expectativas, pero que al parecer no logró llenarlas todas, de igual forma era la excusa perfecta para que Priest se tomara las carreteras como en los viejos tiempos y salieran de gira mundial, pero esta vez si que fue ¡mundial!… ya que la versión 2005 del Monsters Of Rock los trajo por fin a nuestras tierras.  Ya no era un sueño, sino toda una realidad, ¡¡¡Judas Priest en CHILE!!!

Aquel martes 13 de septiembre, toda la majestuosidad y a la vez simpleza de clásicos como Breaking The Law, Metal Gods, Victims of Changes o incluso Turbo Lover, hicieron cantar y saltar de alegría a todos quienes tuvimos la suerte de estar ese día ahí, observando y admirando a una de las formaciones más emblemáticas en la historia del metal.  Aquella noche el aperitivo fue también una gran banda, nada menos que Whitesnake, pero al lado de Priest no pasaba de eso, solo un aperitivo, y abriendo a estos dos monstruos tuvimos a los argentinos de Rata Blanca.  Sin duda una noche que no será borrada fácilmente de la memoria de los más de 12.000 espectadores… que espectadores… PROTAGONISTAS de una de las noches más increíbles que el metal ha tenido en Chile.

Lo último que se ha sabido de la banda, es que por estos días se encontrarían en pleno proceso de creación de lo que será el primer álbum conceptual de la banda, y este estaría basado en la vida y predicciones de Nostradamus, el cual sería presentado en su totalidad en los shows del grupo, como un musical épico, con actores, caracterizaciones y escenarios de acuerdo al desarrollo de la historia del disco.

Judas Priest es y será siempre la banda que marcó la forma de entender y comprender lo que es el Heavy Metal más clásico, ese que nació allá por los años ’70 y que se consolidó plenamente en los ’80, con la ayuda de muchas bandas que se influenciaron por la música de Judas y que vieron en ellos, todas las características que creyeron esenciales para alcanzar el éxito como banda: mucho cuero, la mayor cantidad de puntas posibles adheridas en su vestimentas y por supuesto, temas con la suficiente fuerza como para convertirse en clásicos del metal durante mucho tiempo.

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Alineación Actual:

– K.K. Downing (guitarra).
Glenn Tipton (guitarra).
Ian Hill (bajo).
Rob Halford (voces).
Scott Travis (batería).

Rage

En los años ’80, el apogeo del metal a nivel mundial unido a otros factores de índole económica producían un maravilloso efecto para los fans: las bandas lanzaban discos prácticamente en razón de uno al año. Ejemplos hay demasiados: a mayor abundamiento los cinco primeros discos de Iron Maiden fueron lanzados en cinco años consecutivos, y así Metallica, Manowar, Slayer y tantas otras cumplían casi con un 100% de eficacia aquel ritmo de producción. Pero en los años ’90 otros factores comenzarían a regir la industria del metal: las giras mundiales, los consecuenciales discos en vivo, la generalidad de las crisis de originalidad compositivas y la necesidad de promocionar mejor las producciones discográficas, entre otros, trajeron como consecuencia que las bandas comenzasen a disminuir paulatinamente su producción, siendo hoy lo normal que ningún grupo relativamente mainstream (contextualicemos este concepto sólo en el metal) saque un disco con menos de tres años pasados del lanzamiento de su placa anterior.

¿Qué tiene que ver todo lo anterior con nuestra banda del mes de Diciembre? Que Rage es, sin lugar a dudas, la banda más prolífica de la historia del Power Metal a nivel mundial. Con la friolera de 15 LPs y más de 200 canciones en menos de 20 años (además de una no menor cantidad de EPs, trabajos en vivo, orquestados, DVDs, etc.), Rage se ha transformado en una banda de culto para varios metaleros cuya bolsa del pan dejó de ser arrastrada hace muchos años, con un estilo único. Un Power Metal distinto al común de las bandas alemanas, siendo influenciado poderosamente por el sector más thrash de la escena germana y adoptando durante gran parte una estructura de trío que hoy en día (en que los quintetos y sextetos dominan la escena) pareciera estar en desuso.

La historia de Rage dista poco de ser la historia de un personaje en particular: Peter “Peavy” Wagner. Nacido el 22 de Diciembre de 1964 (cumple 40 años este mes, ¡cómo pasa el tiempo!) en la localidad de Herne, ubicada en la región de Ruhr, Alemania, Peavy tomó un temprano contacto con el mundo de la música, pues sus padres (ambos profesores) dedicaban gran parte de su tiempo a ésta. De hecho su padre, Paul, conducía un grupo musical que cultivaba la música renacentista, con lo cual Peavy y sus tres hermanos (dos mujeres) estaban familiarizados con instrumentos clásicos y coros en su niñez. Los intereses de Peavy apuntaban a la guitarra, tomando lecciones con Dirk Zdebel (profesor de la Universidad de Dortmund). Pero los estudios de guitarra no eran algo demasiado entretenido para el inquieto y joven Wagner, quien pretendía tocar sus propias canciones en guitarra eléctrica, lo cual causó más de alguna controversia familiar, como el propio Peavy nos contó hace un par de años en una entrevista exclusiva con PowerMetal.cl: “… nadie en mi familia me llevó a este tipo de música. Mi padre era muy estricto en cuanto a la música, no le gustaba para nada el rock, sino la música clásica. Mientras más intentó alejarme del rock, más me interesé, y eso quedó de manifiesto cuando cambié mi guitarra clásica a una eléctrica y empecé con mi primera banda. Yo era un fan del metal por mí mismo, porque amaba la música, y la sigo amando“. Desde joven Peavy Wagner cultivaría además otros intereses, aprendiendo jardinería y asistencia para ciertas patologías (de hecho sus ramos favoritos en el colegio eran los relacionados con la biología), y desarrollando un escalofriante hobby: coleccionar calaveras y huesos.

RageLas influencias musicales de Wagner eran obvias: desde bandas como los Beatles y The Police a otras como Rush, Motörhead, Sex Pistols y la NWOBHM (particularmente Judas Priest). Todo decantaba para que Peavy se decidiese por el Heavy Metal más bien clásico, formando su primera banda, denominada Dark Lights e, inspirado por el legendario Lemmy Kilmister, cambiando la guitarra por el bajo. Dark Lights era una banda de calidad más bien “escolar” que nunca llegó a lanzar material de forma más o menos profesional. Pero Peavy empezaría a tomarse todo un poco más en serio a partir de 1983, año en el cual formaría su primera banda “de verdad” junto a sus amigos Jochen Schröder y Alf Meyerratken: Avenger, banda con la que graba su primer demo, llamado “Faster Than Hell” (obviamente autoproducido) en el mismo año, junto a miembros que harían su debut y despedida como Peter Burtz en voces, Klaus Müller en bajo y Jan Yildiral en batería. Al año siguiente lanzarían otro demo (sin título) y -lo más importante- su primer e único LP, llamado “Prayers Of Steel”, apoyados por el sello Wishbone, con Peavy Wagner asumiendo la totalidad de las voces y el bajo, Schröder y Meyerratken en guitarras y un jovencísimo Jörg Michael Musielak (más conocido simplemente como “Jörg Michael“) en batería. “Prayers…” es un disco con bastantes carencias pero con algunos temas interesantes como “Battlefield” (que posteriormente sería parodiada por los propios Rage como “Bottlefield” en el EP “Extended Power”…). Después de su segundo lanzamiento (antes del cual Meyerratken abandona la banda, siendo reemplazado por Thomas “Guinness” Grüning), el EP llamado “Depraved To Black“, la disquera Noise Records tomó interés por la banda, ofreciéndoles un buen contrato discográfico, pero exigiéndoles cambiar el nombre de la banda, pues ya existía un “Avenger”. Así, en 1986 nace Rage. En aquél tiempo Peavy y especialmente Jörg Michael (este último bajo el seudónimo de “Gordon Perkins”) colaboraban activamente con Mekong Delta, banda germana de thrash con tintes progresivos increíblemente subvalorada, con discos notables como “Mekong Delta” y especialmente “The Music Of Erich Zann”, una joya con todas sus letras.

Ya bajo el nombre de Rage, la banda lanza su primer disco en 1986: “Reign Of Fear“, que combina thrash con tintes melódicos, y que es recordado como un correcto (no mucho más que ello) disco debut, destacándose temas como el potente opening track “Scared To Death” o “Deceiver“, y obteniendo un dignísimo 12º lugar en los rankings de los lectores de la revista germana “Rock Hard”. Pero Rage no se detendría ni aun con la salida de la banda de “Guinness” Grüning (quien se retiraría de la escena musical), quien sería reemplazado por Rudy Graf, guitarrista en ese entonces de Warlock (la banda de Doro Pesch). Así, la nueva alineación lanzaría su segundo trabajo, “Execution Guaranteed“, a mediados de 1987, que comienza a marcar una evolución en la banda, pues si bien el sonido continuaba siendo más bien thrasher (relativamente parecido a los inicios de Blind Guardian), los arreglos son de mayor calidad melódica sin perder la innata agresividad que esta banda llevaba consigo ya en ese entonces, resaltando “Down By Law” (gran tema para comenzar el disco) o la propia “Execution Guaranteed“, que dura casi siete minutos y que cuenta con varios matices relativamente desconocidos en su primer trabajo. Pero 1987 sería un año complicado para Peavy Wagner, que sufriría la partida de los restantes miembros de la banda. Schroeder abandonó la escena, Graf intentaba formar otra banda más orientada al Hard Rock (sin mucho éxito pues no encontró los músicos adecuados y no obtuvo un contrato) y Jörg Michael continuaría junto a Mekong Delta, y posteriormente como sabemos ha tocado en bandas como Grave Digger, Running Wild, Axel Rudi Pell y por supuesto Stratovarius.

Pero lejos de rendirse, Peavy Wagner buscó dos nuevos guitarristas y un baterista. Así, un batero con raíces griegas llamado Christos “Chris” Efthimiadis (ex Atlain) se uniría a Rage, y la primera plaza de guitarrista sería llenada por Manfred Albert Schmidt, más conocido simplemente como Manni Schmidt, hombre con cuyo talento en las seis cuerdas (unido a la dificultad de encontrar un segundo guitarrista de nivel) convencería a Peavy de sentirse completo con una sola guitarra, dando origen a la prolífica primera era de Rage como trío.

Rage

Con Manni y Chris ya asentados en la banda, Rage lanza su tercera placa en 1988, “Perfect Man“. Y aquí sí que se nota un gran paso adelante, debido no sólo a la calidad como instrumentistas de los nuevos integrantes, sino a que el nivel de composición crece notablemente (de hecho, Manni compuso seis temas junto a Peavy), y es considerado por no pocos fans como uno de los mejores trabajos de la banda, contando con temas como “Wasteland” o el primer clásico de la banda, la increíble “Don’t Fear The Winter“, que hasta el día de hoy forma inevitablemente parte de sus shows. En 1989 ya la banda lanzaba su cuarto disco, “Secrets In A Weird World” (aunque previamente lanzó “Invisible Horizons” como single), donde Rage continúa con el camino trazado en su placa anterior, agregando elementos más melódicos (Peavy cantando mejor) y destacándose cortes como la propia “Invisible Horizons” (otro clásico) y la extensa “Without a Trace“, entre otras.

Ya en 1990 afloran algunos cambios. Con la salida de “Reflections Of A Shadow“, la banda opta por un camino algo menos heavy y un poco más melódico, con mayor presencia de elementos progresivos e incluso con la inclusión de un tecladista invitado, Ulli Köllner. El disco en todo caso es de calidad y posee cortes interesantes como “That’s Human Bondage“, “True Face In Everyone“, y las muy power “Wild Seed” y “Saddle the Wind“. Peavy reconocía que era complicado hacer realidad todas las ideas como trío, lo cual era una gran limitante, comenzando a gestarse la idea de invitar a formar parte de la banda como segundo guitarrista a Spiros Efthimiadis, hermano menor de Chris, lo cual causaría molestia en Manni, quien deseaba a toda costa mantener la estructura de trío. Al mismo tiempo, Noise Records comenzó a desencantarse de la banda, debido a que siempre vieron a Rage como una banda más bien thrash y no veían con buenos ojos el giro melódico que estaban tomando.

Al año siguiente, 1991, la banda se toma un pequeño respiro, haciendo shows junto a Running Wild, U.D.O., Motörhead y Saxon, y “sólo” lanza un EP, “Extended Power“, que cuenta con cinco temas. Y al año siguiente Rage produce uno de los mejores discos de principios de los ’90: “Trapped!“, un disco realmente ideal para que quienes no conocen a la banda se inicien en ella, con lyrics inspirados en H. P. Lovecraft y con el cual Rage comenzaba a tomar reconocimiento internacional (el disco no sólo fue votado “álbum del mes” en Metal Hammer, sino que consiguió buena crítica en japón, lo que los llevó de tour a la tierra del sol naciente). En la carátula del disco aparece una suerte de declaración de principios que pone en claro la intención del disco: “No Keyboards!”. Peavy nos contaba en la entrevista: “… como utilizamos algunos sonidos de teclados en el disco anterior, quisimos dejarlos de lado para que el siguiente disco fuera sólo con el poder de la guitarra…“. El propio Peavy califica a “Trapped!” -junto a “The Missing Link”- como una de las obras maestras de Rage, y cuenta con cortes como “Shame On You“, “Solitary Man“, “Enough Is Enough” o “Power and Greed“, entre muchos otros. En el mismo año 1992 además se lanza otro EP, “Beyond The Wall“, que contiene seis temas y, como decíamos, incluye un “cover” de “Battlefield” de Avenger, renombrada como “Bottlefield“.

La ultraprolífica banda no se detendría, consiguiendo en 1993 una de sus mayores producciones. Lanza primero el single “Refuge“, que contiene el tema homónimo y tres covers (uno de los cuales es a The Police, “Truth Hits Everybody”); el single “The Missing Link” y el disco llamado de la misma forma. “The Missing Linktrata en sus letras -inspiradas nuevamente en Lovecraft- la existencia de una raza existente en la tierra después de los dinosaurios y antes de los mamíferos, el “verdadero eslabón perdido”. Este disco acentúa el poder y los matices melódicos de “Trapped!”, con excelentes temas como “Firestorm“, la mencionada “Refuge“, la ambiciosa “Lost In The Ice” y “From The Underworld“. Pero no contentos con esto, se lanza un disco en vivo que contiene material no sólo de Rage, sino además de Gamma Ray, Helicon y Conception, llamado “Power Of Metal“, que contiene material grabado en los recitales efectuados conjuntamente con las bandas señaladas, denominados “Melodic Metal Tour”.

1994 sería un año de cambios profundos. La desgastada relación de Peavy con Manni Schmidt hizo que éste último abandonara la banda, dando espacio a que Rage volviera, después de muchos años, a tener dos guitarristas. De Manni no se supo durante varios años, hasta que volvió a la escena en gloria y majestad el año 2000, reemplazando al mítico Uwe Lulis en Grave Digger. Así, ingresaron a la banda el ya conocido Spiros Efthimiadis y Sven Fischer, este último ex Pyracanda. Nacidos ambos en 1971, podrían otorgar a la banda (particularmente a Peavy) una infinidad de nuevos horizontes y expectativas. Pero mientras la banda se reconstituía, se lanza otro LP, “10 Years in Rage“, su último trabajo bajo Noise Records. Si bien tiene nombre de disco compilatorio, califica como LP, pues contiene temas antiguos no lanzados anteriormente, más algunos nuevos, la versión ’94 de “Prayers Of Steel” de Avenger y un excelente medley de temas clásicos llamado “The Blow In A Row”.

Rage

Con la banda ya asentada, en 1995 se lanza el single “The Crawling Chaos”, bocadillo previo al primer disco con la nueva alineación, el alucinante “Black In Mind“, ya bajo el alero de G.U.N. Records. Un disco solidísimo con todas sus letras, muy variado, con un sonido por momentos más oscuro y sin perder esos matices thrasheros y agresivos que marcan el código genético de Rage. Pueden destacarse muchos temas: “Black In Mind“, “Sent By The Devil“, “Forever“, “Start!” y sobre todo la maravillosa balada “All This Time“, que cierra el disco.

Los cambios en la alineación trajeron un nuevo aire. De hecho Peavy comenzó a retomar su ancestral background de música clásica. En abril de 1996 se lanza “Lingua Mortis: Rage and the Symphonic Orchestra of Prague“, un disco que contiene temas de Rage con arreglos orquestales, y ejecutados por la banda conjuntamente con la Orquesta Sinfónica de Praga, República Checa. Un proyecto interesante, que manda a callar a quienes celebraban la originalidad de Metallica con su dudoso “S&M”. Rage llevaría a cabo un par de shows orquestados en Austria y Alemania, lo cual causaría gran revuelo entre los fans.

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Pero en 1996 no sólo se lanzaría “Lingua Mortis“. La banda ya tenía preparado otro LP, y no sería cualquiera. “End Of All Days“, otro sensacional disco, muestra a una banda en plena madurez, con quizás menos agresividad que sus anteriores trabajos, pero con una mayor sensibilidad y un Peavy cantando como nunca. Rage alcanzaba un equilibrio asombroso con este disco de más de 70 minutos, en el que destacan “Under Control“, “End Of All Days“, “Higher Than The Sky” (uno de los mejores temas de Rage y preferido de Peavy Wagner) y la fantástica balada “Fading Hours“. Peavy en la entrevista nos comenta sobre esta última: “… una noche soñé, tanto con la música como con las letras, me desperté, tomé mi guitarra y me puse a tocarla, tal como la recordaba de mi sueño. Fue un poco terrorífico: además de las melodías en que escuchaba, me veía a mí mismo muerto, tumbado en un ataúd, y algunas fotos mías en una mesa que estaba al lado. Yo estaba dentro de las personas que estaban ahí para enterrarme, y trataba de decirles a todos que aún estaba vivo, pero nadie podía verme ni escucharme, tal como si yo fuera sólo un alma…“.

En 1997 la banda se toma otro pequeño “respiro”. Lanza el single “Higher Than The Sky“, que contiene el tema homónimo y covers de “Jawbreaker” de Judas Priest y “The Trooper” de Iron Maiden, entre otros; y un EP denominado “Live From The Vault“, que contiene fragmentos de un show en vivo en Alemania y que como curiosidad incluye un simpático cover de “Motorbreath” de Metallica.

RageEl giro más orquestado de Rage comienza a tomar mayor forma en Marzo de 1998 con la salida de “XIII” (antes se lanzó el single “From The Cradle To The Grave“), que deja de lado la faceta más thrash y explora sonidos más hard rockeros, melódicos, oscuros, todos acompañados por momentos de sutiles elementos orquestados. Un disco incomprendido por muchos fans de la vieja escuela pero ensalzado por varios como una gran obra, que marca el inicio de otra era. “XIII” llegó al 21º lugar en los Media Control Charts alemanes, e incluye entre otros temas la mencionada “From The Cradle To The Grave“, “Days Of December“, “Turn The Page” y una sui generis versión de “Paint It Black” de los Rolling Stones. Aquél año además se lanza el single “In Vain” y Noise Records lanza un compilado de Rage llamado “The Best Of The Noise Years“, un grandes éxitos de la era Noise que culminó en 1994.

Llegado 1999, la banda comenzaría a sufrir un nuevo quiebre. Los hermanos Efthimiadis y Sven Fischer deseaban abandonar la banda para dedicarse a otros proyectos musicales. Aun así, Rage alcanza a terminar de grabar otro disco, que ahonda más en la tendencia orquestada de “XIII”.

RageGhosts“, el nuevo disco, sale a la venta en Octubre de 1999, consiguiendo críticas variadas y siendo calificado como otro de los discos “incomprendidos”. Peavy lo define como “… uno de nuestros álbumes orquestados. Creo que es un muy buen material, sólo desearía que hubiese tenido una producción más Heavy…“, y cuenta con cortes interesantes como “Beginning Of The End“, “Back In Time” o “Fear“. Tras la salida de “Ghosts”, los Efthimiadis y Fischer abandonan Rage para formar otro proyecto, pero no de metal sino literalmente pop, llamado Sub7even. Increíble, pero cierto. Es cosa de ver las fotos en el sitio oficial de esta agrupación pop (www.sub7even.de). Pero todo fue para mejor. Peavy encontró inmediatamente a dos músicos realmente fantásticos para reformar a Rage.

Victor Smolski, guitarrista (en realidad multi-instrumentista), nace el 2 de Enero de 1969 en Minsk, Bielorrusia. Hijo del profesor Dmitry Smolski (reputado compositor clásico ruso), Victor comienza a estudiar piano y cello a los seis años, y posteriormente guitarra, alcanzando un nivel ptrofesional a los once años. A los 15 años toca con la banda local “Pesniary“, consiguiendo ventas de 10 millones de discos (¡!), girando por la en ese entonces Unión Soviética durante nueve meses. En 1988 forma la banda “Inspector“, con lo cual viaja por primera vez a Alemania para hacer algunos shows, causando interés en compañías disqueras germanas, lo cual no fructificó debido a problemas con las visas. Tras lanzar en 1993 “Russian Prayer” con Inspector, Smolski decide permanecer en Alemania, uniéndose en 1995 a Mind Odyssey, banda germana de metal progresivo, con la cual lanza dos discos: “Nailed To The Shade” y “Signs”, en los cuales Smolski compuso la mayoría de las canciones, y tocó las guitarras, cítara y teclados. Además, Smolski ha trabajado como productor de bandas como GB Arts o Delirious, y para el vocalista norteamericano DC Cooper (Silent Force), y todo esto lo compatibiliza con una interesante actividad extraprogramática: corre en autos de carrera, con lo cual ha recorrido Europa y se ha desempeñado con éxito en connotados circuitos como Spa-Francochamps o Nürburgring. Se une a Rage (a Peavy Wagner, en todo caso)en Junio de 1999.

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Mike Terrana es un potentísimo baterista con una tremenda carrera. Nacido en Nueva York, Estados Unidos, se traslada a Los Angeles en 1987 en busca de mejores expectativas musicales, comenzando una prolífica trayectoria que cuenta con participaciones en discos desde 1985 (junto a Hannover) hasta hoy en Rage, tocando, entre otros, junto a Tony Macalpine, Yngwie Malmsteen, John West, Artension, Axel Rudi Pell, Roland Grapow (con quien vino a Chile en 1999), Metalium y Squealer, entre otros.

Wagner, Smolski y Terrana cierran la cosmopolita alineación actual de Rage. Al ser dos músicos con una gran trayectoria, no se trataría de sólo un par de músicos de sesión para Peavy Wagner, sino que miembros de la banda cuyas opiniones valen lo mismo que la de Peavy. Así al menos éste nos confesaba en la entrevista: “… ambos son parte de Rage, tal como yo, con una voz que pesa tanto como la mía. Esa es la razón por la cual ellos tienen la misma importancia e influencia en lo que hacemos“. Después de una exitosa presentación debut en el Festival de Wacken en 1999 y de algunos conciertos en Rusia el 2000 (junto al grupo Aria), el nuevo trío estaba preparado para lanzar su primer disco (el décimotercer LP). En Febrero de 2001 se lanza “Welcome To The Other Side”, sólido disco que marca el renacimiento de Rage como banda de metal, volviendo un poco a las raíces más metaleras, destacando Smolski individualmente (incluso tocando cítara) y contando con un sonido más convincente que el de sus anteriores placas, resaltando cortes como “The Mirror In Your Eyes“, “A Tribute To Dishonour” (que consta de cuarto partes) y “No Lies“. En abril del mismo año la banda sale de gira por Alemania y otros países europeos, terminando el tour con algunas fechas en Japón.

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Tras esta gira, la banda se pondría en campaña para lanzar su decimocuarto LP. Así, el 21 de Octubre de 2002 sale a la venta “Unity“, primer trabajo bajo SPV/Steamhammer. “Unity” es un sensacional disco que recoge lo mejor de Rage: la agresividad y garra, el virtuosismo de Smolski y la potencia de Terrana se unen para conformar un trabajo solidísimo, que cuenta por momentos con elementos progresivos que calzan perfecto en Rage. Peavy comenta: “… me encanta la música progresiva, al igual que Mike, así que pienso que todos queríamos que el disco apuntase hacia esa dirección. Quizás la palabra ‘progresivo’ produzca algún tipo de confusión, quizás la gente piense que queremos llegar a ser una banda del estilo de Dream Theater … me gustaría decir que nosotros tratamos de crear nuestras canciones tan ‘musicales’ como sea posible, con arreglos interesantes y un poco ‘inusuales’, pero siempre poderosas y agresivas…“. En “Unity” podemos encontrar notables y muy variados temas como el single “Down“, la sensacional “Set This World On Fire” o la impecable y sorprendente instrumental title track “Unity“.

Rage continúa con su frenético ritmo y el 27 de Agosto de 2003 lanza su décimoquinto LP, “Soundchaser“. Con una carátula que hace pensar que no es más que una continuación de “Unity”, este trabajo no sólo pule lo ya pulido, sino que juega con conceptos que en discos anteriores se encontraban dispersos. No sólo conceptos relativos a las letras sino que el disco, más que un conjunto de temas, es una unidad compacta que adquiere mayores réditos si se escucha entero. Resaltan inmediatamente el intro “Orgy Of Destruction“, “War Of Worlds“, “Human Metal“, “Flesh And Blood” y la propia “Soundchaser“.

En el presente 2004 la banda, lamentablemente, sufrió un grave percance: Victor Smolski contrajo una severa infección en un testículo, que se trató médicamente hasta conseguir estabilizarlo. Pero en medio de un show en Bolonia, Italia, el testículo simplemente “explotó”, debido a lo cual Smolski debió ser trasladado inmediatamente y de urgencia a un centro asistencial. El guitarrista pasó algunos días con riesgo vital pero afortunadamente se recuperó satisfactoriamente de tan aciago e inverosímil incidente.

Antes de la terrible situación vivida por Smolski, Rage ya había tomado la sabia decisión de lanzar un trabajo en vivo (con shows grabados en Alemania en Enero) para celebrar nada menos que el vigésimo aniversario de la banda. Así, hace algunas semanas se lanzó a nivel mundial “From The Cradle To The Stage“, que no sólo consiste en un disco doble en vivo, sino que ha salido en versión DVD, en un material indispensable para los fans de la banda e interesante para quienes no conocen demasiado de las virtudes de este trío de talentosos. Más de dos horas de material en vivo, además de entrevistas y bonus de aquellos que siempre agradan y entretienen a los fans.

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¿Alguna duda de que Rage es la banda más prolífica de Metal del mundo? Al parecer no. ¿Algún atisbo de parar con este frenético ritmo que los ha llevado a tener, como dijimos, 15 LPs, más EPs, material en vivo, etc, y más de 200 canciones? Afortunadamente tampoco, y de hecho Wagner ha señalado que ya han grabado un demo para la compañía disquera y que piensan en dos proyectos paralelos: un álbum “normal” y otro totalmente orquestado en el estilo de “Lingua Mortis” (todo esto además de los proyectos solistas y paralelos de Terrana y Smolski). Como se ve, Rage (y sobre todo Peavy Wagner) ha malacostumbrado a sus fans con su increíblemente inagotable caudal creativo. Porque sería una gracia que incluso todos los temas fuesen iguales entre sí… ¡pero además no lo son! Sin embargo sería injusto circunscribir la importancia de Rage sólo a ser una banda muy productiva. Es una banda que ha encarnado durante toda su carrera un espíritu incombustible ante los problemas, combatidos con creatividad, agresividad y tenacidad. Y musicalmente ha mantenido un ADN musical durante todo este tiempo, matizándolo sí, es cierto, pero creando un sonido distintivo y característico. Es increíble escuchar temas de “Trapped!” que perfectamente podrían estar en “Soundchaser” y viceversa, pero no queriendo decir que los discos sean iguales, sino que hay un contenido base que hace notar que la banda es la misma, más allá de la inconfundible voz de Peavy Wagner. Una banda subvalorada en desmedro de otras más pirotécnicas, pero respecto de la cual aún es tiempo de hacer justicia.

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No sólo del grunge vivió Seattle. Este movimiento se transformó en un fenómeno mediático tan fuerte en los primeros años de los noventa que faltó muy poco para que toda memoria del pasado musical de esa ciudad de Estados Unidos fuera enterrada. Por este nuevo clima, los thrashers de Metal Church tuvieron que colgar las guitarras después de su Hanging In The Balance, en 1993. De repente, metal isn’t cool anymore. Recién el ’98 volvieron a unirse.

En el rock progresivo, el llamado a revolución de Queensrÿche con Operation Mindcrime, desde Seattle, los lanzó al estrellato, pero no bastó para frenar el ataque de Nirvana y compañía tres años después. En el apogeo de grunge, todo intento para triunfar masivamente, necesariamente tenía que corromperse y dejarse mandar… ¿podía el metal hacerle frente?

NevermoreSeattle también fue la cuna de Nevermore, liderada por el cantante Warrel Dane, el menor de una numerosa familia, que sus padres casi decidieron abortar porque los doctores les habían dicho que iba a ser retardado, y Jeff Loomis, de Milwakee, banda surgida de las cenizas de Sanctuary, el antiguo legendario grupo del vocal, que la oleada del grunge se encargó de desintegrar… Pero, quién iría a decirlo, los sobrevivientes del naufragio, con un metal multifacético, en constante movimiento y evolución, brutal, melódico, intrincado, profundo, introspectivo de temática que explora las emociones más oscuras del hombre, refinadamente oscuro, inconformista y agresivo, pudieron continuar la senda cortada y poder hacer música hasta ahora, diez años después, cuando todo lo que le amenazó había caído por su propio peso. Los álbumes The Politics Of Ecstasy, Dreaming Neon Black y Dead Heart, In A Dead World son la evidencia de aquello.

“Realmente vivimos entre toda la escena grunge aquí en Seattle, ¡desde el ’91 viejo! -dijo alguna vez Loomis-. Pero nunca seguimos el camino de otros, siempre hemos sido fieles a nosotros mismos. Siempre hemos seguido el camino del metal en el que creemos”.

LOS APADRINADOS DE MUSTAINE

Nevermore es un grupo que surgió de un quiebre y de improvisto… Al menos con este nombre, no debieron existir. Es la continuación de las carreras de Warrel Dane y el bajista Jim Sheppard, que en 1985 formaron la banda Sanctuary con los guitarristas Lenny Rutledge y Sean Blosl, y Dave Budbill en la batería. El quinteto estaría fuertemente influenciado por el thrash del área de San Francisco, tan pujante en esos días, el disco homónimo de sus paisanos Metal Church, y el Heavy Metal de Judas Priest.

En ese año y el siguiente trabajaron sin lucimiento, grabando demos y tocando en pequeños clubes de Seattle. Nada más que decir hasta que se cruzaron con nada menos que el ex Metallica y en ese momento líder de Megadeth, Dave Mustaine. La leyenda cuenta que Sanctuary conoció a Mustaine en backstage luego de un concierto antes que saliera So Far, So Good… So What, y le entregaron una cinta con sus canciones. La versión oficial es que a través de un compilado de bajo presupuesto, del Northwest Metal Fest, en el que habían dos demos del grupo, atrajo la atención de Mustaine.

NevermoreSea como haya sido, lo cierto es que el hacha de Megadeth se interesó de sobremanera y se contactó con Sanctuary. Para la sorpresa y euforia de la banda, el llamado no fue para darles las felicitaciones, sino mucho más, ofrecerse como productor para una primera grabación seria. Mustaine se apuntaría como padrino de la carrera de Sanctuary. Warrel y los suyos tenían listos los temas, pero no habían pensado en una posibilidad tan concreta, ni menos conseguir acuerdo con alguna casa discográfica. Productor había, pero no presupuesto. Pero la seguridad con que hizo Mustaine su apuesta con Sanctuary, además del potencial del grupo, se basaba también en su propia imagen como uno de los mentores del metal californiano…

Alrededor de la producción del tercer larga duración de Megadeth, Mustaine las hizo de manager y, al parecer, con sólo mostrar su cara y las recomendaciones, Sanctuary consiguió un contrato con el sello Epic Records, parte de CBS, la industria fonográfica más antigua, importante y prestigiosa de Estados Unidos.

Superando el más increíble sueño, Dave Mustaine y el co-productor de So Far, So Good… So What, Paul Lani, viajaron a los Steve Lawson Studios de Seattle para juntarse con Sanctuary y grabar el disco. Así, el debut Refuge Denied salió en 1988, un disco sorprendente, hoy de culto, entre el Thrash y el Heavy que destapa todo el talento de Warrel Dane en la voces, similar al estilo de Rob Halford y, a ratos, Kind Diamond, con gran manejo de la voces altas y graves. Aunque algunas revistas de la época criticaron el trabajo de Warrel por no ajustarse a los estándares de los grupos Thrash y Speed, su performance representó allí un respiro de aire fresco a lo acostumbrado.

De los nueve temas que se encuentran en el elepé, escritos principalmente por Dane y Rutledge, resaltan la apertura Battle Angels, la europea Die For My Sins (hecha cover por Labÿrinth al final de los noventa), Sanctuary y una versión del himno hippie White Rabbit, de Jefferson Airplane, en la que Mustaine colabora con un solo de guitarra y las voces de fondo.

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Con el empuje de Epic y Mustaine, Refuge Denied se transformó en la revelación metalera del noroeste del país. La banda no tardó en revolverse en giras con grandes conjuntos como Megadeth, por supuesto, Death Angel, Testament, y Forbidden, esta última, donde estaba el guitarrista Tim Calvert (no será la última vez que el guitarrista aparezca en la historia), quien se convirtió en fanático y gran amigo de los miembros de Sanctuary. Después diría que “uno de mis (discos) favoritos de todos los tiempos es el primero de Sanctuary“.

En 1988 también, Mustaine despidió de Megadeth al guitarrista Jeff Young, por lo que tuvieron que empezar a audicionar a postulantes. Varios fueron en busca de la vacante antes de dar con Marty Friedman, entre ellos, un adolescente de 16 años de Milwaukee, Wisconsin, llamado Jeff Loomis, el otro gran protagonista de esta historia. Un día, Jeff recibió un llamado desde Los Angeles de un amigo suyo, quien conocía a Dave Mustaine. Le dijo de la partida de Young que le podía conseguir una audición, pero que tendría que viajar a California.

Nevermore“Nunca en mi vida había volado en avión -recuerda Loomis-, tenía el pelo corto. Era un buen guitarrista pero no estaba listo para la banda. Entonces fui a la sala de ensayo cuando Mustaine todavía usaba heroína, drogas y todo eso. Parecía loco cuando lo vi. Me había aprendido sólo tres canciones: Wake Up Dead, The Conjuring y In My Darkest Hour. Cuando las tocamos él no cantó ninguna, me perdía y todo lo que hacía el era mirarme como loco. Después se me acercó y me dijo: ‘Jeff, quiero que sepas que eres demasiado joven para estar en esta banda pero algún día serás un gran guitarrista’. Esas fueron sus palabras, inspiradoras. ¡Ensayé con Megadeth! Fue increíble”.

También, Jeff tenía sus palabras para el disco de Sanctuary, que “Refuge Denied es tremendo porque salió justo cuando el metal la llevaba en ese tiempo, 1987-1988, grandes años para el metal”.

INTO THE MIRROR BLACK Y LA LLEGADA DEL NIÑO PRODIGIO

Para Sanctuary llegaba el tiempo de su segundo disco. Esta vez no contarían con Mustaine… La razón, Loomis parece explicarlo sin haber estado ahí. “Él estaba en las drogas cuando produjo el álbum de Sanctuary, y después no parece que no quiso saber nada de esos días. Creo que está avergonzado porque estaba muy mal y no recuerda nada”. En este tiempo, Dave Mustaine atravesaba por los momentos más difíciles de su problema con la adicción a las drogas y el alcohol. “He escuchado que en la grabación del disco estaba borracho todo el tiempo”, señala Calvert. Sin embargo, Warrel guarda los mejores recuerdos: “No tengo nada más que respeto y admiración por el Sr. Mustaine, porque es probable que no estuviera hablando ahora si es que él no hubiera descubierto a Sanctuary“.

Sin cambios en la alineación, Into The Mirror Black salió en 1990, por Howard Benson y grabado en Van Huys, California. Se trata de un álbum que supera en términos de composición al anterior, más técnico, furioso, oscuro y con un envidiable balance entre agresión y melodía en todo ámbito, aunque más sobreproducido y menos fresco. Future Tense, Taste Revenge, Long Since Dark, One More Murder son los temas mejor logrados. En este disco es donde Warrel empieza a desarrollar su estilo de escribir letras: “(En Refuge Denied) era todo fantasía. En el segundo traté de alejarme de eso y me he corrido de los temas fantasiosos desde entonces”. Como lo fue Refuge Denied, el segundo es un disco brillante pero con mayor éxito de ventas. Con Into The Mirror Black alcanzarían el máximo de ventas en Estados Unidos, consolidándose con sólo dos álbumes como uno de los números fuertes de metal en la zona. Europa recibió el disco con aplausos, y esas mismas manos le dieron la bienvenida a Sanctuary en su primera y exitosa gira al Viejo Continente.

NevermoreA su vez, Epic hizo un EP promocional en vivo de Sanctuary, llamado Into The Mirror Live / Black Reflections, con los temas Future Tense (versión estudio), Long Since Dark, Battle Angels, One More Murder, White Rabbit y Taste Revenge, extraídos de un show realizado en Reseda’s Country Club, el 12 de mayo del ’90. Obviamente, fue hecho bootleg luego por Reborn Classics.

Hasta hoy, ha sido el mejor momento en Estados Unidos de la carrera de Warrel Dane.El primer percance en Sanctuary fue la partida del guitarrista Sean Blosl en 1991. Quién más que Jeff Loomis, el mismo muchacho de 16 años que había ensayado con Megadeth, se las jugaría para darse a conocer. “Estaba tocando en una banda Death Metal en Wisconsin y me había aburrido del estilo vocal. Quería unirme a un grupo que tuviera un cantante de verdad y escuché de un amigo (¿no habrá sido el mismo que le consiguió la audición con Megadeth?) que Sanctuary buscaba un nuevo guitarrista”.

Jeff, ahora de 19 años, seguidor de Jason Becker, Metallica, Queensrÿrche y Sanctuary, por supuesto, grabó un demo y lo envió al manager del grupo. La cinta llegó a manos de Warrel y Lenny y cuando lo escucharon quedaron alucinados con la técnica del joven guitarrista. Lo llamaron para audicionar y sin más, quedó en la banda. “Tuve el privilegio de venir a Seattle y unirme a Sanctuary -dice Jeff-. De 150 guitarristas, la banda me eligió”.

Antes de empezar de lleno con el trabajo de la tercera placa, Sanctuary, con Jeff Loomis, haría sólo una presentación, la que en ese tiempo nuevo integrante, recuerda con orgullo… Llegó el momento de empezar a componer, con Loomis incluido… Todo iba muy fuerte hasta que el grunge apareció…

NUNCA MÁS CON SANCTUARY

Nirvana, Alice In Chains, Pearl Jam… el grunge pasó a ser un movimiento local a uno de los grandes fenómenos de la música de los noventa. Mientras el trío de Kurt Cobain y sus clones se tomaban los estadios y gimnasios, el resto de las bandas, metaleras, era relegado de vuelta a los clubes.

Esta explosión hizo estragos en la médula de Sanctuary, no por frustración hacia el grunge, muy por el contrario, sino por el fervor que esta música despertó en algunos de sus integrantes que pensaron tal vez estaban haciendo la música equivocada. Recuerda Jeff: “Estuve como cuatro meses en la banda. Nos preparábamos para escribir, pero las canciones de Lenny sonaban realmente grungy”. Según Warrel, el otro líder de Sanctuary, había una cierta corazonada de un par de miembros del grupo, Lenny y el batero Dave Budbill, que empujar hacia el grunge sería lo comercialmente más viable y próspero para la banda: “En otras palabras, un par del conjunto decidió venderse”. Él, Jeff y Jim no iban abandonar el estilo. “El sello -Jim- nos prometió mucha plata si es que nos virábamos al grunge y la mitad de la banda pensaba ‘no podemos ser músicos pobres toda la vida'”. Warrel: “Ellos (Epic) quería traer a diferentes compositores y nos decían que el sonido de Seattle era muy popular”.

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Hubo un tremendo conflicto en la banda sobre si cambiaban de dirección o seguían en lo suyo. “Se pegaron mangazos y se arrancaron pelos de sus cabezas (Loomis)”. “Tuvimos una gran pelea -dice Warrel-, me quebré la muñeca por aforrarle en la cara a mi guitarrista (Lenny). Me había dicho ‘Fuck you! YO SOY Sanctuary, yo tomo las decisiones’ y de ahí ¡PAF!”

Warrel también señala que “éramos buenos amigos de Alice In Chains, volvimos de los tours y ellos eran estrellas de rock”. Eso tuvo un gran impacto mental en algunos de los de la banda, que pensaron “también queremos ser rock stars. Mi aspiración nunca fue esa (…) no quería convertirme en un drogadicto y cagarme la vida (…) sólo quería tocar música y expresar mis sentimientos en las letras”.

NevermoreLas diferencias y las peleas fueron irreconciliables, por lo que en 1991 Sanctuary se separó. En un principio, todo fue incertidumbre para Jeff. “No sabíamos qué iba a pasar. Me dije “mierda, tengo que devolverme a mi ciudad y no estar nunca más en una banda”. Afortunadamente, Loomis no se decidió así… Lo que sí pasó fue que él, Warrel y Jim, los sobrevivientes de Sanctuary a las tentaciones del grunge, decidieron seguir juntos en el metal, a pesar de la época, partir de nuevo y formar una nueva banda. “Decidimos -explica Jeff- seguir lo que nuestros corazones decían que era lo correcto: el metal”.

Muy poco tiempo después, Nevermore surgió…

DE VUELTA A LOS CLUBES

Sin contrato ni apoyo del público, los primeros años de Nevermore fueron muy oscuros. ¿Cómo era vivir en Seattle durante los días del grunge? “Era desesperante -relata Sheppard-, ¡casi imposible! Puedo ver por qué tantas bandas metaleras simplemente se rindieron. Pasamos de presentarnos en teatros que soportaban a mil 400 en el apogeo del metal y cuando llegó el grunge que lo destruyó todo, nos devolvimos a los clubs de 300-400 personas”.

Trataron de convencer al guitarrista Tim Calvert, amigo de Warrel y Jim, para entrar a lo que en ese momento era un proyecto, pero prefirió seguir exclusivamente en Forbidden. La primera batería de Nevermore fue Mark Arrington.

El cuarteto estaba listo. Como pasó con Sanctuary, empezaron en los clubes de la ciudad, donde nunca Warrel ni Jim debieron haber vuelto, pero manteniéndose fuerte a sus principios. Esta actitud, firme pero silenciada por el grunge, pronto traería sus recompensas. Cuando Nevermore tocaba en esos lugares de Seattle, Arrington había conocido, a través de un amigo, al afamado productor Neil Kernon, responsable del Rage Of Order de Queensryche, de Dokken y que había sido el ingeniero del Unleashed In The East de Judas Priest. Kernon se trasladaba Washington en busca de bandas con las cuales trabajar. “Probablemente se vino para producir a todos los grupos grunge nuevos”, pensaba Warrel, pero para su sorpresa, se estaba enfocando en bandas de metal.

Nevermore

Un buen día, Kernon fue a ver uno de los shows de Nevermore, y en el mismo club, después de finalizado el show, Neil se acercó a la banda. Les dijo que le había gustado mucho sus canciones y que quería trabajar con ellos. El grupo no podía creer que el mismo que había hecho el Rage Of Order les estuviera ofreciendo grabar, ante lo que aceptaron perplejos. Como Sanctuary tuvo a Dave Mustaine, Nevermore encontró su mecenas en Neil Kernon, quien de su propio bolsillo y temeridad, produciría a la banda.

En 1994 empezaron a grabar un demo profesional de 24 pistas en Robert Lang Studios. Fue hecho por fuerza mayor en dos sesiones, ya que a la mitad del proceso tuvieron que ponerse en búsqueda de un nuevo baterista porque Mark Arrington se había ido. Pero no tardaron en encontrar a Van Williams, de Nueva York, estaba viviendo en Seattle y conocía a Sanctuary un año antes de llegar: “Había ido a un club y escuché que Sanctuary era ahora Nevermore, así que fuimos a verlos. Eran buenos, realmente buenos”.

Nevermore

Nevermore tenía la esperanza, y Kernon el convencimiento, de que con una maqueta profesional, con un sonido digno de ser calificado como álbum, podrían conseguir un contrato. En su país, marcado en el metal por el Death, prácticamente se les ignoró, pero en Europa tuvieron mejor suerte. En Century Media, uno de los grandes sellos independientes de metal, se escuchó el demo y vieron en Nevermore una potencial fuente de ingresos: eran ex miembros de los legendarios Sanctuary y para la compañía la calidad de la grabación era tan buena que podía ser lanzado como álbum, no tendrían que costear un presupuesto para producir un disco. La primera intención de Nevermore era regrabar las canciones y agregar más, pero así, el acuerdo se formó sin más. “Fuimos afortunados en llegar a un sello que no nos dijera qué hacer. Nos dieron esa libertad”, Warrel.

El disco, que por su calidad paso de ser demo a LP, lo llamaron Nevermore y lo lanzaron en 1995. Constaba de ocho temas. En comparación con los de Sanctuary, la música es de bajas revoluciones, menos aceleradas, con varios pasajes acústicos, pero más pesadas. Acá Warrel empieza a desligarse de los rangos altos que caracterizaron a Sanctuary para caminar hacia un espectro apto para cantar letras más introspectivas, pulcras y grises, según él veía la realidad. El himno What Tomorrow Knows, canción de la que Century Media costeó un video clip, dice: Mistakes, you wear like your skin, you wish you’d never been born / Stand up, you can’t escape your past, but fools will try just to forget. Aparecen los temas de las drogas y política, que empezarían a ser frecuentes en Nevemore. Godmoney, el nombre lo dice todo, critica abiertamente las instituciones religiosas norteamericanas. Send your money to Jesus Christ, mail order your eternal life (…) Even God needs money.

Nevermore

Timothy Leary trata de un profesor académico que en los sesenta llevó a su clase completa a la India para estudiar el “Tao te Ching”, un texto de filosofía china milenaria. Se dice que los hizo tomar LSD a todos, sacaron el manuscrito original y los tradujeron al inglés bajo los efectos de la droga. “Y tengo el libro -señala con orgullo Warrel-, se llama ‘Plegarias psicodélicas después del Tao te Ching’. Es muy difícil de encontrar, me costó como US$ 150. Los seguidores de Timothy Leary lo ven como un gran visionario y revolucionario, estaba loco obviamente, pero cuando lo lees es hermoso”. Otros cortes del debut que resaltan son la power-ballad Sanity Assassin, Garden Of Gray y Sea Of Possibilities.

Si bien Nevermore se quedó con las ganas de regrabar las canciones, las satisfacciones llegaron en la gira. El grupo se presentó en Alemania y Austria con los germanos de Blind Guardian como plato fuerte, en la que los “neo Sanctuary” tuvieron una fuerte recepción tocando temas del LP y de la banda extinta. Para hacer el live performance más poderoso, Nevemore enroló al guitarrista Pat O’Brien, ex Monstrosity y fanático de Cannibal Corpse.

Esta gira europea no estaría ni cerca de ser lo más destacable del año. Mientras estaban con Blind Guardian, se acuerda Loomis, recibieron un llamado de su managment. Le había dicho que Chuck Schuldiner, el genio de Death, dio con el disco de Nevermore, le había gustado mucho y quería invitarlos para hacer un tour en Estados Unidos. “Quedamos sorprendidos porque somos totalmente diferentes al estilo de Death y pensamos que debía ser sólo un rumor”. Pero al ser confirmado, aceptaron al acto. “Uno de los mejores tours que hemos hecho es este porque fue como si Chuck Schuldiner nos diera el real comienzo al pedirnos que tocáramos con él. Gene Hoglan estaba igual. Fue increíble carretear con estos músicos”.

NevermoreEl año terminaría con una actuación en el stage principal del Dynamo Open Air ante 100 mil personas. Apenas terminó la actividad de giras y llegó el ’96, Nevermore sacó el EP In Memory, título dedicado en cierta manera a Sanctuary, según Dane: “Éramos una banda la raja, pero nos separamos justo cuando las cosas empezaban a suceder”. Lo hicieron porque faltaba mucho para terminar la composición temas para el siguiente larga duración y ya había pasado su tiempo de la firma del contrato y no se había grabado nada aún.

El EP contiene temas que no pudieron salir en el primer disco por el limitado presupuesto, como In Memory, Matricide y Optimistic or Pessimist. Sobre este tema, Warrel comenta. “Soy el eterno pesimista y optimista. El lado pesimista es el que sale en la música, Es el lado más fuerte de mi personalidad”. También tiene medley de dos canciones de Bahaus, Silent Hedges y Double Dare. Por último, se incluyo The Sorrowed Man, canción que había sido escrita para Sanctuary por Jeff y Warrel, para el tercer álbum que nunca fue.

“Gente que conocí mientras girábamos me decía que no estaba totalmente satisfecha con el primer álbum -sentencia Warrel-. Y estaba de acuerdo, tuvimos algunos problemas en juntar bien las cosas siendo una nueva banda. Pienso que ahora vamos por el buen camino (…) Seguimos buscándonos, y con el segundo álbum de Nevermore progresaremos en esa dirección”.

NEVERMORE TAMBIÉN PUEDE HACER POLÍTICA

Así llegó la primera oportunidad en que podrían ocupar para Nevermore el presupuesto necesario para hacer un álbum completo. El ahora quinteto, con Pat O’Brien, se trasladó a Texas para trabajar en el álbum que, en palabras de Warrel, sería demoledor y lo más pesado, como el statement de Nevemore.

Así fue, Nevermore se encontró a sí mismo en The Politics Of Ecstasy, un trabajo potentísimo, con mucho carácter, agresivo, furioso desde su comienzo con The Seven Tongues Of God, progresivo en cuanto a la complejidad de las canciones pero igualmente directo. El trabajo de Jeff Loomis es más que descollante y tiene la mejor vocalización que haya hecho Warrel hasta esa fecha, en el que dio por fin con su estilo. De este disco se extraen The Seven Tongues Of God, Next In Line, Lost, The Tiananmen Man y 42147.

Nevermore

The Politics Of Ecstasy fue el gran salto de Nevermore. “Es nuestra declaración artística -dice Warrel-, nos ganamos el respeto de otros músicos gracias a este álbum y de ahí que no tenemos que probar nada”. Además de mostrar lo buenos músicos y compositores que eran, Dane quiso desahogar su rabia, inconformismo, pensamientos y sentimientos como nunca lo había hecho, de una manera inteligente y a veces desafiante y provocadora. El tema título es una crítica descuerada a la clase política y al sistema, en la portada se ve a un niño llorando con una marca en la frente que dice Controlled. Lo mismo en Next In Line. The Seven Tongues Of God, sobre Dios y la ciencia. The Tiananmen Man trata, como dice el nombre, sobre la matanza de la plaza de Tiananmen, en Pekín, China, 1989. Cientos de manifestantes estudiantiles murieron cuando el gobierno ordenó aplastar las protestas. Palabras como Manipulate the Media y Like a hostage the goverment holds your drug, arrancan rechazo de cómo se manejó totalitariamente la situación.

Sobre hacer este tipo de letras, Warrel dice: “Es más fácil decir algo cuando no estas viendo a las personas. Poner las palabras en una hoja es mucho más fácil porque eres completamente honesto. Cuando lo miras a los ojos, no eres capaz de decir la verdad”. El tema de las drogas es otra vez tratado en 42147. Además, todo el lay out del disco tiene un aire psicodélico de los sesenta e imaginería New Age. Warrel explica su inclinación por el tema: “Mis hermanos estuvieron justo al medio de todo ese movimiento cuando sucedió lo de la revolución de las drogas en los sesenta y yo lo viví a través de sus historias cuando crecí, y toda esa época me fascinaba bastante. En la secundaria, para “ser como los demás” experimenté harto con drogas”.

NevermoreNevermore el ’97 tocó junto con Iced Earth en Europa. Pero antes de que terminaran estas actividades, Pat O’Brien, quien aparentemente nunca se adecuó al estilo de Nevermore, hizo sus maletas y se fue a Cannibal Corpse. “Siempre escuchaba a Cannibal Corpse y les decía a todos que era su banda favorita. No podemos estar más felices por él porque no muchos se van a tocar a su grupo predilecto (Warrel)”. Para terminar las actuaciones, contrataron al guitarrista Curran Murphy. Ese mismo año, Forbidden, donde estaba Tim Calvert, se separó y, para no quedar cesante, llamó a Warrel para ver si era posible aún entrar la banda. Las puertas todavía estaban abiertas para él así que le pidieron que se fuera a Seattle y se les uniera.

Ya era 1997 y el grunge había retrocedido para ser un recuerdo. Jim: “Se autodestruyeron. El grunge empezó porque los músicos en Seattle eran pobres y no podían comprar equipos, por eso el sonido. Y cuando tuvieron mucho éxito, se volvieron Pop. Nosotros todavía no somos reconocidos por la prensa en Seattle pero hemos estado en al escena antes que el grunge… ahora también estamos y aún nos ignoran”.

DREAMING NEON BLACK, LA AUTOBIOGRAFÍA DE WARREL

“Sometimes bitterness is all you can hold on to,
and within the bitterness I realized my weakness”

El cambio de guitarrista y una estrategia por parte de Century Media para no hacer al mismo tiempo tantos lanzamientos, retrasarían el tercer LP de Nevemore. Con Politics, el mejor disco de sus carreras, Nevermore empezaba a arrancarse la etiqueta de ex Sanctuary. Ahora estaban capacitados de hacer un álbum especial, muy especial: desde los más profundos rincones de la subconsciencia de Warrel Dane. Por esta vez al menos, se alejaría de los temas políticos, religiosos y sociales y entraría de lleno en las desesperadas emociones humanas…

“Vivo en Seattle, allí es muy oscuro, es para deprimirse, tenemos una alta taza de suicidio. Hay que mandar patrullas al puente Aurora en Navidad porque la gente se lanza (…) La base de la existencia humana desde su comienzo ha sido el sufrimiento. Escribir acerca del lado oscuro de la vida siempre me ha intrigado más que cualquier cosa feliz (…) El metal no puede ser feliz”.

Nevermore

A Warrel se le ha preguntado si sus letras son así porque es adicto a las drogas, lo que se encarga de negar. Dice que quizás vino tinto, pero que le es difícil explicar de qué se tratan algunas canciones porque “cuando las escribo, algunas veces hay otra fuerza trabajando, como si se hicieran solas”.

Para el próximo álbum, Warrel ocuparía una trágica experiencia personal como fuente de inspiración. La inexplicable desaparición de una novia que tuvo cuando estaba en Sanctuary, que se había unido a un grupo religioso y que su cuerpo nunca fue encontrado. Pasó que Warrel empezó a tener sueños en los que ella se mostraba, de la nada, justo cuando comenzaron a escribir el disco. La veía ahogándose, apareciéndose en su pieza, llamándole. Van Williams recuerda: “Ha hablado de esto por un tiempo, contando historias de cómo en verdad podía sentir o verla cuando estaba durmiendo, antes de escribir las letras, incluso antes del Politics me contaba sobre esta mujer”. El hecho es que Warrel aprovechó estos dolorosos recuerdos y pesadillas para crear las líricas de un álbum conceptual.

Con Neil Kernon otra vez y en el mismo estudio de The Politics Of Ecstasy, Nevermore se enfrentó a un desafío: mejorar lo conseguido en el anterior y, para Warrel, revivir la experiencia y traspasarla a la música. Este álbum se llamaría Dreaming Neon Black. “Cuando estábamos en el estudio -recuerda Sheppard- (Warrel) rompió en llanto cuando cantaba el tema título”, lo que refleja lo difícil que fue para él llevar esta “terapia”.

Nevermore

Dane logró enfrentar el reto con éxito… y también la banda. Dreaming Neon Black es una obra maestra, con una energía emocional invaluable, llena de melancolía, dolor, cuestionamientos y rabia. Todo el álbum es la historia de alguien que lentamente enloquece después de perder a la mujer que siempre amó, sin saber qué fue de ella, sin saber cuál fue su destino. Es una montaña rusa mental y emocional que la música no logra menos que hacerla más fuerte. Al lado de Politics, las canciones son algo más simples y modernas, enfocadas en las americanizadas melodías de las voces, riffs contundentes con apariciones de leads sucios, variado, con muchos momentos de intensidad y de calma, gracias a los pasajes acústicos que logran ahondar más en la matriz de la historia. En Forever, con sólo la guitarra de Loomis… recita Dane: I know you’re dreaming, I know you’re at peace. I’ll meet you in the dreamtime. Whenever you call me I’ll go under, I’ll swim through you… siendo uno de los momentos más fuertes del disco entero.

Y Tim Calvert, que como miembro full-time de Nevermore, aportó con cuatro temas: Beyond Within, Deconstrution, All Play Dead y Cenotaph, sobretodo la primera con un estilo muy Forbidden. El resto son créditos de Loomis, con ayuda de Sheppard, como en Death Of Passion, Dreaming Neon Black, The Fault Of The Flesh, y Poison Godmachine, por nombrar las mejores. Loomis: “Básicamente tratamos de ser más una banda enfocada en las canciones (…) Dreaming Neon Black es un álbum mucho más estructurado, tratamos de simplificarlo un poco”.

Dreaming Neon Black fue un éxito para Nevermore. Salió el 26 de enero de 1999, doblaron las ventas de The Politics Of Ecstasy y antes de aventurarse en un nuevo álbum, el total superaba las 100 mil copias. La banda hizo cuatro giras en Estados Unidos con Mercyful Fate, Iced Earth y Arch Enemy, visitaron Europa y hasta pararon en Australia, en las que todavía interpretaban clásicos de Sanctuary como Future Tense y Battle Angels.

Warrel sacaba cuantas alegres: “Estamos otra vez en el momento del quiebre. Cuando salió Into The Mirror Black, recuerdo que sentía que íbamos a algún lugar, que algo iba a pasar, era todo muy intenso, y ahora pienso que estamos definitivamente en el lugar donde Sanctuary estaba antes de separarse”. Nevermore explicaba que el progreso lo fue gracias a la composición más prudente, según ellos, y al aura de la historia.

Nevermore“Creo que el disco tocó a mucha gente -piensa el autor de las letras- (…) Hablé con alguien hoy que me dijo que el álbum lo había deprimido horriblemente. Yo me decía: ¡Bien! Significa que hicimos nuestro trabajo. Cuando comencé a hacer la historia sabía que iba a afectar emocionalmente a las personas porque hay mucha pasión en las canciones”.

Para el resto de la banda, el que Dane haya decidido escribir sobre este episodio de su vida, le sirvió para desahogarse. “Él todavía se acordará de ella pero no le será tan difícil -decía Jim-, nunca se olvidará de ella, era muy especial. Esperemos que pare de despertarse en las noches, saltando de su cama y gritando ‘¡Está en mi pieza! ¡Está en mi pieza!’ “. Warrel lo ratifica: “En el tour conocí a harta gente que me decía que había pasado por esto también, lo que hizo darme cuenta que no soy el único y eso me hizo sentir mucho mejor”.

El resto del año para Nevermore terminó en proyectos fallidos. El primero sobre grabar un álbum de covers con temas de Metal Church, Savatage, Queensrÿche entre otros… para Warrel, hacer una novela sobre la historia que dio vida al concepto del Dreaming Neon Black. Además, por falta de tiempo, tuvo que rechazar la oferta de Chuck Schuldiner para integrarse a su proyecto llamado Control Denied, que en el ’99 lanzó, con Tim Aymar como vocalista, el álbum The Fragile Art Of Existence.

Pero ya vendría la revancha….

UN GRAN ÁLBUM EN UN MUNDO MUERTO

Con The Politics Of Ecstasy y Dreaming Neon Black, Nevermore se había levantado muy arriba sobre el fantasma de Sanctuary, pero sin conformarse, Loomis y Dane siguieron tomando riesgos. Para el próximo disco haría una serie de innovaciones. La primera, fue la decisión de no trabajar con Neil Kernon esta vez, el productor que descubrió a la banda y que había hecho todos sus álbumes. Le pedirían a Andy Sneap que grabara el disco, conocido por haber producido a Machine Head, Stuck Mojo, Earth Crisis, Testament, etc.

NevermoreSegundo, que Jeff Loomis empezaría a ocupar y componer con guitarra de siete cuerdas, a quien le entró la curiosidad gracias a que la persona que le confecciona los instrumentos le había dicho que iba a hacer una de éstas. Con la séptima cuerda “puedes hacer mucho con los acordes -asegura Jeff-, abre toda una nueva categoría. De inmediato, Loomis empezó a escribir temas para la séptima. En ese justo instante, Tim Calvert, pieza importante en Dreaming Neon Black, decidió abandonar Nevermore y la música ya que había contraído matrimonio. No buscarían a otro guitarrista, volverían a ser un cuarteto y toda la responsabilidad de crear las canciones recaería en Jeff, aunque contratarían a una segunda para las giras.

De esto salió al año siguiente, el 2000, álbum Dead Heart, In A Dead World, grabado en sólo un mes, julio, por tercera vez en Village Productions, Tornillo, Texas.

Al principio, por la referencia de Andy Sneap y la inclusión de las guitarras de siete cuerdas, se desató cierta incertidumbre al pensar que tendría elementos nu metal, pero al lanzarse, Nevermore le tapó la boca a todos con otro disco sumamente agresivo y profundo, a su manera. Gracias a Sneap la banda logró el mejor sonido de su carrera, pasado, presente y futuro, con todos los instrumentos muy claros y con gran protagonismo y fuerza de las guitarras y la batería de Van Williams. Es tan bueno que hasta el mismo Kernon dijo que la decisión fue correcta.

Si Dreaming Neon Black había sido el disco de Warrel Dane, Dead Heart, In A Dead World es el de Jeff Loomis. Los premios del álbum se los llevan las guitarras, lo que hacen que se esté de frente con un disco muy poderoso, directo. No es la emoción lírica sino la agresividad de Loomis lo más fuerte del álbum. El cover de Simon & Garfunkel, The Sound Of Silence, totalmente reversionado, “era tiempo de destruir al clásico (Warrel riendo)”, junto con Narcosynthesis y Engines Of Hate, muestra un tipo de contundencia que no habían hecho antes, no por la técnica del Politics o la fuerza del Dreaming Neon Black, más bien por la nueva producción y la guitarra. “Está todo como lo queríamos -dice Warrel-, no le cambiaría ninguna cosa”.

Nevermore

Dead Heart no es conceptual, pero nuevamente Warrel hace gala de su talento como letrista. Evolution 169 habla sobre la teoría matemática del caos, We Desintegrate, la filosofía tibetana de la “muerte del ego” y el renacimiento espiritual. Una gran tragedia humana en China por el rompimiento de un dique que mató a 300 mil personas en la inundación y la creación luego de la obra de ingeniería más grande desde la Gran Muralla, para crear un lago artificial, inspiraron a Warrel para escribir The River Dragon Has Come, hablando de las consecuencias de la tecnología. Dead Heart, In A Dead World, la canción, para Warrel simboliza sepultar los recuerdos de la historia del álbum antecesor. “Es deprimente, expresa que no importa cuán frío o vacío te sientas, todavía hay una pequeña esperanza ahí… Es un mensaje muy positivo”. De este tema se extrajo la idea para hacer la portada y el diseño del disco, cortesía del mismo autor de Dreaming Neon Black, Travis Smith quien le dio a Dead Heart la mejor carátula que Nevermore ha tenido.

Pero tampoco se olvido de hablar de política y religión, no. Inside Four Walls es de un amigo de Warrel que fue condenado a diez años de cárcel, según él, de forma injusta. “Lo detuvieron por posesión de drogas… no era traficante pero fue tratado como uno (…) cuando hay personas que han cometido crímenes violentos, que son mucho más peligrosos para la sociedad y están mucho menos tiempo en prisión. Mientras Believe In Nothing, single del álbum, que fue promocionada con un video, es una canción lentas que refleja el escepticismo de Dane.

Las ventas fueron las mejores, el disco fue considerado por revistas europeas como uno de los mejores del año, estando en todos los top ten. Les sirvió para hacer tour a finales del 2000 y todo el 2001, con Curran Murphy otra vez, ahora Annihilator, como segundo guitarrista, con bandas de la talla de los recién nombrados, Arch Enemy, In Flames, Susperia, Lacuna Coil, después con Opeth, Soilwork y Angel Dust. Tocaron en lugares como Rumania en Europa del Este, donde Nevermore se sintieron como estrellas, según Jeff. Fueron estelares en Wacken Open Air 2001 y pisaron por primera vez Sudamérica, donde actuaron en Brasil con los locales de Krisiun. A Chile, Krisiun vendría sin Nevermore.

Nevermore

Dead Heart es el gran álbum de Nevermore, el que ha causado hasta ahora más impacto, que los llevó a la elite de la escena del metal. El próximo tenía que venirse con todo.

BRUTAL Y DURA REALIDAD

El quinto álbum de Nevermore, que pretendían llamar Psychotic Intellectual Narcotic, tendría que llenar las expectativas creadas por Dead Heart In A Dead World. ¿Cuánta presión sintieron? Loomis dice que ninguna “porque si dejas que la presión te afecte va a incidir en las composiciones, así que ni siquiera pensamos en eso”.

Lamentablemente, los problemas se sucedieron uno a uno. La banda, con ansias de volver a trabajar con Andy Sneap, vieron como el Dead Heart le había dado fama y transformado al productor en una persona muy ocupada grabando otras bandas como Arch Enemy. El tiempo corría y no se veía que pudieran repetir con él. Además, sería el último disco que por contrato iban que sacar con Century Media, quienes les facilitaron un presupuesto mezquino comparado a lo anteriores, según Nevermore acusa. Por ello, no pudieron volar hasta Texas, al estudio de los LPs anteriores y tuvieron que buscar a alguno que viviera en Seattle. Así dieron con Kelly Gray, productor de bandas rock, entre ellas Queensryche, donde había reemplazado por un lapso a DeGarmo en las guitarras, pero nunca había trabajado con una banda metalera. De hecho, había producido a Candlebox y vendido siete millones de copias con ellos.

Nevermore

Nevermore estuvo grabando tres meses, “demasiado tiempo” para Loomis, en el estudio que Gray tenía en su casa, trasladándose continuamente a la de Jeff para terminar las voces y los solos, y fue mezclado luego en London Brigde Studios (Soundgarden, Alice In Chains). Y la composición duró entre seis meses y un año. “Fue un parto en Seattle -comenta Jeff-. Estábamos acostumbrados a grabar en Texas en sólo un mes y esto se alargó mucho”.

Pero, cuál es el resultado… Enemies Of Reality, finalmente llamado, lanzado el 29 de julio de 2003, y dedicado a la memoria de Chuck Schuldiner, es un disco crudo, brutal, de sonido áspero y poco convencional para una banda metalera, por la producción improvisada. Corto, de nueve pistas que convencen en su composición en un ciento por ciento, que rescata los días de furia de The Politics Of Ecstasy en la música y en la temática.

NevermoreEnemies Of Reality -entretanto Warrel- es una colección de himnos sinfónicos oscuros de odio y lamento”. Es un disco anti realidad, anti todo en cuanto a las letras de Dane, otra vez furioso, otra vez provocador, pero a la vez, gris y ambiguo en su mensaje. “Quiero que las personas saquen distintas conclusiones de esto, y no quiero ser muy obvio ni superficial (…) Estoy muy contento con el álbum y espero que la gente lo entienda”.

Lamentablemente la controversia generada hizo más ruido que la música. Century Media quería extender el contrato mientras todavía estaba vigente, mientras que el grupo quería esperar a que terminara para empezar a buscar un mejor acuerdo, y como Nevermore no cedió, según la banda le cortaron el presupuesto. Jeff Loomis, dijo poco tiempo antes de lanzarlo que el productor había hecho “un buen trabajo considerando la plata que se puso”. Sobre esto, en septiembre de 2003 Warrel dio una entrevista a Electric Basement, oportunidad que aprovechó para sincerarse y dar su versión:

“El sello cortó nuestro presupuesto a la mierda porque no íbamos a volver a firmar contrato con ellos hasta que el disco estuviese listo. A estas alturas puedo ser honesto, no he hablado de esto mucho a la prensa. No voy a hablar mal de ellos, pero nos han estado presionando mucho en los últimos dos años para que hiciésemos un nuevo contrato, por el éxito de Dead Heart… Les dijimos desde el primer puto día que no, que íbamos a esperar que terminara nuestro contrato y ver cómo le iría al último disco. La única razón de por qué un sello tomaría este curso de acción es porque se dan cuenta que la banda aumenta su popularidad con cada trabajo. Así que si ellos pueden hacerte refirmar antes que se termine tu contrato, pueden cagarte un poco más. Este álbum parece que puede ser más grande que Dead Heart…, así que hicimos lo correcto… y sería agradable porder vivir de la música.

“Hay un montón de cabros que tocan en bandas metaleras y no se dan cuenta de lo que es el negocio, puede destruir totalmente tu fe en la música. En un punto te tranformas en un producto y eso asusta. Lo haces porque amas la música, no porque quieres ser un hombre de negocios, pero a la larga necesitas serlo. Es una dura lección que se aprende, pero así trabaja la industria musical. Esta diseñada para poner dinero en los bolsillos de los sellos y cagarse a los artistas”.

En el segundo semestre de 2003, Nevermore fue a Europa para tocar junto con Arch Enemy, gira la que estos últimos debieron abandonar debido a que el bus en que viajaban, según palabras del guitarrista Michael Amott, “estaba infectado con bichos chupasangre que hicieron enfermar a miembros de la banda y del crew, sin mencionar el cansancio por falta de sueño”. Luego, en noviembre se unieron con Dimmu Borgir, Children of Bodom e Hypocrisy para un tour por Norteamérica. En esta ocasión, una de las hachas de Testament, Steve Smyth, se ocuparía de la otra guitarra de Nevermore. Y mientras giraban, el video clip de Enemies of Reality rotaba en Headbanger’s Ball de MTV 2.

MEJORES TIEMPOS

Nevermore2004 llegó con novedades para Nevermore. A pesar de todo el publicitado conflicto entre la banda y Century Media, Warrel Dane hizo un sorpresivo anuncio en la página oficial: “Los miembros de Nevermore anuncian que después de largas “negaciones” (habrá querido decir “negociaciones”) hemos refirmado con Century Media Records. Ambos lados trabajaron duramente para reparar problemas del pasado y al final, entre todas la ofertas, consideramos que esta era la mejor para nuestro futuro”.

Para celebrar la reconciliación, el sello financió la filmación de un segundo video clip para Enemies of RealityI, Voyager, que dicho sea trajo consigo otra noticia grande: Nevermore volvía a ser quinteto. Steve Smyth aparecía en el video, el mismo con quien habían girado por estados Unidos y Canadá. Acababa de abandonar Testament, banda a la que se había unido en 1999, y Loomis le pidió que se integrara a Nevermore. Jeff dijo que “después de un tiempo girando se hizo obvio que él era el eslabón perdido en nuestra hermandad disfuncional”.

Smyth comenzó su carrera en 1988 con la agrupación Ariah y en 1995 hasta 1999 estuvo en Vicious Rumors, participando en los discos Something Burning y Cyberchrist. También en 1999 formó con el guitarrista fundador de Testament, Eric Peterson, y Steve Digiorgio, el proyecto llamado Dragonlord y en 2001 editaron su debut, Rapture, proyecto en el que está involuvrado hasta hoy. Sobre su llegada a Nevermore, Steve señaló: “Estoy feliz de tomar el desafío de tocar con estos muchachos. Siempre he amado la música y nos llevamos bien como músicos y como amigos. Espero con ansias contribuir en el nivel creativo y todo hasta ahora ha sido muy positivo”.

Nevermore aparecerá como número fuerte de cartel en próximos festivales de verano como Wacken Open Air y en el otoño del hemisferio norte pretenden empezar a grabar un nuevo álbum del cual ya existe material escrito. Así cumplen la promesa de sacar lo más rápido posible otro trabajo luego de los inconvenientes que ocurrieron con Enemies of Reality.

Cada álbum de Nevermore, cada álbum distinto, con su personalidad, pero siempre honesto y que se ha sabido sostener. “El truco es -Jeff- es no pensar y en cualquier momento que venga una buena idea, grabarlo de alguna manera y puede ser que al final de todo el proceso termines con una buena canción y eventualmente con otro buen álbum. Algunas veces tengo esa sensación en el estómago de que no seré capaz de hacer nada más alto, pero trato de no pensar en eso más que hacerlo lo mejor que pueda”.

Nevermore

MAKE YOUR OWN RELIGION – Warrel Dane.

Nevermore 2004

Warrel Dane: voces
Jeff Loomis: guitarra
Steve Smyth: guitarra
Jim Sheppard: bajo
Van Williams: batería

Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Sanctuary y Nevermore cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

Esta biografía ya fue publicada en DarkMetal.cl en septiembre 2003, pero debido al estilo transversal de esta y de Sanctuary, se permitía perfectamente incluirla en PowerMetal.cl para darla a conocer a un público distinto.

shaman_titulo

Shaman es una banda como muy pocas. Quizás en el último tiempo sólo podría comparársele Masterplan (y probablemente en menor medida): ambas nacieron como bandas con una fanaticada cautiva antes de siquiera sacar un disco. Y esto en un principio iba más allá de una mera apuesta al futuro, pues el magnetismo provocado por estas bandas proviene de una razón no menor: sus miembros más “importantes” provenían de dos bandas exitosas a nivel mundial como Angra y Helloween, respectivamente. Pero sin desmerecer a una notable banda como Masterplan (y dejo hasta aquí la comparación porque el criterio es solamente el esbozado recién), Shaman tiene una “onda” muy especial. No sólo por ser brasileños (por la natural cercanía que genera el espíritu bolivariano que a veces nos aflora), sino porque es una banda que recoge mucho de lo mejor del antiguo Angra, pero llevándolo a otros terrenos. Y bueno, hablar de Shaman es hablar de un talentoso, un músico de excepción, que debe ser de lo mejor que ha exportado Sudamérica en el rubro Metal: André Matos.

MATOSAndré Coelho Matos nace el 14 de Septiembre de 1971 en São Paulo, Brasil, y a los 10 años recibe de regalo de sus padres un piano, lo que comienza a generar en el Matos niño un creciente interés por la música. Poco tiempo después comienza a juntarse con muchachos de su barrio -los hermanos Yves y Pit Passarell (guitarrista y bajista, respectivamente) y Felipe Machado (guitarra)-, con los cuales tocaban covers de sus bandas favoritas. Así, poco tiempo después este grupo de vecinos fue tomando forma de banda, naciendo Viper. André a esas alturas tenía apenas 13 años (de hecho, el primer show de Viper fue el 8 de Abril de 1985), y grabaron un demo, llamado “The Killera Sword”

Lo paradójico del destino es que Matos jamás pensó en ser cantante, pues siempre su favoritismo estuvo cargado hacia el teclado y el piano. Los restantes integrantes lo ungieron como vocalista simplemente porque era el que “mejor cantaba del grupo” y porque físicamente tenía un aire a Bruce Dickinson (¿?). Matos, al hablar de sus inicios, comenta: “tuve una formación desde pequeño, comencé a cantar con mi primer grupo Viper, yo tenía 12 o 13 años de edad, para este entonces yo no tenía ningún tipo de técnica vocal, no conocía nada, simplemente cantaba para imitar a mis ídolos que son Bruce Dickinson, Eric Adams, Ian Gillan y Rob Halford, después comencé a interesarme por la parte técnica de lo que es la voz, tanto para aprender a utilizarla como por el hecho de que me gustaría preservarla… sentí algunas veces que la cosa no era así tan fácil, no era simplemente abrir la boca y comenzar a cantar, me di cuenta de que podrías arruinar tu voz si no la utilizabas de la manera correcta, así que empecé a tomar clases de canto y empecé a cantar en una coral, estas son cosas que me han ayudado mucho y por eso he adquirido técnicas para poder mantener mi voz saludable. Después de eso todo fue cuestión de ir creando un estilo propio, pero comencé imitando a mis ídolos y luego comencé a desarrollar mi propio estilo… me alegra mucho por que he luchado y he trabajado mucho para tener algún tipo de identidad en lo que hago y hoy en día me alegra que la gente me reconozca por la voz y que sea una referencia para algunos, así que ya he alcanzado una buena etapa de mi carrera solamente por este hecho“.

hugo mariuttiMatos tenía imberbes 15 años cuando Viper lanzó su primer disco, llamado Soldiers Of Sunrise. Viper no era un juego, logrando hacerse conocidos en Brasil con un trabajo bastante más speed que lo que hemos conocido de Matos en épocas más contemporáneas a hoy. Pero si hay una razón para que Viper lograra no sólo el respeto de la escena brasileña sino que un reconocimiento ya internacional fue con Theatre Of Fate, disco lanzado en 1989, que cuenta con temas espectaculares como Prelude To Oblivion, una muy bien lograda versión de Moonlight de Beethoven y por supuesto un clásico que Matos recuerda hasta ahora, Living For The Night.

Todo iba viento en popa hasta que comenzaron a manifestarse diferencias de fondo en cuanto a lo que Matos y el resto querían de Viper. La formación musical de Matos (quien además estudiaba piano clásico) era, por decirlo eufemísticamente, muy “diferente” a la de los hermanos Passarell, quienes querían darle a la banda un sonido más crudo y menos elaborado (prueba de ello es escuchar alguno de los posteriores discos de Viper, por ejemplo “Coma Rage”). Matos decide irse y terminar sus estudios de tenor lírico y piano, además de Dirección Orquestal y Composición Musical. Poquito. Y además el tipo habla 4 o 5 idiomas fluidamente, incluyendo un español tan bien hablado que podría pasar por peruano.

Ya a mediados de 1991 André tenía otro proyecto. Pero no se trataría de cualquier proyecto, sino de lo que a la larga se convertiría en una de las más importantes bandas de metal latinoamericanas de la historia: Angra. Además de los guitarristas Henrique “Kiko” Loureiro y Rafael Bittencourt y el baterista Marco Antunes, se les unía el bajista paulista Luis Eduardo Mariutti Pereira, cuya historia tiene ribetes cuando menos entretenidos. Luis, nacido el 22 de Marzo de 1971, comenzó a tocar el bajo a los 13 años inspirado (cómo no) por Steve Harris de Iron Maiden, y dedicando su adolescencia a tocar covers. Su primera banda se llamó Firebox, que en 1989 logró grabar un demo llamado “Starting Fire”. El demo tardó en ser lanzado debido a problemas económicos, y a pesar del precio, más encima la calidad era pésima. Entonces, para abaratar costos, la banda montó artesanal y manualmente una a una las mil tapas de los cassettes… ¡eso es sacrificio! Ya por esos tiempos Luis era un fanático del blues, formando un proyecto instrumental llamado “Black n’ Blues”, el que hoy sigue vivo bajo el nombre de “Motorblues”, y cuenta con Arnaldo Ricci en guitarra y a quien ya nos referiremos en detalle en batería: Ricardo Confessori.

confessoriEl quinteto lanzaba en 1992 su primer demo, Reaching Horizons, llamando la atención de la prensa especializada. Pero no es sino con su primer LP, Angels Cry, cuando logran éxito a nivel internacional, particularmente en Japón y Europa. Carry On, Angels Cry, Evil Warning y Time, entre otros, son temas que pasaron a la categoría de “clásicos” en muy poco tiempo. El disco, tras la partida de Marco Antunes, fue grabado por el alemán Alex Holzwarth, actual baterista de Rhapsody y que en esos momentos se desempeñaba en Sieges Even. Por lo mismo, la búsqueda de otro baterista de hacía urgente, incorporando a Ricardo Confessori, nacido el 25 de Enero de 1969. Confessori comenzó su carrera musical estudiando piano clásico durante cuatro años, y dedicándose además (como buen brasileño) al fútbol, llegando a jugar por el Club Pinheiros. Un amigo suyo en aquellos tiempos le mostró bandas de rock clásico como Rush, Led Zeppelin y Deep Purple y Ricardo se dio cuenta que su pasión iba más por la música que por el fútbol, pero ya no el piano, sino la batería, desempeñándose en las bandas Korzus y Garcia & Garcia (donde grabó el álbum “Mr. Fire” en 1991).

Angra ponía el nombre de Brasil en el mapa Power Metalero mundial (recordemos que el país de la samba, gracias a Sepultura, ya “existía” hacía tiempo como país metalero en el mundo), y André Matos era toda una revelación como vocalista. De hecho, tras la salida de Bruce Dickinson de Iron Maiden, Matos quedó entre los finalistas (las razones de porqué Steve Harris terminó eligiendo a Blaze Bayley son el tercer secreto de Fátima). Tras efectuar varias presentaciones en Sudamérica y también Europa, incluso unafrente a 50.000 personas en Brasil en un recital que reunió nada menos que a Black Sabbath, Slayer y Kiss en 1995, la banda se encerró durante 4 meses en una granja en Brasil para escribir lo que sería su segundo álbum, Holy Land, que llegaría a vender en pocas semanas más de 200.000 copias y que terminó por consolidar a Angra como una banda realmente importante a nivel mundial. Imposible no destacar temas como Carolina IV, Nothing To Say o Z.I.T.O., en el marco de un disco que consolida un estilo diferente al Power europeo, lleno de sutilezas latinas y muy abierto a explorar nuevas facetas.

Tras el lanzamiento de su EP Freedom Call, Angra se fue nuevamente de gira, consiguiendo particular éxito en Japón, y posteriormente presentándose 13 veces en Francia, cerrando con una presentación en el Festival italiano “Gods Of Metal”. Era inevitable lanzar un disco en vivo que recopilase lo mejor de estas presentaciones, lo que se llevó a cabo con Holy Live, un EP cortísimo que deja con gusto a poco, paradójicamente, por su notable calidad.

Pero era obvio que algo terminaría por suceder. Las tensiones al interior de la banda comenzaron a ser pan de cada día, con lo que la separación sería inminente. Por un lado, Rafael Bittencourt y Kiko Loureiro querían volver a sonido “antiguo” de Angra, en tanto Matos, Confessori y Mariutti deseaban explorar otras facetas. Además, el manager de la banda se alineó con Loureiro y Bittencourt, con lo que la banda estaba literalmente partida en dos. Aun así, la banda lanzaría su tercer LP, Fireworks, un disco bastante sólido (destacándose temas como Wings Of Reality, Lisbon y sobre todo Speed) pero que carece de la chispa y sobre todo de la “magia” que Angra había alcanzado anteriormente. De todas formas Angra saldría de gira y se presentaría en Chile el Domingo 18 de Abril de 1999 en el Teatro Monumental. A pesar de las desaveniencias, los que estuvimos ahí no podremos olvidar la sólida presentación de los brasileños, e incluso el abrupto final del concierto… debido a que se trataba de un día Domingo, y seguramente por reclamos de vecinos, el recital debió terminar minutos antes de lo previsto, con lo que tuvimos la fortuna de presenciar una sui generis versión de Carry On con las luces prendidas.

SHAMAN - matosTras la gira, a principios del año 2000 se confirmaba la separación de Angra, con la salida de Matos, Confessori y Mariutti. Según Rafael Bittencourt, la salida de André Matos habría tenido que ver al menos en parte con la excesiva cantidad de proyectos paralelos del vocalista (entre ellos Virgo, junto a su amigo Sascha Paeth, ex guitarrista de los lamentablemente desaparecidos Heavens Gate) quien, a su vez, cuenta desde su punto de vista las razones de la separación: “en verdad yo tenía un solo proyecto paralelo que era Virgo, y los chicos sabían que yo tenía ese proyecto, que además hacia música distinta, así que jamás pudo haber un conflicto… fue un conjunto de razones y motivos que se hace difícil detallar, pero en general puedo solamente decir que ya no había más confianza entre nosotros; eran dos partidos dentro del mismo grupo y llegamos a un punto en que siquiera nos hablábamos. Eso ya empezaba a traspasar al publico y por esas razones nosotros tres decidimos dejar el grupo. Lamentablemente no pudimos seguir con el mismo nombre anterior, toda vez que pertenecía al manager y eso ya es una historia sucia que no conviene ser alargada aquí”. Rafael Confessori, en el mismo sentido, comentaba: “hubo básicamente un gran desentendimiento con nuestro manager en Brasil. Nosotros tres queríamos echarlo por las cosas malas que ha hecho, pero los otros dos no estaban de acuerdo. Así, empezó a crearse una atmósfera muy nociva para todos y que ya estaba por afectar a nuestras presentaciones en vivo y también a un futuro álbum, si esto ocurriera”.

A fines de Febrero del mismo año se confirmó que Matos, Confessori y Mariutti continuarían sus rumbos musicales juntos, pese a que Rafael Confessori señalaba que en un principio pensó que sólo continuaría junto a Mariutti, pues veía a André Matos algo decepcionado de la escena metalera. El proyecto estaba aún en ciernes y lo primero que se necesitaba era darle una identidad. Es así como nace el concepto de Shaman. Confessori lo ratifica: “el concepto estaba justo delante de nosotros hasta que lo vimos. Todo viene de la inspiración de una canción llamada “The Shaman” del disco “Holy Land” de Angra. La canción habla de un ritual de un chamán, de forma que cogimos ideas de ahí y algunas investigaciones que hicimos. La motivación fue un poco dura de coger, porque es un duro trabajo crear una banda en tan poco tiempo, hay que considerar que teníamos que crear un nombre, un nuevo estilo de música y una nueva imagen, y reestructurar todo el negocio entorno a nosotros, comenzando de cero. Creo que encontramos motivación los unos en los otros, tratando de mostrar confianza y ocultando el miedo al fracaso”.

shaman2El concepto ya estaba listo, las ideas brotaban, pero hacía falta un guitarrista, al menos “interino”, que ayudase en la composición de los temas. De esta forma, Matos y compañía invitaron a tocar con Shaman a Hugo Mariutti Pereira, hermano de Luis, con resultados sorprendentemente positivos: el interinato de Hugo se convirtió en una plaza definitiva. Hugo nació el 18 de Diciembre de 1975 en São Paulo y comenzó a tocar a los 13 años, formando una banda thrash llamada Wardeath, donde además cantaba. Pero sin dudas lo que más “en serio” hizo Hugo antes de unirse a Shaman fue formar una banda llamada Henceforth, junto a sus amigos André Nikakis (bajo) y Fabio Elsas (batería), destacando que este último continúa, al igual que Hugo, hasta hoy en la banda (Nikakis se retiró de la banda y partió a Grecia, siendo reemplazado al menos temporalmente por Luis Mariutti). Como curiosidad, hay que señalar que el primer vocalista de Henceforth fue nada menos que Daniel Matos, hermano menor de André. Con Daniel Matos Henceforth grabó su primer demo, llamado “The Last Day”.

Mientras Angra se reestructuraba con la llegada de Edú Falaschi, Aquiles Priester y Felipe Andreoli, Shaman ya era una banda. Y no sólo ello: era una banda con muchos, muchos fans. Sin dudas ello provocó que la banda decidiese, antes de lanzar un disco, salir de gira, lo que les serviría de estreno mundial, donde presentarían algunos temas nuevos y medirían la respuesta del público para con ellos. Así, la incipiente agrupación pasearía su música por -además de Brasil- Francia, México, Argentina y Chile, donde se presentó el Jueves 17 de Mayo del 2001 en el Estadio Chile. En aquellos momentos Shaman sólo tenía un tema algo conocido (a través de su difusión por internet), Time Will Come, pero el show -a pesar de la poca cantidad de público- superó expectativas, recorriendo momentos inolvidables de Angra, presentando 4 temas propios (la mencionada Time Will Come, Blind Spell, For Tomorrow y un corte que finalmente no aparecería en el disco debut de Shaman, Be Free), recordando a Viper con Living For The Night e incluso terminando con For Whom The Bell Tolls de Metallica con Matos en la batería, Hugo en las voces y Confessori en la guitarra.

Ya desligado de Angra, André Matos participó como músico invitado de algunos proyectos, destacándose los dos discos de Avantasia, pero sin dudas lo que más destaca es que pudo dar forma a Virgo, junto a Sascha Paeth. Este proyecto se alejaría considerablemente de lo que se conocía de Matos, como un vocalista de Heavy Metal, puesto que se trata de un trabajo muy influenciado por Queen, además de una multiplicidad de elementos ajenos al metal en sí, con toques rockeros, setenteros, e incluso con guiños de pop y blues. Era obvio que el disco iba a ser objeto de comentarios debido a que el disco no era ni por si acaso de metal, pero muchos fans y especialmente la crítica supieron apreciar la calidad de este proyecto que, valga la redundancia, no era más que un proyecto anexo a las actividades de Matos como músico de Heavy Metal.

shamanCon el material listo, Shaman se trasladó a la ciudad de Wolfsburgo en Alemania para lo que sería la producción (a cargo de Sascha Paeth) y grabación de su primer disco. El lanzamiento del mismo se produciría en Junio del 2002, lo cual acarreó una particular expectativa por parte de la prensa especializada y de los fans a nivel mundial, especialmente debido a que el renovado Angra ya había lanzado meses antes su disco Rebirth, que tuvo una gran aceptación a nivel mundial. Antes de lanzar el disco, Matos prometía: “crearemos un nuevo estilo dentro del Metal, que podría llamarse Mystic Metal“.

La espera se hizo larga, hasta que al fin fue lanzado con bombos y platillos Ritual, un disco que dista de ser ganchero con temas sencillos de tres minutos. Ritual cuenta con una complejidad estilística que, cuando menos, llama la atención. Lo más interesante de todo es que Shaman se hace cargo de la herencia de Angra pero logra inmediatamente una identidad propia, con un sonido muy heterogéneo en el cual se encuentran percusiones africanas, zampoñas, violines y charangos, entre otros instrumentos. En Ritual destacan cortes como la notable For Tomorrow, Here I Am, Blind Spell o la eléctrica Pride, que cuenta con la no despreciable ayuda de Tobias Sammet (Edguy, Avantasia). Además de Sammet, figuran como músicos invitados personajes de la talla del propio Sascha Paeth o Derek Sherinian (Planet X, Dream Theater, Platypus, Yngwie Malmsteen). Del disco se lanzarían dos videoclips, de los temas Fairytale y For Tomorrow. Confessori narra el proceso de grabación: “La grabación y la mezcla tomó tres meses. Nosotros básicamente no acostumbramos a jammear y ensayar por largos períodos de tiempo como lo hacíamos en Angra. André, Hugo y yo preparábamos demos secuenciados con canciones completas o terminadas a medias y yo estaba encargado de hacer las grabaciones con instrumentos reales en mi casa, así que luego decidíamos que era lo que sonaba bien escuchando estas grabaciones. Luis no esta muy involucrado con los secuenciadores, así que el tocaba sus ideas en el bajo“.

Matos nunca ha hecho el quite a hablar de sus sentimientos tras su salida de Angra, lo que volvió a cobrar auge tras la salida de los discos de ambas bandas. Respecto a sus ex compañeros de banda, señala: “Fue su decisión quedarse con el mismo management, y el nombre pertenecía al mismo, por eso nos fue imposible permanecer como Angra. Fue tomar el camino más seguro, por decirlo de algún modo. Ellos son fantásticos, los conozco desde hace mucho tiempo en Brasil, muy buenos músicos. Pero para ser sincero, sin mentir, creo que el espíritu de lo que era Angra antes, se quedó con nosotros, que somos la mayoría. En primer lugar porque lo que teníamos en la cabeza era siempre buscar cosas nuevas, innovaciones, pasión en lo que hacemos. Y no solamente una actitud oportunista de hacer las cosas por la plata, o simplemente mantener un nombre que ya estaba ahí. Nos arriesgamos mucho, pero sabemos que la gente más honesta está con nosotros“.

vEl año 2003 sería pródigo en presentaciones en vivo para Shaman, en lo que se llamaría el Ritual World Tour, pero lamentablemente no visitaron nuestro país, a pesar de que se anunció una fecha, la que posteriormente fue pospuesta para otra, y luego indefinidamente. Siguiendo con las “decepciones”, Shaman iba a ser la banda soporte de Metallica en Brasil, pero debido a la cancelación del recital del cuarteto estadounidense esto no se llevó a cabo. Más allá de lo anterior, Shaman registró su presentación en el Credicard Hall en São Paulo del día Sábado 5 de abril de 2003 para lanzar su primer DVD, titulado RituAlive. Cabe destacar que en este recital se utilizó una producción especial (mucha pirotecnia) y participaron músicos invitados de la talla de Tobias Sammet, Sascha Paeth, Andi Deris y Michael Weikath. Del producto final lamentablemente se eliminaron cortes como Living For The Night (Viper), Crazy Me? (Virgo) o Inside (Avantasia), pero a la larga es un interesante material de 115 minutos de duración. De esta misma presentación se extrajo material para realizar un disco en vivo, lanzado este año 2004, también denominado RituAlive, que contiene menos canciones que su homónimo DVD.

Ya este año 2004 la banda ha continuado con sus presentaciones en vivo, planeando pasear su música por Europa (España e Italia, especialmente) y por Sudamérica, agendándose una fecha para Chile para el Viernes 18 de Junio en el Teatro Providencia. Es de esperar que esta vez la banda sí pueda concretar su visita y superar el trago amargo que significó su no venida en los años pasados.

En estos momentos Shaman, además de encontrarse en medio de una gira, ha ido madurando ideas para lo que será su segundo disco. De hecho, muchos temas quedaron fuera de Ritual. De todas formas, más allá de esto, el hecho de que no vengan a Chile con un disco “nuevo” no debería ser de fundamental relevancia, debido a que ahora se trata de una banda consolidada, con un disco en el mercado, y no sólo como una agrupación incipiente con músicos de excepción. Y bueno, siempre será un placer recibir en Chile a músicos de esta categoría y especialmente a Matos, quien se ha ganado la idolatría de la fanaticada latinoamericana gracias a su voz y a su notable carisma.

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Primal Fear

Una banda formada por el ex vocalista de Gamma Ray y por el vocalista y líder de Sinner. Todo partió como un juego y terminó siendo un consolidado proyecto que hasta el día de hoy recorre los más inesperados rincones del mundo. Si hay alguna banda que destaca por su grandeza al tocar frente a cualquier público, esa es Primal Fear, una banda que ha demostrado carácter y agresividad, fuerza y pasión sobre los escenarios de los cinco continentes.

Una banda que al primer salto logró volar por todos los cielos.

LA HISTORIA COMIENZA EN EL HOGAR

Mat Sinner, líder de la banda que lleva por nombre su apellido, y Ralf Scheepers, ex vocalista de Gamma Ray, se conocían hace mas de 15 años, habían vivido en el mismo pueblo toda la vida y jamás habían cruzado palabras sobre hacer un trabajo juntos o simplemente sobre la música de la cual tanto gustaban ambos.

Ralf pasó por distintas bandas, desde Beast Of Prey y Tyran Peace hasta Gamma Ray, con la cual logró dar un paso más allá y destacarse en el medio del heavy metal como uno de los vocalistas con mayor capacidad vocal, con una aptitud agresiva como frontman. Su mayor caída fue cuando, esperanzado por poder reemplazar a Rob Halford, vocalista de Judas Priest, deja Gamma Ray de forma problemática. Para su pesar el puesto de vocalista en Judas es ocupado por el norteamericano Tim “Ripper” Owens, lo que deja a Ralf en completa soledad y sin ningún proyecto por delante.

Es así como al poco tiempo Ralf recibe una llamada de Tom Naumann, guitarrista de Sinner, pidiéndole que participara con algunas líneas en los coros de su próximo álbum. Deseoso de participar en algo, Ralf acepta sin ningún problema y es allí donde conoce a Mat Sinner, líder de la banda, con el cual comparte grandes conversaciones en las que acuerdan con mucho entusiasmo comenzar a trabajar juntos en un gran y nuevo proyecto.

Primal FearPrimal Fear

LOS PRIMEROS PASOS HACIA LA GLORIA

Es así como en 1998 la banda formada por Ralf Scheepers en la voz principal, Mat Sinner en el bajo y las voces secundarias, Tom Naumann en la guitarra y Klaus Sperling en la batería, con el cual Ralf había tocado cuando jóvenes en Beast Of Prey, saca a luz su primer trabajo llamado Primal Fear, tal como el mismo nombre de la banda. El álbum se posiciona rápidamente en el numero 48 de los rankings alemanes de música rock, lo cual lo transforma en un gran éxito para la banda. El álbum homónimo es considerado de gran encanto por aquella fuerza que Ralf pone en las voces, muy parecido al trabajo de Halford, lo cual marca muy tempranamente a la banda con el estilo de Judas Priest. Este mismo año la banda recorre los escenarios junto a Running Wild y aparece en festivales del medio europeo, incluyendo el famoso Dynamo.

Primal FearSiguiendo por el mismo camino y con mucho entusiasmo la banda continúa trabajando con mas fuerza que nunca. Esta vez la novedad esta en el ingreso de Stefan Leibing, ex guitarrista de Insanity en donde había sido compañero de Klaus.

Contentos con su primer álbum, pero sin sentirse completamente satisfechos, la banda busca llenar aquel vacío e invitan a Stefan por iniciativa de Klaus, a participar de la banda.

En junio de 1999 aparece el nuevo álbum de la banda titulado Jaws Of Death que alcanzó la posición 49 de los charts alemanes, lo cual no fue considerado como un éxito ya que esperaban superar a su primer álbum. Si bien sentían que su disco no había logrado lo querido, no fue hasta presentarse en vivo que se dieron cuenta del efecto logrado. Primal Fear se había transformado en muy poco tiempo en una de las bandas más fuertes, más agresivas y más candentes en sus shows en vivo. Tuvieron sus primeras presentaciones fuera de Europa en Brasil y Japón y el éxito fue rotundo, las entradas agotadas confirmaban que Primal Fear era algo más que una banda de estudio.

Jaws Of Death es una placa que sigue el mismo estilo del primer álbum. Esta vez la producción incluye un cover de Rainbow, Kill The King, tema elegido en especial ya que era una de sus canciones favoritas, que cierta forma sirvió de gancho para dar a conocer las vedaderas raíces de la banda.

Primal FearAl mismo tiempo que salió este segundo trabajo, Primal Fear colaboró con el sello Nuclear Blast en un álbum tributo a Accept grabando el tema Breaker. A fines del ’99 la banda realiza su tour por Alemania acompañados de Metalium y Sinergy como teloneras. Además, en el tour por Japón son acompañados por Sinner como número principal en sus shows.

Después de la gira de Jaws Of Death la banda comienza buscar un sustito para Tom y la respuesta la encontrarían muy cerca en la persona de Henny Wolter (ex Thunderhead) quién ya había tocado anteriormente junto a Tom en Sinner y era reconocido como un gran guitarrista de la escena metalera. Antes de comenzar a enfocarse en su próximo trabajo, Primal Fear organiza un concierto en su ciudad natal Esslinge, Alemania para probar la reacción del público ante esta nueva formación. La respuesta habló por sí sola, siendo este uno de los mejores conciertos en la historia de Primal Fear.

El grupo ahora se concentra en su próximo trabajo…

EL ÁGUILA VUELA POR SOBRE LAS NUBES

Los momentos de euforia vividos hasta ahora por la banda, el éxito de sus dos primeras placas y la gran aceptación del público los lleva a trabajar a toda marcha en su próxima producción. El resultado impacta en la escena metalera, la tercera placa de Primal Fear, bautizada tempranamente como Nuclear Fire, se transforma en el mejor trabajo de la banda sin discusión alguna. Agresivo, fuerte, penetrante son algunas de las palabras que la crítica especializada usó para definir a este álbum, sin lugar a dudas un trabajo excepcional. El álbum comienza reventando a toda maquina con Angel In Black, canción que además de ser su primer video clip se transforma en un clásico, obligado para cada concierto. El disco incluye los característicos rasgos de Primal Fear como esa poderosa y agresiva vos de Ralf, aquellos inconfundibles solos de guitarra y esos asesinos riffs de la nueva dupla Stefan/Henny. El álbum, además de ser poderoso en extremo, incluye una balada llamada Bleed For Me, en donde Ralf demuestra que puede ser uno de los cantantes más emotivos y la cuál ha pasado a ser una de las baladas más clásicas del metal ahora último.

El álbum es producido por el mismo bajista y fundador de la banda, Mat Sinner, en la House Of Music en Winterbach, con la ayuda del ingeniero Achim Köhler y las mezclas son realizadas por los estudios Hollywood Blasers.

Nuclear Fire tiene una mejora increíble en cuanto a lo que es sonido, por lo que se nota una preocupación de la banda en hacer que este álbum destaque de forma notable sobre los anteriores. El trabajo de la banda con Nuclear Fire, ya no es mostrar quién es Primal Fear para comenzar a ganar audiencia y respeto, el objetivo ahora es asentarse como una banda de peso y mostrar de qué es capaz Primal Fear y cada uno de sus integrantes.

Primal FearPrimal FearPrimal Fear

El 2001, año en que el álbum ve la luz, es uno lleno de sorpresas y magia para la banda. Nuclear Fire agarra el lugar numero 37 dos días después de su lanzamiento en Alemania, llega a estar dentro de los 20 mejores en los charts europeos y el numero 23 en Japón. Durante su gira son teloneados por Children Of Bodom y Sacred Steel. Se presentan en festivales como Wacken Open Air, el cuál es filmado y pasa a ser parte de lo que más adelante sería el primer, y hasta ahora único, DVD de la banda, y Bloodstock. Así también tienen sus primeros shows en Estados Unidos, con un éxito total.

La banda sorprende con lo especial de sus shows y particularmente con el nuevo look del frontman, Ralf Scheepers, quién al perder una apuesta con Mat se ve obligado a afeitarse la cabeza.

El mismo año la banda vuelve a participar en un tributo con la canción Out In The Fields, para el álbum The Spirit Of The Black Rose. Además hacen un compilado con sus tres cover:Out in the Fields, Hill The King y Breaker, el cual es titulado Out In the Fields.

Así como para Primal Fear el 2001 fue un año que los marcó para siempre, también fue un año en que marcó al mundo completo. Es por esto que a raíz de los atentados ocurridos en EE.UU. el 11 de septiembre, Ralf y Mat deciden contribuir con el German Rock Stars, conjunto formado por estrellas del rock germanas para rendir honor a las víctimas de los atentados en el World Trade Center en EE.UU., con la canción Wings Of Freedom.

UN CONCEPTO Y UNA IMÁGEN

Generalmente se ha hablado de que en los álbumes conceptuales el trabajo de la música siempre es de menor calidad, pero son muchísimos que demuestran lo contrario…

Primal Fear

Y en la cuarta producción el álbum sería conceptual, lo cual produjo duas e incertidumbre, tanto en fans como en la crítica. El concepto sería el siguiente: el vuelo de las águilas hacia el sol negro y las fatalidades por las que pasa la Tierra, por lo que la única salvación es encontrar otro planeta, el sol negro.

El trabajo fue mucho más duro que antes, esta vez hubo que darle una especial dedicación a las letras y un especial cuidado a la música, ya que la banda no quería descuidarse y darle un menor nivel de lo que ya habían hecho. Cada espacio debía ser definido, cada nota debía estar pensada con especial cuidado y con especial justificación.

La banda comienza las grabaciones en diciembre en The House Of Music Studios para en enero del 2002 mudarse al Sonic Ranch en El Paso, Texas en donde terminarían las grabaciones y las mezclas. Cada detalle tenía su espacio, por lo que el artwork de la carátula debía ser hecho de forma especial y por alguien especial. Después de recibir diferentes propuestas, finalmente se decidieron por la del artista Stephan Lohrmann, quién logro integrar de forma simple el complejo concepto que involucraba al disco y darle aquella marca que tenían todos los álbumes de la banda hasta el momento.

El resultado del arduo trabajo llegó a manos de los auditores el 24 de abril de 2002 y logró impactar de la forma esperada. Habían conseguido un álbum fuerte y complejo, con letras que sobresalían de lo común y que iban de la mano con la fuerza de la música. El álbum entra rápidamente en el puesto 55 de los charts alemanes y es éxito dentro de la escena metalera alemana. El disco tiene la colaboración de Mike Chlasciak, guitarrista de Rob Halford en los temas Controlled y Fear.

Contentos con los resultados la banda anuncia una extensa gira por Europa junto a Rage, por Rusia, EE.UU. y Sudamérica.

Black Sun es el título que lleva por carga un álbum lleno de magia y de poder, de agresividad y de aquello que hemos conocido hasta el día de hoy como Primal Fear.

Después de realizar más de 30 conciertos en Europa y recorrer más de 11 países alrededor del mundo, la banda comienza trabajar de nuevo. Esta vez las filas de Primal Fear se verían nuevamente afectadas, esta vez la guitarra volvería a sus manos originales con la vuelta de Tom Naumann a la banda, ya que Henny por razones personales decide retirarse. Así en diciembre del 2002 la banda decide realizar un tour por Sudamérica nuevamente y realizar una gira Estado Unidos-Canadá, haciéndose parte de esta forma del Metal Gods Tour junto a Halford y Testament entre otros. Esta vez con Randy Black detrás de la batería reemplazando a Klaus que se encontraba de gira con su bandas My Darkest Fear.

Durante el verano la banda decide continuar tocando en Europa y participa en festivales como el Blind Guardian Open Air, Metal Manía en España, donde la banda tocó una increíble versión del clásico Breaking The Law junto con Hammerfall, The Rock Otocec en Slovenia, Wacken Open Air 2003 y el Summer Breeze Festival, en el cual la banda presenta a Randy Black (ex Annihilator) como su nuevo y permanente baterista. Antes de lanzar una nueva placa y como forma de tomarse unas pequeñas vacaciones, la banda lanza su primer DVD oficial el 29 de septiembre del 2003 titulado The History Of Fear. La caja incluye un DVD de 160 minutos y un Live Bootleg oficial de la banda grabado en el tour de Estados Unidos-Canada.

Primal FearPrimal Fear

Cansados después de tanto ajetreo vuelven al dulce hogar, a reponerse y a comenzar a trabajar con Naumann nuevamente en la guitarra y con Randy detrás de los tambores como miembro y colaborador permanente.

Ya tenían bastantes canciones acumuladas como para hacer un nuevo álbum, de hecho ya lo habían titulado como In Metal, sin embargo nació un nuevo concepto y una nueva idea que cambio todo el futuro de esta nueva placa. En una entrevista Tom menciona: “Todos sabemos que es lo que sucede sobre la tierra, pero sobre que pasa kilómetros debajo de nuestro pies no tenemos idea”. El nuevo álbum se titula Devil´s Ground y salió al mercado el 24 de febrero del presente año. Las letras fueron trabajadas desde la gira del Black Sun por Ralf, Mat y Tom. Se grabó un vídeo clip para la canción Metal Is Forever, la que pretender transformarse en un nuevo himno del metal.

Devil´s Ground es un álbum más potente y agresivo que Black Sun, sin embargo no ha logrado aquel efecto del Nuclear Fire o el mismo Black Sun que a través de su concepto logró impactar fuertemente en los fans.

La banda también grabó dos covers para este álbum; El primero de Iron Maiden, Two Minutes To Midnight y el segundo de Black Sabbath que fueron lanzados en ediciones especializadas para Japón y EE.UU.

En una entrevista Ralf habla sobre su nuevo álbum, comentó: “Devil´s Ground lo hicimos tal vez de forma rápida, ya que el concepto nos gusto mucho. Tal vez deberíamos haberle dado una vuelta más antes de lanzarlo, creo que nos sentimos presionado un poco, porque cuando teníamos casi listo In Metal se nos ocurrió esto y bueno, aquí estamos. Estamos bastante contentos con el álbum, es lo que queríamos exactamente, pero nos falta tiempo para que nuestros fans logren entender el concepto y este nuevo álbum. Tal vez es algo muy personal sobre lo que trata, pero queremos que el sentimiento sea general”…

EL VUELO FINAL

Primal FearPrimal Fear desde sus inicios se posicionó como una fuerte banda de heavy metal, con un estilo muy agresivo. Es una banda que tiene más de siete años de recorrido y cinco álbumes de gran éxito cada uno. Sus mayores logros han sido en Europa con una gran seguidilla de fans. En Sudamérica han tenido una gran llegada, sin embargo han sido consideradas como bandas de segunda prioridad. La banda no ha logrado aquel efecto que logró en Europa, no es una banda favorita dentro de lo oyentes de metal, pero sí es una gran banda. De cierta forma Primal Fear ha pasado a ser una banda de un estilo más puro, lo cual gusta a un público mas determinado, más selectivo.

Por otro lado, la comparación a la que Primal Fear ha sido expuesta a lo largo de su carrera, con la leyenda británica de Judas Priest, ha despertado la polémica Algunos aseguran que Primal Fear sólo sigue el camino de los británicos y que no tienen estilo propio. Una vez Ralf Scheepers dio la cara respondiendo a estas críticas:

“Escucha los dos últimos discos de Judas Priest y toma después el Nuclear Fire y Black Sun. Compáralos, mírame a los ojos y dímelo en la cara que tratamos de copiar a Priest. ¿No te parece una imbecilidad? En Primal Fear somos cinco integrantes con cinco visiones distintas, cinco músicos con cinco distintas formas de escribir canciones. Entonces, ¿cómo creen posible que nuestra gran meta sea copiar una banda? ¿No te parece otra imbecilidad?

“La manera en que canto es la manera en que siempre he cantado. Me paro detrás del micrófono y abro mi boca sin pensar en nada más que entregar todo el poder y sentimiento que tengo guardado. ¿Quién se atreve a decir que me gusta copiar? ¡PURA MIERDA!

!Existen similitudes entre las bandas de metal porque es un estilo en sí…”

La dupla creadora, Ralf y Mat, ha logrado con mucho esfuerzo crear un equipo increíble y juntos han logrado afinar cada detalle para crear un trabajo maravilloso. Primal Fear ya ha demostrado que no es solo una banda de estudio, que no es una banda de segunda categoría, sino que con trabajo y esfuerzo ha logrado posicionarse como una de las bandas más feroces que se puede ver en vivo.

La cuna del Power metal, Alemania vio nacer en 1997 una banda que en un principio parecía un proyecto de diversión y que no prometía mucho, sin embargo a través del tiempo Primal Fear ha demostrado sus capacidades y se ha superado en cada trabajo.

Hay muchas bandas que pasan desapercibidas y casi son desconocidas completamente, esto no quiere decir que su trabajo sea malo, pero si es una señal de que algo les falta. De cierta forma Primal Fear ha tenido un éxito mucho mayor y una mayor evolución en países europeos, tal vez porque se han abocado a realizar su carrera en su tierra natal, tal vez porque desde siempre los ha unido en su historia un fuerte sentimiento de apego a su hogar, a su ciudad o simplemente pueda ser que a los fans de otros continentes guste más otro estilo de música. Sin embargo siempre se ha hablado de Primal Fear como una de las bandas más potentes en vivo, por lo que apremia verlos en esta faceta para poder conocerlos de forma completa.

Un trabajo impecable ha realizado por años esta banda proveniente de Esslingen. Su música es aquella que se hace con amor y con entusiasmo, con mucha fuerza y pasión, y no es hasta que llega a los oídos del oyente, de aquel fan que goza con la composición que el autor no se siente satisfecho. El mayor momento de gloria es sobre el escenario, en donde esta composición se hace realidad frente a los ojos y oídos del fan y es allí donde han sido más fuertes, donde volando como un águila de metal, Primal Fear llega para tocar el corazón de sus admiradores y rápidamente se va para dirigirse a otros caminos.

“If You Go To Hell …You Will Be There Forever”

Primal Fear

Alineación actual:

Tom Naumann (Guitarras)
Randy Black (Bateria)
Ralf Scheepers (Voz)
Mat Sinner (Bajo)
Stefan Leibing (Guitarra)

Iced Earth

Pasión, actitud, ambición, integridad y convicción, sobre todo determinación y honestidad… Eso es Iced Earth.

A través de sus casi 20 años de existencia, estos norteamericanos han realizado un largo y paulatino ascenso en la “ilusión y gran mentira” que es el negocio de la música con canciones que no son más que espíritu, garra y corazón, de verdad.

La banda no cedió ante los vaivenes de las tendencias y se paró firme contra ese mundo, sola, costara lo que costase. Ni siquiera ha hecho caso a las corrientes metaleras de su tiempo, ni el Death cuando se estableció en Florida o el Power a finales de los noventa, Iced Earth sólo ha seguido su propio enfoque. Han salido con la frente en alto, pero sus logros no han sido gratis… meses que durmieron en casas abandonadas, trabajo duro, tiempos de oscuridad, frustraciones e infortunios de la naturaleza más inverosímil, partida de miembros, malos negocios…

Pero nunca fueron excusas ni disculpas. Y acá está ahora Iced Earth como una de las bandas más sólidas en el metal hoy por hoy…

Iced Earth

Fuck trends and fuck posers!!! Esa frase proviene del guitarrista rítmico, fundador y creador de una visión que llamó Iced Earth. Jon Schaffer, un muchacho de 16 años que huyó de su casa y familia para seguir su destino en el que conocería lo mejor y peor de la vida, pero que ha mantenido su visión inalterable hasta hoy, a pesar de las duras pruebas que le han puesto en el camino. Para él, nada es más importante que su arte y su creación, “el vehículo para transmitir emociones”, Iced Earth. Unos versos escritos por él mismo podrían resumir en seis líneas la vida de Jon Schaffer:

Close your eyes and imagine
The Soldier at Valley Forge…
The suffering that he endured was real
Starvation, total war
Yet in his eyes, The iron will to win
And for cause he won’t relent…

Pero hay una historia admirable que contar…

¡YA VINIMOS Y LO HAREMOS!

Para llegar a la génesis de Iced Earth, hay que situarse en los Estados Unidos de mediados de los ochenta, Indiana, en 1985, cuando un joven rebelde y busca problemas llamado Jon Schaffer decidió crear una banda con unos amigos del colegio.

Desde los cuatro años que ha estado inmerso en el rock gracias a su hermana mayor que lo expuso a los primeros discos de Kiss. Su fascinación aumentó cuando de la misma manera conoció a Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Alice Cooper y Deep Purple, entre otras. A los siete compró su primer álbum, Alive! de Kiss, y a los once asistió a su primer concierto de la banda neoyorkina, oportunidad en que conoció a otro conjunto que lo marcaría: Judas Priest. “Nunca había visto algo como eso”… días después ya tendría en sus manos Hell Bent for Leather. Pero más tarde con Iron Maiden, aparecería el deseo de dedicarse a la música: “Steve Harris era mi ídolo (…) Cuando Iron Maiden salió me dio vuelta por completo (…) Quería hacer buenas canciones, no ser un guitarrista superestrella”.

Fue en el primer año de secundaria cuando empezó a tocar la guitarra, cuando formó su primera banda llamada The Rose. Aunque no duró mucho, Jon creó el logo de este grupo en clases de arte gráfico y ocupó el mismo estilo de letra que años después luciría su futura banda.

Iced EarthNo obstante, la vida era dura en Indiana. Schaffer sentía que allí iba a ser imposible concretar sus pretensiones. Su padre quería que manejara en el futuro el negocio familiar, un bar restaurante en un pueblo del estado, tenía problemas en casa (lo que nunca schaffer a entrado en detalle), vivir no era fácil y su rebeldía le aconsejó dejar su hogar y empezar su carrera musical lejos. Mientras más dificultades tenía con su familia, más se adentraba en el mundo de la música. Este conflicto duró hasta que un trágico hecho le ayudó a tomar la decisión: Bill Blackmon, su mejor amigo desde tercer grado, murió de forma terrible en un accidente de moto. Esto lo marcaría toda su vida en adelante. Así, Jon, de 16 años, tomó sus maletas y partió a Tampa, Florida. De los miembros de la banda de colegio, que luego pasó a llamarse Purgatory, sólo lo acompañó el baterista Greg Seymour, mientras que el resto de los integrantes permanecieron en Indiana porque “no quisieron abandonar a sus mamis”.

Jon partió a Florida en 1985, pensando que sería la cuna de una nueva gran escena con Nasty Savage y Savatage, que no se concretaría debido a la vorágine del grunge en Seattle, y francamente porque “viviría en la calle y allá hacía calor”. Con Greg llegó a Tampa sin dinero, empezando desde abajo sin absolutamente nada. Por unos meses tuvieron que dormir en el auto… y lo habrían hecho por más tiempo si no hubiese sido por un “accidente”. Una noche, después de una pelea, borracho y fuera de juicio, Jon estrelló el vehículo en una cabina telefónica al frente de un Burger King. El auto quedó hecho pedazos y causó 35 mil dólares en daños. Afortunadamente Schaffer salió ileso y los policías sólo le dieron un parte por exceso de velocidad. Esto los obligó a romper ventanales y puertas de casas abandonadas para acostarse en el suelo, pero Jon tenía la convicción absoluta de que saldrían adelante: “Fueron tiempos muy duros. Yo casi no sabía tocar la guitarra y Greg apenas podía con la batería… ni siquiera teníamos una. Pero nuestra actitud era: ¡ya vinimos y lo haremos! (…) Quería hacer este sueño realidad por mi amigo muerto… él era mi hermano de sangre, mi mejor amigo y por él yo estaba allá”. Habría sido muy fácil devolverse a Indiana, pero eso para Schaffer era admitir el fracaso y renunciar a su sueño.

Iced Earth

Pronto buscaron cualquier tipo de trabajo en un local que ofrecía empleos diarios por 20 dólares, desde construcción en edificios, barrer calles en pleno verano, reparar hoyos del pavimento, etc. Sólo en la noche, exhaustos de vuelta de las labores, encontraban tiempo para ensayar y escribir canciones. Así juntaron un pequeño capital que les permitió arrendar un departamento. Ya con un techo sobre sus cabezas, Greg compró una batería y Jon una mejor guitarra y amplificador. Después de ocho meses la situación mejoró, por lo que estaban ya en condiciones de continuar con la banda. Jon contactó al resto de Purgatory que se había quedado en Indiana y llegaron hasta Tampa… pero duraron muy poco. Un día, cuando Jon y Greg llegaron del trabajo, encontraron una nota junto a la puerta que decía -o debió haber dicho: “Arrugamos, nos devolvemos a Indiana”. Nunca más se supo de ellos.

NO SE LLEGA AL CIELO SIN PASAR POR EL PURGATORIO

Ahora tenían que encontrar a nuevos músicos. Se les permitió ensayar en una tienda que en ese entonces trabajaban y empezaron a jammear en el tiempo libre. Algunas personas que escuchaban el ruido desde fuera del local, y otras que vieron los anuncios de Jon en el diario, comenzaron a visitarlos. Conocieron a una tal Richard Bateman, quien se ofreció para ser bajista, al guitarrista Bill Owen y Gene Adam como cantante. Esta fue la primera alineación de Purgatory que realmente empezó a tocar en Florida, estado conocido posteriormente como el “Death Metal State” por la arremetida de grupos como Death, Morbid Angel, Obituary y Deicide. Purgatory no se unió al movimiento y propuso un metal melódico y poderoso con influencias más directas de Iron Maiden, Judas Priest y Black Sabbath.

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La primera presentación de Purgatory fue en la noche de Halloween de 1985, abriendo el show de Nasty Savage. Hicieron actuaciones en varias tocatas en la bahía de Tampa y ganaron un buen número de seguidores. En ese entonces, la imaginería del grupo inspirada en películas de terror era fuerte. Escribían temas con letras gore, se vestían con ropas largas y capas oscuras y llevaban los filmes al escenario. Gene se disfrazaba de Freddy Krueger de Pesadilla, un amigo encarnaba a Jason de Martes 13 y traían bolsas con tallarines, vísceras de vacuno y salsa de tomate y las arrojaban al público. Con estos tipos de actos, Purgatory se ganó el odio de unos y la admiración de otros, pero nadie quedó indiferente.

Sobre estos días, escribe el periodista Sumit Sandra: “Muchas de las otras bandas de la escena pensaban que el camino al éxito era tocar covers y ocupar esa exposición para presentar a la audiencia algunas originales. Jon nunca compartió eso. Pensaba que tocar covers era un boleto directo para transformarse en un grupo de bar”.

Fue tiempo de empezar a grabar demos cuando ganaron cierta notoriedad en el círculo metalero de Florida. El primero se llamó Burning Oasis, registrado en sólo cuatro pistas, hecho ese mismo año. Este cassette con cuatro temas, Burning, Jack, Lobatomy y Jason, estuvo demasiado lejos de conseguirle algún acuerdo discográfico, pero les sirvió para conocer a Tom Morris de Morrisound Studios, quien enseguida les ofreció grabar otra maqueta.

Esta vez se ocuparían ocho pistas para Psychotic Dreams, en el que se regrabó Jack y Jason (ahí llamada In Jason’s Mind). Este fue seguido por el primer cambio en la banda. Bateman decidió aceptar la oferta de John Cyris de unirse a Agent Steel, conjunto donde encontró prominencia como después también en Nasty Savage. Jon recibió la misma oferta la cual declinó en el acto, porque estaba decidido a seguir su propia visión.

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Así llegó el bajista Dave Abell que a la postre sería pieza fundamental en los primeros años del conjunto. Con esta formación grabaron el tercer demo, en menos de cinco meses entre cada uno, titulado Horror Show, que básicamente era el Psychotic Dreams incluyendo el tema Dracula, escrito entre Schaffer y Abell. Purgatory se encargó de hacer las carátulas de estos demos que vendían en cassettes vírgenes en sus shows. Con recursos limitados, hacían el máximo posible. Sin embargo no tuvieron la acogida esperada porque no se ajustaba al Death Metal imperante. Más tarde Schaffer diría: “La prensa dirá con toda seguridad que no somos una banda Death Metal, sino Power Metal (Metal Hammer, enero 1991)”. Aunque, cuando bien avanzada la década de los noventa el término Power Metal había evolucionado a lo que se conoce hoy, prefirió no autoencasillarse. “Tenemos tantos elementos en nuestra música que no sería justo”.

Desafortunadamente, otro grupo llamado Purgatory, de Cleveland, para nada familiarizado con el metal, había ya lanzado un álbum con un sello de cierta importancia. Intentaron en 1987 con Purgatory 60 y, en vez de grabar demos, hacer una promoción mejor y mayores producciones en los shows. Flyers con ilustraciones, mejores artworks para sus maquetas, chapas con el logo, incluso poleras de Psychotic Dreams. El show que hacían cuando eran el número principal duraba cerca de dos horas, en una tarima que incluía cortinas negras y grandes pendones, criptas de piedra y tumbas en el escenario, una batería enrejada y con calaveras, hasta incluso pirotecnia. Un gran espectáculo si se comparaba al resto de los conjuntos de la escena.

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El último show de Bill Owen fue en enero de 1988, quien dio lugar a otro miembro fundamental: Randy Shawver, el guitarrista líder que se transformó en el socio de composición de Schaffer en los primeros discos. Sin embargo toda la parafernalia del grupo en vivo fue en vano. Cinco meses después, Schaffer cayó en cuenta que el “cambio de nombre” a Purgatory 60 había sido poco efectivo, así que no le quedó más alternativa que buscar otro, el cual lo encontró sin problemas. Bill, el gran amigo de la niñez y adolescencia de Jon, ahora muerto, le había sugerido un título que el guitarrista lo había desestimado. Pero en una forma de honrar su memoria rebautizó al grupo como hoy se le conoce: Iced Earth.

LA ENTRADA AL REINO CONGELADO

El 25 de junio del ’88 fue el debut del grupo con su nueva etiqueta para luego concentrarse en grabar su cuarto demo. Los músicos y las canciones eran mejores, por lo que había que empezar a tomar el asunto de forma más seria. Tom Morris, productor de Morrisound Recording Studios de Tampa, se acercó otra vez a Iced Earth y los asesoró para sacar un demo de buena calidad que fuera considerado por la prensa y pudieran conseguir algún contrato.

Iced Earth
Enter the Realm se grabó en 1989 y consta de seis pistas entre las que se encuentran el clásico tema-himno Iced Earth, Nightmares y Curse the Sky entre los más destacados. El conjunto se encerró por un largo período y gastó una buena suma de dinero con el convencimiento de que si lo hacían bien, se les abrirían varias puertas. El demo gozaba de una calidad de producción de un LP, con una presentación que incluía portada a todo color.

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manufacturó de manera independiente mil copias, 500 para distribución a sellos, medios y todo tipo de contactos en Norteamérica y, por qué no, en Europa. La otra mitad fue para la venta. Jon llegaría con cantidades groseras de demos al correo para enviarlos a todos los lugares imaginables. Y funcionó. Enter the Realm tuvo una espléndida acogida en el medio underground especializado, sobre todo -y sorprendentemente- en Alemania. Enviaron una cinta al editor de Rock Hard y la revista le otorgó el premio de demo del mes y, más tarde, demo del año, además de pedir permiso para venderlo con una de las ediciones.

Iced EarthOtra copia llegó a Robert Kampf de Century Media Records en Alemania. Cuando vio la calidad de la música y al darse cuenta de la difusión que Iced Earth tenía en el país teutón con Enter The Realm, decidió ofrecerles un contrato. Jon no había presupuestado que desde el otro lado del Atlántico salieran ofertas porque lógicamente hubiera esperado entablar negociación sólo con sellos americanos, pero la oferta de Century Media era la mejor… la reacción del público germano había sido muy buena por lo que no era “tan malo” firmar con una casa discográfica no estadounidense. Así lo hicieron entonces en enero de 1990. “La principal razón de por qué nos contrataron -explica ahora Jon- fue gracias al trabajo de las guitarras que Randy y yo hicimos que se ha transformado en nuestra marca registrada”. Sobre su estilo característico de galopeos desenfrenados, Schaffer se refiere: “Lo desarrollé solo. Nunca tomé clases, empecé a experimentar con las cuerdas bajas, el palm muting y eso. Nunca nadie me enseñó cómo tocar en realidad”.

Recién en 1997 decidió tomar sus primeras clases porque “puedo imaginarme todo en mi cabeza y sé cómo tienen que ir en la guitarra, pero no por qué van así (…) Quiero saber por qué hago las canciones que hago (…) No sé nada de escalas -decía en ese entonces-. Ahora aprenderé algunas para aumentar mis conocimientos (…) pero seguiré siendo un guitarrista rítmico”.

A un mes antes de lograr la firma, Greg Seymour, el baterista y miembro fundador, dejó el grupo. Mike McGill, ingeniero eléctrico encargado de la iluminación (sí, ya contaban con roadies) quien conocía los temas que grabarían en el álbum, tomó las baquetas. Con esta formación (Schaffer, Adam, Shawver, Abell y McGill), Iced Earth entró a grabar el primer disco que sería conocido simplemente como Iced Earth.

LA CONQUISTA DE EUROPA

El álbum se grabó rápidamente con un presupuesto de ocho mil dólares en 1990, donde habían grabado Enter the Realm, y fue lanzado en noviembre en Europa y a principios del año siguiente en Estados Unidos, ambas con dos portadas distintas. En él se escuchan ocho cortes de los que destacan Iced Earth, Colors y When the Night Falls. Schaffer recuerda: “La calidad de la producción es realmente mala (risas) y el performance en varios aspectos también lo es… pero tiene actitud y eso definitivamente tocó a muchas personas”.

Iced EarthIced Earth

Con el resultado final de Iced Earth, Jon se preguntó si es que se habían apurado al sacar tan rápido el primer álbum, pero el tiempo demostró que no pudo haber sido mejor momento. No tanto por el disco, sino por el tour que hicieron por Europa teloneando a Blind Guardian, banda con la que Jon empezaría un fuerte lazo de amistad (más tarde hablaría de Hansi como su “hermano”). Para un joven que vivió en Indiana y pasó un gran período de prueba personal en Florida, saltar de América al continente viejo para hacer la primera gira era mucho más de lo esperado. Durante el primer show en Hamburgo, mientras Jon y el grupo estaban en backstage, los mil fanáticos presentes empezaron a corear el nombre de la banda. Cuando salió Iced Earth a tocar, el público, enloquecido, cantó los temas a todo pulmón de principio a fin. Jon estaba extasiado, “ha sido la experiencia más fuerte de mi vida”. Lo mismo, quizá hasta más, fue en Grecia. El sueño a largo plazo empezaba a asomarse en la realidad.

Además de ser un gran momento gracias a la gira europea con Blind Guardian, banda con la que entablaron una amistad que hasta ahora los une, lo fue también porque Schaffer aprovechó esos meses de emociones para escribir material para el segundo disco. “Estaba tan motivado por el tour que comprendí que algo muy bueno tenía que salir de esto”.

Iced Earth conquistaba Europa, pero en Estados Unidos, el disco casi no vendía… La banda continuó ganando adeptos en el extranjero, y también reconocimientos. Rock Hard calificó a Iced Earth como álbum del mes.

Iced EarthTerminada la aventura, Schaffer se dio cuenta de cómo había crecido musicalmente, de la calidad de las canciones que estaba creando y de que los demás integrantes también habían mejorado… pero otros no. Vio que lo más probable era que Gene Adam no fuera capaz de cantar lo que él tenía en mente. Le pidió que tomara clases de canto, pero como no accedió, Schaffer lo echó. Así mostró por primera vez lo inflexible que es para exigirle lo mejor a los músicos que lo acompañan: “La gente no ve a las bandas como un negocio, pero lo es. Si haces el trabajo bien, te pagan. Si no, te vas”. Después, Schaffer “contrató” al vocalista de Quasimoto, John Greely, ante el escepticismo de los fanáticos europeos.

Así dejó en claro que él no había vivido terribles meses en vano y que tenía el legítimo derecho de hacer y deshacer como se le diera la gana en su banda. A su vez, por problemas personales Mike McGill también se iría, aunque hasta hoy siguen siendo muy buen amigo con Schaffer, y vino en su reemplazo Richey Secchiari para la batería, recomendado por Greely.

EL HOLOCAUSTO DE LOS ÁNGELES

El excelente 1991 se reflejó en el segundo disco de Iced Earth: el inspiradísimo Night of the Stormrider (1992), primer trabajo conceptual del grupo. Trata de una persona que se siente traicionada por el cristianismo y se revela. El poder oscuro lo transforma en el poderoso, temido y malvado Stormrider, que se encarga de traer el Apocalipsis al mundo y que por las acciones cometidas acepta su destino de pasar la eternidad en el Infierno.

Iced EarthPero no todo podía salir bien. Rick Borstelman, el mismo que había hecho la de Iced Earth versión norteamericana, aquella del ángel caído, ahora se mandó un papelón con Stormrider, haciéndolo ver como un anciano con cimitarra, electrocutándose la mano y a punto de caerse de un caballo blanco con cara de inepto y estornudando. Fue rechazada y se trabajó rápido en otra que tampoco satisfizo a Jon, pero que fue puesta en las copias iniciales del LP en Europa. No se esperó casi nada a que saliera semana después la definitiva.

Stormrider fue un gigantesco paso hacia adelante. Los riffs, baterías inalcanzables y las canciones de ambiente épico oscuro hicieron del segundo álbum de Iced Earth uno de los más sólidos trabajos de la banda hasta ahora. Casi todos los temas del álbum se transformaron en clásicos: Angels Holocaust, Stormrider (con Schaffer en las voces), The Path I Choose, Desert Rain y las inconmensurables Pure Evil y Travel In Stygian.

Los europeos lo aclamaron. En Estados Unidos algunos temas fueron puestos en la radio, entre medio de las tonadas Death Metal, e irrumpió en Japón donde recibió excelentes calificaciones. De hecho Night of the Stormrider ha sido el disco más vendido en ese país y tuvo el honor de ser el más exitoso de Iced Earth en todo el mundo hasta 1998.

Con un disco de estas proporciones se prepararon para la próxima gira europea… ni pensarlo aún en hacerla por Estados Unidos. Secchiari, quien sólo se había comprometido para grabar el disco, dejó su lugar a Rodney Beasley para la gira, pero eso no fue nada. En este instante, cuando la banda tenía la capacidad y ganas volar los techos de todos los gimnasios por donde pasaran, los verdaderos problemas empezaron a cruzarse, factores externos que significaron el comienzo de los años más espantosos de Iced Earth…

El invierno europeo entre 1992 y 1993 había sido uno de los más duros. Hace 60 años que no se sentía tanto frío en Alemania… Y Iced Earth, de gira, con Blind Guardian nuevamente, se movía de una ciudad a otra con un auto en pésimas condiciones, que quedaba en pana cada vez que se encendía el motor. Ni siquiera tenía calefacción. Con ese cacharro que Century Media entregó a una de sus bandas estrella, tuvieron que atravesar Europa.

Iced Earth

Pero el asunto fue mucho más allá de la anécdota del auto. Estos tipos de tratos incómodos por parte del sello a la banda se sucedieron una y otra vez en el tour, hasta que Schaffer comprendió realmente el asunto: “Vendíamos un montón de discos, nos seguían en todas partes, pero ganábamos prácticamente cero. No había plata”. Fue natural entonces para Jon preguntarse qué pasaba. Y respuesta que encontró fue la siguiente: Según él, Century Media se estaba quedando con todas las ganancias mientras Iced Earth hacía el trabajo sucio gratis. La compañía aprovechó el buen momento del grupo para salir de los serios problemas económicos que en ese tiempo atravesaba. En cierto modo, la justa recompensa de todo lo que Jon había pasado en Florida antes de grabar el primer álbum había caído en manos ajenas.

De vuelta en Estados Unidos el muy descontento líder de la banda entregó un ultimátum a Century Media: mientras no mejoraran las condiciones no iría a grabar más discos ni tocar más shows. “Decidimos no hacer más álbumes con ellos hasta que cambiara toda esta mierda. Aunque no vendiésemos tantas copias, tenían que pagarnos igual”.

El sello no estimó necesaria una renegociación y demoró en percatarse de lo serio de la amenaza y determinación del guitarrista. 1993 llegaba a su fin y Schaffer seguía firme en su postura. Pero como Iced Earth era uno de los grupos que mantenía a flote a Century Media y las ventas del álbum habían sido muy buenas, la compañía cedió, tomaron una actitud más profesional y Jon Schaffer logró mejorar la situación.

Llegó 1994 y se prepararon para grabar entonces el atrasado tercer disco. Pero estos años de “huelga” se había concretado un cambio importante. Durante la gira, el cantante John Greely había mostrado, a los ojos de Schaffer, que era imposible trabajar con él. El círculo de fanáticos comenta que Greely era racista y que durante los shows en Europa hacía comentarios de muy mal gusto contra los judíos. La banda pensó que podrían hacerlo cambiar de parecer al llevarlo a recorrer el campo de concentración de Dachau, Alemania. Pero esto sólo hizo empeorar las cosas ya que insultó larga y cruelmente a un anciano judío que rezaba de rodillas en dicho lugar. Además trató de robarle plata a Dave Abell cuando vio que los ingresos no le alcanzaban. Lo echaron apenas concluyó la gira. “(Greely) estaba por la plata -señala Schaffer-. Pensaba de una forma poco realista y creyó que seríamos millonarios de un día para otro… No quiso enfrentar los malos momentos y ahora maneja camiones”.

Iced EarthEn la búsqueda una nueva voz, el baterista Rodney Beasley, que vivía en Sarasota, Florida, le comentó que en el mismo garage donde él ensayaba tocaba una banda llamada Caudron y le recomendó que chequeara al cantante: Matthew Barlow. “Sólo conocía a Iced Earth -dice Matt- porque había escuchado una o dos veces por la radio algunas canciones del Stormrider (…) no sabía que era una banda con contrato y que habían hecho dos álbumes”. Jon llamó a Barlow para audicionar, tras haber probado con varios otros y después de meses en el que tuvo que demostrar y pulir su desempeño vocal, finalmente lo enroló.

Ahora con Barlow se podía vislumbrar un mejor futuro. Si bien el tercer disco pudo haber sido un buen recomienzo, lo peor estaba por venir…

LOS NUEVE INFIERNOS DE ICED EARTH

Era 1995. Desafortunadamente, así como el tour de 1991 había inspirado la creatividad de Schaffer, todos estos malos ratos hicieron réplica en su estado de ánimo. Durante el proceso de composición, Jon no estaba contento y ello se reflejó en el álbum. Burnt Offerings (1995) es un disco denso, lleno de furia, rabia y enojo, negativo y oscuro. Hasta la carátula dio a conocer el hecho. La portada, totalmente deathmetalera, muestra a un demonio sacado de una ilustración del libro La Divina Comedia de Dante Alighieri, que Jon había escaneado de un ejemplar editado el siglo XIX. Por ejemplo, el tema título que abre el álbum, cuyas letras son el espejo rabioso de lo vivido esos tres años. “Estaba nervioso con esa, realmente no salió como quería, los demás me decían que estaba paranoico. Estaba preocupado de que fuera la que empezara el disco. Muestra lo que hemos pasado estos años y hace que todas las canciones sean como un ofrecimiento, nuestros sentimientos más profundos. También advierte a la gente de este negocio que nos quiera cagar otra vez. Hay mucha rabia en ese tema, pero así salió”.

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No estaba feliz con el resultado de Burnt Offerings ni satisfecho con la composición ni los performance, incluyendo el suyo. “Las grabaciones de la batería fueron una pesadilla absoluta. Le tomó a Tom Morris (productor) aplicar todos los trucos de ingeniería sólo para terminarlas”. Hasta con Matt se sentía decepcionado porque no fue capaz, según Jon, de interpretar bien las líneas vocales que tenía pensadas.

Con Burnt Offerings, Iced Earth recibió los peores reviews de su carrera y las más bajas ventas en Europa, aunque en Estados Unidos subieron de 3 a 8 mil copias. En Japón fue tal el impacto que se dejarían de distribuir discos de Iced Earth hasta bien entrada la segunda mitad de la década. El tour fue horrible. Jon nunca se había sentido más avergonzado en su vida cuando en festivales tocaron como “un grupo de garage. Realmente quería esconderme”. Incluso tuvieron que suspender unos shows con Rage porque la banda simplemente no podía pararse en un escenario.

En comparación con Stormrider, para Jon el LP fue un retroceso. Sin embargo, el disco cuenta con temas que se han transformado en clásicos de la banda. En tiempos adversos también fue capaz de hacer buena música. Aunque se cuentan piezas de la talla de Burnt Offerings y Diary, uno de los clásicos es Last December, y el otro, el increíble Dante’s Inferno, de 16 minutos que musicalmente recuerda a los mejores riff de Night of the Stormrider y que sus letras recrea el viaje a los nueve planos del Infierno: “Fue todo un desafío (…) Estoy orgulloso de esa canción… ¡Y lo estoy también del álbum! No me arrepiento de nada de lo que he hecho (…) Lo bueno es que a muchas personas les gusta el disco, lo que demuestra que no fue malo del todo (…) Burnt Offerings (sin embargo) es un período de mi vida que no quiero volver a repetir y no escribiré canciones como esas nunca más”.

Iced EarthDespués de tres años de frustraciones, Jon llegó incluso a pensar que era el tiempo de terminar con el grupo. A pesar de que Night of the Stormrider fue un álbum exitoso dentro del underground metalero europeo, el grupo tenía en su haber discos que sólo habían tenido acogida en Alemania, Grecia y algo en Japón. Ni hablar de Estados Unidos, donde no se les conocía. Tampoco Schaffer podía encontrar una formación estable. Contaba en Randy Shawver y Dave Abell con un gran apoyo, pero recién en el tercer álbum había encontrado a un cantante estable y que los bateristas con que había tocado casi no existían. Entre pensamientos oscuros, Schaffer comprendió que la disolución de Iced Earth era la solución más fácil; en una postura autocrítica, sabía que las canciones del último disco no habían sido sus mejores. Asumió toda la responsabilidad como líder y compositor de la banda y se levantó.

No había que terminar nada, todo lo contrario, sólo seguir trabajando de mejor manera: “Puedes tener al mejor cantante del mundo, la mejor primera guitarra, al mejor baterista… lo mejor de todo, pero si no hay canciones, no hay nada”.

Jon Schaffer había sorteado con éxito la prueba más dura de su vida…

LA VUELTA DE ICED EARTH COMO THE HELLSPAWN

Borrón y cuenta nueva, Schaffer decidió que 1996 era el año perfecto para reivindicarse. Primero, le tiró sin piedad el sobre azul al baterista y, segundo, negoció con Century Media un contrato “algo mejor”.

La oportunidad de oro llegó gracias a Spawn, la serie de cómics más exitosa de los noventa en Norteamérica, la historia de un asesino contratado por el gobierno federal que muere y vende su alma al Demonio para volver a ver su amada esposa, pero regresa a la Tierra engendrado en el HellSpawn: “Firmó un muy mal acuerdo, como algunos músicos (en una indirecta alusión a Century Media)”.

Sucedió que a principios de 1996 se anunció la adaptación al cine del cómic, además de una versión de dibujos animados para HBO. Como Jon era fanático de Spawn, al enterarse de la noticia quiso de inmediato participar en la banda sonora.

Iced EarthMatt y Jon viajaron a Atlanta donde se efectuaba una convención de cómics y conocieron a Al Simmons, jefe del Depto. de Promoción de McFarlane Productions, creadores de Spawn. Se presentaron, Jon ofreció sus servicios para una eventual banda sonora y le mostró una maqueta del tema que se conocería como Dark Saga. Así entablaron una muy conveniente amistad. Simmons, interesado en la banda, le presentó a Schaffer nada menos que al mismísimo creador de Spawn, Todd McFarlane. Aprovechando el contacto, Jon le preguntó si podía encargar de la carátula de su próximo álbum. McFarlane asintió y le prestó una de las ilustraciones que aparecería en la edición #50. Una cosa llevó a la otra: McFarlane entregó la portada y Iced Earth decidió hacer un álbum sobre Spawn, una especie de promoción cruzada: la gente del cómic daría a conocer a Iced Earth en Estados Unidos, y la banda mostraría a Spawn en Europa. Trastornado por la idea, sólo le tomó cinco semanas escribir las canciones: “Todo salió muy fácil, estaba muy contento e inspirado. Hice (la balada) I Died for You en media hora, la música y las letras, ¡todo! Hacía tiempo que no me sentía tan bien”.

De inmediato la banda se concentró en Morrisound Studios, en Tampa, y grabaron el álbum que titularían The Dark Saga en menos de un mes. A falta de un músico oficial que se hiciera cargo de los tarros, el baterista de sesión Mark Prator se ocupó del -fabuloso- trabajo. Mientras que el bajista que estuvo al lado de Jon desde los tiempos de Purgatory, Dave Abell, abandonó la banda. Él tomó parte de las grabaciones pero al terminar la producción, le comunicó la decisión de irse porque iba a casarse. En su reemplazo llegó Keith Menser quien solamente apareció en las fotos del disco. Su prioridad principal apuntaba a crear una compañía de diseño gráfico y se fue. Pero antes recomendó a unos amigos y así fue que James MacDonough fue contratado junto con el baterista Brent Smedley, ambos provenientes del conjunto Oracle de Jacksonville, Florida, para integrarse al tour.

Iced Earth

The Dark Saga es (1996) como nuestro segundo Stormrider -dice Schaffer-. Si Burnt Offerings había sido un paso atrás, The Dark Saga lo fue hacia adelante”, según él, porque fue la primera vez que se preocupó realmente de escribir “canciones canciones”, más enfocadas, maduras, sin tratar de hacerlas todas épicas. Cada corte del disco habla de un personaje o capítulo de Spawn: I Died for You trata de cuando descubre que su mujer vive con su mejor amigo… The Hunter es acerca de Ángela, el ángel que tiene la misión de matar al Engendro; Vengance is Mine, de un hombre que tortura niños y es asesinado por el protagonista, mientras que la trilogía The Suffering (Scarred, Slave to the Dark y A Question of Heaven), es la versión de Jon acerca del final de la historia.

Gracias al famoso productor Jim Morris, quien se transformaría en el miembro invisible de Iced Earth, la calidad del sonido del álbum fue lejos la mejor hasta ese tiempo, como así el trabajo de los músicos de los que la vocalización de Barlow fue lo más sobresaliente. Su voz había alcanzado un nivel impresionante al conocido en el álbum anterior por causa del empuje y exigencia de Jon hacía el pelirrojo cantante. Se transformaría en el nuevo emblema de la banda. Muchos han comparado su timbre con el del guitarrista y vocalista de Kiss, Paul Stanley, eso que nunca ha sido fanático de la legendaria agrupación, distintivo que le trajo tanto admiradores como detractores.

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El “crossover” promocional iba a toda marcha. The Dark Saga se vendía en las tiendas de cómics y el disco se tocaba en las convenciones. Pero en perjuicio de Iced Earth, las negociaciones para incluir una canción del grupo en la banda sonora de la película o la serie animada, que habría significado una fuerte presencia en el mercado estadounidense, fracasaron por la “falta de visión” de Century Media y por la decisión de McFarlane de hacer la música del film con la mezcla de bandas de rock y metal con música techno. Así, otra vez, Iced Earth no tendría promoción en su país.

El hecho de estar unidos a un sello europeo incapaz de entrar a EE.UU. no era el único factor que influía, según Schaffer, en que su banda fuera casi desconocida allá. La forma de la industria musical norteamericana tenía un alto grado de culpa: “Es el lavado de cerebro que existe, las personas no pueden respirar y pensar por su cuenta. (Medios como) MTV y las radios influyen en la manera que la gente piensa de la música. Puedes vender cualquier porquería al público americano si lo promocionas bien. Si tuviéramos una de nuestras canciones en la rotación, venderíamos toneladas de discos. (En Estados Unidos) es un asunto de marketing y plata… En Europa y Japón, es cuestión de talento”.

En Europa, Iced Earth volvió a ganarse el respeto del público. La banda al fin tenía una formación sólida para los conciertos y se encaminaron en su gira más exitosa hasta ese momento. Una encuesta de la revista Rock Hard puso a The Dark Saga entre los cinco mejores del año y a la banda dentro de los top ten.

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Pero la mala fortuna seguía persiguiéndolos. Durante uno de los festivales de verano, en Berlín, Jon sufrió una grave lesión al cuello (sí… por el cabeceo o headbanging) y paró en el hospital. La gira estaba en sus primeros pasos y faltaban 30 presentaciones por hacer en las siguientes seis semanas. Los doctores le indicaron que debía parar, pero al temor de que se repitieran los días oscuros de la era Burnt Offerings, Jon decidió seguir con inyecciones periódicas para evitar el dolor, aun sabiendo que se provocaría un daño permanente. Prácticamente se molió una de las vértebras del cuello, pero ignoró el problema hasta el 2000 cuando decidió someterse a cirugía: “Con lo bien que nos estaba yendo, no quería parar en lo más mínimo con la banda”.

LA REVISIÓN DE LOS DÍAS DE PURGATORIO

Por el contrario, en adelante vendrían los años más ocupados de Iced Earth. Ahora que Jon contaba con un cantante estable, decidió realizar un postergado anhelo: regrabar las canciones antiguas. Days of Purgatory (1997) se llamó el doble CD.

Esto salió de la idea preliminar de lanzar el demo Enter the Realm remezclado. Schaffer aprovechó el momento para volver a grabar material de los dos primeros álbumes y remasterizar algunas canciones del tercero. Las guitarras originales quedaron en casi todos los temas y se regrabaron la batería y el bajo de los demos, por Smedley y MacDonough, respectivamente. Matt se encargó las voces, excepto en Stormrider que las hizo Schaffer. En esta compilación también se reversionó Winter Nights, un tema que no apareció en ningún demo de Purgatory y que había sido grabado a finales de 1986 en 24 pistas.

Con Days of Purgatory Jon se sacó una espina que le molestaba de hacía años: “(Los dos primeros álbumes) siempre me han fastidiado, las mezclas y los tonos, sobre todo las voces del disco debut. El que cantó (Greely) en el segundo hizo un muy buen trabajo, pero las mezclas finales y masterización fueron malas (…) Estaba decepcionado con el resultado final”.

Fueron revisitadas canciones como Written on the Walls (rebautizada por Barlow como Cast in Stone), Pure Evil y Travel In Stygian. De esta manera acercaron los temas antiguos a los nuevos fanáticos. En todo caso esta no sería la última vez que Schaffer volvería a trabajar sus primeros discos. Además, y aunque suene increíble, en agosto hicieron la primera gira norteamericana fuera de Florida, cinco shows en el centro oeste del país.

En este álbum doble aparece una nota de Jon que se transformaría muy luego en el acta de guerra en contra del Nu Metal que arremetía en los Estados Unidos:

“AQUÍ VIENE LA REVOLUCIÓN!!!! ¿Qué es lo que quiero decir con esto? Que Iced Earth seguirá en lo suyo. El metal no es algo que pase, es un estilo de vida. Es actitud, es fuerza, es lo que quieras que sea. Ha estado acá desde los sesentas y nunca se irá. Han habido épocas en la historia de la música en que el metal ha sido “cool” y no, pero que las modas vayan y vengan nunca me ha importado. Lo único que me preocupa es Iced Earth y lo que hacemos.

“Sí, ha sido irritante, frustrante e incluso hasta deprimente, cuando la gente nos ha dicho que estamos pasados de moda… ¿pero saben? Que se vayan a la mierda, porque esto lo hacemos por nosotros y nuestros fans, y las opiniones de los que siguen la moda nos importan una mierda. Somos los mejores en lo que hacemos, doce años de trabajo sólido y dedicación están pagando y nuestro número de seguidores crece cada día.

Iced Earth

“La mejor cosa que pueden hacer, como fanáticos devotos, es pensar por ustedes y ser sus propios líderes. Los poderes fácticos siempre han manipulado a las audiencias con una saturación torrentosa de técnicas lavacerebros. La mayor decepción sin embargo, es cuando se leen entrevistas a otros músicos del mismo género en las que niegan repetidamente sus raíces metaleras siendo que estaban, o todavía están, tocando riffs de metal. Estos individuos, a los que levanto mierda de perro en honor máximo, son los verdaderos poseros de los noventa. La primera persona o corporación que haya venido con preceptos de marketing a decir que el metal no valía la pena, puede meterse sus dichos por el culo.

“Somos metaleros y estamos orgullosos de serlo. Iced Earth madurará, pero cuenten con que seremos fieles a nuestro arte. FUCK TRENDS AND FUCK POSERS!!! Jon Schaffer.-

EL NACIMIENTO DEL SER ABOMINABLE

Jon decidió entrar en una batalla directa contra la industria “metalera” norteamericana y provocar una revolución con Iced Earth a la cabeza. Lamentablemente, el guitarrista Randy Shawver no pudo seguir la causa. La mano derecha de Schaffer, que lo había acompañado en todos los discos, se sentía cansado y ya no estaba contento en la banda. Así que optó por apartarse. “En su defensa tengo que decir -comenta Jon- que es muy difícil mantener el entusiasmo después de tantos años de pelea”. En noviembre de 1997, en Grecia, fue el último show con Randy.

Iced EarthLa banda se mudó al sur de Indiana, a tres horas del lugar adonde creció Jon, y de inmediato se puso cabeza abajo en la composición de los temas para el próximo álbum y en la búsqueda de un nuevo primer guitarrista.

Publicó avisos de “se busca” y cientos de cintas llegaron, entre las que estaba la de un chico de veinte años -que sólo había tocado cinco shows en toda su vida- llamado Larry Tarnowski, de Chicago. Cuando Jon la escuchó, más que quedar impresionado con su forma de tocar, le sorprendió el hecho que entre las principales influencias nombradas por Larry se encontrase Iced Earth, que los seguía desde Night of the Stormrider cuando sólo era un pre adolescente. Jon explica su inclusión: “Larry es muy buen guitarrista líder, pero la razón de por qué obtuvo el trabajo es que también es un muy buen guitarrista rítmico (…) La mayoría de las primera guitarras no pueden tocar las rítmicas bien (porque) se quedan haciendo escalas todo el día y no le prestan atención a lo otro”.

Así, con algo malévolo vendría el siguiente disco de Iced Earth. Después de The Dark Saga, Jon empezó a trabajar en su propio cómic que, como ha adelantado, se trata de un endemoniado ser creado por una sociedad secreta que viaja por el tiempo y altera el curso de la Historia Humana. Mezcla elementos de civilizaciones antiguas, extraterrestres, conspiraciones, anticristos, etc. Algo de la saga que llamó “Set Abominae” lo mostró en Something Wicked This Way Comes, editado el 15 de junio del ’98. En la portada se muestra al personaje y en la nueva trilogía de la banda, Something Wicked, se encuentra el espíritu de la trama. No se trata de un disco conceptual, pero lo anterior define al álbum.

Este es el trabajo más diverso y variado de Iced Earth, una montaña rusa entre canciones furiosas en las que Schaffer vuelve en cierta medida ocupar esos riffs afilados de antaño en temas como Something Wicked, y baladas entre las que se encuentran Melancholy (Holy Martyr) y Watching Over Me, dedicada a la memoria del gran amigo de Jon, Bill Blackmon. Otros momentos notables son la apertura mid tempo Burning Times y la tremenda instrumental maidenezca, 1776, cuyo origen se remonta a los años de Purgatory. Por segunda vez produjo Morris y Prator tocó la batería en vez de Smedley, quien no pudo hacer lo suyo debido a problemas personales. Ya que Shawver y Abell no estaban presentes, Something Wicked This Way Comes fue el primer disco Iced Earth enteramente escrito por Jon Schaffer. Barlow aparecería en los créditos de algunas letras. Pero toda la música, hasta la melodía de las voces, fue por parte del guitarrista. Sólo una señal de que el “encabronamiento” de Schaffer se iría destapando más y más al punto de tener hoy más de algún enemigo y personas que rechazan la manera de cómo maneja su banda.

Iced EarthPero también subió la cantidad de fanáticos. Fue gracias a este disco que Iced Earth empezó a ser reconocido en el mercado norteamericano. Antes de que terminara el año ya se habían vendido 20 mil copias y el grupo hizo tres extensas giras por Estados Unidos y Canadá entre agosto y junio del ’99. Mientras, Something Wicked This Way Comes alcanzó a colarse en el Top 20 de Alemania, lo mejor que había logrado Century Media en ese país hasta la fecha. Para ganar más adeptos en EE.UU., grabaron un single exclusivo para difusión radial con cinco temas en él: Melancholy, Shooting Star de Bad Company, Watching Over Me, Electric Funeral de Black Sabbath, y I Died for You. Pero Century Media no pudo distribuirlo a las estaciones. Luego, The Melancholy EP fue lanzado en una edición limitada de mil 500 copias en 1999 y otra de forma ilimitada a principios del 2001, incluyendo un cover de Judas Priest, The Ripper, y Colors en vivo.

En Europa mientras tanto, una docena de festivales entre los que pisaron Wacken y Dynamo, una pequeña gira con Blind Guardian por España y conciertos por todo el continente. A decir verdad, nunca hasta ahora le había ido tan bien al grupo. La popularidad de Iced Earth estaba en alza como también su solidez musical en escenario, incontenible desde los días de The Dark Saga. Por eso, Schaffer decidió que era el momento justo para hacer el primer álbum en vivo…

ATENAS EN TRES DISCOS Y CON EL MAGO EN OTRO

Jon quería hacerlo especial por lo que escogió Grecia para grabarlo, porque ese fue el primer país, junto con Alemania, que había recibido a la banda con los brazos abiertos y desde aquella gira en 1991, su lealtad ha perdurado hasta en los más duros momentos. Premió a los griegos por su “lealtad y devoción”. En enero de 1999 viajaron a Atenas especialmente para grabar el álbum. Los fanáticos enloquecieron y provocaron una especie de beattlemania metalera. Barlow agrega: “No teníamos ni idea de cómo iba a ser, pero en el aeropuerto las personas nos esperaban con lienzos y gritos”. Schaffer: “Era una locura. Los fanáticos nos paraban en las calles y llegaban al hotel. Ya no se ven cosas como esas”.

Iced Earth

23 y 24 de enero, dos noches seguidas en el Rodon Club, con dos diferentes sets en cada show, dieron forma a uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal: Alive In Athens, un triple CD que incluye 31 canciones, más de la mitad de todo lo que Iced Earth había escrito, ejecutadas a un nivel descollante y con versiones de temas clásicos de Iced Earth y Night of the StormRider años luz mejores que las originales y las hechas en Days of Purgatory.

En seis meses Alive In Athens se transformó en disco de oro en Grecia, un tremendo logro si se considera que el último álbum del género que lo había alcanzado había sido Fear of the Dark de Iron Maiden, en 1992. Hoy es disco de platino en dicho país.

Iced EarthSin ningún descanso desde The Dark Saga, se cerró el ciclo más extenso de Iced Earth. La banda tomó vacaciones después del tour de Something Wicked, pero Jon Schaffer no. Ocupó el break para juntarse con Hansi Kürsch de Blind Guardian y hacer Demons & Wizards. El proyecto se originó por accidente, cuando Jon visitó a Hansi durante la gira de Days of Purgatory, en 1997, después de una fiesta: “Estábamos aburridos, empecé a tocar la guitarra y él (Hansi) a cantar”. Así salió la canción My Last Sunrise. Intercambiándose cintas entre Estados Unidos y Alemania vía correo, Schaffer escribió la música y Kürsch, las líneas vocales y letras. “En Iced Earth, tengo que escribir todo, hasta las armonías y melodías. Ahora Hansi vino con estas mágicas líneas”. En julio de 1999 se juntaron en Florida y grabaron las 13 pistas que formarían el primer y hasta ahora único álbum de Demons & Wizards, el cual se editó en enero de 2000 en Europa y febrero en los Estados Unidos a través de SPV Records. Schaffer se encargó de la guitarra rítmica, leads y bajo, el productor Jim Morris de la primera guitarra y Mark Prator, baterista de sesión de Iced Earth, de los tarros.

El poderío musical de Schaffer y la emoción lírica de Hansi se unieron en un álbum tan soberbio como exitoso. En Demons & Wizards se reconocen algunas de las canciones más potentes de la carrera de Schaffer como Heaven Denies y Blood on my Hands, entremezcladas con numerosos pasajes acústicos dentro de los temas, lo que se transformaría en un elemento más importante de ahora en adelante en las composiciones de Schaffer. Aquí está también la balada de atmósfera “barda” Fiddler on the Green y nueva trilogía Tear Down the Wall – Gallows Pole – My Last Sunrise, que trata de un duende creador del mundo que decide destruirlo porque lo ignoran y ningún hombre cree en él.

Demons & Wizards hizo una pequeña pero explosiva gira europea a mediados de ese año en la que se les unió el bajista de Blind Guardian y Sieges Even, Oliver Holzwarth, el reconocido batero Richard Christy, más Jim Morris y Ritchie Wilkison (Angel Dust) en las guitarras. El álbum vendió 200 mil copias -más que cualquier disco de Iced Earth de la era Barlow hasta ese entonces- y lograron una nominación a los Echo Awards, el Grammy alemán. Este disco le dio a Schaffer otro dividendo: el darle vitrina más grande a su banda principal dentro del círculo power metalero, en sectores donde aún no se les conocía, lo que de verdad se vería reflejado en el siguiente álbum.

Iced EarthLuego de terminada la gira en julio, Jon se operó de la lesión al cuello que arrastraba desde hacía cuatro años. En la cirugía le unieron dos vértebras y sacaron uno de los discos, por lo que su movimiento se vería limitado: “Mis días de headbanging terminaron. Me será difícil (porque) hay un daño permanente al nervio con el que tendré que lidiar por el resto de mi vida. (…) Si hago algo estúpido terminaría perdiendo la sensibilidad en la mano derecha y 30% de movilidad en mi cuello. Tengo que ser muy cuidadoso, estamos hablando de una carrera”. Pero Jon no pensaba en descanso alguno, por lo que tres semanas después viajó a Alemania para actuar en Wacken, con cuello ortopédico incluido, la única presentación de la banda en suelo europeo ese año y con un nuevo hombre detrás de la caja… Jon le pidió a Smedley que se fuera y en marzo del 2000 fue anunciado el nuevo miembro oficial: Richard Christy (Death, Control Denied), quien había hecho el tour de Demons & Wizards. Wacken fue su primer show.

Y en noviembre vino otro integrante tanto o más talentoso que Christy, el tremendo bajista conocido por su trabajo en Death, Control Denied, Sadus y Testament, Steve DiGiorgio. Los dos experimentados músicos le entregarían una nueva dimensión al trabajo patentado de las guitarras, las voces y composición. Con esta tremenda formación Schaffer tenía presupuestado hacer el “gran disco de su carrera”, un álbum conceptual acerca de su historia Set Abominae, pero se retractó porque no quería sacarlo con sello actual: “El siguiente trabajo sería el último álbum con Century Media, (Set Abominae) tiene un gran potencial para transformarse en una gran cosa y queremos que sea tratado como se debe. Century Media no se lo merece, tenemos que hacerlo con un sello que tenga visión (…) En Europa andan bien, pero en Estados Unidos son una mierda (…) La historia es demasiada como para dársela a estos perdedores”.

EL SHOW DEL HORROR OTRA VEZ EN CARTELERA

Así, Jon aplazó el disco conceptual y empezó a trabajar en un álbum temático sobre cine de horror. Esta no era una idea nueva. Partió en 1997 cuando se habló de hacer un EP de cinco canciones basadas en películas de terror.

En los tiempos de Purgatory, había hecho el demo Horror Show y Schaffer, para su primer álbum del siglo XXI, no encontró nada mejor que titularlo de la misma manera. Horror Show fue lanzado en 25 de junio del 2001, debutando #1 en Grecia y se coló nuevamente en los Top 40 de Alemania, Holanda, y varios otros países de Europa. Cada tema, menos uno, se basó en personajes de estas historias: El Hombre Lobo, Damien de La Profecía, Frankenstein, Drácula y El Fantasma de la Ópera, entre otros. Incluso se ocuparon pedazos de antiguos temas de Purgatory para este álbum, como el riff principal de Jeckyl & Hyde. La única canción que sale del esquema es Ghost Of Freedom, basada en The Patriot y dedicada a las personas que han dado su vida por Estados Unidos (como se verá más adelante, Matt y Jon no se excluyen del gran sentimiento patriótico de los norteamericanos), que se transformaría en uno de los himnos de la banda después de los atentados del 11 de septiembre. También está el cover de Iron Maiden, Transylvania. Cabe señalar que Jon ya había instalado su propio estudio en Indiana, Schaffer Sound alias “The Dungeon”. Aunque gran parte de este álbum fue grabado donde siempre, en Morrisound, fue la primera oportunidad en que se registraron pistas en otro estudio que no fuera el de Tampa desde que Purgatory hizo Psychotic Dreams.

Iced EarthHorror Show fue la producción más intensa desde Burnt Offerings, pero matizada los más que nunca elaborados coros de Matthew Barlow, con una solidísima base rítmica por parte de Christy y DiGiorgio. Lamentablemente, antes de que se editara el álbum, Steve se fue de la banda. Esto fue lo que pasó: el bajista había firmado un contrato en el que acordaba salir de gira con Iced Earth. Luego de grabar sus partes durante diciembre de 2000 y principio de 2001, sólo se presentó para la sesión de fotos. En las siguientes cinco semanas DiGiorgio no contestó a ninguno de los mails, llamados o faxes de Schaffer, hasta que el guitarrista recibió un corto mensaje del managment que decía que “por compromisos previamente fijados, (Steve) no podría hacer el tour”. “Fue como una puñalada en la espalda -aseguró Jon-, me mintió. Ni siquiera tuvo los huevos para decírmelo en la cara”. Schaffer sacó la foto de DiGiorgio y sus agradecimientos del álbum antes de que fuera lanzado y lo pateó al puesto de músico invitado, aunque en la versión doble americana, sí apareció como miembro oficial.

Jon, Matt y Larry se molestaron por la actitud de DiGiorgio ya que estimaron que sólo había tocado en el disco para dejar su nombre y ensanchar su currículum. El que se puso muy feliz con la noticia en cambio fue el anterior bajista. Jimmy MacDonough, quien incluso se había tatuado el logo de Iced Earth en la espalda, volvió a la banda.

Llegó el tiempo entonces para agendar el tour y surgió la oportunidad de oro que siempre buscó Jon para ganar más público en Estados Unidos: tocar con una banda realmente grande; en este caso, se trataba de Judas Priest. En la gira del Something Wicked, el show con más asistentes no había sido con más de tres mil… ahora con Judas Priest, calculaba Jon, actuarían ante 15 ó 20 mil personas. Así Iced Earth tendría una difusión enorme. Pero cuando todo parecía ir muy bien, los atentados a las Torres Gemelas frustraron las pretensiones de Jon y sus dirigidos. Como medida preventiva, Judas Priest optó por no viajar al país y posponer el tour hasta principios del 2002. Se le preguntó a Jon si podían acompañar a los británicos en esa fecha, pero por compromisos previamente fijados en Europa, no se pudo hacer nada.

Iced Earth

Pero estos trágicos eventos traerían consecuencias más relevantes para el grupo, que partirían desde ese mismo momento: “Después de los ataques me cuestioné lo que había hecho de mi vida, si había alguna manera en que pudiera ayudar a la gente y hacer algo que realmente importara en vez de esta “ilusión” llamada industria de la música (…) Casi disuelvo la banda tras los atentados porque pensaba que lo que hacía con mi banda era bastante insignificante. Pero después de meses y meses de reflexión me di cuenta de que realmente no importa que la industria sea una mentira porque mis canciones son de verdad…”.

Iced Earth

La mala suerte parecía condenar a Iced Earth al anonimato en su propio país, pero el destino se apiadó. Al grupo le llegó una oferta de Megadeth y Anthrax para tocar con ellos en todo el país y Jon ni lo pensó. Había que hacerlo. Mientras se hacía este tour, Century Media lanzó una caja de cinco cedés llamada Dark Genesis. En ella se encuentran los tres primeros discos de la banda totalmente remezclados por Jim Morris y con nuevo artwork hecho al estilo cómic de los últimos álbumes, Something Wicked, Alive In Athens y Horror Show. Luego cada una de estas reediciones sería lanzada por separado el 2002 y se dejarían de imprimir las originales, las que en este momento pasan por el proceso de convertirse en piezas de colección.

También está remezclado el demo Enter the Realm y un CD de covers llamado Tribute to the Gods, grabado en los estudios de Jon, en el que se homenajea a conjuntos que influyeron a Iced Earth como Kiss, Iron Maiden, Black Sabbath, AC/DC y Judas Priest, entre otros. “Este fue un proceso muy distinto -escribió Schaffer- porque sólo había tocado seis o siete covers en toda mi vida. Alguna de estas canciones calificadas de “simples”, fueron para nosotros un gran desafío y sentimos un nuevo respeto por los artistas que originalmente las grabaron”.

En Europa se aparecieron recién a principios del 2002, pero la espera valió mucho la pena. Iced Earth actuó por el viejo continente con un show extraordinario, con distintos escenarios con rampas a lo Maiden, juegos de pirotecnia y luces, más una extensa revisión a toda la discografía. Jon: “El primer escenario fue The Metal Stage, en el que tocamos temas de los tres primeros discos. Luego, el segundo set, con motivos egipcios en el que hicimos canciones de The Dark Saga y Something Wicked, incluyendo las trilogías. La última fue el set del Horror Show“.

Iced EarthDe vuelta en Estados Unidos giraron como banda principal junto a Jag Panzer y los suecos de In Flames. En estos show, después de varios minutos de samples de música épica y efectos de iluminación, Matt Barlow llegaba al escenario portando en su mano y hombro la bandera norteamericana, mientras Jon Schaffer interpretaba con su guitarra una metalera “Star-Spangled Banner”, el himno nacional de Estados Unidos. En particular, “nuestro show el 10 de abril en Nueva York -recuerda Jon-, trajo lágrimas a mis ojos cuando empezamos con el himno… por lo de 9/11. La canción me recuerda a nuestra libertad y envía el mensaje que si alguien nos viene a huevear, está hueveando con el país equivocado”. Horror Show había sido el disco que más se había vendido del grupo, pero no era el favorito de Jon: “Something Wicked y Stormrider son mis preferidos. Horror Show fue distinto porque tuve que restringirme al tema, no fue tan personal y no pude tratar las letras con la profundidad que quería. El 2000 tuve algunos problemas (operación, divorcio) que hicieron las cosas más difíciles (…) Le falta esas canciones íntimas que hacen a Iced Earth especial”.

ICED EARTH HACE HISTORIA…

En la mitad de 2002 Schaffer empezaría a fijar lo que sería el siguiente disco: “Mi meta es hacer un álbum mucho más dinámico y provocador. Me sentí acorralado en cierta manera con los temas de Horror y ahora espero sacar cosas más heavy y emocionales. Será mucho más personal que Horror Show“.

Sin embargo no se refería a la realización disco conceptual Set Abominae, y muchos se preguntaban por qué el siguiente no sería la continuación de Something Wicked. Schaffer estaba en esos meses envuelto en negociaciones para lograr un nuevo contrato con algún sello discográfico, por lo que prefirió esperar y asegurarse que el sello con que firmara demostrara hacer un buen trabajo y “ser un buen compañero de negocios”, y para eso no quería tirar “el que siento que será el trabajo más importante de mi carrera. No significa que vaya a hacer menos para el próximo disco de Iced Earth o Demons & Wizards, sino que es más fácil hacer un álbum lleno de canciones la raja que llevar toda una historia original a la música”. Schaffer planea durante un año completo escribir el álbum y el libro de cómic, simultáneamente, el que no saldrá antes de 2006.

Iced Earth

Las negociaciones fueron tan arduas que se vieron obligados a posponer los tours de Japón y Sudamérica. Pero Jon ya trabajaba en los futuros discos incluso antes de definir el sello. En noviembre de 2002 dio a conocer el nombre del trabajo: The Glorious Burden, que basaría su temática en hechos históricos desde la Independencia y Guerra Civil americana, la batalla de Waterloo, Atila el Huno, hasta el piloto de la Primera Guerra Mundial, Manfred Freiherr Von Richthofen, más conocido como Barón Rojo.

Schaffer ha sido toda la vida amante de la historia militar, cuando niño estaba “literalmente obsesionado leyendo acerca de los padres fundadores y la Revolución” y creyó que era el momento oportuno para hablar de lo que había aprendido: “Siempre leo más libros de historia que cualquiera de ficción (…) La mayoría de mis canciones han sido sobre fantasía oscura, ciencia-ficción u horror, pero esto es un reto porque nos estamos enfocando en la vida real y en muy trágicos eventos, así que es nuevo para Iced Earth“.

Y cuando hablaba de la dimensión más personal del trabajo, se refería a lo sentimientos que despertaron a raíz de los acontecimientos ocurridos en su país: “Todo lo que ha pasado últimamente en el mundo nos ha afectado… así que ciertamente mostraremos más de nuestro patriotismo a través de estos temas”.

Pasó que 2003 fue recibido con una muy buena noticia. Sin especificar los puntos acordados, el 16 de enero el sitio oficial anunció que Iced Earth había firmado contrato con el sello independiente alemán SPV/Steamhammer, el mismo que había hecho el excelente trabajo con Demons & Wizards, lo que había convencido a Schaffer para trabajar con ellos. Palabras del director de SPV, Manfred Schütz: “Iced Earth es una de las mejores bandas de Heavy Metal y todavía hay mucho potencial en su creatividad. Iced Earth se ajusta a nuestro repertorio perfectamente y estoy muy contento que la banda haya decidido continuar con su éxito en SPV”.

Iced Earth

La otra noticia importante antes de entrar a grabar fue la partida del guitarrista Larry Tarnowski, en marzo. Se esgrimió la razón de que había optado por seguir sus estudios universitarios y se le deseó la mejor de las suertes, pero el tema levantó cierta polémica tras una entrevista que Schaffer dio explicando la salida y dejando notar, otra vez, la impopular manera de cómo el líder llevaba el grupo. Tarnowski le había hecho ver su frustración al no poder participar en el proceso creativo o simplemente por limitado aporte en los álbumes, donde sólo tocaba los solos. “Debió haber tocado como dos minutos en todos los discos, así que entiendo. Le dije que se fuera a estudiar o hiciera una carrera”. Cuando se le sugirió que a Tarnowski se le pudo haber dicho que estuviera más en el disco, Jon interrumpió: “Bueno, entonces no sería Iced Earth, ¿cierto? Podría haber dejado tocar más a Larry para tenerlo contento, puedes dejar a otras personas escribir sus propias cosas para ser amable, pero eso podría arruinar tu carrera. Algunos pueden componer y otros no. Si pueden, ¡¿por qué no empiezas sus propias bandas?!” Jon obviamente sabe cómo quiere sonar y cómo quiere que sean los álbumes.

En Iced Earth no hay espacio para los guitarristas líder. Para Jon solamente están por los solos, todo lo demás lo graba él. “Hay un montón de bandas por ahí con guitar-heroes y tienen que tener un solo en cada canción, pero yo no creo así”. Pero como igual los necesita en algunos casos, y sobre todo en vivo, llamó a Ralph Santolla, guitarra que fue parte de la gira de Death el ’93 con el disco Individual Thought Patterns.

Iced EarthY seguía tomando forma The Glorious Burden, que por los comentarios grandilocuentes de Schaffer, iba generando cada vez más expectativas. Anunció que la idea musical original de Gettysburg la había botado para dar paso la creación de una nueva trilogía épica. En media hora se narrarían los hechos de estos tres días de batalla que cambiaron el destino de la Guerra de Secesión, en 1863. Sería el primer tema de Iced Earth con arreglos sinfónicos y para ello, y gracias al sello, no escatimaría recursos. Jon Schaffer contrató nada menos que a la Orquesta Filarmónica de Praga y a mediados de mayo viajó, junto con Jim Morris, hacia dicha ciudad para grabar las partituras. “Fue una tremenda experiencia escuchar a una orquesta de 55 piezas tocando mi música, un momento que nunca olvidaré”.Pero la grabación del disco ya había empezado antes en abril y todo menos la batería fue registrado de The Dungeon. Todo hasta junio iba sobre ruedas, pero como se trataba de Iced Earth, nunca faltaban los improvistos en los momentos más inoportunos. Y este puso en jaque la integridad del grupo.

EL ADIOS DE BARLOW A LA MÚSICA

Como también para Jon, los atentados a las Torres Gemelas causaron un gran impacto en Matt, tanto así que su perspectiva acerca de la vida y los objetivos que se había planteado habían dado un giro en 180 grados. También pensó que, después de todo, lo que estaba haciendo con Iced Earth no tenía relevancia ya que no podía ayudar “en lo que verdaderamente importaba”. Pero a diferencia de Jon que optó por continuar con la banda, que hasta incluso quiso tratar estos temas en sus nuevas composiciones, Matt decidió alejarse. Ya no se sentía cómodo con el estilo de vida que levaba, que lo que era y hacía no valía la pena… ya no deseaba cantar más.

En diciembre de 2002 un mes antes que se firmara con SPV, Matt y Jon se sentaron a conversar sobre el futuro de la banda y de lo que sería mejor para el cantante. “Le dije -Matt- que mi espíritu ya no estaba en seguir haciendo música y que dejaría mi puesto en la banda para dedicarme a lo que sería una carrera que me satisficiera más y me llevara a una vida más plena”. Pero Jon no aceptó su carta de renuncia, le pidió que no tomara una decisión de la que viviría para lamentarse porque “teníamos un nuevo contrato -argumentó Schaffer- y porque había escrito lejos el material más sólido hasta ahora”.

Iced Earth

La persuasión logró el efecto deseado. Por la lealtad de Barlow hacia al grupo, lo intentaría una vez más. Así llegó el momento de grabar las voces para The Glorious Burden… lamentablemente, Matt desde su corazón ya se había apartado de Iced Earth y esto se notó en las sesiones. Dice el líder: “Cuando vino y cantó, fue terrible. Era obvio que no estaba motivado en lo más mínimo. La emoción, la convicción, ya no estaban ahí. Fue horrible. Nunca había visto a Jim Morris tan enojado en todos estos años que hemos trabajado juntos”.

Aun así se concluyó la grabación completa con las voces de Matt. Pero cuando llegó el momento de viajar a Tampa y mezclar en Morrisound, al tercer día se dieron cuenta que esto iba de mal en peor. Morris trató de hacer su mejor esfuerzo al proponerle a Jon un cambio en el proceso de mezcla de las voces. Eso estaría OK según el productor.

Iced EarthPero cuando empezaron a mezclar la épica Gettysburg (1863), Schaffer supo que habría que tomar una seria decisión: Jon detuvo la producción de álbum y habló con Matt para decirle que no estaba contento con su performance y que lo dejaba libre de acción. Así que Barlow se sacó la chaqueta de mezclilla, muñequeras negras, jeans, se cortó su larga y roja cabellera y se fue a terminar su carrera de Justicia Criminal para estudiar derecho y servir al nuevo Departamento de Seguridad de Estado Unidos. Ese fue el impensado fin de la era Matthew Barlow, dado a conocer el 2 de junio de 2003. “Fue la decisión que nunca quise tomar -se lamentaba Jon-. Siempre creí que Matt y yo íbamos a tocar juntos hasta viejos”. Ahora, aunque pasaran dos, seis meses, o un año, dejaría congelada la grabación hasta encontrar un nuevo cantante. “The Glorious Burden es sin duda el mejor álbum que he escrito y prefiero no sacarlo antes que arrepentirme por el resto de mi vida porque no se hicieron las cosas como debieron. Es muy importante para mí”.

ROCK STAR: SEGUNDA PARTE

El futuro de Iced Earth tras la ida de Matt era incierto. La, no decepción, sino frustración de los fanáticos era entendible. Schaffer se había encargado de hacerle mucha publicidad a su auto-proclamada obra maestra y ahora decía que quizás no fuera a salir en un año más… y lo peor, que sería sin Barlow, el vocalista que por mérito propio se había transformado en LA voz de Iced Earth después de tantos intentos fallidos por parte de los otros.

Sólo dos meses después de la partida, el siguiente post que Jon Schaffer publicó en la página oficial causó tanto revuelo como la triste noticia anterior. Posted by Jon Schaffer on Thursday, July 31, 2003 at 9:34PM:

Oigan todos,

Bueno, el álbum está listo, y no sólo está listo, IT RULES!! Nunca había estado más complacido en todos mis años de grabación. ¡Salió de la forma que tenía que salir! Y ahora la gran noticia, ¡se trata de TIM OWENS en las voces e hizo un tremendo trabajo! Sé que habían muchos esperando a que esto sucediera y así fue… Honestamente les digo que nunca me había sentido mejor y en verdad estoy viendo el futuro con más entusiasmo que nunca… Hasta la próxima, Jon.

Tim Owens, más conocido como Ripper, quien venía de una banda llamada Winter’s Bane, quien había alcanzado la fama al ser el responsable de devolverle la vida a los legendarios Judas Priest en la mitad de los noventa, nominado al Grammy por el tema Bullettrain, la persona que había inspirado producción hollywoodense Rock Star, se transformaba en la flamante voz de Iced Earth.

Iced Earth

Todo salió rápido porque Schaffer y Owens se conocían de hace años. Ripper: “Lo conocí en un show de Judas Priest cuando tocamos en Indianápolis en la gira de Jugulator, el ’98. Yo estaba caminando afuera con sombrero puesto, viendo el merchandise, cuando Jon me vio y se acercó”. “Hola -le dijo-, soy Jon Schaffer de Iced Earth, gusto en conocerte“, a lo que Tim le respondió: “Sí, espera, ¡hable una vez contigo por teléfono!” Así pasó. En 1991 Jon lo había llamado porque supuestamente las dos bandas, Iced Earth y Winter’s Bane, se irían juntas de gira por Estados Unidos, cosa que al final no se concretó. En esa “reunión”, según recuerda Ripper, “Jon me dijo que cuando creaba su música, la voz que se imaginaba en su cabeza era la mía”.

Se volvieron amigos desde aquel día y siempre hablaron acerca de trabajar en un proyecto. Empezó a fraguarse cuando justo antes de grabar la batería de The Glorious Burden, Jon le envió tres maquetas para que las trabajara mientras producía el LP de Iced Earth con la idea de grabar un demo. Esto cambió cuando Matt se fue de la banda y Jon, apenas pudo, llamó a Owens para preguntarle si era posible que cantase las canciones. El aún Ripper aceptó. Jon le envió una copia de las mezclas con las voces de Matt en el para que se las aprendiera y le ofreció reescribir tres de ellas, Red Baron/Blue Max, Waterloo y Valley Forge, pero por tiempo sólo se ocupó de la primera.

Tim Owens se demoró sólo cinco días en “clavar las voces”, como diría Jon al borde del éxtasis: “Nada de lo que hemos hecho antes se acerca a The Glorious Burden. Es lejos el mejor álbum hasta ahora, en composición, performance y espíritu”.

Iced EarthLo de Owens se divulgó 20 días después que se confirmara la reunión de Judas Priest con Rob Halford, el 31 de julio, por lo que las impresiones, festejos o reclamos de los seguidores acerca del nuevo miembro de Iced Earth, no se hicieron esperar. Pero a la semana siguiente Schaffer volvió a sorprender cuando señaló que Owens sólo había sido contratado para registrar las canciones, por lo que no era integrante oficial. ¿La razón? Ripper todavía era el cantante de Judas Priest cuando grabó The Glorious Burden y aparecería en el disco como músico invitado. Mas la suerte le sonrió a Jon -ya era hora- cuando dos días de terminadas las voces de Tim, el 11 de julio, Judas Priest anunciara su reunión, dejándolo en libertad de acción. El ex-Priest estuvo mes y medio deliberando acerca de su futuro. “Me encantaría que Tim fuera el nuevo frontman de Iced Earth -confesó Jon-, pero tiene que quererlo si no, no será bueno para nadie”. Pero afortunadamente para Schaffer, Owens quiso y decidió unirse al grupo.

“Cuando habíamos terminado de grabar -explica Tim- me di cuenta que había quedado absolutamente alucinado con las canciones y que me fascinaría cantarlas siempre (…) De vuelta a mi casa le dije a mi mujer que algunas veces deseaba que Priest volviera con Rob para que pudieran dejarme libre (…) Estoy muy emocionado porque es más reto que ponerse los zapatos de Halford (…) Iced Earth exige más de mi voz, un rango más grande de mis habilidades es usado en este disco”.

THE GLORIOUS, “MARVELLOUS, ESPLENDOROUS” BURDEN

Rápidamente el sello fijaría el lanzamiento del álbum para el 27 de octubre y para el seis del mismo el del primer single de Iced Earth, llamado The Reckoning, el cual traería cuatro temas: The Reckoning (Don’t Tread on Me), When the Eagle Cries versión acústica, Valley Forge y Hollow Man. Además, SPV le entregó un presupuesto para hacer no uno, sino dos video clips, los primeros oficiales del grupo, uno para When the Eagle Cries, con imágenes de 9/11, y el otro para The Reckoning en el que aparece el grupo completo en un set más convencional.

Iced Earth

Jon y Tim viajaron dos semanas a Europa para promocionar el disco que, por razones de publicidad y retraso de la producción debido a la partida y llegada de miembros a última hora, postergaría su lanzamiento para enero de 2004. El 27 de octubre sacaron The Reckoning que, aunque su portada generó burlas dentro del medio por su evidente similitud con la del single de The Trooper de Iron Maiden, vendió en Europa nada menos que 40 mil copias en la primera semana y ocupó el puesto #13 en los charts de singles independientes de la revista norteamericana Billboard.

Iced EarthLa postergación hizo que hubiera más tiempo para promocionar el disco, el que Schaffer ocupó para hacer declaraciones como “Tim es diez veces el vocalista que Halford fue”, que Barlow sólo hacía letras y que nunca llegó con nada interesante escrito, que no se involucraba, que “Burnt Offerings con Tim Owens habría sido diez veces mejor”, que Owens tiene carácter y Barlow era una persona insegura, que lo de las torres fue más bien una excusa porque no estaba convencido de lo que hacía, que esa era la gran diferencia con Ripper, que la voz de su actual cantante fue la que siempre quiso, etc, etc… frases que los que aún estaban decepcionados con la partida de Matt las reprocharon enérgicamente, como también generó anticuerpos su discurso patriótico y la manera de cómo lo abordaba en el disco… o que álbum era “de lo mejor que se había hecho en el negocio”, que tiene “todos los ingredientes necesarios para ser un clásico del metal”. Al fin tuvo la oportunidad de avalar sus dichos cuando el 13 enero fue el lanzamiento oficial de The Glorious Burden en sus tres versiones: una doble edición de lujo con todos los temas que se grabaron, la norteamericana sin el corte Waterloo y la europea sin la introducción de Star-Spangled Banner y Greenface, las tres con distintos órdenes en sus track list.

Después que The Reckoning se mantuviera un mes en los single-charts en Alemania, The Glorious Burden entró #15 y como segundo mejor debutante en la lista de álbumes vendidos, #24 en Austria, en Finlandia en el #30 y #39 en Suecia. El único revés en Europa fue Holanda, sólo posicionándose en el #80, cuando Horror Show había alcanzado el sexto lugar. En Estados Unidos Iced Earth logró los mejores números de su carrera. #145 en los charts de Billboard, y #4 en la lista de trabajos independientes de la misma edición, vendiendo cerca de 9 mil copias la primera semana. Hoy en día, un gran logro para una banda de metal con sello independiente.

Jon planea complementar el álbum con el primer DVD de la banda, simplemente titulado Gettysburg. Este tendrá imágenes de las sesiones de grabación con la Orquesta Filarmónica de Praga, un documental en el campo de batalla de Gettysburg, con Jon Schaffer de anfitrión que discutirá los lugares y detalles del hecho, un video 100% animado de la canción y dos DVD especiales con distintas mezclas de Gettysburg (1863). Todo esto dirigido por Mark Briody, guitarrista de Jag Panzer.

Iced Earth

Schaffer comenta el propósito de este álbum: “En un mundo políticamente correcto, las cosas no se enseñan como deberían ser, así que ahora tienes un montón de personas que les importa una mierda y que dan por hecho que lo que tienen ha estado siempre. Asusta ver a estudiantes que les preguntas y no tienen ni idea (…) El sacrificio de cientos de miles de seres humanos en estos doscientos años es la razón de por qué pueden sentarse a jugar Playstation todo el día y vivir a salvos. Ojalá podamos hacer algo con el disco”.

Su fascinación por la historia lo ha impactado no sólo como músico, sino también como comerciante. En Columbus, Indiana, Jon abrió una tienda de objetos históricos de colección llamada Spirit of ’76 Collectibles, en la que vende cuadros, miniaturas, figuras de personajes, reliquias de batallas, etc.

Iced Earth, la creación de Jon Schaffer, cada vez toma más peso. Tuvo la fortuna de demostrar en todos estos años que ningún obstáculo es capaz de frenarlo, la valentía de enfrentarlos y la satisfacción de poder sentarse mirar con legítimo orgullo todo lo que ha hecho. Y esto no terminará acá, ni los éxitos ni los sinsabores. Esa es la carga gloriosa de los que se atreven a seguir sus ideales.

¿Quién le dirá entonces que ya está bueno? “Esta ha sido mi visión muy desde el comienzo, desde que empecé a tocar la guitarra que he escrito mis propias canciones (…) Si tienes tu propia visión, ¿por qué tendrías que abandonarla? (…) Por 20 años he estado en esto… No soy nuevo en el negocio… aún hay mucho camino por recorrer, pero todavía tengo fuego, determinación y garra para mantener a Iced Earth vivo”. Y con todo, su visión se hace más cada vez más patente… guste a quien le guste. “¡La Revolución está más cerca que nunca!”.

Iced Earth

Iced Earth 2004:

Jon Schaffer: Guitarras
Richard Christy: Batería
Tim Owens: Voces
Ralph Santolla: Guitarra
James MacDonough: Bajo

Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Iced Earth cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

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No todos los días nos visita Iron Maiden, quizás la banda que más gente lleve a sus conciertos “sin prensa” en Chile. Más allá de la importancia ontológica y metafísica que ha tenido la doncella en nuestras vidas, se trata de una banda que ha tenido particulares problemas para tocar en Chile, por cuanto debería habernos visitado cuatro veces, pudiendo tocar, por diversas circunstancias, sólo en dos. Lo trágico e incitante a la paranoia es que las veces impares (la primera, en 1993, y la tercera, en 1998) Maiden ha cancelado sus recitales. Este Martes 13 sería el quinto intento… ¿se romperá la mufa? Más aun considerando la mala racha de cancelaciones de conciertos que ha vivido el público chileno en el último tiempo (Metallica, Helloween, Opeth…). Pero Maiden es la banda más importante de heavy metal de todos los tiempos y seguramente estará más allá de toda mufa, brindándonos un show histórico. Por todo lo anterior y lo que revisaremos después repasar la historia de esta banda, que ha impactado de forma radical las vidas de quienes adoptamos al metal como un elemento fundante en nuestros seres, que a veces con tres o cuatro notas hace magia. La doncella vuelve a Chile.

EL COMIENZO DE LA LEYENDA

Iron MaidenEn 1971, un quinceañero llamado Steve Harris vivía entre dos pasiones : la música y el West Ham United, equipo de fútbol de la Premier League de Inglaterra. Steve, quien poseía (y posee) bastante talento para el fútbol, se vio un tanto decepcionado al ver que muy pocos de los jóvenes como él llegarían a ser futbolistas profesionales, por lo que poco a poco fue trasladando sus esfuerzos hacia la música y decidió adquirir un bajo por la módica suma de 40 libras esterlinas. Así, inspirado en bandas como Jethro Tull o Genesis, formaría después de poco tiempo lo que fue su primera banda, llamada Influence, que posteriormente cambió su nombre a Gypsy’s Kiss. Después de algunas pequeñas tocatas, Steve abandonó la banda para unirse a Smiler, agrupación compuesta de jóvenes bastante mayores que él, y con la cual adquirió la experiencia suficiente como para dar a luz a su proyecto personal. En esos tiempos, el auge del movimiento punk era prácticamente inhabilitante para el nacimiento de bandas que cultivaran un estilo distinto, pero Harris deseaba otra cosa.

Así, ya en 1975, inspirado en la película “The Man In The Iron Mask” y en la dudosa femineidad de la Primera Ministra de Inglaterra de aquellos entonces, Margaret Thatcher (apodada “la Dama de Hierro”, quien incluso aparece caricaturizada en la carátula de “Women In Uniform”, cover de una banda llamada Skyhooks, que aparece en el álbum “Guilty Until Proven Insane”), Steve Harris encontró el nombre para su banda : Iron Maiden. Ya con el tema del nombre resuelto, Steve comenzó a buscar músicos en su barrio, el East End de Londres, reclutando a Terry Rance y Paul Sullivan en las guitarras, a Ron Matthews en la batería y al cantante Paul Mario, quien fue reemplazado poco después por Dennis Wilcock (con quien había tocado en Smiler). Éste recomendó a Steve a un rubio y joven guitarrista, con rostro felino, que hacía sus primeras armas en Urchin, llamado Dave Murray, lo que motivó la partida de Rance y Sullivan de la banda (quienes vieron esto como una falta de respeto), llegando Bob Sullivan (“Bob D’Angelo”) a suplir esa plaza faltante. Y además, Ron Rebel reemplazó a Matthews en la batería. Poco después, luego de múltiples cambios -donde incluso Iron Maiden tuvo ¡tecladista!, Tony Moore, y Dave Murray fue echado de la banda por Wilcock, para posteriormente volver-, otro ex-Smiler, Doug Sampson, llegaría a tomar las baquetas, mientras buscaban otro vocalista. Y en ese entonces un compañero de Steve le recomendó a un cantante de apellido italiano con tendencias algo punk y con un gran carisma, que mostraba sus virtudes en Bird Of Prey. Su nombre era Paul Di’Anno, quien debutaría el 31 de Diciembre de 1977 en el Pub “Ruskin Arms“.

En esos entonces la situación de Iron Maiden era complicada. Las casas discográficas les hicieron algunas ofertas, a condición de que se cortaran el pelo y se volvieran una banda punk, lo cual Steve Harris estaba lejos de desear. La dura indiferencia, sumada a la reticencia de las radios a incluir bandas metaleras en sus programaciones, se convirtieron en una gran razón para no claudicar. Pero a fines de 1978, tiempo en el cual tocaban por algunas cervezas y se trasladaban en una furgoneta que ellos llamaban “The Big Goddess”, la situación comenzó a cambiar y lograron grabar un demo, que contenía los temas “Prowler”, “Invasion”, “Strange World” y “Iron Maiden”. Para dimensionar la pobreza franciscana en la cual Maiden se inició, hay que decir que no pudieron pagar el cassette original. Dave Murray le entregó su copia a Neal Kay, un DJ que dirigía la noche rockera en “The Soundhouse”, un lugar casi de mala muerte, donde Maiden comenzaría a pavimentar su camino a la fama. En honor a esto, la banda elaboraría poco tiempo después un EP llamado “The Soundhouse Tapes“, que fue originalmente distribuido en forma independiente (vendió 3.000 copias en la primera semana) y que llegaría a transformarse en un ícono de colección.

Una de las copias de la cinta llegó a manos de Rod Smallwood -personaje clave en la historia de Maiden- quien, encantado con la banda, acudió a una presentación en vivo bastante accidentada de la doncella en donde Paul Di’Anno fue detenido horas antes por el cargo de posesión de arma blanca, por lo que el repertorio fue en su mayoría instrumental y Steve las hizo de vocalista en los restantes temas. A pesar de este inconveniente, Smallwood ofreció ser el manager de la banda, lo cual aceptaron. Poco después, tras una presentación en “The Marquee” con alrededor de 700 fans, Iron Maiden firma contrato con EMI, en lo que se convirtió en un tremendo paso. Ya con EMI, la banda grabó en 1979 dos temas, “Sanctuary” y “Wrathchild”, para la compilación “Metal For Muthas“, con Di’Anno en las voces, Murray y el recién llegado Tony Parsons en las guitarras, Steve en el bajo y Doug Sampson en batería.

EL SEXTO INTEGRANTE Y LOS PRIMEROS DISCOS

Doug comenzó a tener algunos problemas de salud, por lo cual salió de la banda, siendo sustituido por Clive Burr. Y Tony Parsons nunca enganchó con la “onda” de la banda, por lo cual también la dejó, llegando en su reemplazo Dennis Stratton, quien era el gerente del pub “The Cart & Horses”, en Leytonstone, Londres. Así, con una formación renovada, la banda salió de gira en Febrero de 1980 para promocionar el “Metal For Muthas” y celebrar la edición de su primer single, “Running Free”, que ascendía al nº 44 en los rankings británicos. La banda recibe una oferta de la BBC, para tocar en el programa “Top Of The Pops”, lo cual aceptaron a condición de tocar en vivo (serían los primeros desde que The Who lo hiciera ocho año antes).

El día 14 de Abril de 1980 la doncella da a luz a su primer hijo. “Iron Maiden” alcanzó un impresionante nº 4 en los rankings, lo que fue consecuencia de la enorme popularidad que estos jóvenes estaban alcanzando -con temas increíbles como “Phantom Of The Opera“, “Running Free” o “Prowler“, entre otros- lo que trajo como consecuencia que incluso fueran invitados a la gira británica nada menos que de Judas Priest (la invitación fue cursada personalmente por Rob Halford), quienes recientemente habían lanzado su clásico de clásicos, “British Steel”. Como anécdota, el clásico tema “Sanctuary” no se incluyó en la primera edición del disco, por cuanto causó polémica por ciertas alusiones a Margaret Thatcher, a quien podríamos decir que “tenían de casera”. Es cosa de ver la carátula.

Y en ese tiempo, puntualmente en Enero del mismo año 1980, nace el -en ese entonces- sexto integrante de Iron Maiden. De la mano de Dave “Lights” Beasley, nace “Eddie“, la mascota de la banda, que aparece en todas y cada una de las carátulas oficiales de los trabajos de la banda. Se dice que el nombre “Eddie” se habría originado de un viejo chiste inglés, que hablaba de un niño llamado Eddie que no tenía cuerpo sino sólo cabeza, que rogaba no recibir más sombreros de regalo para Navidad. Perfeccionado y rediseñado posteriormente por Derek Riggs, Eddie, quien ha aparecido como un faraón, un cyborg o un demente con camisa de fuerza, ha pasado, por derecho propio, a transformarse en un integrante más de la banda, estando presente en las presentaciones en vivo y evolucionando al mismo ritmo que lo ha hecho la banda.

Posteriormente, la banda hizo una gira de dos meses por las islas británicas, además de cuatro presentaciones en “The Marquee”, con lleno total. En el mes de agosto, acompañan a Kiss en su gira europea y en el Festival de Reading, donde además comparten escenario con UFO. Y al terminar la gira, la tensa situación entre Dennis y el resto de la banda se hizo insostenible, por lo que Iron Maiden se quedó con sólo un guitarrista -Stratton formaría una banda llamada Lionheart-. Pero no sería por mucho tiempo, pues Dave Murray recomendó a un ex-compañero de Urchin, un delgado (en aquellos entonces) y pulcro guitarrista llamado Adrian Smith, quien se unió a la banda poco después.

Iron MaidenCon esta nueva alineación, y bajo la producción de Martin Birch, el 2 de Febrero de 1981 salió al mercado el segundo trabajo de Iron Maiden, denominado “Killers“, que obtuvo doce discos de oro alrededor del mundo y llegó a situarse en el nº 12 de los rankings ingleses. Eddie aparece en la portada en una calle, con un hacha goteando sangre, y en los edificios que se pueden ver a la izquierda de Eddie se aprecia una parte del “Ruskin Arms”, pub donde debutó Paul Di’Anno, y un sex shop.

Con temas como “Purgatory“, “Wrathchild” y “Murders In The Rue Morgue“, “Killers” mostró una mayor sofisticación en la elaboración de la canciones por parte de la doncella, sin perder la fuerza con la cual emergieron en una escena inhóspita. Tras visitar por primera vez países como Canadá, EEUU y Japón, lanzan un single en vivo (con temas grabados en este último país), llamado “Maiden Japan”, parafraseando al clásico “Made In Japan” de Deep Purple. Además, graban el video “Live At The Rainbow”.

A pesar del éxito anteriormente señalado, existía algo que la banda nunca había tenido: estabilidad. Y ahora el turno de abandonar la banda era de Paul Di’Anno, quien llevaba una vida totalmente ligada al “ideal” rockero del “sexo, drogas y rock’n’roll”, lo cual estaba deteriorando su salud y especialmente sus cuerdas vocales. Y este hecho marcaría historia, pues su reemplazante, un ex estudiante de historia, admirador de Ian Gillan y respetado esgrimista, un tal “Bruce Bruce”, el enmascarado cantante de Samson, se transformaría en uno de los más grandes vocalistas de la historia del heavy metal.

LA FORMACIÓN IDEAL Y LA ETAPA DORADA

En efecto, a Bruce Bruce, el vocalista de Samson, le encantó la idea de tocar con Iron Maiden. Tras una audición en la cual Steve quedó sorprendido por la potencia de la voz de Bruce, éste quedó oficialmente integrado a la banda, retomando su verdadero nombre, Bruce Dickinson. Nacido en Agosto de 1958, cantó por primera vez en público cuando era muy pequeño, haciendo una sui generis interpretación de la canción de su héroe del momento, Popeye el Marino. Bruce pasó su juventud en la ciudad de Sheffield, donde pasó su adolescencia, trasladándose luego a Londres, donde ingresó al Queen Mary College, uniéndose al grupo “Speed” y más tarde a “Xero”, con quien grabó un demo. Luego cantó en “Shots”, para unirse posteriormente a Samson.

Con el objeto de que Bruce se acoplase, Iron Maiden realizó algunos recitales en Italia, para posteriormente presentarlo al público inglés, quien lo apodó “The Air Raid Siren” (sirena de ataque aéreo), por la potencia de su voz. Y es sabido que el público metalero no es muy dado a dar oportunidades a los reemplazantes, pero Bruce se metió al público al bolsillo en muy poco tiempo.

Ya con Dickinson en la banda, llegaría el momento de la consagración definitiva. Su nuevo trabajo, “The Number Of The Beast”, salió a la venta el 29 de Marzo de 1982, ubicándose en los primeros diez lugares en los rankings de toda Europa, y fue el primer álbum de Maiden en ubicarse en el nº 1 de las listas inglesas. Con una excelente carátula (Eddie sujetando con cuerdas de marioneta al demonio, quien a su vez maneja de la misma forma al parecer al mismo Eddie) y con temas clásicos como “The Number Of The Beast”, “Run To The Hills” (el single del álbum, que llegó a ubicarse en el nº 7 de los rankings) y “Hallowed Be Thy Name”, entre otros, este trabajo es considerado como el que llevó a la consagración a esta banda inglesa, mostrando una actitud arrolladora, sonidos armónicos con el notable aprovechamiento de las twin guitars y sobre todo con la maravillosa voz de Bruce. Como anécdota se cuenta que durante la grabacion del álbum, a los integrantes de Maiden les sucedieron cosas bastantes extrañas, como amplificadores que dejaban de funcionar sin razón aparente, luces que se apagaban, pero sin dudas lo más curioso es lo que le sucedió a Martin Birch, productor del disco, que iba rumbo al estudio y sufrió un pequeño acidente en auto, cuya reparacion le costó 666 libras esterlinas, decidiendo pagar 670.

Iron Maiden

Pero el final de la gira marcaría un punto oscuro en la banda, pues el baterista Clive Burr, aludiendo a una serie de problemas personales y al intenso ritmo de trabajo, decide abandonar la banda, lo cual era sorpresivo, pues Burr acababa de ser votado como uno de los tres mejores bateristas del mundo por una prestigiosa revista londinense. Y es así como Iron Maiden recordó al baterista de los franceses Trust, quienes apoyaron a Maiden en la gira del álbum “Killers”. Y es así como Nicko McBrain arriba a la banda, configurando lo que, para muchos, es la alineación ideal de Iron Maiden.

La banda voló a Nassau, Bahamas, para grabar su cuarto disco, y aprovechando su estancia en aquel paradisíaco lugar, decidieron aprovechar de grabar el video de su nuevo single, “Flight Of Icarus”. El guión del video indicaba que apareciera alguien maquillado de azul y vestido de monje, papel que fue representado por Nicko. Y así, en Mayo de 1983 salió a la venta “Piece Of Mind”, trabajo que en su artwork muestra a un Eddie con camisa de fuerza y encadenado. Rápidamente, este disco alcanzó el nº 3 en los rankings británicos. Este trabajo mostró otras facetas de la banda, con un sonido un poco más elaborado y con un pequeño toque de mayor complejidad en las composiciones -como vemos en la maravillosa “To Tame A Land” (que originalmente iba a llamarse como el libro en que se inspira, “Dune”, pero su autor, Frank Herbert, lo impidió, amenazando incluso con demandar a la banda)-, aunque sin perder la actitud guerrera, como vemos en el clásico “The Trooper”, o en “Where Eagles Dare”.

La banda llevó a cabo entonces el “World Piece Tour”, recorriendo prácticamente los mismos lugares de su gira anterior, culminando con una presentación televisada en Dortmund, Alemania, en cuyo show la banda atacó “brutalmente” a Eddie, lo cual causó cierta controversia.

Iron MaidenSi lo que hemos visto hasta ahora es histórico y consagratorio, lo sucedido en 1984 lo sería aun más. La salida a la venta en Septiembre de su quinto trabajo en estudio, “Powerslave”, marcó una etapa importantísima en la banda. En este trabajo, que cuenta con un artwork absolutamente de lujo, con Eddie convertido en una especie de faraón en medio de una pirámide egipcia (y con millones de detalles), la complejidad compositiva insinuada en “Piece Of Mind” llega a niveles fantásticos, especialmente con dos joyas de la historia del metal, como “Rime Of The Ancient Mariner” (obra basada en un poema de Samuel Taylor Coleridge, que narra la maldición que recae sobre un marinero que mata a una gaviota) y “Powerslave”, sin perder la agresividad, que vemos en “Aces High”, y sobre todo marcando el “sonido Maiden”, con el bajo en un rol protagónico, las twin guitars haciendo de las suyas y Bruce retando a que alguien cante como él.

El éxito de “Powerslave” hizo que Iron Maiden llevara a cabo un tour a gran escala, llamado “World Slavery Tour”, que constó de alrededor de 300 conciertos en poco más de un año, visitando incluso países sometidos a regímenes comunistas como Polonia, Hungría o Yugoslavia, en pleno período de la guerra fría entre EEUU y la URSS, y la “Cortina de Hierro”, que dividía al mundo occidental del comunista. Y la doncella demostró que su música estaba más allá de las luchas políticas, en lo que fue considerado como un hito histórico. Además de esto, la banda visitó por primera vez Sudamérica (puntualmente Brasil), en lo que fue un majestuoso Rock In Rio (con un público aproximado de 200.000 personas), compartiendo escenario con Queen, AC/DC y Ozzy Osbourne, entre otros. Con un Eddie transformado en un atemorizante monstruo de casi 20 metros de altura y con un Dickinson recordado (y en vigencia) como uno de los mejores frontman de la historia, la puesta en escena de la banda sobresalía, resaltándose las performances en el Hammersmith Odeon y cuatro noches consecutivas en el Long Beach Arena en California, Estados Unidos, las cuales fueron aprovechadas para sacar para grabar un disco doble y un video de sus presentaciones en vivo, en el mejor momento de la banda. El disco y el video, llamados “Live After Death” (uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal), salieron a la venta e 14 de Octubre de 1985, llegando al nº 2 del ranking de ventas. Notable es el inicio del show, con una arenga guerrera de Sir Winston Churchill.

El 29 de Septiembre de 1986 salió a la venta el sexto disco en estudio de la banda. “Somewhere In Time”, grabado en Münich, Alemania, y Nassau, marca un notorio cambio en el sonido de la banda, pues ésta comienza a utilizar sintetizadores como fondo en varios temas, lo cual causó escozor en algunos fans. Pero tras escuchar temas como “Caught Somewhere In Time”, “Heaven Can Wait” o la fantástica y épica “Alexander The Great”, los temores se esfumaron. Y un punto aparte en este trabajo es su artwork, para muchos metaleros el mejor que se haya hecho en la historia, pues muestra a un Eddie futurista en el centro de Londres, y con una serie de detalles (que especialmente pueden apreciar quienes tengan la versión en vinilo) perfectamente diseñados por Derek Riggs que lo hacen merecedor de comentarios y análisis aparte.

Iron MaidenLamentablemente no todo podía ser color de rosa. El aporte creativo de Bruce Dickinson se redujo notablemente, al tiempo que Steve Harris tendía a ensimismarse en la composición de los temas. Y esto se unió a que se originó un montón de versiones separatistas debido a la poca repercusión del disco, considerando las expectativas generadas. Todo esto se vio acrecentado debido a que Steve Harris decidió dedicarse a trabajar con su amiga, la cantante Anita Dobson, componiendo algunos temas y participando de la grabación de su álbum. Y otra revista especializada señalaba que Bruce estaba hastiado de las “tiranteces que imperan en Maiden”. Pero la gota que rebalsó el vaso emanó del propio sello grabador de Iron Maiden, el que señaló que la grabación del nuevo álbum estaba postergada indefinidamente, y que sería reemplazada por una remasterización de “Killers”. Esto provocó la reacción de Dave Murray, quien desmintió tajantemente los rumores de separación, tranquilizando de cierta forma a los fans.

A pesar de todos estos problemas, la banda llevó a cabo el “Somewhere On Tour”, que contaba con un inmenso Eddie convertido en cyborg, y que comenzó en Belgrado, Yugoslavia, y terminó en Osaka, Japón, en lo que fueron más de ocho meses. La banda registró algunos momentos del tour y algunas entrevistas y los lanzó a la venta en 1987, en un video llamado “12 Wasted Years”.

EL SÉPTIMO HIJO Y LA PARTIDA DE ADRIAN

La banda ya se encontraba preparada para lanzar su séptimo trabajo en estudio. Pero antes de ello decidió grabar un video promocional de su single, “Can I Play With Madness”, el que sería dirigido por Terri Gillian, director de la película “Brazil”, y que sería una especie de “mezcla entre ‘Monty Phyton’ y ‘Los Cazadores del Arca Perdida’”, según Gillian.

Iron MaidenYa con el video estrenado, Iron Maiden lanzó su séptima placa, titulada “Seventh Son Of A Seventh Son”, disco inspirado en el libro de Orson Scott Card llamado “Seventh Son”. El séptimo disco de Maiden inmediatamente alcanzó el nº 1 en el ranking inglés y se mantuvo durante muchas semanas en el top 5. Con un artwork rayando en lo demoníaco y convertido por la historiografía metalera como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos, este trabajo, que es considerado por muchos dentro de lo mejor de la discografía de Maiden, acentúa las bases de sintetizadores esbozadas en “Somewhere In Time” (de hecho en los shows habría un tecladista invitado, Coun Kenney), sin perder su sonido clásico y llegando a niveles de majestuosidad con temas como “Seventh Son Of A Seventh Son”, “Infinite Dreams” o “Moonchild”, entre otros.

La banda decidió entonces centrar su gira, denominada “Seventh Tour Of A Seventh Tour”, en Estados Unidos, la cual se desarrolló con mucha efervescencia por parte de los fans, pero sin provocar mayores altercados. Pero lo que verdaderamente generó comentarios de toda índole fue la actitud de ciertos personeros estadounidenses, entre los cuales se incluía al conservador reverendo Jimmy Swagart, quienes enarbolaron la bandera de la censura contra esta banda británica, calificándola de satánica, e incluso utilizando una foto del mismísimo Steve Harris para la portada de un libro en el que hablaba de los “alcances demoníacos y degenerantes” del Heavy Metal, ante lo cual Steve demandó a Swagart por el uso sin autorización de su imagen, y además se determinó a arrasar en los Estados Unidos, con el fin de obtener el reconocimiento que sí tenían en Europa. Y no está de más señalar que en aquel entonces el señor Swagart, cuyo pasado no era muy católico, estuvo involucrado en escándalos con prostitutas, lo cual restaba toda validez a sus críticas acerca de ética y moral.

El punto más alto de la gira se logró en el recital de Donington, en lo que según muchos constituyó el mejor recital de la historia de Maiden y que contó con dioses del rock como Kiss, David Lee Roth, Guns N’ Roses y Helloween, entre otros. Y la banda decidió tomarse un reponedor descanso en 1989, tiempo que Bruce y Adrian aprovecharon en llevar a cabo proyectos solistas. Bruce grabó junto a otros rockeros ingleses una versión de “Smoke On The Water” de Deep Purple, donde conoció a su ídolo Ian Gillan, y se decidió a lanzar su primer álbum solista, denominado “Tattooed Millionaire”, que se enmarca en un estilo que no tiene mucho que ver con Maiden, más relajado y rocanrolero, en el cual trabajó con un guitarrista llamado Janick Gers.

Iron MaidenLo de Adrian tuvo otros matices. Además de su intención de sacar a la luz su proyecto solista con su banda Adrian Smith & Project (A.S.A.P.), llamado “Silver And Gold” -proyecto en el cual además se hizo cargo de la vocalización-, era sabido que, debido a su introvertida personalidad, a Adrian le resultaba cada vez menos cómodo y satisfactorio el estar en una banda tan importante, y que requería tanto desgaste, como Iron Maiden. Y es así como, poco tiempo después de sacar a la venta su video “Maiden England”, y conjuntamente con la celebración de los diez años de la banda como la estrella de la compañía EMI, Steve Harris anunciaba la amistosa salida de Adrian Smith de Iron Maiden, a pesar de haber compuesto partes de siete temas del próximo disco, y haber grabado una parte de “The Assassin”. Sólo siete días después se anunciaba su reemplazante, que, para variar, estaba al alcance de la mano: el ya mencionado Janick Gers, nacido en el norte de Inglaterra, cuya familia es oriunda de Polonia. Tras tocar en bandas escolares (covers de T-Rex, Led Zeppelin y Deep Purple), fundó la banda “White Spirit” a principios de los ochenta, década en la cual tocó con Ian Gillan.

El trabajo que, como señalamos, vagamente había comenzado antes de la salida de Adrian, continuó como si no hubiese habido cambios. Y es así como el 1 de Octubre de 1990 Iron Maiden lanza su octavo trabajo en estudio, llamado “No Prayer For The Dying”, trabajo que, extrayendo el sonido de teclados y sintetizadores, intenta dar al sonido Maiden una connotación un poco más sencilla y directa, como se ve por ejemplo en temas como “Holy Smoke” (que tiene un video bastante divertido), “Tailgunner” o “Run Silent Run Deep”. Y si bien es cierto el álbum debutó con un nº 2 en los rankings ingleses, no consiguió la popularidad de los álbumes anteriores. Con un afán de hacer más sencilla, austera y directa su puesta en escena, la banda, en su “No Prayer On The Road Tour”, sólo usaba un telón gigante en sus presentaciones en vivo, las cuales se vieron ciertamente limitadas en su número debido a la tensión internacional emanada del conflicto bélico entre Estados Unidos e Irak, en la llamada “Guerra del Golfo”. Y el toque de distinción lo hizo el gran despliegue escénico de Janick, quien demostró que su carácter y su entusiasmo estaban lejos de ser similar a la pulcra timidez que Adrian Smith mostraba en escena.

Iron MaidenPara el nuevo disco, se hizo una especie de concurso entre varios artistas para diseñar a Eddie. Y así fue como triunfó el modelo diseñado por Melvyn Grant, con un terrorífico Eddie saliendo de un árbol que, sin duda, se convirtió en una de los mejores cover arts de Maiden. El 11 de Mayo de 1992 salió a la venta la novena placa de Iron Maiden, llamada “Fear Of The Dark”, que a pesar de haberle dado a la banda su tercer nº 1 de la historia, es un disco un tanto irregular, que en todo caso llevó un par de gemas al olimpo del Metal, “Fear Of The Dark” y “Be Quick Or Be Dead”, además de otros temas muy interesantes como “Afraid To Shoot Strangers” o “Judas Be My Guide”.

La banda inició en Escandinavia su “Fear Of The Dark Tour”, para posteriormente, en Agosto, presentarse por segunda vez en Donington, donde grabaron un nuevo disco doble en vivo, e incluso contó con la presencia de Adrian Smith en “Running Free”. Incluso la banda visitó Sudamérica, y estuvo algunas horas en Chile, donde tenía presupuestado tocar el día 23 de Julio en la Estación Mapocho, pero no pudo hacerlo debido a que el “recinto no cumplía con los requerimientos técnicos”, como se dijo en aquella época. Pero todo sabemos que la verdadera razón estuvo dada porque grupos ultra católicos y moralistas, que tildaron a la banda de satánica, terminaron por impedir la realización del recital de Iron Maiden en nuestro país, para desazón y furia de los fans y de los integrantes de la banda. A pesar de este impasse, la banda continuó su exitoso tour a lo largo del mundo. Pero algo no andaba bien.

GOOD-BYE BRUCE

Bruce Dickinson estaba cansado. Sentía que no podía desarrollar todo su potencial compositivo con Iron Maiden, y que su etapa en la banda estaba cumplida, por lo que, en términos más o menos amistosos, emigró de la banda. Steve Harris no manifestó su molestia de inmediato, sino que primero se encargó de recopilar el extenso material en vivo generado de sus múltiples presentaciones, y decidió que se lanzaran dos discos en vivo por separado, uno con material anterior a 1985, “A Real Dead One”, y uno con material posterior, “A Real Live One”. Bruce fue despedido en un impresionante recital, que se llamó “Raising Hell”, televisado a muchos países.

Bruce señaló en su comunicado de despedida: “Estos últimos meses junto a los muchachos han sido fabulosos, los mejores que pasamos juntos, seguramente. Porque vivimos intensamente cada presentación, cada almuerzo, cada ensayo. Pienso que todo ese sentimiento quedo también reflejado en el álbum (“A Real LIVE/DEAD One”), porque si bien cuando lo grabamos todavía no les había dicho que me iría, yo sabía que ese era el último trabajo que haríamos juntos. Y me entregué con todo a la grabación. Si hasta soñaba con ella. Y por eso la llevo en un lugar privilegiado de los recuerdos. Creo que es una pequeña joya que me ayudará mucho en el nuevo rumbo que tendrá mi vida. Quiero agradecer a todos los que siempre nos apoyaron en la banda y pedirles que lo sigan haciendo, por que estoy seguro de que los muchachos van a seguir brindando lo mejor de si en cada canción, Y en ellos hay mucho talento para dar todavía, porque tienen una veta creativa inextinguible. Es difícil enfrentarse al adiós, pero hay que hacerlo, gracias“.

Después de pasada la efervescencia y la desazón por la partida de Bruce, Steve Harris señaló a la prensa su molestia no por la salida de Dickinson, sino por lo que éste declaró a la prensa, en el sentido de que su molestia y desmoralización respecto a la banda venía desde mucho tiempo antes. Steve declaró entonces que si Bruce se sentía así, él mismo le habría dicho mucho antes que se fuera de la banda.

Iron Maiden

Y obviamente la búsqueda del reemplazante de Bruce sería una cuestión que no sólo llamaría la atención de la banda, sino que del público metalero en general. Así, se realizaron audiciones por todo el mundo, rumoreándose que el vocalista podría haber sido Michael Kiske, en ese entonces vocalista de Helloween, o Joey Belladonna, ex-Anthrax, o incluso el mismísimo Paul Di’Anno. Pero nada de eso llegó a ser cierto, pues después de escuchar 4.959 cintas, la banda se decidió por un discreto y poco conocido vocalista de una banda conocida por Maiden llamada Wolfsbane. Su nombre era Blaze Bayley.

LA ERA DE BLAZE

Con la llegada de Blaze, y de su nuevo productor, Nigel Green (quien compartiría funciones en ese ítem con Steve Harris), Iron Maiden comenzó a trabajar en lo que sería su décimo trabajo en estudio. Y así, el 2 de Octubre de 1995 (año en el cual Bruce Dickinson visitó por primera vez nuestro país, el día 9 de Marzo en el Teatro Monumental) sale a la venta “The X-Factor”, un disco bastante largo y con un sonido absolutamente distinto a cualquier otro trabajo de Iron Maiden, que raya en lo oscuro, intentando explotar al máximo el limitado campo vocal de Blaze. Con temas como “Man On The Edge”, “Lord Of The Flies” y sobre todo la magistral “Sign Of The Cross”, Maiden marcaba el comienzo de una era distinta, quizás más oscura, con menos revoluciones y, sobre todo, intentando sopesar el enorme fardo que les dejó la partida de Bruce pues, para la mayoría de los fans, era imposible imaginar a Maiden sin Dickinson.

Iron MaidenY así fue como Iron Maiden quiso mostrar su nueva conformación al mundo metalero. El tour, al cual llamaron “The X-Factor”, los llevó a lugares “exóticos” para estos efectos, como Israel o Sudáfrica y, ¡al fin!, a nuestro país, donde llevaron a cabo una presentación el Jueves 29 de Agosto de 1996. Con un Teatro Monumental lleno hasta las banderas, Iron Maiden llenó de emoción a los fans que los esperaron durante tanto tiempo, a pesar de la limitadísima voz de Bayley y de un par de incidentes (como el palo que le lanzaron a la banda telonera, los hispanos de Héroes del Silencio), que no lograron empañar el éxtasis de aquella noche.

El nuevo Maiden decidió echar una mirada hacia atrás, para lanzar su primer álbum recopilatorio, que se llamaría “Best Of The Beast”, que incluiría un tema nuevo, “Virus”. Con el “pretexto” del nuevo disco, la banda prolongó la gira, mientras se preparaba el material para el nuevo trabajo, el segundo de la era Blaze.

Mientras tanto Bruce Dickinson, un poco aburrido de sus experimentaciones cercanas al rock alternativo (junto a su banda “Skunkworks”, con la cual realizó un disco llamado de la misma forma), lanza, con el tremendo apoyo de la guitarra de Adrian Smith, un tremendo disco, llamado “Accident Of Birth”, en el cual volvía a sus raíces metaleras y a mostrar que su voz estaba más vigente que nunca. Y con la gira de ese disco, Bruce nos visitó por segunda vez la noche del Viernes 21 de Noviembre de 1997 en el Velódromo del Estadio Nacional, junto a Ronnie James Dio, Jason Bonham y The Scorpions, en una presentación memorable para quienes tuvieron la fortuna de asistir, especialmente para los fanáticos de Iron Maiden, quienes deliraron con los tres temas de la doncella que Bruce, Adrian y compañía ejecutaron aquella noche.

La banda se preparó entonces para lanzar su undécimo álbum en estudio. Intentando abordar el tema de la computación y la consecuencial deshumanización por parte de la sociedad, mezclado con alusiones futboleras (incluyendo la polera oficial de fútbol de la banda), “Virtual XI” salió a la venta a fines del mes de Marzo de 1998. Con, según muchos, el peor cover art de la historia de Iron Maiden (hasta ese momento), y sólo ocho temas, este trabajo desilusionó a muchos fans y reactivó la ilusión de otros. Temas como la excelente “The Clansman”, “Futureal” y “When Two Worlds Collide” llamaron la atención de los fans, y muestran una buena vocalización por parte de Blaze, hasta que se tomaba cualquier cosa de Dickinson y muchos nos preguntábamos qué estaba haciendo Bayley en Maiden.

Y mientras tanto, Bruce Dickinson junto a Adrian Smith estaban lejos de perder el tiempo, lanzando a la venta un tremendo disco llamado “The Chemical Wedding”, que llevó, tanto a muchos de los fans de Maiden como a la crítica especializada, a manifestar que el trabajo de Bruce como solista superaba con creces al de Iron Maiden con “Virtual XI”.

Iron Maiden

Y era el turno del tour mundial, que los llevaría a múltiples lugares del mundo, incluyendo una nueva presentación en Santiago el día 10 de Diciembre de 1998, junto a los dioses del Power y del Thrash Metal, Helloween y Slayer, respectivamente. Pero nuevamente las circunstancias jugaron una mala pasada, puesto que el gobierno inglés recomendó a sus artistas connacionales que no visitaran nuestro país, por temor a algún tipo de represalias de inadaptados y subnormales debido a la detención en Londres del General Pinochet. Y así, por segunda vez, los fanáticos mordimos el polvo de la derrota.

CINCO, MENOS UNO, MÁS DOS, SON MÁS QUE SEIS…

Pero después del trago amargo que vivimos al no poder, por segunda vez, ver a Maiden en Chile, el día Viernes 12 de Febrero de 1999 recibimos una sorprendente noticia : Bruce Dickinson regresaba a Iron Maiden, marcando la salida de Blaze Bayley casi por la puerta de atrás. De hecho, el rumor cuenta que el descontento de la banda con Blaze era tan grande que éste viajaba en una van y el resto de la banda lo hacía en otra, casi sin hablarse. Después del show en Buenos Aires, Janick Gers les habría dicho a algunos miembros del crew que ya no aguantaba más a Blaze.

Pero Bruce no volvía solo, lo hacía junto con Adrian Smith, configurando un inédito trío de guitarras sólo experimentadas por Lynyrd Skynyrd. Bruce aprovechó de hacer unos últimos recitales junto a su banda, para lanzar un excelente disco en vivo titulado “Scream For Me Brazil”, para luego incorporarse a Maiden.

Ante esta increíble noticia, el lanzamiento del videojuego “Ed Hunter” pasó a segundo plano. Lo que más resalta de este período es el mini tour que la “nueva” banda realizó, ejecutando temas elegidos por los fans, quienes deliraban e imaginaban la majestuosidad de la tríada de guitarras, y soñaban con un nuevo disco. Esto se convertirían en realidad a fines de Mayo del año 2000, con el lanzamiento de su duodécimo disco en estudio, llamado “Brave New World”, el que sería producido por Kevin Shirley. El concepto del disco está basado en la conocidísima novela de Aldous Huxley titulada homónimamente, traducida al español como “Un Mundo Feliz”. Con un artwork fantástico, que vuelve a la excelencia de las épocas pretéritas, y un sonido fresco, poderoso, conjuntamente con el inagotable caudal vocal de Dickinson, hacen de este trabajo uno de los mejores desde “Seventh Son Of A Seventh Son”. Con temas como “Dream Of Mirrors”, “Ghost Of The Navigator”, “The Fallen Angel” o “The Wicker Man”, Maiden muestra un sonido muy “de banda”, quizás por el hecho de haber grabado conjuntamente todos los instrumentos (y no por separado como se estila el día de hoy). Además, unos sutiles toques orquestados marcan a este trabajo como uno de los mejores de Iron Maiden.

Iron Maiden

Y llegaría la hora, al fin, para los fans chilenos, de ver a Maiden en su esplendor, sin problemas políticos, religiosos o de cualquier otra índole. La tarde-noche del Lunes 15 de Enero del 2001, iniciada por el magistral recital de Rob Halford, en esos entonces ex vocalista de Judas Priest, llevaría a los casi 25.000 fans de la doncella que se dieron cita en la pista atlética del Estadio Nacional a delirar, enloquecer y ser felices con la presencia de los 6 británicos que conquistaron nuestros oídos y, a muchos de nosotros, nos llevaron al camino del metal. Con una presentación no exenta de imperfecciones técnicas en el sonido, pero con emoción y adrenalina a raudales, Iron Maiden hizo historia aquella noche, saldando una deuda (que no se originó por culpa de ellos) que ya casi duraba 10 años, desde aquel ingrato episodio con ciertos personeros de la Iglesia Católica chilena.

Luego, Iron Maiden se tomó un pequeño descanso, Bruce planeó algunas presentaciones como solista (entre ellas en el Wacken Open Air de Alemania, junto a Blind Guardian, entre otros), la banda realizó algunos recitales a beneficio de su ex baterista Clive Burr, quien está afectado de una seria enfermedad llamada esclerosis múltiple. Además, se lanzó una edición especial del single “Run To The Hills“, cuyas ganancias irían directamente a Clive y su fundación.

El 10 de junio de 2002 editarían “Rock In Rio“, su primer DVD en formato doble, con la actuación que el grupo ofreció en el famoso Festival en Rio en el año 2001 ante 250.000 personas. También se editaría en algunos países en formato de doble VHS, doble CD y triple vinilo de edición limitada. El concierto fue filmado por Globo TV con 14 cámaras, incluyendo 2 grúas y un helicóptero, dirigido por Dean Karr, quien trabajó anteriormente con la banda cuando dirigió el clip para “The Wicker Man”. El segundo DVD consiste en entrevistas con el grupo y material extra para los fans. El lanzamiento obtuvo un éxito inmediato, llegando al número uno en las listas de video en Reino Unido, al número 2 en las de DVD en Alemania y 4 en las de video.

Recientemente, el pasado 4 de noviembre, Iron Maiden lanzó un box set llamado “Eddie’s Archive“, que contiene dos discos dobles que recogen las primeras grabaciones en vivo de la banda, que van desde 1979 hasta que lideraron el Festival Donington en 1988, más otro disco doble bautizado como “The Best Of The B’ Sides“, que recoge todos los temas que no entraron en los discos oficiales. La presentación del box-set es sencillamente notable: una caja con la cara de Eddie plateada, una especie de pergamino en donde se narra la historia completa de Iron Maiden,más un vaso de cristal con la cabeza de Eddie. Junto con lo anterior, la banda lanzaría su segundo disco de grandes éxitos, llamado “Edward The Great“, que contiene 16 temas.

Con un afán comercial, Iron Maiden comenzó, a fines de Mayo del 2003, un tour denominado “Give Me Ed… Til I’m Dead”, efectuando alrededor de cincuenta conciertos en Europa y Estados Unidos, donde además se estrenó un tema nuevo, “Wildest Dreams“. En Junio, la banda lanzó su segundo DVD, llamado “Visions Of The Beast“, que reúne todos los videos de la historia de la banda.

LA DANZA DE LA MUERTE … Y NUEVAMENTE A CHILE

El 8 de Junio del 2003 saldría a la venta el décimotercer disco en estudio de la doncella, el segundo tras la vuelta de Bruce y Adrian. El nuevo trabajo se llamaría “Dance Of Death“, y si bien su carátula deja bastante que desear, es un disco sólido y con momentos brillantes. Con 11 temas y sesenta y ocho minutos de duración, “Dance Of Death” destaca por su tema homónimo, además de las potentes “Montségur” y “Rainmaker“, entre otros, además de ser el primer disco que cuenta con Nicko McBrain como compositor de un tema, para la rockera “New Frontier“.

Era más o menos obvio que Maiden nos visitaría el 2004. Pero lo agradable fue la confirmación de la fecha: hace un par de meses se ratificó que Iron Maiden tocará en Chile el próximo Martes 13 de Enero, a las 21.00 horas, en la Pista Atlética del Estadio Nacional. Lo mejor de todo es que la banda ha prometido traer a Latinoamérica todo su show, lo que conforma nada menos que 25 toneladas de equipamiento. Ello sin dudas es un plus pues si bien no puede dejar de decirse que el show del 2001 estuvo cargado de emotividad y adrenalina, el sonido no fue de los mejores.

La maldición de las venidas “impares” de Maiden parece estar destruyéndose. Y ante ello no podemos sino estar contentos y expectantes. Como señalamos anteriormente, no todos los días viene Iron Maiden. Para muchos es un acontecimiento que marca vidas, que hace recordar anécdotas, una “bisagra” entre un antes y un después en la vida de un metalero. Y quiero dedicar estas líneas para quienes este sea su primer concierto, como seguramente ocurrirá en muchos casos: si todo sale bien, esta será una experiencia inolvidable para ustedes. Que me perdone la gente católica, pero creo que para un metalero ni la primera comunión es tan importante como su primer concierto, especialmente si es así de masivo. Por ello, preparen sus oídos y sus ojos para vivir una sensación indescriptible, y sobre todo, siéntanse aún más orgullosos de la música que escuchan. Los metaleros somos pocos, vilipendiados en todas partes, víctimas de prejuicios imbéciles… y si hay una banda que nos une a todos, es Maiden. Disfrutemos y demostrremos que somos el mejor público del mundo.

Iron Maiden

UP THE IRONS!!!

Alineación Actual de Iron Maiden :

Bruce Dickinson : Voces
Steve Harris : Bajo
Adrian Smith : Guitarras
Dave Murray : Guitarras
Janick Gers : Guitarras
Nicko McBrain : Batería

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¿Sabían ustedes que esta banda eligió su nombre recién dos horas antes de salir a tocar por primera vez? ¿Sabían también que ganaron un café concert y el derecho de grabar un demo “muleando” las letras en inglés? ¿O que uno quería echar al baterista que prestaba la casa para los ensayos para meter a su hermano? ¿Y que pensaron tener dos bateros en el grupo después que la conspiración fracasara?

Sí, parecen esas historias de la banda de un amigo del colegio, o la del vecino que se junta todos los fines de semana a tocar en el patio, o como la de cualquier otra que disfruta haciendo covers de Iron Maiden para los conocidos en algún local. Quién se habría imaginado que uno de estos grupos se convertiría en uno de los más grandes de metal en el país, que sería capaz de realizar un concierto de estándares internacionales, que para el 2004 editarían en Europa y Japón no el primero, sino que su segundo disco… ¡Y que todo esto en Chile lo conseguirían solos! Es interesante, y ojalá que también sea inspirador, ver qué pasó con Six Magics, que de un grupo de compañeros de curso y conocidos de tocatas, empezaron a crecer con música y a llenarse de ella, tomándola como un estilo de vida, en el sentido más serio, al punto de que si hoy decidieran acabar con todo esto, ya podrían decir que dejaron su estela en el medio nacional, pero que dejarían muchísimo sin completar, porque Six Magics está para logros más grandes e increíbles.

Lo cierto es que se la han jugado, y no como apuesta o tiros al aire para ver si cae un pájaro, sino que por el trabajo que han hecho, garantía de sus buenos resultados. Six Magics no empezó más que como un grupo de fanáticos metaleros adolescentes antes que de músicos, cuyas actividades se centraban en las obligaciones del colegio pero que les permitía, al menos en forma de aspiración, el poder dedicarse a la música. Y de aspiración a realización, ese es el testimonio.

Six Magics

“NOS PUSIMOS SIX MAGICS DOS HORAS ANTES DE TOCAR”

Entremedio otros intentos, Six Magics no fue el primer grupo en el que sus integrantes fundadores se pasearon con sus instrumentos. Salió de la fusión de Anemia y de un trío de compañeros de curso del SEK. Erick Ávila era el líder de Anemia, según sus palabras en ese tiempo “fanático del metal y súper encasillado, que iba a todos los conciertos, me metía en los slams y odiaba el pop”, pero que siempre tuvo una inclinación a la guitarra. Seguidor de Megadeth, Metallica, Annihilator, Slayer, a los 14 años cuando estaba en primero medio, empezó a tomar más en serio dicho instrumento. Decidió comenzar a aprender solo y se juntó con un amigo, Pablo Vidal, para hacer un primer grupo que no tuvo ni nombre, pero tal amague de proyecto terminaría por dar forma a Anemia. Se les unió en la batería el hermano menor de Erick, Brian, y el bajista sólo recordado ahora como “Pepe Maiden“. Su estilo era Heavy Metal, en parte gracias a que en esos días llegó a las manos de Erick un cassette de Manowar el que por sus temáticas guerreras “lo encontré increíble, pero cuando aparecieron las motos, se me fueron porque mi interés iba en lo medieval y lo épico”.

Vidal además de encargarse de una guitarra haría las voces, “en la onda gutural”, pero sólo duraría hasta la primera presentación del grupo que realizaron en el Colegio El Dorado, oportunidad en que Erick conoció a Sergio Villarroel, cantante que había visto al cuarteto en acción. Por su gran voz y registro más claro se ajustaba a lo que querían, Ávila le ofreció que se les uniera. Anemia se presentaría en varias tocatas colegiales presentando covers de Iron Maiden, Megadeth y temas propios entremedio, con Checho en las voces y guitarras. Vidal sólo aportaría esporádicamente.

Era 1996 ya cuando a Erick se le acababa su tiempo en el colegio, cada vez veía más claro que la música era el camino que quería recorrer en su vida, pero como tal decisión significaba estudiar música, tuvo problemas en su establecimiento que como dice Erick, “por los prejuicios y el dinero, por un colegio demasiado materialista que odiaba todo lo relacionado con carreras artísticas”, no estuvo más opción que tomar otro ángulo hacia el mismo objetivo y cursar ingeniería de sonido. Sin embargo tendría ramos musicales en los que aprendería teoría, armonía y les sacaría provecho para aproximarse a sus verdaderas intenciones. Por mientras, seguía en el colegio en el que en vez de salir a carretear con sus compañeros “taquilla”, se quedaba ensayando toda la noche y aprendiendo a sacar solos de guitarristas como Marty Friedman.

Six MagicsEste mismo año, durante las fiestas patrias, Anemia fue invitado por el fundador de Panzer, Juan Álvarez, para participar en la Fonda Rock que se haría en el antiguo pub Obelix, ahora sala Omnium, en Las Condes. La banda aceptó y corrieron la voz entre sus amigos. Entre ellos, Erick avisó a un conocido suyo llamado Nicolás “Chino” Espinoza. Era otro guitarrista que tenía una banda formada con compañeros del SEK Internacional.

Uno era el bajista Juan Pablo Pizarro, cabeza que pronto le daría nombre a este proyecto, y el batero Pablo Stagnaro, un adolescente que se leía en su currículum vitae rockero el haber comenzado a escuchar Guns ‘n’ Roses y Poison a los nueve años, en cuarto básico siguiendo los pasos de su hermano mayor, haber asistido al concierto de Axl Roses y Compañía, Morbid Angel, entre más experiencias. Desde un principio le llamó la atención los bateristas, sobre todo el de los Guns, “por la estética, los movimientos detrás de la caja y la forma de tocar”. Empezó a sacar temas con los brazos y armaba baterías con los cojines. En séptimo, cuando tenía once años, le compraron su primera batería, tiempos en que sus influencias eran Megadeth, Death y Iron Maiden. A los 15 empezaría a tomárselo seriamente y tomaría clases con Darío Rojas.

El Chino no sólo llamó a sus compañeros de banda para que fueran al Obelix, sino que llenó el pub el día que Anemia se presentó. Sucedió que el guitarrista quedó impresionado, según Erick recuerda, con la voz de Checho. El trío quedó tan a gusto que Nicolás y Juan Pablo alcanzaron a Erick para felicitarlo y proponerle una idea: fusionar las dos bandas para tocar el 19 en la misma Fonda Rock.

Six MagicsSeguramente Juanzer aprobó porque así se hizo. Se juntaron los tres del SEK con Erick y Checho, haciendo el último sólo las voces. En dos días ensayaron temas de Iron Maiden y para el 19 de septiembre estarían listos. Sólo faltaba el nombre y el líder intelectual del trío, Juan Pablo, propuso el que tenía para su banda: “Yo con mi grupo -recuerda Erick que decía J.P. Pizarro-, hemos estado trabajando un nombre hace mucho tiempo atrás. Y hemos llegado a la conclusión que…” Juan Pablo le expuso un ensayo filosófico, antropológico, de fondos esotéricos y ocultistas sobre el origen de Six Magics, tan convincente e interesante que Erick lo compró de inmediato, convencido que ellos siempre se habían llamado así. Pero en verdad, esa banda nunca había tenido nombre, buscaban, recuerda Pablo, sin éxito palabras en el diccionario que pudieran ocuparse y hasta esa misma tarde aún no se llamaban nada. “Nos pusimos Six Magics dos horas antes de tocar”.

Six Magics nació entonces el 19 de septiembre de 1996. Aunque sólo se trató de una presentación con algunas canciones de Iron Maiden, Erick encontró que había sonado muy bien, mucho más que Anemia. Para Erick estaba claro que había que seguir ese rumbo. Encontró que Checho se desenvolvía mejor sólo cantando, que el Chino la hacía en la guitarra y que Juan Pablo era un muy buen bajista que veía más seria la música, a diferencia de Pepe Maiden que la tomaba como un hobbie… como también quedó impresionado con Pablo, el baterista, pero ahí surgió un problema… Erick quería seguir tocando con su hermano Brian.

Los hermanos Ávila, debido a la personalidad más introvertida de Pablo, habían malentendido que se había mostrado muy desagradable con ellos, por lo que los motivos de maquinar un complot para deshacerse de Stagnaro y después llamar a Brian para reemplazarlo, no hicieron más que acrecentarse. Sin embargo, los primeros ensayos de Six Magics se hicieron en la casa del baterista -hasta el día de hoy- así que empezaron a conocerlo hasta que toda primera impresión fue borrada y enterrada. Para mala fortuna de Brian, cualquier razón para que no estuviera Stagnaro se había esfumado… Erick hasta pensó en fórmulas insólitas como tener dos baterías en el grupo, idea que por supuesto no funcionó. Al final, por capacidades y disposición, Pablo siguió en la banda, lo que no significaría el último aporte de Brian.

EL DEMO GRACIAS A “NECROMULA”

Con esta primera alineación, Ávila, Villarroel, Espinoza, Pizarro y Stagnaro, comenzaría Six Magics a trabajar en sus composiciones, de Heavy Metal melódico con letras en castellano, más que por el gusto de hacerlas así, porque el cantante no manejaba el inglés. Muy pronto, Erick llegaría a un ensayo con una maqueta de Necromante que el resto de la banda escuchó y le gustó. La empezaron a armar y el objetivo sería montarla para el concurso y café concert del colegio Manquehue que se realizaría en noviembre, ese mismo año. El premio al grupo o solista ganador eran 12 horas en un estudio para poder grabar lo que quisieran o alcanzaran, pero sabían que no iban a ganar. Las bandas que se presentaban eran buenas y de variados estilos, todas más aceptables para el oído general que el metal, entre las que había un trío funk en la que un reformado Pablo Vidal, “antiguo” miembro de Anemia, tocaba la guitarra, con un jurado que no entendería la propuesta de Six Magics y ante un público familiar, en general, que con suerte habría escuchado el nombre Iron Maiden.

Six Magics

Pero eso no era nada. Con sólo ver que irían a cantar una canción a la que no habían alcanzado a escribirle las letras, quizás otra banda, con más experiencia, habría preferido no presentarse, pero Six Magics se tiró. Erick le preguntó a Sergio si es que sabía inglés, y como le respondió que no tenía ni idea, el guitarrista le dijo “bacán. Entonces muléa las letras”. Y así, si alguien pudiese explicar por qué ocurren de vez en cuando estos lapsus fuera de todo pronóstico, dignos de ser enmarcados en relatos y mitos urbanos, Six Magics se paró en tarima y, cantando “Indochubeinshen suntime desire in the window“, ganó el producido café concert y se llevaron el premio para grabar el demo, ante los seguramente atónitos contendientes y un maravillado jurado. “Si es que habíamos ganado así -señala Erick-, con todas las buenas bandas que estaban, significaba que realmente estaba pasando algo”.

Terminando el “glorioso” ’96 para la banda, Ávila llegó con dos temas más: El Lago de la Tristeza y Fuego de Eterno Odio, que junto con Necromante, ahora sí con letras listas, fueron las canciones grabadas gracias al premio. Pero como la intención era escribir y registrar otro cuarto tema y juntar todo para lanzar un demo promocional, el grupo ahorró plata e hicieron Trilogía. Trilogía de un Guerrero se tituló la maqueta sacada en 1998, año en que la banda se afiató y adquirió experiencia gracias a numerosas presentaciones en la capital y en el sur del país como en Temuco, Talca y Curicó, en esta última ciudad, en un concierto al aire libre, donde Villarroel no pudo cantar porque se había enfermado y lo reemplazó el Chino en los temas de ellos y un vocalista de un conjunto death metal local para Hallowed By Thy Name. Allí la banda conoció a Elizabeth Vásquez, la persona que sería la manager de Six Magics.

El EP tuvo una buena recepción dentro del género, en momentos que Radio Concierto y revistas impresas daban su apoyo. “Pese a que este trabajo -señaló Erick- no tenia ninguna proyección profesional, la respuesta del público hizo tomarnos más en serio nuestro trabajo y surgió la idea de grabar un disco de forma profesional y con un equipo profesional”.

Con un “equipo profesional” se refería a los cambios que vendrían en la banda. Todavía habían miembros que estudiaban en el colegio y otros que estaban por salir que tenían otras ambiciones, como el bajista. Después de la gira en el sur, Juan Pablo, el mismo que había bautizado apuradamente al grupo y quien escribía las letras, decidió partir a Francia. En su reemplazo entró un compañero de colegio de Stagnaro y Espinoza, Rodolfo Sánchez.

Six MagicsLo último que hicieron Juan Pablo y Erick juntos fue una colaboración con Bewitched, antes de irse. Ya con el Fito en la alineación, Six Magics grabó su quinta canción: Tormenta, predecesora de Storm, a la que le hicieron una mayor promoción en las radios. Con el tema en rotación radial se fueron a Concepción invitados a tocar a la Havana Club, donde recibieron una respuesta eufórica ya que “la gente ya se sabía las letras, fue muy bacán”, como recuerda Erick, además de volver a Curicó a otro festival en la calidad de banda invitada junto con Poema Arcanvs, esta vez sí con Sergio.

Pero esta alineación duró poco. Tormenta fue la última que harían en castellano porque al año siguiente, otro cambio acontecería en la banda. Sergio Domínguez tomaría las voces en lugar de Sergio Villarroel. La versión oficial cuenta que fue porque el grupo, en especial Erick, quería empezar a escribir letras en inglés y tener a un cantante que las pudiera interpretar, pero lo que no se reveló es que en ese tiempo Six Magics estuvo a punto de disolverse.

Six MagicsErick conocía al Checho D. de antes debido a que era el vocalista de la banda de Brian, llamada Gandalf, y porque se lo encontró en una tocata de Bewitched, donde le ofreció hacer un proyecto paralelo a Six Magics, junto con Sebastián Carrasco, pianista desde los ocho años, un “cabro chico que tocaba la raja”. Escribieron canciones más complejas como Merlín, con referencia a leyendas medievales.

Empezaron a grabar y “todo estaba quedando la raja -Erick-. Me estaba embalando más con la idea de cantar en inglés y hacer algo más complejo, porque Six Magics era más rockero, a lo Maiden. Me gustaba la onda pero necesitaba hacer algo más a lo que yo iba, más arreglos”. Fue ahí cuando pensó que lo mejor era dejar el conjunto y trabajar con Domínguez y Carrasco aparte. En vez de pedir o comunicar que Villarroel debía dejar su espacio a Domínguez, “a lo cabrón, porque no me correspondía”, dijo que se iba porque no quería seguir con letras en castellano “aunque Checho ‘1’ cantara la raja”. Pero la banda en vez de dejarlo ir, cerraron filas hacia Erick. Pablo, muy amigo del cantante, optó por irse con el guitarrista por el hecho que Ávila era el que componía las canciones. A esto lo siguió Fito y el Chino… “será”. No tuvieron más que decirle a Villarroel la decisión que la banda había tomado y entró Domínguez, casi al mismo tiempo, un poco después, que el Seba, transformándose el grupo en un sexteto el 2000.

Así la idea de grabar un primer LP se empezó a planificar… incluso Erick, ya en tercer año de ingeniería de sonido, se retiró para estudiar en la Escuela Moderna de Música la carrera de intérprete instrumental.

La primera “tocata” del nuevo Six Magics, el debut de Sebastián y el sonido de los teclados, fue nada menos que en el Teatro Providencia, el 18 de julio del 2000, teloneando a Nightwish en su primera visita. Sólo interpretaron repertorio de la banda, sin covers, en adelanto de la producción que comenzaría tan luego se presentaran con los finlandeses: Talisman, Metal Century, Storm, Eternal Warrior, Prince of Pure Light

Six MagicsCon el proceso de composición listo, entraron en enero a los estudios Procor. Según Erick, sería la primera oportunidad en que grabarían algo serio y desembolsando tanto dinero para cubrir los gastos. Aún así pudieron sólo ocupar los estudios una vez a la semana entre enero y febrero del 2001, durante las grabaciones, y al entrar a clases para terminar las mezclas y la masterización.

Erick comenta: “Partíamos a las ocho de la noche y terminábamos a las seis de la mañana y como no habían micros, con el Pablo nos devolvíamos en bicicleta y lo llevaba, para el otro día volver a seguir grabando y la misma tanda”.

Pero a Erick le preocupaba mucho el sonido… estaba muy escéptico de trabajar con Raphael França, el productor, debido a la experiencia que habían tenido con otros ingenieros. “El problema grave que había en Chile -sentencia Ávila- eran los sonidistas, tienen esa mentalidad que prometen mucho y entregan poco. Me cargó cómo sonaba Tormenta y me peleé con el sonidista. Lo mismo cuando quisimos grabar Talismán en castellano, antes“. Esa desconfianza hizo que aparecieran diferencias y fuertes discusiones entre Ávila y França en un principio, pero que se fueron limando a medida que avanzaba el trabajo. Incluso França, viendo que no alcanzarían a terminar, logró que grabaran en horas extra fuera de planilla, casi a escondidas y con el productor justificando el tiempo que la banda no pagaba.

Pero más allá de las intenciones, se terminó en marzo y el resultado dio un álbum con un muy buen sonido, gracias al productor que el 2001 agarró vuelo no sólo con éste, sino que además con Poema Arcanvs y el Raging Planet de Bloden Wedd. El sexteto actuaría en una de las tres presentaciones que Rhapsody hizo en Santiago, exactamente un año después de haber teloneado a Nightwish, para después de inmediato lanzar, independientemente, el primer disco de Six Magics, Dead Kings of the Unholy Valley.

LA NUEVA TRILOGÍA

Dead Kings of the Unholy Valley muestra una propuesta de Six Magics evolucionada a vertientes power, melódicas y sinfónicas, influenciado por “el barroco y el clásico romántico”. Son en total once temas, de los que ya se han grabado en la mente colectiva del medio Storm, Infinite Keeper, Talisman, Agony of a Hero, entre otras. Pero lo que más representa a Dead Kings es la trilogía final, Eternal Warrior, Prince of Pure Light y el extenso tema título que desarrollan el concepto del álbum. La siguiente es la historia:

“La dinastía compuesta por los reyes Dacrol, Fhernon, Zerlek and Sigurd regían dos imperios: los primeros tres el Imperio de la Oscuridad y Sigurd el Imperio de la Luz Pura. Sangrientas y crueles batallas tuvieron lugar por estos dos imperios, volviendo el paisaje en un desolado lugar, donde la muerte lo cubría todo. Durante el período de luchas, Sigurd preparó a su hijo, el príncipe Ilgard para enfrentar al ejército de la oscuridad. En la región de Holdness, el joven príncipe enfrenta a Dacrol y Fhernon, reyes de lo inerte, quienes guiaron sus fuerzas en una forma brutal. Aún así, la espada de Ilgard termina con sus vidas y los cuerpos son enterrados por sus clanes en el Valle Profano.

Six Magics

Zerlek trata de vengar la muerte de sus hermanos y destruir el Imperio de Luz Pura, él ataca frontalmente el castillo de Sigurd sin conseguir su objetivo y muere en su intento. Los clanes, desconcertados por la muerte de sus líderes encuentran la solución en una vieja leyenda que dice: “La desolación vendrá a todo signo de vida, el día en que los cuatro reyes de la dinastía Gwez estén enterrados en el Valle Profano”.

Sigurd es asesinado y su cuerpo es enterrado por los clanes enemigos en el portal que separa la vida de la muerte. Ilgard, hecho rey, confronta la desgracia que cae en su reino y es instruído por Zoser, el hechicero más importante del reino, quien le revela el extracto de un pergamino: “El triunfo del mal será eliminado cuando un noble guerrero rescate el cuerpo de su padre desde el valle profano y lo queme en el Volcán Darkaria, pero si él se equivoca y elige el portal equivocado, él deberá enfrentar el alma del rey que allí yace”.

El primer portal es el equivocado y el heroico guerrero enfrenta a Dacrol, derrotándolo fácilmente. Ilgard falla nuevamente en el segundo portal y enfrenta al poderoso Zerlek, quien le deja caer el peso de su espada, destruyendo su armadura y casi matándolo. Ilgard se recobra con dificultad y ante al asombro de Zerlek lucha con más fiereza hasta matarlo. Ilgard se dirige al otro portal temeroso de equivocarse, pero los dioses se han apiadado del joven rey. Ilgard llega al portal donde su padre yace… Cabalga con el cuerpo e su padre hacia el volcán Darkaria en donde realiza el ritual. Ilgard libera sus tierras y las otras.

Six Magics

Liberó a su pueblo y a su padre. Los dioses lo quisieron así… El guerrero eterno salvó sus tierras de la absoluta oscuridad…” (Extraído de sitio oficial de Six Magics).

El trabajo recibió críticas muy positivas en los sitios y revistas del ambiente metalero chileno, que recalcaban el buen sonido y el talento de una joven pero no recién llegada agrupación, como también haciendo comparaciones con bandas extrajeras como Rhapsody a causa del concepto medieval fantástico que encerraban las letras. Erick era el creador de la historia: “Me encanta evadirme de la realidad, la música junto con las letras son una puerta a un mundo del cual yo soy dueño y puedo hacer lo que quiera, me gusta mucho el tener la libertad de inventar lo que sea sin restricciones”.

Se vendieron rápidamente 300 copias en las tiendas especializadas durante el tiempo que sucedió al lanzamiento comercial del disco, sólo por medio de promoción en Internet, ya que la banda no quería, según su criterio, “saturar con tocatas porque se perdía un poco la magia. La idea de nosotros siempre ha sido tratar de dar más importancia al recital, que no sea una cosa de todos los fines de semana”.

Pero la baja cantidad de presentaciones después de la salida del disco se debió más bien a dificultades internas. Sólo meses después que Dead Kings of the Unholy Valley viera la luz, Nicolás Espinoza, el guitarrista fundador, dejó Six Magics antes de terminar el 2001.

PICKBLADE & THE CLAW

Sin tener en mente a ninguna guitarra que pudiera venir a reemplazar, Erick llamó a un amigo de la Escuela Moderna de Música con el que había preparado algunos temas para presentaciones en ese establecimiento, Mauricio Nader, para pedirle consejo o alguna recomendación. Como él no tocaba la guitarra sino el bajo, buscó entre conocidos a alguien que pudiera audicionar, sin éxito. Pero su movida no terminaría acá.

Six MagicsPor otro lado, el que se había enterado por comentarios de Checho D. que Espinoza se había ido era Gabriel Hidalgo, reconocido guitarrista de la escena metalera chilena. El 2000 se fue a probar en Bewitched, donde conoció a Freddy Alexis quien también estaba audicionando. Allí surgió la idea de unirse a Witchblade y entró a finales del 2000. El disco de esta banda se estaba grabando al mismo tiempo que el de Six Magics y, como era amigo de Sergio Domínguez, ambos iban intercambiando materiales avanzados e impresiones. Después de su polémica salida de Wichtblade junto con la otra guitarra, Soledad Genua, los dos trataron de crear un proyecto con el cantante de Six Magics, el cual no funcionó. Entretanto, Pickblade fue pieza importante en los orígenes de Fahrenheit pero decidió alejarse el grupo porque no coincidía con las intenciones del resto de producirse estéticamente con una imagen ochentena glam. Así le llegó el dato que a Six Magics le faltaba un guitarrista y habló de vuelta con Erick, quien le pidió que sacara un par de canciones. Para el mero trámite, porque en enero del 2002, Gabriel entró de inmediato.

Pero justo cuando estaba el “atado con el Chino”, el bajista Rodolfo Sánchez desapareció de vista. En la segunda mitad del 2001, tenían que participar en una tocata y fueron a buscarlo a la casa, pero en vez de encontrarlo se enteraron que andaba en Perú y que no volvería hasta marzo. Para Erick, el bajista había perdido interés en este tipo de música y tenía su mente en otras cosas. “El Fito entró en el Dead Kings y empezamos a avanzar, las proyecciones se fueron tornando mucho más serias y el Fito como que no siguió ese ritmo porque quizás no le interesaba. Se retiro sin decir nada”. La situación era incierta, no sabían si él seguía en la banda. Aún así empezaron a buscar un nuevo bajista y otra vez Erick acudió a Mauricio Nader.

Él los había conocido años atrás en una tocata al aire libre en el Parque Intercomunal, y desde ahí los empezó a seguir, comprando el demo y yendo a las presentaciones. Su principal interés era el unirse al grupo, pero no se movió al saber que Juan Pablo Pizarro había partido a Francia. En vez, entró a la Universidad de Chile el ’99 a estudiar bioquímica, carrera de la cual se retiró ese mismo año para entrar a Composición y Arreglo en la Escuela Moderna. Así conoció a Erick y a Seba el 2001, un día en que Six Magics fue a ensayar a una sala del lugar para su presentación con Rhapsody. Se hizo amigo de Erick debido a que tenían que preparar unos temas para presentarlos en la Escuela, Mauro aprovechó de decirle que los seguía desde hace tiempo y que quería ayudar en la banda.

Six Magics

En esos meses, no había razón de por qué cambiar de bajista. De hecho lo llamó esa vez para preguntarle por un guitarrista que tomara el lugar del Chino. Pero cuando la banda se decidió a buscar un nuevo bajo a causa del viaje de Rodolfo, Mauro estaba también fuera del país, en Londres, donde estaba ahí desde hacía un mes y con firmes intenciones de quedarse a vivir. “Pero como cachaba que Erick no estaba ni ahí con el otro bajista -agrega Nader- un día lo llamé (a Erick) y me dijo que me quedaba allá o me devolvía para probarme. ‘Si te sacas dos temas y los tocas, estás dentro”. Así hizo Mauro, volvió, audicionó y quedó, al mismo tiempo que Gabriel. “Yo no tocaba tan bien para lo que Erick quería, como el bajista anterior, pero traté de responderle sacando los temas, poniéndome las pilas con el bajo y ayudarlo en las tareas”, dice Mauro, mientras que Erick reconoce que “me habría ahorrado caleta de malos ratos si le hubiera echo caso antes”.

“MÁS VALE TARDE QUE NUNCA”

Con nueva alineación empezó Six Magics el 2002, con muchos planes como replanificaciones y replantamientos no para grabar un segundo disco… había mucho que hacer aún con el Dead Kings. Redefinir la banda con sus dos nuevos miembros, la imagen y promoción. Inauguraron el sitio web oficial. En tocatas y en el concierto de Sonata Arctica, en marzo, repartiendo promos del disco. Ese mismo mes empezaría la preproducción del primer vídeo clip, al mismo tiempo que la banda ensayaba para sacar los temas con sus nuevos músicos.

Buenas noticias llegaron desde el extranjero. Moon Records de México, interesado en el disco, negoció con Six Magics para vender Dead Kings en ese país, obteniendo la licencia. También ahora desde Europa, el sello italiano Underground Symphony empezaría las conversaciones más tarde para distribuir el álbum en el Viejo Continente y en Japón.

Mientras ocurría esto y trabajaban en los preparativos del postergado lanzamiento, por la llegada de los nuevos integrantes y las planificaciones, el sitio nacional Rockaxis invitó al grupo para tocar en un ciclo acústico que se haría en junio en la House of Rock, por medio de un llamado de Claudio Torres a Erick. El conjunto, que para colmo acababa de reaprenderse los temas del disco, tendría que sacarlos de nuevo en otras versiones.

Six Magics

El 28 de junio fue la primera presentación de Six Magics con su nueva alineación con las versiones unplugged de su disco. Y al sábado siguiente, 6 de julio 2002, en la Laberinto, se hizo el lanzamiento en vivo de la producción. Se realizó un año después de que Dead Kings viera la luz en el mercado, pero “más vale tarde que nunca” dijo el frontman Sergio Domínguez durante el espectáculo, preparado, al igual que el álbum, de manera independiente con la ayuda de familiares y amigos, con el resultado de una muy cuidada escena que incluía un telón de fondo con cruces de motivo, fuegos y llamas que salían de encima de los parlantes, coros a cinco voces, monjes con candelabros, cellos, estrenos de vestimentas con el logo de la banda, etc.

Las 700 personas, conteo oficial, que asistieron vieron el debut en sociedad de Mythology, banda de los ex Polímetro Carlos y Patricio Esquivel, mientras que Six Magics interpretó todos los temas de Dead Kings más el ya clásico Necromante, con todo el público coreando las canciones.

Six Magics

Erick comenta: “Antes habíamos tocado con harta gente, pero estaba súper lleno y empecé a tiritar en el primer tema, nunca me había pasado. Fue la primera vez que tuve nervios reales. Ha sido uno de los más increíbles que hemos tenido porque fue la primera vez que había tanta gente conglomerada para ver sólo a Six Magics. Nunca había tenido la experiencia de hacer un concierto donde éramos el grupo principal. Fue lo mejor del año”.

Los dos meses siguientes fueron claves. En agosto 2 volvieron a repetir set acústico en la ex Oz, junto con The Shrink, Fahrenheit y Alejandro Silva Power Cuarteto. El empujón del lanzamiento y dicha exposición les valió para el 18 tocar ante mil 800 asistentes como número de apertura en el concierto de los alemanes Blind Guardian realizado en el Estadio Chile. Y luego de este muy buen momento, el mejor hasta esa fecha, firmaron contrato de distribución por cinco años con el sello Underground Symphony, después de meses de negociaciones. De este modo, el álbum Dead Kings Of The Unholy Valley sería vendido en digipack en Europa y Japón. Sin embargo el lanzamiento mundial del disco se retrasaría hasta abril del 2003 porque la intención del representante de dicha discográfica, Maurizio Chiarello, era colocar una sección multimedia con el vídeo clip que Six Magics estaba por hacer…

El tema que se eligió fue Prince of Pure Light y partieron el primer fin de semana de octubre al sector de El Volcán en el Cajón del Maipo para realizar las tomas. De entre tantas tareas como despejar escombros durante toda la noche para que después el director dijera que iban a grabar en otro lugar, arreglando plumavit, pintando y maquillando personajes, de dormir media hora en los autos, despertándose con la llegada de un bus “lleno de niños chicos con tambores”, devolviéndose con las cabras que iban cagando los asientos y a punto de arrollar a ciclistas en la carretera por el cansancio, salió un video en el que se recrea la trama de la trilogía narrada en el disco, ambientado en el Valle Profano, que muestra a Ilgard, sentado cerca de una fogata recordando a su padre, decidido a encontrar su cuerpo y salvar su reino.

El clip fue estrenado en un “mega asado” en una parcela de La Reina, donde el sexteto aprovechó de compartir con las más de 200 personas que fueron. En esa oportunidad también estuvo Ethernia, la banda viñamarina de Power Metal en castellano en la que participaba Brian Ávila, y Awake, tributo a Dream Theater en la que sus filas contaban con Stagnaro y Nader. Six Magics tocó canciones de su primer LP y un adelanto de lo que sería su próximo disco, ya que en ese momento estaban avanzados con el proceso de composición para el siguiente álbum.

Six Magics

Y así cerrarron su primera gran etapa profesional y musical, ya que anunciarían cambios importantes para el futuro: “El álbum estará basado -decía un comunicado- en nuestra mítica tierra de Chiloé, mostrando los aspectos más oscuros de la mitología chilota. Con esto, Six Magics deja de lado las letras relacionadas con temas épicos y comienza una nueva etapa musical, a la vez que pretende aportar con su música en el acervo cultural de nuestro país y por supuesto exportarlo al mundo”.

Erick ya había cumplido un sueño: “De corta edad me gustó todo lo relacionado con el medioevo, alucinaba cuando con mi imaginación, me hacía parte de este mundo, pero creo que llegó el tiempo de alejarse de esta fantasía y abrir mi mente para conocer aún más, ya cumplí un sueño de los muchos que tengo”.

TESTIMONIO DE CHILOÉ

Para terminar con el primer disco, Dead Kings of the Unholy Valley recibió en Europa comentarios de medios italianos, alemanes y rusos, entre otros, y se encaramó en rankings de los discos de metal importados más pedidos en Japón en una revista de ese país, a la par con Nightwish y encima de Rata Blanca. “El grupo se esta moviendo bien allá y nosotros tocando en Chile -Erick-. Tenemos que ir para cachar qué está pasando”. 500 copias se vendieron durante las dos primeras semanas y en las próximas subiría a más de mil, cantidad que en Chile se vendió en un año. Incluso, a Six Magics le llegó una oferta de la banda británica Dragonforce, que estaba interesada en llevarlos para tocar en Inglaterra, pero que por falta de tiempo, dinero y organización, estuvo muy lejos de concretarse. Erick: “Había muchas cosas que hacer todavía para poder ir”, como el grabar y sacar el segundo disco.

Desde diciembre se empezó a trabajar en la preproducción del álbum para poder entrar de lleno en su grabación a partir de marzo del 2003, aunque sobre qué iba a tratar el disco, ya estaba definido hace mucho tiempo. “Todo esto partió a principios del año pasado (2002), eran dos proyectos paralelos los que se estaban formando -Mauro-. El otro era de leyendas chilenas, pero después nos enfocamos en lo de la isla de Chiloé”, a pesar que cuando salió Dead Kings, la promesa fue el hacer un siguiente disco que explicara una concepción profunda del nombre de la banda.

Para este propósito, Gabriel examinó libros del tema en la biblioteca de la universidad donde estudiaba historia, y Erick viajó a Chiloé para escuchar historias de los lugareños, conocer la mitología e “invocar” al Caleuche a ver qué pasaba. “¡Y pasó algo! Estaba tan sugestionado que escuché unas cadenas (…) Pensé que era cuestión mía, pero de repente el que estaba al lado se acercó y me dijo ‘oye Erick, ¿cachái como que hubo una persona que estaba andando?’ ¿¡Adónde huevón!? ‘¡Para allá!’ ¡Y de ahí venía el sonido de las cadenas! (…) En Castro me dijeron que el Trauco sí existía, ‘yo encontré caca del Trauco’ así convencido”.

Six Magics

Durante las vacaciones de verano, Six Magics sólo interrumpiría la preproducción para tocar el 5 de enero en La Batuta con Burning Tears, Alta Densidad y Mythology, para el Tributo al Rock Finlandés, y en marzo para un recital en Quinta Normal, porque de ahí se dedicarían exclusivamente a grabar, con França nuevamente, quien se había ganado la entera confianza por los resultados del Dead Kings, esta vez en los Pig Power Studios, los coros en Cactus Room, y el piano de cola en la Escuela Moderna de Música.

A pesar de los siempre infaltables inconvenientes como juntar el coro, discusiones y trabajar hasta muy tarde, en abril iba todo sobre ruedas. Pablo en dos días había terminado no de grabar, sino de “clavar” las baterías, lo que dio rápido paso a que se completara la base rítmica con el bajo de Mauro y algunas guitarras. Un problema llegó cuando Sebastián no pudo continuar con sus grabaciones… le dio tendinitis en una de sus muñecas, debido a que estaba estudiando trompeta (¿?) y había dejado de un lado las teclas.

Six MagicsLo más difícil fue cuando Sergio Domínguez apareció un día, a la mitad del proceso, con una muy mala noticia: tendría que ausentarse del país antes de que terminara el año porque tenía una complicación en su salud que debía ser tratada en Estados Unidos. Le dijo a Erick que lo mejor para él era hacer este viaje lo más pronto posible, y que lo mejor para la banda era buscar a otro cantante que pudiera grabar las pistas vocales. Como balde de agua fría cayó esta noticia a Erick, pero ante la propuesta de Checho de abandonar el grupo, el guitarrista de respondió “¡No huevón! Cómo se te ocurre… grabas y te vas. Nosotros buscamos reemplazante hasta que vuelvas”. Así, Checho les agradeció y grabó feliz, cosa que, según Ávila, no hizo que las sesiones fueran más relajadas o “mágicas”. Erick quería sacarle provecho a los registros bajos y medios del vocalista, que eran lo que más le acomodaban a su timbre, lo que generó discusiones entre Erick y Checho cuando este último proponía hacer líneas melódicas en tonos altos, además de repasar una y otra vez con profesores de inglés la pronunciación y la fonética.

Y más estresante porque debían buscar, al medio de la producción, a un cantante que ocupara el lugar de Checho mientras estuviera afuera. Mas la banda, dicen ellos, tuvo suerte en encontrar a Cristóbal Flores, de registro más alto, vocalista sin quererlo.

Cristóbal cursaba enseñanza media, vivía rodeado de tíos que escuchaban Kiss, Deep Purple, Led Zeppelin y odiaba la música, pero le fascinaba las artes plásticas y a eso quería dedicar su vida. Esto fue una fuente de conflictos con sus padres quienes le prohibieron que estudiara arte. Para Cristóbal fue una frustración, pero que lo acercó a la música, a tomar una guitarra y escuchar grunge, pasando por todo un rápido proceso hasta llegar al metal, atraído por “el fenómeno estético y emocional que trasmite la música”.

Six MagicsA Cristóbal lo “descubrieron” como vocalista cuando unos amigos desde afuera lo escucharon cantando en la ducha, quienes “me engrupieron para tocar una canción de Malmsteen”. De ese entonces agarró más confianza y se lanzó a aprender solo. El 2001 entró a cursos vespertinos para “educar la voz” y al mismo tiempo que Six Magics sacaba Dead Kings, se encontraba escribiendo temas con Oniria. El grupo había dado con Flores debido a contactos con Hidalgo, que le había ofrecido grabar sus demos. “Todo se gana por mérito. Se probó a varia gente… No estoy aquí porque sí”.

Con cantante ya localizado, Six Magics terminó en agosto la grabación y entró en las mezclas en la segunda quincena y en septiembre, y al final en la apurada masterización en la misma mañana en que tenían que enviar el master para reproducir las copias. Como las anteriores masterizaciones no habían funcionado, “nos quedamos desde las once del mediodía hasta las siete de la mañana del día siguiente, cansados con caras de pescado… más encima el master no grababa y no pudimos llevarnos la copia para la casa… y para colmo se apareció Peter Rock en el estudio, abrazándonos a todos, entero enfiestado puro dando jugo”.

Cuando al fin quedó todo listo con la producción, se subieron tres canciones en el sitio oficial, relanzado con un nuevo diseño acorde a la nueva imagen de la banda y al concepto del disco, a cargo de Brian Ávila. Éstas fueron Caleuche (The Flying Dutchman), Brutal Sacrilege y Trauco (Seed of Pain), las que sirvieron para generar no sólo expectativas para la venta del disco, sino también para el lanzamiento que se haría el primero de noviembre en el Teatro Providencia.

The Secrets of an Island salió a la venta el miércoles 22 de octubre, nombre que guardaba consigo toda una superproducción del metal chileno. Con un sonido de brillante factura, con músicos invitados e instrumentos folklóricos, métricas y timbres de música chilena, con un trabajo del piano y la voces de Domínguez formidable y con coros jugando el papel de un séptimo integrante, contribuyeron a la génesis de un álbum temático y conceptual sobre Chiloé, que trata por separado en sus canciones sobre los seres de la mitología de la isla y porque al final devela toda una trama que une todos los elementos. El diseño del booklet con 32 páginas y la portada fue cargado a los créditos del hermano de Erick, Brian, quien llevaría a otro nivel la imagen de Six Magics, entre muchas otras cosas, dándole a cada músico de la banda un personaje para llevar consigo: El Coo (Erick), Invunche (Seba), el Trauco (Mauro), la Voladora (Pablo), la Viuda (Checho) y el Basilisco (Gabriel). Y los aportes de los que no fueron parte de la grabación del Dead Kings se hizo también notar en la composición, ya que Hidalgo escribió The Basilisk, mientras que Nader entraría en Chaos and Fury y Caleuche.

Apenas sí quedó tiempo entremedio para el lanzamiento en vivo de The Secrets, el primero de noviembre con los amigos de Mythology otra vez participando, otro conjunto de punta del Heavy y Power Metal criollo. Esta vez, se trataría de un gran recital hecho y derecho, con la diferencia que sólo habrían bandas chilenas y que sería aún más: Six Magics se las jugó con una escenografía que grupos extranjeros no habían podido hacer antes en el Providencia, con una imponente gigantografía de fondo, decorados en el escenario, una enorme tarima para la batería en un lado, el coro situado en el otro, actuaciones durante los temas, iluminación del estándar de shows de Chayanne o de grandes convocatorias, y la presentación de animaciones 3D. Ante mil concurrentes, Six Magics tocó cerca de dos horas canciones de ambos álbumes. Erick: “En estos casos tienes todo el control en la producción del evento, y puedes hacer cosas grandes sin ningún límite. Para mí fue espectacular ver después en fotos la cuadra que doblaba con gente. O cuando corría la cortina para ver cómo estaba el teatro casi lleno con el público gritando el nombre del grupo”.

Six MagicsEste mismo show mostrarían para el Festival del Power Metal Alemán, el 22 de noviembre. El sexteto nacional iba a presentarse, no como teloneros, sino como banda invitada junto con Masterplan y Gamma Ray. Pero como ese día se realizaba la Teletón y Marcelo de Cachureos y el Gato Juanito irían a desocupar el Estadio Chile a las cuatro de la tarde, sin dejar tiempo para las pruebas de sonido de las tres bandas, el grupo chileno tuvo que echar pie a un lado. Después la situación se hizo tan crítica que no hubo más remedio que trasladar el concierto al Teatro Providencia.

En Chile el nuevo álbum ya está circulando, The Secrets of An Island, con el que ya han avanzado hacia un nuevo nivel en la escena metalera nacional, sin importar cuál estilo. No es sólo porque se trate de un segundo disco de un conjunto chileno, hecho que ya en este país es remarcable, contando con los recursos y medios, sino que por el “pedazo” de trabajo que es, a nivel sudamericano y mundial, por lo que representa, un pedazo de la tradición de narraciones y cultura de Chile… que la fusión de entre el metal y elementos folklóricos funciona…

Sin embargo, como cuando las tendencias foráneas llegan atrasadas a esta región, la oferta de Six Magics también ha llegado desfasada a los epicentros de Power & Heavy Metal y donde se encuentra la mayor cantidad de seguidores del género, Europa y Japón. Mientras Dead Kings of the Unholy Valley nació el 2001, al otro lado del Atlántico se realizó en abril de 2003, tiempos en que el pianista de la banda sufría de tendinitis a causa de tanto esfuerzo al grabar sus partes para el segundo disco… con el grupo en otras miras.

Entonces hay que pensar que The Secrets será un lanzamiento del 2004 del que los chilenos tuvieron el privilegio de escucharlo con meses de anticipación. Porque esa es la meta de Six Magics, posicionarse afuera con un álbum que es bueno en todas partes, un disco que queda chico para lo que es el mercado nacional, y digno de cualquier lugar. Deseosos de llegar lejos, el 2004 se perfila como un año clave para el grupo. Lo más importante lo tienen, un trabajo de categoría… lo que se une a un trazado plan de trabajo y profesionalismo que la banda ya ha probado tener en Chile y afuera en más de varias ocasiones. Y Six Magics sabe qué hay que hacer: “Mejorar cada vez más, el desafío es superar lo anterior -Erick-. ¿Vivir a Europa? Son proyecciones, vivir de la música en Chile es muy complicado, y las proyecciones de Six Magics son hacia el extranjero, ir a probar suerte, a la espera de posibilidades”. Metas y objetivos que por medio de tareas concretas, poco a poco se van cumpliendo. Y Six Magics le está mostrando al país y sus talentos que esos sueños no sólo tienen que terminar en eso, que pueden desembocar en la realidad… ¿QUIÉN TE LO IMPIDE? Ese es el mensaje que quieren transmitir.

Six Magics

Masterplan

Pocas veces ha pasado que una banda se haga conocida antes de sacar un álbum, siquiera un demo. Sin haber tocado ninguna nota, Masterplan se transformó en una de las agrupaciones más comentadas del último tiempo… ¿Por qué habrá caído tanto peso en los hombros de Roland Grapow y Uli Kusch? La palabra que lo explica todo es Helloween. No eran nada unos nuevos aparecidos. Se tenía claro que era una nueva banda, pero las carreras de estos dos músicos se remontaban mucho más allá, ambos con una larga estadía en la principal agrupación de metal melódico que se haya visto. Es imposible pasar desapercibido después de convertirse en un ex-calabaza, siempre los ojos estarán ahí expectantes. Si no, pregúntenle al Sr. Kiske, que hasta hoy se le pide a gritos que, por lo menos, vuelva a cantar la música que lo convirtió en icono del estilo, aunque ahora esté dando botes en caminos extraños.

Masterplan es una banda que surgió de la circunstancia, de la decisión de Weikath de prescindir de Grapow y Kusch, sin planificación previa, pero que el talento y reputación de los que ahí se reunieron aportaron a un trabajo que cumplió de lleno las promesas, para nada vacías, de seguir las brillantes trayectorias de sus integrantes… el plan maestro.

EL QUE NO TENÍA TALENTO Y EL CHICO VIOLENTO

MasterplanRoland Grapow nació en Hamburgo, Alemania, 1959. A los 12 años empezó a tocar la guitarra cuando su padre le compró una y lo llevó a clases con un profesor particular. Pasó que Roland no podía soportar la parte teórica y su maestro, enfurecido, le contó al Sr. Grapow que su hijo no tenía ningún talento para tocar la guitarra. Roland siguió escuchando sus bandas y músicos favoritos, Grand Funk Railroad, Kansas, Journey, TOTO, Scorpions y Michael Schenker y, por supuesto, practicando con su guitarra.

Cuando tenía 15, hizo algunas presentaciones en su colegio, sólo él y su instrumento. Pronto encontró a un baterista y otra hacha, y juntos decidieron formar un trío, con Roland en las voces. Sin embargo no pudieron encontrar a un bajista decente, porque todos querían tocar la guitarra, o un buen tecladista ya que en Hamburgo sólo había uno y todas las nuevas bandas lo querían… al año y medio desaparecieron. Grapow después se unió a varios grupos hasta que formó su primer conjunto profesional, a los 19 años, en 1978. Se les conocería como Rampage y contaría con Karsten Heyer (guitarras) y Jörg Schädlich (bajo) y Rainer Müller (batería).

Con Roland Grapow en las seis cuerdas, Rampage lanzó dos álbumes. Ellos fueron Victims Of Rock, en 1980, y Love Lights Up The Night, 1982. El sonido de estos trabajos era una amalgama de la melodía de Judas Priest, la potencia de Saxon y el rock de Journey. Tanto Roland, Karsten y Jörg, hacían las voces principales. El mismo Grapow dice que “no eran muy buenos, pero fue una gran experiencia”.

Ambos discos vendieron 3 mil copias cada uno y la banda hizo algunas cuantas presentaciones en Alemania. En una de éstas, el ’82, Rampage llamó la atención del guitarrista de Powerfool, Michael Weikath, quien estaba a punto de entrar a la banda de Kai Hansen, Iron Fist, posteriormente conocida como Helloween. Weiki quedó impresionado por la forma de tocar de Roland, al igual que de sus canciones. Pero ese mismo año, Grapow dejó Rampage y entró en su reemplazo otro futuro conocido: Henjo Richter. Roland encontró un trabajo como mecánico… hasta hoy los autos son una de sus grandes pasiones.

MasterplanEl otro personaje del elenco es Uli Kusch, nacido en Marzo del ’67 en la histórica villa fronteriza germana de Aachen. Empezó su carrera en 1981 cuando compró su primera batería a un profesor del colegio y empezó a tocar en varios conjuntos rockeros. Su primer proyecto full time de Heavy Metal fue Violent Kids, en 1983, el grupo que le permitió explorar sus gustos y ganar experiencia. Su salto al profesionalismo se concretó cuando recibió en 1986 la oferta a integrarse a los thrasers de Holy Moses. Durante la permanencia de Uli en Holy Moses, la banda realizó tres trabajos: Finished with the Dogs, The New Machine of Liechtenstein y World Class. Numerosos conciertos y tours le dieron a Kusch gran exposición en la escena metalera europea de fines de lo ochenta.

En 1988, Helloween experimentó problemas internos que detonaron la salida de su líder Kai Hansen. Se apuntaron diferencias personales, stress de tanto girar y conflictos con el sello y representantes. Duro golpe, pero Helloween seguiría, Weiki recordó al impresionante guitarrista que había visto hace seis años en Rampage y lo llamó. Roland estaba también impresionado con lo que Helloween había hecho, incluso los había visto en recitales. Grapow dejó su trabajo y en la navidad de 1988 se transformó en miembro oficial de la calabaza, ayudándolos a terminar el Pumpkin Fly Free World Tour sin Hansen, quien al año siguiente formaría una nueva banda: Gamma Ray.

Después de un largo receso por el rompimiento de contrato con Noise Records y la firma de uno nuevo con la gigante EMI (el mismo Hansen reconocería más tarde que Noise nunca pagó lo acordado después de los Keeper Of The Seven Keys), Helloween lanzó en 1991 Pink Bubbles Go Ape. Roland, el nuevo guitarrista, escribió cuatro canciones: Back On The Streets, Someone’s Crying, Mankind y The Chance, la última considerada un clásico de la banda. Aunque las composiciones de Grapow y el disco en general era de buena factura, el que haya sido diferente a los anteriores álbumes de Helloween, desató críticas en todas partes. Rumores acerca de la separación del grupo empezaron a levantarse y la situación en realidad no era buena, con Roland y Weiki en contra de Kiske e Ingo, y Markus al medio.

En 1990, Gamma Ray, que ya contaba con Heading For Tomorrow en su haber, unió a sus filas Uli Kusch, quien buscaba probar sonidos nuevos y frescos. Kusch grabó para la banda el álbum Sigh No More y el EP Heaven Can Wait, los que lo reintrodujeron a su verdadera pasión, el metal melódico. Sin embargo, Uli abandonó Gamma Ray en 1992 y se dedicó a su proyecto llamado Axe La Chapelle, con el que en 1993 lanzó Grab What You Can.

Helloween

El próximo disco de Helloween, Chamaleon, también vio las luces el ’93, en el que Grapow escribió I don’t Wanna Cry no More, Crazy Cat, Music, la cual era original de Rampage, y Step Out of Hell, una nueva versión de un tema que aparece en el Victims of Rock, con otras líricas dedicadas al batero de Helloween, Ingo, quien tenía problemas con las drogas. Con sonidos jazzísticos y pop, el álbum registró pésimas ventas y la banda terminó saliendo de EMI, aunque se rumoreaba que los habían echado. En ese tiempo, la situación entre los miembros de Helloween se tornaba cada vez más compleja. Ingo no sólo era adicto a la cocaína, sino que también sufría de esquizofrenia, lo que causaba que el grupo tuviera que cancelar giras porque no podía tocar la batería en momentos de crisis. A su vez, Kiske y Weiki ya no se podía ver más debido a conflictos de ego y diferencias musicales. Mientras en cantante quería seguir progresando en extraños sonidos, el guitarrista deseaba rescatar la actitud y fuerza perdida.

Finalmente Ingo fue despedido y Kiske abandonó Helloween. En 1994 logran un acuerdo con Castle Comunications y llegan nuevos miembros. El nuevo vocalista era Andi Deris, amigo de la banda y que provenía del conjunto Hard Rock alemán Pink Cream 69, mientras que el baterista entrante sería Uli Kusch. En verdad Helloween trató primero con Abdel-Nabi durante la gira del Chamaleon, pero no funcionó debido a que no manejaba la técnica del doble bombo y otras del metal.

EL NUEVO HELLOWEEN

De inmediato, en 1994, sacaron Master of the Rings, el primero con Uli y Grapow juntos, el que vendió 300 mil copias. Fue considerado por los lectores de la revista japonesa Burnn! Como el disco del año, Where The Rain Grows como la mejor canción y se llevaron el galardón de mejor banda del año. Aunque fue mayor la contribución de Deris en la composición, Grapow aportó con Mr. Ego (Take me Down), Take me Home y Still We Go. El guitarrista también hizo el lado B del single Perfect Gentleman, Grapowski’s Malmsuite 1001 (In-D-Doll) y hizo las voces para un cover de Grand Funk Railroad que apareció en el MCD Sole Survivor.

HelloweenThe Time of the Oath fue el siguiente disco, grabado con los mismos equipos que se utilizaron para la grabación de Walls of Jericho. Roland acá sólo escribió una canción, el tema título, mientras que Kusch entró fuerte en el proceso creativo con Wake Up the Mountain, A Million to One y Everything my Mama Don’t Like. En 1997 se registraron dos shows hechos en Italia y España, que dieron forma al doble en vivo High Live, y Grapow lanzó su primer disco solista llamado The Four Seasons of Life, con él en las voces, con músicos invitados como Axel Rudi Pell, Grosskopf y… Kusch.

Quizás por este trabajo y el que vendría más tarde, Kaleidoscope, es que Grapow no escribió nada para el próximo disco de Helloween. Pero el talento a la hora de componer por parte de Uli aún no se había mostrado en todo su esplendor. En el Better Than Raw (1998), se transformó en figura de la banda, con la introducción Deliberately Limited Preliminary Predule Period in Z, y la que sigue Push, ambas enteramente de su crédito, además de Falling Higher, Revelation y A Handful of Pain.

Como se señaló, para 1999 Grapow lanzaría su segundo solista, Kaleidoscope, con músicos invitados de la talla de Mike Terrana, Michael Vescera, Jens Johannson, todo ex integrantes de Malmsteen, Jens Becker para la giras, entre otros. Reaching Higher y Hidden Answer fueron compuestas originalmente para Helloween. A su vez, Uli grabaría y produciría su proyecto paralelo, Catch the Rainbow – A Tribute to Rainbow, ayudaría a Markus en su álbum Shockmachine, como igual Grapow, y se encargaría de los tarros en el álbum The End of Sanctuary de Sinner. Metal Jukebox, el álbum que hizo Helloween de covers, sería la última actividad de la calabaza ese año.

WEIKATH CONTIENE LA ¿REBELIÓN?

El 2000 trajo a Helloween de vuelta con un nuevo disco de estudio que confirmaba el gran protagonismo de Uli y Roland. The Dark Ride es un álbum oscuro y más moderno, porque esa fue la propuesta del sello, Nuclearblast, por la inclusión de Roy Z como ingeniero y gracias a la importante contribución de los dos músicos nombrados. Mr. Torture, Escalation 666, The Departed (Sun is Going Down) y The Dark Ride fueron los temas que bien Roland o Uli escribieron. Es más, Grapow hizo casi todos los solos que se escuchan en el álbum. La crítica estaba bien contenta, alzándolo como uno de los discos del año, pero no así el “pasado a llevar” “líder” de Helloween, Michael Weikath, quien nunca dio visto bueno a la idea de hacer un álbum de este tipo. Se reunió con Deris y con Markus, a quienes les comentó la responsabilidad de Grapow y Kusch de la mala dirección que según él había tomado Helloween y que la única manera de revivir a Happy Happy Helloween era prescindiendo de sus servicios.

Haya sido por una leve diferencia musical, el resultado del disco o un escodido nuevo choque de egos, Weiki despidió a Roland y Kusch, medida de la que ambos se enteraron por medio de la prensa, en agosto del 2001 tras la presentación en Wacken Open Air.

HelloweenSe dijo y se rumoreó en los días que siguieron… que Roland y Uli fueron despedidos de la banda porque dedicaban mucho tiempo a sus proyectos solistas, que habian surgido deferiencias irreconcialiables durante la gira latinoamericana, incluso que Kai Hansen estaría volviendo a Helloween. Las fuentes directas entregaban versiones confusas y contradictorias. Todo se aclaró cuando una radio de Cleveland, Estados Unidos, entrevistó a Weiki y Roland por separado. El primero simplemente no estaba satisfecho con The Dark Ride, refiriéndose a su sonido más moderno, progresivo y vanguardista, señalando que los responsables del giro eran Roland y Uli. “No tenemos nada personal contra ellos -agregó Weiki-. Como personas las encontramos muy valiosas, pero no podían seguir siendo miembros de Helloween. Sus puntos de vista y opiniones no calzaban con lo que pensábamos nosotros”.

Mientras tanto, Grapow se vio sorprendido por la noticia que la supo por un llamado telefónico de su señora mientras estaba en Los Angeles haciendo los preparativos para grabar un tercer álbum solista. “Teníamos nuestras pequeñas discusiones y diferencias, por supuesto -comentaba Grapow en la entrevista-, pero esa no era razón para que me echaran de la banda (…). Estoy decepcionado, pero no tengo nada en contra de Weiki o del resto. Si me los encuentro en un club de Hamburgo, los saludo”. De Uli, no se supo nada.

En esta entrevista, Grapow declaró que con Kusch tenía presupuestado hacer un proyecto paralelo a Helloween, del que ya habían varias canciones escritas, pero que “ahora tendremos que replantearnos las cosas con calma -siguió-. Tendremos que hacer un nuevo grupo. Ese proyecto que queríamos hacer, seguramente se va a transformar en nuestra banda principal. Vamos a mantener el estilo de Helloween en nuestra música (…), o incluso más poderosa, no tan moderna y progresiva como la que hicimos en The Dark Ride“. Antes que todo esto aconteciera, en junio, el cantante de Symphony X, Russell Allen, comentó sobre el rumor que lo indicaba como el que se encargaría de las voces para este proyecto: “Conocí a Roland en un concierto (de Symphony X) en Berlín, y acordé en hacer el proyecto con él y Uli. Estoy muy entusiasmado y espero que los fanáticos de Symphony X, Helloween y del metal lo estén tanto como nosotros. Ojalá lo concretemos para fin de año. Aunque será difícil debido a las obligaciones con SX y Helloween, estoy seguro de que lo haremos”.

Pero tras la ida de los dos ex Helloween, Grapow y Kusch estarían en libertad de acción y este inicial proyecto paralelo tendría todas las posibilidades de ser la actividad principal de ambos. En menos de una semana del incidente, ya se estaban dando pistas del nacimiento de una nueva gran banda… aún sin nombre…

PROYECTO FRUSTRADO… BANDA CONFIRMADA

De inmediato, el dúo con Russell Allen empezó a planear la estrategia. Roland Grapow, a través de su página oficial anunció que el proyecto se llamaría Mr. Torture e invitó a los fans a dar su opinión, en el mismo sitio, sobre el nuevo nombre. Pero mal le fue a Grapow y Kusch, los comentarios no fueron para nada favorables, hasta incluso aparecieron sugerencias de cómo deberían apodarse. Además, Allen terminó por rechazar la oferta ya que no podía corresponder con la misma cantidad de tiempo que sus camaradas de Helloween para el proyecto por su agenda con Symphony X. Mucho después trascendió que luego de la partida de Russell, el dúo sostuvo una conversación con el antiguo frontman de Helloween, Michael Kiske, para que se integrara a la banda, pero desestimó la idea porque quería enfocarse exclusivamente en su grupo de pop rock Supared y no le apetecía volver a hacer Heavy Metal nuevamente.

Masterplan

Así fue como dieron finalmente con el cantante y compositor noruego Jorn Lande. Dentro de su currículum vitae se leía el haber sido parte de unos tour para la banda de Yngwie Malmsteen, de ser el vocalista de los metal progresivos de Ark, Beyond Twilight, además de haber participado en Company of Snakes y Millenium y haber lanzado dos discos solistas, entre el que destaca Worldchanger, justo antes de aceptar la invitación de Uli y Roland a este muy hablado proyecto. Según Grapow, Jorn fue seleccionado en parte por su apronte tirado al estilo clásico Dio/Coverdale más que a los timbres altos que hicieron a Helloween famoso, garantizando que el grupo pisaría su propio sendero sin cruzarse con el de la calabaza ni provocando comparaciones más allá de haber sido miembros de esa banda.

Con el anuncio de la llegada de Lande, a principios del 2002, Mr. Torture se rebautizó con el nombre de Masterplan. Para tomar el puesto de bajista, arribó el Iron Savior Jan S. Eckert, quien también había grabado con Gordon y Rockship, entre otros, y el tecladista Axel Mackenrott (Babylon 27, Catch the Rainbow) reemplazando al miembro original, el finés Janne Wirman, que estaba muy ocupado con Children of Bodom.

MasterplanMasterplan

Aunque aún no contaban con contrato para editar, empezaron a trabajar en lo que sería el primer disco de Masterplan en los estudios Crazy Cats de Grapow, en Hamburgo, con el renombrado productor Andy Sneap (Machine Head, Testament, Nevermore) y con la ayuda de Mikko Kamilla en las mezclas y Mika Jussila (Stratovarius, Sonata Arctica) en la masterización.

En agosto por fin firmaron contrato con la casa discográfica de Edguy, Avantasia, Annihilator y U.D.O., AFM Records, para editar el álbum en todo el mundo y con Marquee Avalon para que lo sacara en el sudeste asiático y Japón. El 18 de noviembre lanzaron el maxi single titulado Enlighten Me, que tenía cinco pistas las que incluían dos versiones de tema que daba nombre al EP, además de Kind Hearted Light, Through Thick And Thin -que no se incluiría en el CD original- y una versión del clásico de Led Zeppelin, Black Dog, que también aparecería en el disco tributo The Metal Zeppelin – The Music Remains the Same.

Masterplan, el disco, salió a la venta el 27 de enero de 2003. El que contaba con 13 pistas en una de las cuales, precisamente en Heroes, Michael Kiske aparece haciendo dueto con Lande en las líneas vocales, por supuesto. La crítica para el homónimo fue de excepción, describiéndolo como una combinación de la mejor era de Helloween de los Keeper of the Seven Keys Pt I & II y el Whitesnake de 1987 con David Coverdale y las guitarras de John Sykes. Masterplan se encarñamó al primer lugar de los rankings japoneses, al igual que en las encuestas de los principales medios impresos como Rock Hard (en dos oportunidades), Heavy Oder Was? y Hard & Heavy, como también álbum del mes en revistas de Alemania, Grecia, Francia, Suiza, Suecia, Holanda, etc.

Durante la primera semana de ventas, el debut de Masterplan ocupó la posición 42 en los charts oficiales del German Media Control, el principal del país. Estos tremendos resultados se vieron confirmados en la primera mitad del 2003 con una exitosa gira por Europa que hicieron con los templarios de Hammerfall, actuaciones en Bang Your Head, Wacken Open Air Metalmania y más tarde otra gira con los maestros del Power Metal, Gamma Ray.

Para este texto no se puede hacer un final… en la realidad tal cosa está demasiado lejos de acontecer, la aventura de Masterplan sólo recién ha comenzado, está en pleno desarrollo y es mucho más lo que falta por escribir de la trama de esta historia que lo que ya se ha contado. Hasta ahora, se ha tratado de uno de los proyectos más hablados que, no podía ser de otra forma, sacó un álbum que sólo músicos de la categoría de Roland Grapow y Uli Kusch, con la ayuda de Jorn Lande, podían hacer. Es que ya han pasado muchos años en la carrera de ambos como para considerar a Masterplan como banda revelación, y cuantos otros como para pensar que el resultado fue po fortuna y varios más como para decir que este disco fue un esfuerzo sobrehumano llevarlo a cabo, ellos ya saben como se hace. Masterplan no es el primer gran álbum que sacan Uli y Roland juntos, y tampoco será el último…

Masterplan

SteelRage

Septiembre es nuestro mes patrio. Y como resulta lógico de ello, nuestra banda del mes es una banda nacional, que quizás represente a muchas otras. Una banda nacida hace ya algunos años que se apronta a lanzar muy prontamente su primer LP, el cual ha costado meses (años incluso) de sacrificios y desembolsos económicos importantes, de ensayos todas las semanas, de tocatas en todas partes … SteelRage, nuestra banda del mes, podría representar una suerte de prototipo de lo que es una banda chilena intentando hacer música no comercial en un medio, al menos, poco proclive a ello. ¡Cuántas bandas sueñan con sacar un disco! ¡Cuánto trabajo conlleva! Por lo mismo, una banda nacional a punto de lanzar su disco debut es digna de destacarse. Cultora de un Power Metal muy directo y carente de excesivos artificios, SteelRage promete Metal del bueno por muchos años.

SteelRageSteelRage

A principios de 1998 el país vivía la efervescencia de ganarle a Inglaterra en Wembley (con dos goles del Matador Salas) y de ver a un Marcelo Ríos en su mejor forma física y tenística (llegando a ser nº 1 del ranking ATP). En aquellos entonces, cuatro jóvenes tocaba una especie de “Power Thrash” en una banda llamada Disorder: Patricio Solar (voz y guitarra), Melvin Poblete (guitarra), Julio Díaz (bajo) y Francisco Vera (batería). “Pato”, nacido el 26 de Mayo de 1971, es profesor de música titulado de la Universidad Metropolitana de las Ciencias de la Educación, UMCE (ex Pedagógico) e inició su carrera como músico en su colegio, en una banda llamada Madness, para posteriormente formar La Zona junto a Melvin; Francisco es diseñador gráfico, nace el 14 de Marzo de 1977 y tocó en una banda llamada G.R.I.P., además de posteriormente desempeñarse por algún tiempo en Witchblade y en Battlerage (paralelamente a SteelRage); Melvin nace el 26 de Agosto de 1976, tocó en bandas como Death Corruption, La Zona, y Slavery, y es experto en prevención de riesgos.

Hasta esos momentos Disorder era una banda Power Thrash. Pero poco a poco el estilo compositivo de la banda había comenzado a variar. Según “Pato” Solar, “los riffs se hicieron más heavy y las voces más melódicas“. Ante los cambios de fondo que comenzaron a gestarse al interior de la banda, deciden reestructurar su concepto. Buscan un nuevo vocalista que respondiese mejor a las exigencias de la música que pretendían hacer, y cambiarían el nombre del grupo. Francisco bautiza a la “nueva” banda como SteelRage y llega Oliver Monterrosa como nuevo vocalista.

SteelRageSteelRage

Durante 1998 y 1999 la banda se desempeña en tocatas a lo largo de todo el país. Este último año se integra a la banda Alejandro “Cayo” Bustamante como tecladista. Alejandro, contador de profesión, nació el 11 de Julio de 1978 y tocó un tiempo junto a Francisco Vera en G.R.I.P. y en una banda llamada Unscarried, antes de unirse a la furia del acero.

El mismo año 1999 la banda, ya con una formación consolidada, daba luz a su primer trabajo, un demo que ha trascendido hasta el día de hoy por contener temas realmente poderosos. “I Swear Revenge“, grabado en los estudios de Francisco Straub, fue lanzado con un muy reducido tiraje -alrededor de 100 copias-, y cuenta con temas que la banda continúa ejecutando en vivo, como las potentísimas “Kill Or Die” o “I Swear Revenge” (los títulos son casi del ABC del Metal pero reflejan el espíritu de la banda: garra, mucha fuerza y entrega), además de “The Blood Of Steel”, “SteelRage”, “Of Hope And Faith” y “The Quest Begins”. Lamentablemente el demo no se encuentra a la venta en estos momentos, pero puede descargarse un par de temas en la página oficial de la banda (www.steelrage.net). De todas formas, la banda tiene intenciones de reciclar algunos temas de “I Swear Revenge” en un futuro no tan lejano.

SteelRageSteelRage

Respecto a la música que ya en aquellos entonces podíamos encontrar en SteelRage, Pato Solar dijo lo siguiente en una entrevista para Ciudad Metalera, al consultársele su opinión acerca de las peyorativas denominaciones que algunos han hecho del Power Metal: “Es solo cuestión de apreciación … las temáticas y la música en sí distan bastante de lo que a mi criterio se entendería con lo de música gay .. .con el respeto que esa comunidad merece, no conozco música gay … debe existir pero distan mucho del metal y mas aun del estilo en cuestión … si me lo preguntan, más gay considero otras vertientes del metal ya que aparte de pajerolas temáticas son zalameras y típicas de maricón depresivo y suicida… al final toda esta discusión no dejan de ser pendejadas, de hueones cerrados de mente, que se abanderizan con un estilo y descalifican a otros gratuitamente… filo, que se vayan a la mierda“. Sabio y a la vena.

Durante el año 2000 la banda comenzó a hacerse conocida gracias al demo. Ya entrado el 2001, Julio Díaz abandona el buque, siendo reemplazado por el actual bajista de la banda, Christian Willembrinck, nacido el 12 de Agosto de 1981, quien además se desempeña como bajista estable de Battlerage, banda de True Metal liderada por Francisco Vera. Con esta nueva alineación, SteelRage continúa tocando en diversas zonas de nuestra loca geografía y fundamentalmente comienzan las ideas para crear nuevos temas, proceso que sufrió un quiebre con la partida de Oliver de las voces. Hoy, Oliver Monterrosa es el vocalista de Waning Moon.

SteelRageSteelRage

El nuevo vocalista de SteelRage sería un viejo conocido nuestro, Jaime Contreras, amigo personal durante muchísimos años de quien redacta estas líneas y compañero de labores en PowerMetal.cl. Jaime, nacido el 30 de Septiembre de 1978, estudia Derecho en la Universidad de Chile, y se desempeñó anteriormente como vocalista de una banda de covers llamada Sir Caycuss, en una banda tributo a unos tales Iron Maiden llamada Eddie, en Highland y tuvo una breve estancia en Waning Moon. Jaime se integraría a SteelRage en Octubre del año 2002 e inmediatamente enganchó con el concepto y el ideal de la banda, plasmando aquella energía en múltiples tocatas en varias ciudades del país. Según Jaime, al entrar a la banda se encontró “no con cinco músicos sino con cinco amigos … no somos tontos graves ni estrellas del rock, somos seis personas que lo pasan bien tocando rock“.

En Enero del presente año comienza el trabajo para lo que será, en algunos días más, el primer disco de SteelRage. Con un material realmente estupendo bajo el brazo, la banda firma con la compañía Octagon Music Group, cuya subdivisión, Highland Records, produce el disco. El contrato liga a la banda con el sello por este disco y dos más, lo cual resulta sumamente destacable, pues no es usual que los sellos demuestren este nivel de confianza para con bandas de Metal en Chile. En la grabación -que comenzó con las bases, posteriormente los solos, y finalmente las voces y teclados-, que duró hasta Marzo, en los estudios de Juan Pablo Donoso, sólo se incluyeron temas originales -ninguno del demo-, varios de los cuales ya han sido tocados en vivo por la banda en sus presentaciones, destacando especialmente las poderosísimas “Engraved In Steel” (como dato curioso, el nombre del disco es previo al nombre del tema), “Give Us Hope” y la muy rockera “I’m Back Again“. La música que compone el disco, según los propios integrantes de la banda, es un Heavy/Power Metal muy directo y sin tantos artificios, lo que seguramente gustará a gran parte de la fanaticada nacional.

SteelRage

Engraved In Steel” será lanzado oficialmente el día 4 de Octubre (aunque se encontrará en las tiendas especializadas desde el 30 de Septiembre) en el pub Garage Rock, junto a otras bandas invitadas. Pero lamentablemente la alineación de la banda ha sufrido un remezón en estos últimos días: Francisco Vera, baterista y letrista de la banda, decidió privilegiar su carrera como baterista de Battlerage. Ante la partida de Francisco (un tremendísimo baterista, pocos en Chile deben golpear los tambores y platillos con su potencia), se ha integrado en estos últimos días a SteelRage Franz Strauss, ex baterista de Highland (donde fue compañero de Jaime), quien hará su debut en la Fonda Metalera del día 20 de Septiembre en Arte Matta.

SteelRage

En un país donde existen -según muchos, me incluyo- más músicos que fans, lo de SteelRage es, sin dudas, el vivo ejemplo de cuánto cuesta hacer Metal en Chile a nivel algo más profesional. En un país donde lamentablemente nadie puede vivir siendo músico de Metal (por algo destacamos las profesiones y/u ocupaciones de los músicos de la banda), llegar a lanzar un disco es mucho más que un sueño cumplido. Es fruto de horas y horas de esfuerzo, de dejar de lado a personas, de adquirir responsabilidades “anexas” a las de un profesor o de un estudiante de Derecho, todo por amor a la que debe ser la música más apasionada del mundo: el Metal. Por ello, el mayor de los éxitos a una banda que no sólo por sacrificio, sino también por calidad musical, se lo merece.

Viva Chile Mierda!

Alineación:
Jaime Contreras: Voz
Patricio Solar: Guitarras
Melvin Poblete: Guitarras
Christian Willembrinck: Bajo
Alejandro Bustamante: Teclados
Franz Strauss: Batería

SteelRage

Stratovarius

A principios de los años ’80, Finlandia distaba de significar mucho más que un país que conformaba la zona de Escandinavia junto a Suecia y Noruega. Una zona realmente gélida, cuyo 10% de su territorio está compuesto por lagos y el 67% por bosques. Un lugar donde, durante el verano, el sol no se pone durante aproximadamente 73 días (creando las “noches blancas” del verano), y durante el invierno el sol se queda abajo del horizonte por 51 días, y cuya independencia se logra en 1917. Todos estos datos bien podrían conformar un atlas escolar, sin dudas. Pero, para estos efectos, y sin que se tome a mal… ¿qué importan estos datos? Finlandia, más allá de las “frías” (más en este caso) estadísticas, adquirió importancia en “nuestro” mundo por una gran razón. Más allá de los éxitos deportivos de Mika Häkkinen (corredor de Fórmula 1) o Jari Litmanen (el mejor futbolista de la historia finlandesa, crack en el Ajax holandés), la razón es una gran banda, que abrió las puertas a una cada vez más consolidada escena, sentando las bases de un estilo único de Power Metal: Stratovarius.

AGUA NEGRA, VIOLINES Y GUITARRAS… EL COMIENZO

Todo comienza cuando tres jóvenes estudiantes, en 1982, deciden formar un grupo, influenciados por Black Sabbath y la omnipotente figura de John “Ozzy” Osbourne: el líder/baterista/vocalista Tuomo Lassila (¿cuántos casos han existido de bateristas/vocalistas? Sólo recuerdo en estos momentos a Willy Iturri de GIT, a Eric Carr y Peter Criss de Kiss, a Chris Cornell en sus inicios en Soundgarden, a Don Henley de Eagles y a los principios de la carrera de Madonna), el guitarrista Staffan Stråhlman, y el bajista John Vihervä. Esta agrupación se hacía llamar Black Water, y su orientación musical no estaba ni siquiera cerca de parecerse a lo que hoy hace Stratovarius, pues se inspiraban en los mismos Sabbath e incluso en Rush.

LassilaPosteriormente, ya en 1984, Lassila, un estupendo baterista, consideró “poco original” el nombre de la banda, y en un arresto de lucidez y con un ojo “visionario” decide cambiarle el nombre. Inspirado en la idea de mezclar lo clásico con el rock, crea un concepto que reunía lo mejor de ambas vertientes de la música: las guitarras Fender Stratocaster y los míticos violines Stradivarius, fabricados por el italiano, oriundo de Cremona, Antonio Stradivari, a fines del siglo XVII. Nacía Stratovarius (suena mejor que “Stradicaster”).

A fines del mismo año, el bajista John Vihervä decide abandonar el buque, siendo reemplazado por Jyrki Lentonen, quien anteriormente tocaba en una banda llamada Road Block, que se dedicaba más bien a tocar covers. Poco después, ya en 1985, Staffan Stråhlman es el segundo en abandonar la banda, por lo que Stratovarius quedó sin guitarrista, una semana antes de irse a tocar a Aalborg, Dinamarca. Y aquí comienza el verdadero Stratovarius.

Jyrki tocaba en Road Block junto a un joven nacido el 3 de Marzo de 1966, cerca de Helsinki, capital de Finlandia, influenciado de forma notoria por la música clásica y por “The Man In Black”, Ritchie Blackmore: Timo Tolkki, un tipo sumamente especial, que compone música en los bosques de Klaukkala, en Finlandia. A los siete años, el pequeño Timo recibió de regalo una guitarra clásica Landola, y comenzó con sus estudios de guitarra. “Recuerdo que en esos tiempos me gustaba Abba, e incluso la ‘surf music’ … mi primo tenía una guitarra y por ahí empecé a tocar. La primera canción que toqué se llama ‘Hepokatti maantiellä poikittain’“, señala Tolkki.

Lo que lo llevó al rock y por ende al Metal fue escuchar “Smoke On The Water”, de Deep Purple, a los doce años de edad. A ese respecto, Tolkki señala que “cuando la escuché por primera vez, inmediatamente quise una guitarra eléctrica. La siguiente Navidad obtuve lo que deseaba…“. El primer disco que Tolkki compró fue “Rainbow On Stage”, donde comenzó a alucinar con los dibujos en las seis cuerdas de Blackmore y con la voz de Ronnie James Dio (incluso, Tolkki conoció a su esposa, Anna-Maria, en el recital que efectuó Dio en Finlandia en el marco del tour de su disco “Dream Evil”, de 1987). De hecho, su primer show fue en la gira del “Difficult To Cure” de Rainbow, y a los 16 años el adolescente Tolkki ensayaba incluso 10 horas al día, inspirado por la magia de “The Man In Black”.

Lassila telefoneó a Tolkki, quien se unió de inmediato a la banda y aprendió los temas escuchando un cassette. Después de unos pocos ensayos, la banda pudo ir sin problemas a Dinamarca. Pero los días de Lassila como vocalista estaban llegando a su fin. Además del hecho de que su rango vocal era bastante limitado, tocar batería y cantar era una carga demasiado fuerte para él. Favorablemente para la banda, Timo poseía un rango vocal más que aceptable y se hizo cargo de las voces, dejando a Lassila dedicado en exclusiva a las baquetas. Y este hecho sin dudas es una “bisagra” en la historia de Stratovarius, puesto que la influencia de Tolkki en las composiciones comenzó a notarse, con lo que Stratovarius enriquecía su sonido con elementos de Rainbow e incluso de música barroca (incluso, alguna vez Tolkki señaló que le parecía “apropiada” la denominación que alguien hizo de Stratovarius como “metal barroco”), y de hecho, para Tolkki “la melodía es el elemento más importante“. Tolkki comenzaba, poco a poco, a “mandar”.

StratovariusLa banda efectuó varias presentaciones en locales pequeños, especialmente en Helsinki, donde ya en 1987 graban su primer demo, llamado “Future Shock“, con tres temas propios: “Future Shock”, “Fright Night” y “Night Screamer”. El demo fue enviado a muchas compañías finlandesas, siendo CBS Finlandia quien finalmente consigue reclutar a los noveles Stratovarius bajo su alero, después de ver su notable desempeño en un show en el Club Tavastia, Helsinki. Como demostración del peso de la mano de Tolkki, en 1988 se une a la banda Antti Ikonen como tecladista, con el objeto de proporcionar una orientación más melódica al sonido de Stratovarius.

LOS PRIMEROS DISCOS

El ahora cuarteto finlandés estaba ya listo para grabar su primer LP. Antes de ello, graban su primer single, “Future Shock/Witch Hunt” en 1988 (en cuya carátula aparece por vez primera el antiguo logo de Stratovarius, con letras con ángulos muy marcados), el cual fue seguido por “Black Night/Night Screamer” (que curiosamente tiene exactamente la misma carátula de lo que a la postre sería el disco debut de Stratovarius), grabado a comienzos de 1989. Se apreciaba una banda bastante influenciada por la música clásica y especialmente por la maestría de Blackmore, aunque algo “crudo”. Podría decirse que las ideas excedían de cierta forma las ejecuciones.

StratovariusY en Mayo de 1989 sale a la luz el primer disco de Stratovarius, “Fright Night“, autoproducido (aunque con la ayuda del ingeniero Make Törrönen) y grabado en tan solo una semana en los estudios Finnvox, un disco que no alcanza a mostrar todo el potencial de la banda en cuanto a la ejecución de los instrumentos, pero que marca pautas. Si bien el sonido algo débil de la placa no ayuda a evaluarla mejor, se aprecia una “idea” distinta.

Temas como “Future Shock”, “Night Screamer” o “False Messiah” destacan en un disco que si bien carece de la brillantez de otros discos debut, marcó un camino a seguir. Tolkki escribió toda la música del disco, y entre él y Lassila se repartieron la creación de las letras. Tuomo Lassila contaba en aquellos entonces a Metal Hammer algo que hoy sonaría casi curioso: “ … nuestro público es más bien gente más ‘vieja’, mayores de dieciocho años. Muchos adolescentes finlandeses están más en la onda del thrash, así que es la gente más ‘vieja’ la que más disfruta de nuestra música …“. Y realmente Lassila no esperaba el éxito que a la larga “su” banda tendría: “… sabemos que será dificilísimo para nosotros tener éxito en el resto de Europa. Nunca he estado en Inglaterra, por ejemplo, pero no estamos desesperados por irnos de Finlandia, nos gusta vivir aquí…”.

La banda tocó en vivo durante meses y meses en 1989, siendo el punto más alto un outdoor llamado Giants Of Rock en Hämeenlinna, Finlandia, donde como cabeza de cartel estuvo nada menos que Anthrax, en la etapa top de su carrera. Luego de ello, Jyrki Lentonen deja la banda, dejando vacía la plaza de bajista. Pero ello no fue problema para comenzar a trabajar en lo que sería la segunda placa de la banda. Tolkki haría las partes de bajo, y así se tenía prácticamente listo todo el material para un segundo disco. Sin embargo, tendrían que lidiar con un tremendo problema: CBS perdió totalmente el interés de lanzar más material de Stratovarius, lo cual recuerda a esas decisiones que a la larga han pasado a la historia como equívocas, como los entrenadores juveniles de Colo Colo que rechazaron a Iván Zamorano por “flaco” y a Marcelo Salas por “chico”. Más allá de ello, el problema era sumamente serio, puesto que al no haber contrato alguno con un sello discográfico, las grabaciones de los demos debían ser 100% autofinanciadas. Todo ello retrasó muchísimo el lanzamiento de la segunda placa en estudio de la incipiente banda, aunque ya estaba prácticamente todo listo. Incluso, se incorporó el bajista Jari Behm quien, a pesar de ello (y de aparecer en la foto de la banda en el booklet del disco), no toca en ninguno de los temas del disco puesto que esa labor fue desempeñada por Tolkki.

Finalmente, a principios de 1992, era lanzado en Finlandia el single “Break The Ice” y poco después el LP, “Stratovarius II“, grabado en los estudios Millbrook, fabricándose tan solo mil copias bajo el apoyo de una pequeñísima compañía finlandesa llamada Bluelight Records, por lo cual, obviamente, este disco ha pasado a ser una joya de coleccionista.

“Stratovarius II” fue enviado a muchas compañías en toda Europa, tras lo cual la banda consigue firmar con el sello Shark Records -el cual se vio interesado sobremanera en el tema “The Hands Of Time”-, quien regrabó el disco y lo relanzó en Octubre de 1992 con otro nombre, el que conocemos todos, “Twilight Time“.

El disco muestra una marcada evolución de la banda respecto a “Fright Night”, destacando cortes como la homónima “Twilight Time” y las muy Power “The Hands Of Time” y “Out Of The Shadows”, temas que, en mi concepto, son absolutamente “reciclables” y causarían revuelo en una presentación en vivo de Stratovarius modelo 2003. Como dato curioso, las fotografías del disco fueron tomadas por John Vihervä, bajista fundador de Stratovarius. “Twilight Time” tuvo un considerable éxito, especialmente en Japón, donde en 1993 se transformó en el segundo disco “de importación” más vendido, superado sólo por un monstruo de cinco cabezas como AC/DC en vivo, durando cinco meses en los top 10 de los charts nipones. El éxito en Japón trajo como consecuencia que la compañía nipona JVC Victor Entertaiment lanzara una nueva edición de “Twilight Time” en Julio de 1993.

StratovariusTras la salida del pasajero bajista Jari Behm (su estilo no coincidía para nada con los intereses de la banda), se integraría a la banda un nuevo bajista, cuando el 70% del nuevo material ya estaba grabado: un fanático del mountain bike, Jari Kainulainen, nacido el 29 de Abril de 1970. Jari a la larga grabaría cinco temas de la que sería la tercera placa de Stratovarius (Tolkki, nuevamente, grabaría el resto). La banda, en todo caso, sufrió un grave inconvenientre debido a una seria lesión (casi una constante en Stratovarius, como veremos) sufrida por Lassila en ambas manos, lo que lo imposibilitó de tocar la batería durante aproximadamente dos meses, siendo reemplazado por el baterista de Kingston Wall, Sami Kuoppamäki, quien grabó cuatro temas.

Dreamspace“, el tercer disco de Stratovarius, fue grabado en varios lugares (Rauhala Estate, la academia Sibelius y los estudios Soundtrack) y lanzado a la venta en Marzo de 1994. Tanto la crítica como los fans reaccionaron con un impresionante entusiasmo ante el lanzamiento de esta placa, lanzada bajo T&T Records, con lo que la popularidad de Stratovarius pasó a otro nivel. Prueba de ello es que la banda visitaría por primera vez Japón (particularmente Tokio, Osaka y Nagoya), cosechando el éxito de su disco anterior y sembrando nuevas semillas de Metal. Antes de ello, la banda efectuó un único show en Helsinki (donde debutó Jari Kainulainen en vivo), en un recinto legendario para los finlandeses, ahora demolido: el “Shadow Club”. En esta placa se incluyen temas clásicos de la banda, como “Hold On To Your Dream”, “Chasing Shadows” o “We Are The Future”, entre otros. “Dreamspace”, además, se caracteriza por evolucionar en la parte lírica, tratando temáticas como el nazismo en “4th Reich” o el medio ambiente en la mencionada “We Are The Future”.

StratovariusTolkki se veía como “la” indiscutible cabeza de Stratovarius. El guitarrista señalaba en aquella época: “... de alguna forma, soy la cabeza del grupo. Pienso que sé cómo la banda debería sonar. Sería difícil para mí tener a otro productor, porque perfectamente podrían generarse roces. Pero si bien soy una persona a la que le gusta tomar decisiones, no soy un ‘dictador’. Somos una banda muy democrática, pero por otro lado soy perfeccionista … ¡quizás demasiado! No puedo decirte si eso es bueno o malo, pero así es“.

Con este disco, sin dudas, se cierra una etapa, para pasar a una transición que los llevaría a convertirse, hoy por hoy, en uno de los referentes más importantes del Power Metal mundial.

KOTIPELTO A LAS VOCES… OTRA DIMENSIÓN

Hasta que Timo Tolkki se aburrió de cantar. Decidió que era necesario que la banda buscara a un nuevo vocalista, que sólo se dedicase a cantar, para llevar el sonido de la banda más allá. Probablemente el momento para el “retiro” de Tolkki de las voces no pudo haber sido más adecuado, y el elegido para ocupar esa plaza no pudo haber sido mejor. El procedimiento de búsqueda fue el común y corriente: un aviso en el diario. Sin embargo, alguien recordó a un tipo proveniente de la localidad de Lappajärvi, al cual habían conocido un año y medio antes. Tolkki telefoneó a este muchacho para coordinar una audición, y cuando abrió la boca e hizo uso de sus cuerdas vocales, todos inmediatamente se dieron cuenta que este muchacho no muy alto (1.71 cm), con influencias de Ronnie James Dio, David Coverdale, Bruce Dickinson y Geoff Tate, nacido el 15 de Marzo de 1969, sería el nuevo vocalista: Timo Kotipelto. De hecho, Tolkki cuenta: “al escuchar a Kotipelto por primera vez) Pensé ‘¡qué es lo que está pasando!’, y volé dos metros hacia atrás con mi silla…“. La leyenda cuenta que Kotipelto, en 1989, escuchó el disco “Fright Night” en la casa de un amigo y dijo: “qué buena banda… tan sólo necesita un mejor vocalista“. Años atrás, Kotipelto vivía a 400 kilómetros al norte de Helsinki (ciudad a la que se trasladó para estudiar música), donde grabó un demo (que “apesta“, según su propia opinión) junto a una banda llamada nada menos que “Filthy Asses” (“Traseros Inmundos”).

Stratovarius

El ahora quinteto finlandés (Tolkki, Kotipelto, Kainulainen, Ikonen y Lassila) estaba ya listo para comenzar a trabajar en lo que sería su cuarta placa en estudio. Aproximadamente desde el mes de Marzo hasta Agosto de 1994, la banda se dedicó a escribir temas, entrando luego al estudio. Mientras tanto, Timo Tolkki deseaba cumplir un sueño de niño: grabar un disco solista. Es así como nace “Classical Variations and Themes“, un disco bastante heterogéneo (es una especie de compilado de ideas sueltas), que incluye temas como “Fire Dance Suite”, “Lord Of The Rings”, una versión de “Greensleeves” o “Solitude”, cantada por Kotipelto. Este trabajo sería lanzado en Octubre de 1994.

Poco después, en Marzo de 1995, Stratovarius lanzaría “Fourth Dimension“, su cuarto LP y el debut de Kotipelto en las voces. La crítica favorable y la muy positiva reacción de los fans no se hicieron esperar, pues Stratovarius confirmaba que cada disco suyo era mejor que el anterior, mostrando un potencial realmente impresionante.

En este disco aparecen temas que caracterizan el sonido actual de Stratovarius, como la notable “Against The Wind” (la letra de este tema nace un día en que Tolkki se quedó sin gasolina en medio de la carretera, y llegó a su casa a pie tras caminar cuatro kilómetros, desafiando una persistente y heladísima lluvia escandinava), “Distant Skies” (que narra el miedo a los aviones de Tolkki, especialmente cuando niño), la extrañísima “030366” (fecha de nacimiento de Tolkki), la instrumental “Stratovarius”, la épica “We Hold The Key” o la muy melódica “Twilight Symphony” (aparecen los violines en Stratovarius). “Fourth Dimension”, que vendió el doble de copias respecto a “Dreamspace”, podría ser definido como un disco de “transición”, para pasar de una etapa de crecimiento a una etapa de consolidación y de éxito a nivel mundial.

La banda llevó a cabo un exitoso tour que incluyó a Alemania, Suecia, Holanda, Grecia, por supuesto Finlandia y nuevamente a Japón. El público por lo general quedaba realmente asombrado con la voz de Kotipelto, al ver que su rendimiento en vivo no decaía respecto al estudio. Pero un día después del tour, la banda sufrió un quiebre que se venía venir. El “poder de dirección” de Tolkki había transformado la “línea editorial” de la banda de forma tal que ello no tenía para nada contento a Tuomo Lassila. Además, tanto él como Antti Ikonen estaban teniendo severos problemas para poder ejecutar el veloz, intrincado y extremadamente técnico material ideado por Tolkki. Ante ello, Lassila, el último miembro fundador, abandona la banda, junto a Ikonen. Lassila forma hoy parte de una banda llamada Conquest, junto a Peter James Goodman, vocalista de Virtuocity, quien alguna vez aspiró a ser el vocalista de Stratovarius, pero Tolkki se decidió por Kotipelto.

La duda estaba instalada: ¿Stratovarius se caería a pedazos?

REEMPLAZANTES DE LUJO, EPISODIOS VISIONARIOS

No. Nada más lejano a ello. Stratovarius no se caería, Tolkki reafirmaría su liderazgo y ante ello decidió buscar a músicos del más alto nivel, con la suerte de que, a la larga, no pudo encontrar mejores integrantes para Stratovarius que los que encontró. Los ojos apuntaron fuera del territorio finlandés. Kotipelto señalaba: “sí, buscamos músicos en Finlandia, pero para este tipo de música no existen muchos ejecutantes, menos aun en un país pequeño como el nuestro. Incluso no hay muchos en todo el mundo“.

StratovariusLas baquetas dejadas por el fundador Lassila serían tomadas por un alemán, nacido el 27 de Marzo de 1963 en Dortmund: Jörg Michael, un batero tan fanático del queso como del equipo de fútbol Borussia Dortmund, con un currículum hasta esos momentos realmente impresionante. Comenzó a tocar a los quince años, edad en la cual su profesor se vio gratamente sorprendido ante la increíble potencia con la que Jörg golpeaba los bombos, cajas y platillos (una especie de “Fernando González” de la batería). Su carrera profesional comenzó en 1983 con Avenger, banda liderada por un joven llamado Peter “Peavy” Wagner que posteriormente se transformaría en Rage, donde grabó “Prayers Of Steel”, “Reign Of Fear” y “Execution Guaranteed”, estos dos últimos ya bajo el nombre de Rage.

En resumen (sin querer ser injustos con Jörg), se desempeñó en bandas como los estupendos Mekong Delta (un thrash casi melódico realmente recomendable para los fans del Metal más speed), bajo el seudónimo de “Gordon Perkins”, los piratas de Running Wild, Headhunter (junto a Marcel Schmier, en aquellos momentos ex vocalista/bajista de Destruction, banda a la cual volvería años más tarde), los renovados Grave Digger en 1993 (en el EP “Symphony Of Death”), además de tocar junto al guitarrista Axel Rudi Pell.

Tolkki tenía una idea en su mente. No quería un tecladista meramente “comparsa”, sino alguien que hiciera casi de “segundo guitarrista”, alguien con quien pudiese incluso hacer “competencias de solos”. Y realmente no pudo encontrar a alguien mejor. Un sueco, nacido el 2 de Noviembre de 1963, cuyos dedos se deslizan por el teclado cual patinador en el hielo: el señor Jens Johansson. Su trayectoria lo dice todo: no sólo tocó en varios discos e incluso en vivo con Yngwie Johann Malmsteen, sino que además, entre otros, con Dio, en el disco “Premontion” de Tony Macalpine y junto a su hermano Anders (actualmente en HammerFall) en proyectos más bien lejanos al Metal.

StratovariusJens ha sido sindicado en muchos rankings como el mejor tecladista de Metal del mundo, y ha creado escuela con su manera de tocar, pulcra y extremadamente técnica. Tolkki no lo conocía en persona, pero consiguió su número telefónico (Jens ya vivía en Nueva York en esos tiempos), y luego de escuchar las cintas que Tolkki le mandó por correo, Jens manifestó sumo interés en el proyecto y se unió a Stratovarius.

¡Qué alineación! Un vocalista como Kotipelto, un excelente bajista como Kainulainen, dos pesos pesados como Michael y Johansson. Todos unidos bajo la idea del capitán del barco, Tolkki. Y una alineación genial no podía sino producir un disco genial. El extenso material ya listo se grabó y mezcló en los estudios Finnvox de Helsinki, en un proceso que duró aproximadamente tres meses. El nuevo disco traería consigo novedades importantes incluso antes de escucharlo: un coro de 40 personas y una orquesta de 20, provenientes nada menos que de la Academia Sibelius. Pero antes de ello, la banda lanzaría un single con su nueva alineación: “Father Time” (que incluye la antigua “Future Shock” cantada por Kotipelto y una versión de “Kill The King” de Rainbow cantada por Tolkki).

Episode“, el quinto LP de la banda, sería lanzado a principios de 1996. Un disco realmente magistral, que viene a ser una suerte de compendio de lo mejor que podemos encontrar en una banda como Stratovarius: temas rapidísimos (“Speed Of Light“, “Father Time“), lentos y emotivos (“Forever“, “Season Of Change“), instrumentales cortacabezas (“Stratosphere“), midtempo enganchadores (“Eternity“, “Nighttime Eclipse“), y clásicos con toques sinfónicos (la citada “Father Time” y Will The Sun Rise?“). La potencia de Michael y el talento de los solos de Johansson se hacían notar, y de qué forma. Además, cabe señalar que en este disco la banda comienza a trabajar junto al ingeniero de sonido Mikko Karmila. En resumen, “Episode” es un disco imprescindible. Como anécdota, Tolkki cuenta lo siguiente en relación a lo que era y aspiraba Stratovarius con esta placa: “Hicimos un demo y lo mandamos a Alemania y a Japón. Los japoneses dijeron que tenía muchos temas lentos, y que por ende no funcionaría. Los alemanes dijeron exactamente lo contrario. Y las actitudes cambiaron cuando tuvieron en disco en sus manos… he aprendido una cosa durante estos años: debes creer en tí mismo lo suficiente como para que no te importe lo que te diga el resto. Tenemos plena libertad para grabar exactamente lo que queramos. Le entregamos a la compañía una masterización terminada, y si no es lo suficientemente ‘buena’, no lo es nomás“.

Stratovarius

El éxito alcanzado fue realmente espectacular, durando ocho semanas en el Top 20 finlandés y llegando al número 12 del prestigioso Orikon Charts de Japón, donde se vendieron nada menos que 65.000 copias. El tour por Europa (donde acompañaron a Rage y a Gamma Ray, incluso junto a estos últimos Kotipelto cantó “Time To Break Free” del disco “Land Of The Free”) y Japón nuevamente resultó muy exitoso, y terminan por incluir algunos temas en directo en el segundo single, “Will the Sun Rise?“.

La banda (Tolkki especialmente) era totalmente trabajólica. Quizás en los años ’80 podía verse más corrientemente que una banda de Metal lanzara dos discos espectaculares en dos años consecutivos (los Keepers de Helloween, Iron Maiden hasta “Somewhere In Time”, Judas Priest con “Hell Bent For Leather” y “British Steel”, y un no muy largo etcétera). Pero lanzar dos discos clásicos en dos años consecutivos a fines de los ’90, cuando la presión del medio es tan grande, cuando los contratos con los sellos son tan estrictos, es toda una gracia. Además, era la primera vez en que Stratovarius repetía un line-up de un disco a otro, lo cual implicaba que el nuevo disco prometiera mucho. Pero antes de lanzar su sexto LP, la banda lanzaría dos singles (con la misma carátula): “The Kiss Of Judas” y “Black Diamond” (ambos contenían prácticamente lo mismo: los dos temas mencionados y versiones en vivo de temas antiguos, como “4th Reich”, “We Hold The Key” y “Uncertainty”).

Stratovarius

Finalmente, “Visions” era lanzado en Abril de 1997, logrando inmediatamente ubicarse en el quinto lugar en los charts de Finlandia, durando nada menos que 24 semanas en los Top 40 finlandeses. Este trabajo es sindicado por muchos (tanto por fans como por prensa especializada) como la “obra maestra” de Stratovarius, llegando a un nivel tan alto como quizás inimaginable años antes. Con un estupendo artwork (cortesía de Andreas Marschall), estrenando un nuevo logo que incluye la flor de lis típica del movimiento “scout” (la razón de su inclusión en el logo es tan simple como que “se ve bonito“, según Tolkki), y con temas que han entrado a la categoría de clásicos como el himno de Stratovarius, “Black Diamond” (consagrando el sonido del clavicordio como marca registrada), la genial “Paradise” (uno de los mejores temas midtempo de los últimos 10 años, sin dudas, que sigue la línea lírica del “Environment Metal” iniciada en “Dreamspace” con “We Are The Future”), las veloces “Forever Free” y “Legions” y la impactante “Visions” (donde se tratan las profecías apocalípticas del francés Michel Nostradamus, en su libro “Prophetiés”, de 1555), entre otros, este disco marca la cúspide de la carrera de la banda, vendiendo alrededor de 500.000 copias en todo el mundo, con la notable colaboración de Noise Records. Tolkki señalaba: “El secreto de nuestro éxito es que tenemos fans en muchas partes del mundo… existen diferencias pequeñas en ‘Visions’, la versión japonesa tiene a ‘Black Diamond’ como tema de apertura, la europea tiene a ‘The Kiss Of Judas’. Este disco fue hecho muy rápidamente pues la creación de los temas fue muy fluída“. Respecto al mismo disco, cuenta que “no lo considero como un disco claramente conceptual, pero tiene temas y atmósferas relativamente comunes“. Kotipelto, en tanto, estaba asombrado de la facilidad con la que nació “Visions”:

StratovariusFue sorprendentemente fácil. Básicamente ‘Episode’ fue más complicado porque cuando grabamos los demos, no sabíamos todavía quién tocaría en la banda. Ahora tenemos a dos grandes músicos como Jörg y Jens. Ahora hemos ido de gira juntos por gran parte del mundo y por lo mismo fue muy fácil grabar este álbum, ¡casi sorprendentemente fácil! Nuestras metas son cada vez más altas, y tratamos de hacer un mejor trabajo que en ‘Episode’, y creo que tuvimos éxito en ello“.

Como el éxito de la banda en Japón era tan grande, la compañía JVC lanzaría exclusivamente al mercado nipón un disco compilatorio, llamado “The Past And Now“. Pero la banda comenzaba a adquirir fama incluso en Sudamérica. Prueba de ello es que saldrían nuevamente de tour, en el marco del llamado “Visions World Tour ’97”, visitando los lugares de siempre (Europa, donde fueron teloneados por los holandeses de Elegy, y Japón), agregándose otras plazas como Corea del Sur y Sudamérica (Brasil y Argentina). Como era la primera vez en que realmente el tour de la banda era a nivel mundial (tocaron 50 veces, durante 5 meses, viajando alrededor de 150.000 kilómetros), se les propuso la idea de grabar su primer disco en vivo. Tolkki aceptó, pensando en que “ya hay muchos bootlegs, y ahora los fans podrán escuchar un disco en vivo con buen sonido“. Así, de las presentaciones efectuadas en Atenas (Grecia) y Milán (Italia) se extrajo el material que compone un disco doble, con cerca de 100 minutos de música, llamado “Visions Of Europe”, donde se demuestra que, realmente, Stratovarius era una banda “de verdad”. Más allá de los lucimientos personales (especialmente de Tolkki, Johansson y Michael), la banda demuestra en este trabajo que no son sólo un producto de estudio, sino que su rendimiento en vivo alcanza niveles verdaderamente altos. El disco, lanzado en Marzo de 1998, obtuvo una muy buena crítica y excelentes niveles de venta (nueve semanas en los top 10 de las listas finlandesas).

EL DESTINO INFINITO LOS TRAE A CHILE…

Tolkki y compañía no descansaban absolutamente nada. Luego del exitazo de “Visions” y de “Visions Of Europe”, la banda entraría al estudio a grabar un nuevo trabajo. Antes de ello, en todo caso, la banda alcanzaría su primer “Disco de Oro” (20.000 copias, por las ventas de “Visions”) en Finlandia, lo cual sería celebrado con un show muy especial en el Club Tavastia en Helsinki el 10 de Junio de 1998.

StratovariusEl nuevo single de la banda, “S.O.S.” (“Save Our Souls”) fue lanzado el 17 de Agosto de 1998, alcanzando el 3º lugar en los ranking finlandeses, y comenzaba a marcar una tendencia en cuanto a los singles de Stratovarius: midtempo, pegajosos, melódicos y bastante sencillos. En este single se incluyen además dos temas que formarían parte de la nueva placa (la muy rápida “No Turning Back” y la balada “Years Go By”), junto con una correcta versión de “Blackout” de Scorpions.

Destiny“, el séptimo disco en estudio de la banda, fue grabado en los estudios Finnvox, lanzado el 5 de Octubre de 1998 y marcó un precedente: debutó en los rankings finlandeses en el número 1, el día Jueves anterior a su lanzamiento oficial, durando tres semanas en dicha posición de privilegio. En este disco Tolkki explora facetas compositivas que lindan en lo íntimo, en lo personal, más que en temas como los tratados en “Visions”. Un disco mucho más introspectivo y lamentablemente con menos luces que su predecesor, a pesar de lo cual posee momentos de altísimo nivel, como en la homónima “Destiny(como anécdota, el intro de esta canción fue utilizado por el grupo de baile “Generación 2000”, del programa “Venga Conmigo”, en su presentación en el Festival de Viña del Mar … un momento realmente inolvidable y risible para quienes tuvimos la fortuna de presenciar ese acontecimiento en vivo y en directo, especialmente cuando el “a-aaaah” conectó con un tema de la “cantante” pop Britney Spears), la muy veloz “No Turning Back“, la balada “4.000 Rainy Nights” o la bombástica “Anthem Of The World” (que incluye atisbos de autocopia, a “Nighttime Eclipse” de “Episode”).

Stratovarius

Stratovarius saldría nuevamente de gira mundial. Y finalmente, la banda visitaría nuestro país donde, el 17 de Marzo de 1999, teloneados por Metrópolis, efectuarían un show en el Teatro Monumental, ante más de 3.000 personas. Cabe destacar que fue el primer show íntegramente de Power Metal en nuestro país (el año anterior nos había visitado Helloween, el 10 de Diciembre de 1998, en el marco de un Monsters Of Rock en que participaron Anthrax y Slayer, además de los nacionales de Panzer y Criminal), lo cual marcó el camino a que muchas bandas (Angra, HammerFall, Gamma Ray, etc.) comenzasen a incluir a Chile dentro de sus plazas “fijas”. Puntualmente, fue impactante para muchos ver a una banda como Stratovarius, tan geográficamente lejana, en nuestro país, y quienes tuvimos la fortuna de asistir nos vimos sumamente satisfechos con las casi dos horas de show brindadas por la banda finlandesa, que contó con un estupendo sonido y con una carga emotiva realmente importante. El tour se vio interrumpido por una infección que tuvo a Timo Kotipelto sin poder cantar durante aproximadamente un mes, pero continuó con el éxito acostumbrado.

Stratovarius1999 además sería un año de cosecha. “Destiny” alcanzaba “Disco de Oro”, y la banda era destinataria de muchos reconocimientos por parte de la prensa especializada, particularmente en las revistas “SFP” y “Soundi” de Finlandia: fueron reconocidos como la mejor banda finlandesa de Metal, el video de “S.O.S.” ganó el premio de “mejor video de 1998”, Timo Kotipelto como el mejor vocalista, “Destiny” el segundo mejor álbum, y un gran etcétera. La industria disquera finlandesa los reconoció con el premio “Emma” por ser una banda de exportación, que paseaba y hacía honor al nombre de Finlandia en el mundo.

El mismo año se lanza el segundo disco compilatorio de la banda (el primero a nivel mundial, recordemos que “The Past And Now” fue lanzado exclusivamente en Japón), titulado “The Chosen Ones“, que contiene temas de todos los discos, excepto de “Fright Night”, además de dos bonus japoneses, “Dream With Me” (de “Destiny”) y “Full Moon” (de “Dreamspace”). Pero la “fatiga de material” comenzaba a manifestarse. El desgaste de aproximadamente 5 años realmente sin parar estaba empezando a pasar la cuenta, por lo que comenzaron los rumores de que la banda se tomaría un receso. Obviamente esto asustó a muchos fans, que pensaron (no sin razones) en la disolución del grupo. Sin embargo, ello no melló en el profesionalismo de la banda, que comenzaba a trabajar en un nuevo trabajo en estudio.

El lanzamiento de su octava placa en estudio, que causó gran expectación, se agendó para el 28 de Febrero del año 2000. Antes de ello, como ya resulta ser una costumbre en Stratovarius, la banda lanzó un single, llamado “Hunting High And Low“, que incluye el tema homónimo (junto a su versión demo), más “Millennium” (que iría en el disco) y su versión demo, “Neon Light Child” (que sólo iría en el single). Si bien el tema es algo predecible (es un single de Stratovarius), es sumamente ganchero, perfecto para ser un single.

StratovariusY, como dijimos, a fines de Febrero del año 2000, se lanzaba bajo el alero de Nuclear Blast “Infinite“, disco que, a pesar de carecer de cierta novedad “estructural” (es un disco bastante predecible), inserta elementos nuevos en la banda, como orquestaciones (en los temas “Mother Gaia” e “Infinity”). Jörg Michael comentaba: “creo que no debemos cambiar tanto nuestro sonido, a nuestros fans no les gustaría…“. En este disco destacan cortes como el single “Hunting High And Low“, la intensa “Phoenix“, la muy optimista “Freedom” y la emotiva “Mother Gaia“, entre otros. Para destacar el bellísimo cover-art, hecho nada menos que por el connotado Derek Riggs, quien ha adquirido fama por diseñar la mayoría de las carátulas de Iron Maiden.

La banda saldría de tour, en lo que se denominaría como “Infinite Tour”. Pero Tolkki tenía un importante anuncio que hacer: la banda no se disolvería, sino que se tomaría un receso. El 24 de Abril del 2000, en el sitio oficial de Stratovarius, Tolkki señalaba: “He escuchado, como todos, muchos rumores de que este sería el último tour de Stratovarius y que no haremos más álbumes. No se ha tomado ninguna decision parecida a esta, por lo que los rumores son absolutamente falsos. Nos vamos a tomar un ‘break’ después de este tour, y cuánto durará, nadie lo sabe. Pero yo creo que al menos dos años. Es tiempo de sentarse, descansar y pensar en otras cosas además de Stratovarius, al menos para mí“. Luego de ese fuerte anuncio, el tour de la banda continuó con normalidad hasta el 4 de Agosto, día en el cual se presentaban en el festival Wacken Open Air, en Alemania. La banda estaba tocando “S.O.S.”, el cuarto tema de su tracklist, cuando Timo Kotipelto se acerca a tomar una botella de agua cerca de la batería de Jörg Michael. En ese preciso momento, gracias a un infortunio realmente lamentable, un fuego artificial explotó, a consecuencia de lo cual la mano izquierda de Kotipelto resultó seriamente quemada. Lo increíble es que Kotipelto, un profesional realmente admirable, continuó cantando y terminó el show, con su mano enfundada en una toalla. Tras ello, los médicos señalaron que se trataba de una quemadura de segundo grado, por lo que debió someterse a una cirugía plástica luego de recuperarse. Ello acarreó la suspensión de su tour latinoamericano, el cual se desarrollaría un par de meses después de lo agendado con anterioridad.

StratovariusLuego del accidente de Kotipelto, llegaría la hora de la segunda presentación de la banda en Chile. El Domingo 22 de Octubre del año 2000, en el Estadio Chile, Stratovarius (luego de la infortunada actuación de los teloneros, Misty Eyes, una banda bastante correcta pero no muy ad hoc para el evento) se enfrentaría por segunda vez al público nacional, cosechando un gran éxito, mezclando material nuevo con clásicos como “Father Time”, “Paradise” o “Black Diamond”, entre otras.

Pero la banda guardaba una sorpresa: el día del concierto se anunció que Stratovarius tocaría dos días después, el Martes 24, en el pub-discotheque Zoom, en el Barrio Bellavista, a un precio baratísimo para tratarse de un concierto de Metal. El día del concierto se supo que en lugar de la Zoom el concierto se realizaría en el pub-discotheque Laberinto, recinto que se vio absolutamente copado por los fanáticos del quinteto. Lo más increíble fue que el tracklist tocado fue 100% distinto al que habían tocado en el Estadio Chile, ejecutando sólo material más bien “antiguo”, sorprendiéndonos con temas como “Visions” (tema que, según señaló el propio Kotipelto en el show, no lo tocaban desde la gira promocional del álbum homónimo), “Distant Skies”, “Hold On To Your Dream”, “Legions” o la aclamadísima “Will The Sun Rise?”, tema con el que cerraron su memorable segunda presentación. Otro aspecto destacable es que Kotipelto cantó con una infección en la garganta -lo cual aclaró al principio del recital, pidiendo casi “disculpas” si no cantaba muy bien-, que impidió a la banda realizar el show que tenía agendado para el día siguiente en la localidad de Caixas do Sul, en Brasil. A pesar de ello, Kotipelto cantó de forma estupenda y sus problemas en la laringe pasaron a ser casi una anécdota. La extensísima y exitosa gira culminaría a fines del año 2000, con un gran éxito (tocaron ante más de 300.000 personas en todo el mundo), y además “Infinite” lograba el tercer “Disco de Oro” consecutivo de la banda en su tierra natal, lo cual fue celebrado en el Tavastia Club de Helsinki el 26 de Noviembre. Una semana antes (el 20 de Noviembre), era lanzado el primer video/DVD de la banda, titulado “Infinite Visions“, donde se resumen los más de 15 años de carrera de la banda.

RECESO Y PROYECTOS SOLISTAS

El año 2001 marca el inicio del receso de la banda. Antes de ello, en virtud del cumplimiento de ciertos compromisos comerciales, la banda lanzaría a la venta un compilado de bonus tracks, covers y versiones en vivo, junto a cuatro temas nuevos, llamado “Intermission“. Este trabajo es bastante prescindible y sin dudas la banda lo lanzó sin realmente proponérselo, pues a Nuclear Blast no le hizo mucha gracia la idea del “retiro espiritual” de Stratovarius, según cuenta Kotipelto: “la idea de lanzarlo vino de nuestro sello, puesto que hace sólo un año y medio firmamos con Nuclear Black y casi inmediatamente después de lanzar ‘Infinite’, nuestro primer disco con ellos, les dijimos ‘¡OK, ahora podemos tomarnos un break!’, y ellos no se pusieron muy felices con ello. Se preguntaban si los fans olvidarían a la banda porque planeábamos tomarnos un break por tres años. Nos preguntaron si sería posible lanzar una especie de ‘regalo’ para los fans, para mostrarle a la gente que no nos estábamos separando, que sólo nos estábamos tomando un receso. Acordamos en hacer eso si realmente era algo especial“. La carátula, donde se hacen referencias gráficas a otros trabajos de la banda (el signo de infinito de, valga la redundancia, “Infinite”, el stonehenge de “Episode”, entre otras), nuevamente corrió por cuenta de Derek Riggs. Para destacar las fotos del álbum, con la banda vestida a lo “Machos” (excepto Kotipelto, quien usa un traje a lo Bombo Fica o Marcelo Ríos cuando se casó).

StratovariusY luego de participar en algunos eventos (festivales), el receso comenzó. Los músicos se dedicaron a hacer otras cosas (Jörg Michael fue padre de su hija Lia), y particularmente Tolkki y Kotipelto hallaron el tiempo y la inspiración suficientes como para grabar sendos discos solistas.

Kotipelto trabajaría con músicos de la talla de Janne Wirman (Children Of Bodom, Warmen), Gas (Him), Mikko Harkin (en aquellos entonces en Sonata Arctica), Roland Grapow (aun en Helloween, hoy en Masterplan), Michael Romeo (Symphony X) y Arjen Lucassen (Ayreon, proyecto en el cual Kotipelto grabaría las voces de un tema llamado “Out Of The White Hole”), entre otros, y lanzaría a principios del año 2002 su primer disco solista, “Waiting For The Dawn” (cuya carátula, muy en la onda egipcia -obsesión de Kotipelto-, nuevamente fue obra de Derek Riggs), un disco que si bien carece del brillo de los mejores discos de Stratovarius, es un material bastante interesante. Kotipelto demuestra ser un respetable compositor y un vocalista que no sólo se desenvuelve con presteza en el material de Stratovarius, sino también en otro tipo de temas.

StratovariusTolkki, por su parte, grabaría un material “muy personal“, y muy, pero muy alejado a lo que venía haciendo con Stratovarius. “Hymn To Life” se titularía el disco, con 0% de Metal, cuya carátula muestra un oasis, un río, pajaritos y un cielo muy celeste (¡!). Los dos aspectos más destacables de este disco son la participación como invitados de Michael Kiske (cómo nos gustaría a muchos que le gustara el Metal…) y la maravillosa Sharon Den Adel (cantante de Within Temptation), y la suerte de que nada de este material ingresara a la historia como perteneciente a Stratovarius. Además, Tolkki participaría en el proyecto solista de Tobias Sammet (Edguy), “Avantasia”.

LA VUELTA DE STRATOVARIUS

El receso propiamente tal de la banda no duraría más que un año. Ya a mediados del año 2002 comenzaron los trabajos de lo que sería su nueva placa, la primera en tres años. Todo esto, además de las palabras de los mismos miembros de la banda, en el sentido de que señalaban que su nuevo disco mostraría a un Stratovarius “recargado”, trajo como consecuencia mucha expectativa por parte de los fans y sobre todo de la prensa especializada, la cual estuvo muy atenta al proceso de grabación, mezcla y masterización del nuevo disco.

Incluso en el sitio oficial de la banda se incluyó una sección, una especie de “bitácora” en la que se registraban detalles de la grabación del disco. Stratovarius tenía la idea de grabar dos discos que siguiesen la misma temática, inspirándose en los elementos de la naturaleza. Así, nacería “Elements“, una especie de “saga” que comenzaría el presente año 2003. Stratovarius estaba vivito y rockeando.

StratovariusEl proceso de grabación y masterización duraría bastante menos de lo que uno pudiera esperarse (alrededor de 4 meses), y se anunció finalmente que la primera parte del trabajo, “Elements, Part 1“, sería lanzada el 27 de Enero del 2003. Antes de ello, a fines del 2002 (poco después de que Jari Kainulainen sufriera un accidente en bicicleta, afortunadamente andaba con casco), se lanzaba el single, “Eagleheart“, que duraría 8 semanas en los Top 10 finlandeses, y que mostraba a una banda quizás no tan “renovada” como pudiera esperarse (el tema es muy entretenido y ganchero, aunque bastante típico), pero que demostraba que el receso había servido para reactivarse como “equipo”.

Finalmente, tal como fue anunciado, “Elements, Part 1” fue lanzado el 27 de Enero del presente año, en medio de una fuerte polémica generada por la filtración del disco varias semanas antes de su lanzamiento oficial. Más allá de ello, el disco generó las más diversas reacciones: por una parte, los acérrimos fans disfrutan que la banda continúe con la senda que ha llevado al éxito; por otra, quienes señalan que el receso “no sirvió para nada” y que Stratovarius sigue haciendo “lo mismo de siempre”. Razones existen para justificar ambas posiciones. Lo cierto es que Stratovarius experimenta con más orquestaciones que en “Episode” (en temas como “Fantasia“, “Papillon” y “Soul Of a Vagabond“), incluye temas rápidos como las poderosísimas “Learning To Fly” y especialmente “Find Your Own Voice“, juega con el tiempo (“Elements” y sus doce minutos), vuelve a las instrumentales (“Stratofortress“), y termina con una balada (“A Drop In The Ocean“). Un disco con muchos matices e incluso altibajos, pero que ratifica que el receso sin dudas sirvió para que la banda no cayese en un pozo sin retorno. “Elements, Part 1” alcanzaría el segundo lugar en los Top 40 finlandeses. Tolkki se declaró “muy contento con el sonido del disco, trabajamos duro para lograr expandirlo al máximo. Presté atención a cada pequeño detalle, y estoy muy orgulloso especialmente del sonido de la batería, suena muy heavy y clara“. La carátula, nuevamente, cortesía de Derek Riggs.

StratovariusInmediatamente después de ello, en Febrero, Tolkki entró al estudio para preparar todo lo concerniente a “Elements, Part 2“, disco que será lanzado, en principio, en Octubre de este año. Tolkki ha señalado que después de este disco, la banda no saldrá de gira. Algunos de los títulos de los temas serían: “Alpha & Omega”, “I Walk To My Own Song”, “Awaken The Giant”, “Liberty”, “Season Of Faith’s Perfection”, “I’m Still Alive” y “Dreamweaver”.

El tour más grande de la historia de Stratovarius comenzó en el mes de Marzo, particularmente el día 19 en Oulu, Finlandia. En la parte europea del tour han sido acompañados por sus emergentes compatriotas de Thunderstone y por los estadounidenses de Symphony X. En Junio la banda pretendía tocar en China y Taiwán (lugares inimaginables hace años), pero estos recitales fueron cancelados a causa de la pandemia generada por la llamada “neumonía asiática” (S.A.R.), debido a una recomendación del Ministerio de Relaciones Exteriores de Finlandia. Kotipelto sufrió una lesión en su rodilla practicando deportes, pero ello no impidió que la parte japonesa del tour se desarrollase con normalidad.

Y, como lo sabemos, en el marco de este tour que cubrirá prácticamente todo el mundo, Stratovarius visitará nuestro país el Domingo 17 de Agosto, a las 18.00 horas, en el Gimnasio Olímpico de San Miguel, recinto que debutará en las lides rockeras y que devolverá a una zona metalera por excelencia la posibilidad de acunar un show de calidad mundial. Será sin dudas una gran oportunidad para ver el retorno de una de las bandas más importantes de los últimos diez años en la escena Power Metalera mundial, que esperamos que cuente con un marco de público digno de la ocasión.

Tolkki y sus muchachos están de vuelta. Y eso, sin dudas, es motivo de una gran alegría. Muchos temimos que el receso se “comiese” a esta tremenda banda, que nos ha regalado discos antológicos, y que, a pesar de las críticas, ha creado un estilo y ha dado vida a la hoy llamada “escena finlandesa”. ¿Cuántos grupos pueden decirlo? Afortunadamente, tenemos no sólo la chance de verlos en nuestro país, sino además de seguir disfrutando durante años de su música, que siempre respeta la melodía, y que esperamos se mantenga en alto, como diría Mägo de Oz, “hasta que el cuerpo aguante”.

Gamma Ray

La historia de Gamma Ray es, sin duda (junto a Helloween, por razones obvias), la historia básica del Power Metal. Y es obvio, puesto que el nacimiento de este estilo musical que no sólo justifica la existencia de medios como el nuestro sino que además proporciona una cantidad de glóbulos rojos extra a nuestro organismo se debe, principalmente, a una persona. Un tipo genial, de esos que imaginan y revolucionan, de esos que aparecen de cuando en cuando y que por su creatividad y talento pasan a la historia en cualquier ámbito de la vida. Un van Gogh, un Einstein, un Maradona, un Marcelo Ríos. La historia de Gamma Ray es la historia de Kai Hansen. Por ende, la historia de la banda propiamente tal (nacida a fines de los ’80) tiene una introducción necesaria que se remonta hacia fines de los años 70.

Gamma Ray

Todo parte en Alemania (particularmente la ciudad de Hamburgo) a finales de los años ’70 (específicamente en 1978), donde un par de quinceañeros formaron una banda llamada Gentry, que contaría con amigos como músicos invitados. Uno de esos colegiales era Piet Sielck, actualmente líder de Iron Savior (vocalista y guitarrista) e ingeniero de sonido de bandas como Grave Digger o Blind Guardian, entre otras. Y el otro “pingüino” es el gran motivo del nacimiento de la música que profesamos: un joven de cabello claro y ojos café, nacido el 17 de Enero de 1963, llamado Kai Michael Hansen. Este jovencillo comenzó a interesarse por la música aproximadamente a los diez años de edad, cuando intentaba tocar batería con unas cajas vacías. Como la idea de tener un constante sonido de cajas en la casa obviamente no agradaba en demasía a los padres de Kai, a los doce años, sin quererlo, la familia Hansen iniciaba los “cursos causales” para el nacimiento del Power Metal: Kaicito recibía una guitarra clásica de regalo, tras lo cual comenzó a tomar lecciones para aprender a ejecutar el instrumento, y un par de años más tarde formaría su primera banda, llamada Katherine Wheel, para lo cual adquirió su primera guitarra eléctrica: una sencilla Ibanez Les Paul blanca. Después de tocar aproximadamente un año con Katherine Wheel, llega 1978, año al que hacíamos referencia, produciéndose el segundo hecho fundamental para el nacimiento del Power Metal: Kai Hansen conoce a Piet Sielck.

Piet y Kai eran fans de bandas como Uriah Heep, Sex Pistols, Slade, Black Sabbath, UFO, AC/DC y Deep Purple, entre otras. El repertorio de Gentry, por lo tanto, se basaba en covers de las bandas mencionadas, además de un par temas propios. Kai compatibilizaba su emergente labor como músico con la de repartidor de diarios, con lo cual ganó algo de dinero, lo suficiente como para evolucionar desde su Ibanez Les Paul a una Fender Stratocaster, y para comprarse un amplificador Marshall. Y al parecer (como se vería a la larga) estos bisoños rockeros deseaban trascender en algo más que una banda de covers, por lo que intentaron profesionalizarse y prescindieron de los servicios de su primer baterista, llegando a estar alrededor de seis meses sin quien dominara las baquetas. Tras ello apareció un jovencito inexperto que quería tocar con ellos, y que en realidad no poseía demasiados conocimientos técnicos, pero su entusiasmo y su facilidad para aprender le permitirían llegar a formar parte de Gentry: tal muchacho era nada menos que Ingo Schwichtenberg, quien en a la larga terminaría sus días, como veremos, en forma más que trágica en Marzo de 1995. Y como a Piet y a Kai les resultaba algo incómodo intercambiarse el bajo y la guitarra tocata por medio, decidieron buscar un bajista, enrolando a un “chico” de aproximadamente 196 centímetros de altura y con cabello rizado: don Markus Grosskopf. Así se compone, por tanto, la primera formación “oficial” de Gentry. A fines de 1978, la banda incluso llega a ganar un premio en un festival.

GENTRY CAMBIA DE NOMBRE

Dos años más tarde la banda se percata que su nombre no era demasiado “ganchero”, decidiendo cambiarlo por el de Second Hell (nombre bajo el cual escribieron “Murderer” y algunas partes de lo que posteriormente se transformaría en “Heading For Tomorrow”) y posteriormente por el de lron Fist, ya en 1982, con el que gestaron temas como “Metal Invaders”, “Gorgar”, “Metal Invaders”, “Victim Of Fate” y “Priest Of Satan” (que a la postre se transformaría en “Save Us”). A fines del mismo año se produce el primer gran “quiebre”: Piet decide dejar la banda en busca de otros horizontes y Kai se va a hacer el servicio militar, después de aprobar sus exámenes en el Goethe Gymnasium de Hamburgo. Y es, curiosamente, es en una noche de franco, en medio de una fiesta, donde Kai Hansen conoce a su, en esos momentos, “media naranja musical”, un joven guitarrista que tocaba en una banda de medio tiempo llamada Powerfool: Michael Weikath. Weiki intenta persuadir a Kai para unirse a Powerfool, pero la persuasión de Kai fue más fuerte y finalmente Weikath termina uniéndose a Markus y a Ingo. Después de un corto tiempo, Iron Fist pasaría a llamarse Helloween, con Kai en las voces y guitarras.

Gamma RayEn 1984, el cuarteto lleva a la compañía Noise Records un demo, que contenía los temas “Metal Invaders” (de Kai) y “Oernst Of Life” (de Weikath, que hace poco fue re-lanzado en un compilado llamado “12 Years In Noise”), que a la larga aparecerían en un compilado llamado “Death Metal” (junto a Hellhammer, Dark Avenger y nada menos que Running Wild). La banda logra fichar con la prestigiosa compañía y al año siguiente se encontraba ya lanzando su primer trabajo oficial: un EP con cinco fantásticos temas (“Starlight” -con su notable comienzo, que hace imaginar a un rockero despertando con una tremenda “caña”, y para pasarla, nada mejor que abrir una buena cerveza …-, “Murderer”, “Warrior”, “Victim Of Fate” y “Cry For Freedom”) titulado simplemente “Helloween“.

El año siguiente sería importantísimo: la banda lanzaría su primer LP. Con una introducción que ha pasado a convertirse en una especie de “grito de guerra” (aunque no es grito ni es de guerra) de la banda (“el puente se va a caer, a caer, a caer” transformado en “happy happy Helloween, o-o-ooh“), comienza una de las piedras angulares de nuestra música, nada menos que “Walls Of Jericho“, disco indispensable en la colección de un metalero que se precie de tal. A pesar de que en aquellos entonces Kai Hansen poseía una voz que dejaba bastante que desear, el disco cuenta con joyas del más alto nivel como, por nombrar algunas, la intensa “Ride The Sky“, el himno “Heavy Metal (Is the Law)” o la emotiva “How Many Tears“. Helloween inventaba un estilo: agregaba melodía al speed metal (casi cercano al thrash por momentos), creando los cimientos de algo que en aquellos tiempos intentó definirse como un “powerful speed melodic htai leyeeavy metal”, lo que comenzó a ser reconocido por los medios especializados europeos como Power Metal, un par de años antes de que en Estados Unidos el grupo Pantera lanzase un disco titulado homónimamente. Pero más allá de esta discusión doctrinaria, la importancia histórico-musical que tiene este disco eventualmente sólo puede ser superada, a ese respecto, por los dos posteriores.

Continuando con la historia, unos meses después, tras el lanzamiento del segundo EP de la banda, “Judas“, comienza a producirse una situación muy particular. Kai Hansen comenzaba a sufrir el stress de cantar y tocar guitarra (¡y en una banda como Helloween! No es tan sencillo como hacer dos acordes en una banda punk). Ante ello, Kai propone a la banda comenzar la búsqueda de un vocalista que se ajustase a los propósitos de la misma, y los ojos se pusieron en un “pendejo” de dieciocho años poseedor de un registro vocal que hasta el día de hoy lo convierte en uno de los más grandes vocalistas de la historia del Metal en general, que cantaba en una banda rockera llamada Ill Prophecy, junto a sus amigos Karsten Nagel (batería), Uli Schulz (guitarra), Reiko Ebel (guitarra) y Patrick Hampe (bajo): Michael Kiske. En un principio, Kiske desecha la oferta de Kai Hansen de unirse a Helloween, por considerar que el estilo de la banda era demasiado rápido y que le costaría adaptar su voz, por lo que la banda apuntaría a contratar a otro vocalista -que cantaba en Tyran’ Pace-, del que hablaremos en detalle posteriormente: Ralf Scheepers. Ralf desecha la oferta (a pesar de que acompañó a la banda en un show), por lo que volvieron a la carga por Kiske, consiguiendo ficharlo a principios de 1987 tras la insistencia de Michael Weikath. En estos tiempos, Kai Hansen estudiaba Derecho en Hamburgo, pero comenzó a percatarse que su proyecto musical estaba yendo demasiado viento en popa, razón por la cual comenzó a no dar pruebas ni mucho menos asistir a clases, por lo que decidió sumergirse completamente en las templadas aguas del Metal, dejando los estudios del positivismo jurídico de Hans Kelsen y los textos legales absolutamente de lado. Comenzaría lo que a la larga sería, para muchos, la etapa más gloriosa de Helloween.

LOS GUARDIANES DE LAS SIETE LLAVES

La banda pretendía, ya en 1987, lanzar con su nuevo vocalista un disco doble. pero Noise Records se negó, por lo que a la larga la banda lanzaría, en dos años consecutivos, dos de los más grandes trabajos de Heavy Metal de la historia. En 1987 Helloween lanza “Keeper Of The Seven Keys, Part I”, disco que con apenas cuarenta minutos de duración ha pasado a la historia. Si bien en “Walls Of Jericho” la banda había tenido un fenomenal debut, “Keeper I” marca el verdadero nacimiento del Power Metal, con la mezcla de elementos como las armonías de las guitarras de Judas Priest y Maiden, voces extremadamente melódicas, baterías con dobles bombos desenfrenados, mucha garra y hasta elementos de música clásica. Resulta inoficioso y hasta un poco hereje destacar temas de este trabajo, pero a grandes rasgos, cortes como las energéticas y poderosas “I’m Alive“, “Twilight Of The Gods“, la casi irónica felicidad extrema de un clásico de clásicos como “Future World” y la impresionante maestría épica de “Halloween” (con uno de los mejores -sino el mejor- dueto de guitarras de la historia), todos temas de autoría de Kai Hansen, pueden considerarse como lo más destacado dentro de un disco genial. El disco vendería 150.000 copias… ¡sólo en Inglaterra! Es decir, estamos ante un disco de proporciones históricas, que impulsaría a Helloween a la elite del Metal mundial, hecho que se vio recalcado con la aclamación de la crítica y de los mismos fans, puesto que además de tocar en muchos lugares de Europa, fueron invitados a Estados Unidos al MTV’s Headbanger’s Ball Tour, abriendo un show en el que además tocaron Armored Saint y Grim Reaper.

Pero no contentos con esto, luego de la exitosa gira de “Keeper I”, las calabazas lanzarían uno de los más grandes discos de la historia del metal. La segunda parte de la saga, “Keeper Of The Seven Keys, Part II” es sin duda el trabajo que terminó de catapultar al quinteto germano al olimpo. Se ha sindicado a este trabajo como el que terminó de crear el estilo como el Power Metal, al que ya hemos hecho referencia en reiteradas oportunidades en esta historia. Nuevamente caemos en la herejía de mencionar algunos temas (sabemos que es extremadamente injusto con los temas no nombrados, todos de una calidad excepcional): la indescriptible “Eagle Fly Free” (el más grande himno Power Metal de la historia), las gancherísimas “Dr. Stein“, “I Want Out” y “Rise And Fall” (las letras son un prototipo del humor alemán) y “Halloween II”, “Keeper Of The Seven Keys“, que cierra de manera perfecta un disco insuperable, que ha traspasado generaciones. Gracias a este trabajo, la banda consigue no sólo ratificar sino que incrementar de forma notoria el éxito alcanzado con “Keeper I”, siendo incluso invitados a tocar en el mítico Festival de Donington, Gran Bretaña, junto a bandas como Iron Maiden, Megadeth, Skid Row y Kiss, entre otras. Durante el tour “Pumpkins Fly Free” (que los lleva a Estados Unidos, Europa y Japón), la banda graba en Escocia uno de los más notables álbumes en vivo de la historia (es cierto, hemos repetido muchas veces la palabra “historia”, pero el caso sin dudas lo amerita), el cual sería editado en 1989 con tres nombres distintos: “Live In The U.K.” en Europa, “Keepers Live” en Japón y “I Want Out Live” en Estados Unidos (este último viene con sólo seis temas, no se incluye “Rise And Fall”).

LA PARTIDA DE KAI Y SU NUEVO PROYECTO

Pero a pesar de lo anterior, comienzan a notarse ciertos quiebres. Y este es el punto donde nuestra historia cambia de rumbo, donde el camino se bifurca. Kai Hansen sólo compuso tres temas de este maravilloso trabajo (“Save Us” -que, recordemos, viene de los tiempos de Iron Fist-, “March Of Time” y “I Want Out”), en comparación a que “Keeper I” fue prácticamente compuesto por él en su totalidad. Si bien los tres temas son increíbles, es más bien “poco” para lo que Kai nos estaba acostumbrando. Ello era un revelador síntoma de las tensiones que comenzaron a vivirse en la banda, tanto por factores netamente relativos a relaciones interpersonales (lo que ha sido una constante en la historia de Helloween, quizás Hansen haya intuído eso), como por problemas con el management de la banda. Ello traería como consecuencia un creciente stress de Hansen, el que desembocaría en una “fatiga por las largas giras”. El último show de Kai en Helloween sería en Birmingham, Inglaterra, el 8 de Noviembre de 1988.

A principios de 1989, Kai Michael Hansen anuncia su desvinculación de Helloween, en el momento más glorioso de la banda, lo cual causó una tremenda conmoción en el medio. Según Hansen, venía analizando la posibilidad de dejar la banda desde Julio de 1998 y que no lo había hecho, en gran parte, por pedido de sus compañeros, pero que debido al desgaste que todo lo anterior le estaba provocando, consideró que era el momento exacto para abandonar la banda. En aquellos tiempos se señaló que la separación se había producido en términos amistosos, tanto así que el mismo Hansen ayudó a buscar a su reemplazante, el que resultaría ser el mecánico de autos y guitarrista de Rampage hasta 1982 Roland Grapow (que sería reemplazado en esta banda por Henjo Oliver Richter, personaje que veremos con posterioridad), viejo amigo de la banda que se enteró de la vacante en un aviso de una revista. Algunos meses después de la partida de Kai, se lanza el disco en vivo al que hacíamos referencia, conocido mayoritariamente en Sudamérica como “Live In The U.K.“.

Gamma RayDespués del shock que produjo en la escena su partida de Helloween, lo primero que hizo Hansen fue tomarse un buen descanso durante algunos meses. Pero pronto estaba de vuelta, anunciando a los medios especializados (que estaban absolutamente expectantes) que comenzaría a trabajar en un proyecto junto a su amigo Ralf Scheepers, ex vocalista de Tyran’ Pace (estupenda banda e mediados de los ’80, cultora de un metal muy sencillo, como se ve principalmente en sus discos “Long Live Metal” y “Watching You”), que -recordemos- fue la primera sugerencia de Kai para reemplazarlo como vocalista a mediados de los ’80.

Ralf, un vocalista con un registro privilegiado (es de los que menos le cuesta llegar a tonos altísimos) nació el 5 de Febrero de 1965 en Berkheim, Alemania, y comenzó su carrera como cantante a los dieciséis años, cuando además tocaba guitarra en la banda Voltage. Luego de ello cantó en Beast Of Pray y Heavy Magnun, conjuntamente con desarrollar sus estudios de electricista, tras lo cual formaría su primera “gran” banda, Tyran’ Pace, que incluso llegaría a telonear en un par de ocasiones a Uriah Heep y a Golden Earring, y que debió disolverse a causa de un pésimo manejo económico.

NACE GAMMA RAY, RUMBO AL MAÑANA

Kai no tenía, en principio, muy claro qué deseaba hacer con su carrera. En aquellos tiempos, señala Hansen, “pasaba mi tiempo en casa escribiendo canciones tal y como me gustaban. Encontré mucha energía positiva, y comencé a decirme a mí mismo ‘veamos qué es lo que viene, y veremos qué es lo que pasa'”.

Gamma RayMientras Kai componía temas para su nuevo proyecto, compuso un tema para el álbum debut de una cantante rockera llamada Joal, donde incluso tocó un solo, y además hacía algunas cosas con una banda que más tarde se convertiría en una de las top de la escena Power metalera mundial: Blind Guardian. Los bardos le ofrecieron a Kai un trabajo como músico invitado para su segundo disco, “Follow The Blind”, donde Kai terminó haciendo varias partes de guitarra e incluso de voz (en la notable “Valhalla”). Luego de ello, a Kai y a Ralf se les unieron dos músicos de estudio: el bajista Uwe Wessel, que comenzó su carrera a los 15 años con la banda Bullfrog, y al terminar la existencia de la misma se dedicó a hacer trabajos de estudio, y a formar la banda Traventhal (un nombre bastante poco creativo pues así se llamaba la villa donde vivían) junto a su amigo baterista Mathias Burchardt; y el mismo Burchardt, que tendría un muy fugaz paso por la banda, pues posteriormente la dejaría para priorizar sus estudios.

Respecto a cómo conoció Hansen a este par de músicos, señala: “fue realmente pura casualidad. Me encontré con un viejo amigo llamado Jens, con el que estuvimos en el ejército, en el aeropuerto de Hamburgo. Él tocaba bajo y le conté acerca de mis planes, así que se interesó en audicionar, por lo que nos juntamos una tarde a tocar. Sin embargo, Jens tenía un carácter totalmente distinto al mío y le gustaba mucho la onda progresiva y el jazz … así que desafortunadamente el asunto no funcionó con Jens, pero conocí a Mathias”. Burchardt se mostró interesado en el puesto y, como al parecer las cosas en Traventhal no andaban de lo mejor, le sugirió a Kai traer al bajista de la banda al proyecto.

Las grabaciones de lo que sería el primer disco del proyecto solista de Hansen se desarrollaron en los estudios Horus de la ciudad de Hannover (lugar en el cual, el 26 de Enero de 1989 se le hizo entrega a Helloween de un “Disco de Oro” por las ventas de los “Keepers”) entre Septiembre de 1989 y Enero de 1990, sería co-producido por Tommy Newton y el ingeniero de sonido sería nada menos que Piet Sielck, el antiguo amigo de Kai. El mismo Hansen deseaba, en principio, producir el disco, pero se dio cuenta que era demasiado trabajo y ello importunaba su labor como músico. De verdad quería producir un sonido como el de los ’70, como Rainbow o Deep Purple, pero tuve que darme cuenta que no estaba funcionando. Estaba cada vez más confundido, y al final ni siquiera distinguía si los temas estaban bien o mal. Así que Tommy comenzó a ayudarme y sin duda él tiene el mejor oído para muchas cosas …“, señalaba Kai.

Pero había un pequeño problema: el nombre de la banda. Después de una noche de lluvia infernal, Kai y el resto de los músicos terminaron en un pub-discotheque donde escucharon la canción “Gamma Ray” de una banda germana setentera de música disco llamada Birth Control. Después de que las únicas sugerencias de nombres para la banda habían sido “Toilet Lid”, “Jägermeister” o “Death Devil”, decidieron bautizar al proyecto/banda como Gamma Ray.

Gamma RayGamma Ray

El disco se llamaría “Heading For Tomorrow“, y fue lanzado el 19 de Febrero de 1990, con la aparición del mismo Piet Sielck como músico invitado, además de un bajista/guitarrista del que ya hablaremos: Dirk Schlächter (cuyo apellido significa nada menos que “carnicero” … sencillamente notable), a quien conoce Kai a mediados de 1989 mientras desarrollaban un curso de tres semanas denominado “Curso de Estudio para la Música Popular” en el Music High School de Hamburgo. El disco marcó un sólido debut, muy demostrativo de la características distintivas de la música de Hansen: mucha melodía, gran prioridad a la guitarra, cierta dosis de humor y letras positivas in extremis. De este trabajo destacan cortes como la muy power “Lust For Life“, la felicísima “Heaven Can Wait“, la irónica “Money” (donde toca Schlächter) y, sobre todo, la magistral “Heading For Tomorrow“.

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Además, el disco incluye un cover de una de las bandas predilectas de Kai, Uriah Heep: “Look At Yourself”. El disco tuvo una excelente recepción por parte de la prensa especializada germana, obteniendo un 7/7 en Metal Hammer y un 10/10 en la Rock Hard Magazine. Además, la banda graba un video para el tema “Space Eater”, con un chico llamado Tammo Vollmers (alumno de batería de Mathias Burchardt) en los tarros. “Heading For Tomorrow” fue particularmente aclamado en Japón, donde incluso la banda, debido a su notable éxito, grabaría posteriormente (con su siguiente formación) su primer video en directo: “Heading For The East“, en el que se muestra completamente el show efectuado el 8 de Noviembre de 1990 en el Salón Kokaido Shibuya, en Tokio, y que saldría a la venta a principios de 1991. A pesar de que el video obtuvo muy buenas críticas, los músicos se sintieron particularmente incómodos con la presencia de 5 cámaras en escena. Ralf Scheepers cuenta una anécdota al respecto: “sin dudas fue el peor show del tour… y de repente se me bajó el cierre del pantalón … ¡qué parece cuando me ves en la televisión cantando ‘The Silence’ con el cierre abajo!

A mediados el año ’90 se producen los primeros cambios en el proyecto/banda. Mathias Burchardt decide dejar la banda, como señalamos, para priorizar sus estudios, siendo reemplazado por un baterista que hoy por hoy destaca por su dilatada trayectoria: Ulrich “Uli” Kusch, quien vivió durante muchos años en Bélgica y que antes de Gamma Ray tocó en una estupenda banda thrash de los ’80 llamada Holy Moses (donde cantaba una buenamoza señorita llamada Sabina Classen, cuya voz no tiene nada que envidiar a Tom Araya o a Mille Petrozza), aún vigente, para posteriormente pasar nada menos que por Helloween y continuar hoy su carrera en Masterplan.

Gamma RayY además se incorpora como miembro estable Dirk Schlächter, bajista/guitarrista nacido el 15 de Febrero de 1966 en la localidad germana de Bad Nauheim, Alemania. Antes de Gamma Ray, Dirk tocó en bandas como Blue Live, Sould Out, Louis Glover Houseband y Drivin’ Force, que se enmarcaban más bien en estilos somo el soul y el blues. Dirk tocó algunas partes de bajo en “Heading For Tomorrow”, pero se incorporaría a la banda como segundo guitarrista.

Con esta formación, la banda saldría de tour, a pesar de que -en teoría- la principal razón de Kai para emigrar de Helloween era el stress que le provocaban las extenuantes y largas giras, pero se dio cuenta que, a pesar de incluso haberse juramentado a sí mismo nunca volver a salir de tour, lo extrañaba. El primer show de la historia de Gamma Ray se efectuó el 1 de Septiembre de 1990 en el “Conny’s Hard And Heavy Palace” en la localidad de Hanau-Erlensee, cerca de Frankfurt, que en realidad se trató de una pequeñísima tocata. Pero la noche siguiente tocarían en la ciudad de Bochum frente a todos los medios especializados, que aguardaban con ansias el regreso de Kai Hansen. El periodista de Metal Hammer, Mathias Breusch, señaló lo siguiente: “tan pronto como Kai y sus colegas entraron al escenario, el lugar se convirtió en un manicomio y el ambiente estaba tan cálido como un radiador de auto con un hoyo en el medio … el debut de Gamma Ray llegó a ser realmente notable … Ralf Scheepers nunca perdió un tono y jamás cometió errores, ni siquiera en los tonos más altos … y qué decir de Kai Hansen, un maestro, que lideró a su equipo con gran alegría y fascinación por lo que estaba haciendo”. Durante el tour, llamado “Headache For Tomorrow”, efectuaron numerosos conciertos en Europa e incluso algunos en Japón, como vimos recientemente. Gamma Ray se transformaba en una banda con identidad, pues ya comenzaron las ideas de grabar otro disco. Se terminaba el proyecto, comenzaba la banda.

EL CIELO ESPERA, SIN SUSPIRAR, INSANO Y GENIAL

En aquellos tiempos la mayoría de las bandas no se demoraban casi nada en sacar y sacar discos. Y Gamma Ray no era la excepción, puesto que durante la gira, en Septiembre de 1990, se lanzó un estupendo mini LP llamado “Heaven Can Wait“, que contenía una nueva versión del title track, algunos lados B y un nuevo tema, “Who Do You Think You Are“, y en cuya versión japonesa se incluye la maqueta de un tema llamado “Heroes”, que posteriormente se transformaría en “Changes”.

La banda continuaba con su frenético proceso de creación y se encierra, en Febrero de 1991, durante once días en una casita perdida en Dinamarca (particularmente en la Isla Rømø) para preparar su segundo LP. El disco, cuya masterización se produciría en los estudios Karo en Brackel, Alemania, también sería producido por Tommy Newton, y saldría a la venta el 23 de Septiembre del mismo año, y se llamaría “Sigh No More“. El título del disco nace como un juego de palabras propuesto por Dirk Schlächter, referente a la película Monty Phyton, donde uno de sus personajes repetía constantemente la frase “say no more, say no more” (“no digas nada más”), que parecía sonar como “sigh no more” (“no suspires más”), debido al acento del actor.

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El estilo que Gamma Ray muestra en este trabajo es bastante distinto a lo que mostraba en “Heading For Tomorrow”: un sonido más lento y letras bastante más depresivas, a consecuencia del conflicto internacional de proporciones generado por la Guerra del Golfo entre Estados Unidos e Irak en el mismo año. Es cosa de ver la carátula, puro humor alemán pero más depresivo que antes. “Sigh No More”, donde destacan temas como la mencionada “Changes“, “As Time Goes By“, “Start Running” y “Dream Healer“, entre otras, sin ser un mal disco, es sindicado por gran parte de los fans como el más bajo de la carrera de Gamma Ray, y de hecho la banda no lograría el mismo éxito en su gira respecto a la anterior, a pesar de ser bastante más larga, y que comenzaría en Octubre de 1992, realizando más de 50 conciertos.

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Después de la gira japonesa de principios de 1992, Gamma Ray sufría, nuevamente, cambios en su alineación. Uwe Wessel y Uli Kusch, aduciendo problemas personales (Uwe vivía en una localidad llamada Bad Segeberg, distante a unos 70 kilómetros de Hamburgo, y no tenía licencia de conducir), dejaban la banda, incorporándose a Axe Le Chapelle, siendo reemplazados en Agosto del mismo año por dos jóvenes que provenían de una banda pequeña llamada Anesthesia, a la cual fueron a ver un día en la localidad de Luebeck: Jan Rubach en bajo y Thomas Nack en batería. Jan y Thomas venían tocando juntos desde 1989, en una banda llamada Trash. El primer show de Gamma Ray con su nueva alineación tuvo lugar el 20 de Agosto de 1992 en el Grosse Freiheit 36 de Hamburgo, con ocasión del lanzamiento de un álbum compilatorio llamado “Metal Monday”, que incluía a varias bandas de Hamburgo.

Con ya algunos shows en el cuerpo, la banda comenzaría las grabaciones de lo que sería su tercera placa en estudio bien entrado 1993, en los nuevos estudios, propiedad de Kai, los cuales fueron sencillamente llamados “Hansen Studios”. Sin embargo, la banda decide hacer las mezclas nuevamente en los estudios Horus de Hannover, lo cual resultó algo estresante debido a que mientras la banda grababa en Hamburgo, Kai y Dirk se trasladaban constantemente a Hannover (en turnos de dos días) para empezar a mezclar. “A pesar de todo el stress, lo pasamos bastante bien en la producción“, señalaba Schlächter. Luego de lanzar el single “Future Madhouse”, el día 28 de Junio del mismo año, Gamma Ray lanzaba oficialmente “Insanity And Genius“, disco que recupera el espíritu de “Heading For Tomorrow”, y que incluye entre otros temas la intensísima “Tribute To The Past”, la frenética “Future Madhouse”, la muy Power “Last Before the Storm”, la operática y muy Queen “Heal Me” (donde Kai vuelve en parte a las voces), y además el tema que dio el nombre a la banda: “Gamma Ray”, de Birth Control, para lo cual en medio de la grabación del disco fueron a una tienda cercana y compraron el álbum “Hoodoo Man” y tocaron el tema a una velocidad mayor. El disco, nuevamente, recibe muy buenos comentarios de la prensa especializada, alabando especialmente la habilidad compositiva de Hansen. Además, la banda grabaría un video, que en un principio sería para “Future Madhouse”, pero cuando iban camino al estudio para grabar el video cambiaron de idea y decidieron que el video fuera para “Gamma Ray”.

Gamma Ray

Como el tour de “Sigh No More” no fue demasiado exitoso, la banda dudó entre salir o no de gira. El impulso final para efectuar la gira estuvo dado por la compañía Noise Records, quien organizaría cuatro fechas para cuatro bandas: los emergentes alemanes Helicon, los hasta ese momento desconocidísimos noruegos de Conception (con Roy Khan, actualmente en Kamelot, en las voces) y los cabeza de cartel junto a Gamma Ray, los inmortales Rage con Peavy wagner a la cabeza. La serie de cuatro recitales se llamaría “Melodic Metal Strikes Back”, que comenzaría el 21 de Septiembre de 1993. El título lo dice todo: el metal melódico contraatacaba. Se cuentan muchas anécdotas de este mini tour, como por ejemplo la inclusión del logo del licor “Jägermeister” en los bombos de la batería (es como si Pablo Stagnaro de Six Magics pusiera un logo de “Escudo” y otro de “Malta Morenita” en los bombos …), o la grandilocuente presentación que hace Ralf a Schlächter, Rubach y Nack (“señoras y señores, con ustedes, el grandísimo y famoso …“), y cuando va a presentar a Hansen, lo hace diciendo “ …y bueno, ese tipo que está ahí, es Kai Hansen. Continuando con el siguiente tema…“. En el concierto de Hamburgo, la banda grabaría un segundo video, “Lust For Live”, y de esa serie de tocatas saldría un CD doble (con la participación de las cuatro bandas) llamado “Power Of Metal”, lanzado en Diciembre de 1993.

Luego de eso, Gamma Ray participaría como banda invitada en el Festival del 2º aniversario de la revista “Horror Infernal”, que tuvo lugar en en “Musikzirkus” de Dortmund el 19 de Diciembre, donde compartieron escenario con Quiet Riot, Thunderhead, Sargant Fury y Squealer. Ya en Febrero de 1994, la banda apoyaría algunas fechas del tour europeo de una de las más grandes bandas de Metal de la historia: nada más y nada menos que a los reyes del True Metal, Manowar. Joey DeMaio resume la participación de Gamma Ray en una sola frase: “es la mejor banda de apoyo que hemos tenido en toda nuestra carrera. Como dato anecdótico, es en uno de los recitales de Manowar con Gamma Ray (en Hannover) donde el cuarteto estadounidense entra al Libro de Records de Guinness como la banda con sonido más fuerte de la Tierra, y DeMaio se convertía en el músico individual con el sonido más fuerte.

Otra anécdota se cuenta al iniciar el tercer viaje a Japón: entre los viajeros figuraba una persona que no pertenecía ni a la banda ni a los técnicos: una misteriosa persona llamada Wanda, que recientemente se estaba haciendo cargo del fan club de Gamma Ray, el cual se llamaría “Schizoid Clan”. Wanda no era, a la larga, otra persona que Gabi, a la larga esposa de Kai.

RALF SE VA, KAI VUELVE A LAS VOCES

En los tiempos del “Melodic Metal Strikes Back” ya se especulaba en la prensa con que Ralf Scheepers deseaba ser el nuevo vocalista de Judas Priest. La gran mayoría de los live reviews de los recitales de Gamma Ray eran positivos, pero siempre había un “pero”: la performance de Ralf no resultaba ser lo suficientemente energética, y se le criticaba fundalmente el estar continuamente actuando de forma “posera” y algo desconcertante. Todo ello comenzó a reventar en el festival de Wacken de 1994 (muchísimo más pequeño en ese entonces), donde Gamma Ray compartió escenario con bandas como Skyclad, Atrocity y Paul Di’Anno, entre otros. No importaba cómo lo hiciera, Ralf era siempre despedazado por la prensa, por lo cual su confianza bajó considerablemente. A pesar de ello, la banda se decidió a mostrar un espíritu positivo y de unión, tocando en muchos lugares. Incluso llevaron a cabo un insólito show (en el marco de un evento llamado “Rock bei Kurt”) en una granja, y el escenario que nada menos que el remolque de un tractor … y más encima, gran parte del público se retiró antes pues, ¡comenzó a nevar! Pero si bien no se veían señales externas del final de una era, esto terminaría por ocurrir.

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El hecho fundamental que en principio terminaría por desencadenar lo inevitable es el hecho de que Ralf vivía a 800 kilómetros de Hamburgo. Kai y Dirk le habían señalado en reiteradas ocasiones que deseaban que se mudara a Hamburgo -lo cual a la larga nunca ocurriría-, sólo pudiendo verse los fines de semana. Pero si bien esto podía ser sobrellevado por Kai y compañía, lo que a la larga terminó por romper la cuerda fue el hecho de que Ralf ambicionaba convertirse en el nuevo vocalista de Judas Priest, tras la partida de Rob Halford, para lo cual había incluso audicionado. Cuando Kai le preguntó a Ralf acerca del tema, éste le contestó que claro que aceptaría ser el vocalista de Judas Priest, pues había sido fan de la banda desde años y años, y que sería un sueño para él. Así que, como resultaba obvio, se tomó la decisión de que Ralf no continuaría siendo el vocalista de Gamma Ray. De más está decir que Ralf no llegó a ser el vocalista de Judas, siendo el puesto alcanzado por el norteamericano Tim ‘Ripper’ Owens. Scheepers posteriormente formaría una banda tributo a Judas Priest llamada “Just Priest”, que sería la base de lo que en 1997 se oficializó como Primal Fear, estupenda banda Power, que ya cuenta con cuatro LPs a su haber.

¿Quién reemplazaría a Ralf? El “reemplazante” sería nada menos que el mismo Kai Hansen, quien inmediatamente una vez oficializada la partida de Ralf toma, no sin nervios, el micrófono para comenzar con la grabación del cuarto LP de la banda. Kai había demostrado un impresionante progreso en su calidad vocal, desde su trabajo en “Walls Of Jericho”. De acuerdo a lo que el mismo Hansen señala, esto sólo se debió al hecho de su amor por cantar, pues estuvo constantemente probando su voz, incluso sin ser el vocalista de la banda.

Gamma Ray

En Mayo de 1995 saldría a la venta lo que, para muchos, es el mejor disco del ahora cuarteto germano. “Land Of The Free es un disco que reúne lo mejor del Power Metal: mucha pasión, buenas letras, fuerza, potencia y melodía. Gloria pura. Kai lo describe como “una especie de viaje a lo más profundo de la conciencia, un mundo fantástico que de una u otra forma está basado en la realidad“. En un álbum lleno de himnos, y en el cual resalta sobremanera, desde el primer verso, el impresionante progreso vocal de Kai Hansen, destacan la épica “Rebellion in Dreamland” (cuyo single incluye una versión re-grabada de “As Time Goes By”, tema de “Sigh No More”, y un cover de “Heavy Metal Mania”, tema original de la banda Holocaust), la impresionante “Man On a Mission“, la gloriosa “Land Of The Free” y la emotiva “Afterlife“, dedicada al baterista de Helloween, Ingo Schwichtenberg, quien se suicidó, a los 29 años de edad, lanzándose a la línea ferroviaria el 8 de Marzo de 1995, tras sufrir la fase final de su esquizofrenia crónica (hereditaria), que lo llevó, durante mucho tiempo, a la adicción a la cocaína y al alcohol, lo que había desencadenado su salida de Helloween a principios de 1994, antes de un show en Japón en el que terminó llorando sentado frente a su batería y posteriormente botado en el suelo. Este álbum, además, cuenta con la colaboración de Michael Kiske, en el entretenido pero algo fuera de contexto tema “Time To Break Free“, y en coros de un par de temas (especialmente en “Land Of The Free”), lo que hizo soñar a los fans del Power Metal en una re-incorporación de Kiske al Metal (tras su polémico despido de Helloween en 1993), lo cual nunca ha ocurrido y se ve cada vez más lejano.

Gamma Ray

Dirk y Kai entran, en Agosto del mismo año, al estudio para grabar un EP que contendría cuatro baladas, destacando la extraña “Miracle” (la versión lenta de “Man On A Mission”) y la hermosa “A While In Dreamland“, en la que Kai sólo es acompañado por un piano. Este EP, que se llamaría “Silent Miracles“, y que salió a la venta en Febrero de 1996, puede llegar a considerarse dentro de la discografía más prescindible de la banda.

UN DRAGÓN CARPINTERO Y UN JUEZ DISEÑADOR

La banda saldría nuevamente de gira a finales de 1995, en lo que a la postre sería el exitoso “Men On A Tour”. Tras sus exitosas performances en vivo, la banda decide lanzar su primer disco en directo, el que fue grabado en las presentaciones efectuadas en España e Italia, y que titularían “Alive ’95” (a pesar de que es lanzado en Mayo de 1995). Sin embargo, antes de iniciar una gira por España (presupuestada para Septiembre) junto a dos tremendas bandas, Stratovarius y Rage, se notaba que las cosas en la banda no andaban 100% bien: por un lado, Kai era el líder de la banda y soñaba con continuar con el empuje de la misma; Dirk deseaba volver a tocar bajo; y Jan junto a Thomas no estaban contentos con el estilo de la banda. Simplemente no era “su onda”, y querían volver a Anesthesia, su anterior banda, con la que tocaban un thrash con toques progresivos. Thomas decidió efectuar esa gira española, Dirk tomaría el bajo. Faltaba el guitarrista, que ojalá también tocara teclados (algo innovador en la banda).

Gamma RayEl hombre indicado sería Henjo Oliver Richter (Richter significa “juez” en alemán), nacido el 24 de Noviembre de 1963 en Hamburgo, Alemania. No sólo es un buen guitarrista, sino que además se desempeña bastante bien en los teclados (de hecho, comenzó su coqueteo con la música a los 6 años, tocando piano), y además es un estupendo diseñador gráfico: de hecho, ha diseñado los booklets de “Powerplant” y “Blast from the Past” (de Gamma Ray); “Better than Raw” y “Metal Jukebox” (de Helloween); “Stairway to Fairyland” y “Crystal Empires” (de Freedom Call); “Catch the Rainbow” (de Catch the Rainbow); “Shockmachine” (de Shockmachine); y “The Four Seasons of Life” y “Kaleidoscope” (de Roland Grapow). Henjo formó su primera banda a los 13 años (luego de obtener su primera guitarra eléctrica), y en 1982 reemplaza a Roland Grapow en Rampage, banda que se disolvió poco tiempo después, y a cuyo respecto no existen registros, debido a que un miembro de la banda ¡destruyó las copias de sus trabajos!

La carrera de Richter se siguió desarrollando en una banda tributo a Uriah Heep llamada Easy Livin’ (donde tocó durante algún tiempo Markus Grosskopf, bajista de Helloween), por lo que se ganó por parte de los fans el apodo de “The Wizard” (título de uno de lo más conocidos temas de Uriah Heep). Además se ha desempeñado en Charon, Mydra, Catch The Rainbow y Tobias Sammet’s Avantasia. Como se ve, es un tipo con una extraordinaria trayectoria e incluso “utilidad” para la banda. Kai Hansen comentaba: “… necesitabamos otro guitarrista, preferentemente alguien que tocara teclados también … y un amigo nos recomendó a Henjo. Es bastante divertido, pues Henjo tocó en una banda después de Roland Grapow, quien me reemplazó en Helloween, así que todo parece ir en círculos“.

Luego del tour por España, debía encontrarse el reemplazante para Thomas Nack. Y no sólo se encontró a un simple reemplazante, sino que se integró a un estupendo baterista: Daniel Hans Erwin Zimmermann (“carpintero” en alemán), nacido el 30 de Octubre de 1966 en Nurnberg, Alemania. Comenzó a tocar batería a los 12 años, y en 1988 entró a estudiar al Frankfurt Music College hasta 1990 (donde preferentemente tocaba jazz), para posteriormente, en 1991, entrar al American Institute of Music en Viena, Austria. Kai conoció a Dan cuando éste último tocaba en una banda de covers llamada Lanzer, en el momento en que esta banda estaba grabando su álbum debut, “Under a Different Sun”. Dan, además de ser un baterista muy técnico, posee un talento muy particular, desarrollado en los tiempos de Lanzer: escupir fuego (no, no es un dragón), técnica muy peligrosa que requiere, además de mucho valor, varios años de trabajo (¡niños, no hagan esto en casa!). Dan hoy además toca en Freedom Call y en Easy Livin’, junto a Henjo Richter, y participó en Iron Savior como músico invitado.

Gamma Ray

Con esto, se configura la formación actual de Gamma Ray, que tiene a Kai Hansen en las voces y guitarras, Henjo Richter en guitarras y teclados, Dirk Schlächter en bajo y Dan Zimmermann en batería. El renovado Gamma Ray comenzaba a trabajar en los Hansen Studios de Hamburgo en Febrero de 1997 en lo que sería el quinto LP de la banda. En Mayo lanzarían un adelanto, un EP llamado “Valley Of The Kings“. En Julio del mismo año, la banda se dirigió por primera vez a Sudamérica en un improvisado mini-tour, que los llevó a Brasil y Argentina. Y en Agosto Gamma Ray lanzaría “Somewhere Out In Space“, un solidísimo trabajo inspirado en la fascinación de Kai por los temas espaciales:nos inspiramos viendo Star Trek y leyendo novelas de ciencia ficción … cuando comencé a escribir temas para ‘Somewhere Out In Space’, lo primero que escribí fue ‘Men, Martians and Machines’. Todo el tema relacionado con el espacio se me vino a la mente mientras estaba en Hawaii, estaba en una tienda de antigüedades donde tenían libros muy antiguos, así que empecé a observar y me encontré con un libro llamado ‘Men, Martians and Machines’ … me fascina la idea de pensar ‘de dónde venimos’ o ‘hacia dónde vamos’, y la respuesta parece ser el espacio … “. Sin embargo, no todos los lyrics fueron escritos por Kai, siendo considerable el aporte de Henjo y Dan a ese respecto.

Gamma RayEl álbum, en el que destacan las muy Power “Beyond the Black Hole” y “Somewhere Out in Space”, la citada “Men, Martians and Machines” y la ultramelódica “Winged Horse” (obra de Henjo), incluye un cover de “Return To Fantasy“, tema original de Uriah Heep, banda de culto de Hansen y sobre todo de Henjo Richter que, recordemos, aun toca en Easy Livin’, banda tributo a Uriah Heep. El álbum fue un éxito de ventas en Europa (el álbum de la banda que más se vendió desde “Heading For Tomorrow”, por lo que obviamente la gira efectuada por la banda (donde tocaron en los grandes festivales: en el Wacken Open Air, en el Dynamo Open Air y en el Gods Of Metal de Milán) fue exitosa, a pesar de la gran cantidad de críticas al estado de la voz de Hansen.

En el mismo año 1997, Kai Hansen se une al proyecto musical de su amigo Piet Sielck, Iron Savior, junto al batero de Blind Guardian, Thomen Stauch, lanzando el disco debut llamado simplemente “Iron Savior” a fines del año mencionado. Puede destacarse, como curiosidad, que el disco incluye a “Watcher In The Sky”, tema compuesto conjuntamente por Sielck y Hansen, cantado por este último, y que también aparece en “Somewhere Out In Space”.

LA PLANTA DE PODER LOS TRAE A CHILE

Luego del éxito de “Somewhere Out In Space”, la banda se toma un pequeño receso, para posteriormente comenzar a grabar su sexto larga duración, y el primero con la misma alineación del disco anterior. “Fue mucho más fácil trabajar junto a las mismas personas -señala Hansen-, no hubo malos entendidos y hubo un tremendo trabajo en equipo”. Kai Hansen comienza a escribir temas en Enero de 1998, dos de los cuales (“Deadly Sleep” y “Forevermore”) terminarían en el segundo disco de Iron Savior, “Unification“, en el cual Dan Zimmermann figura como baterista invitado.

Gamma Ray

Kai llegó con algo así como cinco canciones listas al estudio, las cuales fueron grabadas, y posteriormente se le ocurre en la idea de hacer un cover de una banda pop, “It’s A Sin” de Pet Shop Boys, la cual ha pasado a ser uno de los mejores covers de los últimos años. Hasta que pasados algunos meses, en Febrero de 1999, la banda lanza “Power Plant“, su sexto LP, en el cual hay atisbos de continuación del tratamiento de la temática “espacial” en los lyrics (“Anywhere In The Galaxy”), pero no se trata de un álbum conceptual. Kai señalaba: “este no es un álbum conceptual. Queríamos, en un principio, hacer una continuación para ‘Somewhere Out In Space’ llamada ‘Anywhere In The Galaxy’, pero en ese momentos muchas bandas estaban haciendo álbumes conceptuales … Blind Guardian hizo uno … Grave Digger también .. así que parecía estar algo ‘de moda’. Así que dijimos ‘mandemos a la mierda el concepto y hagamos un álbum con buenos temas’. De alguna forma, nuestro concepto era no hacer un álbum conceptual, jaja“. En este disco se destacan las potentísimas “Anywhere In The Galaxy” y “Strangers In The Night” (no es un cover de Frank Sinatra), la muy single “Send Me A Sign“, la extremadamente Manowar “Heavy Metal Universe“, la épica “Armageddon” y el mencionado cover de Pet Shop Boys, “It’s A Sin“. A este respecto, Hansen dice: “siempre me han gustado las canciones no-metal tocadas en versión metalera, como ‘Diamonds And Rust’ de Joan Baez por Judas Priest, por ejemplo“. Además, este disco incluye como bonus track el clásico de Rainbow, “Long Live Rock ‘n’ Roll“.

Gamma Ray

“Power Plant” además cuenta con un “detalle” especial: el cover art, diseñado nada menos que por Derek Riggs, autor de las clásicas carátulas de Iron Maiden. Kai explica la carátula, que cuenta (al igual que la de “Somewhere Out in Space” con pirámides en ella): “Pienso que las pirámides simbolizan misterios sin resolver. Las pirámides en Egipto están supuestamente alineadas con un sistema estelar, así que supongo que existe una conección entre ellas y el espacio. Es fascinante, y me gustó la idea de que esas pirámides pareciesen OVNIs también”.

Gamma RayLa gira de este disco fue bastante especial. Principalmente porque en el marco de este tour, la banda visita Chile por primera (y hasta el momento única) vez, el día 4 de Junio de 1999 en el Teatro Monumental. El evento, que contó con la participación de Roland Grapow como telonero, quien venía promocionando su disco solista, “Kaleidoscope”, y cuya banda estaba conformada por músicos de real excepción como Mike Terrana en batería, Mike Vescera en voz y Ferdy Doernberg en teclados, lamentablemente no contó con un marco de público adecuado al recinto (asistieron entre 1.000 y 1.500 personas, poco para el Monumental), pero mostró a una banda realmente espectacular en vivo, que hizo delirar a quienes tuvimos la fortuna de asistir.En todo caso, gran parte de la baja asistencia se debió a que los metaleros tuvimos la suerte de tener, en menos de tres meses, a Stratovarius, Angra, Hammerfall con Arch Enemy y Metallica con Sepultura en vivo en nuestro país, con el consiguiente descalabro económico de miles de esforzados bolsillos criollos. Como dato curioso, en el afiche (pequeño) promocional, se señalaba que Roland Grapow venía acompañado por “la voz de Helloween: Yngwie Malmsteen” (¿?).

10 AÑOS DE GAMMA RAY, Y UN NUEVO ORDEN EN EL MUNDO

Luego del exitoso tour de “Power Plant” (donde, tocando con Iron Savior, Dan Zimmermann se quiebra un pie, en el Wacken Open Air), que además de Chile llevó a la banda a países nunca antes visitados, como México, Kai sintió que el décimo aniversario de la banda era la ocasión precisa para grabar un álbum “Best Of”. Pero Kai no deseaba hacer un mero compilado de temas antiguos y más nuevos, sino que decidió que la banda re-grabara antiguos clásicos, como “Heaven Can Wait” (su tercera versión en estudio), “Heading For Tomorrow“, “Dream Healer“, “Lust For Life” y “Heal Me“, entre otras (tres por cada disco), conformando lo que llegaría a ser un disco doble llamado “Blast From The Past“, que sería lanzado en Mayo del año 2000. El álbum compilatorio, que viene en un hermoso digipack, puede ser una muy buena puerta de entrada al mundo de Gamma Ray, para quienes no conozcan a la banda. El tour posterior a “Blast From The Past”, llamado “Historay Tour”, comenzó a mediados del año 2000, y que llevó a la banda a participar, más que nada, en festivales.

Gamma Ray

Durante los últimos meses del año 2000, la banda volvió a los Hansen Studios, para preparar lo que sería su séptimo LP. Se trataría, según se dijo en ese entonces, de un álbum que apuntaría “de vuelta a las raíces”, que contaría con elementos que recordarían a Iron Maiden y a Judas Priest, pero sin perder el sonido típico de Gamma Ray. Pero antes de ello, Iron Savior lanzaría, en Enero del 2001, su tercer LP, “Dark Assault“, en el cual la participación de Kai fue mínima. Por lo mismo, Kai decide dejar Iron Savior para concentrarse en Gamma Ray, efectuando un show de despedida en España a mediados del mismo año.

Con todo esto, la banda ya estaba lista para lanzar “No World Order!“, su séptima placa en estudio, el 10 de Septiembre de 2001. En este disco se aprecia una vuelta de Gamma Ray a su “estado natural”, dejando un poco el Power de lado y apuntando a una raíz algo más rockera-ochentera, tal como lo habían prometido, destacándose cortes como el single “Heaven Or Hell” (lanzado en Japón el 1 de Agosto), la gran performance vocal de Kai en “The Heart Of The Unicorn“, el casi cover de Judas Priest “Solid“, la épica “Eagle” y la muy Power “Dethrone Tyranny” (inspirada en el tema de los Illuminati). El sonido de la banda se hace algo más oscuro, pero sin perder los toques de distinción propios de Hansen. La carátula del disco fue diseñada por Hervé Monjeaud, y nuevamente apunta a la onda futurista (incluyendo las infaltables pirámides) con elementos que recuerdan a Eddie de Iron Maiden.

Las expectativas para su “No World Order Tour” eran bastante altas, y se hicieron acompañar en Europa por dos bandas muy emergentes: los australianos progresivos de Vanishing Point y los noveles finlandeses de Sonata Arctica. Además de Europa, la banda realizó algunas fechas en Japón.

En el mismo año 2001, Kai y Henjo participan en el disco solista de Tobias Sammet, “Avantasia”, el cual -como sabemos- tuvo un notabilísimo éxito en la escena. Pero además Henjo se vio, a fines del mismo año, envuelto en una situación bastante particular: Henjo habría ofrecido ser un guitarrista “parche” para Helloween, tras la partida de Roland Grapow de la banda. Ante ello, los rumores de que Richter dejaría Gamma Ray para unirse a Helloween fueron más y más fuertes, debiendo ser desmentidos algún tiempo después por el propio Richter y por Michael Weikath. Posteriormente se anunciaría que el nuevo guitarista de Helloween sería el ex Freedom Call Sascha Gerstner.

Gamma Ray

A principios del año 2002, la compañía Sanctuary Records anunció que los seis primeros discos de Gamma Ray serían re-lanzados, remasterizados digitalmente, en versión digipack con algunos bonus tracks cada uno, y con nuevas carátulas, diseñadas por el mismo Hervé Monjeaud. A mediados del mismo año, la banda anuncia el comienzo del “Skeletons In The Closet Tour 2002”, en el cual la banda tocó, en aproximadamente 10 fechas en Europa, temas elegidos por los fans, vía internet.

Gamma RayEn aquel tiempo se anunció que la banda lanzaría un disco doble en vivo en Marzo del 2003, lo que aún no ha ocurrido, pues el lanzamiento se pospuso hasta Agosto del presente año. Al tratarse de temas elegidos por los fans, encontramos ciertas “rarezas”, como algunas ejecutadas en el Torres Rock Festival en España en Mayo de este año: “Rich and Famous”, “One With The World” y “Victim Of Fate” de Helloween, entre otras. Hoy en día, la banda se prepara para efectuar una presentación, nuevamente, en el Wacken Open Air, y para lanzar su segundo trabajo en vivo, manteniendo a los fans esperando su nuevo trabajo en estudio.

¿Qué más podemos agregar? Hay tantas anécdotas y otras cosas que quedan en el tintero… pero lo importante es el intento de “resumir” la vida de un personaje que no sólo ha hecho una gran contribución a la música, sino que a la vida de muchos de nosotros. Un genio como pocos, que no sólo ha creado música, sino que ha aportado sobremanera al nacimiento y crecimiento de una escena: la del Power Metal. Por lo mismo, es de esperar que hayamos hecho relativa justicia con don Kai Michael Hansen, quien el presente año ha cumplido nada menos que 40 años de vida (¡cómo pasa el tiempo!), y de 25 años de carrera desde sus años de Gentry. Gracias, señor Hansen, por música concedida.

Mythology

Un equipo, un sueño, una creencia, un estilo de vida. Así ven a Mythology los músicos que la integran. ¿Quién va a culparlos? Chile es un país en el que cuesta soñar y ellos, con los mismos esquivos medios que han sepultado al olvido a muchos otros conjuntos, están abriéndose camino firmemente. Aún sí, ya nadie les viene con cuentos de hadas ni promesas vanas. El quinteto se apoya en la experiencia de los ex integrantes de la banda progresiva Polimetro, el guitarrista Carlos Esquivel y su hermano Patricio, batero, los que encontraron nueva sangre y energía en el cantante Freddy Cortez, las teclas de Aníbal González, en los fraseos de Nicolás Munizaga y en el bajista Carlos Cid.

Mythology es la nueva banda chilena que mezcla experiencia y juventud, ojos maduros y mentes ansiosas para un proyecto serio, profesional y dedicado. Hacer buen Heavy Metal, darse a conocer fuertemente por la música y rescatar nuestra cultura, tradiciones y pueblos a través de las letras e imagen, es la proposición de este conjunto que lleva un par de años de vida, pero que tiene mucha historia detrás de su nombre. Mythology es el último paso de un proceso que ha llevado a los hermanos Esquivel a recorrer este “camino difícil de andar, pero lleno de sueños y magia” por más de una década. Y en esta trayectoria se refleja una historia de constancia, trabajo, grandes éxitos, pero también tropiezos y decepciones, como un testimonio vivo y humanizado de cuan adverso es el panorama para los músicos chilenos.

No hay forma de referirse a Mythology sin hacer un repaso a la carrera de los hermanos Esquivel, desde la banda que hicieron con amigos de barrio a finales de los ochenta y cómo esta se transformó con los años en uno de los episodios más importantes del Heavy Metal de los noventa hasta la llegada del 2000. Quienes conocen a Polimetro, o Metropolis, saben con qué fuerza su único álbum se está transformando poco a poco en un clásico, como también el golpe de la sorpresiva, amarga separación del grupo, tema nunca aclarado del todo hasta ahora, en momentos que parecían abrirse en el mercado tal como Criminal y Dorso.

PowerMetal.cl siempre ha tratado de destacar a Mythology por su música sin compararlo con el pasado de sus miembros; en esta oportunidad tampoco se hará, pero hablar sólo de Mythology sería contar una historia a medias sin perspectiva ni contextualización. La banda de este mes no se formó de la nada, “todo efecto tiene su causa“. Pero el propósito, en cuanto a Polimetro, no es abrir una discusión, sino terminarla: qué pasó, cómo y por qué.

El Heavy Metal tiene arraigado todos los sentimientos que la música pueda expresar…” Suena fuerte como una verdad que raja velos y rompe piedras, Pero la frase no fue dicha ni por Steve Harris, Glenn Tipton, Kai Hansen, Joey DeMaio ni André Matos, no. Fue precisamente Carlos Esquivel, protagonista de esta historia…

Mythology

LA FUSIÓN DE LOS HERMANOS EN FIXION

Carlos Esquivel empezó a tocar la guitarra en la segunda mitad de los ochenta con Mascada, la primera formación seria a la que perteneció. Antes, había participado en grupos tributo a bandas de rock en español como Soda Stereo y Los Prisioneros. En Mascada, como recuerda Carlos, donde hacían “Heavy Metal tipo Poison“, tocó e hizo contactos con músicos importantes de la escena, como el hoy bajista de Saiko, Jorge “Coyote” Martínez, ex Bismarck, Centurión y Rímel, entre otras. El grupo pasó por su mejor momento en 1989, cuando tuvieron la oportunidad de grabar algunos temas que fueron pasados en la radio.

Como Pato vio a su hermano en una banda, no quiso quedar atrás y junto con dos amigos de barrio, formó la banda Fixion. Inexpertos totales, en un principio tuvieron que transformarse en los roodies de Mascada para poder tocar siquiera una canción. Iván Rubio, el bajista de Fixion y ahora, compositor para el nuevo programa de Mega, Operación Triunfo, recuerda: “Eramos tres niños que hacíamos música por verlos a ellos (…) Nosotros cargábamos sus equipos para que en los ensayos nos prestaran los instrumentos y poder tocar una, ¡sólo una!, con bajo volumen después que ellos habían dejado la cagada. ¡Y la única que nos sabíamos era Humo Sobre el Agua (Smoke On The Water)! Más encima nos arrendaban la batería por 500 pesos“.

Resultó que un día, Pato, Iván y Nelson, el guitarrista, fueron a ver grabar a Mascada. “Eran bacanes, los artistas, rock super stars -comenta Iván- pero nos dimos cuenta que la cosa no era tan difícil”. Así, en dos fines de semana Fixion escribió tres canciones, una cada integrante y “las grabamos más rápido que Mascada“. Se entusiasmaron tanto con el chispazo de creatividad, que Iván gastó sus ahorros para comprar una batería para Pato.

Fixion creció. En cambio, Mascada decayó y, por diferencias personales, dejó de existir, lo que para nada significó el fin de Carlos en la música. Esta disolución fue el hecho que dio comienzo a un proceso que sigue hasta el día de hoy: los hermanos Esquivel juntos en una banda. Carlos llegó a Fixion con un cantante de origen sueco, Joe Canner. Ahí fue cuando la banda logró tener algo interesante que mostrar en un tiempo que en Chile el Heavy Metal estaba rezagado y dominaba el Thrash. El problema no era la moda del estilo, sino su calidad: “La gente que hacía (thrash) metal era muy mediocre -dice Iván-. Tomaban la guitarra, agachaban la cabeza y eso era todo (…) Era triste“. Fixion trató de marcar la diferencia con una propuesta distinta, con una preocupación especial en la imagen y en el show, así como en el sonido influenciado por un Heavy Metal clásico tipo Malmsteen y Rainbow.

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Tan pronto como el nuevo Fixion empezó a caminar, Joe se devolvió a Suecia y llegó a la banda una persona que sería fundamental en la carrera de los Esquivel e importante más tarde en la escena chilena: el vocalista Ricardo Susarte. El grupo hizo presentaciones en lugares vetados para el metal en ese tiempo, las discotheques Dangerous y Broadway. Grabaron el demo Leyenda en 1992, con Kike Yorio, quien acompañaría desde ahora en adelante a los Esquivel en cada trabajo. Uno de sus temas, Juntos, apareció al año siguiente en el compilado “Con el Corazón Aquí” de la Asociación de Trabajadores del Rock (ATR), organización fundada por el guitarrista de Los Prisioneros, Claudio Narea, y fueron parte de un festival en el Court Central del Estado Nacional ante 12 mil personas. Hasta editaron un video clip de la balada Amor Eterno, grabado en las afueras de la disco Excalibur. La canción salió por un tiempo en el nuevo canal de televisión Rock&Pop.

Todo iba bien en Fixion hasta que una decisión, que parecía la indicada, resultó fatal: hacer una gira a Perú. La idea de Iván, quien era el que más se preocupaba del manejo, aunque ya contaban con un manager, Aldo Robledo, era hacer conocida a la banda afuera del país y abrir perspectivas en otros mercados. Sabían que la música que hacían no resultaba en Chile, sobre todo en ese momento. El Heavy Metal era un grupo minoritario dentro del movimiento metalero de principios de los noventa. Con muchas ganas encararon el desafío, pero terminó siendo un desastre que se filtró al ánimo de los integrantes, especialmente el de Iván. Las condiciones y comodidades eran pésimas y no les fue como lo tenían planeado. Para colmo, Carlos se enfermó gravemente. Iván hasta tuvo que vender sus pantalones de cuero para comprar los remedios. “Partimos con ni uno y llegamos endeudados“. La experiencia fue horrible.

Tal decisión, según Iván, fue adelantada, el grupo parecía irse por otros caminos y optó por apartarse de Fixion.Me da tristeza que haya terminado por algo que no somos nosotros. Creo que fue una mala elección tener un manager (Aldo Robledo) porque éramos muchos más felices cuando estábamos solos. Lo veíamos como una familia, no como negocio“.

AÑOS BAJO LAS SOMBRAS

Hasta acá llegó Fixion… siguieron con otro nombre. Para tomar el puesto dejado por Iván, se integró Mauricio Espinoza y el tecladista César Anguita, por Juan Aránguiz. Esta formación sería la que daría forma a Metropolis, nombre que “nos sonaba bien del álbum (Images And Words) de Dream Theater“, reconoce hoy Carlos.

Con un nuevo nombre pero ya con sus años de participación en la escena, Metropolis trató hacer lo que le había faltado a Fixion: un disco debut. En 1995, Robledo contactó al guitarrista y vocalista de Feedback, Nestor Leal Ponce, interesado en producir un álbum para el conjunto. El quinteto y Leal se juntaron y empezaron a grabar el trabajo de diez temas que sería llamado como el grupo, Metropolis. Lamentablemente, los propósitos de Leal no coincidieron con los de la banda. Mientras los últimos esperaban que el larga duración fuera editado por un sello y lanzado a la venta, Leal pensaba distribuirlo de manera personal, y eso no quedó aclarado hasta cuando la grabación, las mezclas y la posproducción habían finalizado.

El álbum no circuló comercialmente, sólo en cassette a nivel underground. Fue un disco, con todas sus letras, que no se vendió en la práctica. Para Carlos, Leal no cumplió con su compromiso de sacarlo a la venta, por lo que se desligaron del productor para trabajar de manera independiente. Después de esta fallida experiencia fue cuando se deshicieron del sonido que caracterizaba a para evolucionar hacia uno progresivo. Con este estilo se harían conocidos.

En 1997 autoprodujeron el primer Ep de Metropolis, Bajos las Sombras. Este contenía tres pistas: una introducción, Necropolis, y los temas Episodios y Finjo Ser Fuerte. El grupo mandó las canciones a medios musicales, las que tuvieron una gran acogida en la Radio Concierto, donde Episodios sonó varias veces en la rotación de la emisora.

Entusiasmados por la buena recepción, al año siguiente sacaron otro EP promocional, esta vez llamado Fábulas de Horror, con Fábulas y la helloweenera Luz y Sombra. El destape les valió en 1999 para ser invitados a abrir los conciertos de Stratovarius, el 18 de marzo, y los brasileños de Angra, el 17 de abril, ante una gran cantidad de público que ya estaba familiarizada con la banda. Metropolis se hacía un nombre importante en la escena.

El ’99 se caracterizó además por una noticia buena, muy buena, y otra mala. Cuando compartieron escenario con Angra, se les acercó el dueño del sello chileno Musicland, Eduardo Balazs, quien les propuso trabajar juntos en el futuro. Esta conversación informal se tradujo, unos meses más tarde, en un acuerdo para grabar un disco, pero no un contrato, según el bajista Mauricio Espinoza aclara. “Con Musicland nunca se firmó contrato y nunca se pagó un peso a la banda“. “Lo firmo al tiro -dice Pato por su parte: nosotros no hemos ganado ni un puto peso en este país por hacer todas las canciones que hemos hecho“.

La mala fue que no podrían seguir ocupando el nombre Metropolis ya que otro grupo, llamado igual, lo había registrado. Sin más remedio que cambiarse, a Pato se le ocurrió hacer un juego de palabras. El conjunto pasó a llamarse Polimetro, una herramienta que sirve para medir los voltios, amperios y la resistencia de un circuito eléctrico.

Esto sucedió justo cuando grababan el álbum, entre noviembre del ’99 y febrero de 2000, con la producción de Andrés Godoy, quien los Esquivel conocían desde la época del compilado de la ATR, y Kike Yorio. No esperaron prácticamente nada tras el acuerdo, de inmediato se pusieron a trabajar en el álbum. Metropolis sería el nombre del primer -y único- disco de Polimetro.

SIMPLEMENTE METROPOLIS

En el primer semestre del 2000 salió a la venta Metropolis. El disco trataba de doce pistas, incluyendo las cuatro, regrabadas, que aparecían en Bajo las Sombras y Fábulas de Horror. Entre las nuevas estaban Laberintos, Dioses Negros, Guerras Eternas, etc. También se encontraba una canción dedicada a Sola Sierra, Sola. El homenaje no se trató para nada de una declaración política de Polimetro, sino de una balada preciosa en música y conmovedora en contenido.

No es insensato decir que Metropolis fue un disco esperado y que provocó expectativas previas. De lo contrario no podría haberse explicado su sorprendente recibimiento. Musicland distribuyó el álbum desde Arica a Punta Arenas, revistas especializadas y sitios en Internet le dieron cobertura, incluso desde el extranjero. Se destacaba la solidez, madurez, riqueza técnica y compositiva del quinteto, calificándolos como una de las promesas no solo del metal, sino del rock progresivo en Chile y Sudamérica. Aunque la comparación con Dream Theater era muy recurrente, afuera se dijo que las letras en castellano y sus melodías atractivas se volvieron en puntos a favor que le otorgaban identidad.

En mayo del 2000 fue el concierto de lanzamiento del álbum, en el Teatro Monumental, con un invitado muy especial: André Matos de Angra, quien llegaba al país por segunda vez en el lapso de un año, esta vez para participar en unas cuantas canciones con los chilenos.

Tiempo después vino el primer cambio de integrante desde que la banda se había transformado en Metropolis. Por falta de compromiso, según Mauro, le pidieron a César Anguita que dejara el grupo. El tecladista Manuel Soto ingresó para continuar el trabajo.

La otra presentación importante de Polimetro ese año fue la que hicieron como teloneros en el concierto de Symphony X en el Providencia, el 19 de noviembre, la primera de este tipo desde la salida de Metropolis. Pocas veces había tenido tanta importancia el número de una banda nacional, no tanto por la participación y momento del grupo, sino por una especie de polémica que causó la entrevista de Patricio Esquivel en el programa del líder de Criminal, Anton Reisseneger, Carne Molida, cuando dijo que la gente “pagará cinco lucas por ver a Polimetro y cinco lucas por Symphony X“. Se les acusó de “agrandados” y de tener los humos en la cabeza. Según su hermano, las palabras fueron mal interpretadas ya que había querido decir que estaban preparados para entregar un show a gran nivel. Al final, el poco público que asistió (al día siguiente era el recital de Vision Divine y Labÿrinth) los apoyó y Polimetro se fue entre aplausos. Incluso anunciaron la grabación el tema Episodios para hacer un video clip. Desafortunadamente la idea no llegó a puerto.

El 2001 se vino para Polimetro con enormes expectativas, para ellos y para su público. Sacarían el álbum via NEMS para México y Argentina, se importaría a Japón, llegarían copias a Europa, participarían en el disco tributo a la banda pionera del Heavy Metal en Argentina, V8, “Tributo a V8 – V8 No murió” con el tema Tiempos Metálicos, junto con Barón Rojo, Ataque 77, entre muchas otras. Desde Chile, lograrían entrar al mercado internacional. Darían los pasos claves para su carrera en el extranjero. Ese año Balazs les ofrecería hacer un segundo disco y, con estos tremendos desafíos a la vuelta de la esquina, Polimetro se disolvería…

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SONRISA AL VIENTO…
…QUE VIENE Y DESAPARECE…

Había un desorden completo, de ego, de amistad. Era un caos en la banda“. Así se acuerda Carlos Esquivel de los últimos días en que estuvo en Polimetro. A pesar de los años transcurridos desde Fixion, para el bajista Mauricio Espinoza, el concepto de banda estaba errado. “Para mí una banda es un grupo de amigos, no un grupo de músicos tratando de ser amigos“, aunque en un principio las relaciones hayan sido buenas. ¿De qué otra forma abrían aguantado juntos todos estos años? “La gente va cambiando igual que la música“, recalca.

La mala convivencia fue la razón de la salida de Patricio y Carlos y el abrupto final de Polimetro. Pato estaba aburrido que sus ideas no fueran consideradas en el núcleo, por lo que el proceso compositivo se estancó. Entre ellas, la de hacer un disco conceptual y doblar la línea del grupo hacia una más heavy. El ambiente estaba tenso y el roce empezó a ser constante. Había gente que no estaba dispuesta a hacer cosas (…) Uno llegaba con una idea y te decían no, está malo“. Mauro también recuerda que no se podía hacer nada: “La cosa era destruirse. Si uno traía un tema, fuera quien fuera, los otros cuatro lo destruían. Era como el deporte de la banda“. Carlos: “Todo dentro estaba podrido (…) Sentíamos que la parte Dream Theater estaba manoseada. Queríamos salir de ese hoyo y a los integrantes no les gustó“.

Sucedió que Carlos hizo un largo viaje hacia el norte del país y tuvo que dejar por un tiempo su puesto en la banda, por lo que la búsqueda de un reemplazante, temporal al menos, mientras duraran las ausencias de Esquivel, era necesaria. Se contactó a Hugo Martin. Sin embargo Polimetro, a excepción del batero, por supuesto, encontró que Hugo poseía mayores cualidades y disposición para el grupo, por lo que se integró definitivamente. “Carlos estaba dejando de ir a los ensayos y llegó el momento de decidir“, apunta Mauro. El manager, Aldo Robledo, fue el encargado de informarle la noticia.

Cuando a Carlos le dijeron “tú te vas”, -dice Pato- ha sido lo peor que me han hecho en la vida (…) Puede no ser el mejor guitarrista del mundo, que no lo es, claramente, pero él había hecho todo el trabajo. ¡De los once temas había hecho diez y medio!” El que hayan puesto en el Metropolis “todos los temas compuestos y escritos por Polimetro“, fue por razones de convivencia y comprometer en el espíritu del grupo a los demás miembros, “pero todos en la banda -señala Carlos- sabían que yo era el que los escribía“. Mauricio se defiende: “Los temas que hacían ellos quedaban siempre, los de nosotros no. Además era común que los trabajáramos juntos“. “Si el problema era que yo siguiera -continua el guitarrista-, bueno, ellos lo decidieron así. Me sentí un poco fuera de la cosa y salí humildemente, con abrazos y deseándoles toda la suerte“.

Pero Pato no aguantó. Vio que con la salida de su hermano, el compositor, Polimetro no iría a ningún lado. La música y el metal era lo que Pato amaba, pero no tenía ganas ni motivación de seguir con Polimetro y se marchó. Ensayó dos veces más después de la partida de Carlos. Luego, entró Juliano Scuadrito.

Mythology

Lo que más le dolió a Carlos fueron las declaraciones de Mauro en un programa de la radio Futuro, dos semanas después de que Pato se fuera. Al ser entrevistado acerca de la partida de los Esquivel, respondió que “no les había dado el culo para seguir con la banda“, en momentos que se proyectaban en el extranjero, con el disco editado fuera y con posibilidades de presentarse en otros lugares.

Mauricio explica sus palabras: “Soñaste toda tu vida con tener un disco y poder tocar afuera (…) Hubo una opción de irse a tocar a Alemania y ellos (Carlos y Pato) dijeron que no porque no podían dejar la familia y sus trabajos (…) Eso se los dije siempre“. Su frustración se hizo notar.

Según los Esquivel, la banda quedó descabezada, sin composición y empezaron a morir. Polimetro tendría un par de presentaciones más, una de ellas, junto a Shaman en el Estadio Chile. El grupo con sus nuevos miembros logró sostenerse haciendo algunos temas, pero pronto Ricardo decidió alejarse del canto, por problemas personales, al igual que Manuel, el tecladista. De ahí Polimetro guardaría los instrumentos y se separaría. Nosotros no tuvimos nada que ver“, dice Carlos.

La experiencia que aprendimos fue muy grande -agrega Pato-. Había muchas expectativas y gente que esperaba que fuéramos internacionales, y pudimos haberlo sido. Polimetro fue nuestra escuela internacional, nos dejó mucho“.

La disolución de Polimetro -termina Mauricio- fue un error regrande de todos. Lo que pensé en su momento no estuvo mal, pero sí la decisión. Debimos seguir tocando (…) Asumo mi parte por haber dicho lo que dije y espero que los demás hagan lo mismo“. También se enorgullece de lo hecho en la banda. “Hicimos cosas que no se habían hecho antes en Chile“.

EL ARRIBO DE LA LUZ

Mythology le tapa la boca a los que piensan que Pato y Carlos se fueron de Polimetro porque no se la pudieron” – Freddy Cortez, abril 2003

Tan pronto como salieron de Polimetro, Carlos y Patricio Esquivel empezaron a buscar gente para una nueva banda y materializar sus ideas antes no concretadas. Unas cuantas cosas tenían claras. Primero, el grupo sería de Heavy Metal moderno; segundo, para el disco próximo hablarían de la cultura precolombina, materia que Pato había estado estudiando, y, por último, que las letras serían en inglés, algo totalmente inédito en sus trayectorias.El inglés -dijo Patricio en su oportunidad- te abre fronteras, territorios a que el castellano no puede llegar. Nos encantaría algún día ir a tocar a Japón o a Europa, sería increíble… y con el castellano ni siquiera puedes ir a Brasil, Argentina como máximo.

El cantante que se les unió fue Freddy Cortez. Yo lo tenía fichado de a que tiempo“, reconoce Pato. A Freddy lo conocía porque había estado un una banda paralela con él y Hugo Martin, el mismo que sustituyó a Carlos, cuando Polimetro estaba con el disco recién sacado. Dice Freddy que no tuvo ningún profesor con nombre ni apellido, sino maestros “en silencio”.Estudiaba todos los días, me encerraba en mi casa escuchando a André Matos, a Timo Kotipelto, Michael Kiske. Llegaban los pacos, los vecinos dejaban constancia y me fui preso alguna vez“. Freddy venía de Orion y las presentaciones que hizo con este grupo fueron las que le dieron cancha para entrar luego al proyecto de los Esquivel.

Mythology

Ese mismo mes, en junio del 2001, conocerían al tecladista de Buin llamado Aníbal González. Ultrafanático de Yngwie Malmsteen, el Blues y la música barroca, cuando se editaba el cd de Polimetro, él hacía lo suyo en una banda tributo a Pink Floyd.

Al mismo tiempo entró el bajista Carlos Cid, quien el 2000 hizo sus maletas desde Coihaique para prepararse, con el maestro Claudio Vivar, con el propósito de entrar al Conservatorio de la Chile. Ese año tuvo dos clases a la semana y siete horas diarias de práctica. En la prueba “eran quince minutos los que había que tocar y tenía 18 años… Entre super viejo y era casi imposible que quedara“. Cid logró entrar con otras tres o cuatro personas, Sin embargo, el rock pesó más que la música docta y decidió seguir con el bajo, que practicaba desde los 17, dejando un lado la guitarra clásica.

La escena metalera de Aysén se mantiene aunque muy pequeña, “como una llama a punto de apagarse“. Carlos la describe principalmente, como black y death metalera, con pocas bandas, sin infraestructura ni lugares donde puedan ensayar y en un año “ni siquiera hay dos tocatas, una con suerte“. Ya que Internet no está desarrollado como en Santiago (en Magallanes, por ejemplo, aún no ha llegado la fibra óptica), la música se pasa en cassettes y los metaleros se comunican por cartas con los demás del país.

La ventaja de tener una escena incipiente es que no pasa lo que en Santiago. “Es muy unida. En Santiago están como todos disgregados. Los Black con los Power se odian y hablan unos contra otros. Allá son tan pocos que tienen que estar unidos. Si no, prácticamente no existiría una escena“.

El guitarrista Nicolás Munizaga fue el último en integrar las filas del grupo en octubre. Quien empezó a tocar a los catorce, como desafío personal y autodidacta, en el colegio formó un trío en el que interpretaban covers de Satriani y Steve Vai. Luego tuvo clases con Rodrigo Contreras de Criminal y en talleres de Alejandro Silva, pero con el que más aprendió fue con el guitarrista de Shrink, Franco Lama. “Me enseño todo el concepto melódico“. Nico entró gracias un aviso que la banda había puesto en la Rockaxis.Le contesté al Aníbal y me hizo cagar en la audición“.

A esas alturas, la banda ya tenía un nombre. Se le conocería como Mythology…

EL AUGE DEL REINO DEL SOL

Meses de trabajo silencioso, sin conciertos ni presentaciones, fueron los que siguieron para el sexteto, enfocado en las composiciones y preparando la temática del álbum que vendría. Pato había optado, mucho tiempo antes, por hacer un concepto relacionado con la cultura del Imperio Inca, sin tratarse de un enfoque épico europeo. “Nosotros tuvimos una cultura valiosa. Los europeos sí, pero los Incas nunca fueron guerreros, y su sabiduría es admirable (…) Las culturas de América fueron del alma, no guerreras, y aquello no se ha explorado. Queremos que el espíritu de Latino América trascienda en nuestra música, un gran ser mitológico que no lo tienen los europeos, los gringos ni nadie, sólo nosotros. Por eso nos llamamos Mythology“. Freddy: “La idea de los Incas me encantó porque se logra que un concepto bañe al grupo y lo vivamos (…) Bandas como Rhapsody nos muestran su cultura y quedamos alucinados, nos conquistan. Tenemos una hermosa y no la hemos aprovechado“.

Con el objetivo de facilitar la salida de la banda hacia otros países, todo esto sería narrado con letras en inglés, nada incómodo para Cortez, ya que todas sus influencias, desde Sebastian Bach, Axl Roses, hasta Matos y Kotipelto, han cantado en ese idioma.

Mythology

En enero del 2002, Mythology entró a los estudios A&N, donde los Esquivel se reencontraron con Kike Yorio, para grabar dos canciones que entrarían en un EP promocional. Estas fueron The Arrival Of The Light y The Island, más una intro, Illumination. The Kingdom Of Sun, así llamado, no fue tirado a la venta, pero sí enviado a estaciones como Radio Carolina y Rock&Pop, además de poner los mp3s en Internet. Así se expusieron a la crítica, con buenos resultados.

…Les aseguro que los nacionales Mythology exhiben prolijidad sin perder ninguna pizca de potencia, sino por el contrario, gran técnica mezclada con melodía, enganche y poder. Así, Mythology entra en el campo que se encuentran bandas como Elegy, Symphony X y Angra” PowerMetal.cl, mayo 2002.

Este EP y, en gran medida, el atractivo de tener en sus filas a los ex Polimetro, Carlos y Patricio, le sirvió al grupo ser considerado para el concierto de lanzamiento del disco Dead Kings From The Unholy Valley de Six Magics, realizado el 6 de julio de ese año en la Laberinto. En lo que se trató el debut de Mythology en un escenario, interpretaron seis canciones, incluyendo los dos del EP y un emotivo medley de Polimetro que trajeron a la memoria ya clásicos como Fábulas, Episodios, Luz y Sombra y Sola. El resto del número trató de los temas que aparecerían en el LP, algunos anunciados con nombres tentativos (2000 Years, después Power Of Wisdom).

De inmediatamente después se pusieron cabeza abajo en las grabaciones y mezclas del álbum, en los Estudios Yorius de Kike Yorio para lanzarlo, con o sin sello, en agosto. Sin embargo, la intromisión de problemas extramusicales, familiares, retrasos, imprevistos, etc., además de una ida a Concepción con Bloden Wedd, hizo que la fecha de término de la producción se postergara una y otra vez.

Tampoco les convencían las propuestas de contrato que les llegaron de sellos nacionales. Decidieron editarlo y distribuirlo de forma independiente hasta que llegara una mejor oferta (Desafortunadamente para Mythology, esto aún no ha sucedido).

The Kingdom Of Sun, igual que el EP, fue el nombre elegido para el disco que salió, por fin, en diciembre del 2002. Mythology logró entregar un trabajo variado en recursos musicales pero homogéneo a la vez, con canciones tan distintas como la tradicional Power Of Wisdom y la atípica Last Breath, pero unidas por el talento y personalidad de Aníbal en los teclados, las voces de Freddy y, sobre todo, por el concepto del disco que mezcla la cultura Inca con historia, ciencia-ficción, extraterrestres, etc.

Mythology

La historia trata de un indígena y jefe de una tribu, Manca (o Manco Cápac), que con la sabiduría y las revelaciones de Falgar, un maestro del planeta Namybion, creador y padre de los seres humanos, levanta el fabuloso Imperio Inca. Después se ve amenazado por la invasión y ambición de los conquistadores españoles, quienes en realidad descienden de una raza hostil que habitaba en el cuarto planeta del Sistema Solar (PowerMetal.cl, enero 2003).

Eligen el tema A Lake Of Lie como single, el cual sonó en Radio Carolina, Rock&Pop y Rockaxis en Los 40 Principales.

La primera actuación de Mythology con el The Kingdom Of Sun a la venta fue en el Tributo al Rock Finlandés el 5 de enero pasado, con Burning Tears, Alta Densidad y Six Magics. Luego hicieron tocatas en la House Of Rock, dos durante febrero y otra en abril. Participaron el 4 de ese mes en el festival que conmemoró el segundo aniversario del programa Metalogia de Valparaíso, como invitados estelares, realizado en el puerto y con la participación de Sanctuary (tributo a Iron Maiden) Anoxia, Ethernia y Noctus.

En esta actividad se aproximó mayo y para Mythology la oportunidad de mostrar su música en vivo en un concierto más masivo. Este fue el de Hammerfall en el Estadio Chile, en su tercera visita al país desde 1999. Les tocó el turno de abrir la noche ante 2 mil 300 asistentes. Ha sido, hasta ahora, la presentación más importante del grupo que incluyó un recuento de clásicos de Queen, Rainbow, Deep Purple, Judas Priest Helloween, un acto de magia de Freddy Cortez al desaparecer en un dos por tres debajo del escenario después de dar un salto en la tarima, durante A Lake Of Lie, y la grabación de imágenes para editar un video clip de The Island.

¿Qué esperanzas tienen con Mythology? Para Carlos, el guitarrista de Fixion que se enfermó durante la gira por Perú, el mismo que en el clip de Amor Eterno encarna a Yngwie Malmteen, al que André Matos acompañó en el lanzamiento de Polimetro… para él, todas las esperanzas. Según su impresión el grupo está en un muy buen pie anímico, de amistad, de creación, proyectos, etc. La ambición de Mythology es clara… y grande. “Dios quiera, nos ayude a llegar a Europa, a estar en Japón, en mercados grandes donde la banda pueda vender hartos discos. Queremos dar grandes pasos“.

¿Cuál es la promesa de Mythology para lo que viene? Tener un nuevo disco para el 2004. Pato: “Vamos a encontrar lo que siempre hemos buscado y nunca logrado”, en música y creación. Eso, asegura, está en todo Mythology. “Hemos logrado, por una vez en la vida, el equipo ideal”. Es la banda definitiva con la que van a cumplir sus metas. Hasta ahora han trabajado sin manager, con nadie de por medio. Para Carlos, la banda tiene un grupo excelente, bien unido y compenetrado, en lo que es música, en hacer cosas, organización. “No va a ver ningún cambio de acá a lo que queremos lograr”.

Mythology

Formación Mythology:
Freddy Cortez: vocales
Carlos Esquivel: guitarras
Nicolas Munizaga: guitarras
Patricio Esquivel: batería
Carlos Cid: bajo

Avalanch

Un Canto Asturiano

España es sin duda una cuna de buen rock, y sobretodo de buen metal. Bandas como Barón Rojo, Obús y Ángeles del Infierno son leyendas vivientes algunas, parte del pasado otras, de un legado que la llamada Madre Patria ha dejado a los seguidores del rock. Bandas que han llevado el estandarte del metal en español (la otra gran fuente del metal de habla hispana es Argentina, y en menor medida Chile) y lo han hecho traspasar fronteras no sólo en los países de habla hispana, sino que también fuera de los límites de habla hispana.

Sin embargo hubo un vacío de bandas españolas, o puede hablarse también de un desconocimiento de las nuevas agrupaciones que nacían en España. Sólo en la segunda mitad de la década de los 90 comenzó a hacerse notar una nueva hornada de grupos hispanos. Bandas como Tierra Santa, Mago de Öz, Azrael, Ankhara y Saratoga comienzan a hacerse de un nombre en el circuito mundial de esta bella música llamada metal. Pero sin duda, una de las agrupaciones que ha llevado la batuta en el nuevo metal en español, es sin duda la que nos convoca este mes. Los asturianos de AVALANCH, de los que podemos señalar, sin temor a equivocos que son la banda estandarte de la nueva camada de metal español y sobretodo de metal EN Español. Esto debido a que tienen un mayor recorrido histórico, aunque su despegue se produjo bastante tiempo después de sus inicios

Comienza a encenderse la llama.

La historia de Avalanch comienza a fraguarse hace muchísimo tiempo, en 1988, cuando un cuarteto de jóvenes asturianos comienza a hacer crujir los oídos de las almas asturianas, con Alberto Ardines como líder, esta agrupación llamada SPEED DEMONS, es el primer indicio de la banda que, luego de algún tiempo realizando maquetas, y con el agregado de un quinto integrante graba un LP llamado Ready To Glory, completamente discontinuado. Como se señaló de esa agrupación sólo Ardines, en la batería sobrevive en la banda. Es con este trabajo, lanzado por Vudu Records, con el que la banda comienza a hacerse conocida y a acercarse a la gente.

Luego de un tiempo, la banda cambia de nombre, y la anécdota del cambio es sabrosa. Un día en un ensayo, el techo de la sala cedió cayendo encima de los músicos que ensayaban. Alguien exclamó “esto fue como una Avalancha“, quedando así, de la nada, bautizado este quinteto, que luego con Juan Lozano, en las voces (del que alguna vez escuché era chileno, pero no lo aseguraría), Alberto Rionda en las guitarras y teclados, Roberto García en las guitarras, Francisco Fidalgo en el bajo y el ya citado Alberto Ardines en la batería, empiezan la historia de una de las bandas más influyentes en la escena española: Avalanch.

Va a ser entre Agosto de 1996 y Marzo de 1997, cuando Avalanch graba su segundo disco, segundo numéricamente, pero primero en lo que a nueva formación y nuevo estilo se refiere. Entran a los Estudios Bunker de Astillera, y luego de casi ocho meses de composición y grabación, ve la luz La Llama Eterna, un disco que dejó muy contento a la agrupación asturiana, lo que redundó en conversaciones con diferentes sellos para la distribución del material. Luego de tratativas con diferentes sellos, la banda decide entregar su material para la distribución fuera de las fronteras españolas al prestigioso sello italiano Underground Symphony, quien además lanzaría una edición del mismo disco, pero en inglés, el que básicamente es una versión del disco en español, con algunos cambios en orquestaciones, pero líricamente es lo mismo, pero traducido al inglés, algo muy difícil, pero que resultó de una gran manera. La edición en España, quedaba a cargo de Estudios Bunker

Del disco podemos señalar que, a pesar de que no suena del todo bien, ya que el sonido es un tanto sucio, Avalanch se destaca tanto en lo musical, como en lo lírico. En el primer aspecto, nos encontramos frente a un power metal de mucha velocidad, mucha fuerza, muchos cojones, pero a la vez muy bien ejecutado, con influencias de bandas señeras como Helloween, pero en especial de una de las bandas preferidas de Rionda, Angra, sobretodo en lo que a percusiones se refiere, como en la gran El Mundo Perdido, donde Fernando Arias como invitado, realiza todo el trabajo de percusiones.

Además de lo netamente musical, Avalanch destaca en lo lírico, contando historias de héroes, guerras, pero que no deja de lado lo juglaresco como en la gran La Taberna. Temas como El Mundo Perdido, Rainbow Warrior y Vicio Letal, donde se trata el tema de las drogas, son las que más destacan dentro de un álbum muy poderoso, aunque como señalamos con un sonido que pudo haber sido mejor

Avalanch

Los Héroes no Lloran

Víctor García entra con inusitada fuerza en la banda. Un gran show en Barcelona da el vamos a una siguiente etapa en la vida de la banda. Víctor es, sin duda un vocalista con más fuerza que Lozano, más rudo, y con una mayor actitud en escena, sin contar que además es un gran compositor.

Es en el mes de Noviembre donde el grupo concluye la gira hispana y se lanza de lleno a grabar lo que sería su segunda placa. Nuevamente los Estudios Bunker fueron escogidos, y bajo la producción de Alberto Rionda, nace el mejor disco de Avalanch hasta hoy, el gran Llanto de Un Héroe. Este disco fue masterizado en los Estudios Metropolis por el prestigioso Tim Young. El resultado, sin duda es fabuloso. Partiendo por el sonido, mucho más pulcro y de mejor calidad que su predecesor, que hace que la música, en esencia similar a La llama Eterna adquiera un cariz distinto, sonando mucho más potente. Temas como Torquemada, uno de los grandes clásicos de la banda, Por Mi Libertad, con grandes toques de percusiones que suenan muy a lo Angra, la majestuosidad de El Cid, y ese gran himno que es Aquí Estaré, que representa mucho la vida del músico metalero, son parte de un álbum que en España ha hecho historia.

No está de más decir que la recepción del público fue apoteósica, tanto en ventas del disco como en presentaciones de la banda en directo.

Y es precisamente este poder en directo el que lleva a Avalanch hacia un nuevo desafío: dejar un testimonio de sus presentaciones en directo, además de ser una forma idónea de manifestar a su público, a la fiel fanaticada de Avalanch, la gratitud de la banda por el apoyo brindado en los shows y en los comentarios hacia los discos. Esto llevó a la banda a lanzar un deico en vivo, Días de Gloria, que es fruto de una presentación de la banda en la sala Quattro de Avilés, el 18 de Junio de 1999, el cual fue editado sólo en formato cd, ya que la banda no quedó del todo conforme con el trabajo visual del show, decidiendo no lanzar el disco en formato de video. De todos modos es una gran muestra de lo que Avalanch en vivo, que tiene dos gracias funadmentales: la primera de ellas es que suena como un recital. Aunque suene obvio decirlo, hay muchos trabajos en vivo, que parecen ser en estudio con gente gritando atrás, hay demasiada post producción, lo que hace que se pierda esa magia que sólo los recitales son capaces de entregar. Algo que en este disco, está muy lejos de ocurrir. El otro punto a favor del disco, es que es una muestra de Víctor García cantando temas de La Llama Eterna como Vicio Letal y Excalibur, más el himno de los alemanes Helloween, I Want Out. Esto sumado al cover de Queen, Save Me, hecho en versión estudio, hacen de este trabajo en vivo uno de los mejores hechos en la madre patria, comparado en su momento al gran Barón Al Rojo Vivo de la leyenda hispana, Barón Rojo.

La Partida de un Ángel Caído y los Nuevos Tiempos

Avalanch no paraba, luego de la gira de Llanto de Un Héroe, la banda tenía nuevos temas en mente, por lo que un nuevo álbum era sólo cuestión de tiempo. Nuevamente la banda se traslada a lo que prácticamente se convierte en su segundo hogar, los Estudios Bunker, a trabajar en temas para su ya cuarto trabajo. Con Iván Blanco en los teclados, como miembro estable de la banda, ésta se enfoca en encontrar un sonido de excepción y composiciones de excepción. Tanto Rionda como García se esmeran por poner su mayor talento compositivo, uno con su genio y el otro con su garra. Fruto de este esfuerzo es que nace El Ángel Caído, un disco excelente, pero que, personalmente no logra el brillo de su anterior placa. Pero es una apreciación muy personal. Los medios de todo el orbe, incluídos aquéllos que no son de habla hispana, se rinden ante esta obra musical. Comentarios como “Extraordinario” (Metal, Italia), “Rezad por los dioses del metal español” (The Metal Observer) son algunos de los comentarios vertidos hacia el trabajo de estos asturianos. De hecho, este último medio pide encarecidamente una nueva traducción de esta placa, tal como lo hizo la banda con su primer disco, La Llama Eterna. Temas como Levántate y Anda, El Ángel Caído y la magistral Las Ruinas del Edén, que es una obra maestra en sí misma, y que cuenta con la colaboración de Leo, vocalista de Saratoga. Estamos en presencia de un disco completo, que tiene un correlato lírico y musical, aunque reconozco a veces un déficit en lo lírico, y una caída en lugares comunes, que, de todos modos no merman el gran trabajo que hizo Avalanch con este disco. Quizás el brillo y la majestuosidad de Llanto de un Héroe opaca un tanto a este disco. Nuevamente es un éxito de ventas, transformándose en el disco más vendido en el país en el género metal nacional.

Sin embargo la historia de Avalanch no está exenta de piedras en el largo camino hacia la leyenda. Y esas piedras provienen de la voz. Sí, porque diferencias musicales, personales, que nunca se han dilucidado del todo, hicieron que Víctor García, la voz que se transformó en característica de Avalanch deje la banda para explorar nuevos horizontes. Sin embargo, no se fue sólo, lo acompañó el baterista y uno de los fundadores de la banda, Alberto Ardines, quienes pasan a crear Warcry. El golpe fue fuerte, remeció la escena rockera hispana, pero sin embargo, Rionda no se iba a quedar de brazos cruzados, tenía que encontrar a un reemplazante con una voz que diera en el punto exacto que Avalanch necesitaba como vocalista, que, en una banda es el encargado de transmitir lo que la banda quiere expresar. El elegido fue Ramón Lage, un viejo conocido de Rionda, ya que participó en la banda PAco Jones, cuyo último disco, Invisible fue producido por, Rionday Marco Álvarez, ex Storm, en la batería.

Ahora la tarea era crear un disco tal que hiciera olvidar no a Víctor, que marcó una historia en la banda, sino que olvidar los problemas que rodearon la salida de los músicos de la banda y que reposicionara a Avalanch en lo más selecto no sólo del metal español, sino que europeo. La tarea era difícil, Warcry, con Víctor García como líder había lanzado el extraordinario El Sello de los Tiempos, un disco que hace, en muchos momentos recordar el Avalanch de Antaño. Sin embargo Rionda, que musicalmente es un genio, nos tenía guardado un as bajo la manga. Un disco totalmente diferente, alejado de la épica que por momentos rodeaba los discos anteriores de Avalanch y que habían sido bien reproducidos por Warcry, e inmerso en una pulcritud y eleancia que la banda no poseía antaño. Sonidos que rememoran al más puro Angra, muy íntimo, con arreglos vocales y musicales excelentes. Cada tema es una obra maestra en sí, llena de emoción y sentimiento, donde Ramón juega un papel fundamental. ¿El nombre de la obra?, Los Poetas Han Muerto, un título sugerente, hermoso, que lleva un correlato visual impresionante, con la portada a cargo del maestro Luis Royo, y con una poesía en sus letras que no se había visto anteriormente. Quizás para los más puristas seguidores de Avalanch, podría sonar un poco débil, sin embargo la respuesta del público no se hizo esperar, posicionando al álbum en su primera semana de aparición en el nº 2 no del metal español, sino que de toda la industria musical hispana. De hecho, en la lista de los discos más vendidos, Avalanch es sólo superado por… Joaquín Sabina, lo que muestra el nivel de aceptación que ha tenido no sólo el grupo, sino que también LAge en las voces. Personalmente un discazo.

¿Qué le depara el futuro a Avalanch?. Ésta es una pregunta de resultados insospechados. La historia ha mostrado que la banda es dura, que se ha sobrepuesto a muchos avatares y, lo más probable es que giren un torno su línea musical, hacia lo que van con su última placa. Un metal directo, pero lleno de sentimiento, de emoción y de elegancia. Que quizás sus letras ya no hablarán de historias épicas, sino que girarán hacia temas más personales, más íntimos, como en la hermosa Alborada, una historia que para Rionda es muy especial. Si de algo podemos estar seguros, es que Avalanch hay para rato, y que definitivamente esta banda española está destinada a convertirse en una leyenda en la madre patria, en ser los dignos sucesores de Barón Rojo y de llevar el estandarte en el mundo del metal en nuestra lengua.

Los Poetas No Han Muerto, les resta una larga vida.

Avalanch

Alineación:

Ramón Lage: Voz
Alberto Rionda: Guitarras
Roberto García: Guitarras
Francisco Fidalgo: Bajo
Iván Blanco: Teclados
Marco Álvarez: Batería

Dream Evil

Dream EvilSi hacemos un recuento de lo mejor del 2002, podemos encontrar grandes discos de bandas consagradas, como Blind Guardian, Nightwish o Symphony X. Pero si vamos más allá e intentamos dilucidar la interrogante de cuál fue la revelación del pasado año, tenemos algunas alternativas, como por ejemplo los finlandeses de Thunderstone. Sin embargo una banda que, en sólo un año creció como espuma debido a su fantástico disco debut, fue sin duda la banda que nos convoca este mes: nos referimos a los suecos Dream Evil.

Suecia es una cuna de grandes músicos y sobretodo de grandes bandas, resaltando, sin lugar a dudas la escena de Gotemburgo, aunque debemos destacar que Gotemburgo, es más célebre en lo que a bandas death metal se refiere, llegándose a hablar de un estilo de metal: el death metal sueco.

A pesar de que Suecia esté ligada al trabajo más extremo, existen grandes bandas de heavy metal nacidas bajo el frío de las tierras boreales: partiendo por el gran Yngwie J. Malmsteen y con Hammerfall como referente más cercano. Y es esta banda la que tiene un roce con la banda de este mes, parentesco que se detallará más adelante.

DE PRODUCTOR A MÚSICO

Pero dónde están las raíces de esta banda que dio tanto que hablar el pasado año. Habría que remontarse a 1999 cuando el ya afamado productor, Fredrik Nordström un reputado productor musical que ha tenido a su haber bandas de la talla de HammerFall, In Flames, Dimmu Borgir y Spiritual Beggars ente otras decide que su conocimiento musical podría canalizarlo en una banda propia. Antes de dedicarse por completo a su trabajo en los Estudios Ferdman, Fredrik, quien vive en un pequeño campo a las afueras de Gotemburgo, había estado tocando en una banda de covers llamada Snake Skin Cowboys, pero que sin embargo nunca abandonó la idea de tener una banda propia, con temas propios.

Dream Evil

Para eso se une a su gran amigo, el joven Gus G., ex guitarrista de bandas como Firewind y Mystyc Prophecy, venido de las mitológicas tierras griegas, más específicamente de la ciudad de Thessaloniki, pero que pasa su mayor parte del tiempo en un departamento compartido con unos amigos en Gotemburgo y le propone llevar adelante un proyecto musical, haciendo germinar la semilla de algo que vería la luz más adelante.

Dream Evil

Pero faltaban aún más músicos para llevar a cabo esta propuesta musical. Para llenar el puesto vocal, Fredrik contacta a un vocalista invitado en los dos primeros albums de HammerFall (y ahí la ligazón entre HammerFall y Dream Evil), que él había producido, por tanto ya había sondeado para poner la voz en DreamEvil, nos referimos al experimentado (está por sobre los 35 años) Niklas Isfeldt, quien pone su particular voz, muy en la onda de Anders Zackrisson, primer vocalista de los también suecos, Nocturnal Rites. Fue invitado a un ensayo, y bastaron sólo pocos minutos para que Fredrik se diera cuenta que su voz calzaba perfecto en lo que él tenía pensado para DreamEvil, por lo que no hubo que buscar más: Niklas se transforma en el vocalista de este nuevo grupo. De hecho, fueron necesarias sólo tres canciones para que Gus G. saltara gritando en la sala “Él es, él es!!!”, y así no más fue.

Dream Evil

Ya la base estaba casi formada, sólo faltaba llenar los puestos de la base rítmica, esto es bajo y batería. En el primer caso, la vacante fue llenada en forma natural, porque es común que las bandas hayan tenido experiencias anteriores, sobretodo tributando en bandas de covers, y ésta no es la excepción, ya que una cosa trae a la otra y la llegada de Niklas a la banda trajo de la mano le llegada de uno de sus grandes amigos a DreamEvil, el bajista Peter Stålfors, oriundo de Hindes, un pequeño pueblo a 35 kms. a las afueras de Gotemburgo. Peter era un viejo conocido de Niklas, puesto que había estado compartiendo escena en una banda de covers con él llamada The Jericho Brothers, donde habían entablado una gran amistad, y que también participó en el primer disco de HammerFall, por lo que la llegada a Dream Evil, fue más sencilla de lo esperado. En efecto en el momento de que Niklas fue elegido como vocalista, éste les señaló que conocía a un bajista, le preguntaron si era bueno, Niklas respondió afirmativamente, con lo cual Peter se transforma en el bajista de la incipiente banda.

Dream Evil

Y el puesto de la batería fue llenado de una forma no menos sencilla. Estando en Inglaterra Gus y Peter conversaban acerca de la necesidad de un baterista permanente. “Sí, pero un buen baterista, porque hay una gran cantidad de bandas con malos bateristas“, señaló Peter. Gus conocía a una de las leyendas de la batería, Snowy Shaw, quien trabajó con King Diamond, Notre Dame y Memento Mori, por lo que Gus quedó en llamarlo, sin saber si éste aceptaría, por su reputación. Sin embargo éste aceptó en un principio a ayudarlos en los ensayos, la sintonía fue tal, que pasado un tiempo, se le ofreció que tocara en la banda de forma permanente, ante lo cual Snowy aceptó gustoso.

Dream Evil

Con los músicos ya listos, había que ver qué nombre se le ponía a este nuevo grupo. Fredrik se había anticipado a muchas cosas, entre ellas a conseguir sello para su banda. El hecho de ser un reconocido productor le abrió las puertas a numerosas casas discográficas, entre ellas Century Media, que fue la elegida para distribuir el futuro trabajo de la banda. Con ellos mismos fue la discusión acerca del nombre para el grupo. Fredrik es un gran fanático del Hard Rock y del heavy metal de los ’80, bandas como Thin Lizzy y Accept son influencia directa de este músico sueco, quien encontró en Ronnie James Dio una fuente de inspiración para el nombre del grupo. Claro está… Fredrik antes de elegir el nuevo nombre se había paseado por toda la familia de los “Dragons”, “Dragon Heart”, “Dragon Foot”, “Dragon Kidney”, hasta llegar al “Dragon Slayer”, sin embargo el tema no agradó a Century Media. Hasta que llegó el nombre de uno de los más grandes discos de Dio a Fredrik, “Dream Evil“, lo cual encantó al músico y lo presentó a los encargados del sellos quienes se manifestaron conforme. Paradójico, Dragon Slayer iba a ser el nombre del grupo, pero terminó siendo el nombre del disco.

Ya estaba todo listo y la ventaja de que todos son muy buenos músicos, hizo que el proceso de composición del material fuera más fácil, por lo que el resultado, si bien demoró, por los compromisos de los integrantes de la banda, sobretodo de Fredrik, hicieron que a mediados del 2001 la banda se metiera de lleno a los estudios Ferdman (era que no), con la producción de… Fredrik Nördstom, lo cual pudiera parecer fácil, sin embargo él ha declarado en más de una oportunidad que ese proceso ha sido muy difícil puesto que es mucho más difícil alcanzar un sonido propio, por la responsabilidad que conlleva crear un sonido particular, propio, no para terceros.

Dream Evil

El resultado fue extraordinario. Se sabía que Fredrik y la banda en sí, tenían en mente un disco melódico, pero a la vez con mucho poder. Lo que quizás la banda no imaginó fue la repercusión que iba a tener el disco, ya que rescata todo el hard rock de los ’80, con un tinte de heavy metal de la vieja escuela, que recuerda un tanto a HammerFall, pero que va más allá, Dragonslayer (nombre que como se señaló estaba elegido hace tiempo), es un disco muy variado, con temas que van directo al hueso, de distinta forma, con temas a medio tiempo, muy melódicos, como la excepcional Chasing the Dragon, que es la que abre los fuego; con temas rápidos muy bien logrados, como In Flames You Burn, y la magistral The Prophecy, un tema directo, muy powermetal, que está llamado a convertirse en un nuevo clásico. Pasa por momentos de carácter hímnicos, con The Chosen Ones y Heavy Metal In The Night, momentos de calma que encontramos en Losing You, y entretención con Heavy Metal Jesus. En este trabajo, Fredrik trabaja en un par de temas con la sección de cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Gotemburgo, conocida por Fredrik ya que trabajó con ella en el Puritanic Euphoric Mysantropia de Dimmu Borgir, quienes realizan un sutil y excelente trabajo en The Chosen Ones. Un artwork muy poderoso a cargo de Axel Hermann, da un complemento perfecto entre imagen y música.

Este álbum le trajo excelentes dividendos a la banda sueca con excelentes críticas, los medios especializados de todo el orbe se rindieron a los pies de este nuevo portento musical. Frases como “si vives para el heavy metal y además te gusta el power metal, no hay razón para que no ames este disco” (Metal – Rules); “con un mayor desarrollo de su estilo están llamados a formar parte de las grandes ligas del heavy metal” (Metal Reviews); “estamos en presencia de la revelación del 2002, un disco potente, con una fuerza y frescura que se extraña y que siempre será bienvenida.” (Powermetal.cl), sirvieron de base para un real y prematuro éxito que los hizo pisar grandes escenarios como el Wacken, el 3 de Agosto del 2002. Giraron por toda Europa, y llegaron incluso a pisar tierras niponas, lo cual indica que el suceso fue amplio.

Dream Evil Dream Evil

Pero la banda no se duerme en los laureles, a pesar del éxito, las cosas fueron tomadas más en serio, y comenzaron a trabajar en nuevo material. Entre giras, siguieron componiendo, tratando de mantener el nivel de composiciones, para que lo sembrado con Dragonslayer, no se esfumara, y es así como desde Septiembre del pasado 2002, Dream Evil trabajó en nuevo material, siempre en los estudios Ferdman. Este material vio la luz el 27 de Enero de este año, y lleva por título Evilized. En este trabajo, nos encontramos con una banda que no ha perdido el poder y la melodía que los ha hecho particular, sin inventar absolutamente nada nuevo, sino que rescatando la potencia del heavy metal y hard rock de los ’80, y eso entre tanto trabajo similar que privilegia los sonidos más “épicos”, con más fineza que fuerza, se agradece, ya que Dream Evil va por otro lado, por el contrario ya que la música de esta banda sueca desborda poder. Se destacan en este disco la potencia de Break The Chains, con un gran trabajo melódico entre Fredrik y Gus, la potencia de By My Side, y los sonidos hímnicos de Made Of Metal. Podemos señalar que es un disco más maduro, quizás más hard rockero que su predecesor, con un excelente trabajo del autodidacta Niklas.

Qué le espera a Dream Evil en el futuro. Disfrutar y aprovechar de los buenos dividendos que, de seguro, les dejará este disco. Preparar la gira europea con HammerFall que los llevará a Alemania, Francia y España, entre otros países.

Dream Evil

Como palabras finales, podemos señalar, que quizás a esta altura, es poco lo que se pueda crear, la mayoría (por no decir todas) las bandas nuevas siguen una influencia, por lo mismo quizás la influencia de bandas como Iron Maiden, Dio y Manowar es escasa, sin embargo podemos señalar que estamos en presencia de una banda que ha rescatado todo el hard rock y todo ese heavy metal clásico y nostálgico, lleno de melodía, le ha regalado frescura y mucho, pero mucho poder. Dream Evil es una banda cien por ciento recomendable, no sólo para los amantes del clásico heavy metal, sino para todo aquél que disfruta del buen rock, y eso se agradece. Si le das “Larga Vida al Rock And Roll”, Dream Evil es imprescindible.

Kamelot

Kamelot es una banda que poco a poco ha ido ganándose un espacio en la escena metalera mundial. Y eso tiene un gran mérito, considerando que, como hemos dicho en reiteradas oportunidades, Estados Unidos nunca ha sido un país muy prolífico en cuanto a Power Metal “Europeo”. El mes pasado destacábamos a Symphony X, y anteriormente a Iced Earth, pero Kamelot es una banda diferente. Quizás diferente a todo el resto.

Esta banda de Tampa, Florida, Estados Unidos, nace en 1991, en pleno período de auge del grunge, cuando un joven guitarrista llamado Thomas Youngblood (¡qué apellido, “sangre joven”!) empezó a hacer sus primeras armas junto a su compañero de colegio, Richard Warner, quien tocaba la batería. Youngblood, desde los 13 años, poco después del fallecimiento de su padre, se dedicó a su primer instrumento musical, el saxofón, por lo cual empezó bastante “tarde” a tocar la guitarra, a los 17 años, tomando clases con un profesor griego de guitarra clásica durante un año, ante lo cual comenzó a animarse a crear su propia música. Ya en ese proceso, un amigo, Les Dave Alvarez, le presentó al mencionado Richard Warner, y comenzaron a tocar canciones de grupos que ambos les gustaban: Iron Maiden, Rush, Judas Priest y otros.

Kamelot

Tras un montón de pruebas, Mark Vanderbilt -como vocalista- y Glenn Barry -como bajista- se unirían a Thomas y Richard, completando ya su primera formación como banda. Barry tocaba en una banda llamada Hemlock, banda que estaba en proceso de lograr un contrato con una disquera, y era un muy buen amigo de Youngblood. Vanderbilt cantaba en bandas de covers, y es importante señalar que su profesor de canto fue Al Koehn, quien también fue profesor de Midnight, ex vocalista de Crimson Glory, con quien se le comparó en reiteradas ocasiones. En los años venideros, la banda comenzó a trabajar en material propio, y en invierno de 1993, se une a la banda David Pavlicko como tecladista, lo cual proporcionaría a la banda un evidente enriquecimiento sonoro, con influencias como el metal europeo e incluso elementos de jazz clásico.

Kamelot

Ya en 1994, Kamelot consigue firmar con la compañía germana Noise Records, quien produciría su primer trabajo. Y a fines de 1995, lanzarían a la venta su álbum debut, denominado “Eternity“, que consiguió una gran aceptación de la crítica especializada, quien calificó a Kamelot como una de las más grandes “promesas” existentes en el metal de aquellos tiempos, prácticamente “hecho” para fans de Crimson Glory. “Eternity” nos muestra un metal distinto, bastante “sofisticado” (por lo que a veces carece de fuerza) y progresivo, y en él destacan temas como el que le da el nombre al disco, “Eternity”, “Proud Nomad” y “One Of The Hunted”, entre otros, con un sonido que por momentos intenta emular a grandes bandas del género, como el antiguo Queensrÿche o los ya mencionados Crimson Glory. Lamentablemente, el disco adolece de ser algo repetitivo.

No pasaría mucho tiempo, tan solo poco más de un año (1997), hasta la salida de su segundo trabajo, titulado “Dominion“, disco que muestra que la banda estaba comenzando a consolidarse. Es un disco que muestra un poco más de Power, y los mezcla con matices progresivos bastante interesantes. Excelentes riffs y un muy buen manejo de los medios tiempos y de los arreglos orquestales son ingredientes esenciales de este trabajo, grabado (tal como “Eternity”) en los conocidos Morrisound Recording Studios de Tampa, Florida, Estados Unidos, bajo la producción de Jim Morris, conocido por su participación como productor de sus compatriotas de Iced Earth. De este disco destacan cortes como “Birth Of A Hero” o “Song Of Roland”, entre otras. Ya en estos tiempos, Youngblood señalaba: “Nuestro fan ‘promedio’ no desea escuchar millones de cambios de tiempos, solos de guitarra por todas partes y un baterista que toque en todas partes… es divertido que nos incluyan dentro de la categoría ‘progresiva’, porque no estamos realmente inclinados hacia lo progresivo, para nada. Si realmente lo quisiéramos, podríamos ser muy progresivos, pero no es lo que más nos atrae hacer…“. Puntualizando en lo anterior, Youngblood señala lo siguiente: “Creo que es más Power Metal lo que hace Iced Earth, incluso lo más antiguo de Iron Maiden … me gusta pensar que Kamelot es una mezcla entre lo melódico, Power y progresivo“.

KamelotYoungblood es muy crítico acerca de la imagen que el metal tiene en su país de origen, envidiando un tanto a las bandas europeas. En alguna oportunidad señaló: “Hay una GRAN diferencia entre los locales y pubs en Estados Unidos y en Europa… en esta última, la gente va a verte y no sólo a tomarse una cerveza … los fans realmente legitiman el género del metal en Europa. En Estados Unidos, todavía nos consideran como una clase baja o que no somos lo suficientemente ‘cool’… pero afortunadamente eso está cambiando, pienso que Internet ha ayudado, los fans están siempre ahí, pero no hemos tenido suficiente apoyo de los medios en Estados Unidos. Ojalá que, con suficiente presión, eso pueda cambiar“.

Tras el éxito de “Dominion”, tanto en las ventas como en cuanto a la crítica (Kamelot era distinguido por los especialistas como uno de los nuevos líderes en el Metal melódico en los Estados Unidos), nace la posibilidad de efectuar una gira de presentación, con lo cual, los problemas ya existentes al interior de la banda se acentuaron. Ni Richard Warner ni Mark Vanderbilt podían salir de gira. A este respecto, Youngblood contaba: “quizás use el viejo cliché y decir que ‘son sólo razones de trabajo, nada personal. Debíamos crecer musicalmente, y de otra forma no estaríamos siendo honestos ni con los fans ni con nosotros“. Mark y Richard no quisieron o no pudieron continuar debido a sus trabajos, y nosotros realmente queríamos salir a tocar afuera”. Irónicamente, poco tiempo después, Warner sería despedido de su trabajo, quedándose sin pan ni pedazo. Así, comenzó la búsqueda de un nuevo baterista y vocalista. Thomas y Glenn visitaron algunos locales en Clearwater, Florida, y en uno de ellos vieron tocar a Casey Grillo, de 21 años, que tocaba en una banda de covers llamada Sequel, que variaba desde los Rolling Stones hasta Aqua (“I’m a Barbie Girl, in my Barbie World” … esa misma). Grillo, actualmente profesor de batería, era fan de bandas como Fates Warning y Queen, entre otras, por lo que, además de su calidad como baterista, sus gustos encajaban perfecto con los del resto de la banda.

Kamelot

El problema sería encontrar un vocalista. Youngblood no pretendía que fuese alguien ultra famoso ni mucho menos, pero que tuviese cierta experiencia. Después de oír entre 75 y 100 audiciones, la banda ya tenía listo su tercer trabajo en estudio, pero no había encontrado vocalista. Y casi por casualidad, lo encontraron … Youngblood deseaba contar con Tommy Newton para mezclar el álbum, a través de quien se enteró de que el grupo Conception (de cuyo vocalista siempre había sido un acérrimo fan) se había disuelto hacía poco. Tres semanas después, el noruego Roy Khan viajaba hacia Tampa para grabar las voces del nuevo disco. La química fue perfecta y “Siége Perilous” el consecuencial resultado. Al principio, la idea es que Khan sólo grabase el disco, pero todo decantó en que se convirtiese en el nuevo vocalista estable de Kamelot.

Kamelot

Así, con nueva formación, en 1998 Kamelot lanzaría a la venta su tercer trabajo en estudio, llamado “Siége Perilous“. En este disco comienza a apreciarse, tenuemente, un viraje en el sonido de la banda, con elementos un tanto más Power, además del hecho que la voz de Khan marcaba notorias diferencias con la de Vanderbilt. De este trabajo, destacan cortes como la rápida “Millennium”, “Providence” o “Rhydin”. Gracias al éxito de su último disco, la banda tuvo la chance de efectuar un pequeño tour por Europa en 1998, para luego tomarse un tiempo de descanso. De hecho, Youngblood se fue a las montañas de Virginia para poder relajarse y componer. Luego, en Marzo de 1999, Youngblood iría a Noruega, junto a Roy Khan, y pasar 3 semanas retomando fuerzas para componer, en medio del frío y la nieve. Cuando se le preguntó a Thomas acerca de sus inspiraciones al componer, señaló sencillamente: “la vida misma, los fans y mi propia necesidad de crear“.

Los años venideros marcarían una bisagra en la carrera de Kamelot. Si bien sus anteriores trabajos (especialmente “Siége Perilous”) son bastante buenos, lo que vendría lanzaría a Kamelot a la élite del Power Metal. Muy determinante es el cambio de productor de la banda: ahora lo sería el ya mítico Sascha Paeth, guitarrista de Heavens Gate y productor de bandas como Rhapsody y Angra. Además, Roy Khan pasaría a escribir los lyrics y las líneas vocales. Y además, David Pavlicko deja la banda. Todo ello decantaría en su cuarto disco en estudio, llamado “The Fourth Legacy“, un disco realmente notable, que cuenta con una evolución en su sonido hacia algo mucho más Power, pero sin perder la sofisticación de su sonido. Es más, aumentándola, creando un estilo de Metal más bien “de salón” o “fino”. Temas fantásticos como el fantástico intro “New Allegiance” (basado en “Eclipse”, obra de René Duperé, conocida por ser la introducción que utiliza la Radio Agricultura), “The Fourth Legacy”, “Nights Of Arabia” o la muy Power “Until Kingdom Come” (con los teclados del conocido Miro) son indispensables en el inconsciente de cualquier buen fan del Power Metal. Además, hay que señalar que este trabajo cuenta con una gran cantidad de músicos invitados, como los nombrados Paeth (algunas guitarras adicionales) y Miro (a cargo de todos los arreglos orquestales), Thomas Rettke (vocalista de Heavens Gate) y Cinzia Rizzo (voz femenina en los discos de Luca Turilli). Estamos en presencia de un nuevo Kamelot.

KamelotKamelot

Como ya es una costumbre a fines de los ’90, una banda medianamente exitosa a nivel mundial DEBE tener un disco en vivo. Antes costaba más. Pero en fin, lo de Kamelot no es tan criticable, ya poseía 4 discos en estudio a cuestas (hay bandas que sacan un disco en vivo un año después de sacar su primer trabajo en estudio …), y la solidez de su último trabajo les permiten ganarse el honor de mostrar su trabajo en vivo al público. Así, tomaron las grabaciones de sus conciertos en Alemania y Grecia en abril del año 2000 (en la gira que efectuaron junto a Crimson Glory y Evergrey) y dieron vida a “The Expedition” en Septiembre del mismo año. El disco, que cuenta con Günter Werno de Vanden Plas como tecladista invitado, es una correcta muestra de lo que Kamelot rinde como banda. Sabemos que donde se ven “los gallos” es en vivo, y Kamelot no destiñe. El disco cuenta, además, con tres temas en estudio: “We Three Kings” (inédita), “One Day” (bonus japonés de “Siége Perilous”) y “We Are Not Separate” (versión re-hecha del original que aparece en “Dominion”).

Ya en el año 2001, el nuevo Kamelot ya estaba listo para lanzar a la venta su quinto álbum en estudio. Khan y Youngblood se trasladaron a Wolfsburgo, Alemania, donde grabarían su nueva placa, la cual sería llamada “Karma“, un disco que refleja fielmente lo que es Kamelot: una banda elegante y sofisticada, quizás no tan potente, pero que aprovecha de forma notable el estilo y carácter de su sonido. La química compositiva de la dupla Khan/Youngblood comienza a acercarse a la perfección. En este disco podemos encontrar numerosos puntos altos, como la poderosa “Forever”, la preciosa “Don’t You Cry” (que Thomas Youngblood dedicó a su fallecido padre), y la fantástica trilogía “Elizabeth”, compuesta por “Mirror Mirror”, “Requiem For The Innocent” y la muy heavy “Fall From Grace”, basada en la historia de la condesa húngara Elizabeth Bathory, nacida en 1560 y famosa por sus crueles actos de vampirismo y torturas con más de 650 jóvenes vírgenes, quien pensaba que la sangre de sus víctimas le permitiría alcanzar la juventud eterna. Si bien “Karma” no es un disco propiamente conceptual, Youngblood deseó tocar el tema de la religión, señalando que “siento que la religión organizada ayuda más a separar a la gente que a unirla, mostrando sus diferencias en lugar de mostrar qué es lo que todos tenemos en común“. El disco cuenta, nuevamente, con la participación de interesantes invitados, como Robert Hunecke-Rizzo (Heavens Gate, Virgo), Olaf Hayer (Lord Byron, Luca Turilli) y los ya nombrados Paeth y Miro.

KamelotKamelot

Durante el recién pasado año 2002, la banda efectuó un bastante largo tour europeo, que los llevó a efectuar alrededor de 10 conciertos sólo en Alemania, y otros tantos en otros lugares, como Italia, Suiza, Bélgica, España, Portugal, etc.. Una vez terminada la gira, y tras un pequeño descanso, la banda comenzó a ponerse en campaña para trabajar en su sexto trabajo en estudio, el que será lanzado en este mes. En cuanto a la parte lírica, Youngblood señaló: “la inspiración viene de Fausto (la conocida obra del escritor y filósofo germano Johann Wolfgang von Goethe) y nuestros (de los miembros de la banda) principios, de vivir la vida día a día“. El disco se denomina, como ya se ha divulgado, “Epica“, y es muy probable que cuente con una segunda parte. De hecho, la parte lírica ya está escrita. Youngblood cuenta: “Ya escribimos la historia para ‘Epica II’, no así la música. Queremos dejar abierta la opción, de que nuestro siguiente disco sea ‘Epica II’, o hacer dos discos más a partir de ‘Epica’. Hacer un álbum conceptual es más difícil. Requiere más energía … no quisimos que ‘Epica’ se llamase ‘Epica, Part I’, pero existe la posibilidad de hacer otro, considerando que la historia ya está lista“.

Para este año 2003, además del lanzamiento de “Epica”, Kamelot ya tiene confirmados algunos shows en España (en nuestro otoño), y probablemente puedan venir a Sudamérica, lo cual, sabemos, no depende de la banda. Luego, tienen proyectado ir a los festivales metaleros europeos, efectuar un nuevo tour por Europa e ir por vez primera a Japón, uno de los sueños de Youngblood. Como se ve, Kamelot es una banda trabajólica y ambiciosa. Y esa es la clave… si el trabajo y el talento van de la mano, la vida te condena al éxito. Bien por Kamelot, una banda que ha forjado su nombre e importancia a través de los años, y que promete deleitarnos con su Metal casi “ABC1” por mucho, mucho tiempo más.

Alineación de Kamelot:
Roy Khan: Voces
Thomas Youngblood: Guitarras
Glenn Barry: Bajo
Casey Grillo: Batería

Kamelot

Symphony X

Estados Unidos nunca se ha caracterizado por ser un país demasiado prolífico en cuanto a lo que nosotros entendemos por Power Metal. El aporte de este país ha radicado más bien en el thrash y en el death metal, con bandas clásicas como Metallica, Slayer, Anthrax o Death, entre otras. Es muy raro oír de la existencia de bandas más Power en el país del Tío Sam. Pero de un tiempo a esta parte, principalmente desde la década de los ’90, tres bandas norteamericanas han emergido en el mundo del Heavy Metal, apuntando hacia sectores distintos al thrash y al death metal: Dream Theater, quienes explotan una veta progresiva fantástica, que los ha llevado al reconocimiento mundial -especialmente en los últimos cinco años-; Iced Earth, nuestra banda del mes pasado, con una dosis de intensidad y fuerza muy propia de ellos; y Symphony X, nuestra banda del mes, banda que si bien funda su sonido en estructuras progresivas, no teme en apuntar hacia sonidos más Power melódicos.

La historia de Symphony X nace hace muy poco, en Abril de 1994, en la ciudad de New Jersey, Estados Unidos, como idea del guitarrista Michael Romeo, nacido el 6 de Marzo de 1968, quien a los 12 años comenzó a tocar piano, el cual dejó de lado por la guitarra un par de años después, tocando -como es obvio- cosas como Led Zeppelin, Kiss, Iron Maiden y Judas Priest, y siendo influenciado por diversas y connotadas fuentes, como Jimmy Page, Eddie Van Halen, Al DiMeola, Johann Sebastian Bach, Steve Vai, Frank Zappa y Randy Rhoads. Romeo fue uno de los finalistas, a sus 19 años, de un concurso de guitarras a nivel nacional denominado “Sam Ash Music Store”, lo que hacía prometer que este joven haría de las suyas en el futuro. Y de hecho, así comenzó a hacerlo en una banda llamada Gemini.

Symphony X

El “gordo” Romeo, un guitarrista virtuoso y expresa muchos sentimientos al tocar, lanzó en 1994 su autoproducido disco solista denominado “The Dark Chapter“, el cual fue objeto de muy buenas críticas e interés por parte de los entendidos. En este disco, que cuenta con una muy ambiciosa versión del Concierto de Paganini en Si Menor, Romeo toca todas las guitarras (eléctricas y acústicas), bajo, teclados y además programa la batería. La banda comenzaba a formarse con la llegada del bajista Thomas Miller, quien había tocado en muchas ocasiones con el “gordo” Romeo en los últimos diez años. Poco después de ello, arribarían a la banda el vocalista Rod Tyler, el pequeño gran baterista Jason Rullo, y finalmente el tecladista Michael Pinnella, quien grabó un par de teclados en el disco de Romeo. Con ello, la primera alineación de Symphony X ya estaba lista.

Symphony X

El primer disco de la flamante banda, titulado simplemente “Symphony X“, terminó de ser grabado en Septiembre de 1994, y fue lanzado en Japón en Diciembre del mismo año, causando una gran impresión en los fans del metal progresivo y del hard rock en general a nivel mundial. Temas como “Absinthe and Rue” o el ya clásico “Masquerade” son parte de los más destacado de este sólido primer trabajo, cuyo artwork cuenta con el símbolo de la banda: las máscaras propias del teatro, una alegre y la otra triste. Es cosa de fijarse, pues en todas las carátulas de los discos de esta banda aparecen (algunas veces algo escondidas) estas máscaras.

Muy poco tiempo después, tan solo 8 meses (ya en 1995), Symphony X ya tenía listo su segundo trabajo, titulado “The Damnation Game“, disco cuya grabación acarreó ciertos problemas … Rod Tyler, el vocalista, no estaba interesado en seguir en la banda, situación ante la cual la banda quedó sin voces, hasta que Thomas Miller recordó a un tipo al cual el mismo Tyler le había presentado en una tienda de ropa en Nueva York. Su nombre era Russell Allen, vocalista con una alta formación musical y pinta de bailarín de martes femenino (sus padres y abuelos eran músicos country), e influenciado por grandes vocalistas como Robert Plant, Bruce Dickinson, Ronnie James Dio (sus tonos altos “raspados” son similares) e incluso por Chris Cornell (Soundgarden). Allen tomó el puesto dejado por Tyler y se unió a la banda, grabando en unos pocos días las voces de “The Damnation Game”, un disco muy bien logrado, que cuenta con notables temas como “Dressed To Kill” o “The Damnation Game”, entre otros. Con este trabajo, la banda buscaba y conseguía llegar con su música más bien progresiva a todo el mundo, especialmente a Europa. Las reacciones de la fanaticada y de la prensa respecto a este trabajo fueron aun más positivas que respecto a su álbum debut.

Symphony X

Ya en la primavera de 1996, el quinteto de New Jersey comenzó a trabajar en lo que sería su tercer trabajo, probablemente uno de los mejores discos de Metal Progresivo de la historia … “The Divine Wings Of Tragedy“, un disco absolutamente imprescindible en el cajón de discos de cualquier metalero que se precie de escuchar buena música. Con más de sesenta minutos de pura buena música, con temas excelentes y casi sin altibajos, este disco impresionó sobremanera a la prensa europea y japonesa, alcanzando ratings perfectos en cuanto magazine se revisaba, y siendo reconocido como uno de los mejores discos de 1997. Incluso, este trabajo vendió más de 100.000 copias solamente en Japón. Temas como “Of Sins And Shadows” (gran comienzo de disco!), “Sea Of Lies” (espectacular introducción de bajo), “Out Of The Ashes” (uno de los cortes más Power de Symphony X), “Candlelight Fantasia” (hermoso tema lento) y la fantástica “The Divine Wings Of Tragedy” (que dura más de 20 minutos) han pasado a ser clásicos de la banda.

Después de la grabación de este exitosísimo trabajo, comenzó a generarse cierta tensión en la banda, lo que, unido a ciertos problemas personales, provocó que el baterista Jason Rullo (uno de los mejores bateristas que se ha visto en Chile) dejase la banda, siendo reemplazado por Tom Walling para la grabación de su próximo trabajo. La nueva alineación de Symphony X se aprontaba a grabar lo que sería su cuarto trabajo en estudio, que se denominaría “Twilight In Olympus“, el que quizás sea el trabajo menos alto de la banda (a pesar de ser un muy buen trabajo), pues cae en ciertos altibajos “anímicos” que se vieron agravados por las altas expectativas que “The Divine Wings Of Tragedy” había generado a su respecto. A pesar de ello, el disco vendió notablemente, y contó con la aprobación de la prensa especializada a nivel mundial, destacándose temas como “In The Dragon’s Den” (muy Power!), “Smoke and Mirrors” y “Church Of The Machine”, entre otros.

Symphony X

Los problemas continuarían en la banda, la que se aprontaba para iniciar lo que sería su primer tour mundial, por Japón y Europa. El nuevo baterista, Tom Walling, “no estaba realmente comprometido con la banda” (según palabras del propio Michael Romeo), y comenzó paulatinamente a desinteresarse por ella. Y además, el bajista Thomas Miller, integrante original de la banda, decidió no unirse al tour. Ante ello, Jason Rullo volvió a la banda con nuevos bríos y sintiéndose mucho mejor. En el bajo, Andy DeLuca tomaría el lugar de Miller durante el tour, que los enfrentó por primera vez al extrañísimo público japonés (ellos esperan sentados a que la música les guste) y al europeo, donde junto a los ingleses de Mindfeed causaron furor durante tres semanas de tour en países como Alemania, Holanda, Italia, Suiza y Francia.

Symphony X

Por compromisos con su sello, seguramente, Symphony X lanzó un disco compilatorio, denominado “Prelude To The Millennium – Essentials Of Symphony“. Pero la preparación de su quinto trabajo en estudio ya estaba en marcha. A la banda ya se había unido Mike LePond como bajista estable -conformando la actual formación de Symphony X-, lo que provocó renovadas sensaciones de energía y entusiasmo en la banda. El quinto trabajo de la banda, “V – The New Mythology Suite“, ha sido catalogado como uno de los mejores discos de la banda, y quizás uno de los mejores discos conceptuales de la historia del Heavy/Power Metal. La lírica de este trabajo está basada en la leyenda de la Atlántida, en la antigua mitología egipcia y en la astrología. Según Edgar Cayce, investigador en el que la banda se basa para el tema de la cultura de la Atlántida, “muchas cosas del día a día son simplemente el redescubrimiento del conocimiento y la información que poseía la cultura de la Atlántida“. En cuanto a lo musical propiamente tal, la banda explora una veta un poco más sinfónica y orquestada, creando un sonido un tanto distinto a sus trabajos anteriores, aunque con el sello de Symphony X. Temas como “Evolution (The Grand Design)”, “Fallen” o “A Fool’s Paradise” destacan dentro de este completísimo trabajo.

La banda ya era lo suficientemente conocida a nivel mundial como para llevar a cabo un tour a nivel más “macro”. Y así, Symphony X visitó por primera vez Sudamérica, visitando nuestro país el Domingo 19 de Noviembre del año 2000 en un abarrotado Teatro Providencia (a pesar del sacrificio económico que muchos fans debieron hacer, gastando dolorosos $21.000 pesos, debido a que nuestras productoras no se pusieron de acuerdo, pues al día siguiente se presentaban los italianos de Labÿrinth y Vision Divine junto a los nacionales de Alta Densidad). Teloneados por los nacionales de Polímetro, Symphony X llevó a cabo un sólido show, cuyo comienzo no pudo ser más notable, pues ejecutaron formidablemente la primera parte de su último disco, sin descansar (aproximadamente 40 minutos sin parar), para posteriormente deleitarnos con clásicos como “Sea Of Lies”, “Smoke And Mirrors” o “Candlelight Fantasia”, entre otros. Para destacarse el nivel individual de un fantástico baterista como lo es Jason Rullo, extremadamente técnico y con un impresionante dominio de las baquetas.

Symphony XAnte el éxito de la gira mundial, la banda decidió registrar sus performances en vivo y lanzar un álbum doble en vivo, titulado “Live In The Edge Of Forever“, grabado en sus shows en Francia y Alemania. En el momento en que el disco era lanzado a la venta, en Octubre del año 2001, la banda se encontraba llevando a cabo un tour con los míticos Savatage.

Para este año, la banda anunció la salida de su sexto trabajo en estudio, el que se denomina “The Odyssey“. El disco, que ha salido a la venta hace muy poco, cuenta con un sonido por momentos más pesado y agresivo que sus trabajos anteriores, pero sin perder la esencia melódica y progresiva tan característica de este quinteto norteamericano. Los casi 73 minutos de este nuevo trabajo prometen… y prontamente podrán revisar el CD Review de este excelente trabajo.

Mientras tanto, la banda se encuentra efectuando un tour por Estados Unidos nada menos que con los bardos de Blind Guardian (¡qué recitales!), y en Marzo del próximo año se dirigirán hacia Europa, donde harán shows en Finlandia, Holanda, España, Suecia, Noruega, Bélgica, Inglaterra, Alemania, Portugal, Suiza, Italia, Francia, Austria, Hungría y Eslovaquia. Y mientras acá en Sudamérica esperamos el retorno de este notable quinteto, “The Odyssey” nos servirá para mucho más que pasar el rato. La sinfonía X lo ha hecho de nuevo. Bien por ellos y por nosotros.

Symphony X

Alineación de Symphony X:
(imagen superior de izquierda a derecha)

Russell Allen: Voces
Michael Romeo : Guitarras
Michael Pinnella : Teclados
Mike LePond: Bajo
Jason Rullo: Batería

Iced Earth

Pasión, actitud, ambición y convicción, sobre todo convicción… a prueba de balas. Aquellos son los primeros pensamientos que se invocan al hablar de Iced Earth.

A través de sus 18 años de existencia, estos norteamericanos se han establecido como uno de los grupos más sólidos y multidimensionales hoy por hoy. Poder, melodía y sentimiento, con una única concepción de lo épico… ni siquiera se les puede encasillar en un estilo. Es que Iced Earth es una de esas bandas de las que su música no se encuentra en ningún otro conjunto de la actualidad. Su estilo es simplemente Iced Earth, una propuesta que si bien ha conmocionado a los europeos y la ha levantado como deidad en países como Alemania y Grecia, sólo recién ha empezado penetrar en el esquivo mercado estadounidense.

Iced EarthEn un principio quizá, porque por un lado, tuvo que competir con la explosión del Death Metal (Death, Morbid Angel, Obituary) de Florida y, por el otro, cuando el Aggro y el Nu Metal irrumpieron en MTV durante finales de los noventa. Pero nunca la banda cedió ante los vaivenes de las tendencias y se paró firme contra ese mundo, sola, costara lo que costase. Han salido con la frente en alto, pero sus logros no han llegado gratis… meses que durmieron en casas abandonadas, trabajo duro, tiempos de oscuridad y frustraciones e infortunios de la naturaleza más inverosímil.

Fuck trends and fuck posers!!! Esa frase proviene del guitarrista rítmico, fundador y carismático líder de Iced Earth, Jon Schaffer, un  muchacho de 16 años que escapó de su casa en Indiana para seguir su destino y que ha mantenido su visión inalterable hasta hoy, a pesar de las duras pruebas que le han puesto en el camino. Para él, nada es más importante que su arte y su creación, Iced Earth. La historia de Iced Earth es la historia de Schaffer…

YA ESTAMOS Y LO HAREMOS!

Para llegar a la génesis de Iced Earth, hay que situarse en los Estados Unidos de mediados de los ochenta, Indiana, el 20 de enero de 1985 exactamente, cuando un joven rebelde y busca problemas llamado Jon Schaffer decidió crear una banda con unos amigos del colegio. Purgatory fue el nombre que escogieron.

Desde los cuatro años de edad que ha estado inmerso en el rock gracias a su hermana mayor que escuchaba a grupos como Black Sabbath y Kiss. Fue en el primer año de secundaria cuando empezó a tocar la guitarra y desde aquel momento, el deseo de ser compositor surgió en su mente. “Steve Harris era mi ídolo (…) Cuando Iron Maiden salió me dio vuelta por completo. Por eso es que empecé con la banda. Quería hacer buenas canciones, no ser un guitarrista superestrella”.

No obstante, Schaffer sentía que en Indiana iba a ser imposible concretar sus pretensiones. Su padre quería que manejara en el futuro el negocio familiar, un bar restaurante en un pueblo del estado, tenía problemas familiares en casa, vivir no era fácil y su rebeldía le aconsejó dejar su hogar y empezar su carrera musical lejos. Este conflicto duró por un tiempo hasta que un trágico hecho le ayudó a tomar la decisión: Bill Blackmon, su mejor amigo desde tercer grado, murió de forma terrible en un accidente motociclístico. Esto lo marcaría toda su vida en adelante. Así, Jon, de 16 años, tomó sus maletas y partió a Tampa, Florida. De los miembros de Purgatory, sólo lo acompañó el baterista Greg Seymour, mientras que el resto de los integrantes permanecieron en Indiana porque “no quisieron abandonar a sus mamis”.

Jon partió a Florida al año siguiente sin dinero, sin romper del todo sus lazos familiares. Llegaron a Tampa con Greg para vivir en la calle. Por un tiempo durmieron en un auto y más tarde tuvieron que romper ventanales y puertas de casas abandonadas para acostarse en el suelo, pero Jon tenía la convicción absoluta de que saldrían adelante: “Fueron tiempos muy duros. Yo casi no sabía tocar la guitarra y Greg apenas podía con la batería… ni siquiera teníamos una. Pero nuestra actitud era: ¡ya estamos y lo haremos! (…) Quería hacer este sueño realidad por mi amigo muerto… él era mi hermano de sangre, mi mejor amigo y por él yo estaba allá”.

Pronto buscaron cualquier tipo de trabajo y juntaron un pequeño capital que les permitió arrendar un departamento. Después, Greg compró una batería y Jon, una mejor guitarra y amplificador. Después de ocho meses la situación mejoró, por lo que estaban ya en condiciones de continuar con la banda. Jon contactó al resto de Purgatory que se había quedado en Indiana y llegaron hasta Tampa… pero duraron muy poco. Un día, cuando Jon y Greg llegaron del trabajo, encontraron una nota junto a la puerta que decía, o debió haber dicho: “Arrugamos, nos devolvemos a Indiana”. Nunca más se supo de ellos.

Ahora tenían que encontrar a nuevos músicos. Se les permitió ensayar en una tienda que en ese entonces trabajaban y empezaron a jammear en el tiempo libre. Algunas personas que escuchaban el ruido desde fuera del local comenzaron a visitarlos y conocieron a una tal Richard Bateman, quien se ofreció para ser el bajista, al guitarrista Bill Owen y al cantante Gene Adam. Esta fue la primera alineación de Purgatory que realmente empezó a tocar en Florida, estado conocido posteriormente como el “Death Metal State” por la arremetida de grupos como Death, Morbid Angel, Obituary y Deicide.  Purgatory no se unió al movimiento y propuso un metal melódico y poderoso con influencias más directas de Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, Kiss y Alice Cooper.

Purgatory hizo actuaciones en varias tocatas en la bahía de Tampa y ganaron un buen número de seguidores. En ese entonces, la imaginería del grupo inspirada en películas de terror era fuerte. Escribían temas con letras gore, se vestían con ropas largas oscuras y llevaban los filmes al escenario. Gene se disfrazaba de Freddy Krueger de Pesadilla, un amigo encarnaba a Jason de Martes 13 y traían bolsas con tallarines, vísceras de vacuno y salsa de tomate (¿fideos con tuco?) y las arrojaban al público. Con estos tipos de actos, Purgatory se ganó el odio de unos y la admiración de otros, pero nadie quedó indiferente.

Grabaron un demo en 1987, llamado Horror Show, que no tuvo acogida en la escena porque no se ajustaba al Death Metal imperante. Más tarde Schaffer diría: “La prensa dirá con toda seguridad que no somos una banda Death Metal, sino Power Metal (Metal Hammer, enero 1991). Aunque cuando, bien avanzada la década de los noventa, el término Power Metal había evolucionado a lo que se conoce hoy, prefirió no autoencasillarse. “Tenemos tantos elementos en nuestra música que no sería justo”.

Luego entraron dos nuevos y a la postre muy importantes integrantes. Uno fue Randy Shawver, guitarrista que se transformó en el socio de Schaffer en los primeros discos y, el otro,  el bajista Dave Abell. El grupo siguió con estos tipos de espectáculos hasta que se cambió de nombre cuando otro Purgatory había ya lanzado un álbum. Bill, el gran amigo de la niñez y adolescencia de Jon, ahora muerto, le había sugerido llamar a la banda Iced Earth, pero el guitarrista lo había desestimado. Sin embargo Schaffer, en una forma de honrar su memoria, rebautizó al grupo como hoy se le conoce.

LA ENTRADA AL REINO CONGELADO

Inmediatamente después del cambio de nombre, Iced Earth se concentró en grabar su segundo demo. Los músicos y las canciones eran mejores, por lo que había que empezar a tomar el asunto de forma más seria. Tom Morris, productor de Morrisound Recording Studios de Tampa, se acercó a Iced Earth y los asesoró para sacar un demo de buena calidad que fuera considerado por la prensa y pudieran conseguir algún contrato.

Iced Earth

Enter The Realm se grabó en 1989 y consta de seis pistas entre las que se encuentra el clásico tema-himno Iced Earth. El conjunto se encerró por un largo periodo y gastaron una buena suma de dinero con el convencimiento de que si lo hacían bien, se les abrirían varias puertas. El demo gozaba de una calidad de producción de un LP, con una presentación que incluía portada a todo color.

Iced Earth entregó aproximadamente mil copias de forma gratuita a todas las direcciones posibles en busca de un contrato y tuvo una espléndida acogida en el medio underground especializado, sobre todo –y sorprendentemente– en Alemania. Enviaron una cinta al editor de Rock Hard y la revista le otorgó el premio de demo del mes y, más tarde, demo del año, además de pedir permiso para venderlo con una de las ediciones.

Otra copia llegó a Robert Kampf de Century Media Records en Alemania. Cuando vio la calidad de la música y al darse cuenta de la difusión que Iced Earth tenía en el país teutón con Enter The Realm, decidió ofrecerles un contrato. Jon no había presupuestado que desde el otro lado del Atlántico salieran ofertas porque, siendo él de Estados Unidos, hubiera esperado más bien entablar negociación sólo con sellos americanos, pero la oferta de Century Media era la mejor… la reacción del público germano había sido muy buena por lo que no era “tan malo” firmar con una casa discográfica no estadounidense. Así lo hicieron entonces en enero de 1990. “La principal razón de por qué nos contrataron –explica ahora Jon– fue gracias al trabajo de las guitarras que Randy y yo hicimos que se ha transformado en nuestra marca registrada”. Sobre su estilo característico de galopeos desenfrenados, Schaffer se refiere: “Lo desarrollé solo. Nunca tomé clases, empecé a experimentar con las cuerdas bajas, el palm muting  y eso. Nunca nadie me enseñó cómo tocar en realidad”. Recién en 1997 decidió tomar sus primeras clases porque “puedo imaginarme todo en mi cabeza y sé cómo tienen que ir en la guitarra, pero no por qué van así (…) Quiero saber por qué hago las canciones que hago (…) No sé nada de escalas –decía en ese entonces-. Ahora aprenderé algunas para aumentar mis conocimientos (…) pero seguiré siendo un guitarrista rítmico”.

A un mes antes de lograr la firma, Greg Seymour, el baterista y miembro fundador, dejó el grupo. Mike McGill, ingeniero eléctrico encargado de la iluminación de los recitales de Iced Earth (sí, ya contaban con roadies) quien conocía los temas que grabarían en el álbum, tomó las baquetas. Con esta formación (Schaffer, Adam, Shawver, Abell y McGill), Iced Earth entró a grabar el primer disco que sería conocido simplemente como Iced Earth.

ICED EARTH A LA CONQUISTA DE EUROPA

El álbum se grabó en 1990 y fue lanzado a principios del año siguiente. En él se escuchan ocho cortes de los que destacan Iced Earth, Colors y When The Night Falls. Schaffer recuerda: “La calidad de la producción es realmente mala (risas) y el performance en varios aspectos también lo es… pero tiene actitud y eso definitivamente tocó a muchas personas”.

Con el resultado final de Iced Earth, Jon se preguntó si es que se habían apurado al sacar tan rápido el primer álbum, pero el tiempo demostró que el momento no pudo haber sido mejor. No tanto por el disco, sino por tour que hicieron por Europa teloneando a Blind Guardian. Para un joven que vivió en Indiana y pasó un gran periodo de prueba personal en Florida, saltar de América al continente viejo para hacer la primera gira era mucho más de lo esperado. Durante el primer show en Hamburgo, mientras Jon y el grupo estaban en backstage, los mil fanáticos presentes empezaron a corear el nombre de la banda. Cuando salió Iced Earth a tocar, el público, enloquecido, cantó los temas a todo pulmón. Jon estaba extasiado, “ha sido la experiencia más fuerte de mi vida”. Lo mismo, quizá hasta más fuerte, fue en Grecia.

Iced EarthIced Earth

Además de ser un gran momento gracias a la gira europea con Blind Guardian, banda con la que entablaron una amistad que hasta ahora los une, lo fue también porque Schaffer aprovechó esos meses de emociones para escribir material para el segundo disco. “Estaba tan motivado por el tour que comprendí que algo muy bueno tenía que salir de esto”.

Iced Earth conquistaba Europa, pero en Estados Unidos, el disco casi no vendía…

Terminada la aventura, Schaffer se dio cuenta de cómo había crecido musicalmente, de la calidad de las canciones que estaba creando y de que los demás integrantes también habían mejorado… pero otros no. Por ello, sacó a Mike McGill de la batería –aunque hasta hoy siguen siendo muy buenos amigos– y despidió al cantante Gene Adam. Así mostró Jon por primera vez lo inflexible que es para exigirle lo mejor a los músicos que lo acompañan: “La gente no ve a las bandas como un negocio, pero lo es. Si haces el trabajo bien, te pagan. Si no, te vas”. Después, Schaffer “contrató” al vocalista John Greely y a Richey Secchiari para la batería. Así dejó en claro que él no había vivido terribles meses en vano y que tenía el legítimo derecho de hacer y deshacer como se le diera la gana en su banda.

EL HOLOCAUSTO DE LOS ÁNGELES

El excelente 1991 se reflejó en el segundo disco de Iced Earth: el inspiradísimo Night Of The Stormrider (1992), primer trabajo conceptual que trata de una persona que se siente traicionada por el cristianismo y se revela. El poder oscuro lo transforma en el poderoso, temido y malvado Stormrider, que se encarga de traer el Apocalipsis al mundo.

Stormrider fue un gigantesco paso hacia adelante en términos globales. Los riffs, baterías inalcanzables y las canciones de ambiente épico oscuro hicieron del segundo álbum de Iced Earth uno de los más sólidos trabajos de la banda. Casi todos los temas del álbum se transformaron en clásicos: Angels Holocaust, Stormrider (con Schaffer en las voces) y las inconmensurables Pure Evil y Travel In Stygian.

Con un disco de estas proporciones, Iced Earth se preparó para la próxima gira europea… ni pensar en hacerla por Estados Unidos, donde eran prácticamente ignorados. Mas en este instante que la banda tenía la capacidad y ganas volar los techos de todos los gimnasios por donde pasaran, los problemas empezaron a cruzarse, factores externos que significaron el comienzo de los años más espantosos de Iced Earth.

Iced Earth

El invierno europeo entre 1992 y 1993 había sido uno de los más duros. Hace 60 años que no se sentía tanto frío en Alemania… y Iced Earth, de gira, se movía de una ciudad a otra con un auto en pésimas condiciones (manejado por Marlene, quien se convertiría en la mujer de Jon), que quedaba en pana cada vez que se encendía el motor. Ni siquiera tenía calefacción. Con ese cacharro de Century Media tuvieron que atravesar Europa.

Pero el asunto fue mucho más allá de la anécdota del auto. Estos tipos de tratos incómodos por parte del sello a la banda se sucedieron una y otra vez en el tour, hasta que Schaffer comprendió realmente el asunto: “Vendíamos un montón de discos, nos seguían en todas partes, pero ganábamos prácticamente cero. No había plata”. Fue natural entonces para Jon preguntarse: ¿Dónde estába el dinero? Y respuesta que encontró fue la siguiente: Según él, Century Media se estaba quedando con  todas las ganancias mientras Iced Earth hacía el trabajo gratis. La compañía aprovechó el buen momento del grupo para salir de los serios problemas económicos que en ese tiempo atravesaba. En cierto modo, la justa  recompensa de todo lo que Jon había pasado en Florida antes de grabar el primer álbum había caído en otras manos.

El muy descontento líder de la banda entregó un ultimátum a Century Media: mientras no mejoraran las condiciones no iría a grabar más discos. “Decidimos no hacer más álbumes con ellos hasta que cambiara toda esta porquería. Aunque no vendiésemos tantas copias, tenían que pagarnos igual”.

El sello se demoró en percatarse de lo serio de la amenaza y de la determinación del guitarrista. 1993 llegaba a su fin y Schaffer seguía firme en su postura. Pero como Iced Earth era uno de los grupos que mantenía a flote a Century Media y las ventas del álbum habían sido muy buenas, la compañía cedió, tomaron una actitud más profesional y Jon Schaffer logró mejorar la situación.

Llegó 1994 y se prepararon para grabar entonces el atrasado tercer disco. Lamentablemente, estos años afectaron a Jon y la banda, mucho. Por eso, Secchiari (batero) y Greely (cantante) se fueron. Schaffer comenta: “(Greely) estaba por la plata. Pensaba de una forma poco realista y creyó que seríamos millonarios de un día para otro… No quiso enfrentar los malos momentos y ahora maneja camiones”.

Iced EarthEn la búsqueda de nuevos músicos, Jon integró a las filas de Iced Earth al baterista Rodney Beasley, de Sarasota, Florida. Cuando se preparaba para conseguir al nuevo vocalista, Rodney le comentó que en el mismo garage donde él ensayaba, tocaba también una banda llamada Caudron y le recomendó que chequeara al cantante: Matthew Barlow. “Sólo conocía a Iced Earth –dice Matt– porque había escuchado una o dos veces por la radio algunas canciones del Stormrider (…) no sabía que era una banda con contrato y que habían hecho dos álbumes”. Jon llamó a Barlow para audicionar y después de meses en el que tuvo que demostrar su desempeño vocal, finalmente lo enroló.

Ahora se podía vislumbrar un mejor futuro para Iced Earth. Si bien el tercer disco pudo haber sido un buen recomienzo, lo peor estaba por venir…

LA ERA DANTESCA Y LOS NUEVE INFIERNOS DE ICED EARTH.

Era 1995. Desafortunadamente, así como el tour de 1991 había inspirado la creatividad de Schaffer, todos estos malos ratos hicieron réplica en su estado de ánimo. Durante el proceso de composición, Jon no estaba contento y ello se reflejó en el álbum. Burnt Offerings (1995) es un disco denso, lleno de furia, rabia y enojo, negativo y oscuro. Hasta la carátula dio a conocer el hecho. La portada, totalmente deathmetalera, muestra a un demonio sacado de una ilustración del libro El Infierno de Dante, que Jon la había escaneado de un ejemplar editado el siglo XIX.

No estaba feliz con el resultado de Burnt Offerings ni satisfecho con la composición ni los performance, incluyendo el suyo. “Las grabaciones de la batería fueron una pesadilla absoluta. Le tomó a Tom Morris (productor) aplicar todos los trucos de ingeniería sólo para terminarlas”. Hasta con Matt se sentía decepcionado porque no fue capaz, según Jon, de interpretar bien las líneas vocales que tenía pensadas.

Iced EarthCon Burnt Offerings, Iced Earth recibió los peores reviews de su carrera y las más bajas ventas en Europa y Japón, aunque en Estados Unidos subieron de 3 mil a 8 mil copias. El tour fue horrible. Jon nunca se había sentido más avergonzado en su vida que cuando fueron en la gira a festivales y tocaron como “un grupo de garage. Realmente me quería esconder”. Incluso tuvieron que suspender unos shows con Rage porque la banda simplemente no podía pararse en un escenario.

En comparación con Stormrider, el LP fue un retroceso. Sin embargo, el disco cuenta con temas que se han transformado en clásicos de la banda. Uno es Last December, y el otro, la canción más larga y épica que ha hecho Iced Earth: la increíble Dante’s Inferno, de 16 minutos: “Fue todo un desafío (…) Estoy orgulloso de esa canción… ¡Y lo estoy también del álbum! No me arrepiento de nada de lo que he hecho (…) Lo bueno es que a muchas personas les gusta el disco, lo que demuestra que no fue malo del todo (…) Burnt Offerings (sin embargo) es un periodo de mi vida que no quiero volver a repetir y no escribiré canciones como esas nunca más”.

Después de tres años de frustraciones, Jon llegó incluso a pensar que era el tiempo de terminar con Iced Earth. A pesar de que Night Of The Stormrider fue un álbum exitoso dentro del underground metalero europeo, el grupo tenía en su haber discos que sólo habían tenido acogida en Alemania, Grecia y algo en Japón. Ni hablar de Estados Unidos, donde no se les conocía. Tampoco Schaffer podía encontrar una formación estable. Contaba en Randy Shawver y Dave Abell con un gran apoyo, pero recién en el tercer álbum había encontrado a un buen cantante (recordar que Schaffer no había quedado satisfecho con el desempeño de Barlow) y que los bateristas con que había tocado casi no existían.

Lo principal fue que Schaffer comprendió que la disolución de Iced Earth era la solución más fácil; en una postura autocrítica, sabía que las canciones del último disco no fueron sus mejores, pero que eso no volvería a pasar. Asumió toda la responsabilidad como líder y compositor de la banda y se levantó. No había que terminar nada, todo lo contrario, seguir trabajando de mejor manera: “Puedes tener al mejor cantante del mundo, la mejor primera guitarra, al mejor baterista… lo mejor de todo, pero si no hay canciones, no hay nada”.

Jon Schaffer había sorteado con éxito la prueba más dura de su vida…

LA VUELTA DE ICED EARTH COMO THE HELLSPAWN

Borrón y cuenta nueva, Schaffer decidió que 1996 era el año perfecto para reivindicarse.  Primero, le tiró sin piedad el sobre azul al baterista y, segundo, negoció con Century Media un contrato “algo mejor”.

La oportunidad de oro llegó gracias a Spawn, la serie de cómics más exitosa de los noventa en Norteamérica, la historia de un asesino contratado por el gobierno federal que muere y vende su alma al Demonio para volver a ver su amada esposa, pero regresa a la Tierra engendrado en el HellSpawn: “Firmó un muy mal acuerdo, como algunos músicos (en una indirecta alusión a Century Media)”.

Sucedió que a principios de 1996 se anunció la adaptación al cine del cómic, además de una versión de dibujos animados para HBO. Como Jon era fanático de Spawn, al enterarse de  la noticia quiso de inmediato participar en la banda sonora.

Matt y Jon viajaron a Atlanta donde se efectuaba una convención de cómics y conocieron a Al Simmons, jefe del Departamento de Promoción de McFarlane Productions, los creadores de Spawn. Se presentaron, Jon ofreció sus servicios para una eventual banda sonora y le mostró una maqueta del tema que se conocería como Dark Saga. Así entablaron una muy buena –y conveniente– amistad.  Simmons, interesado en la banda, le presentó a Schaffer nada menos que al mismísimo creador de Spawn, Todd McFarlane. Aprovechando el contacto, Jon le preguntó si podía encargar de la carátula de su próximo álbum. McFarlane asintió y le prestó una de las ilustraciones que aparecería en la edición #50. Una cosa llevó a la otra: McFarlane entregó la portada y Iced Earth decidió hacer un álbum conceptual de Spawn, una especie de promoción cruzada: la gente del cómic daría a conocer a Iced Earth en Estados Unidos, y la banda mostraría a Spawn en Europa y Japón.

Trastornado por la idea, sólo le tomó cinco semanas escribir las canciones: “Todo salió muy fácil, estaba muy contento e inspirado. Hice (la balada) I Died For You en media hora, la música y las letras, ¡todo! Hacía tiempo que no me sentía tan bien”.

Iced Earth

De inmediato la banda se concentró en Morrisound Studios, en Tampa, y grabaron el álbum que titularían The Dark Saga en menos de un mes. A falta de un músico oficial que se hiciera cargo de los tarros, el baterista de sesión  Mark Prator se ocupó del –fabuloso– trabajo. Mientras que el bajista que estuvo al lado de Jon desde los tiempos de Purgatory, Dave Abell,  abandonó la banda. Él tomó parte de las grabaciones pero al terminar la producción, le comunicó la decisión de irse de Iced Earth porque iba a casarse. En su reemplazo llegó Keith Menser, pero solamente apareció en las fotos del disco porque prefirió crear una compañía de diseño gráfico y se fue. James MacDonough entonces fue contratado junto con el baterista Brent Smedley, ambos provenientes del conjunto Oracle de Jacksonville, Florida, para integrarse al tour.

“The Dark Saga es (1996) como nuestro segundo Stormrider –dice Schaffer–. Si Burnt Offerings había sido un paso atrás, The Dark Saga lo fue hacia adelante”, según él, porque fue la primera vez que se preocupó realmente de escribir “canciones canciones”, más enfocadas, maduras, sin tratar de hacerlas todas épicas. Cada corte del disco habla de un personaje o capítulo de Spawn: I Died For You trata de cuando descubre que su mujer vive con su mejor amigo… The Hunter es acerca de Ángela, el ángel que tiene la misión de matar al Engendro; Vengance Is Mine, de un hombre que tortura niños y es asesinado por el protagonista, mientras que la trilogía The Suffering (Scarred, Slave To The Dark y A Question Of Heaven), es una versión inventada por Jon del final de la historia.

Gracias al famoso productor Jim Morris, quien se transformaría en el miembro invisible de Iced Earth, la calidad del sonido del álbum fue lejos la mejor hasta ese tiempo, como así el trabajo de los músicos de los que la vocalización de Barlow fue lo más sobresaliente. Su voz había alcanzado un nivel impresionante al conocido en el álbum anterior por causa del empuje y exigencia de Jon hacía el pelirrojo cantante. Muchos han comparado su timbre con el del guitarrista y vocalista de Kiss, Paul Stanley, y eso que nunca ha sido fanático de la legendaria agrupación.

El “crossover” promocional iba a toda marcha. The Dark Saga se vendía en las tiendas de cómics y el disco se tocaba en las convenciones. Pero en perjuicio de Iced Earth, las negociaciones para incluir una canción del grupo en la banda sonora de la película o la serie animada, que habría significado una fuerte presencia en el mercado estadounidense, fracasaron por la “falta de visión” de Century Media y por la decisión de McFarlane de hacer la música del film con la mezcla de bandas de rock y metal con música techno. Así, otra vez, Iced Earth no tendría promoción en su país.

El hecho de estar unidos a un sello europeo incapaz de entrar a EE.UU no era el único factor que influía, según Schaffer, en que Iced Earth fuera casi desconocido allá. La forma de la industria musical norteamericana tenía un alto grado de culpa: “Es el lavado de cerebro que existe, las personas no pueden respirar y pensar por su cuenta. (Medios como) MTV y las radios influyen en la manera que la gente piensa de la música. Puedes vender cualquier porquería al público americano si lo promocionas bien. Si tuviéramos una de nuestras canciones en la rotación, venderíamos toneladas de discos. (En Estados Unidos) es un asunto de marketing y plata… En Europa y Japón, es cuestión de talento”.

Asimismo, en 1996 sale el Load de Metallica, el álbum más polémico de la historia del metal. Jon Schaffer se unió a la declaración de principios de Manowar y declaró una cruzada en contra de los “hipócritas y poseros”.

Iced EarthEn Europa, Iced Earth volvió a ganarse el respeto del público. La banda al fin tenía una formación sólida para los conciertos y se encaminaron en su gira más exitosa hasta ese momento. Una encuesta de la revista Rock Hard puso a The Dark Saga entre los cinco mejores del año y a la banda dentro de los top ten.

Pero la mala fortuna seguía persiguiéndolos. Durante uno de los festivales de verano, en Berlín, Jon sufrió una grave lesión al cuello (sí… por el cabeceo o headbanging) y paró en el hospital. La gira estaba en sus primeros pasos y faltaban 30 presentaciones por hacer en las siguientes seis semanas. Los doctores le indicaron que debía parar, pero al temor de que se repitieran los días oscuros de la era Burnt Offerings, Jon decidió seguir con el tour con inyecciones para evitar el dolor, aun sabiendo que se provocaría un daño más severo. Prácticamente se molió uno de los discos del cuello, pero ignoró el problema hasta el 2000 cuando decidió someterse a cirugía: “Con lo bien que nos estaba yendo, no quería parar en lo más mínimo con la banda”.

LA REVISIÓN DE LOS DÍAS DE PURGATORIO

Por el contrario, en adelante vendrían los años más ocupados pero exitosos de Iced Earth. Ahora que Jon Schaffer contaba con un cantante estable, decidió realizar un antiguo anhelo: regrabar las canciones antiguas. Days Of Purgatory (1997) se llamó el doble CD.

Esto salió de la idea preliminar de lanzar el demo Enter The Realm remezclado. Schaffer aprovechó el momento para volver a grabar material de los dos primeros álbumes y remasterizar algunas canciones del tercero. Las guitarras originales quedaron en casi todos los temas y se regrabaron la batería y el bajo, por Brent Smedley y Jimmy MacDonough, respectivamente. Matt se encargó las voces, excepto en Stormrider que las hizo Schaffer.

Con Days Of Purgatory, Jon se sacó una espina que lo molestaba de hacía años: “(Los dos primeros álbumes) siempre me han fastidiado, las mezclas y los tonos, sobre todo las voces del disco debut. El que cantó (Greely) en el segundo hizo un muy buen trabajo, pero las mezclas finales y masterización fueron malas (…) Estaba decepcionado con el resultado final”.

Canciones como Iced Earth, Written On The Walls (rebautizada como Cast In Stone), Pure Evil y Travel In Stygian fueron revisitadas. De esta manera acercaron los temas antiguos a los nuevos fanáticos. Además, y aunque suene increíble, en agosto hicieron la primera gira norteamericana fuera de Florida, cinco shows en el centro oeste del país.

En este álbum doble aparece una nota de Jon que se transformaría muy luego en el acta de guerra en contra del Nu Metal que arremetía en los Estados Unidos y de las bandas que alguna vez fueron metal y después lo han negado (¿Metallica?) Así va:

Iced EarthAQUÍ VIENE LA REVOLUCIÓN!!!! ¿Qué es lo que quiero decir con esto? Que Iced Earth seguirá en lo suyo. El metal no es algo que pase, es un estilo de vida. Es actitud, es fuerza, es  lo que quieras que sea. Ha estado acá desde los sesentas y nunca se irá. Han habido épocas en la historia de la música en que el metal ha sido “cool” y no, pero que las modas vayan y vengan nunca me ha importado. Lo único que me preocupa es Iced Earth y lo que hacemos.

Ha sido frustrante, incluso hasta deprimente, cuando la gente nos ha dicho que estamos pasados de moda… ¿pero saben? Que se vayan a la mierda, porque esto lo hacemos por nosotros y nuestros fans, y las opiniones de los que siguen la moda nos importan una mierda. Somos los mejores en lo que hacemos, doce años de trabajo sólido y dedicación están pagando y nuestro número de seguidores crece cada día.

La mejor cosa que pueden hacer, como fanáticos, es pensar por ustedes y ser sus propios líderes. Los poderes siempre han manipulado a las audiencias con una saturación torrentosa de técnicas lavacerebros. La decepción más grande sin embargo, es cuando se leen entrevistas a otros músicos del género en las que niegan sus raíces metaleras siendo que estaban, o todavía están, tocando riffs de metal. Estos individuos, a los que levanto mierda de perro en honor máximo, son los verdaderos poseros de los noventa. La primera persona o grupo que dijo que el metal no valía pena, puede meterse sus dichos por el culo.

Iced Earth madurará, pero cuenten con que seremos fieles a nuestro arte. FUCK TRENDS AND FUCK POSERS!!! Jon Schaffer

THE CHICAGO ASS

Iced EarthJon decidió entrar en una batalla directa contra la industria “metalera” norteamericana y provocar una revolución con Iced Earth a la cabeza. Lamentablemente, el guitarrista Randy Shawver no pudo seguir en la causa. La mano derecha de Schaffer, que lo había acompañado en todos los discos, se sentía cansado y ya no estaba contento en la banda. Así que optó por apartarse. “En su defensa tengo que decir –comenta Jon– que es muy difícil mantener el entusiasmo después de tantos años de pelea”. En noviembre de 1997, en Grecia, fue el último show con Randy.

La banda se mudó al sur de Indiana, a tres horas del lugar adonde creció Jon, y de inmediato se puso cabeza abajo en la composición de los temas para el próximo álbum y en la búsqueda de un nuevo primer guitarrista.

Para ello, publicó avisos de “se busca”. Cientos de cintas llegaron, entre las que estaba la de un chico de veinte años –que sólo había tocado en cinco shows toda su vida– llamado Larry Tarnowski, de Chicago.

Iced EarthCuando Jon la escuchó, más que quedar impresionado con su forma de tocar, le sorprendió el hecho que entre las principales influencias nombradas por Larry se encontrase Iced Earth, que los seguía desde Night Of The Stormrider cuando sólo era un pre adolescente.  Jon explica su inclusión: “Larry es muy buen guitarrista líder, pero la razón de por qué obtuvo el trabajo es que también es un muy buen guitarrista rítmico (…) La mayoría de las primera guitarras no pueden tocar las rítmicas bien (porque) se quedan haciendo escalas todo el día y no le prestan atención a lo otro”.

EL NACIMIENTO DEL SER ABOMINABLE

Con algo malévolo vendría el siguiente disco de Iced Earth. Después de The Dark Saga, Jon empezó a  trabajar en su propio cómic que, como ha adelantado, se trata de un endemoniado ser creado por una sociedad secreta que viaja por el tiempo y altera el curso de la Historia Humana. Mezcla elementos de civilizaciones antiguas, extraterrestres, conspiraciones, anticristos, etc. Algo de la saga que llamó “Set Abominae” lo mostró en el sexto álbum de Iced Earth, Something Wicked This Way Comes, editado el 15 de junio del ‘98. En la portada se muestra al personaje y en la trilogía Something Wicked, se encuentra el espíritu de la trama. No se trata de un disco conceptual, pero lo anterior define al álbum.

Este es el trabajo más diverso y variado de Iced Earth. Schaffer vuelve a ocupar esos riffs desenfrenados de antaño en temas como My Own Savior y Something Wicked, pero también hay una gran cantidad de canciones lentas, entre las que se encuentran Melancholy y Watching Over Me, balada dedicada a la memoria del gran amigo de Jon, Bill Blackmon. Otros momentos notables son Burning Times y la tremenda instrumental maidenezca, 1776. Por segunda vez produjo Jim Morris y Mark Prator tocó la batería en vez de Brent Smedley.

Iced EarthFue gracias a este disco que Iced Earth empezó a ser reconocido en el mercado norteamericano. Antes de que terminara el año ya se habían vendido 20 mil copias y el grupo hizo tres extensas giras por Estados Unidos y Canadá entre agosto y junio del ’99. Para ganar más adeptos en su país, grabaron un single exclusivo para difusión radial, pero Century Media no pudo distribuirlo a las estaciones. Luego, The Melancholy EP, llamado así, fue lanzado en una edición limitada de mil 500 copias en 1999 y otra de forma ilimitada a principios del 2001.

En Europa mientras tanto, una docena de festivales, una pequeña gira con Blind Guardian y conciertos por todo el continente. La popularidad de Iced Earth estaba en alza como también su solidez musical en escenario, incontenible desde los días de The Dark Saga. Por eso, Schaffer decidió que era el momento justo para hacer el primer álbum en vivo…

ATENAS EN TRES DISCOS

Jon quería hacerlo especial por lo que escogió Grecia para grabarlo, porque ese fue el primer país, junto con Alemania, que había recibido a la banda con los brazos abiertos y desde aquella gira en 1991 con Blind Guardian, su lealtad ha perdurado hasta en los más duros momentos. Por ello, premió a los griegos por su “lealtad y devoción”. En enero de 1999 viajaron a Atenas especialmente para grabar el álbum. Los fanáticos enloquecieron y provocaron una especie de beattlemania metalera. Barlow agrega: “No teníamos ni idea de cómo iba a ser, pero en el aeropuerto las personas nos esperaban con lienzos y gritos”. Schaffer: “Era una locura. Los fanáticos nos paraban en las calles y llegaban al hotel. Ya no se ven cosas como esas”.

Dos noches seguidas, con dos diferentes sets, dieron forma a uno de los mejores discos en vivo de la historia del metal: Alive In Athens, un triple CD que incluye 31 canciones, más de la mitad de todo lo que Iced había escrito hasta la fecha, ejecutadas a un nivel de performance impresionante y con versiones de temas clásicos como Iced Earth, When The Night Falls y Pure Evil años luz mejores que las originales (Más sobre Alive In Athens, en la sección Reviews del Recuerdo).

En seis meses, Alive In Athens se transformó en disco de oro en Grecia, un tremendo logro si se considera que el último álbum que lo había logrado en ese país fue el Fear of the Dark de Iron Maiden, en 1992.

Con esto y sin ningún descanso desde The Dark Saga, se cerró el ciclo más extenso de Iced Earth. La banda tomó vacaciones después del tour de Something Wicked, pero Jon Schaffer no. Ocupó el break para juntarse con Hansi Kürsch de Blind Guardian y hacer Demons & Wizards. El proyecto se originó por accidente, cuando Jon visitó a Hansi durante la gira de Days Of Purgatory, en 1997, después de una fiesta: “Estábamos aburridos, empecé a tocar la guitarra y él (Hansi) a cantar”. Así salió la canción My Last Sunrise.

A principios del 2000, el poderío musical de Schaffer y la emoción lírica de Hansi se unieron en un álbum tan soberbio como exitoso. Demons & Wizards hizo una pequeña pero explosiva gira europea a mediados de ese año, vendieron 200 mil copias y lograron una nominación a los Echo Awards, el Grammy alemán. (más sobre Demons & Wizards en biografía de Blind Guardian – banda del mes – agosto).

Iced EarthLuego de terminada la gira de D&W en julio, Jon se operó al fin de la lesión al cuello que arrastraba desde hacía cuatro años. En la cirugía le unieron dos vertebras y sacaron uno de los discos, por lo que su movimiento se vería limitado: “Mis días de headbanging terminaron. Me será difícil porque era algo que hacía de forma natural cuando tocaba”. Pero Jon no pensaba en descanso alguno, por lo que tres semanas después viajó a Alemania para actuar en Wacken Open Air, con cuello ortopédico incluido, la única presentación de la banda en suelo europeo ese año y con un nuevo hombre detrás de la caja… Jon le pidió a Smedley que dejara el grupo por sus problemas con las drogas y el alcohol. En marzo del 2000 fue anunciado el nuevo miembro: Richard Christy (Death, Control Denied), uno de los mejores bateristas norteamericanos del momento. Wacken fue su primer show con la banda.

Y en noviembre vino otro integrante tanto o más talentoso que Christy, el tremendo bajista conocido por su trabajo en Death, Control Denied, Sadus y Testament, Steve DiGiorgio. Los dos experimentados músicos le entregarían una dimensión nunca antes vista al trabajo patentado de las guitarras, las voces y composición de Iced Earth.

Con esta tremenda formación Schaffer tenía presupuestado hacer el “gran disco de su carrera”, un álbum conceptual acerca de su historia Set Abominae, pero se retractó porque no quería sacarlo con sello actual: “El siguiente trabajo sería el último álbum con Century Media, (Set Abominae) tiene un gran potencial para transformarse en una gran cosa y queremos que sea tratado como se debe. CM no se lo merece, tenemos que hacerlo con un sello que tenga visión (…) En Europa andan bien, pero en Estados Unidos son una mierda (…) La historia es demasiada como para dársela a estos perdedores”.

DE VUELTA AL SHOW DEL HORROR

Así, Jon aplazó el disco conceptual y empezó a trabajar en un álbum temático sobre cine de horror. Esta no era una idea nueva. Partió en 1997 cuando se habló de hacer un EP de cinco canciones basadas en películas de terror. Schaffer: “Es uno de mis temas favoritos y lo hacíamos en los primeros días de Purgatory. Ahí escribíamos mucho sobre eso”.

En ese tiempo, Purgatory había hecho un demo llamado Horror Show, y Schaffer, para su primer álbum del siglo XXI, no encontró nada mejor que titularlo de la misma manera. Horror Show fue lanzado en 25 de junio del 2001 y cada tema se basó en personajes de estas historias: El Hombre Lobo, Damien de La Profecía, Frankenstein, Drácula y El Fantasma de la Ópera, entre otros. Las únicas canciones que salieron del esquema fueron Ghost Of Freedom, dedicada a las personas que han dado su vida por Estados Unidos (Matt y Jon no se excluyen del gran sentimiento patriótico de los norteamericanos), que se transformaría en uno de los himnos de la banda después de los atentados del 11 de septiembre, y el cover de Iron Maiden, Transylvania.

Iced EarthHorror Show es la producción más ambiciosa de Iced Earth y la más intensa desde The Dark Saga, con una solidísima base rítmica por parte de Christy y DiGiorgio, que le da un pequeño toque Control Denied al resultado final, gran protagonismo de la primera guitarra de Tarnowski y ostentosos coros de Matthew Barlow.

Lamentablemente, antes de que se editara el álbum, Steve DiGiorgio se rehusó de participar en la próxima gira, a pesar de que el “contrato” lo estipulaba:  “Fue como una puñalada en la espalda –aseguró Jon–, me mintió. Ni siquiera tuvo los huevos para decírmelo en la cara. Su manager mandó un fax que decía que por compromisos previamente fijados no podría hacer el tour”. Por lo tanto, Schaffer sacó la foto de DiGiorgio y sus agradecimientos del álbum antes de que fuera lanzado y lo relevó al puesto de músico invitado, aunque en la versión doble CD apareció como miembro oficial.

Jon, Matt y Larry se molestaron mucho por la actitud de DiGiorgio ya que estimaron que sólo había tocado en el disco para dejar su nombre y ensanchar su currículum. El que se puso muy feliz con la noticia en cambio fue el anterior bajista. Jimmy MacDonough, quien incluso se había tatuado el logo de Iced Earth en la espalda, volvió a la banda.

Iced EarthIced Earth

Llegó el tiempo entonces para agendar el tour y surgió la oportunidad de oro que siempre buscó Jon para ganar más público en Estados Unidos: tocar con una banda realmente grande; en este caso, se trataba de Judas Priest. En la gira del Something Wicked, el show con más asistentes no había sido con más de 3 mil… ahora con Judas Priest, actuarían ante 15 ó 20 mil personas. Así Iced Earth tendría una difusión enorme. Pero cuando todo parecía ir muy bien, los atentados a las Torres Gemelas frustraron las pretensiones de Jon y sus dirigidos. Como medida preventiva, Judas Priest optó por no viajar al país y posponer el tour hasta principios del 2002. Se le preguntó a Iced Earth si podía acompañar a los británicos en esa fecha, pero tenían compromisos en Europa. La mala suerte parecía condenar a Iced Earth al anonimato en su propio país, pero el destino se apiadó. Al grupo le llegó una oferta de Megadeth y Anthrax para tocar con ellos en todo el país y Jon ni lo pensó. Había que hacerlo.

Mientras se hacía este tour, Iced Earth lanzó una caja de 5 cedés llamada Dark Genesis, que revivió la infancia del grupo. En ella se encuentran los tres primeros discos de la banda totalmente remezclados por Jim Morris y con nuevo artwork hecho al estilo cómic de los últimos álbumes, Something Wicked, Alive In Athens y Horror Show. También está el demo Enter The Realm, nunca antes lanzado, y un CD de covers llamado Tribute To The Gods, en el que se homenajea a conjuntos que influyeron a Iced Earth como Kiss, Iron Maiden, AC/DC y Judas Priest, entre otros.

En Europa se aparecieron recién a principios del 2002, pero la espera valió mucho la pena. Iced Earth actuó por el viejo continente con un show extraordinario, con distintos escenarios con rampas a lo Maiden, juegos de pirotecnia y luces, más una extensa revisión a toda la discografía. Jon: “El primer escenario fue The Metal Stage, en el que tocamos temas de los tres primeros discos.  Luego, el segundo set, con motivos egipcios en el que hicimos canciones de The Dark Saga y Something Wicked, incluyendo las trilogías. La última fue el set del Horror Show”.

Horror Show ha sido el disco que más se ha vendido de Iced Earth, pero no es el favorito de Jon: “Something Wicked y Stormrider son mis preferidos. Horror Show fue distinto porque tuve que restringirme al tema, no fue tan personal y no pude tratar las letras con la profundidad que quería. Además, en el 2000 tuve algunos problemas (operación, divorcio) que hicieron las cosas más difíciles (…) Le falta esas canciones  íntimas que hacen a Iced Earth especial”.

Iced Earth

En estos días, el líder de Iced Earth, Jon Schaffer, espera con ansias hacer el 2003 un disco más personal y profundo, del que ya está escribiendo canciones. Hollow Man, The Haunting, Night Train, The Mark y Human Factor son algunos de los títulos que bien podrían estar, según Jon, en el próximo disco de Iced Earth o Demons & Wizards, este último para 2004.

Pero este próximo trabajo de Iced Earth no se tratará de la historia de Set Abominae… ese planea hacerlo para el 2005 porque quiere poner a prueba primero la eficiencia del sello –aún no revelado– al que se cambiarán el próximo año. “Este álbum conceptual será lo mejor que hayamos hecho. Tiene que ser así, la historia lo merece y no quiero que nada salga mal”. Además, piensa escribir el cómic y publicarlo.

Jon Schaffer está tranquilo. Calcula ahora con seriedad y madurez los pasos a seguir que dará Iced Earth para dominar al mundo, pero con la misma pasión y convicción que lo ha caracterizado desde el día que decidió abandonar su casa y vivir por su cuenta. “Por 18 años he estado en esto… No soy nuevo en el negocio… aún hay mucho camino por recorrer, pero todavía tengo fuego, determinación y garra para mantener a Iced Earth vivo. El futuro está abierto y todo es posible”.

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Nota: El texto anterior es una biografía no autorizada de Iced Earth cuya fuente se basa en entrevistas que la banda ha realizado a medios especializados en Internet y otros datos extraídos de sitios web dedicados al grupo. Como no es una biografía directamente relatada por los integrantes y está escrita con el propósito de entregar una ordenada sucesión de los hechos de interés, algunas referencias de carácter no confirmadas pueden ser equívocas.

Material visual con copyright del sitio oficial de Iced Earth, The Iced Realm (www.icedrealm.de) y de los autores (Rudy, Vincent Kroese, Jan Hermes, Jeff Moore)

hammerfall_titulo

“Brothers in arms are fighting tonight
the Forces of Steel live again
born in the fire, they look to the sky
the power of metal unchained”

Con la mentalidad que las cuatro líneas anteriores expresan, a fines de 1997 el mundo supo de la existencia de un quinteto sueco, que con su álbum “Glory To The Brave” llegaría a ser una revelación en la escena Heavy/Power europea. El poder épico y guerrero de este joven quinteto prometía, pues se vislumbraba que la banda llegaría a ser uno de los más grandes estandartes del True Metal con el paso de los años. Y ya estamos a fines del 2002, con esta banda aprestándose a lanzar su cuarto LP, con tres recitales en Chile y confirmando las expectativas que hace cinco años nos generamos. El poder de HammerFall, como veremos, está más vigente que nunca.

Hammerfall

Para conocer más de la historia de esta banda sueca, debemos remontarnos hacia el año 1993, donde el guitarrista Oscar Dronjak deja su banda Ceremonial Oath -de tendencias claramente más death metal-, para involucrarse en una aventura insospechada para esa época: una banda de heavy metal. El nombre surgió de inmediato. HammerFall sería el nombre de esta nueva aventura. Muy pronto se contacta con su amigo Jesper Strömblad para el trabajo en las guitarras. Jesper acepta, pero sin dejar sus trabajos en sus bandas Crystal Age y los incipientes y posteriormente famosísimos In Flames. Así, enrolaron músicos que también tenían sus proyectos paralelos. Nos referimos a los líderes de una de las bandas más importantes de la nueva hornada del Death Metal de Gotemburgo, Niklas Sundin, en las guitarras y Mikael Stanne en la voz, ambos integrantes de Dark Tranquillity, además de Johan Larsson. El primer corte que esta incipiente banda logra crear, es el ya clásico Steel Meets Steel.

HammerfallEstábamos en presencia de una banda que ensayaba poco, ya que los proyectos de los músicos lo impedían. Cabe recordar que estamos en presencia de una Suecia que no se caracterizaba, precisamente por sus bandas heavy metal, sino que de la escena death metal de Gotemburgo, lo que no les impidió participar en algunos concursos de bandas de rock. El principal concurso en Suecia era el “Rockslaget”. El tiempo pasaba y Niklas y Johan decidieron permanecer en sus bandas y dejar HammerFall, siendo reemplazados por Glenn Ljungström (In Flames) y Fredrik Larsson (Crystal Age). En esta competencia además del ya nombrado Steel Meets Steel, la banda realizó HammerFall y el clásico de los daneses Pretty Maids “Red, Hot and Ready“.

Ya en las semifinales del Rockslaget, en 1996, la banda sorprendió con el ya clásico y reconocido Steel Meets Steel, su nueva Unchained y el himno de himnos, Breaking the Law, clásico de Judas Priest. Pero no había tiempo para celebrar. Su vocalista Mikael Stanne decidía dedicarse en un 100% a Dark Tranquility, y no iba a estar disponible para las finales de la competición. Había que encontrar un reemplazante lo antes posible, y es en ese momento donde emerge otra piedra angular de la banda. Joacim Cans fue uno de quienes ensayaron con la banda, y luego de un par de llamadas, la banda señala que era él quien tenía el puesto, puesto que los ensayos habían resultado un éxito y la voz de Joacim encajaba perfectamente con lo que la banda necesitaba. A pesar de esto, HammerFall no logró llegar a las finales, pero dos temas fueron registrados en video, los cuales fueron enviados a Roel van Reijmersdal, dueño del sello holandés “Vic Records”, quien quedó impresionado por la calidad de la banda. Ante ello, la firma de un contrato no se hizo esperar, y HammerFall pudo al fin dedicarse exclusivamente a la composición y arreglo de temas.

Hammerfall

Y así nacería “Glory To The Brave“, disco al que hicimos referencia al comienzo de esta reseña histórica, que marca una tendencia de la banda: riffs potentes, actitud guerrera y, musicalmente, agresividad, melodías y coros más bien “graves“. Temas como HammerFall, The Dragon Lies Bleeding o Steel Meets Steel (por solo nombrar tres, aunque sé que estamos cometiendo una injusticia con el resto) sin duda han pasado a engrosar el memorial colectivo de temas clásicos de los últimos años.

HammerfallEl proceso de HammerFall era vertiginoso. Imaginamos que tanto Jesper Strömblad como Glenn Ljungström nunca imaginaron que el proyecto “Heavy Metal” que llevaban a cabo con HammerFall llegaría a tener el éxito mundial que estaba teniendo. Por ello, tomaron la sabia decisión de dedicarse full time a los no menos exitosos In Flames. Ante ello, Stefan Elmgren (en guitarra) y Patrik Räfling (batería), miembros de Highlander, la ex banda de Joacim Cans. Posteriormente, Fredrik Larsson abandonó la banda, para dedicarse a su banda thrash Beyond, propiciando la llegada del multifacético Magnus Rosén en el bajo.

Poco tiempo después, sucedería algo que marcaría que la banda estaba en un proceso de crecimiento irreversible: la compañía germana Nuclear Blast mostró gran interés (era que no) en la banda, tras lo cual se selló un vínculo contractual que une a HammerFall con Nuclear Blast por cuatro discos, comenzando con el siguiente, y pactando además la licencia para “Glory To The Brave”. Con esto, se consolida la entrada de HammerFall a las grandes lides del Heavy/Power Metal europeo, y “haciendo patria” por el Heavy Metal en Suecia, tierra acostumbrada a la depurada técnica y denso sonido que caracteriza al Death Metal de Gotemburgo. Nuclear Blast, para lanzar aun más internacionalmente a HammerFall, planteó la idea de realizar dos video-clips, y así se grabaron el himno HammerFall y la hermosamente épica Glory To The Brave. Ya con la distribución de “Glory To The Brave” por Nuclear Blast, el dfsco fue elegido como “disco del mes” en un par de prestigiosos fanzines en Alemania, y alcanzó el lugar nº 38 en los charts en Alemania, el más alto lugar que un álbum debut de Heavy Metal había alcanzado en la historia hasta esa fecha. Todo hacía presagiar que Hammerfall recién iniciaba un camino glorioso. “Glory To The Brave” vendería, en el mundo, más de 100.000 copias.

Ese mismo año, 1997, la banda actuó por primera vez en el mítico festival Wacken Open Air, en el cual actuaron frente a casi 15.000 personas, y en otras ocasiones compartieron escenario con grandes como Gamma Ray o Virgin Steele.

Hammerfall

Pero la hora de lanzar su segundo trabajo no se hizo esperar sino hasta entrado el año siguiente, 1998. “Legacy Of Kings“, quizás el mejor disco de HammerFall, fue compuesto en su totalidad por Cans, Dronjak y Jesper Strömblad (quien, recordemos, ya no tocaba en la banda), y es un disco quizás más “maduro” que “Glory To The Brave”, con un sonido fresco, eléctrico, energético y sin dejar de lado ni la actitud guerrera ni la simpleza de la sofisticación del sonido de las guitarras. Cortes como Legacy Of Kings, Heeding The Call o Let The Hammer Fall hicieron y hacen delirar a los fans del buen Heavy/Power Metal.

Llegaría la hora de salir a mostrarle al mundo de qué madera estaba hecho el árbol de los Templarios. Y qué mejor que hacerlo con una gira mundial, que los paseó por lugares como Japón, el Dynamo Open Air en Holanda y, por supuesto, por Sudamérica, donde llevaron a cabo conciertos en Brasil, Argentina … y por supuesto en Chile, donde realizaron una sólida (y accidentada, por la no llegada a último momento de los estadounidenses de Deicide) presentación en Estadio Víctor Jara (ex Chile), en Abril de 1999, junto a sus connacionales de Arch Enemy y los osorninos de Epsilon.

HammerfallLa no presencia de Deicide provocó que HammerFall, que estaba supuesto a tocar aproximadamente 50 minutos, terminara como “cabeza de cartel”, tocando por más de una hora y media, en la cual ejecutaron prácticamente toda su discografía más un par de covers (“Man On The Silver Mountain“, de Rainbow -con AC, ex baterista de Running Wild y actualmente tour manager de muchas bandas europeas que visitan nuestras tierras, como baterista- y “Breaking The Law” de Judas Priest, con Oskar Dronjak en las voces y Joacim Cans en batería). Un recital sin dudas inolvidable, pese a la sempiterna mala acústica del recinto santiaguino.

La gira marcaría la salida de la banda de Patrik Räfling, un baterista “correcto” (en ningún caso virtuoso) que nunca satisfizo totalmente el espíritu que la banda deseaba sentir y expresar. Ante ello, Magnus Rosén propuso como reemplazante (en primera instancia, provisoriamente) a un excelente músico y amigo personal: Anders Johansson, un baterista que ha participado en más de cien (sí, cien) discos a lo largo de su exitosa carrera, junto a músicos tan importantes como Yngwie J. Malmsteen, su mismo hermano Jens Johansson (Stratovarius) e incluso junto a Magnus Rosén en 1993 en su banda “Billionaires Boys’ Club”, en la cual cantaba nada menos que Mark Boals, vocalista en un par de trabajos de Malmsteen. En agosto de 1999, Anders pasó a ser el baterista oficial de HammerFall.

HammerfallDurante el verano del hemisferio norte (nuestro invierno), HammerFall participó en algunos tributos a bandas señeras en lo que a Heavy metal respecta. Así, grabaron en estudio la gran Man On A Silver Mountain de Rainbow, que contó con la participación de AC (gran admirador de Cozy Powell, baterista de Rainbow y de Yngwie Malmsteen trágicamente fallecido en un accidente de tránsito en 1998) en la batería para el tributo a una de las más grandes voces de la historia del rock, el “enano maldito”, Ronnie James Dio; además, grabaron una muy buena versión de Head Over Heels, clásico del disco “Balls To The Wall” de Accept, que cuenta con la participación de Udo Dirkschneider (vocalista de Accept); y por último, junto a Dirk Schlächter y Kai Hansen (Gamma Ray) grabaron I Want Out de Helloween, el cual fue lanzado como single por la banda.

El año ’99 terminó exitosamente para la banda, tocando en festivales como el Gods Of Metal en Milán, Italia, o el Eurometal ’99 en España.

Ya en el año 2000, comienza a gestarse el tercer disco en estudio de HammerFall. Así, en Octubre de aquél año HammerFall lanza “Renegade“, un disco distinto a los anteriores trabajos de la banda, quizás menos contundente musicalmente, pero con temas de calidad y, sobre todo, manteniendo vigente y en alto la propuesta de Heavy Metal tan característica de la banda. Templars Of Steel, Keep The Flame Burning o The Way Of The Warrior destacan dentro del quizás más bajo trabajo de la banda.

Hammerfall

A comienzos del año 2001, en la época en que esta página nacía al mundo (por ende es muy especial para quienes formamos parte de este equipo), HammerFall visitó nuestro país, realizando dos conciertos muy especiales: el primero, el Jueves 15 de Marzo, en el centro de eventos La Batuta, en Ñuñoa, Santiago, donde aproximadamente 150 fans vivieron un show muy “europeo” (con muy poco público, debido al lugar y con un ambiente muy distendido), sin perder esa pasión sudamericana que nos ha hecho famosos en todo el mundo; y el segundo, el Viernes 16, con un Teatro Providencia lleno hasta las banderas, un show extraordinario, un sonido muy bien logrado, un setlist correcto y sobre todo, pura pasión y sentimiento.

HammerfallHammerfall

Después de llevar a cabo un exitoso tour por todo el mundo, en el presente año 2002 HammerFall anunció la salida a la venta de su esperado cuarto trabajo en estudio, que llevará por nombre “Crimson Thunder“. En septiembre, la banda estaba supuesta a grabar el video para su single, “Hearts Of Fire“, pero la banda sufrió el grave inconveniente de la agresión de la cual fue víctima Joacim Cans, en un bar en Gotemburgo, Suecia, situación a la cual hicimos referencia en su momento como noticia, y que trajo como consecuencia que la grabación del video clip se retrasase en al menos un mes, debido a la gravedad de las heridas sufridas por Cans en su rostro, y que perfectamente podrían haberle costado la pérdida de su ojo izquierdo.

Pero pasando a lo que nos atañe, la música, ya se encuentra a la venta el single al que hacíamos referencia. En efecto, con “Hearts Of Fire” (que además incluye el clásico “We’re Gonna Make It” de Twisted Sister como cover) y una versión en vivo y en video del clásico “Heeding The Call“), se ve una banda madura, un sonido más hard-rockero y sobre todo la misma actitud, aunque quizás expresada con menos énfasis que en los comienzos de la banda.

¿Qué podemos decir de “Crimson Thunder”, su nuevo trabajo? Pronto lo sabremos. El día 28 de Octubre el disco saldrá a la venta mundialmente. Y les recomendamos que vayan preparando sus oídos para escuchar a un HammerFall un poco más Priestiano, con menos revoluciones, pero bastante pesado y con mucha mística y pasión. Y mientras esos elementos no se pierdan, tendremos templarios para mucho, mucho rato. Mientras tanto, paciencia…

Hammerfall

Inquisicion

Septiembre se caracteriza por ser nuestro mes, el mes de Chile, y Powermetal.cl, no desea estar ajeno a ello, por lo cual hemos decidido dedicar este espacio, la banda del mes, a una agrupación chilena. Y hemos querido dedicarla a una agrupación legendaria, que marcó un hito importante en la historia del metal en nuestro país, al hacer heavy metal en un momento donde las poleras negras y las melenas propias del thrash y el death metal marcaban pauta en el metal nacional. Nos referimos a Inquisición.

La historia nos hace remontarnos a 1993, donde la escena nacional era eminentemente dominada, como se dijo anteriormente, por el thrash y el death metal; bandas como Pentagram (luego Criminal), Dorso, Atomic Aggressor, Death Yell y Torturer eran las más importantes dentro de la incipiente escena nacional, la que no tenía un exponente de calidad dentro del heavy metal; sólo Panzer y su heavy rock en español lograba destacar dentro del oscuro mundo chileno, y principalmente santiaguino.

Inquisicion

Es en ese instante donde Manolo Schaffler, guitarrista del grupo Torturer, decide formar un grupo paralelo a los ya nombrados, para explorar una veta más heavy metal, algo que sólo Panzer y alguna que otra banda habían explorado. Para ello contó con la colaboración del baterista Carlos Hernández. Es en Junio de 1993 cuando este proyecto comienza a tomar forma. Pero no es sino hasta fines de ese año cuando se comienza a concretar la tarea. Hasta ese entonces, Santa Inquisición, había estado buscando un vocalista y había estado presentándose en tocatas con un esporádico bajista. Hasta que dio con Freddy Alexis, ex vocalista de Panzer, quien se quedó definitivamente con el puesto de frontman.
En este entonces Manolo, líder del grupo, presagiaba que podía ser no sólo un proyecto sino que una importante realidad, por lo que decide dejar su banda Torturer y concentrarse exclusivamente en este camino junto a otros músicos y explorando nuevos horizontes.

Ya en 1994, la banda toma forma pasándose a llamar simplemente Inquisición; la razón principal de este cambio obedeció al deseo de no ser confundido con una banda cristiana, ya que el sentido de la banda, la filosofía de ella, giraba en una dirección absolutamente contraria, ocultista, llena de imaginería oscura.

Inquisicion

Inmediatamente captaron la atención de los fanáticos locales… ¿una banda heavy metal?, ¿qué cante en inglés?, ¿y el vocalista no ladra?, eran las interrogantes que poco a poco fue develando esta incipiente agrupación que como dije dio que hablar desde el primer momento por las razones expuestas.

Sí, era una banda de heavy metal, camino poco explorado hasta ese entonces, donde sólo Panzer y Panzer era lo representativo del heavy metal nacional. Pero había una característica que la hacía diferente a la banda de Juan Álvarez; las letras eran absolutamente en inglés, además tenía un sonido muy bueno para la época y una puesta en escena que hacían de cada show de Inquisición un espectáculo notable, tanto para los fans del heavy metal, (que vieron a esta agrupación como una respuesta a sus plegarias de que en Chile existiera una banda del estilo), como para los fans de las vertientes más oscuras del metal, quienes veían en Inquisición una gran dosis de ocultismo.

InquisicionA fines de 1994 y comienzos de 1995, Manolo y Cia. finalizan un proceso de composición y entran a grabar un demo tape de 4 temas, con un sonido de una calidad desconocida en estos lares, que rápidamente se agotó y que en estos momentos es una pieza de culto y de colección para todo metalero que admire la escena nacional. Dentro de ese demo se encuentra la excelente Mayday ‘s Eve, uno de los clásicos de la banda que aún es ejecutada en vivo.

Es esos momentos estos muchachos comienzan un proceso de promoción de su demo, incluso grabando un video clip de Mayday’s Eve, con ayuda del extinto canal 2 (no el de ahora, obviamente), lo que le permitió masificar, (en la medida de lo posible) su música y tomar al metal no como un hobby sino como algo más profesional. No por nada Manolo, líder y creador de la banda, había estudiado música en la Universidad de Chile, dándole esto un toque de profesionalismo para abrirse camino en el dificil mundo del arte chileno, con puertas tan cerradas para ciertas expresiones artísticas como el rock, y por supuesto el metal. Sin embargo el esfuerzo de la banda sería recompensado con la aprobación de los fans que cada día y a cada tocata iban multiplicándose transformando en poco tiempo a Inquisición en una de las bandas más respetadas de la escena local.

Sin embargo, todavía el puesto de bajista estaba vacante, siendo llenado con el que hasta ese entonces era bajista de una banda progresiva llamada Psiquis, Cristián Maturana, por lo que ya Inquisición era una banda con miembros estables, dedicados 100% y con un proceso de composición de temas que iba viento en popa y que pronto vería la luz.

InquisicionLA VENGANZA DEL ACERO

Como dijimos, la banda en directo era un espectáculo, tenía el reconocimiento de sus pares, tanto así que en el programa Rock and Roll Adiction, Juan Álvarez les entrega el premio como la banda de metal del año. Sin embargo los fans querían ver los temas de Inquisición plasmados en un disco, y eso llega a fines del 1996, cuando la banda ingresa a los Estudios HYT para grabar su ya clásico, Steel Vengeance. DEIFIER Records, sello independiente fue quien lanzó el disco a la calle, en Febrero de 1997, sin embargo el poco apoyo de la casa discográfica, más los malos manejos económicos hicieron que la banda desistiera de ellos.

En ese disco encontramos grandes canciones como Innocent Sinner, tema que es imposible dejar de tocar y que se transformó en un clásico en poco tiempo. Así como Sed Diabolus,y Fate was Sealed. Sin embargo el disco tiene un pero. Hay una canción, Message in Black, que tiene una similitud tremenda a Start Running de Gamma Ray, lo que trajo los primeros problemas entre la banda ya que se percataron del parecido una vez salido el disco a la calle.

El disco fue un éxito rotundo, el cassette (en esos tiempos no se masificaba el cd) fue objeto de culto de los fanáticos, y su música trascendió las fronteras de nuestro país editándose en Argentina, a través del sello Dreamland.

El público metalero quedó rendido ante este disco, que nos muestra a una banda que no sólo hace heavy metal, sino que muy buen heavy metal. Con composiciones simples, pero a la vez con momentos de virtuosismo por parte de un Manolo, que debe ser uno de los mejores exponentes en las seis cuerdas que nos ha dado este país. Con una gran performance de Freddy, quien alcanza en ciertos temas tonos agudos extraordinarios (aunque, personalmente prefiero su performance en el demo, ya que es menos forzada). Y una actitud oscura, muy cercana a lo que hace King Diamond y Mercyful Fate….además se nota una gran influencia en los ritmos, melodías y voces a lo que hacía Riot a mediados de los 80.

InquisicionPara la promoción del disco grabaron un video del clásico Innocent Sinner.

En 1998, uno de los sellos independientes más importantes del medio nacional, Toxic Records, se la juega por Inquisicion lanzando un cd recopilatorio, In Nomini, que más bien es el Steel Vengeance, sin la polémica Message in Black, más su primer demo tape remasterizado. El cual además de ser lanzado en Chile salió de las fronteras de nuestro país siendo editado en Europa por Repulse Records

CUERO NEGRO DESDE EL INFIERNO

Sin embargo, la banda seguía con su proceso de composición, nuevos temas iban siendo creados, por lo que un segundo larga duración era cuestión de tiempo. Octubre de ese año sería el momento en que Inquisición nos sorprendería con un nuevo álbum, Black Leather From Hell, que inmediatamente contó con la aprobación de la prensa especializada y sobretodo de los fans que colmaban cada recinto donde la banda se presentaba. Así es, Inquisición es una banda que además cuenta con un gran apoyo en regiones; cada salida fuera de Santiago es un acontecimiento para estos cuatro muchachos, puesto que los shows se repletan y son tomados como grandes eventos.

Este disco es más maduro, con un Manolo que se luce, como siempre y con un Freddy que ya, sin llegar a los inalcanzables tonos de su primera placa se desenvuelve con calidad, lo mismo con el talentoso Cristian y sobretodo con Carlos Hernández, en mi opinión uno de las mejores baquetas de Chile, puesto que sin poseer una batería monstruosa, es un reloj, con un sentido de los tiempos impresionante.

Inquisicion

En esta placa destacan temas como la gran Dragonslayer, Army of Darkness, The Axis of the Mist y la espectacular Extermination, con uno de los riffs más acelerados y poderosos de la banda. Dos anécdotas de este disco, la primera y más obvia, fue el lanzamiento de un tema en español Mensaje Oculto, que es la esencia de lo que era Message in Black, que prescinde de todos los sonidos que alguna vez la hicieron parecerse al tema de Gamma Ray. Y la segunda, que Extermination, no estaba contemplada en los planes del grupo, fue la última en componerse para llenar un vacío, y así, casi a la rápida, se transformó en uno de los más importantes temas de este cuarteto. Una de las cosas importantes de este disco es que fue lanzado de forma completamente independiente.

En este momento se produce un hito en la carrera de Inquisición, extrañamente nunca se le había visto tocar junto a bandas internacionales, lo que logran en 1999, cuando tocan junto a los legendarios daneses de Mercyful Fate, con Mr. King Diamond a la cabeza, en un Teattro Providencia repleto, con un concierto histórico, tanto para Chile como para la banda que comparte escenario con una de sus principales influencias.

Luego de eso realizan diferentes recitales tanto en Santiago como en regiones que darán vida a un trabajo próximo en vivo.

Inquisicion

EL QUIEBRE DEFINITIVO Y UNA NUEVA ERA

Las cosas no andaban bien en Inquisición, roces entre Manolo y Freddy y las ganas de Freddy de hacer un proyecto y un grupo aparte hacen que éste se aleje definitivamente de la banda, lo que hizo que Inquisición, a fines del 2001 quedara sin vocalista.

Entre tanto Inquisición debía cumplir compromisos pactados, tuvo vocalistas ocasionales (incluso Cristian Maturana llegó a tomar el micrófono alguna vez), y no daban con el vocalista que llenara el vacío que dejó Freddy y que además calzara con lo que deseaba Inquisición en ese entonces: un cantante no con la voz tan limpia como Freddy, sino que algo más desgarrador, de la escuela de Ronnie James Dio.

Pero, como suele decirse la vida da muchas vueltas. Freddy formó la banda Witchblade, y es de esa alineación desde donde Inquisición encontraría la respuesta.

InquisicionLuego de audiciones que no convencieron a la banda (incluso circuló el rumor que Freddy volvería al grupo), el bajista de Witchblade, banda de Freddy, Paulo Domic, ensaya con la banda en la voz, quedando impresionados con su calidad vocal, y descubriendo que eso era lo que necesitaban. Le ofrecen el puesto de cantante, y luego de meditarlo deja el bajo en Witchblade y se enrola en Inquisición, siendo su frontman hasta el día de hoy.

Pero como señalábamos hace un poco, Inquisición había grabado unas tomas de algunos recitales tanto en regiones como en Santiago, por lo que deciden lanzar un disco en vivo, sin Freddy en la actual alineación, pero con él en el disco. El disco tiene un nombre sugerente para el momento que pasaba la banda Live Posthumous, con ocho cortes ejecutados en forma excepcional.

¿Y qué viene para la banda?. Están preparando su nuevo LP “Metal Genocide” el cuál tendrá 10 nuevos temas de lo mejor que ha hecho la banda, entre ellos “Freedom Man” el cuál aparecerá en el CD gratuito de promoción de cerveza ESCUDO.

En suma Inquisición, es una de las bandas que ha marcado historia en el metal nacional. Primero por su innovación al atreverse a hacer heavy metal en un momento donde nadie daba un peso por el estilo y segundo, porque siguen manteniendo esa frescura y calidad en sus presentaciones en vivo, por que a pesar de que el medio se ha llenado de bandas de heavy metal, algunas de excelente calidad, ellos han seguido su senda, no han transado en sus valores y seguramente nos van a deleitar con un trabajo fuerte, demoledor y con la esencia de una banda legendaria, respetada y que, aunque pasen los años no van a perder vigencia. Porque bandas puede haber muchas, pero leyendas y pioneros son muy pocos, e Inquisición es uno de ellos.