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Después del show de The Gathering el 11 de abril del 2010, cuyas entradas se recaudaron a beneficio de los afectados por el terremoto, el guitarrista René Rutten se quedó en el país con su novia chilena, para ayudar a la reconstrucción de casas. Conoció la situación de Pichilemu tras el tsunami, compartió con gente del lugar, escuchó las historias de los fanáticos del grupo y regresó a casa con la sensación de haber retribuido de alguna manera todo lo que Chile le ha entregado en la vida y el escenario.

Si los músicos The Gathering se sienten cercanos a nosotros, es principalmente por la impresión que el guitarrista se ha llevado de Chile en sus visitas. Lo anterior ha sido el clímax de un vínculo que el holandés viene cimentando desde sus primeros conciertos del 24 y 25 de febrero del 2004 en el Providencia, cuando vino a saldar años de espera por parte de los seguidores, y se reforzara con las actuaciones del 2006 y 2007 en el Caupolicán, eternizándose todo con el DVD A Noise Severe. Ahora, a dos años de The West Pole con Silje Wergeland en las voces, el conjunto estrena el tema Heroes For Ghosts, que tocará en vivo el 28 de junio como parte del South American Ghost Ride Tour. Esto, en pleno proceso experimental de un nuevo disco que el compositor simplemente califica de “emotivo”. Todos los detalles y novedades, en entrevista a PowerMetal.cl.

THE GATHERING AYUDANDO A CHILE EN EL TERREMOTO: “SE NOS CAYERON LÁGRIMAS Y SE NOS PUSO LA PIEL DE GALLINA A CADA RATO”

Sabiendo que ya tocaron aquí en Chile con Silje el 2010, en un show a beneficio por el terremoto, ¿qué tiene de especial para ti el próximo concierto del 28 de junio?

Bueno, sí, el año pasado ya habíamos planeado realizar un tour por Sudamérica y Norteamérica, aunque por supuesto, por el terremoto que tuvieron en Chile sentimos que debíamos hacer algo. A estas alturas todos saben que mi novia también es de Chile y así que no pude decir ‘oh, no hagamos nada allá’, ¿eh? Fue un impacto para mí por mi familia en Chile, entonces de verdad pensamos que debíamos hacer algo. Por eso organizamos este show benéfico el año pasado y estoy muy feliz que todo haya salido tan bien, con apenas tres semanas de organización. Ahora, sólo fue por el terremoto y no pudimos hacer más fechas en el resto de Sudamérica, dado que ya habíamos planeado una gira completa para más adelante, con Chile dentro del tour, ¿cierto?, con Argentina, Brasil y otros varios países donde nunca hemos ido. Por eso fue que después del terremoto de Chile no pudimos armar un tour, así que dijimos ‘hagámoslo el próximo año’. Por eso estamos haciendo toda la gira ahora. Sí.

The GatheringClaro, acabas de señalar que en este viaje tocarán por primera vez en territorios como Perú, Colombia…

…Bolivia para nosotros también es por primera vez, así que igual será muy especial. No sé qué esperar, sólo creo que será agradable ir para allá, otro país donde es posible que conozcan nuestra música. Sé además que tenemos un montón de fans allá así que bueno, es muy especial para nosotros la opción de seguir haciéndolo después de tantos años, después del último disco, siendo que han pasado más de dos años desde que se puso en el mercado. Sí, por supuesto, en Chile es donde hemos tocado en más ocasiones antes. En Argentina hemos ido dos veces y todos los países a excepción de Chile claro, son nuevos para la banda con Silje (Wergeland), por lo que igual es muy especial, por ver cómo la gente reaccionará ante ella. También va por cómo haremos el set, tenemos un nuevo álbum con Silje pero tocaremos un montón de viejas canciones, ¡porque hay que tocarlas!, ¿cierto?, si hemos sacado nueve discos y… todo eso es bueno y sé que Silje puede manejarlo, que puede interpretar esos temas muy bien. Eso es lo que vamos a hacer y sí, realizaremos una fantástica gira a partir de aquello.

Pese a lo rápido que se gestó el show a beneficio en abril del 2010, tocaron frente a muchas personas en el Caupolicán. ¿Cuán distinta fue la experiencia de actuar por primera vez en Santiago con Silje, comparado a la filmación del DVD el 2007, a la venida del 2006, etc.?

Por supuesto, fue algo totalmente nuevo para nosotros, no esperaba este tipo de grandes recintos ni menos esa cantidad de gente. Habíamos realizado un tour europeo antes de eso, ¿eh? Cuando sucedió lo del terremoto en Chile, nosotros estábamos en Atenas, Grecia… eh, ¿conoces Tesalónica?, también ahí y después en Atenas. Allí supimos de la noticia y fue raro. En fin, ya habíamos tocado varios shows aquí en Europa con Silje y para nosotros no fue distinto tocar con ella en Chile, si ya veníamos como con 20, 30 shows encima, por supuesto, aunque sí fue totalmente nuevo llegar a Chile un fin de semana y después irse. Sólo yo me quedé por un par de semanas más debido a que quería ver mi familia chilena, el resto estuvo un fin de semana nada más, ¡y resultó absolutamente fantástico para todos! Se nos cayeron lágrimas y se nos puso la piel de gallina a cada rato, y logramos donar 25 mil dólares a la Cruz Roja, ¿cierto?, como premio benéfico, y encima de eso, juntamos un poco más de plata con la rifa de mi guitarra, como dos mil 500 dólares o algo parecido, si mal no recuerdo. Fue realmente bueno y si hubo cuatrocientos, cuatro mil o cuatro millones viendo el show, ¡no importa!, sólo quisimos hacer algo, por nuestro sentimiento de ayudar a la gente con el terremoto. Eso fue lo más importante y sé que a Silje le encantó hacerlo, ¡y no podemos esperar más a partir de aquí a una semana para comenzar el tour en Sudamérica! Sí.

The Gathering

Recuerdo que me habías dicho querías hablar con fans de The Gathering para oír sus historias acerca del terremoto. Conociste a una comunidad de pescadores, hubo voluntarios en el teatro…

Bueno, Gema tiene un sobrino que vive en Pichilemu, así que fuimos y ayudé a construir para la gente de campo que vivía en el cerro. Fui con Gema para ayudar además. Iba a ayudar por dos días, era el único tiempo que tenía y debía volver, pero no había alojamiento más para un solo día así que no pude quedarme en el segundo. Ayudé en casas de campo allí en la montaña y la gente era muy simpática… no pude conversar con ellos de forma directa, pero por Gema escuché un poco de sus historias. Me impresionó harto, tenían estas pequeñas casas de adobe totalmente destruidas, no les quedaba nada y realmente agradecían la excelente organización del sobrino de Gema, reconstruyendo todo con casas de madera que pudieran resistir terremotos, que no se cayeran, bastante más grandes… de algún modo hubo como una “mejora” y sí, fue muy impresionante para mí en realidad estar allá en toda esa zona del tsunami y ver lo que sucedió en el área de Pichilemu. Sí, me impresionó harto.

Tienes tu relación personal con Chile, tienes tu relación musical con Chile, pero luego de ese show y esa visita tan especiales, ¿cuánto más cercano te sientes del país?

Cierto, con The Gathering ya teníamos una conexión con Chile, por supuesto, teníamos nuestra historia. Años atrás, íbamos a tocar en Chile pero fue cancelado por el festival y no pudimos ir. Se trató de una partida más o menos negativa, pero OK, fue algo que no estuvo en nuestro alcance, algo pasó entre la organización del festival y nuestra agencia de booking, ¿eh?, no nos pusieron en el cartel al final. Fue un comienzo un poco de mierda, sin embargo, unos años más tarde tuvimos la posibilidad de ir y fue fantástico poder tocar en Chile. Las entradas se agotaron así que agendamos otro show para el día anterior, ¡y también se llenó!, ¿no?, ¡sold out!, entonces fue fantástico. Y luego, claro, actuamos en un recinto más grande, después filmamos un DVD, ¿ah?, y entre medio, conocí a mi chica. En lo personal, sí, para mí Chile es un segundo hogar, un segundo país. Amo el país, amo a las personas, ¡adoro el humor!, ¿sabes?, para mí es como tan “volver a casa” ahora que voy de nuevo. Los de la banda también se involucran en esta especie de… sí, conexión que tengo y tenemos con la historia del grupo y la gente. Sí, es realmente muy especial. No digo esto en cada país, porque además adoro a los mexicanos, aunque para mí Chile tiene ese pequeño extra. Lo hablo por mí.

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MÚSICA: “ESO ES ALGO QUE NO PUEDES ARRANCARLE A LA VIDA”

Por eso quería conversar contigo René, ya que conocemos tu vínculo con el país. Ahora, hablaste de humor y me acordé del video que subieron en promoción de esta gira, donde sale Frank Boeijen mostrando un mapa de “Sudamérica”, pero que en verdad es el de Holanda y pone encima nombres de ciudades como Lima, Santiago y Buenos Aires. ¿Cuál es el mensaje oculto de…?

…no hay ningún mensaje. Nuestro mensaje es más como ‘¿sabes?, la música es algo serio, la llevamos con seriedad al escenario y seguirá siendo así, pero igual queremos llevarla con un poco más de humor’. Si queremos decir algo, podemos pararnos ahí los cinco y recitar ‘oh, vayan al show’, como TODAS las bandas lo hacen. Nosotros preferimos añadirle nuestro propio toque y el humor es muy importante, en especial por cómo el mundo está funcionando hoy en día. La música se conecta cada vez más y más con la política, con influencias políticas, ¡cuando la música se trata de sentimientos! El humor son sentimientos, las películas son sentimientos, ¡entonces tiene que estar conectada con los sentimientos! Es nuestra manera de enseñar que lo estamos pasando bien y la música es una forma de traerlo, como Iron Maiden en sus propias películas… en una escala más grande, lógico, ¡pero igual se nota humor!, y Rush también lleva un montón humor al escenario, ¿no?, con un pollo bailando detrás y todo. El humor no debería pasarse por alto en la música, por eso salimos con este tipo de pequeños videos. Damos la información, pero también la damos con una sonrisa y ese es el fondo si quieres verlo, sin embargo no hay nada bajo la superficie que sólo un ‘muchachos, no se lo tomen tan en serio, la música es algo agradable’. Y sí, eso es.

¿Y cómo enfrentas los asuntos políticos? A ver. O sea, Silje, Frank y Marjolein (Kooijman) hicieron un pequeño set acústico en las protestas contra el gobierno holandés, su plan de recortar los fondos para las artes en tu país y subir los impuestos para las actividades culturales. ¿Cuán cómodo te sientes cuando el conjunto se involucra en este tipo de…?

Ehhh, bueno, para mí siempre es (silencio), en cierto modo (silencio), no me gusta en realidad, porque es otra cosa, ¿sabes? Lo que dije fue que la música son sentimientos, es de la parte emocional, y la parte política tiene más que ver con “arreglar” un país. Tienen harto control en sus manos aunque para mí, decir que estoy en contra de ello a través de la música, escribiendo letras acerca de eso y todo lo demás… eso no es lo que somos, no es nuestra forma de decir que estamos en contra. Sé que Sepultura lo hace con su música y ese es el porqué se volvieron tan grandes. Estaban enfadados por el sistema y todo ese tipo de cosas. No lo planteamos así nosotros, ponemos la música de otro modo, de una manera distinta. No obstante, debemos hacer algo al respecto aquí en Holanda y por eso hicimos ese concierto, ese show acústico, toqué algunas canciones ahí y listo, como para decir que estamos en contra, para tratar de despertar a todos como ‘amigos, si esto continúa, varios recintos tendrán que clausurar y un montón de grupos desaparecerán, salas de ensayo, realizadores de videos, realizadores de películas, luego seguirá y seguirá y perderemos gran parte de la cultura’. Y la cultura, por supuesto, está conectada con el gobierno y es como ‘sí, tienes que decir algo al respecto, aunque de esta manera, dejar ver que no estás de acuerdo con cómo piensan ellos, que le están quitando a muchas bandas jóvenes que no sobrevivirán a esto, y que quizás hagan la música más hermosa que haya en el futuro. Eso es algo que no puedes arrancarle a la vida’. Mira, es una cantidad enorme de dinero que quieren recortar aquí, aunque si comparas lo rico que es Holanda y cuánta plata ponen en cuestiones REALMENTE estúpidas, como hacer una nueva autopista que cuesta MUCHO MÁS que lo que le quitan a la cultura, eso para mí es absurdo y ahí tienes que decir algo al respecto.

HEROES FOR GHOSTS Y LA PRÓXIMA ENTREGA: «ES EL DÉCIMO DE THE GATHERING ASÍ QUE NO LO TERMINARÉ HASTA QUE ME SIENTA TOTALMENTE SATISFECHO»

René, sobre lo nuevo que subieron a la web, Heroes For Ghosts, es un tema más extenso y experimental que encaja con lo que habían señalado como hace tres años atrás, que estaban trabajando en dos proyectos aparte: uno, el más pesado, que terminarían siendo The West Pole y el EP City From Above, y el otro, de corte más shoegazer, experimental, suave. ¿En qué medida Heroes For Ghosts representa ese último material?

Bueno, la canción Heroes For Ghosts… a veces escribes canciones sin ponerte a pensar en ellas. Para mi fue como ‘quiero hacer algo realmente emotivo y low-tempo’, como respuesta a The West Pole, donde hay hartas cosas up-tempo que tampoco habíamos probado antes, y con esos up-tempos la música se torna más rockera, metalera. Sin embargo, si trabajas en eso por un largo período, y sales de gira con eso, entonces generas una respuesta automática dentro de ti. Mi respuesta interior fue ‘ahora quiero hacer canciones suaves… no suaves, sino de tempos más lentos’. Automáticamente empezamos a practicar esta composición y surgió como un feeling. No es la única, tenemos más de ese tipo para el próximo álbum… no es que todo sea de once minutos, ¡pero igual hay pistas largas! Quizás puedan cambiar, todavía se encuentran en esa fase, ¿eh?, se sigue trabajando en las canciones, pero sé que tenemos otra de nueve minutos que incluso me gusta más que Heroes For Ghosts, más cruda, entre esa y The West Pole un poco… es difícil decirlo porque no sé como terminará. Ahora, el disco completo es absolutamente más shoegazer en su estilo y sentimiento. A pesar de no tratarse de una música ciento por ciento shoegazer, su feeling va más por ahí, puesto que ese es MI feeling ahora tras concluir The West Pole. Me parece que siempre hacemos esta clase de álbumes, uno en respuesta del anterior y espero que podamos lograr un CD que en cuanto al sentimiento, sea lo que quiero decir hoy en día en la música.

Además, hoy en día quiero hacer música que no deba hacerla para la radio. Me carga que en la radio, en especial aquí en Holanda, sólo pongan temas dos minutos, dos minutos y medio. Bueno, yo no puedo escribir ni contar todo lo que quiero en dos minutos y medio de música, y si tuviera que hacer música sólo para las radios, música de dos minutos y medio, ¡me sentiría un poco estúpido!, dado que quiero hacer la música que quiero hacer y que sé que la gente la escuchará, a la gente que le fascina escuchar esta clase de música. Y aunque dure once minutos, no me da miedo hacerla, o escribirla, ¡la voy a sacar igual! No la voy a recortar para técnicamente hacerla interesante y así a las personas en la radio les guste más y venda más. ¡Encuentro que es la manera más estúpida de pensar cómo hacer música! Quiero hacer lo que yo hago y por eso ahora terminamos con un track de once minutos. Incluso, en How To Measure A Planet hay uno que dura casi media hora, y Travel es de nueve minutos. Hemos hecho antes canciones más largas, es algo que también podemos hacer y ese es nuestro fuerte. Lo más grande de este nuevo trabajo para mí es que tiene que ser emotivo, emotivo de un modo triste, o de un modo pesado, enfadado. Ahora busco decir más con la parte emotiva, no con la parte de ‘oh, debemos sonar rock, debemos sonar metalero, debemos sonar de tal o cual manera’. Debe ser puro y emotivo, esa es la pieza clave del nuevo álbum. Puede que sea de tres minutos, de nueve, no importa, va por cómo nos sentimos, no por cómo otra gente quiere que sea, no por el lado comercial que hoy en día la música tiene que mostrarse.

Empezaste a considerar esta placa el 2008 junto con The West Pole y comenzaron la preproducción en junio del 2010, después del concierto a beneficio. ¿En qué fase de todo el proceso se encuentra The Gathering en este momento?

Oh, no, no, no. Ahora lo enfocamos de manera totalmente diferente. Por supuesto, no me gustan los álbumes que tienen conceptos, no soy fan de esos, pero SIEMPRE, todo disco bueno enseña un tipo historia a través del registro completo, por más que en las letras se no hable de ello, siempre hay una historia a través del registro completo. Ahora trabajamos distinto, tenemos una pequeña historia y acabamos de terminar una canción larga ahora, ¿sabes?, y sí, hay que mezclarla, hay que masterizarla y todo. Y tenemos otras cinco canciones que trabajamos ahora en fase de grabación y así, cuando la mezcla esté lista, con estas seis canciones, las voy a escuchar y ver cuál es la historia ahí, la línea roja que cruza del álbum completo y ver qué me falta por contar en toda esta historia. Desde el primer hasta el último tema, la gente colocará el disco y… uf, hoy en día no hay muchas personas que se sienten y escuchen un álbum entero, escuchan una sola canción, la que es más popular, pero OK, ojalá que hayan varios por ahí que aún escuchen discos completos y para ellos voy a entregar uno entero con mis sentimientos, donde todo esté colocado, donde la historia que quiero contar se encuentre en todo el álbum. ¡Esa fase aún está por venir!, ahora solamente estamos rellenando, finalizando las otras cinco canciones. Quizás escriba dos o tres más, yo, Frank o quien sea, para completar el material. Esa es nuestra idea principal, cosa que haremos este verano, ¡en nuestro verano (risas)!, en Chile estarán en invierno por supuesto, y digamos en el otoño, entre septiembre, octubre y noviembre, vamos a concluir el disco para lanzarlo, ojalá en… no iremos muy rápido creo yo, pero lo sacaremos en enero, febrero del próximo año. Tiene que ser un buen álbum, que sea sorpresivo, que sea como ‘sí, ¡este es!’. Es el décimo de The Gathering así que de verdad debe ser bueno y no lo terminaré hasta que me sienta totalmente satisfecho.

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«ME SIENTO MUY ORGULLOSO DE LA MÚSICA PRECIOSA QUE SOY CAPAZ DE HACER, ¡Y PUEDO HACERLA CON O SIN ELLA (ANNEKE)!»

Además quiero preguntarte sobre el input de Silje en la producción. Para The West Pole, ella arribó bien tarde a los arreglos finales y apenas participó en la composición. ¿Cómo se ha involucrado la cantante ahora en este nuevo material?

Por supuesto, ahora está más (presente) cuando creamos ideas, ¿eh? En The West Pole casi teníamos la mitad de las canciones listas y sólo después pudo meterse Silje, ya que todo estaba definido antes. Ahora le mostramos las ideas para lograr otras más completas, así que está bastante más involucrada en el proceso mismo de los temas y me parece muy positivo, debido a que podemos hacer que la música se conecte mejor. Podemos hablar acerca de lo que dirán las letras, y en lo musical podemos entregar respuestas a las letras, por lo que ella está mucho más metida en el procesamiento de las composiciones. Antes era como música de cuatro personas casi terminada con Silje llegando al final, y ahora estamos creando cinco personas, arreglando los temas entre los cinco, desde el principio hasta el final. Por supuesto, ahora se involucra mucho más.

Con The West Pole, querías demostrar que The Gathering era la música, no sólo la voz femenina, la voz de Anneke van Giersbergen, que el núcleo real era la música. Entonces ahora, que ya pudiste probarlo y sorteaste con éxito el desafío, ¿cuánto más relajado te sientes en la composición de este nuevo CD, el segundo con Silje?

“Sí, la rueda siempre gira, ¿eh?, nunca paramos, ¿sabes? Cuando Anneke se fue, recuerdo que ya teníamos dos temas o algo así para The West Pole. La cosa es que Anneke dejó la banda, no le dijimos nosotros, ella fue quien dijo ‘muchachos, quiero seguir por mi propia cuenta, adiós’, ¿y qué puedes hacer tú ahí después?, ‘OK, ¿continuamos o no?’. Para mí fue como ‘me siento muy orgulloso de la música preciosa que soy capaz de hacer, ¡y puedo hacerla con o sin ella!’, y decidimos seguir adelante. Encontramos a Silje y claro, no sabes cómo reaccionará la gente, pero de todos los rincones, todas las personas se entusiasmaron de forma positiva con la situación de que continuásemos con una nueva vocalista. Fue realmente bueno. Por supuesto, surgieron cosas negativas pero mira, no puedes culparnos, no hicimos nada malo, sólo quería hacer música que fuera hermosa, es lo único que quiero, y no me rendiré. Y lo concreto es que estamos aquí, con Silje, lo probamos con el álbum, demostramos en vivo que somos capaces de hacerlo. De alguna manera, clara o no clara en tu mente, piensas ‘OK, ahora sabemos que podemos seguir y que somos otra vez un equipo, un equipo de cinco miembros, que somos una banda de verdad’, ¿eh? Nos hace sentirnos más fuerte y por eso hemos sobrevivido por 22 años, porque las personas llegan a la banda como si fuésemos una sola familia. Esto ocurre con la música nueva también, en cómo las hemos ido escribiendo. Sí, ha jugado una influencia en nosotros y me cuesta decir cuán profunda es, sólo sé que lo que haremos será realmente hermoso y fantástico, como Heroes For Ghosts. Y lo que ya hemos comentado, como ‘ahora podemos hacer lo que queremos hacer, aquí tienen una canción y sólo esperen a cuando el álbum completo salga, un álbum lleno de esa partes emotivas’. Sí, de algún modo tenemos más aire para respirar, para hacer las cosas un poco más como queremos hacerlas. Sí.

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René, gracias por todas tus palabras, esperaremos a escuchar en vivo Heroes For Ghosts en el 28 en el Caupolicán, al igual, nuevamente, que canciones de tus 22 años de carrera.

¡Sí!, tocaremos en vivo dos temas nuevos, no sólo ese, ¡tenemos otro! Lo vamos a meter como para decir que hay otro tipo de música u otro feeling en el álbum, así que tocaremos en vivo dos temas nuevos. Y de los discos antiguos, presentaremos canciones que no hemos tocado por mucho tiempo, como Broken Glass… sí, pueden revisar en Internet lo que tocamos la última vez aquí en Holanda, y en Sudamérica puedes tocar incluso cortes más pesado, ¡así que lo haremos! Queremos hacer una velada hermosa y que todos los que vayan queden satisfechos. La gente lo apreciará y ahora en Chile es complicado, ya que de nuevo vamos después de un año, y sé que hay UN MONTÓN de bandas tocando allá, así que espero que podamos llevar harto público al show, ¿no? Nunca sabes cómo resultarán las cosas…

¡Pero siempre serán bien recibidos aquí en Chile!, en especial por lo que hicieron en año pasado René…

¡Gracias! ¿Te veo allá o no? ¡Ojalá!, espero que podamos compartir un trago juntos, ¡adiós!

Rage en Chile

Rage por fin viene a Chile. Planes han habido de hace un par de años, al igual que una cancelación extraña el 2006 y visitas a Sudamérica sin paradas en Santiago. Por eso, el encuentro del 21 de junio con el conjunto de Peavy Wagner  y Victor Smolski es especial para los fans locales del metal alemán, en una fecha que destaca incluso dentro de toda la apretada agenda de conciertos 2011 en el país. El bajista, cantante y fundador de Rage conversó con PowerMetal.cl para referirse a esta venida en promoción de Strings To A Web y presentando todas las etapas de su camaleónica carrera.

“LLEVAREMOS UN MONTÓN DE BUENAS CANCIONES, ¡UN MONTÓN DE PODER Y ACCIÓN AL ESCENARIO!”

Peavy, ¡por fin!, contamos los días para la primera visita de Rage a Chile. Primero que todo, ¿qué le dirías a los seguidores nacionales que han querido verlos en vivo durante todos estos años?

Sí, ojalá que varios de ellos vayan y podamos pasarlo muy bien juntos en el show, porque además nos sentimos un poco curiosos por lo que podrá ocurrir allá y podemos esperar de ustedes , ¿me entiendes?, tocando ante los fanáticos chilenos. Sólo he escuchado historias por parte de ciertos amigos que ya han actuado en tu país, que es un público grandioso, ¡así que veamos lo que sucede (risas)! Y bueno, ¡espero que todos se vuelvan locos en el concierto!, de la misma forma que los seguidores que conozco de Brasil por ejemplo. En su mayoría, tengo buenos recuerdos de las visitas a Sudamérica, del 2006 e incluso antes. La gente era muy agradable, muy simpática, muy amistosa, ¡me acuerdo que la audiencia era bien loca (risas)!, me acuerdo de ciudades hermosas. Me gustó bastante Argentina, Buenos Aires por ejemplo, quedamos fascinados con esa ciudad, así que ojalá vivamos otra gran experiencia ahora. No podremos llevar una gran producción ya que iremos volando, ¿no?, por lo que básicamente sólo tendremos lo técnico, así que llevaremos un montón de buenas canciones, ¡un montón de poder y acción al escenario!

En Chile varios conocieron a Rage en estos últimos años, con la etapa de Victor Smolski, y después se familiarizaron con la época de Manni Schmidt como guitarrista, con discos como Trapped! (1992) y The Missing Link (1993). ¿Qué setlist escuchará el público el próximo 21?

Vamos a hacer un feature con todas las canciones importantes, las que creemos ahora que son importantes tocar en vivo. Quizás conozcas nuestro álbum y DVD From The Cradle To The Stage (2004), que es como una especie de best of en directo, ¿no?, y en el concierto nos orientaremos un poco en eso. Y con Victor es bastante fácil en realidad. El material más antiguo no es tan complejo como el más reciente, y nuestro batero André (Hilgers) además tampoco jamás ha tenido problemas tocando las canciones más viejas. Estamos acostumbrados a hacerlo, lo hacemos a menudo así que siempre tendremos temas antiguos en nuestro repertorio en vivo, no nos ponemos a pensar sobre qué etapa corresponde cada pista (risas). Se transforman en NUESTRO material y ellos interpretan las pista a su manera, en su estilo, ¿sabes? Son parte de la historia de Rage así que no es asunto complicado para nosotros.

Rage

Es posible que me equivoque con lo siguiente: recuerdo que cuando Victor tuvo un grave problema de salud (a mediados del 2004 estuvo un mes y medio hospitalizado debido a una seria infección que pudo haberle quitado la vida) y no pudo tocar contigo, llamaste a Manni Schmidt y anunciaste una presentación con él, pero al final la cancelaste por algún motivo…

¡Sí (risas)!, ¿¡de cuándo que conoces esa historia (risas)!? La verdad es que nunca anunciamos el show de esa manera en realidad (risas), ¿sabes? Victor se encontraba seriamente enfermo, gravemente enfermo en ese tiempo, teníamos a Mike Terrana como batero todavía en la banda, ¡y él no quería cancelar las fechas!, por lo que preguntamos si podíamos hacer esos conciertos con Manni en calidad de sustituto, ¿no? Sin embargo, al final, la idea nos pareció tan estúpida que terminamos cancelando todo (risas). Fue una idea nada más, ¡nunca la anunciamos (risas)!

El 2006 también se confirmó un show de Rage en el país, pero se cayó, y también me acuerdo que hablamos a principios del 2009, cuando Rage cumplía 25 años, y dijiste que tenías planes de venir a Chile como a mediados de ese año. ¿Por qué tardó tanto en confirmarse la gira sudamericana de ahora?

Uf, ¡muy buena pregunta! Sí, lo más probable es que hayan habido problemas con productores que trataron de agendar toda esta cuestión, ¿no? Quizás trabajamos con las personas equivocadas al parecer, con unas que no eran lo suficientemente profesionales y… ¡no lo sé en realidad!, eran varios problemas de organización, ¡no tenían nada que ver con nosotros!, ¡siempre estuvimos listos y dispuestos (risas)! Y es difícil a veces, porque no conoces en verdad a esa gente, solo puedes confiar en lo que te escribe a través de los emails y después te das cuenta de que simplemente está hablando pura mierda, de que algo no está funcionando con lo que se hace allá, ¿ves? Si anunciamos unos… o sea, si anunciamos una cosa que después puede que se cancele, mejor entonces damos los anuncios más tarde, no con tanta rapidez, ¿no?

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MÁS MANOS PARA VICTOR SMOLSKI

Peavy, hablando de Strings To A Web (2010), del último material… primero que todo, entiendo que Victor escribió toda la música de la Suite Lingua Mortis del álbum Speak Of The Dead (2006), y ahora que tienes esta otra obra, Empty Hollow, con orquesta de nuevo, elementos progresivos, virtuosos, instrumentales, etc., ¿cómo fue tu input compositivo, sabiendo que Smolski es un tipo muy versátil, que había sido el mastermind de la Suite Lingua Mortis?

Bueno, no fue tan distinto en realidad porque le toma un montón de trabajo a Victor hacer toda la parte de la orquestación y eso. Y es muy bueno en lo que hace, de verdad es un compositor grandioso y creo que ambos formamos un muy buen equipo compositivo. Sí, agradezco y aprecio mucho que se involucre en todo. Ya tocamos ese material en vivo con una orquesta real y salió perfecto. Y para mí, en lo personal, no es distinto a como en los noventa con la orquestación en vivo (risas). En escenario, Victor simplemente toca la guitarra, no se ocupa de lo demás, entonces… ¡pues sólo tiene dos manos (risas)! El problema es que si tuviera otro par de brazos, ¡podría tomar el piano, darse vuelta a dirigir la orquesta y todo (risas)! Pero no, es una sensación más o menos agradable cuando sabes que alguien al lado tuyo conoce todo, que parece tener todo bajo control, ¿no?

Con Christian Wolff, empezaste a arreglar registros orquestados como XIII (1998) y Ghosts (1999) antes que Victor entrara al equipo. ¿Cómo crees que habrían sonado esos álbumes de haber contado con Smolski en la composición y la sección clásica?

¡No soy capaz de imaginármelo!, quizás hubiesen sonado un poco más “musicales”, si me entiendes. Por ejemplo, pienso que Ghosts al final terminó siendo demasiado popero la verdad, y que con Victor todo habría sido más metalero y, como acabo de decirte, más “musical”. Era muy distinto en ese entonces, dado que Victor es más “metal”, él entiende este tipo de música mucho mejor que Christian Wolff lo hacía. Christian era un productor Pop, un arreglador Pop, y realmente no comprendía el Heavy Metal. Luego de Ghosts, la alineación de Rage cambió de manera drástica, Victor ingresó al conjunto y la música volvió a ser harto más metalera, por la forma que se expresa en lo artístico. Se trató de un desarrollo natural. En Welcome To The Other Side (2001) después, no pensamos como ‘ahora queremos sonar más metal’, así salió nomás.

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“¡YO SÓLO CANTO Y TOCO EL BAJO!”

En Welcome To The Other Side, el primero con Mike Terrana y Victor Smolski en el proceso creativo, hay un sonido de batería más natural, pero no tuvo una buena recepción por parte de los fans, que decían que la batería sonaba débil. Y luego, sacaron Unity, con esta producción más apretada y heavymetalera. ¿Qué tipo de reacción fue Unity (2002) a Welcome To The Other Side en cuanto al sonido?

Sí, a los seguidores les gustó el sonido de Unity mucho más que el de Welcome…, ¿cierto? Esa batería natural, ese sonido medio jazzero del drum kit no encajó con las expectativas que tenían los fanáticos del metal, me imagino yo. A ellos les gustan baterías más poderosas en nuestra música, ¿no? Ahora, en la producción no hay una diferencia muy grande para mí (risas), no me involucro en el sonido de la batería (risas), no es algo intencional, salió de un modo espontáneo. Simplemente me gustó de esa forma cuando hicimos la mezcla y pensamos ‘OK, probemos así’, ¿me entiendes? No planeamos todo con tanta antelación, algunas cosas dejamos que pasen nomás y después vemos lo que opina la audiencia. De todas maneras, Welcome To The Other Side sigue siendo un buen álbum.

Desde Unity que han trabajado con Charlie Bauerfeind (Helloween, Blind Guardian, Hammerfall) en las la producción. ¿Qué importancia tiene él no en el estilo, aunque sí en el sonido de Rage?

Charlie era más importante hace un par de años atrás. El mismo Victor sabe muy bien cómo lograr esta especie de sonido ahora y cada vez nos volvemos más independientes con respecto a trabajar con Bauerfeind (risas). Por otro lado, Charlie siempre está muy, muy ocupado con las demás bandas que produce, por lo que nunca tendrás la seguridad de si dará o no con el tiempo para colaborar contigo. Nunca nos ha dicho qué tocar, sólo se preocupa del sonido, de colocar un buen sonido metalero en los CD. Victor se encarga más bien de crear este tipo de sonidos. ¡Yo sólo canto y toco el bajo (risas)!, ¡no me meto en la producción (risas)!

Rage

Recuerdo que una vez comentaste que Trapped! y The Missing Link establecieron el estilo de Rage, ya que en la actualidad el grupo no toca demasiado diferente a como lo hacía en esos discos. ¿Qué similitudes notas entre Trapped! y Soundchaser (2003) por ejemplo, teniendo en cuenta que has lidiado con muchísimos cambios de alineación, de estilo, de negocio?

Sí, no encuentro que existan tantas diferencias entre esa clase de álbumes, suenan bastante parecidos, casi iguales. OK, hay músicos distintos, por supuesto, y puede que ahora seamos un poco más progresivos, un poco más… no sé, con detalles que son más compuestos, pero en lo general diría que no hay mayores variaciones. Y nada, no echo de menos nada del pasado de Rage. Como ahora está todo muy bien (risas).

¡Eso es grandioso! Gracias Peavy por la entrevista y estamos a la espera de Rage en Chile.

Sí, ¡muchas gracias por haber esperado por nosotros y ojalá pueda verlos a todos ustedes! ¡Lo pasaremos muy bien juntos! ¡Nos vemos!

Más información en www.rageinchile.cl.

Entrevista con Olaf Thorsen (Labyrinth - Vision Divine)

“Siempre me gusta hablar con Chile”, dice Olaf Thorsen al teléfono desde Italia. Atento al llamado según lo acordado, no se demora en empezar a hablar en ese mismo castellano que ha venido aprendiendo desde que conociera el país, cuando vino con Labÿrinth y Vision Divine en noviembre del 2000. De esa época que el guitarrista/compositor mantiene una cercana relación con Chile y por ello atiende en español y con entusiasmo cada pregunta sobre su trayectoria en el metal melódico europeo, partiendo por su regreso a Labÿrinth, la concreción con sus antiguos compañeros de la segunda parte de Return To Heaven Denied, y remontándose en el tiempo a sus principales hitos como músico y motor de ambas agrupaciones, pilares absolutos del metal italiano. Olaf tiene harto que contar y en una entrevista para guardar en archivo, habla de los tiempos en que grabó Return To Heaven Denied, Vision Divine y Sons Of Thunder, del vuelco en su carrera con Stream Of Consciousness en adelante, de sus dos visitas “oficiales” a Chile (link al review del show del 2007), del intento fallido del 2009, de fútbol chileno y muchas  otras cosas.

Olaf, el martes 17 de agosto, tocaste con Iron Maiden en Udine. Tengo entendido que la banda misma escogió a Labÿrinth dentro de un gran número de artistas, para abrir ese concierto.

Sí, entre un número de seis artistas. En total, fueron siete bandas, no solamente italianas, solamente Labÿrinth eran italianos y los otros eran extranjeros. Como tú dijiste, la banda fue escogida directamente por Iron Maiden y, claro, fue un honor muy grande para nosotros, porque nos pidieron enviar material, lo escucharon junto con el de otras seis bandas y al final decidieron que Labÿrinth era la mejor para tocar. Como tú puedes entender, Labÿrinth son italianos, tocamos en Italia y fue un honor muy grande para nosotros. Es más, cuando nos subimos en el stage, de verdad todas las personas nos gritaron el nombre ‘¡Labÿrinth, Labÿrinth!’, ¡y fue un éxito increíble! Y también, los músicos de Iron Maiden, Nicko McBrain, Janick Gers y Adrian Smith, subieron al stage y miraron el show, fue muy divertido, y después nos dijeron que había sido ‘increíble, ¡una de las primeras veces que vemos una banda telonera que todo el público grita su nombre!’, y nos pidieron tocar otra vez, como el bis, se dice en Italia, no sé en español (risas). OK, nos pidieron tocar 15 minutos más. Y ellos ‘no hay problema, ¡que toquen!, ¡que toquen!’. Todo esto, tú puedes entender, ¡fue increíble para nosotros!, porque normalmente, Iron Maiden es conocido como un grupo que cuando hay un telonero que toca, a la gente no me importa mucho quién toca, y lo único que quiere es que los teloneros terminen rápido para escuchar Iron Maiden (risas), ¡pero fue muy increíble! Y ellos, como personas son… cómo se dice en español… ¿sencillas?, simples, son personas muy sencillas, muy amigables, te hablan y no parece que fueran los Iron Maiden (risas), te hablan como personas que conoces de hace siempre. Por primera vez en mi carrera no tuve ningún problema con los pass. Tenía la posibilidad de ir donde yo quisiera, al backstage de Iron Maiden, tuve la posibilidad de hablar con Iron Maiden como amigos, y entendí que cuando realmente una banda es grande, cuando una banda de verdad hizo algo tan grande en la historia, no necesita demostrar nada más. Tuve la posibilidad de tocar con otra banda, todavía grande pero no tanto como Iron Maiden, ¡y se portan como rockstars de verdad!

¿Hablas de Megadeth?

¡Iron Maiden son personas maravillosas!, y al contrario, yo toqué con otras bandas que no te puedo decir el nombre, claro, que no son tan grandes como Iron Maiden, ¡y se portan como rockstars de verdad! ‘Aquí no puede tocar, aquí no puede pasar, aquí no se puede escuchar, aquí no se puede hacer esto, no se puede hacer ello’. Iron Maiden no son así. Yo, de verdad les agradezco como músicos y como hombres, ¡porque son personas maravillosas!

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OLAF DE VUELTA: “DESEÁBAMOS TOCAR UN ÁLBUM DE LABYRINTH, NO UN ÁLBUM DE MÚSICOS”

Hablaste de la reacción del público. Sucede que Labÿrinth es de los conjuntos más queridos dentro de Italia por lo que hizo por la escena de tu país en su tiempo…

Sí, absolutamente. El show demostró por qué Labÿrinth estaba tocando con Iron Maiden. Las personas cantaban las canciones, gritaban el nombre Labÿrinth, ¡fue increíble!, ¡y para todos!, para Iron Maiden también fue una sorpresa ver todo ese público gritando ‘¡Labÿrinth, Labÿrinth!’, que conocía el nombre y… ¡fue increíble! Tengo recuerdos muy buenos, va a ser una de las cosas más grandes que haya hecho como músico.

…y ese cariño está vivo ahora con la reunión de Labÿrinth. ¿Qué cosas tuviste que hablar con Roberto (Rob Tyrant, voces) y Andrea (Cantarelli, guitarras) para que este reencuentro fuera posible?

Mira, la verdad es que no tuvimos que hablar mucho porque fue algo muy natural. Después de Labÿrinth yo seguí mi carrera con Vision Divine, como bien tú sabes, dos bandas distintas que tocan música diferente y las dos tienen sus vidas. Luego de unos años, pasó que yo tuve que tocar con Roberto como special guest en otro grupo (risas). Una vez, tocamos juntos en una escuela de música, ¿cómo se dice school?, ¿así?, porque yo enseño guitarra y Roberto enseña canto, ¡y tuvimos que tocar una canción de Labÿrinth!, Thunder del Return To Heaven Denied (1998), del primero. Fue muy divertido, para nada algo complicado. Una vez estábamos en un almuerzo hablando y me dijo ‘¿por qué no volvemos a hacer algo juntos otra vez?’. Le contesté ‘me gustaría mucho, pero son casi ocho años que no toco con la banda, tuvimos problemas en el pasado así que no sé si se pueden arreglar todas las cosas, tú sabes, después de muchos años’. Y él me dijo ‘yo me voy a ocupar de esto. Si tú quieres vamos a comer, a tener una comida juntos, yo, tú y Andrea, hablamos y vemos lo que pasa’. Así lo hicimos, cenamos todos juntos y vimos que no había ningún problema. A la semana empezamos a escribir las canciones para el último álbum. Fue muy fácil, muy natural.

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Y bueno, Roberto y Andrea crecieron mucho como compositores durante tu ausencia de Labÿrinth. Son otros músicos ahora, son otras personas ahora. ¿Qué influencia tuvieron ellos en Return To Heaven Denied Pt II (2010), sabiendo que tú eres el creador de ese disco?

Ehmmm (suspiros) esa pregunta no es muy fácil porque te digo, la verdad la verdad es que como músicos, ¡todos crecimos juntos! Yo toco con Andrea desde que tenía como 20 años y así que creo que no importa lo que ahora toquemos. Nosotros crecimos juntos como personas y como músicos, y la verdad es que la primera vez que volvimos a tocar juntos para escribir algo, parecía que el tiempo no hubiese pasado, ¿me entiendes? Las influencias hoy en día son claramente un poco diferentes, y lo más distinto es la idea que tenemos de la música. Yo soy un músico Heavy Metal y no me gusta tanto hablar de Power Metal, de Speed Metal, de Progressive Metal, eso es más para los fans, son los fans los que escuchan y dicen ‘esto es PowerMetal, esto es progressive’, pero, lo que seguramente es verdad, es que tengo una manera de tocar, de grabar, de componer que creo que se entiende cuando alguien escucha un álbum mío. Y como dices, Andrea tiene otra manera y fue muy evidente, muy claro cuando nosotros no hicimos más cosas juntos. Los últimos álbumes de Labÿrinth son muy diferentes a los últimos de Vision Divine. Esto no es un problema cuando nosotros tocamos juntos porque al reunirnos, tenemos una sola manera de componer, y por eso el nuevo suena tan parecido a lo que escribimos varios años antes.

Pero viendo todo lo que han crecido desde Return To Heaven Denied del ’98 hasta hoy, con la segunda parte, ¿qué diferencias ves entre un tema como State Of Grace, de esa época, y Sailors Of Time de ahora, por ejemplo?

Creo que la maduridad. Claramente, nosotros tenemos UNA manera de escribir y cuando escuchas Sailors Of Time, aún puedes entender que se trata de Labÿrinth. Y también, los músicos son diferentes ahora, ha pasado como once años desde el primer Return y seguramente ahora la técnica es mucho mayor. Lo que tuvimos que hacer en este momento fue algo muy difícil (risas), lo que tuvimos que hacer fue equipararnos, porque yo no quería hacer un álbum muy técnico entendido como Progressive, ¡si crecimos mucho como músicos! (Silencio) yo quisiera cambiar muchos… (silencio) I’ll speak in english, maybe it’s better here, because it’s difficult! (en inglés) en este tipo de música prefiero… tuvimos que detenernos aquí un poco para tocar las cosas de una forma no tan complicada, ya que en diez años crecimos como músicos, por supuesto. Entonces, para este álbum, debimos situarnos de vuelta en las raíces. Deseábamos tocar un álbum de Labÿrinth, no un álbum de músicos, si sabes a lo que me refiero. A veces, en algunos temas de verdad tuvimos que cortar ciertas partes. Eran agradables, aunque demasiado complicadas en términos musicales, diría yo más progresivas que la música que se supone que Labÿrinth toca. Y fue natural, se originó por el hecho de que ahora contamos con muchísima más experiencia.

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(Inglés) puede que me equivoque con esto pero estaba viendo algunos setlist de apariciones en festivales y no noté mucho espacio, o nada de espacio en realidad, para material de Labÿrinth (2003), Freeman (2005) o 6 Degrees To Nowhere (2007). ¿Cuán cómodo te sentirías interpretando canciones de ese período en vivo?

(Inglés) bueno, cuando tocamos… hasta ahora sólo lo hemos hecho en festivales así que el tiempo que tenemos no es tanto, ¡no es que toquemos una hora y media! Por lo general, en festivales tocamos entre 30 y 45 minutos, o quizás una hora, y tenemos tantas placas que, claro, nos vemos obligados a escoger. Y salió natural. Nos percatamos de que todos, las personas, las agencias, los fanáticos, los mismos productores, todos querían que tocáramos canciones de Return To Heaven Denied… del Sons Of Thunder (2000) igual las agradecían (risas), pero suena como si los nuevos, los últimos pasos que Labÿrinth dio sin mí, la gente los ve como un período en que las cosas cambiaron demasiado. No es que a los aficionados no les haya gustado, aunque este minuto no lo perciben como el momento indicado para tocar esas composiciones. Puedo decirte con seguridad que ya hemos preparado material del último trabajo, ya que es lo correcto. No queremos “cancelar” un período completo de la banda, no creo que sea lo correcto. Fui el primero en pedirle a los demás integrantes preparar canciones de esos discos, si además considero que es una muestra de respeto hacia los fans, hacia los más recientes, a los que les gusta esa etapa, entregarles temas de tales registros. Claro que lo haremos.

LA IMPORTANCIA DE RETURN TO HEAVEN DENIED: “¡POR DIOS, PUEDE QUE HAYA HECHO ALGO MUY GRANDE!”

(Inglés) y sobre el Return To Heaven Denied… Olaf, ¿puedo hacerte las preguntas en castellano?

(Inglés) seguro, ¡seguro!, ¡habla en español nomás!, ¡no hay problema! Sólo soy yo que no hablo español tan a menudo como antes, ¡así que se me olvidó la forma de hablarlo (risas)! (fin del inglés).

(En castellano) pero te manejaste muy bien con el idioma, ¡entendí perfecto tu español! Y no te preocupes, ¡tiene que venir a Chile pronto para practicarlo de nuevo!

¡(Risas) lo haré!, ¡sí!, ¡tengo que practicar!, ¡tengo que entrenarme (risas)! Ya, ¡dime, dime!

(Risas) sí, recuerdo que el 2001 ó 2002 escribiste que el Return To Heaven Denied era “el disco de tu vida”. No es sólo uno importante para Labÿrinth, no sólo importante para la escena italiana, es uno súper importante para el metal melódico de fines de los noventa. ¿Por qué crees que es tan especial ese trabajo? ¿Qué salió tan bien en ese CD?

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Yo no sé… yo sé que no se que decirte. Lo que tú me dijiste es algo muy grande y te lo agradezco mucho, y claro, nosotros lo entendimos tiempo después en los años. Para nosotros fue un álbum simplemente, MUY IMPORTANTE, sí, aunque relacionado todavía a la escena italiana. Jamás tuvimos la posibilidad de pensar de nosotros mismos como rockstars, yo apenas soy un músico, un guitarrista, me gusta tocar. Yo hice muchos álbumes y claro, Return To Heaven Denied es MUY IMPORTANTE porque me dio la opción de ser un músico, de ser conocido, de hacer otros álbumes, ¡de tocar por todo el mundo! Claro, después de muchos años, toda la gente que te encuentras en América, Sudamérica, en Japón, te pregunta y te habla de Return, de Return, todas las magazines, entonces uno se detiene un momento, piensa y dice ‘¡POR DIOS, PUEDE QUE HAYA HECHO ALGO MUY GRANDE (risas)!’, y no sé por qué. Yo tengo una mía personal idea. Hablé con músicos como Kai Hansen de Gamma Ray y en la mitad de los noventa, el metal estaba casi muerto, si tú te acuerdas, sólo pocas bandas. Era el período de Nirvana, del grunge, el metal estaba casi muerto y ninguno de nosotros tenía contacto con los otros. Mas lo que pasó en el ’95, ’96 y ’97, y después, claro, el ’98… bueno, hablamos como de cinco años (risas), desde el ’95 hasta el 2000 casi, fue que salieron muchas bandas como Labÿrinth, como Rhapsody, como Gamma Ray. Con todo respeto, yo no creo ser tan grande como ellos, aunque todavía la gente habla del Return To Heaven Denied. En fin, creo que la razón es que todas estas bandas salieron al menos con un álbum que hizo algo importante. El metal, entendido ahora como Power Metal, como metal melódico, como ustedes quieran llamarlo, volvió porque estas bandas hicieron tales álbumes. Sólo es eso. La verdad es que ninguna de estas bandas de verdad lo hizo como parte de un plan, lo hizo solamente porque le gustaba esta música y, como siempre, cuando alguien hace algo porque le gusta, termina siendo verdadero, no algo planeado que tú dices ‘voy a escribir un álbum de Power Metal porque ahora la gente quiere comprar Power Metal’. Eso ocurrió después, cuando muchos grupos salieron copiando lo que otros hicieron antes. Esa razón podría ser por la que la gente habla de estos álbumes, no sé, ¡y nosotros no teníamos idea! Cuando Return To Heaven Denied salió, el primero, ¡la palabra Power Metal no existía! En los reviews, ¡nunca nadie habló de Return To Heaven Denied como un álbum de Power Metal! La música que compusimos en el ’96, ’97, ’98, se llamaba Speed Metal melódico, así que como ves, nosotros no teníamos ni la más mínima idea de que eso sería llamado después Power Metal. La palabra Power Metal ya existía, era un género de música americana como Riot, que nada tenía que ver con música como la nuestra, ¡muy diferente!

En todo caso, ya se hablaba del Power Metal europeo cuando editaron Sons Of Thunder, bien adentrado el 2000. Y algo muy curioso: ese disco lo produjo Neil Kernon (Queensrÿche, Dokken, Nevermore, Cannibal Corpse, Deicide) y lo mezcló en Estados Unidos. Sin embargo, ustedes decidieron remezclarlo por completo en Milán, con Alfredo Cappello. ¿Qué salió mal en la mezcla original de Kernon que…?

¿Qué salió mal?, ¡TODO SALIÓ MAL!, y todavía lo puedo escuchar en el álbum. No sé si te gustará más o menos, ¡pero suena muy mal! Lo que pasó es muy difícil de explicar y tampoco me gusta disculparme, o echarle toda la culpa a Neil Kernon. Te voy a decir muy rápidamente: Labÿrinth era una banda muy joven cuando grabó Sons Of Thunder, sólo con la experiencia de un álbum como Return que tuvo mucho éxito, sin la maduridad para manejar todo eso, entonces el sello nos envió este productor muy conocido, muy grande, para ayudarnos a producir algo más grande. La verdad es que Neil Kernon hizo algo muy bueno en los ochenta y, como ocurrió después, muchos de estos productores de los ochenta no estaban listos para grabar las nuevas cosas, lo que ahora se llama Power Metal, porque se necesita un sonido completamente distinto, totalmente diferente. Y tuvimos muchos problemas… yo te digo, en años anteriores Kernon había hecho Nevermore y ahora, los mismos Nevermore no hablan bien de los álbumes que hicieron con él. Y como tú puedes ver, no siguió trabajando con ellos, así que no digo que la culpa sea de Neil Kernon, digo simplemente que el error fue que la casa discográfica trató los álbumes que nosotros grabábamos como música que se hizo en los ochenta, y ese fue un problema muy grande.

Vision Divine

La producción idónea para este tipo de música la estuviste buscando en varios discos, incluso en el debut de Vision Divine (1999), que si bien tiene una composición excelente, tengo entendido que tampoco quedaste del todo contento con el master…

NO, porque tú al mirar en los años, son todos alrededor del 2000, de la misma época, cuando las cosas eran muy grandes para mí, muy grandes (risas), contratos internacionales, distribución, etc., y en Italia por lo menos no estábamos listos para grabar álbumes de calidad. El problema era buscar la forma de hacer los discos de buena manera. Yo creo que álbumes como el último Return suenan muy bien, porque ahora entiendo sobre producir y yo soy el productor (risas). Hace diez años atrás era muy difícil, porque nosotros pensábamos la idea como ‘bueno, voy a grabar esto y voy a buscar un productor’, y todo lo que ellos producían estaba todavía con la cabeza (dirigida) hacia los ochenta, y la música, como puedes escuchar, no suena moderna… ¿se dice moderna?, ¿o actual? Suena muy viejo, y los sonidos de los ochenta no son perfectos para la música que nosotros tocamos. Necesitamos otros sonidos. Ahora puedo decirlo, hace diez años no entendía lo que estaba pasando, tenía una música en mi cabeza y cuando el álbum salía, ¡el sonido era totalmente diferente! ¡No estaba demasiado feliz (risas)!

CHILE EL 2000: “FUE EL PAÍS Y EL SHOW (DE LA GIRA) QUE TODOS LOS MÚSICOS (…) TODAVÍA TIENEN EN EL CORAZÓN”

Me imagino que la experiencia de tu primera gira por Sudamérica, que incluyo un show en Chile, en noviembre del 2000, debió ser bastante especial. ¿Cuáles son tus recuerdos más alegres de esa visita con Labÿrinth y Vision Divine?

Ah, ¡fue maravilloso! ¡Fue una experiencia increíble claramente! Piensa que Labÿrinth y Vision Divine todavía están en la historia del metal italiano porque fuimos las primeras bandas que tocaron como headliners en un tour así largo en un continente como Sudamérica, así que aún nos preguntan lo que pasó, cómo pasó. Yo me acuerdo que fue una experiencia enorme porque tocamos en muchos países. Lo increíble es que en Chile fue el más pequeño y, sin embargo, fue el país y el show que todos los músicos de las dos bandas todavía tienen en el corazón. Chile tuvo algo especial para nosotros porque la gente es muy diferente. No quiero decir mejor o peor, eso no sería correcto para la de Argentina, de Brasil. Eso no importa, todos los fans son muy buenos con nosotros… lo que pasó fue algo extraño porque la atmósfera fue muy diferente, de mucha amistad inmediata, y claro, ¡fue muy increíble! Es muy difícil hablar y decirte todo lo que ocurrió y todo lo que pienso. Lo que sí es cierto es que todos los otros músicos, incluyendo los que no tocan más conmigo ahora, todavía se acuerdan de la gira que hicimos el 2000, porque fue muy especial para nosotros.

Labyrinth y Vision Divine en Chile - 2000Labyrinth y Vision Divine en Chile - 2000

Un recuerdo que tengo muy vivo de ese concierto en Santiago, es que tú y Mat (Stancioiu, batero) tocaron cerca de 25 canciones entre el repertorio de Vision Divine y Labÿrinth. Estabas cansadísimo, ¡y la gente comenzó a pedir Lady Lost In Time! Ustedes no la tenían puesta en el setlist, ¡y aun así la tocaron!

¡Sí!, claro, yo me acuerdo que fue la gira más dura para mí porque (risas) yo y Mat, y también Andrew McPauls (teclados), tuvimos que tocar dos shows cada noche y fue algo muy, muy duro para nosotros. Como tú entiendes, viajamos como por tres semanas por toda Sudamérica, y casi cada noche tuvimos que tocar… ¿35 fueron?, no sé, ¡sin embargo muchas (risas)!, y cuando nos pidieron Lady Lost In Time… uf… ¡claro que la íbamos a tocar! Si el público te pide, y te llama, y pagó, y está ahí para escuchar tu banda, tu música, ¡es una forma de respeto hacerlo si se puede!, siempre es bueno hacerlo como muestra de respeto al público, siempre. Sí, estábamos súper cansados (risas). Recuerdo que al final, después del show, ¡estábamos completamente destruidos!, ¡completamente! ¡No tenía más agua en mi cuerpo (risas)!

¿DADO POR MUERTO?: STREAM OF CONSCIOUSNESS ES “MÁS FUERTE QUE RETURN”

Un par de años más tarde sacaste el segundo de Vision Divine, Send Me An Angel (2002), y quizás ese disco no tuvo la misma respuesta que el debut. Y bueno, te fuiste de Labÿrinth, Fabio Lione se distanció, Andrew McPauls también, reordenaste Vision Divine, conseguiste otro cantante y cuando salió Stream Of Consciousness (2004), hubo un renacimiento potentísimo en tu carrera, justo, justo el disco que necesitabas para que la gente de nuevo hablara de lo que hacías en el presente…

Sí, mira, te digo: Stream Of Consciousness ahora, para mí, para la banda Vision Divine claramente, tiene la misma fuerza que tuvo Return To Heaven Denied para Labÿrinth. No es que yo lo prefiera más. Como historia, yo te digo que fue más fuerte que Return, porque cuando me fui de Labÿrinth, Fabio dejó Vision Divine al mismo tiempo y un montón de cosas cambiaron. Tuve que reconstruir el grupo por completo, ¿no? Todos aquí, en Europa también, todos hablaron de mí, de Olaf Thorsen, como algo que estaba muerto. Nadie creía que fuera posible que hiciera algo bueno. Me acuerdo cuando Stream Of Consciousness salió con un cantante totalmente desconocido (fue el primer trabajo que hizo Michelle Luppi), ¡todos pensaban que yo estaba como loco y cosas así! Cuando Stream Of Consciousness salió, yo te digo, ¡explotó!, fue como una bomba que explotó porque nadie se esperaba algo así y vendió muchísimo. Claro, esas son cosas que no me importan tanto, lo que sí me importa es que estaba de vuelta en la música. Eso es lo extraño del business como se llama. Siempre he sido el mismo músico, el mismo guitarrista, y días antes que el álbum sale todos piensan que uno está muerto, el disco ya está listo para ser distribuido, al día después todos lo escuchan, dicen ‘¡es algo increíble!’, ¡y otra vez eres un maestro (risas)!, y me enseñó mucho eso. Me enseñó que no tengo que leer lo que escriben, no tengo que leer lo que la gente habla en los forums, ¡sólo tengo que ser yo mismo!, y voy a estar muy tranquilo conmigo mismo porque yo sé que ahora no importa lo que pase, siempre tocaré lo que me gusta y cómo me gusta. Ese soy yo, ¡no puedo cambiar (risas)!

Vision Divine

Es buenísimo, ya que además sirvió para que Vision Divine volviera a Chile el 2007, en promoción de The 25th Hour (2007). De ese concierto se recuerda que el bajista no logró llegar a tiempo porque se perdió en el trayecto, y Michelle…

Ahhh… lo que pasó fue que el show se suponía que iba a ser en otro lugar y lo cambiaron al último día. El bajista tuvo que irse de vuelta al hotel y desde ahí llamó a un taxi para ir al lugar, mas todavía tenía la dirección del otro teatro y claro, se enteró no era el lugar correcto solamente cuando llegó hasta allá, entonces tuvo que buscarlo de alguna manera… ¡nadie sabe cómo lo hizo para llegar (risas)!, ¡nadie sabe cómo llegó (risas)! Y nos preocupamos mucho porque Cristiano (Bertocchi) no habla español, no hay muchas personas en Chile que hablen inglés y me dijo que fue muy complicado, ¡si estaba en una metrópoli muy grande!, ¿como de cinco millones?, ¿seis millones? Tenía mucho miedo, pensó ‘no voy a buscar el lugar’ y gracias a Dios lo hizo, ¡no sé cómo!, pero al final todo salió bien (risas).

¿¡POR QUÉ COLO COLO!? ¿¡POR QUÉ NO UNIVERSIDAD DE CHILE!?

Ahora que hablas de Chile, no sé si te gustaría hablar en público de tu relación con el país. Primero que todo, muchos acá han comentado esta foto tuya del ProgPower Fest de Estados Unidos, en la que apareces tocando con una camiseta del Colo Colo…

¡CLARO (risas)! ¡Colo Colo siempre vale (risas)! Y bueno, yo me casé con una chilena el 2004 y la conocí gracias a la primera gira que hicimos el 2000. Y hace… uf, desde el 2001 que alrededor de noviembre y diciembre, siempre me fui a Chile por tres semanas, un mes, ¡dos meses incluso!, a Santiago, Isla de Pascua, y para mí Chile fue como mi segundo país, de verdad. Yo quiero mucho a Chile. Creo que después de Italia, es el país que amo más. Una sola cosa que yo te digo es que tengo muchos correos cada vez que sale una foto mía con Colo Colo (risas). Tengo muchos chilenos que me escriben ‘¿¡por qué Colo Colo!?, ¿¡por qué no Universidad de Chile!?’. Lo que yo quiero decir claramente es que yo no soy chileno, soy italiano, y los hinchas de Colo Colo, los hinchas de la Universidad de Chile u otro equipo, ¡no tienen que enojarse!, porque para mí es una cosa muy diferente, claro. Para mí… ¿por qué Colo Colo?, simplemente porque la primera vez que me fui a Chile, prendí la tele y vi un partido de Colo Colo, ¡y me enamoré de Colo Colo!, como podría pasar con otro equipo como Universidad… simplemente fue así (risas). Claro, yo no soy chileno, no tengo ningún problema con los de Universidad de Chile ni ningún otro equipo. Ahora, yo tampoco sé quiénes se odian con quiénes (risas), no sé si me entiendes (risas). Yo no sé de esto y no me importa mucho, sólo es algo divertido, así (risas). ¡Que no se enojen si ven Colo Colo (risas)!

Vision Divine

¡(Risas) bueno! Quiero agradecerte mucho por esta entrevista, ¡fue un enorme agrado! Yo sé que el 2009 venías a tocar con Vision Divine a Chile, pero la gira se canceló por algunos problemas. ¿Qué podrías decirle a la gente que…?

…sí, porque no fue algo serio y como tú sabes es muy difícil tocar en Sudamérica, para las bandas de Europa siempre es algo muy complicado y el peligro (es) que siempre van a anunciar una gira y la cancelan después que la gente pagó por el ticket. Yo, lo siento mucho. Lo que pasó fue que yo entendí que las cosas no estaban muy serias, no en todos los países, mas en algunos de verdad sé que estaba como una estafa. Yo quiero al público, a los sudamericanos, y no quiero que alguien vaya a estafar a los metaleros con mi nombre, entonces tuve que cancelar todo. Ahora me encuentro arreglando las cosas, las estamos viendo, estamos intentando hacer algo más bien hecho. Yo espero que este año tengamos la posibilidad de tocar de nuevo. ¡Puede ser también Labÿrinth y Vision Divine juntos otra vez!

¡La revancha (risas)! Sea con Labÿrinth, sea con Vision Divine, siempre serás muy bienvenido a Chile…

¡MUCHAS GRACIAS! ¡MUCHAS GRACIAS!

Pagan's Mind: entrevista con Nils K. Rue

Tanto confiaban en la calidad de su música, que estos noruegos ni siquiera se preocuparon de buscar el apoyo de un sello para grabar Heavenly Ecstasy, el nuevo LP de Pagan’s Mind tras casi cuatro años del antecesor, God’s Equation. Lo hicieron solos, apostaron, ¡y ganaron! Si bien las extensas actividades en vivo dilataron el lanzamiento, el extraordinario cantante Nils K. Rue se siente tranquilo y contentísimo con un resultado que lo califica de maduro y definitivo dentro de su carrera, donde lo progresivo se une con lo sensible, lo épico, lo emotivo y lo profundo. PowerMetal.cl tuvo acceso a una conversación con el vocalista y estas son las palabras que compartió con los lectores.

Audio Interview with Nils K. Rue from Pagan’s Mind (PowerMetal.cl – 04/19/2011)

SIN APUROS: “LA BUENA MÚSICA SALE DEL CORAZÓN, SALE DEL ALMA”

¡Nils!, en lo personal, yo estaba a la espera de Heavenly Ecstasy no sólo por lo que había escuchado en God’s Equation (2007), que presentaba un giro hacia lo rockero sin perder peso, ¡sino principalmente porque han pasado casi cuatro años desde ese último CD. ¿Por qué se tardó tanto el nuevo disco?

Esa es una muy buena pregunta. Casi cuatro años entre dos álbumes es demasiado tiempo para una banda en realidad, arriesgas la situación de que tus fans se olviden de ti por decirlo de alguna manera. Por suerte, ¡eso no ha ocurrido con nuestros seguidores! La razón es que… bueno, con God’s Equation, creo que de verdad le pusimos un montón de energía escribiéndolo, no tuvimos… o sea, tienes una fuerza creativa que te permite salir con buenos temas por una cierta cantidad de años, entonces nuestra dosis creativa quedó un poco baja luego de ese último registro. Han habido tours en exceso desde God’s Equation, estuvimos girando por Europa en bastantes ocasiones, hicimos festivales en los Estados Unidos, varias tocatas, etc. Han sido hartas giras, y las giras absorben un montón de tu energía. Todos los muchachos de la alineación son gente de familia con empleos comunes y todo eso, por lo que cuesta sentarse y componer cuando tu mente se encuentra en un estado de touring. Calculo que no escribimos material nuevo hasta como un año y medio después del lanzamiento de God’s Equation, y nos tomamos su tiempo ya que no nos gusta dejarlo así nomás, y escarbamos en las ideas con las que venimos del principio. Supongo que cuatro años es suficiente, aunque prefiero sentirme cómodo con resultado y usar el tiempo que sea necesario para que salga bien. Eso fue lo que hicimos.

Tu mismo dijiste que es peligroso demorarse tanto con una entrega. Circus Maximus de hecho, de tu país, editó su segundo -y último- trabajo Isolate el 2007, y ahora muchos se preguntan qué será de ellos. ¿Por qué crees que no ha sucedido eso con Pagan’s Mind?

Bueno, la gente empezó a preguntar por la nueva placa apenas un año después de la salida de God’s Equation, ¡y lo ha pedido siempre (risas)! Eso es bueno, ¡significa que los fans quieren algo nuevo! Y es muy, muy difícil, no es sólo llegar, apretar un botón y tratar de ser creativo, la buena música sale del corazón, sale del alma, no es algo que puedas empujar allá afuera. Claro, hay conjuntos ahora que sacan música a cada rato, y no sé en realidad si es verdad o no lo que sale de sus corazones. Pienso que debes estar con el ánimo adecuado y tomarte tu tiempo para escribir buena música.

Pagan's Mind

ESENCIA: “NOS HEMOS CONVERTIDO EN MÚSICOS ADULTOS”

Ya han señalado que Heavenly Ecstasy es el disco más “cohesivo” que han realizado, y que probablemente sea de los mejores de Pagan’s Mind hasta la fecha. ¿Cuáles son aquellos elementos que te hacen pensar así?

Creo que es debido a que en el pasado nos adentramos en todo tipo de cosas experimentales que queríamos explorar, como hacer cuestiones bien progresivas. Estuvimos en proyectos paralelos con personas en grupos más famosos, tratando de explorar diversas facetas musicales por aquí y por allá, ¡y recién ahora casi luego de diez años (risas) hemos crecido!, nos hemos convertido en “músicos adultos” si entiendes a lo que voy (risas), nos hemos encontrado más con nosotros mismos. No tenemos por qué impresionar demasiado a nadie, sólo buscamos escribir buenas melodías, y considero que es un lado más maduro de Pagan’s Mind, donde hallamos la “esencia” de la música. La fuerza todavía está ahí, lo épico todavía está ahí, sólo que un poquito más simplificado, sin tantos elementos extremos progresivos como en el pasado. ¡Están ahí!, aunque bajados un poquito, y me parece que es la elección más sabia si buscas apuntar a un público más grande, ¡ya que nuestro sonido es bien único!, y no cuesta notar que se trata de Pagan’s Mind de todos modos. Es el mismo producto, sólo que más… la gente lo comprenderá mejor esta vez, las canciones están mejor escritas por decirlo de otra forma.

Y la producción con el afamado Stefan Glaumann (Bon Jovi, Rammstein, Def Leppard, Evergrey, Therion) en la fase de mezcla, le da un toque más orgánico en comparación a los primeros tres álbumes de Pagan’s Mind, cuando trabajaron con Fredrik Nordström (At The Gates, Hammerfall, Dream Evil, Arch Enemy). En ese tiempo sonaban más metaleros, pero quizás también más artificiales. ¿Qué papel juega Glaumann en el conjunto y, además, qué importancia tiene para ti sonar más orgánico ahora, creíble y con más dinámicas?

Sí, Stefan Glaumann ha estado con nosotros durante los últimos cuatro años, mezcló God’s Equation dicho sea de paso y ha sido fundamental en el sonido de Pagan’s Mind. Sentimos que él tiene algo excepcional que jamás hemos visto en otro ingeniero… sin faltarle el respeto a nadie, este tipo escucha algo más, escucha algo más que el resto, es capaz de descubrir pequeños detalles en la música que ni siquiera nosotros vemos. Los saca a relucir y arma un nuevo cuadro o universo musical del que no estábamos verdaderamente conscientes de su existencia, ¡sin saber que ya estábamos ahí! Como que mueve la música hacia el arte. Claro, lo hemos usado en las últimas dos placas y quizás utilicemos a alguien más para la próxima oportunidad. Será muy duro en todo caso dado que confiamos demasiado en su labor, tiene un montón de hit records en su catálogo, con Rammstein o Within Temptation y así. (Suspiros) obvio, se trata de un productor bastante caro. Sin embargo, sacar un CD de Pagan’s Mind en un 80 por ciento de calidad no es una opción para nosotros, por lo que siempre iremos por el mejor productor, por la mejor calidad. Entonces sí, Stefan es una pieza muy importante en el puzzle de Pagan’s Mind.

Siendo que tu guitarrista, Jørn Viggo Lofstad igual es productor, ¿por qué necesitan llamar a una persona del exterior para la mezcla?

Sí, es que cuando trabajas de cerca con la música durante meses y meses… a ver, Jorn Viggo vendría a ser el “productor de grabación”, por ponerle un nombre. Él se preocupa que todo se haga bien durante el proceso de grabación, ese es su rol como productor en Pagan’s Mind. Ahora, cuando escuchas esas canciones y te sumerges en los detalles una y otra vez durante meses y meses, tus oídos de verdad pueden quedar “ciegos”, ¡o sordos mejor dicho (risas)! De pronto te olvidas de partes que eran importantes al comienzo, así que resulta esencial contar con un par de oídos frescos para el sonido (risas). Luego, Jorn Viggo y Stefan trabajan juntos en la música, haciendo conclusiones acerca de los detalles.

Cd Review de Heavenly Ecstasy

MESES EN ESTUDIO: “ES UN ESFUERZO FÍSICO Y SÍQUICO QUE HAY QUE AFRONTAR”

Por el tiempo trascurrido, Heavenly Ecstasy representa una especie de “retorno” de Pagan’s Mind a la esfera de los lanzamientos. Luego de todos estos años sin registrar material con la banda, ¿qué cosas echaste de menos de grabar, producir, cantar en estudio?

En lo personal, grabar en el estudio es una labor muy ardua. Hay harto que hacer allí y si tienes un empleo de día, uno común, debes irte a registrar las tomas por las noches, en vacaciones, etc. Estuvimos ahí durante varios, varios meses hasta que quedamos satisfechos con el resultado. En lo personal, para mí, es un esfuerzo físico y síquico que hay que afrontar, porque somos muy mañosos (risas), ¡Jørn Viggo como productor es muy mañoso (risas)! A veces es entretenido, a veces es bien complicado. Puede desmoronarte, puede hacerte llorar, puede hacerte reír, es una cuestión muy sicológica, en especial para nosotros. No obstante, lo que extrañé en estos cuatro años fue el “the big treat”, lo de llegar al estudio de mezcla, dejar que otro pesque el manubrio en la consola y escuchar cómo se despliega el cuadro sonoro ante tus oídos. Esa es la crème de la crème, ese es el “the big treat” en realidad. Aquella misma experiencia viví cuando estuvimos en Estocolmo, en octubre, mezclando el Heavenly Ecstasy (en los Toytown Studios de Glaumann). Eso siempre será entretenido.

Nils, han pasado sus buenos meses desde la fase de mezcla, que fue en octubre como acabas de decirme. ¿Qué ocurrió que no pudieron editarlo hasta ahora, hasta fines de mayo? ¿Por qué este tiempo tan largo entre la mezcla y la fecha de salida?

Sinceramente, dado que aún no decidíamos con cuál compañía disquera firmar. Mientras grabábamos Heavenly Ecstasy, nos encontrábamos en el proceso de dejar nuestro antiguo sello, Limb Music de Hamburgo, Alemania, y pese que al momento de partir con las mezclas no estábamos en ninguno, teníamos la seguridad de que alguien lo tomaría (risas). Entonces, como por el período de las mezclas, nos contactamos como con -si mal no recuerdo- cinco o seis sellos con los que nos interesaba trabajar. Viajamos a Alemania, tuvimos reuniones y después de algunas conversaciones nos quedamos con dos sellos atractivos, y después de más conversaciones nos quedamos con un sello atractivo: SPV/Steamhammer, a quienes pertenecemos hoy en día. Asuntos así toman un tiempo largo, discutiendo los detalles del contrato y todo eso, por lo que pueden pasar meses desde el primer acercamiento hasta la firma del contrato, ¡que de hecho fue sólo hace unas pocas semanas (risas)!

Por lo que me comentas, me imagino que la producción del álbum la pagaron ustedes mismos, en lugar de esperar un contrato y financiar el proceso con presupuesto del sello…

¡Así fue (risas)!, y fue un riesgo enorme, claro que fue un riesgo enorme. Como no contábamos con dinero de ningún sello, tuvimos que meter la mano bien adentro de nuestros bolsillos y sacar un montón de plata sólo para finalizar la mezcla (risas). Lo positivo es que tenemos nuestro propio estudio así que no necesitamos gastar en eso, aunque hubo otras cosas que costaron un ojo de la cara, como cierto productor aclamado, ¡uno muy caro (risas)!, ¡que cobra demasiado (risas)!, pero le teníamos tanta confianza al proyecto que de verdad sabíamos que nos pondríamos en contacto con un sello serio y bueno, que nos pagaría el esfuerzo. Eso ocurre en este preciso instante así que todos tienen sus cheques de vuelta y todos están felices (risas), ¡ningún problema! Es más, funcionó para mejor. ¿Sabes?, a veces en la vida hay que aprovechar las oportunidades.

Pagan's Mind

DE IMPRESIONAR A CONMOVER: EL CAMINO DE PAGAN’S MIND HASTA HEAVENLY ECSTASY

En God’s Equation se hizo evidente que el grupo empezaba a desarrollar un sonido más orientado al rock en las guitarras, con un approach menos powermetalero en cuanto al sonido de producción. ¿Cómo describirías la evolución desde Celestial Entrance (2004) por ejemplo hasta el mismo Heavenly Ecstasy?

En la época alrededor de Celestial Entrance éramos una banda más joven por supuesto (risas), realmente hambrienta por salir, demostrar lo que sabía y hacer un montón de cuestiones instrumentales, ser técnicos, etc. Yo quería lucirme como vocalista y cantar bien agudo, con gritos y todo para impresionar a la gente (risas). Como que lo hicimos un poco, pero tiendes a crecer con el tiempo, tiendes a sentirte con más confianza en lo que eres capaz de entregar y no te ves en la “necesidad” de impresionar tanto. Haces lo que piensas que es bueno, lo que piensas que suena bien y uf (suspiros), ya yo eres tan juvenil para tus asuntos, ya no tienes por qué andarte engrupiendo a las  minas, si captas a lo que voy (risas). Puedes ser tú mismo y hacer lo que quieras, lo que crees que es correcto, y me imagino que eso se refleja en los últimos en God’s Equation y Heavenly Ecstasy, porque se dirigen hacia este sonido clásico rockero del que todos somos grandes fans.

Sí, el disco tiene este sonido más clásico progresivo. Ahora, a muchos seguidores del PowerMetal y metal progresivo les gusta que los músicos los impresionen, les gusta escuchar solos increíbles, voces altas y todo ese tipo de cosas. ¿Qué sorpresas tiene este álbum para todos ellos, o sea, para los fans de Infinity Divine (2000-2004) o Celestial Entrance?

Encontrarán un montón de elementos progresivos. Encontrarán un montón de solos brillantes. Encontrarán un montón de gritos agudos. Pero más que eso, encontrarán mejores estructuras, encontrarán solos mejor escritos, ¡música mejor escrita! Y obvio, queremos asegurarnos de que el público power-progresivo joven quede feliz, y también queremos impresionar dejar contentos a todos los demás. (Suspiros) por medio de este estilo musical más maduro buscamos abarcar a una mayor cantidad de fans, ¿no?, buscamos captar al aficionado heavy metalero corriente.

De todas maneras, en el trabajo hay pasajes agresivos como en The Master’s Voice. ¿Cómo encaja esta pieza dentro del cuadro?

Lo más chistoso de todo es que, a veces, las canciones más veloces que tenemos grabadas, algunas de las que suenan más intrincadas y complicadas, ¡son las que más rápido escribimos (risas)!, ¡son las que nos toman menos tiempo! No sé por qué, quizás tenga que ver con la energía. Tocas rápido, lanzas unos solos frenéticos, te tiras unos gritos agudos, ¡y listo! The Master’s Voice creo que fue el track que menos tiempo nos tomó comparado al resto, ya que resulta más difícil salir con buenos mid-tempos que suenen interesantes para la gente, que salir con cortes Power Metal rápidos, si entiendes a lo que voy (risas). Ni idea cómo será con los demás conjuntos, sólo puedo hablar por nosotros: no tendemos a gastar demasiado tiempo en los tema acelerados, sino en los más lentos y épicos.

Pagan's Mind

He hecho, el que más disfruto de Heavenly Ecstasy es Never Walk Alone, una pista épica, progresiva e intrincada, pero al mismo tiempo es muy accesible y catchy. ¿Cómo es el desafío de lograr este balance entre lo épico/intrincado, y lo oreja/inmediato?

Sí, ¡en serio me alegra mucho que lo digas!, si de verdad estás dando en el blanco con esto, aquello es justo lo que queremos hacer en realidad, música épica y progresiva que al mismo tiempo sea accesible, ¡y eso es lo que hacemos en Never Walk Alone! Es una canción cuyas ideas -algunas de ellas- ya las teníamos desde hace cinco o seis años, cuando empezamos a escribirla, y nunca logramos terminarla debido a que nos faltaban ciertas partes por aquí y por allá. Siempre las practicábamos en la sala de ensayo y de pronto algo saltó, encajó, todo quedó bien y nos las arreglamos para pegar todo. Pienso que esa composición en particular representa algo novedoso y distinto dentro de Pagan’s Mind. Como que encierra algo más sobrecogedor, como que es más loose si se compara a todas las demás, y una vez que la hagamos en vivo estoy seguro que esperaré con ganas tocarla en el setlist, dado que es diferente, no tan saturada de guitarras en todo lo que dura.

MIENTRAS NOS MUEVA LA FUERZA (DEL) HEAVY METAL, SEGUIREMOS SIENDO UN GRUPO HUMANO (CON) METAS EN COMÚN

Sí, posee como una atmósfera de ensueño. Además, el CD enseña otra vibra en cuanto a las letras… o sea, hace un par de horas nomás, leí a un tipo diciendo que los paisajes sonoros de Pagan’s Mind en esfuerzos como Celestial Entrance o Enigmatic: Calling (2005), literalmente suenan como a un viaje a través del tiempo y el espacio…

¡Sí (Risas)!

Ahora en cambio, también cantas sobre la vida misma, acerca de cuestiones con las que todos pueden identificarse. ¿Qué especie de viaje emocional ofrece Heavenly Ecstasy a los auditores?

Te respondería lo siguiente: es una combinación de un montón de factores. Esa impresión que tienes de que las letras se basan más en la “realidad” (risas) por llamarlo de algún modo, es porque en el pasado varios de los que nos escuchaban no entendían nada de lo que cantaba (risas). ‘¿¡Cuál es el significado de esta canción!?, ¿¡cuál es el significado de esta otra!?’, ¿no (risas)?, y siempre trataba de juntar las palabras más complicadas que pudiese encontrar, para que sonaran así bien poéticas, bíblicas y dramáticas. ¡Es entretenido hacer eso!, pero ahora quiero… o sea, con el objetivo de lograr que Pagan’s Mind sea accesible a más personas alrededor del mundo, ahora quiero escribir letras que se entiendan un poco más. Al mismo tiempo, aún siguen siendo harto metafóricas, como en el pasado. Las escribo de una manera que provoque que las personas se sitúen dentro de la música, dentro de las letras, puedan reflejarse en ellas, y que todas tengan un significado distinto para cada uno, las escribo de esa manera en realidad. A pesar de que mis experiencias personales tienen algo que ver con esto, claro, no las vinculo de forma directa, sino en un espacio metafórico. En todo caso, debo mencionar que al menos hay tres cortes “espaciales”, orientados a lo místico, así que todavía escucharás al antiguo Pagan’s Mind en las líricas (risas).

Será entonces un Pagan’s Mind al ciento por ciento con este álbum, después de todos estos años que no oíamos nada nuevo por parte de ustedes, así que muchísimas gracias por la entrevista Nils. ¿Qué mensaje tienes para todos los chilenos que siguen a la banda o se pueden interesar en tu material?

Diría que si eres un fan del Heavy Metal, si te gusta el Death Metal, si te gusta el Power Metal, si te gusta el rock melódico, lo que sea… a todos les podrá parecer interesante Pagan’s Mind, ya que es un universo musical que representa una gran variedad de estilos. No creo que Pagan’s Mind suene a nada parecido en realidad, considero que tenemos un sonido bastante único. Mientras nos mueva la fuerza que sostiene al Heavy Metal, mientras nos guíe el poder de lo épico, continuaremos siendo un grupo humano distinto por así decirlo, todos los que amamos el Heavy Metal. Tenemos metas en común, ¡y supongo que encontrarán varias de esas metas en común dentro de la música de Pagan’s Mind!

Pagan's Mind

“Más es más” es el enfoque que Arch Enemy toma en Khaos Legions, el primer álbum con nuevo material que sacan en tres años y medio. En ese lapso, el conjunto acumuló ideas entre todos sus miembros y ahora simplemente las desparraman en un trabajo más denso en riffs, solos, armonías de guitarra, arreglos clásicos, batería veloces y pasajes extremos. El compositor más refinado de la banda sueca, el experto guitarrista Chris Amott, se adentró en todos los detalles de la placa que sale a fines de mayo en Europa y principios de junio en América, pormenorizando el proceso completo y prometiendo una nueva visita a Chile en apoyo del disco.
KHAOS LEGIONS: “NO EXISTE NINGUNA RAZÓN PARA LIMITARNOS NOSOTROS MISMOS”
Chris, hablaremos en detalle acerca de la nueva producción, Khaos Legions, pero me gustaría comenzar preguntándote sobre tus experiencias en Chile con Arch Enemy, el 2009 y el ’99. ¿Qué memorias tienes del país?
¿Fue el 2009 ya (risas)?, ¿en serio?, ¡fue un buen show! No recuerdo mucho… o sea, me acuerdo del local eso sí y que fue un buen show (risas). No puedo recordar exactamente el de Chile… ¿(Silencio) cuál era el nombre del recinto? ¿Novedades (risas)?, como que tengo mezcolanza en mi cabeza, dimos varios conciertos en Sudamérica en esa oportunidad, por lo que están como revuelto (risas). Pero aquella gira comparada a la del ’99 fue mucho mejor organizada aunque, por supuesto, estaba lo de la gripe porcina, lo que fue bastante complicado. Había un montón de seguridad en el aeropuerto de Santiago y debimos pasar por todo tipo de chequeos y cosas por el estilo. Teníamos que mostrar y firmar papeles en cada país donde aterrizábamos (risas), ¡quizás tú te acuerdas!, pero claro, fue entretenido regresar a Chile. O sea, sólo había ido en 1999, siendo que Arch Enemy fue para allá cuando yo me encontraba fuera de la banda (en enero de 2007). Fue muy entretenido regresar a Chile luego de diez años.
Ahora, entiendo que en marzo último, en Alemania, presentaron en vivo dos canciones del nuevo registro. ¿Qué puedes comentar acerca de la reacción a Yesterday Is Dead And Gone y No Gods, No Masters?
¿Cómo fue la reacción? Tocamos una canción en Alemania, en la fiesta de lanzamiento, y pusimos algunos clips en Youtube… o sea, alguien la grabó y salió en Youtube, y la respuesta ha sido buena. La gente piensa que suena la raja, encuentra genial el trabajo de guitarras intrincadas, simplemente como Arch Enemy, y eso es bueno. Luego presentamos dos temas más, el primer track del álbum que se llama Yesterday Is Dead And Gone, luego No Gods, No Masters, que es más como una especie de pista mid-tempo a lo We Will Rise, entonces fue como una buena elección de material, sí, pues quisimos presentar algo a los periodistas que invitamos. Llevamos a doce periodistas de toda Europa para ese show en Alemania, a la fiesta de lanzamiento, les mostramos el álbum, dimos entrevistas y algunos nos comentaron que el CD cubría todos estos diferentes estilos. Como que nos decían ‘esta canción es rápida, y luego viene otra más lenta. ¡Acaban de mezclar Thrash con Death y todo tipo de metal!’. ¡Eso es algo los periodistas siempre nos señalan (risas)! Son cosas muy extrañas, ¡yo ni idea (risas)!
Sí, de hecho deseaba preguntarte al respecto (risas), ya que el disco tiene estos pasajes extremos y veloces junto con secciones más sofisticadas, más de clase y, cómo llamarlas, classical oriented, en las guitarras, sean acústicas o eléctricas. Bloodstained Cross por ejemplo, Cult Of Chaos o Secrets.  ¿Cuán especial son…?
(Interrumpe) no es nada que nos pongamos a pensar con antelación, nos gusta simplemente tocar esta gran variedad de distintos estilos musicales y por suerte somos capaces de hacerlo, ¡y lo hacemos!, no existe ninguna razón para limitarnos nosotros mismos. No es algo que hayamos dicho antes como ‘oh, vamos a escribir así el álbum’, no deberíamos sentarnos a pensar demasiado en eso, sólo no limitarnos a nosotros mismos, nada más hacer lo que queramos hacer o no pensar ‘oh, ¿acaso suena a Arch Enemy?, ¿es bueno o no?, ¿es esto death-melo?’, ¡hazlo nomás! Creo que todo es mejor de esa manera, más de libre pensamiento. El punto más fuerte es que hay una conexión mental con Mike (Amott, guitarras), que no tenemos que hablar demasiado, que sabemos lo que suena bien y lo que nos gusta, por lo que podemos tocar juntos de gran forma. A veces él llega con una melodía y quiere un cierto tipo de acorde, ¡y lo encuentro sin problemas!, casi como si nos volviéramos uno. Me imagino que eso es bueno (risas). Mike y yo somos de estilos diferentes pero no hay choques, formamos un equipo muy productivo, no surgen conflictos de personalidad.
El disco esconde un lado más sensible entre todos sus elementos y diversos ángulos. Vi este studio report en Youtube y allí apareces tocando una guitarra española clásica por ejemplo. ¿Qué es lo que más disfrutas cuando escribes, arreglas y registras tales pasajes dentro de esta música más agresiva?
Es agradable contar con tales dinámicas. Eso sí es algo que tratamos de hacer con esas pequeñas partes acústicas y limpias en cada lanzamiento, para armar un pequeño grinder. Así, los tracks para mí suenan un poco más Heavy,  en lugar de ir para que los tracks suenen un poco más heavy en lugar de ir triturando todo el tiempo. Sí, fue entretenido, la primera vez que yo grabo este tipo de guitarras clásicas. Solía estudiar guitarra clásica en la escuela de música, ¿y sabes?, me deje crecer las uñas y todo eso para poder tocar las cuerdas, ¡pero nunca entendí lo de andar con las uñas largas (risas)!, simplemente fui a los estudios y me puse grabar esas notas, la verdad es que ya no toco guitarra clásica demasiado (risas). Fue algo que surgió en las grabaciones, cuando Mike llegó con esa melodía y le dije ‘deberíamos arreglarla con cuerdas de nylon, porque esa parte de guitarra es bonita, yo podría tocarla’, por lo que lo decidimos. Tuve que ensayarla harto antes de grabarla y fue muy especial para mí, me gustaba el sonido natural que salía, ¿no?, dado que no puedes copiar ese sonido con nada eléctrico.
¿Y cuán distinto fue tu input creativo en Khaos Legions comparado a tu participación en Rise Of The Tyrant, considerando que Mike ya había escrito casi todo ese material por sí solo cuando decidiste regresar a Arch Enemy el 2007?
Fue un poquito diferente en esta oportunidad puesto que todos nos involucramos en la composición. Sharlee (D’Angelo, bajista) y Daniel (Erlandsson, batero), ¡ellos también escribieron un montón de riffs y melodías!, lo que resultó genial, así que todos aportamos… pienso que Michael tal vez compuso (silencio)… no, pienso que Michael tal vez compuso como el 30 por ciento y luego el resto de nosotros vino con (silencio)… bueno, ¡SEA LO QUE SEA (RISAS)!, ¡el mismo porcentaje cada uno (risas)! Ni idea, pero ya sabes a lo que voy (risas), discúlpame (risas). Me imagino que Mike hizo la mayoría de los riffs, y después llegamos Daniel, Sharlee y yo con lo demás. Fue entretenido, porque Sharlee no había escrito nada desde Wages Of Sin (2001), o sea, no había contribuido a la banda desde Wages Of Sin, y Daniel tocó hartas guitarras, por lo que fue muy bueno y no hubo escasez de material, sólo fue cuestión de qué cosas escoger y cómo colocarlas juntas en el puzzle, puesto que fue como armar un puzzle con las canciones de Khaos Legions. Nadie saldría con ideas que fueran extrañas o tan diferentes en realidad, encajaron bastante bien y no fue para nada difícil hacerlo. Si Sharlee pedía prestada una guitarra, tocaba algo y nos decía ‘esto podría ser un buen coro’, entonces lo probaríamos. No hubo demasiadas discusiones, fue bastante tranquilo, trabajamos de un modo más que efectivo.
A propósito de lo que hablas, a Arch Enemy en los noventa se le conocía como “la banda de los hermanos Amott”, y cuando llegó Angela para Wages Of Sin, se le empezó a ver como “el grupo de Angela Gossow y Mike Amott”. Más incluso,  alejarte del conjunto tras Doomsday Machine. Pero ahora, me cuenta que todos los integrantes aportan su input, todos son fundamentales, todos dan entrevistas…
SIEMPRE HA SIDO DE ESA MANERA, todos son igual de importantes en Arch Enemy. Lo que dices es algo que sólo pasa en el artwork y en los medios, que Angela y Mike capten la mayor atención. Daniel siempre ha escrito un montón, yo siempre he escrito un montón, y siempre hemos arreglado todos juntos los temas. Nunca ha sido sólo Mike y Angela, eso es un invento de la prensa. Y nunca fue ‘la banda de los hermanos Amott’ tampoco, pues Daniel ya era muy importante en esa época, arreglando las composiciones, entonces ahora no se siente para nada distinto, sólo ocurre que la prensa prefiere hablar más con Angela o con Mike (risas), ¡lo que está bien para mí (risas)!
TRES AÑOS DE COMPOSICIÓN: “NO TENGO NINGUNA HISTORIA ENTRETENIDA QUE CONTAR AL RESPECTO”
Entre Rise Of The Tyrant y Khaos Legions, transcurrieron tres años y medio sin que Arch Enemy sacara algo inédito. Tras el lanzamiento del DVD en vivo y de The Root Of All Evil (2009), en el que regrabaron cortes de la era de John Liiva, ¿cuándo comenzaron a sentir la necesidad, el ímpetu de empezar a escribir un nuevo disco?
Bueno, ¡la sentimos en todo ese lapso!, ¡siempre!, pero estábamos muy ocupados con las giras, recolectando riffs e ideas en el tour. Tuvimos un calendario de conciertos bien grande y queríamos finalizar el proyecto de The Root Of All Evil. Simplemente lo hicimos apenas pudimos. Sentimos la necesidad en todo ese lapso, sin embargo no dimos con el momento de escribir el álbum hasta ahora. En fin, hay canciones que vienen de hace dos, tres años. Under Black Flags We March es una de las que trabajamos hace un buen tiempo. Sí, tal vez esa sea la más antigua de todas, esos son riff que teníamos como desde… uf, ¡no sé cuántos años! Hay ciertos riffs y cuestiones generales que teníamos guardados de hace un largo tiempo, y algunas otras cosas las escribimos en la sala de ensayo, así que está como revuelto (risas). No sé, la verdad es que no tengo ninguna historia entretenida que contar al respecto (risas), sólo tratamos de ir componiendo mejor y mejor en el proceso. Al principio, es un proceso más o menos lento cuando debemos sentarnos a escribir una nueva entrega, ya que es complicado tomar decisiones definitivas si te demoras tanto tiempo en crear los temas, si varios después empiezan a mejorar y mejorar. Nos fuimos a ensayar yo y Sharlee y Daniel y Mike todos los días, de lunes a viernes, trabajamos en las canciones y las grabamos en la sala de ensayo con un set-up de estudio profesional. Entonces registramos cada ensayo, Daniel mezclaba las tomas y las enviaba a nuestros correos, para que así todos pudiéramos pensar en direcciones. Así, al otro día, continuaríamos trabajando. Entonces, nos volvimos muy efectivos al final.
Antes, estuvieron muy involucrados en este proyecto de The Root Of All Evil, donde regrabaron clásicos como Bury Me An Angel, The Immortal, Dead Insode y Silverwing, entre muchos otros. Dado que venían de antes con ese mindset, ¿Qué influencia jugaron Black Earth, Stigmata y Burning Bridges en el sonido o estilo de Khaos Legions?
No en el “viejo estilo”, aunque sí en las técnicas de grabación quizás. Como sabes, el disco en el fondo lo grabamos nosotros mismos. Arrendamos un estudio aquí donde vivimos (Sweet Spot Studio, en el sur de Suecia) y en ese lugar nos encargamos de la ingeniería. Daniel, nuestro baterista, es muy bueno a la hora de grabar, así que nosotros nos encargamos de la ingeniería de sonido. Después, en la mezcla… bueno, Andy (Sneap) vive en Inglaterra y estuve presente en esa fase, los únicos que viajaron para allá fueron Mike y Daniel. En un comienzo, se suponía que iba a mezclarlo el muchacho que nos ayudó en la producción, el que tenía el estudio acá, Rickard (Bengtsson), pero lo logró terminarlo a tiempo. Había un plazo fijado y con el objetivo de tenerlo listo según lo planeado, debimos dárselo a Andy Sneap, quien es mucho más rápido para trabajar, así que fue una situación como de último minuto.
MÁS ES MÁS EN ARCH ENEMY: “SERÁ GRATIFICANTE SI AL FINAL DEL TOUR PODEMOS TOCAR LAS CANCIONES CON NUESTROS OJOS CERRADOS”
El sello asegura que Khaos Legions “de inmediato recuerda a Anthems Of Rebellion (2003) y Doomsday Machine (2005). Desde tu perspectiva, ¿qué parecidos y diferencias notas entre Khaos Legions y esas placas?
No, encuentro que las canciones son mejores y también que son más creativas (silencio)… ¡no sé (risas)! Me parece que el nuevo álbum es más o menos positivo, ¿sabes?, que tiene un sentir que levanta el ánimo. Las letras tratan acerca de ser fuerte e independiente. La música enseña un montón de melodías de guitarra, un montón de solos de guitarra. Me parece que el nuevo álbum es más colorido. En especial, con Anthems Of Rebellion tratamos de hacer música más esencial, con los pies puestos en la tierra, tornarla simple, pensando bastante en cómo tocarla frente a una audiencia en vivo, o sea, ritmos bien sencillos con les gustaran a la multitud. Acabábamos de regresar de un tour abriendo a Slayer y (silencio)… no, ¡eso es incorrecto en realidad!, ¡fue antes!, salimos de gira con ellos antes… da lo mismo, teníamos nuestras cabezas muy metidas en los conciertos, cómo tocar mejor en vivo y cómo mejorar los shows. Sin embargo, confieso que los temas los hicimos muy fáciles, muy simples. Lo que hacemos ahora es mejor (risas). Arrojamos todo tipo de cosas allí, y un montón de solos de guitarra, un montón de riffs, un montón de armonías, ¡un montón de todo! Me imagino que será interesante para muchos (risas).
Sí, la música de Khaos Legions debe ser más “físicamente demandante” en un concierto. ¿Cuán cómodos se sentirían con este enfoque de “más es más” del nuevo CD en una situación en vivo?
(Silencio) bueno, ¡tendremos que practicar bastante (risas)! Será duro, pero también será gratificante si al final del tour podemos tocar esas canciones con nuestros ojos cerrados, aunque claro, tendremos que practicar bastante. Yesterday Is Dead And Gone debe ser probablemente el track más difícil que jamás hemos hecho en vivo, considerando las partes de guitarra. Ya lo estrenamos en la fiesta de lanzamiento en Alemania, por lo que me estoy sintiendo con un poquito más de confianza. Creo que lo lograremos (risas). Las secciones mismas no son tan complicadas en extremo, la cosa va por que hayan tantas y sean tan diferentes, el sólo recordarlas y hacer que todas caminen juntas.
KHAOS EN CHILE: “OJALÁ LO ESCUCHEN PARA QUE PUEDAN COREAR LOS TEMAS LA PRÓXIMA VEZ QUE VAYAMOS”
Chris, cuando anunciaste tu salida de Arch Enemy el 2005, meses después de la salida de Doomsday Machine, explicaste que ya no estabas disfrutando los shows ni las actividades en vivo de la banda, que ya no era entretenido para ti. En la actualidad, que se te ve ciento por ciento comprometido con grupo de nuevo, ¿dónde encuentras motivación para continuar luego de tu “receso”?
Bueno, ¡ahora es más divertido!, es una experiencia más entretenida, por seguro. Nos sentamos nosotros mismos en la máquina hoy en día y el aspecto financiero es mejor. Sabemos a dónde se va toda la plata, sabemos cómo guardar más dinero, sabemos cuánto ganamos y podemos ver con mayor claridad los resultados. Sufrimos con managements muy malos en el pasado, así que es mucho mejor ahora que nos manejamos nosotros mismos. Y simplemente volví a sentime bien tocando metal y disfrutándolo, ¡estoy haciendo algo bueno para el mundo (risas)!, ¿sabes (risas)?, ofrecerle diversión a la gente. Algunos quieren ir y verme tocar, ¿¡qué más puedo pedir!? Ser artista es una lucha y nadie espera vivir de la música así que mira (silencio), ¡soy muy afortunado por tener una banda!
OK Chris, las personas acá estarán pendientes si habrá otra visita de Arch Enemy a Chile, en promoción por supuesto de Khaos Legions, ¿qué mensaje les darías a todos ellos?
“Como recién te comentaba, es grandioso subirse al escenario y sentir la energía, darles algo que los haga olvidar sus problemas o lo que sea, que la mlos haga distraer con la música al menos por un instante. Sólo decir que espero con ansias regresar a Chile en la gira que se viene y tocar metal para los chilenos. ¡Hay planes y les prometo que será un gran show! Ojalá les guste el nuevo álbum, ojalá lo escuchen para que puedan corear los temas la próxima vez que vayamos.

Entrevista con Chris Amott de Arch Enemy

“Más es más” es el enfoque que Arch Enemy toma en Khaos Legions, el primer álbum con nuevo material que sacan en tres años y medio. En ese lapso, el conjunto acumuló ideas entre todos sus miembros y ahora simplemente las desparraman en un trabajo más denso en riffs, solos, armonías de guitarra, arreglos clásicos, batería veloces y pasajes extremos. El compositor más refinado y académico de la banda sueca, el experto guitarrista Chris Amott, se adentró en todos los detalles de la placa que sale a fines de mayo en Europa y principios de junio en América, pormenorizando el proceso completo y prometiendo una nueva visita a Chile en apoyo del disco.

KHAOS LEGIONS: “NO EXISTE NINGUNA RAZÓN PARA LIMITARNOS NOSOTROS MISMOS”

Chris, hablaremos en detalle acerca de la nueva producción, Khaos Legions, pero me gustaría comenzar preguntándote sobre tus experiencias en Chile con Arch Enemy, el 2009 y el ’99. ¿Qué memorias tienes del país?

¿Fue el 2009 ya (risas)?, ¿en serio?, ¡fue un buen show! No recuerdo mucho… o sea, me acuerdo del local eso sí y que fue un buen show (risas). No puedo recordar exactamente el de Chile… ¿(Silencio) cuál era el nombre del recinto? ¿Novedades (risas)?, como que tengo mezcolanza en mi cabeza, dimos varios conciertos en Sudamérica en esa oportunidad por lo que está como revuelto (risas). Pero aquella gira comparada a la del ’99 fue mucho mejor organizada aunque, por supuesto, estaba lo de la gripe porcina, así que fue bastante complicado. Había un montón de seguridad en el aeropuerto de Santiago y debimos pasar por todo tipo de chequeos y cosas por el estilo. Teníamos que mostrar y firmar papeles en cada país donde aterrizábamos (risas), ¡quizás tú te acuerdas!, pero claro, fue entretenido regresar a Chile. O sea, sólo había ido en 1999, siendo que Arch Enemy fue para allá cuando yo me encontraba fuera de la banda (en enero de 2007). Fue muy entretenido regresar a Chile luego de diez años.

Ahora, entiendo que en marzo último, en Alemania, presentaron en vivo dos canciones del nuevo registro. ¿Qué puedes comentar acerca de la reacción a Yesterday Is Dead And Gone y No Gods, No Masters?

¿Cómo fue la reacción? Tocamos una en Alemania, en la fiesta de lanzamiento, y pusimos algunos clips en YouTube… o sea, alguien la grabó y la subió en YouTube, y la respuesta ha sido buena. La gente piensa que suena bien, encuentra genial el trabajo de guitarras intrincadas simplemente a lo Arch Enemy, y eso es positivo. Luego presentamos dos temas más, el primer track del álbum que se llama Yesterday Is Dead And Gone, y luego No Gods, No Masters, que es como una especie de pista mid-tempo a lo We Will Rise, entonces fue como una buena elección de material, sí, pues quisimos mostrar algo a los periodistas. Invitamos a doce periodistas de toda Europa para ese show en Alemania, a la fiesta de lanzamiento, les pasamos el álbum, dimos entrevistas y algunos nos comentaron todos estos diferentes estilos que el CD cubría. Como que nos decían ‘esta canción es rápida, y justo después viene otra más lenta. ¡Acaban de mezclar Thrash con Death y todo tipo de metal!’. ¡Eso es algo los periodistas siempre nos señalan (risas)! Son cosas muy extrañas para mí, ¡yo ni idea (risas)!

Arch Enemy

Sí, de hecho deseaba preguntarte al respecto (risas), ya que el disco tiene estos pasajes extremos y veloces junto con secciones más sofisticadas, más de clase y classical oriented, en las guitarras, sean acústicas o eléctricas. Bloodstained Cross por ejemplo lo muestra, Cult Of Chaos o Secrets.  ¿Cuán especial son…?

(Interrumpe) no es nada que nos pongamos a pensar con antelación, nos gusta simplemente tocar esta gran variedad de distintos estilos musicales y por suerte somos capaces de hacerlo, ¡y lo hacemos!, no existe ninguna razón para limitarnos nosotros mismos. No es algo que hayamos dicho antes como ‘oh, vamos a escribir así el álbum’, no deberíamos sentarnos a pensar demasiado en eso, sólo en no limitarnos a nosotros mismos, en hacer lo que queramos hacer y no pensar en ‘oh, ¿acaso suena a Arch Enemy?, ¿es bueno o no?, ¿es esto death-melo?’, ¡hazlo nomás! Creo que todo es mejor de esa manera, más de libre pensamiento. El punto más fuerte es que hay una conexión mental con Mike (Amott, guitarras), no tenemos que hablar demasiado, sabemos lo que suena bien y lo que nos gusta, por lo que podemos tocar juntos de gran forma. A veces él llega con una melodía y quiere un cierto tipo de acorde, ¡y yo lo encuentro sin problemas!, casi como si nos volviéramos uno. Me imagino que eso es bueno (risas). Mike y yo somos de estilos diferentes pero no generamos choques, formamos un equipo muy productivo, no surgen conflictos de personalidad.

Khaos Legions esconde un lado más sensible entre todos sus elementos y diversos ángulos. Vi este studio report en YouTube por ejemplo y allí apareces tocando una guitarra española. ¿Qué es lo que más disfrutas cuando escribes, arreglas y registras tales pasajes dentro de esta música más agresiva?

Es agradable contar con tales dinámicas. Eso sí es algo que tratamos de hacer con esas pequeñas partes acústicas y limpias en cada lanzamiento, para ventilar un poco. Así, los tracks para mí suenan un poco más Heavy, en lugar de ir triturando y triturando todo el tiempo. Sí, fue entretenido, la primera vez que grabo este tipo de guitarras clásicas. Solía estudiar guitarra clásica en la escuela de música, ¿y sabes?, me deje crecer las uñas y todo eso para poder tocar, ¡pero nunca entendí lo de andar con las uñas largas (risas)! En fin, simplemente fui a los estudios y me puse grabar esas notas, la verdad es que ya no toco guitarra clásica demasiado (risas). Fue algo que surgió en las grabaciones, cuando Mike llegó con esa melodía para Through The Eyes Of A Raven y le dije ‘deberíamos arreglarla con cuerdas de nylon, porque esa parte de guitarra es bonita y yo podría tocarla’, por lo que lo decidimos de ese modo. Tuve que ensayarla harto antes de grabarla y fue muy especial para mí, me gustaba el sonido natural que salía, ¿no?, si no puedes copiarlo con nada eléctrico.

Arch Enemy

¿Y cuán distinto fue tu aporte creativo en Khaos Legions, comparado al de Rise Of The Tyrant (2007), considerando que en ese último, Mike ya había escrito casi todo ese material cuando decidiste regresar a Arch Enemy?

Fue un poquito diferente en esta oportunidad puesto que todos nos involucramos en la composición. Sharlee (D’Angelo, bajista) y Daniel (Erlandsson, batero), ¡ellos también escribieron un montón de riffs y melodías!, todos aportamos así que resultó genial. Pienso que Michael tal vez compuso (silencio)… no, a ver, pienso que Michael tal vez compuso como el 30 por ciento y luego nosotros vinimos con (silencio)… bueno, ¡SEA LO QUE SEA (RISAS)!, ¡el mismo porcentaje del resto cada uno (risas)! Ni idea, pero ya sabes a lo que voy (risas), discúlpame (risas). Me imagino que Mike hizo la mayoría de los riffs, y después llegamos Daniel, Sharlee y yo con lo demás. Fue entretenido porque Sharlee no había escrito nada desde Wages Of Sin (2001), no había contribuido nada desde Wages Of Sin, y Daniel tocó hartas guitarras, por lo que fue muy bueno. No hubo escasez de material, no nos faltó, sólo fue cuestión de qué cosas escoger y cómo juntarlas en el puzzle, si fue como armar un puzzle con las canciones. Nadie salió con ideas que extrañas ni tan diferentes en realidad, encajaron bastante bien y no fue para nada difícil. Si Sharlee pedía prestada una guitarra, tocaba algo y nos decía ‘esto podría convertirse en un buen coro’, entonces lo probaríamos. No hubo demasiadas discusiones, fue bastante tranquilo, trabajamos de un modo más que efectivo.

A propósito de lo que hablas Chris, a Arch Enemy en los noventa se le conocía como “la banda de los hermanos Amott”, y cuando llegó Angela para Wages Of Sin, se le empezó a ver como “el grupo de Angela Gossow y Mike Amott”. Pero ahora, me cuentas que todos los integrantes aportan, todos son fundamentales, todos dan entrevistas…

SIEMPRE HA SIDO DE ESA MANERA, todos son igual de importantes en Arch Enemy. Lo que dices es algo que sólo pasa en el artwork y en los medios, que Angela y Mike capten la mayor atención. Daniel siempre ha escrito un montón, yo siempre he escrito un montón, y siempre hemos arreglado todos juntos los temas. Nunca ha sido sólo Mike y Angela, eso es un invento de la prensa. Y nunca fue ‘la banda de los hermanos Amott’ tampoco, Daniel ya era muy importante en esa época arreglando las composiciones, entonces ahora no se siente para nada distinto, sólo ocurre que la prensa prefiere hablar más con Angela o con Mike (risas), ¡lo que está bien para mí (risas)!, no tengo problemas con eso (risas).

Arch Enemy

TRES AÑOS DE COMPOSICIÓN: “NO TENGO NINGUNA HISTORIA ENTRETENIDA QUE CONTAR AL RESPECTO”

Entre Rise Of The Tyrant y Khaos Legions, transcurrieron tres años y medio sin que Arch Enemy sacara algo inédito. Tras el lanzamiento del DVD en vivo Tyrants Of The Rising Sun – Live In Japan (2008), y de The Root Of All Evil (2009), en el que regrabaron cortes de la era de Johan Liiva, ¿cuándo comenzaron a sentir la necesidad, el ímpetu de escribir un nuevo disco?

Bueno, ¡la sentimos durante todo ese lapso!, ¡siempre!, pero estábamos muy ocupados con las giras… recolectando riffs e ideas en el tour. Tuvimos un calendario de conciertos enorme y queríamos finalizar a como de lugar el proyecto de The Root Of All Evil. Simplemente empezamos apenas pudimos. Sentimos la necesidad durante todo ese lapso, sin embargo no dimos con el instante para escribir el álbum hasta ahora. En fin, hay canciones que vienen de hace dos, tres años atrás. Under Black Flags We March fue una de las que trabajamos de hace un buen tiempo. Sí, tal vez esa sea la más antigua de todas, esos son riffs que teníamos como desde… uf, ¡no sé cuántos años! Hay ciertos riffs y cuestiones generales que teníamos guardados de hace un largo tiempo, y algunas otras cosas las escribimos en la sala de ensayo, así que está como revuelto el asunto (risas). No sé, la verdad es que no tengo ninguna historia entretenida que contar al respecto (risas), sólo tratamos de ir componiendo mejor y mejor en la medida que avanzábamos. Al principio, es un proceso más o menos lento cuando debemos sentarnos a escribir una nueva entrega, ya que es complicado tomar decisiones definitivas si te demoras tanto tiempo en crear los temas, si después empiezan a mejorar y mejorar, varios de ellos. Nos fuimos a ensayar yo y Sharlee y Daniel y Mike todos los días, de lunes a viernes, trabajamos en las canciones y las grabamos en la sala de ensayo con un set-up de estudio profesional. Registramos cada ensayo, Daniel mezclaba las tomas y las enviaba a nuestros correos, para que así todos pudiéramos pensar en direcciones. Así, al otro día, continuaríamos trabajando. Nos volvimos muy efectivos al final.

El 2009 estuvieron muy involucrados en este proyecto de The Root Of All Evil, donde regrabaron clásicos como Bury Me An Angel, The Immortal, Dead Inside y Silverwing, entre muchos otros. Dado que venían de antes con ese mindset, ¿qué influencia jugaron Black Earth (1996), Stigmata (1998) y Burning Bridges (1999) en el sonido o estilo de Khaos Legions?

No en el “viejo estilo”, aunque sí en las técnicas de grabación quizás. Como sabes, el disco en el fondo lo grabamos nosotros mismos. Arrendamos un estudio aquí donde vivimos (Sweet Spot Studio, en el sur de Suecia) y en ese lugar nos encargamos de la ingeniería. Daniel, nuestro baterista, es muy bueno a la hora de grabar así que nosotros nos encargamos de la ingeniería de sonido. Después, en la mezcla… bueno, Andy (Sneap) vive en Inglaterra y no estuve presente en esa fase, los únicos que viajaron para allá fueron Mike y Daniel. En un comienzo, se suponía que iba a mezclarlo el muchacho que nos ayudó en la producción, el que tenía el estudio acá, Rickard (Bengtsson), pero no logró terminarlo a tiempo. Había un plazo fijado y con el objetivo de tenerlo listo según lo planeado, debimos dárselo a Andy Sneap, quien es mucho más rápido para trabajar, así que fue una situación como de último minuto.

Arch Enemy

MÁS ES MÁS EN ARCH ENEMY: “SERÁ GRATIFICANTE SI AL FINAL DEL TOUR PODEMOS TOCAR LAS CANCIONES CON LOS OJOS CERRADOS”

El sello de Arch Enemy, Century Media, asegura que Khaos Legions “recuerda de inmediato a Anthems Of Rebellion (2003) y Doomsday Machine». Desde tu perspectiva, ¿qué parecidos y diferencias notas entre Khaos Legions y esas placas?

No, encuentro que las canciones son mejores y también más creativas (silencio)… ¡no sé (risas)! Me parece que el nuevo álbum es como medio positivo, ¿sabes?, que tiene un sentir que levanta el ánimo. Las letras tratan acerca de ser fuerte e independiente. La música enseña un montón de melodías de guitarra, un montón de solos de guitarra. Me parece que el nuevo álbum es como más colorido. Con Anthems Of Rebellion en especial tratamos de escribir música más «esencial», con los pies puestos en la tierra, hacerla simple, pensando bastante en cómo tocarla frente a una audiencia en vivo, con ritmos bien sencillos que le gustaran a la multitud. Acabábamos de regresar de un tour abriendo a Slayer y (silencio)… no, ¡eso es incorrecto en realidad!, ¡fue antes!, salimos de gira con ellos antes… da lo mismo, teníamos nuestras cabezas muy metidas en los conciertos, en cómo tocar mejor en vivo y cómo mejorar los shows. Sin embargo, confieso que los temas los hicimos muy fáciles, muy simples. Lo que hacemos ahora es mejor (risas). Arrojamos todo tipo de cosas allí y un montón de solos de guitarra, un montón de riffs, un montón de armonías, ¡un montón de todo! Me imagino que será interesante para varios (risas).

Sí, la música de Khaos Legions debe ser más “físicamente demandante” dentro de un recital. ¿Cuán cómodos se sentirían con este enfoque de “más es más” del nuevo CD en una situación en vivo?

(Silencio) bueno, ¡tendremos que practicar bastante (risas)! Será duro, pero también será gratificante si al final del tour podemos tocar esas canciones con los ojos cerrados, aunque claro, tendremos que practicar bastante. Yesterday Is Dead And Gone debe ser probablemente el track más difícil que jamás hayamos hecho en vivo, considerando las partes de guitarra. Lo estrenamos en esa fiesta de lanzamiento en Alemania, por lo que me estoy sintiendo con un poquito más de confianza. ¡Creo que lo lograremos (risas)! Las secciones mismas no son complicadas en extremo, la cosa va por que hayan tantas y sean tan diferentes, el sólo recordarlas y hacer que todas caminen juntas.

Arch Enemy

KHAOS EN CHILE: “OJALÁ LO ESCUCHEN PARA QUE PUEDAN COREAR LOS TEMAS LA PRÓXIMA OCASIÓN QUE VAYAMOS”

Cuando anunciaste tu salida de Arch Enemy el 2005, meses después del lanzamiento de Doomsday Machine, explicaste que ya no estabas disfrutando los shows ni las actividades en vivo, que ya no era entretenido para ti. En la actualidad, que se te ve ciento por ciento comprometido con grupo de nuevo, ¿dónde encuentras motivación para continuar luego de tu “receso”?

Bueno, ¡ahora es más divertido!, es una experiencia más entretenida, por seguro. Nos sentamos nosotros mismos a controlar la máquina hoy en día y el aspecto financiero es mejor. Sabemos a dónde se va toda la plata, sabemos cómo guardar más dinero, sabemos cuánto ganamos y podemos ver con mayor claridad los resultados. Sufrimos con managements muy malos en el pasado así que es mucho mejor ahora que nos manejamos nosotros mismos. Y simplemente volví a sentime bien tocando metal y disfrutándolo, ¡estoy haciendo algo bueno para el mundo (risas)!, ¿sabes (risas)?, ofrecerle entretención a la gente, regocijo. Algunos quieren ir y verme tocar, ¿¡qué más puedo pedir!? Ser artista es una lucha y nadie espera vivir de la música así que mira (silencio), ¡soy muy afortunado de tener una banda!

OK Chris, las personas acá estarán pendientes si habrá otra visita de Arch Enemy a Chile, en promoción por supuesto de Khaos Legions, ¿qué mensaje les darías a todos ellos?

Como recién te comentaba, es grandioso subirse al escenario y sentir la energía, darles algo que les haga olvidar los problemas o lo que sea, que les haga distraerse con la música al menos por un instante. Sólo decir que espero con ansias regresar a Chile en la gira que se viene y tocar metal para los ustedes. ¡Hay planes y les prometo que será un gran show! Ojalá les guste el nuevo álbum, ojalá lo escuchen para que puedan corear los temas la próxima ocasión que vayamos.

Arch Enemy

Motley Crue

Tras décadas de espera, finalmente MÖTLEY CRÜE llega a nuestro país para presentarse el sábado 14 de Mayo en el Movistar Arena. Una de las bandas más controversiales de la historia del Rock visita Chile para celebrar 30 años de dilatada carrera, donde además tendrá de invitados a los estadounidenses Buckcherry y los nacionales Fahrenheit. La trayectoria de los angelinos no sólo ha estado marcada por discos inmortales como Shout At The Devil o Dr. Feelgood, sino también por los innumerables escándalos extra musicales en los que han estado involucrado sus integrantes. El legendario guitarrista Mick Mars habló con PowerMetal.cl y se refirió a su próxima venida, a los problemas de salud que lo aquejan y qué es lo que motiva a seguir adelante.

¡EN AUTO A CHILE!: ¿NO SUENA RARO?

Tras décadas de espera, finalmente MÖTLEY CRÜE llega a nuestro país para presentarse el próximo sábado 14 de Mayo en el Movistar Arena. Una de las bandas más controversiales de la historia del Rock llega para celebrar 30 años de dilatada carrera, donde además tendrá de invitados los estadounidenses Buckcherry y los nacionales Fahrenheit. La trayectoria de los angelinos no sólo ha estado marcada por discos inmortales como Shout At The Devil o Dr. Feelgood, sino también por los innumerables escándalos extra musicales en los que han estado involucrado sus integrantes. El legendario guitarrista Mick Mars habló con PowerMetal.cl y se refirió a su próxima visita, lo problemas de salud que lo aquejan y qué es lo que motiva a seguir adelante.
Bueno Mick, esta será la primera vez de Mötley Crüe aquí en Chile. La banda ha tocado alrededor de todo el mundo, ¡pero nunca lo han hecho acá! ¿Cuán especial es este show en particular para ustedes?
Ahm, bueno, ¡quiero conocer el país AHORA (risas)! Very badly , y me siento muy feliz por ser capaz de bajar hasta allá (risas). Por supuesto, ya sabes que nunca hemos estado en Chile y pienso que será muy excitante. Para nosotros es bueno ver a los fans y el show será grandioso. Tendremos a Buckcherry y un par de bandas locales metidas en esto así que creo que los vamos a pasar muy, pero muy bien en el concierto. Para mí, tocar por primera vez en un país es (silencio)… ¡me tiene muy entusiasmado!, ¡no puedo esperar más a ver lo que sucederá y cómo es Santiago! Como te lo dije recién, nunca he estado allá antes, e incluso desde que era un niño chico, que Santiago me ha causado fascinación. Y podrá sonar raro, ¡pero honestamente he pensado en Santiago en el pasado! De pequeño, yo pensaba que cuando fuera el viejo que soy ahora, ¡arrendaría un auto y me iría manejando hasta allá (risas)! ¿¡No es raro eso acaso (risas)!?, entonces claro, me emociona mucho ir y conocer la tierra de ustedes, la ciudad de ustedes, ¡de todo un poco!
Mötley Crüe ya actuó una vez en Sudamérica, un show exclusivo en Argentina, en octubre del 2008. ¿Cómo describirías la experiencia de tocar frente a la audiencia sudamericana?
¿Qué contaría acerca de tocar en Sudamérica?, ¡es grandioso! La gente es muy apasionada, ¿no?, realmente ellos son… ¡estaba lloviendo ese día de hecho cuando tocamos!, sin embargo las personas, las bandas y todos los demás se quedaron igual, ¡con la lluvia y todo!, ¡por lo que nosotros también! Seguimos tocando, tocando, tocando y tocando, fue muy, muy espiritual. Hubo relámpagos, ¡y lo pasamos muy, muy bien (risas)! Lo más probable que sea uno de los mejores shows que jamás hayamos realizado, siendo que hicimos explotar todo (risas). La público lo estaba pasando genial, nosotros lo estábamos pasando genial, y dijimos ‘¡no nos vamos a ir hasta que hayamos terminado (risas)!’.
OK, el año pasado, Vince Neil como solista actuó en Chile. ¿Qué historias ha contado él sobre su visita al país?
¡Ninguna! (Risas) esa sí que es buena (risas). Usualmente, él viaja por todas partes por decirte, y no sabía que había cantado en Chile antes (risas). Vince no es muy (silencio)… verbal o locuaz me imagino sobre lo que hace. A veces lo veo como en esa lesera del YouTube, o haciendo cosas parecidas y no es que no nos sintamos como hermanos, no seamos cercanos ni nada de eso, el simplemente no anda por ahí quebrándose ni abriendo la boca diciendo ‘oh, ya he ido para allá’, ‘oh, eso ya lo hice’, y todo ese tipo de balbuceos. Lo que me mencionas es bueno, ¡me alegra!, ¡entonces Vince ya sabe lo que puede esperar de Chile!, ¿ah?
TITULO
Sin importar los problemas legales, de salud, con las drogas, con la salida de integrantes, discusiones en público, ustedes siempre se las han arreglado para seguir adelante como banda. ¿Qué has aprendido en tu vida personal y de la música durante todos estos años de persistencia en el negocio?
(Silencio) ahmm, cantidades y cantidades de cosas. Tú sabes, la música es a lo que me dedico, es mi pasión, es lo único que voy a hacer en mi existencia, ¿no? O sea, he hecho varias cosas en mi vida para llegar al lugar donde siempre quise estar, varias… un montón de trabajos y todo lo demás sólo para hallar a la banda adecuada,  la gente adecuada, todo lo adecuado, para lograrlo en el momento preciso. ¿Y sabes qué más?, mi pasión es por la música, mi amor es por la música, mi adoración es viajar por el mundo, conocer las distintas culturas, los distintos países y todo sobre la música, los diversos sonidos, los diversos ritmos, las diversas bandas, las diversas piezas culturales… el sólo hecho de poder verlo todo, la comida, las personas, los países, todo lo relacionado.
Neil recientemente ha debido lidiar con algunos problemas, incluyendo un arresto e incidentes personales. ¿Cómo afectan estos líos al núcleo del conjunto, como a los planes de giras y grabaciones?
¡Oh (risas)! Pienso que Vince todavía es un poco inmaduro, ¿no (risas)?, ¡si le gusta meterse en problemas! No lo sé, no sé que… ni idea qué pasa por su cabeza a veces (risas), en ocasiones que pone medio estúpido, ¡pero igual lo queremos!, ¿sabes?, y aun así continuamos, pese a todo (risas). Cada familia tiene su oveja negra y en este caso es Vince (risas), entonces como… da lo mismo, todavía seguimos. O sea, nosotros somos hermanos, somos una familia. De vez en cuando todos venimos y dejamos la cagada en uno que otro momento, ¡y aun así continuamos en lo nuestro que es la música! Esto es lo que hacemos, a esto es lo que nos dedicamos (risas).
Sabiendo que tienes problemas de salud Mick, ¿qué es lo más gratificante de subirte al escenario y tocar cada noche ante miles de miles de seguidores?
Ahm (silencio, suspiros), ¿sabes?, a veces llega a ser (silencio, suspiros) un poco… ahm, una inconveniencia tendría que llamarlo, no tocar y no encontrarme con mis fans, porque cuando estoy en el escenario lo duro es la parte de los viajes, eso es lo que más duele, lo que más cuesta. La enfermedad que tengo se llama espondilitis anquilosante (ankylosing spondylitis), yo le digo AS, ¿no?, y se me arquea un poco la espalda, por lo que cuando me subo al escenario estoy consciente de aquello y como que trato de concentrarme en mi guitar playing un poco más. Y son cosas diferentes como por ejemplo que no puedo mirar demasiado hacia arriba, no puedo mirar demasiado hacia abajo, no puedo voltear mi cabeza a la derecha, a la izquierda ni a ningún lado, ya que las articulaciones de mi cuello están endurecidas. ¿Pero sabes?, aun así intento conectarme lo mejor que me sea posible con los fans, con la audiencia y a veces termina siendo (se le apaga la voz)… cuando estoy en el escenario no es doloroso para nada, no pienso en eso, ¿me entiendes?, aunque nunca dejo de estar consciente de ello (risas), como una interferencia (risas).
Muchas gracias por tu tiempo Mick. Muchas personas han esperado años por este concierto en Chile. ¿Qué te gustaría decirles a todos tus fans de acá?
¡(En castellano) BUENOS DÍAS (risas)! ¡No sé! Tengo algunas cuántas cosas y haré un… ¿podré hacer un solo de guitarra allá? Creo que se supone que haré un solo de guitarra allá, no estoy seguro, aunque es algo que quiero poner ahí y eso será con las bandas, ¡y pienso que será genial pues no sé de qué se trata!, recién lo sabré apenas empiece a tocar en Chile, ¡ni ideaTras décadas de espera, finalmente MÖTLEY CRÜE llega a nuestro país para presentarse el próximo sábado 14 de Mayo en el Movistar Arena. Una de las bandas más controversiales de la historia del Rock llega para celebrar 30 años de dilatada carrera, donde además tendrá de invitados los estadounidenses Buckcherry y los nacionales Fahrenheit. La trayectoria de los angelinos no sólo ha estado marcada por discos inmortales como Shout At The Devil o Dr. Feelgood, sino también por los innumerables escándalos extra musicales en los que han estado involucrado sus integrantes. El legendario guitarrista Mick Mars habló con PowerMetal.cl y se refirió a su próxima visita, lo problemas de salud que lo aquejan y qué es lo que motiva a seguir adelante.

Bueno Mick, esta será la primera vez de Mötley Crüe aquí en Chile. La banda ha tocado alrededor de todo el mundo, ¡pero nunca lo ha hecho acá! ¿Cuán especial para ustedes es este show en particular?

Ahm, bueno, ¡quiero conocer el país AHORA (risas)!, very badly, y me siento muy feliz por ser capaz de bajar hasta allá (risas). Por supuesto, ya sabes que nunca hemos estado en Chile y pienso que será muy excitante. Para nosotros es bueno ver a los fans y el show será grandioso. Tendremos a Buckcherry y un par de bandas locales metidas en esto así que creo que los vamos a pasar muy, pero muy bien en el concierto. Para mí, tocar por primera vez en un país es (silencio)… ¡me tiene muy entusiasmado!, ¡no puedo esperar más a ver lo que sucederá y cómo es Santiago! Como te lo dije recién, nunca he estado allá antes, e incluso desde que era un niño que Santiago me ha causado fascinación. Y podrá sonar raro, ¡pero honestamente he pensado en Santiago en el pasado! De pequeño, yo pensaba que cuando fuera el viejo que soy ahora, ¡arrendaría un auto y me iría manejando hasta allá (risas)! ¿¡No es raro eso acaso (risas)!?, entonces claro, me emociona mucho ir y conocer la tierra de ustedes, la ciudad de ustedes, ¡conocer de todo un poco!

Motley Crue

Mötley Crüe ya se presentó una vez en Sudamérica, en Argentina, en octubre del 2008. ¿Cómo describirías la experiencia de tocar frente a la audiencia sudamericana?

¿Qué contaría acerca de tocar en Sudamérica?, ¡que es grandioso! La gente es muy apasionada, ¿no?, realmente ellos son… ¡estaba lloviendo ese día de hecho cuando tocamos!, sin embargo las personas, las bandas y todos los demás se quedaron igual, ¡con lluvia y todo!, ¡por lo que nosotros también! Seguimos tocando, tocando, tocando y tocando, fue muy, muy espiritual. Hubo relámpagos, ¡y lo pasamos muy, muy bien (risas)! Lo más probable que sea uno de los mejores shows que jamás hayamos realizado, siendo que hicimos explotar todo (risas). La público lo estaba pasando genial, nosotros lo estábamos pasando genial y dijimos ‘¡no nos vamos a ir hasta que hayamos terminado (risas)!’.

OK, el año pasado, Vince Neil como solista actuó en Chile. ¿Qué historias ha contado él sobre su visita al país?

¡Ninguna! (Risas) esa sí que es buena (risas). Usualmente, él viaja por todas partes del mundo por decirte, y no sabía que había cantado en Chile antes (risas). Vince no es muy (silencio)… verbal o locuaz acerca de lo que hace, me imagino yo. A veces lo veo como en esa lesera del YouTube, o haciendo cosas parecidas y no es que no nos sintamos como hermanos, no seamos cercanos ni nada de eso, él simplemente no anda por ahí quebrándose ni abriendo la boca diciendo ‘oh, ya he ido para allá’, ‘oh, eso ya lo hice’ y todo ese tipo de balbuceos. Lo que me mencionas es bueno, ¡me alegra!, ¡entonces Vince ya sabe lo que puede esperar de Chile!, ¿ah?

Motley Crue

«CADA FAMILIA TIENE SU OVEJA NEGRA Y EN ESTE CASO ES VINCE»

Sin importar los problemas legales, de salud, con las drogas, con la salida de integrantes, discusiones en público, ustedes siempre se las han arreglado para seguir adelante como banda. ¿Qué has aprendido en tu vida personal y de la música durante todos estos años de persistencia en el negocio?

(Silencio) ahmm, cantidades y cantidades de cosas. Tú sabes, la música es a lo que me dedico, es mi pasión, es lo único que voy a hacer en mi existencia, ¿no? O sea, he hecho varias cosas en mi vida para llegar al lugar donde siempre quise estar, varias… un montón de trabajos y todo lo demás sólo para hallar a la banda adecuada,  la gente adecuada, todo lo adecuado, para lograrlo en el momento preciso. ¿Y sabes qué más?, mi pasión es por la música, mi amor es por la música, mi adoración es viajar por el mundo, conocer las distintas culturas, los distintos países y todo sobre la música, los diversos sonidos, los diversos ritmos, las diversas bandas, las diversas piezas culturales… el solo hecho de poder verlo todo, la comida, las personas, los países, todo lo relacionado.

Neil recientemente ha debido lidiar con algunos problemas, incluyendo un arresto e incidentes personales. ¿Cómo afectan estos líos al núcleo del conjunto, como a los planes de giras y grabaciones?

¡Oh (risas)! Pienso que Vince es un poco inmaduro todavía, ¿no (risas)?, ¡si le gusta meterse en problemas! No lo sé, no sé que… ni idea qué pasa por su cabeza a veces (risas), en ocasiones que pone medio estúpido, ¡pero igual lo queremos!, ¿sabes?, y aun así continuamos, pese a todo (risas). Cada familia tiene su oveja negra y en este caso es Vince (risas), entonces como… da lo mismo, todavía seguimos. O sea, nosotros somos hermanos, somos una familia. De vez en cuando todos llegamos y dejamos la cagada en uno que otro momento, ¡y aun así continuamos en lo nuestro que es la música! Esto es lo que hacemos, a esto es lo que nos dedicamos (risas).

Motley Crue

ESPONDILITIS ANQUILOSANTE: «CUANDO ESTOY EN EL ESCENARIO NO ES DOLOROSO PARA NADA, NO PIENSO EN ESO»

Sabiendo que tienes problemas de salud Mick, ¿qué es lo más gratificante de subirte al escenario y tocar cada noche ante miles de miles de seguidores?

Ahm (silencio, suspiros), ¿sabes?, a veces llega a ser (silencio, suspiros) un poco… ahm, una inconveniencia tendría que llamarlo, no tocar y no encontrarme con mis fans, porque cuando estoy en el escenario lo duro es la parte de los viajes, eso es lo que más duele, lo que más cuesta. La enfermedad que tengo se llama espondilitis anquilosante (ankylosing spondylitis), yo le digo AS, ¿no?, y se me arquea un poco la espalda, por lo que cuando me subo al escenario estoy consciente de aquello y como que trato de concentrarme en mi guitar playing un poco más. Y son cosas diferentes como por ejemplo que no puedo mirar demasiado hacia arriba, no puedo mirar demasiado hacia abajo, no puedo voltear mi cabeza a la derecha, a la izquierda ni a ningún lado, ya que las articulaciones de mi cuello están endurecidas. ¿Pero sabes?, aun así intento conectarme lo mejor que me sea posible con los fans, con la audiencia y a veces termina siendo (se le apaga la voz)… cuando estoy en el escenario no es doloroso para nada, no pienso en eso, ¿me entiendes?, aunque nunca dejo de estar pendiente de ello (risas), como una interferencia (risas).

¡Gracias por tu tiempo Mick! Muchas personas han esperado años por este concierto en Chile. ¿Qué te gustaría decirles a todos tus fans de acá?

¡(En castellano) BUENOS DÍAS (risas)! ¡No sé! Tengo algunas cuántas cosas y haré un… ¿podré hacer un solo de guitarra allá? Creo que se supone que haré un solo de guitarra allá, no estoy seguro, aunque es algo que quiero poner ahí y eso será con las bandas, ¡y pienso que será genial pues no sé de qué se tratará!, recién lo sabré apenas empiece a tocar en Chile, ¡ni idea!

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Una reunión que se perfilaba como incompleta debido a la negativa de Udo Dirkschneider de ser parte de ella, se transformó en el regreso metalero más aplastante de los últimos años. La salida de Blood Of The Nations, con la participación del cantante norteamericano Mark Tornillo, hizo que se los incrédulos se arrollidaran ante el poderío de un disco ciento por ciento alemán y clásico, ante nada menos que el lanzamiento estrella del 2010. La histórica dupla Hoffmann-Baltes se regocija en su revancha a costa de nuevos himnos metaleros que traen al legendario grupo germano por primera vez a Chile, a tocar el 13 de mayo en un evento que hasta hace un par de años jamás nadie se habría imaginado posible. El mismísimo Wolf Hoffmann se nota entusiasmado y por eso hizo un alto en su gira por Inglaterra y tomó el teléfono para hablar con los chilenos a través de una exclusiva con PowerMetal.cl.

LA REUNIÓN MÁS POTENTE DE LA TEMPORADA LLEGA AL PAÍS: «LO HICIMOS POR EL AMOR A LA MÚSICA Y LA PASIÓN QUE COMPARTIMOS POR EL HEAVY METAL»

Entendiendo Wolf que el 2009 y 2010, ustedes trabajaron muchísimo en este nuevo álbum sin saber lo exitoso que terminaría siendo, ¿cuánto les sorprendió que la agencia de booking armara una gira sudamericana para Accept? ¿Cómo reaccionaron al enterarse de que vendrían a Chile?

¡Oh!, nos emocionamos mucho con la noticia, ¡por supuesto! O sea, siempre hemos querido dar shows alrededor de todo el planeta y siempre escuchamos cosas grandiosas de Sudamérica, ¡así que nos entusiasma bastante poder ir allá abajo finalmente! Y bueno, no sé en realidad qué esperar, ¡sólo que ojalá (los chilenos) se metan en la música tanto como nosotros! Por lo general, cuando Accept toca en vivo, nos encontramos con una audiencia muy dedicada y muy familiarizada con el material, ¡que de verdad se vuelve loca apenas salimos y pensamos que habrá más de eso incluso en Sudamérica! Tengo que decir que fuimos a Argentina una vez, ¡la única oportunidad que hemos ido a actuar a Sudamérica!, ¡y fue una locura viejo!, ¡una tocata en medio de la noche con fans más desquiciados que en ninguna otra parte! O sea, como tú sabes, la gente en Sudamérica tiene como una especie de diferente… ¡horario (risas)! Se levanta tarde, sale a cenar tarde, ¡y todos los conciertos empiezan tarde (risas)! Recuerdo que debimos subir al escenario como… no sé, ¿¡a las una en punto de la mañana (risas)!?, o por ahí (risas). Fue una locura, los asistentes se quedaron toda la noche, festejando, carreteando, ¡ENLOQUECIÉNDOSE CUANDO TOCÁBAMOS!, por lo que fue muy salvaje, aunque claro, ¡en Chile y Perú será más excitante (risas)!

Y gracias al nuevo álbum, Blood Of The Nations, tienen la chance de toparse con seguidores así en todas partes del mundo. ¿Cuáles son hasta ahora los puntos más altos del regreso de Accept a las pistas?

Correcto, puedo decirte que hay HIGHLIGHTS MAYORES, ¡que hemos tocado en recitales asombrosos!, como por ejemplo con AC/DC en Alemania ante 80 mil personas. ¡Tocamos en Estambul! Nunca fuimos a Turquía en el pasado y habían como 20 mil almas allí en el Sonisphere Festival. Hemos ido a un montón de lugares grandiosos y al que sea que vayamos… a ver, me sorprende constantemente todo lo que Accept significa para esta gente, y por lo contenta que se pone por el hecho de que hayamos vuelto. Para serte honesto, no tenía ni la menor idea de cómo resultaría todo al final, si todavía nos recordarían, si les gustaría la banda con el nuevo formato, ¿no?, ni tampoco a qué nos llevaría todo esto. Sinceramente, cuando nos reunimos, lo hicimos por el amor a la música y la pasión que compartimos por el Heavy Metal. Echábamos muchísimo de menos hacer música y sólo por eso lo hicimos, primero que todo. Como debes saber, al principio hubo varios que se mostraron muy escépticos acerca de todo esto, ¡y ahora nos sentimos más que felices por haber conseguido que esos mismos escépticos cambiaran de opinión!, si ellos han abrazado la nueva formación y el nuevo registro. De verdad, es un momento muy gratificante. Iba a agregar además que nos votaron como “disco de metal del año” en todas partes del mundo, como en 40 ó 50 websites y revistas. En un montón de países hicieron encuestas y cosas así donde nos eligieron como el “regreso del año”, como el “álbum de metal del año” y como el “tour del año”. ¡Es algo sobresaliente!

Accept

Por supuesto, se ha recibido muy bien a Blood Of The Nations por su vibra old school alemana, independiente de que la producción, a manos de Andy Sneap (Nevermore, Arch Enemy, Testament, Exodus), sea más moderna. ¿Qué vinculo notas entre el último trabajo y clásicos como Metal Heart (1985), Balls To The Wall (1983) o Restless And Wild (1982)?

Bueno, ¡somos los mismos tipos escribiendo las canciones! O sea, Peter y yo éramos los que escribían las canciones en ese tiempo y Peter y yo somos los que las escribimos las canciones ahora. En Blood Of The Nations, tratamos que sonaran como al típico Accept de vieja escuela y pienso que lo logramos. La verdad es que, de algún modo, es asunto de los fans más que de nosotros el clasificar los lanzamientos, decir a qué lugar de la historia pertenecen o señalar cuán bien se conectan, ¿me entiendes?, eso en realidad es tarea de los fans, ellos deben decidirlo, lo único que intentamos nosotros es entregar el mejor material posible. En todo caso, pretendimos de manera deliberada hacerlo sonar como si lo hubiésemos escrito en los ochenta, ¿no? Pese a que buscamos un montón de ideas frescas y un nuevo sonido en cuanto a producción, lo cierto es que en lo estilístico no deseamos inventar nada, sólo tratamos de hacerlo lo mejor posible y que sonara como al Accept que todos conocen. Me parece que encaja bonito con Restless And Wild, Metal Heart o Balls To The Wall, como una especie de progresión natural desde ahí, estimo yo.

Sabiendo entonces que el objetivo era crear un esfuerzo a lo clásico Accept, ¿qué memorias de esa etapa recordaron Peter (Baltes) y tú al instante de trabajar en el CD?

A ver, no pensamos mucho en el pasado para serte franco, lo único que hicimos fue lo siguiente: cuando conocimos a Andy Sneap, al productor, él nos obligó a escuchar nuestros discos antiguos, antes de empezar a hacer cualquier cosa, ¿me entiendes? Por primera vez en años de hecho, nos sentamos y pusimos Breaker, Balls To The Wall, Restless And Wild, y todos juntos comenzamos a oír estos registros, a hablar de tal o cual parte que nos gustaban o no nos gustaban, y fue muy útil para nosotros ver a qué clase de ideas Andy Sneap se mostraba a favor o en contra. Algunas de estas cuestiones que ocurrían por accidente en su época terminaron siendo como una especie de trademark nuestro, ¿no?, ciertos cambios de nota, ciertos elementos dentro de la composición, y una vez que nos dimos cuenta de aquello y recordamos lo que realmente nos gustaba, dijimos ‘¿saben?, ¿por qué no tratamos de usar todo eso de nuevo? En lugar de apartarnos de lo que éramos, debemos abrazarlo, sentirnos orgullosos de lo que realizamos en el pasado, ¡y escribir más en esa línea!’.

Accept

TRAS EL AVANCE DEL NUEVO ACCEPT: “ALGUNOS PERIODISTAS (…) NOS PIDIERON DISCULPAS”

¿Y cuán gratificante es este triunfo en especial para los miembros fundadores, para ti y para Peter?, puesto que antes de la salida de Blood Of The Nations, habían algunos fans un tanto escépticos por cómo resultaría sin Udo en las filas…

No sólo algunos, ¡sino la mayoría de los fans a nivel mundial estaba convencido de que sería un montón de porquería!, ¡muchísimos fans se notaban escépticos (risas)!, ¡todos lo estaban!, entonces es MUY GRATIFICANTE y es grandioso ver a todos cambiando de opinión, dándonos estos grandes comentarios, estos grandes reviews. Algunos periodistas de hecho nos pidieron disculpas diciendo ‘¡lo siento!, ¡lo siento!, ¡me equivoqué!, ¡pensé que no saldría nada bueno!, ¡pero ahora lo escucho y es tremendo!’, ¿no (risas)?, ¡nos topamos con un montón de gente así! Significa bastante para nosotros, ya que si bien podríamos hablar el día completo y hacer todo tipo de promesas, lo único que cuenta al final es el disco, lo único que cuenta al final es la música. Si la música es buena todos hablarán de ella. Todo este tema de ex cantantes y blá, blá, blá, ¡se esfuma en el momento que el registro es bueno! ¡Y viceversa!, si es una basura, ¡no podrás sacarte el pillo!

Mark Tornillo de TT Quick hizo un gran trabajo en Blood Of The Nations y muchos recibieron su voz con los brazos abiertos. ¿Qué relevancia tiene para ti Mark ahora en Accept, como integrante, como persona? ¿Qué responsabilidad le pesa en esta victoria?

Bueno, ¡es parte del equipo!, obviamente. O sea, no podríamos haberlo logrado sin él, así que estamos súper felices de haberlo encontrado, es como la figura clave que nos hizo posible resolver el puzzle. Sólo después de descubrir a Mark, de descubrir el gran hombre que era y el gran elemento que representaba para nosotros, recién ahí decidimos reunir a Accept, ¿sabes?, no teníamos idea sobre nada de esto antes de conocer a Mark. ¡Ese solo motivo provocó que el regreso se hiciera realidad!, ¡por lo que es MUY IMPORTANTE!

Accept

Al estrenar el video de Teutonic Terror, que habla por supuesto acerca del retorno de Accept y del metal alemán, algunos fans quedaron como “¡esperen!, ¿¡por qué un vocalista americano canta sobre el terror y metal teutón!?”. ¿Cuán cómodos se sintieron trabajando con él y, por el otro lado, cómo se sintió él trabajando con ustedes?

¡¡¡MUY CÓMODOS!!! Seguimos siendo un grupo germano por más que él sea un cantante norteamericano, aunque nosotros no pensamos dentro de esas líneas compadre, ¿sabes?, simplemente nos sentimos felices por hacer lo estamos haciendo ahora mismo, somos casi como una banda natural de personas. Ninguno de nosotros vive en el mismo lugar y NO TIENE MAYOR IMPORTANCIA EN REALIDAD, porque cuando nos juntamos y hacemos nuestra música sale por cierto una música de estilo alemán, entonces lo pasamos muy bien cada vez que nos vemos, formamos un gran equipo en estos momentos.

“QUIERO PROPAGAR EL TERROR TEUTÓNICO”

A propósito Wolf, hace muchos años que vives en los Estados Unidos, en Nashville, Tennessee. Hoy en día, con este lanzamiento ciento por ciento germano-metalero de Accept, con el éxito que tiene en Europa, ¿cómo describirías tu relación a la distancia con el mercado y la escena de Alemania, con la industria de tu país, con Nuclear Blast, con los organizadores de festivales?

Bueno, ¡no lo sé viejo! Supongo que fuimos uno de los actos metaleros líderes de allá quizás, y hemos estado dando vueltas por tantos años que la gente nos ve como los dinosaurios del Heavy Metal en Alemania (risas), ¡o como los padres fundadores de todo! Primero salió Scorpions en los setenta y luego Accept en… no sé, 1979 ó 1980, ¡así que hemos estado por más tiempo que todos los demás!, todos nos conocen en Alemania, creo que tenemos una fanaticada enorme allá en Europa y, en particular, que le hemos abierto las puertas a un montón de otros grupos. Y tampoco puedes comparar con el pasado en realidad, ¡si ha cambiado todo! O sea, cuando partimos habían poquísimos conjuntos y bastantes grandes sellos. Ahora pareciera que desaparecieron todos los sellos y que hay como un millón de conjuntos más, que hay como un millón de estilos de música (risas). Está “este” metal, el “otro” Metal, “ese” metal, etc., ¡y cada día sale una banda nueva! Eso sí que ha cambiado, ¡seguro!, aunque en todo caso, ¡la industria ha crecido de un modo exorbitante! Sólo me basta con pensar en los festivales y listo, ¡en los ochenta no habían festivales! Monsters Of Rock quizás haya sido el primero a mediados de los ochenta, pero tomó un largo tiempo para que aparecieran en el horizonte todos estos Wacken y los demás festivales metaleros de verano. En la actualidad, se contempla un paisaje muy distinto en comparación a lo que era”.

Accept

Recuerdo que hace unos años, Accept realizó una gira por festivales europeos con Udo, en una especie de “reunión” en vivo. Siendo que habían logrado eso, ¿qué esperanzas ciertas tenían de contar con él la alineación 2010-2011 y cuán sorpresiva fue para ustedes la negativa de Dirkschneider?

Correcto (silencio). Bueno, me entristeció bastante la noticia, sin embargo no me sorprendió en demasía, porque él mismo ha señalado tantas veces en público que no tenemos química, que él es el verdadero espíritu de Accept, y todas esas cosas sobre nosotros que hemos escuchado o leído. Sentí que fue muy triste pero no hubo nada que pudieras hacer. No puedes obligar a nadie a que se te una por la fuerza, cada uno es amo de su propia fortuna o lo que sea. Udo maneja su propia vida y no debo cambiarla por él. Lo único que puedo hacer es seguir adelante y ahora que contamos con un nuevo vocalista, ¡ni siquiera me pongo a pensar en ello!, aunque en el momento me pareció muy tonto y triste que no deseara ser parte de esto. Hay que ser claros igual: en el 2005 jamás hubo conversaciones acerca de una “reunión” puesto que Udo, incluso antes que empezásemos, nos dijo ‘estaré disponible por tres meses y listo, sólo quiero la plata y listo’, por lo que nunca hubo esperanza a esas alturas de continuar con él. ¿Qué puedes hacer tú al respecto?, me pareció extraño nomás.

Si Udo quería eso en aquel período, ¿qué quieres tú Wolf ahora con Accept, en lo personal?

YO QUIERO PROPAGAR EL TERROR TEUTÓNICO viejo, ¡es lo único que quiero (risas)! En realidad no sabemos lo que nos deparará el futuro ni tampoco tenemos grandes predicciones sobre el mañana. Lo único que sé es que lo estamos pasando muy bien ahora y que queremos seguir así tanto como nos sea posible. Esperamos sacar otro disco, ¡uno nuevo de inmediato!, y dar vueltas por harto, harto tiempo más. Eso es lo único que sé y ahora mismo disfrutamos el mejor momento de nuestras vidas, se siente fabuloso estar de vuelta en  el ruedo, y prefiero dejarlo así, ¿sabes? A los chilenos quiero darles las gracias por invitarnos y ojalá nos veamos todos cuando vayamos hasta allá abajo. ¡Creo que lo pasaremos como nunca!, ¡que será fantástico!, ¡no puedo esperar a ir allá y rockear con los fans!, ¡tanto como lo hacemos acá en Europa! Y como lo dije: LLEVAREMOS EL TERROR TEUTÓNICO a todos los lugares que se nos permita.

Wolf - Entrevista con Johannes Axeman

“Nos sentimos muy honrados y privilegiados por tocar Heavy Metal”, dice el guitarrista Johannes Axeman Losbäck en exclusiva a PowerMetal.cl. Y es que a estas alturas, a Wolf nadie le viene con cuentos de cómo escribir, grabar e interpretar esta música desde “el corazón”. El cuarteto sueco acaba de sacar su sexta producción, Legions Of Bastards, disco como siempre firme y sólido en el metal más clásico/ortodoxo, pero que profundiza incluso más en un sonido vintage, crudo y honesto. En una apasionada entrevista, el músico entrega detalles de la nueva placa y enseña su fuerte espíritu de verdadero metal.

Johannes, hace poco realizaron una serie de conciertos en Gran Bretaña como soporte de Accept. Después de cuatro discos de Wolf con tu nombre en el line-up, ¿qué es lo que se puede aprender de una banda como la germana?

Sí, bueno… primero tenemos seis álbumes lanzados… ahm (silencio), sí, he tocado en cuatro, cierto, así que eso es correcto, ¡acabo de tener un lapsus! Bueno, ¿qué aprendimos?, siempre es positivo rodearse de profesionales, de gente profesional, en especial de gente que ha creado música que uno admira, que uno adora y que debes respetarla por ello. Nunca dejarás de aprender algo en las tocatas, no importa si vas solo o vas como acto de apertura de Accept, ya que siempre lo llevarás contigo, pero lo que aprendí de esta gira en particular con Accept es que NO HAY NINGUNA CHANCE DE EQUIVOCARSE. Debes concentrarte, hacerlo lo mejor que puedas, ¡cosa que hicimos por supuesto! Te digo, los tours no son nada fácil, cada ciudad es distinta a la anterior, cada circunstancia es distinta a la anterior. Me enseñó mantener mi mente despejada, aguda, enfocada, ¡un poquito más de lo que solía!

Me imagino que hay planes de gira para el presente año. Por lo mismo, mi siguiente pregunta, como periodista chileno, va por saber qué tienen en mente sobre algún tour afuera de Europa…

Bueno, si dependiera de nosotros, ¡giraríamos por cualquier parte, en cualquier momento y de cualquier forma! Hoy en día por desgracia, en esta escena musical, en este microclima que nos encontramos metidos, ¡las bandas no tienen voz ni voto! Depende de los sellos, de las agencias de booking y de los promotores qué grupos van a dónde, ¡porque hay muy poca plata en esto! Entonces, cada vez que haces un tour debes asegurarte de cubrir todos los gastos. Claro, sería agradable llegar a casa, encontrar a más productores y tipos así con los que hablar. Siempre depende de los sellos y promotores, pero si nos ofrecen conciertos en Sudamérica o donde sea, ¡los aceptamos de inmediato! Por el momento sin embargo no hay planes de tocar afuera de Europa, ¡porque no nos han ofrecido ninguna gira!, así que apenas alguien nos ofrezca una, ¡la tomamos!

Wolf

“NOS PATEAMOS EL TRASERO (EN ESTE CD), ¡Y (…) AHORA ES EL TURNO DE PATEARLE EL TRASERO A USTEDES!”

Acerca de Legions Of Bastards, ustedes señalaron que “nos parece que es incluso más honesto y directo que cualquier otro álbum que hayamos hecho”. ¿Por qué?

Bueno, creo que tiene que ver con que lo hicimos nosotros mismos, por decirlo de algún modo. No trabajamos asignados a nada, no nos asignaron ningún productor tampoco, simplemente nos metimos y dijimos ‘hagámoslo aquí, home based!, donde estamos parados, ¡y arremetamos!’. No fue que nos sentáramos a pensar qué direcciones tomar con la música, qué clase de sonido buscar o lo que fuera, ¡lo hicimos nomás!, y de esa manera se siente más honesto… o sea, en los discos anteriores puede que hayamos quitado una o dos canciones del tracklist final, pues considerábamos que no eran lo suficientemente buenas. En el nuevo en cambio, ¡dejamos todos los temas ahí!, ¡ahora hay once cortes en lugar de nueve o diez! Se siente más honesto y me parece que hemos llegado a un nivel en que Wolf no tiene que demostrarle nada a nadie. Wolf es un nombre bien conocido, con música que sabemos bien cómo manejar, ¡entonces no tenemos que demostrarle nada a nadie!, ¡sólo le damos y listo!

No obstante, también señalaron que Legions Of Bastards es el “fruto de mucho esfuerzo, sudor y sangre”. ¿Cuán dolorosa o sencilla fue la producción?

La verdad es que resultó algo difícil (risas), si queríamos que todo saliera perfecto, ¡y a nuestra propia manera! Queríamos que todo saliera perfecto del modo que NOSOTROS sentimos que es perfecto, y debimos dar con el tiempo para grabar, debimos dar con el tiempo para componer, ensayar el material y todo lo demás. Mira, vivimos en cuatro lugares distintos aquí en Suecia, por lo que es súper complicado para nosotros hacer todo de una un martes en la noche por decirte, ¿me entiendes (risas)? Simplemente sentimos que nos pateamos el trasero, ¡y que ahora es el turno de ustedes!, ¡de patearle el trasero a ustedes!

¡(Risas) que se preparen los fans del Heavy Metal! Y a propósito, desde tu perspectiva de aficionado al metal tradicional de vieja escuela, ¿cuáles son tus aspectos predilectos de Legions Of Bastards?

Bueno, ¡no sabría en realidad cómo contestar esa pregunta!, ¡simplemente se siente grandioso! ¡No sabría en realidad cómo contestar esa pregunta!, ¡es difícil (risas)! “Satisfacción” supongo yo es la primera palabra que se me viene a la cabeza… simplemente me siento satisfecho, simplemente se siente bien, se siente como que este es EL DISCO. No sería correcto si no lo sintiese así, y como lo mencionaste hace poco, creo que hay más sangre y sudor en este que en cualquier otro álbum nuestro. ¡Simplemente se siente muy bien!, y puedo decirte con franqueza que todas las canciones me provocan el mismo efecto, ya sabes, la primera (Vicious Companions), la segunda (Skull Crusher), la tercera (Full Moon Possession), ¡tienen el mismo efecto en mí! En los lanzamientos pasados había uno o dos cortes que quizás no me provocaban nada, ¡pero en este son once pistas kick ass!

Wolf

INSPIRACIÓN METALERA: “¡DE AQUÍ SACAMOS TODOS NUESTRO PODERÍO Y LAS GANAS DE SEGUIR ADELANTE!”

Al escuchar el CD, notas que es más infeccioso que Ravenous (2009), más heavymetalero, más británico. Jekyll & Hyde tiene harto Sabbath del Heaven And Hell, mientras que Road To Hell y de Maiden y False Preacher, de Priest. ¿Cómo se ajustan todas las letras oscuras de horror en un esfuerzo más tirado el Heavy Metal, en un esfuerzo menos “Mercyful Fate” en lo musical?

Sí, OK… bueno, nosotros no pensamos así, ¡porque simplemente hacemos lo que hacemos (risas)!, no nos sentamos a pensar en direcciones, ni en la música o en lo que sea. Depende de ustedes los periodistas, de ustedes los fans ver si realizamos o no un buen trabajo (risas), ¡aquí sólo escribimos música Heavy Metal, escribimos letras Heavy Metal y las pegamos! Sin embargo, yo siento que si tomas cualquier canción de cualquier disco que hayamos hecho y la pones en otro, ¡igual seguirá siendo un sólido álbum de Wolf!, aunque claro, es difícil para los mismos músicos tener un input en tales cuestiones si no las pensamos, ¡porque no lo hacemos!, ¡sólo sacamos nuestros equipos, los enchufamos y empezamos a tocar!, ¡y que salga lo que salga! Eso es lo que escuchas en Legions Of Bastards. En todo caso, si bien logro entender lo que quieres decir, para mí es una cosa natural, una progresión natural…

Sí, ya que el Heavy Metal sale del corazón. Luego de tantos años insistiendo con esta música, ¿cómo y dónde encuentran la inspiración, motivación y pasión a la hora de escribir y grabar un registro de Wolf?

Bueno, ¡esa es la parte fácil!, la de encontrar inspiración y motivación: NOSOTROS SOMOS METALEROS, ¡eso es lo que somos! No es como que nos disfracemos el fin de semana, ¿sabes? Crecimos con esto, nos criamos con esto, ¡de aquí sacamos todo nuestro poderío y las ganas de seguir adelante!, y cuando te subes al escenario, te encuentras con tu público y se acercan a ti después de la tocata pidiendo que les firmes un álbum, una foto o diciéndote que eres bueno, ¡significa que algo estás haciendo bien! ¡Esa sí que es una gran motivación! Pero te cuento lo siguiente: si dejásemos de tocar hoy día mismo, ¡moriríamos mañana!, ¡porque es lo que somos!, ¡y somos de clase obrera!, no nos importa si hay que ensuciarse las manos o surgir de las cenizas y esas cosas. O sea, ¡lo único que quiero ahora es hacer otro disco!, ¡hacer otro disco en este preciso momento!, pero… ¡debemos girar (risas)!

(Risas) lo primero es lo primero y de hecho ya presentaron un tema de Legions Of Bastards en el tour con Accept, Skull Crusher. A tu juicio, ¿cuáles son los mejores tracks de esta placa para tocar en vivo?

¡Sí!, eso justo lo discutíamos cuando hicimos la gira con Accept, pues sólo tocamos uno, Skull Crusher. Haremos ese y lo más probable Vicious Companions también, aunque sentimos que podemos colocar cualquiera en el repertorio. Eso tiene que ver más bien con el hecho de que debe encajar de algún modo, ¡y habrá que probarlos! Viajaremos a Finlandia luego del lanzamiento así que ahí tendremos que ver, ahí tendremos que empezar a sentirlos. Lo que puedo decirte es que estamos tocando Vicious Companions y Skull Crusher, ¡y que de verdad espero que Jekyll & Hyde igual! Y bueno, en realidad hubo bastante presión ahora, ensayamos Skull Crusher sólo un par de veces antes de llegar a Londres, a la presentación de estreno. Por fortuna, según los videos en YouTube, ¡parece que hicimos un trabajo digno (risas)! Claro, siempre querrás hacerlo bien, siempre querrás hacerlo de la forma que se supone que es la correcta.  O sea, si tocamos uno más viejo como Moonlight (del debut homónimo del 2000)… a ver, nos encanta tocarlo, ¡es grandioso y nos fascina!, ¡pero ya lo hemos hecho 300 veces!, por lo que no sentimos la misma presión. Puedes cometer un error en Moonlight y reírte, no así si te equivocas en Skull Crusher en el primer concierto, ¡no tienes cómo arreglarla después (risas)! De todas formas nos sentimos cómodos con lo que somos y dónde nos paramos, ¡y sabemos que somos capaces de entregar la mercadería!, no pensamos mucho al respecto. Eso sí, hay un poco de presión cuando tocas temas nuevos.

Wolf

“ESTAMOS AQUÍ PARA MANTENER VIVO EL LEGADO!”

Los fans de trabajos previos como Evil Star (2004) o The Black Flame (2006) no tendrían por qué decepcionarse con Legions Of Bastards, puesto que saben muy bien lo que puede esperarse de la banda y sus discos. Por el otro lado entonces, ¿en qué medida es un reto NO ABURRIR a la gente que encuentra que Wolf lanza el mismo álbum una y otra vez?

¿Sabes?, ¡nos da un poco lo mismo (risas)!, no nos preocupa en realidad. Simplemente somos cuatro fans del Heavy Metal que tenemos un grupo y escribimos juntos. Tenemos la fortuna que a las personas les guste lo que hacemos y no damos nada por sentado ni por hecho. Además, ¡nunca lanzaremos algo que no nos parezca bueno! No es que haya presión, sino expectativas y es cierto, es como una especie de desafío, pero nada que nos obligue a pensar demasiado, o hablar demasiado, debido a que surge de forma natural. El Heavy Metal nos sale de forma natural así que estoy bastante seguro de que todo resultará al final. Así lo percibo yo.

Legions Of Bastards quizás tenga un sonido más vintage y crudo en cuanto a la producción. Son otros tiempos comparados al 2004 por ejemplo, cuando muy pocos músicos estaban dispuestos a apostar por una grabación old school. Hoy en día existe una gran oleada retro con producciones menos “modernas”, más clásicas, orgánicas e incluso setenteras, casi como una moda. Hablo de Enforcer, Ghost, etc. ¿Cuán cómodos se sienten ustedes cuando se dice que Wolf es un acto retro, siendo que es un término muy manoseado por la prensa?

Bueno, ¿sabes?, cada individuo tiene derecho a dar su opinión, ¡aquello no nos afecta!, ¡lo seguiremos haciendo igual! No hay nada afuera que… mira, NO AGUANTAREMOS MIERDA DE NADIE, ¡y no nos importa! Cuestiones como esas nos resbalan, ¡lo seguiremos haciendo!, ¡INCLUSO SI SONÁRAMOS ASQUEROSOS!, ¡INCLUSO SI FUÉRAMOS LA PEOR BANDA DEL MUNDO!, ¡lo seguiremos haciendo porque tenemos que hacerlo! Es nuestro llamado, nuestra vocación, ¡ES LO QUE SOMOS! Entiendo el punto, que están saliendo un montón de grupos así y me parece grandioso, ¡pues te da un poco más de espacio!, como también la oportunidad de tocar junto con todas esas bandas nuevas, conocerlas y charlar de metal (risas). ¡Es asombroso!, ¡nos encanta!

En entregas anteriores trabajaron con productores modernos como Roy Z (Judas Priest, Halford, Bruce Dickinson, Helloween) y Fredrik Nordström (Hammerfall, Dream Evil, Arch Enemy, Dimmu Borgir). Ahora que enseñan este sonido más orgánico, crudo, tradicional, ochentero, ¿cuán diferente fue la experiencia de grabar con Pelle  Saether en el Studio Underground?

¡Fue notable!, inmediatamente supimos que habíamos encontrado al productor indicado y el sonido adecuado. Todo partió de ahí. Si no lo hubiéramos conseguido en ese momento, ¡habríamos empezado de nuevo!, ¡pero se sintió genial desde el mismo comienzo!, y de ahí nos fuimos. Todos los discos suenan fantásticos a su propia manera, sin embargo, ahora mismo creo que este es el mejor, ¡el que siempre quisimos hacer!, ¡y lo logramos! Cuando lo finalizamos, sentimos que habíamos creado algo y lo sacábamos del cuerpo, ¡una sensación maravillosa! Nos sentimos muy honrados y privilegiados por tocar Heavy Metal, ¡ya que nos aporta tanta inspiración!, un vasto legado de música del cual podemos sujetarnos. No estamos aquí para causar una revolución en el metal, ni tampoco para inventar una nueva clase de Heavy Metal, ¡estamos aquí para mantener vivo el legado!, y la recompensa es enorme. Cuando alguien se me aproxima con sinceridad, me mira directo a los ojos y me dice lo que piensa, independiente de si es bueno o malo, ¡esa es para mí la mayor recompensa!, pues sabes que aquella persona se dio el tiempo, sacó tiempo de su vida, sacó plata de su bolsillo para comprar nuestra música o ver nuestro show. ¡ESO SIGNIFICA MUCHÍSIMO!

Wolf

«LOS GRUPOS QUE NO SON HONESTOS CON EL HEAVY METAL TERMINAN DERRUMBÁNDOSE»

De nuevo le pidieron a Thomas Holm (Mercyful Fate) que se encargara de la portada. Sabiendo que ustedes son fans de su artwork desde que hiciera el de Melissa y Don’t Break The Oath, ¿qué ven en sus ilustraciones que siempre buscan tenerlas? ¿Qué imagen de Wolf ves tú y Niklas (Stålvind, vocal/guitarras) en cada carátula que les dibuja?

Bueno, para mí… o sea, por supuesto que todo se refleja en la tapa, sólo que para mí la cosa va más por el título. Le damos el título del CD a Thomas Holm, después le pasamos algunas letras y ahí empieza a pintar por su cuenta. Es la cuarta ya que hace para nosotros, por lo que tenemos plena confianza en él. Nos gusta su estilo que, si bien es muy oscuro, igual puedes notar que no le asusta utilizar colores… cada carátula metalera que aparece por ahí es negra, negra, negra, negra. ¡Algunas de las nuestras sí son negras!, pero aún puedes ver de qué se tratan. Nos fascina trabajar con Thomas Holm. Si él fuese músico, ¡formaría parte de Wolf (risas)!, y si nosotros fuésemos ilustradores, ¡seríamos Thomas Holm! Si alguien me hubiera dicho en el pasado que el mismo artista de Melissa y Don’t Break The Oath iría a hacer una portada para mi grupo, ¡lo más probable es que hubiese exclamado que jamás pasaría! Hemos llamado a Thomas Holm para todos los álbumes desde hace un buen tiempo ya, y en Ravenous más encima tuvimos a Hank Shermann de Mercyful Fate como guitarrista invitado, ¡quien también ha trabajado con Thomas Holm! Son cosas que de niño nunca habrías pensado que sucederían, ¡y están ocurriendo hoy en día! ¡Es una sensación tremenda!, ¡si escucho las mismas bandas ahora que cuando tenía 13, 14 años!

Resumiendo la conversación Johannes, lo fascinante del Heavy Metal es que por más que toques un estilo tradicional y old school, como es el caso de Wolf, ¡nunca sonará pasado de moda!, nunca sonará de una época pasada. Siempre suena fresco, vivo, clásico, universal. ¿Qué tiene de poderoso el Heavy Metal para ti que logra mantenerse así a través del tiempo? ¿Qué tiene que nunca suena obsoleto, incluso después de varias décadas?

Es bastante sencillo el motivo. ¡El Heavy Metal proviene de la clase trabajadora y del corazón! No es algo así como que despiertas un día y te dices ‘oh, bueno, ¡haré mi intento de tocar Heavy Metal!’, ya que podrás ver a través de esa mentira. La gente que toca Heavy Metal puro y honesto la encontrarás en bandas que aún siguen con vida. Los grupos que no son honestos con el Heavy Metal terminan derrumbándose y dejan de dar vueltas. Los que continúan aquí, ¡son los que van con la verdad de frente! Nosotros, los músicos y fanáticos del Heavy Metal podemos distinguir cuán sinceras son las bandas reales, eso es lo que pienso. Proviene de tu corazón y se refleja en tus ojos. ¡Eso es lo que permanecerá por el resto de los días! He aprendido algo en mi vida y eso es a NUNCA RENDIRSE, y no sólo me refiero a la música, ¡sino a la vida misma! En todo lo que hagan, ¡JAMÁS SE DEN POR VENCIDO!, porque lo bueno siempre vendrá y vale la pena sacarse la mugre para que ocurra. ¡Y si quieren que toquemos en Chile, y tienen fe en ello, la cosa funcionará! ¡Mantengan sus cuernos en alto ya que en una de esas podrán vernos en Chile un día! ¡Así lo esperamos!

La gira con Helloween no partió bien para Stratovarius. Al saber que la calabaza los quería como invitados esenciales a esta vuelta por el mundo, se apuraron en grabar su siguiente placa y así alcanzar a tiempo las fechas comprometidas con el grupo alemán, pero lamentablemente, en octubre se supo que el batero Jörg Michael sufría de cáncer a las tiroides, por lo que debieron iniciar las presentaciones con un reemplazante temporal. Por fortuna, el germano derrotó con rapidez la enfermedad y pronto se unió a sus compañeros y compatriotas en el “The 7 Sinners World Tour”.

Ahora, lo que nadie anticipó fue un catering en mal estado servido en Europa, afectara a Timo Kotipelto, le pegara una bacteria y le provocara un rebelde cuadro afectado su estómago y cuerdas vocales, haciendo inevitable la cancelación de algunas apariciones en enero y ciertos ajustes en el setlist, para no exponer en demasía su aproblemada garganta. “Espero que de aquí a un mes mi voz vuelva a ser la misma”, dijo el cantante en la tarde del 21 de febrero, cuando habló en exclusiva a los chilenos acerca del recital del 29 de abril en Santiago. El tiempo ha pasado y toda la banda se encuentra lista y recuperada para acompañar a Helloween en esta celebración de los 10 años de PowerMetal.cl.

Entrevista: Timo Kotipelto

«¡QUIZÁS SE ARME UNA ENTRENIDÍSIMA FIESTA DE POWER METAL!»

Justo queríamos hablar contigo Timo porque muchos acá en Chile estaban preocupados por tu salud. Creo que ya dieron un show en Japón anoche (en Sapporo, el 20 de febrero) ¿Cómo te sentiste ahí, después de la infección estomacal que sufriste?

Fue malísimo en su momento. O sea, todo comenzó cuando me parece que comí algo de comida en mala calidad en la gira, cuando tocamos unos conciertos con Helloween justo antes de Navidad, y luego, una vez que regresé a mi casa empecé a sentir una fiebre muy alta como a los dos días después, y estuve bien enfermo de la guata como por los siguientes cinco. En un principio creí que era normal y pasajero, un simple malestar de estómago, una intoxicación con alimentos, ¡pero el tiempo pasaba y no se me quitaba!, ¡y me di cuenta que no podía cantar!, ¡que algo malo sucedía con mi cuerpo! Fui a un doctor más tarde, me dijo que tenía esta Campylobacter, y ha sido así: aún no puedo cantar igual, de la misma manera que en la última tocata de diciembre, y ahora que hemos girado como por un mes y medio tuvimos lamentablemente que cancelar los primeros dos shows en París, en enero, ¡si no era capaz de cantar nada! A pesar de que en este minuto puedo cantar un poquito mejor, mi cuerda vocal derecha todavía está inflamada por culpa de la bacteria, ¡y aún me cuesta bastante! Decía en todo caso que quizás era mejor que tratara de cantar para los fans en lugar de cancelar los tours, y por ese motivo ha sido bien difícil subirme al escenario, aunque ayer salió un poquito mejor pienso yo, por más que siga siendo casi lo mismo. Por supuesto, puede que exista un riesgo de que me esté dañando la voz… el lunes pasado volví a ver a la doctora en Helsinki y me dijo ‘bueno Timo, puede que haya un pequeño problema con las cuerdas vocales’. Espero mejorarme pronto y, claro, ¡de verdad me tiene enchuchado (risas)!, para serte honesto.

El recital en Chile se llevará a cabo en los últimos días de abril. ¿Qué noticias has tenido de los doctores sobre tu recuperación para ese tiempo?

Sí, bueno, el problema es que nadie sabe con certeza en qué medida afectará, porque he estado tratando de leer en Internet… mira, busca, es Campylobacter, pero es (silencio, suspiros) como difícil, ¡ya que puede tomar meses!, ¿me entiendes?, ¡puede tomar meses en que desaparezca! Lo complicado fue que esta bacteria “secó” todo mi cuerpo. Y por supuesto, lo primero que… por ejemplo, si haces como algún deporte, si juegas fútbol por un harto tiempo y no has ingerido suficiente agua, ¡entonces te sentirás seco total! Exactamente lo mismo ocurrió con mis cuerdas vocales, que de pronto se secaron en demasía, pues mi cuerpo se quedó sin líquido, y por más que he tratado de tomar agua, ¡no me ha ayudado mucho!, debido a que cuesta bastante que vuelvan a humedecerse de nuevo. Esta bacteria fue muy pesada para el estómago más encima, así que me imagino yo que uno de los problemas es que cuando duermo, como que mi tubo digestivo empieza a subir, por culpa de esta bacteria. Por suerte estoy con medicamentos y espero que de aquí a un mes mi voz vuelva a ser la misma. ¡Ha sido un proceso más lento que la cresta!, ¡jamás me había pasado una cosa así antes!, ¡ha sido extraño! Sin embargo, sólo tendré un par de tocatas acústicas cuando vuelva a mi casa desde Japón, por lo que en el fondo podré descansar dos semanas antes de embarcarnos a Sudamérica. ¡Ojalá eso ayude!

Stratovarius

¡Es lo que todos esperamos! Stratovarius ha realizado varias giras mundiales por cuenta propia en su carrera, como cabeza de cartel. ¿Qué fue lo que los motivó a aceptar esta oferta de Helloween?

Pongámoslo así: en el tour pasado, ni siquiera estábamos en el estudio todavía y de repente alguien de Helloween, alguien del management, llamó a nuestra agencia de booking diciendo que iban a realizar un tour y preguntando si queríamos ir con ellos. En ese momento no teníamos ningún plan, sólo ‘OK, contamos con algunas canciones, ¿cuándo partiremos con las grabaciones?’, ¡y todo estaba abierto! Después nos llegó la oferta de Helloween y pensamos ‘hmmm, quizás sea una buena idea que dos bandas de old school Power Metal salgan juntas de gira, ¡quizás haya más gente mirando a ambas en un mismo recital!, ¡quizás se arme una entretenidísima fiesta de Power Metal!’. Sentimos que era buena idea y por eso respondimos ‘OK, ¿¡por qué no!?’. O sea, hace mucho tiempo que no apoyábamos a otro grupo y me dije ‘bueno, al parecer son tipos simpáticos, me gusta la música de ellos, ¡hagamos el tour!’, y después nomás comenzamos planear el comienzo de las grabaciones de nuestro álbum, y por supuesto, luego nos tuvimos que apresurar para ser capaces de entregar el disco antes de los conciertos. Así fue cómo surgió todo y ha sido muy entretenido la verdad. Para mí, claro, ¡sería más entretenido si pudiese cantar!, pero repito, ¡es muy agradable! Tocamos una hora y ya sabes, cuando terminamos podemos ver a Helloween, podemos tomar cerveza, ¡lo que queramos (risas)!

En Chile y Sudamérica al menos, muchos consideran a Helloween y Stratovarius como los dos números Power Metal más importantes de todos los tiempos. ¿Cómo enfrentas comentarios de ese tipo, que Helloween y Stratovarius son los dos mayores leyendas del género?

Bueno, por supuesto que para mí, Helloween es un gran nombre incluso de antes que yo me uniera a Stratovarius, ¡y por supuesto que es agradable oír que personas, amigos y periodistas digan que nosotros también somos uno! Cierto que es verdad que ya no hay tantas bandas metaleras antiguas girando, porque ya sabes, hace diez años atrás habían demasiados actos nuevos saliendo y creo que el Power Metal era muy popular en ese entonces, tal vez hace diez o doce años atrás, aunque claro, ¡nunca fue como una música de moda!, ¡no me malinterpretes (risas)! El Power Metal nunca fue una moda, sólo que era muy popular dentro de la escena metalera. No lo ha sido mucho en los últimos cinco años, sin embargo, me parece que el Power Metal está volviendo a tomar vuelo. Al menos la cosa está funcionando para Helloween y nosotros, si nos fuimos derecho al #1 en los charts finlandeses, ¡lo que fue una sorpresa enorme! Obvio, si la gente encuentra que somos importantes, especialmente si algunos chicos comienzan a tocar o cantar después de escuchar nuestra música, ¡me pongo muy feliz!, ¡está claro! Es bonito ver que las personas disfrutan tu música, ¡y eso sí que es fundamental! No importa si sólo oyes las canciones, o tocas y cantas tú mismo, ¡disfrutar la música es un don maravilloso!

Stratovarius

«¡USTEDES SE SABEN TODAS LAS LETRAS Y LAS CANTAN MÁS FUERTE QUE LA CRESTA!»

Refiriéndonos a la visita del 2009 en Chile, es posible que se haya visto como un nuevo comienzo para Stratovarius, con un nuevo line-up por un nuevo tour sudamericano, tras los problemas con (Timo) Tolkki.  ¿Cuán diferente fue para ti actuar esa vez en Santiago con dicha alineación, en comparación con las oportunidades anteriores?

Sí. Creo que el último álbum como un todo, Polaris, fue uno que salvó a Stratovarius, ¡y que con Elysium estamos de vuelta! Por supuesto, esa gira por Sudamérica fue importante para nosotros, además porque Matias (Kupiainen, guitarras) era el niño nuevo de la clase. (Silencio) recuerdo que hubo algo (silencio) extraño con la presentación en Chile, en Santiago, ya que tocamos en una especie de disco o una cuestión parecida, y que algo se cambió de repente un par de semanas antes. Hubo algo raro, como que no era el lugar común, donde habíamos tocado en el pasado. En fin, las personas fueron muy, muy amables y resultó entretenido cantar allí. En lo personal, ¡siempre será un placer regresar a verlos! Lo genial de Chile es que es el país donde me empezó a gustar el vino tinto (risas). Todavía recuerdo cuando tuve mi primer Casillero del Diablo (risas), ¿sabías (risas)? Lo conocí en Chile y eso fue grandioso (risas). ¡Será muy bueno estar de vuelta!

Sí, debido a esta conexión que existe, pues no sólo has venido con Stratovarius, ¡también lo hiciste con Kreator el 2007!, frente a una audiencia Thrash Metal, ante un público que no comprendía la música metalera más melódica como la tuya.

Sí (pausado).

¿Qué recuerdas de esa experiencia en particular?

Bueno, por supuesto que no a toda la gente le gustó en esa oportunidad. Algunos se confundieron un poco aunque me imagino que a otros sí les agradó. Se trataba de un tour organizado como por el mismo promotor internacional. Conocía a los muchachos y ahora, claro, igual conozco a los integrantes de Kreator y encuentro que son tipos muy, muy simpáticos. Y por supuesto, a ratos las personas son un poco cerradas de mente y no aprecian esta clase de música, ya sabes, pero eso es normal, ocurre en todas las demás partes, entonces no me preocupó demasiado (risas). No (risas), quizás haya sido un poco más, uf, cómo decirlo… tal vez se comportaron un poco distinto en relación con público de otros países. ¡Así sucede a veces (risas)!

El hecho es que Stratovarius es de los grupos más queridos por los seguidores chilenos. ¿Cómo describirías tu historia con el país desde la primera llegada en 1999, en la gira del Destiny?

Sí, creo que hemos tocado, si mal no recuerdo, ¡en tantos lugares diferentes allá! ¿Cómo se llamaba el otro?, ¿era Circo Volador?, ¿o Teatro “Algo” (risas)?, ¿puede ser (silencio)? ¡CAUPOLICÁN!, ¡exacto!, ¡ese es el nombre (risas)!, lo confundí con el de otros lugares (risas), exacto, ese recinto dejó de ocuparse como por durante cinco años y tuvimos que irnos a tocar a uno distinto. Me refiero al mismo donde estuve con Kreator pienso yo. El 2000 fuimos como a una especie de arena de básquetbol, en una de las primeras ocasiones que nos presentamos allá en Chile. Por supuesto, ahora mismo no tengo los nombres frente mío (risas), discúlpame por eso… OK, ¡buena onda (risas)! De todos modos, me acuerdo que cuando fuimos a Chile no tenía idea qué esperar y por ende andaba como ‘hmmm, ¿tendremos algún fan acá?’, ¡pero después (risas) FUE GRANDIOSO!, ¡y siempre lo ha sido! No sé por qué, los chilenos… o sea, ¡ustedes se saben todas las letras y las cantan más fuerte que la cresta!, ¡ES ASOMBROSO! Y la última vez que viajamos hasta allá… o me parece que fue con mi banda en realidad… fue cuando tuvimos un poco de tiempo incluso para pasear, para ir a comer en pequeños bares o restoranes, ya que muy a menudo no hay tiempo para conocer nada. Me gustaría mucho ir a la cordillera algún día o ver otra cosa, ¿no?, que no sólo sea hotel, local y aeropuerto (risas).

Stratovarius

«ELYSIUM REPRESENTA MUY BIEN EL CONCEPTO DE STRATOVARIUS 2011»

Ahora, metiéndonos en el proceso de Elysium, a Jörg Michael le diagnosticaron un cáncer de tiroides en octubre del 2010, justo cuando le estaban poniendo los toques finales a la producción. ¿Cuánto les costó enfocarse en el lanzamiento mismo y en el tour, a causa de esa noticia?

El álbum fue (silencio)… ¿cómo fue?, creo que estaba (suspiros) casi mezclado o entero mezclado cuando Jörg nos contó lo del cáncer, entonces no afectó al disco pero ahmmm… como te dije antes, Helloween nos llamó en junio y aún no teníamos planes acerca de cuándo empezaríamos a grabar en ese momento, así que apenas nos contactaron pensé ‘OK, ellos comenzarán a girar a fines de noviembre, lo que significa que debemos sacar un single alrededor de esa fecha’. Nos miramos y quedamos como ‘oh, ¡por la mierda!, ¡estamos cortos de tiempo!, ¡de verdad que hay que empezar a trabajar!’. Después, arrendamos el estudio y de ahí tuvimos que hacernos el ánimo, en especial Matias, quien todavía se encontraba en el estudio el día antes que iniciáramos los ensayos. Pese a que hubo muchísimo que hacer, ¡igual resultó entretenido! Matias y yo fuimos a hacer las voces en una casita (cottage). No queríamos encerrarnos en un estudio, no me gustan esos estudios hi-fi caros, ¡para nada!, porque la atmósfera ahí se torna muy “clínica”, y deseaba cantar ahí, al medio del bosque silvestre, ¡lo hicimos y lo pasamos muy bien! Claro, por más trabajo que se hizo, lo reitero, me siento muy satisfecho con el resultado, harto más satisfecho que con cualquier otra entrega de Stratovarius en los últimos años. A mi juicio, fuimos capaces de sacar un material bastante bueno, o sea, evidente, siempre podrás haber hecho algo un poco mejor, aunque de nuevo, considero que Elysium representa muy bien el concepto de Stratovarius 2011, así lo veo yo.

Ahora, los seguidores están conscientes de que Matias tiene un input más grande en la composición. Elysium en particular suena más progresivo gracias a su aporte. ¿Cómo has visto la reacción en vivo de la audiencia a estos cortes más progresivos, si se compara como la respuesta de otros como, no sé, Speed of Light o Black Diamond?

Por supuesto, ¡siempre es así!, si tocas canciones nuevas y la gente no ha escuchado demasiado el último esfuerzo, siempre irá como ‘hmmm’, los clásicos y después las canciones nuevas. Obvio, la reacción es un poco diferente, ¡así es nomás! O sea, lo mismo con Helloween, cuando tocan canciones nuevas es como ‘hmmm, OK, esto es bueno’, pero cuando tocan Future World o Dr. Stein, ¡ahí las personas sí que se enloquecen! Eso ocurre con nosotros cuando tocamos Hunting High and Low o Black Diamond, ¡por supuesto que es distinto! Creo que nos ha ido bien, aunque no hemos presentando tantos temas nuevos todavía, me parece que sólo dos… bueno, tres en realidad, y la última vez interpretamos dos. Eso es debido a que para mí, son difíciles de cantar ahora, no podré cantarlos hasta que me sienta completamente recuperado y ese es el problema, por lo que sólo hemos estado tocando Darkest Hours y Move the Mountain. Claro, tienes que considerar además que el CD se lanzó allá en Europa como por el ocho o el diez, como por el 15, no sé, y comenzamos la gira como por noviembre, ¡el 27 de noviembre!, ¡cuando el disco aún no salía!, entonces el público no lo conocía y por eso en el fondo escogimos composiciones antiguas. Más encima, Jörg ni siquiera podía tocar con nosotros al principio, dado que estaba en el hospital tratando su cáncer. Hoy eso sí, la cosa va mejorando y Jörg está de regreso, al álbum le está yendo bien. Tengo entendido que se editó en Sudamérica también, en enero, ¡así que ustedes muchachos ya lo han escuchado como por dos meses!, y si les gustó, ¡lo más probable es que ya se sepan mejor las pistas que en enero! Eso se notará un poco.

Y los chilenos ya están esperando la próxima visita de Stratovarius a Chile, ¡así que muchas gracias por tus minutos!

¡No hay problema viejo! ¡Será un placer enorme volver a Chile!, siempre recuerdo que ustedes nos han apoyado a través de todos estos años, que son muy ruidosos y de verdad tengo muchísimas ganas de CANTAR CON USTEDES, de CANTAR JUNTO CON USTEDES… sólo diré: ROCK THE METAL!!! ¡Thank you Jorge!, ¡gracias!


Afiche: Helloween - Stratovarius (29 de Abril - 20:00)

Exodus

Entrevista completa con Exodus en Chile

La banda pionera de San Francisco aprovechó a full la invitación de Iron Maiden para abrir su concierto acá en Santiago. Exodus tomó sus maletas, optó por venirse días antes de la fecha en el Estadio Nacional y fijó dos presentaciones exclusivas, una para el viernes en la Cúpula del Parque O’Higgins y otra para el sábado en El Huevo de Valparaíso. El cantante Rob Dukes y el bajista Jack Gibson hablaron con PowerMetal.cl acerca de esta visita al país que, para ellos, ¡vale por tres!

Rob y Jack, ¡bienvenidos de vuelta a Chile! Esta ocasión es muy especial ya que, primero que todo, abrirán el show de Iron Maiden el domingo, considerando que Sudamérica es uno de los lugares más especiales para la doncella…

Rob: No es Iron… ES IRON FUCKIN’ MAIDEN (risas), ¡¡¡ES IRON FUCKIN’ MAIDEN EN CHILE!!! O sea, cuando lo supe me empecé a correr la paja, simplemente me bajé los pantalones y me empecé a correr la paja, ¡una locura! NO (risas). Creo que estábamos en el backstage, en el backstage todos con Death Angel en Alemania, casi terminé peleando con un muchacho por el “azúcar”, con un muchacho del crew, y de inmediato se convirtió en un gran día por culpa de la noticia, ¡fue asombroso!, ¡como que nos cambió el día (risas)!
Jack: ¡(Risas) nos sacó toda la mierda de encima (mirando a Rob)!

Recién miraba el video de War is my Shepperd, ¡y se me puso la piel de gallina sólo con imaginarme esa canción provocando un mosh de 10 mil, 20 ó 30 mil personas en el Nacional!

Jack: Viejo, la verdad es que no sé bien qué esperar, ¡probablemente exceda mis propias expectativas! O sea, acá abajo es uno de mis lugares favoritos para tocar, el público en todo Sudamérica es absolutamente fantástico. Entonces, tocar en un estadio lleno de personas es algo que ni siquiera puedo imaginarme. ¡Sólo sé que será grandioso!
Rob: Hmmm, parece que vamos a incluir esa en Maiden. Una vez (el 2007 en el Novedades), ¡me sacaron la ropa! ¡Salté a la multitud y me sacaron toda la ropa! ¡Tuve que abrirme a golpes para poder salir del público (risas)! Sí (silencio), ¡así que no volveré a hacerlo (risas)!, ¡ya aprendí mi lección (risas)!

Exodus

Van a apoyar a Maiden antes del show exclusivo en la Cúpula (realizado el viernes) y también el de Valparaíso, en el Huevo. ¿Cuán distinto serán los conciertos con respecto al setlist, entendiendo que hoy tendrán todo el tiempo para ustedes, y que el domingo van en calidad de invitados?

Rob: ¡Una diferencia de hora y media!
Jack: ¡Exacto!, el repertorio será más largo en nuestros shows exclusivos, por supuesto. Tocaremos bastante, ¿no?, una hora, una hora y media más. Después tocaremos como…
Rob: …serán 45 minutos con Maiden…
Jack: …vamos a salir por sólo 45 minutos, entonces realmente tendremos que comprimir todo lo posible en un set de 45 minutos para Maiden y si nos vas a ver a los clubes, podrás encontrarte con la totalidad de lo que interpretamos en este mismo momento.

Sin importar si una presentación de Exodus es ante 300 personas como en Concepción el 2009, mil fanáticos como será en la Cúpula, o antes 30, 40 ó 50 mil seguidores de Iron Maiden en un estadio, ¿qué es lo que de verdad hace especial un concierto de Exodus para ustedes?

Rob: Yo canto cada uno como si fuera el último, como si cada show fuera el último de mi vida. De esa forma lo veo yo, nunca me pongo a pensar en el próximo, ¡puede que el de hoy sea mi último concierto!, por lo que le doy lo máximo al aquí y ahora. Puedo morir volviendo a casa, puedo morir en un choque automovilístico, ¿no?, por un ataque cardíaco o… uf, ¿¡quién cresta sabe!?, ¿no?, por un meteoro, ¿por qué más?, por un asesino en serie…
Jack: ¿…de SIDA…?
Rob: Naaah, vaya, ¡no!, ¡eso es muy lento!, ¡te estoy hablando de huevadas rápidas!, ¡RÁPIDAS!, ¡ASÍ RÁPIDAS (golpea su palma con el puño derecho)!, ¿¡entiendes a lo que me refiero!? Puta, de SIDA es (tiritones) una muerte muy lenta. Ahmmm, ahhh…
Jack: …o saltar al público y que te arranquen la cabeza…
Rob: …sí, ¡puedes morir a manos de fanáticos desquiciados! Entonces cada actuación es como si fuera para mí la última. Así hago yo las cosas.
Jack: De acuerdo, cada noche tocamos a la máxima capacidad que podemos tocar, o sea, incluso cuando uno de nosotros se encuentra enfermo, a punto de morirse, igual se sube al escenario y lo hace. Yo tuve una intoxicación por comida en Bangkok, en nuestra última gira asiática, ¡simplemente estaba meando mi propia caca!, ¡y vomitando!, ¿ves?, cumplí con el show y me devolví a la cama nomás, ¿entiendes a lo que me refiero? Así lo hacemos viejo, por esto es lo que vivimos.
Rob: Demás. Si alguien de verdad se siente un poco enfermo, ¡lo apoyamos esa noche!, así que te pones detrás, tocas, y le ponemos el extra por ti, entonces…

Exodus

Siempre veremos a un Exodus dando su 100% en cada velada. ¿Qué recuerdan de la visita anterior? También fue especial porque fueron por primera vez a Concepción, ciudad a la que no muchas bandas internacionales tienen la oportunidad de ir. ¿Qué memorias guardan de esa ocasión en particular?

Jack: Sí, o sea, es grandioso cuando se te da la opción de abrir territorios y llevar esta música a otra gente. ¿Fue con Kreator (mira a Rob)?, ¿cierto?, fue con Kreator y ese tour también fue notable. Giramos con ellos por casi un mes entero y… claro viejo, ¡fue tremendo! Oye (mira de nuevo a Rob), ¿ahí fue cuando visitamos la cordillera?
Rob: No, ¡fue la vez anterior!, no sé…
Jack (sin hacerle caso): En una oportunidad, Rob y yo nos apoderamos de la van acá y recorrimos todo el camino hasta la punta de los Andes. Nos fuimos manejando, siguiendo río arriba y vimos un cóndor gigante, a huasos arriando sus caballos y llevándolos de noche a los establos. En serio, ¡muy, muy la raja compadre!, ¡totalmente la raja! Es entretenido pasear por una ciudad… no nos encontramos con demasiados fans, pero con los que nos encontramos eran asombrosos. Íbamos al supermercado, caminábamos por ahí y era genial viejo. Santiago es una ciudad divertida, lo pasamos bien. Lo de Concepción fue muy corto en cambio. De hecho llegamos, tocamos y nos fuimos, entonces no pudimos conocer nada, aunque ya hemos venido acá en más de un par de ocasiones y… eso sí, siempre aparecen varios fans en los hoteles, siempre firmamos un montón de cuestiones y… es la raja compadre, es increíble venir hasta acá, los seguidores te lo agradecen mucho, se saben cada palabra y todas las canciones, ¡son fabulosos!, ¿¡cómo no vas a querer venir y vivir algo así!?

DUKES: “¡JAMÁS ME IRÉ A HACER LAS TETAS!”

Una pregunta sobre últimos los discos, The Atrocity Exhibition… Exhibit A (2007) y Exhibit B: The Human Condition (2010). Escuché a Gary Holt en su momento decir que con esos dos trabajos, ustedes buscaban “desafiar” la edad, “desafiar” el paso del tiempo con composiciones más largas, veloces y agresivas, que mientras más viejos se vuelven, más demandantes y exigentes en lo físico son las pistas que escriben.

Rob: ¡Está buena esa!

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Comparando este material más complejo y de mayor extensión, con por ejemplo el de Bonded By Blood (1985), ¿qué desafío representa tocar y grabar los lanzamiento más recientes?

Jack: No creo que sea tan diferente en el sentido de cómo son las grabaciones hoy en día, usando computadores, programas y todo eso. O sea, a un tema corto debes ponerle el mismo esfuerzo que a uno más largo. Te digo, las canciones como que se van escribiendo solas. Una vez que empiezas a crear algunas partes y las pones juntas, la composición como que se despliega por cuenta propia, como que dicta sola cuánto va a durar. ¡Simplemente sucede!, ¡sucede nomás cuando se hacen!
Rob: ¡Sí!, todos se quejan porque los últimos tracks son demasiado largos, ¡ASÍ QUE EL PRÓXIMO ÁLBUM DURARÁ 22 MINUTOS!, ¡Y SERÁ DE UNA SOLA CANCIÓN! ¡Eso es lo que haremos y se acabó (risas)!
Jack: ¡Se llamará 3113 (risas)!, ¡¡¡PREPÁRENSE (risas)!!!
Rob: No tenemos nada bajo los… a ver, hay una sola de tres minutos y medio, una de ellas, pero la verdad es que no importa… ¡me imagino que la única persona que puede reclamar es Tom (Hunting)!, ya que debe pegarle a la batería todo el tiempo y sin poder tomar nada de agua (risas), ¿¡sabes a lo que me refiero!?, ¡él es el único que puede quejarse (silencio)! ¡SI HUEÓN!, ¡ESTOY HABLANDO DE TI (le grita a Tom, quien se encuentra en otro rincón del patio dando una entrevista)! ¿¡QUÉ TANTO!?, ¡es el batero nomás (risas)!

(Risas)

Jack: Debo decir que una de las cosas que Exodus jamás ha hecho es seguir una moda. Escribimos música que sale directo del corazón de cada uno y puedes notarlo al escucharla, que no nos consideramos comerciales, que no pensamos como ‘este será un hit’ o lo que sea. Hacemos la música que sale desde nuestros corazones y aquella es una de las razones por la cual…
Rob: …es un arma de doble filo…
Jack: ¡…ES un arma de doble filo!, dado que aquella es una de las razones por la cual nuestros seguidores son tan fieles, y también es una de las razones por la cual nunca hemos alcanzado las proporciones de Metallica, si nuestro material es para un grupo de personas bien pequeño, bien hardcore, ¡y alimentamos eso de manera constante porque no sabemos cómo hacer cosas populares para la gente (risas)!, sino sólo lo que sentimos. Y creo que una de las razones por la cual somos tan agresivos comparados a algunas otras bandas que son más grandes y ricas, ¡si aún estamos enchuchados! ¡No tenemos nada de plata!, así que no me subo al escenario pensando en mi yate, ni en mis autos ni en mi mansión, ¡en lo absoluto!, ¡sólo pienso en cuánto me gustaría tener un yate (risas)!
Rob: Una vez prometí que si algún día gano una millonada y me compro un yate, ¡igual seguiré siendo más agresivo que la cresta! ¡Ni cagando me relajaré y haré como los demás! ¡Jamás me iré a hacer las tetas!

Exodus

(Risas) Exodus de hecho ya ha venido tres veces a Chile, y la de ahora Rob es tu tercera visita al país. Luego de tener la chance de viajar por todo el mundo, de tocar en los festivales más concurridos y de grabar varios discos, ¿cuál es ese elemento aún te mantiene con ganas de seguir cantando Thrash Metal con esta pasión intacta?

Rob: ¿Sabes que más?, no puedo decirte (tono reflexivo). Algo ocurre cuando te encuentras en el backstage listo para salir, golpeas el escenario y ves puras caras prendidas. Me transformo en un ser humano completamente distinto… o sea, no en serio, pero algo ocurre. Por ese solo motivo sacrifico mi vida hogareña y cualquier otra cosa que tenga. Sacrificamos mucho por hacer esto y ESE SENTIMIENTO no soy capaz de explicártelo, no soy capaz de explicárselo a la gente cercana en mi vida. Me preguntan ‘amigo, ¿¡por qué continúas haciéndolo!?’, y respondo que es una oportunidad que se nos ha permitido. ¿Cuántos en el mundo consiguen dedicarse a esto en realidad?, ¿entiendes a lo que voy? Es como si la NASA nos hubiese elegido como astronautas para un programa espacial, ¡es un privilegio el sólo estar ahí! La chance de hacerlo casi te da la responsabilidad de TENER que hacerlo. Hay cientos y miles de bandas en bares chicos tratando de llegar hasta acá, con sus propios CD y… bueno, ¡agradezco muchísimo el poder hacerlo!, por eso es que cada show para mí es como si fuera el último. Nunca me dejo ni voy como ‘oh, puta, otra tocata más’. O sea, quizás lo haga cuando me siento mal o me porto como una perra (risas), pero todo cambia una vez que entro al escenario, ¿no?, puedes sacarte toda esa mierda de encima apenas te subes, ¡y no importa si es en la misma Casa Blanca! Hay un verdadero intercambio de entre el público y el grupo. Mientras más ruidoso sea el público, más furiosos nos ponemos y justo por eso es tan la raja acá abajo. En América, la multitud es como ‘oh, no me interesa tanto’, ya sabes…
Jack: …hemos realizado algunos shows en que la gente simplemente está parada haciendo así, (mira un punto fijo y cruza los brazos),¡y pareciera que te quitan todo el esfuerzo que le colocas!, PERO, cuando los ves a todos saltando juntos, a todos cantándote u otra cosa similar es como…
Rob: Con nuestras canciones, literalmente, ¡TE DAN GANAS DE SACARLE LA MIERDA A ALGUIEN! A mí simplemente… uf, si pudiera herir a alguno, ¡lo haría!, sin embargo, por eso nos dedicamos a lo que nos dedicamos.

Jack y Rob, ¡gracias de verdad por la entrevista!, ¡¡¡anticipando los conciertos en Valparaíso y después en Santiago con IRON FUCKIN’ MAIDEN!!!

Rob: ¡(Risas) así se dice! ¡IRON FUCKIN’ MAIDEN compadre!

En este fin de semana se encontrarán con muchos maniáticos del Thrash Metal. ¿Qué desean decirles ahora?

Rob: OK, bueno, hay una sola cosa que quiero advertirles…
Jack: ¡…háganse daño…!
Rob: ESPERO VER (EN IRON MAIDEN) EL (MOSHPIT) MÁS GRANDE. Yo lo voy a orquestar, PERO ESPERO VER EL CÍRCULO DE PIT MÁS GRANDE, porque he presenciado los recitales de Iron Maiden y no lo hacen así (da vueltas con el dedo «recreando» un mosh), como que saltan nomás. YO ESPERO VER UN CIRCLE PIT OCHENTERO Y DE VIEJA ESCUELA ESE DÍA. Los de Maiden no lo inventaron, sin embargo crearon un monstruo con el que sí sucedería. A través de Iron Maiden se llegó al Thrash Metal, y de ahí se hizo cada vez más duro. Ellos y Thin Lizzy fueron los precursores, AUNQUE ESPERO VER A LA MULTITUD DE MAIDEN HACIENDO ALGO QUE NO HACE A MENUDO, pues quiero toparme con Bruce (Dickinson) y esos muchachos diciendo ‘¿cuál banda está ahí?, ¿¡qué están haciendo!?, ¿¡por qué nuestro público acaba de hacer eso!?’. ¡¡¡ESO ES LO QUE ESPERO VER!!!
Jack: Les tengo una advertencia a los chilenos: si ustedes creen que llegarán al estadio y podrán correr al frente del escenario, estar adelante todo el show (de Exodus) y aguardar por Iron Maiden, ¡eso no va a ocurrir! Esperen a que finalicemos antes de irse adelante para ver a Iron Maiden.

Entrevista: Michael Wikath - Helloween

El 22 de febrero, Helloween y Stratovarius tocaron en Sendai, Japón, la ciudad que después sería la más abatida por el terremoto de nueve grados y el posterior tsunami. Era la segunda fecha del tramo nipón del The 7 Sinners World Tour y el día anterior a dicha presentación, PowerMetal.cl se comunicó con el hotel donde alojaban allá para conversar un rato con Michael Weikath. El guitarrista de la calabaza recordó a los fans de Japón y Chile, y a su propio estilo habló acerca de la visita junto con los finlandeses al país, fijada para el viernes 29 de abril en el Teatro Teletón, celebrando los 10 años de la página. Asimismo, sugirió modelos políticos para Sudamérica y se detuvo en el número siete que ha guiado su carrera desde los Keeper of the Seven Keys. ¡La fiesta mundial del Power Metal se acerca!

EL EVENTO QUE SE VIENE A CHILE: “SIEMPRE SERÁ INTERESANTE SEGUIR LO QUE BANDAS DE ROCK N’ ROLL COMO HELLOWEEN HACEN FRENTE A UN MONSTRUO MUSICAL COMO STRATOVARIUS”

Entendemos que ya dieron el primer show allá en Japón. ¿Cómo fue la recepción de los nipones y cómo salió todo?

Bueno, la primera vez que fuimos a Sapporo fue como hace 15 años atrás, y también fue un poco triste que nunca hayamos podido ir para allá de nuevo, porque estas personas en realidad son muy afectuosas. Es una parte muy interesante de Japón y nos agradecieron mucho por ir al Zepp ayer. Podías ver que estaban con lágrimas en los ojos por el largo tiempo que no los visitábamos y yo no sé cómo funcionan las cosas en Japón, ni cómo se hacen los conciertos, pero en fin, tenemos bastantes productores, y cada productor en Japón tiene un programa distinto, sus propias conexiones, y además trabajan de otras maneras en diferentes ciudades. Quizás esa sea entonces una de las razones. Y lo cierto es que nosotros nos sentimos agradecidos de poder ir, ya que es un área muy especial dentro de Japón. O sea, es como diferente a las otras, ¡y fue muy bueno!

¡Excelente (risas)!, y claro Michael, en el The 7 Sinners World Tour están con Stratovarius en calidad de invitados especiales. ¿Cómo describirías la relación y la atmósfera entre ustedes?

Por encima de todo, es muy respetuosa y amistosa. Como que puedes decir que estos dos grupos tuvieron mucha confluencia en el pasado, pues la música de ambos es muy similar, obviamente. De verdad creo que la destreza musical se sitúa en el lado de Stratovarius, y siempre será interesante seguir lo que bandas de rock n’ roll como Helloween hacen frente a un monstruo musical como Stratovarius. Lo que a un conjunto quizás le falta, el otro lo tiene, ¿no?, ¡y viceversa!, lo que resulta muy, muy interesante. Y los miembros de Stratovarius son todos seres humanos, al igual que nosotros, y en una de esas hay algo que las personas tratan de evitar, que ciertas agrupaciones se encuentren con tu concurrencia o algo parecido, y me parece muy, muy inteligente hacer esta gira con ellos. La idea fue de nuestro management después de todo, que se metió al medio de las cosas y dijo ‘oigan, ¿quieren forjar una alianza con Helloween?’, e hicimos primero Gamma Ray con Helloween, ¿ah?, ¡y así consigues que lo imposible sea posible! Y lo bueno es que logras conocer a los músicos y es grandioso, hay como un feeling bien familiar. Tienes tu negocio, tienes tus discos, tienes tu historia, tienes tu carrera, lo que quieres construir y todo lo demás, pero por encima de todo, ¡es muy interesante compartir con estos muchachos!, ¿ya?, y pienso que ellos se sienten de la misma manera. Hay tanto de qué hablar, tanto que intercambiar, tanto conocimiento… y de un modo muy respetuoso. A veces nos reímos de cada uno, con ellos diciendo ‘¡claro!, ustedes son la gran banda acá, ¡los famosos!’, y luego nosotros respondiendo ‘ya, ¡todo porque son los músicos extremos y se las saben todas!’. Puedes hacer pequeñas bromas, ¡y es chistoso!, ¿no?, ¡y es grandioso! Por lo general uno es cuidadoso con… o sea, hay regiones que mejor no tocar, ¿ah?, simplemente prefieres ‘¡no!, ¡no lo toques!, ¡no quiero saber!, ¡no quiero sentir!’, da igual, y ahora estamos obligados a vernos las caras en este tour, ¡y es tan interesante! ¡Es lo único que puedo agregar!

Helloween

Bueno Michael, sobre el próximo show en Santiago, los tendremos acá a finales de abril y muchos fans se emocionan ya por esta fiesta del Power Metal con Stratovarius. ¿Cuán diferente será el concierto en comparación a los anteriores cuatro de ustedes en el país?

Ahhh, pfff (respiro), sí, bueno… yo (silencio), ¡no sé! No podría decirte cuán diferente será puesto que tocaremos de hecho un setlist distinto al de la última vez, aunque me parece que tiene una progresión muy natural y se siente muy bien tocándolo. Ahora, quizás haya uno que otro corte distinto a lo que hemos hecho hasta ahora, aún trabajamos en otro material que podría ser posible, sólo que con el tiempo que disponemos… o sea, hay cosas que debes hacer en los tours, como en una de esas viajar y dormir y comer y dar recitales, por lo que siempre se hace un poco difícil añadir un tema. Sin embargo, ¡eso es lo que intentaremos! Lo más probable es que sea un solo track en todo caso y… eehhh (silencio), mira, no quiero hablar sobre… como… (titubeos) podrías buscar el setlist en Internet para saber qué te gusta y después descubrir cómo es, lo que te quitaría toda la emoción digamos, toda la emoción del regalo de Navidad o lo que sea, ¡uno no abre su regalo antes de ponerlo bajo el árbol de Pascua! En el fondo, será distinto nomás, ¡ni idea cómo!, pero será una producción diferente, ¡que se verá diferente! Contamos con un ingeniero de iluminación joven y extremadamente talentoso, el sonido es absolutamente fantástico y todo. Tenemos rutinas muy definidas a estas alturas así que quedaríamos muy felices si nada malo sucede y damos un muy buen espectáculo allá abajo. ¡Y no sé cuán distintas son las cosas en realidad! Hemos podido escuchar por parte de algunos, que jamás nos han visto tocar mejor que ahora o… da igual, ¡eso es lo que dicen!, sea lo que sea que signifique. Si bien lo es lo mismo del tour anterior, ¡sí se trata del mismo conjunto!, seguimos siendo los mismos tipos y todo. Nos sentimos muy orgullosos de lo que hacemos hoy en día, cuenta con ello.

Michael, ¿cuáles el tu feeling personal con respecto a los fieles seguidores chilenos de Helloween?

Bueno, yo jamás me olvidaré de… (silencio) jamás me olvidaré de los seguidores que estaban cerca del hotel la primera vez, corriendo por el estacionamiento… ya he contado esa historia antes, varias veces. Me encontraba cerca del estacionamiento, pidiendo un café en un pequeño local que había allí, y de pronto empecé a escuchar a alguien susurrando ‘güeiki, güeki, oe, güeki’. ¡Miré alrededor y no tenía idea de dónde podía venir eso!, ¡y eran unos fans sentados arriba en los árboles!, que iban como ‘güeiki, güeki, oe, güeki’. Me costó un buen tiempo darme cuenta dónde estaban y les dije ‘¡oigan!, ¡bájense de esos árboles antes que lleguen los de seguridad y los pillen!’. Les hice señas en realidad y ellos ‘hmm, ¿no nos podrás firmar autógrafos o algo?’, ¡porque estaban arriba en un árbol y había una reja entremedio! ¡Para mí fue una cuestión media extrema!, ¿no?, ¡nunca había sido testigo de una cosa parecida! Obviamente que el carácter de ustedes siempre se refleja en el exterior de todo lo que piensan, ¿cierto? Sería buenísimo para el país si los asuntos políticos siempre se resolvieran de ese modo, si la gente siempre fuera tan creativa frente a cada obstáculo. Si existiera una Unión Sudamericana que funcionara de la misma manera… o sea, ¡creo que es bastante más progresista (forward-thinking) ser así!, ¿ya?, ¡en lugar de estar esperando y esperando en la puerta y no conseguir tu autógrafo! ¡Pienso que eso es más ingenioso!, ¡subirse a los árboles y susurrar ‘¡oe, güeki, güeki!‘. Jamás vi algo como eso en ninguna otra parte (risas). ¡Aún recuerdo las masas cuando tocamos con Slayer! Tenían está cuestión gigante de festival al medio de la nada, con calor y todo, ¡y los aficionados vueltos locos corriendo por las calles!, esperando los buses, gritando. ¡Fue increíble!

Helloween

EL NÚMERO MÁGICO, RELIGIOSO Y DIVINO: “NUNCA SERÁ MALO MOSTRAR EL SIETE EN VEZ DE ANDAR CON EL 666 POR TODAS PARTES”

Michael, ahora que presentan temas del nuevo esfuerzo, ¡hablemos un poco del lanzamiento! 7 Sinners (2010) y los Keeper of the Seven Keys tienen en común el número siete. Eso, sin contar que hay siete anillos en el Master of the Rings (1994), ¡y sin contar que naciste un siete de agosto (risas)! En una entrevista señalaste que es un número como mágico. ¿Qué importancia tiene el siete para Helloween?

Obviamente es muy importante. Lo tuvimos en lo del Seven Keys, en lo que sea, y yo tengo una conexión muy fuerte con ese número, claro. No es sólo un número mágico, también es uno religioso, uno divino, está escrito en la Biblia, y no sé lo que es, pero por eso quería una estrella de siete puntas para usarla en el tour y en el artwork, por mostrar algo distinto nomás. Salir con un pentagrama era como ‘OK, es una magia poderosa, ¡sólo que el siete es otra cosa!, diferente’. En el fondo, buscamos algo que se relacionase con el cielo, si muestras por ahí una estrella de siete puntas, ¿no?, y diría que ha sido una experiencia muy positiva hasta el momento, las cuestiones han salido con fluidez. O sea, siempre hay más trabajo que la cresta involucrado, harto stress en la preparación de una gira como esta, sin embargo, para un álbum como este, nunca será malo mostrar el número siete en vez de andar con el 666 por todas partes. Depende de lo que esperas, de lo que anhelas en tu vida, ¡y supongo que para cierta gente el 666 puede ser muy bueno!, ¿ah?, sólo que para nosotros el siete me imagino que es mucho más poderoso, que es mucho más acorde a lo que somos. Me provoca curiosidad ver a dónde nos llevará este asunto, puesto que la gira todavía no concluye, abordamos algunas cosas sobre el siete y lo que puede hacer, ¡y todavía no concluye!, entonces nos encontramos en el proceso de vivir lo que puede ser o es, ¿no?, y hasta ahora ha ido bastante bien.

Charlie Bauerfeind (Blind Guardian, Rage, Hammerfall) ha producido todos los discos recientes de Helloween. Sucede que Gambling with the Devil (2007) y 7 Sinners están entre el material más pesado de tu carrera. ¿En qué medida él es responsable de tal giro?

Bueno, o sea, él apoya determinadas direcciones de la banda, en la banda, y lo que hace la banda, y también asiente cambios particulares o, mejor dicho, la modernización de la música de Helloween hasta un cierto punto, y desde su punto de vista Charlie dirá ‘sí, pero eso no es Helloween, ¡es demasiado moderno!’, o ‘¡esto es demasiado old-fashioned para Helloween!’, da igual. Tiene una visión propia acerca de las cosas, aunque no por ello intenta meterlas por debajo. Él es muy directo en lo que nos dice y si no está de acuerdo con algo… (titubeos) bueno, ¡lo que por lo general no ocurre!, se detiene en los tonos simplemente. No le gustan los tonos incorrectos y es muy, muy estricto en las melodías y la interpretación. Lo que terminas escuchando en el registro entonces no son los tonos incorrectos, ¿me entiendes?, se mete en las escalas y se pone muy, muy crítico cuando llegas con un acorde en particular y haces un tono ahí… ¡hemos tenido muchas discusiones sobre aquello!, ¿ah?, si son menores, ¡o mayores! Tiendes a equivocarte un poco como compositor, escribes una canción y luego no te interesas en demasía sobre lo que sea, y luego tocas con tu guitarra encima, y luego Charlie toma eso y te demuestra que hiciste algo mal, lo más probable, ¿no?, y viene con una solución como ‘sería correcto si tocas esto en lugar de lo otro, ¡y todavía sonará bien!’. De eso se encarga, ¿ya?, además de crear ese sonido directo por el cual es famoso. Conoce a Helloween de hace mucho, mucho tiempo y el trabajo con él resulta buenísimo porque es muy efectivo con el tiempo y los plazos, no le gusta sentarse por ahí y hacer nada, ni tampoco probar en exceso. Es mitad productor de grabación y mitad… y (silencio), mira, no le agrada arreglar demasiado las cosas si no es necesario, pero sí va donde personas como Matthias Ulmer para arreglos y lo demás, para tareas en las que no quiere perder el tiempo, y en el fondo es grandioso, Matthias Ulmer ha estado en la música por años y puedes hacer muy buen uso de lo que ofrece, tiene una gran amplitud de ideas acerca de lo que es posible realizar, ¡hasta mejores que las que tú mismo traes! Buscamos eso por bastante tiempo, desde que dejamos de trabajar con Tommy Hansen (Keeper of the Seven Keys Part I & II, Master of the Rings, Time of the Oath). Hubo entonces como un bache creativo en alguna parte del framework del proceso musical que debía cerrarse con Charlie y Matthias Ulmer, ocupándose de tales detalles. A ratos es necesario ya que cuando quieres grabar, quieres elaborar conceptos musicales o da igual, es muy importante que las cosas salgan bien. No es lo mejor llegar al estudio como un grupo de jardín infantil y entregar imbecilidades, imbecilidades musicales, y él se encarga, sólo que no desea poner su nombre debajo. Es muy alemán para lo suyo y tiene muy claro lo que quiere y lo que no.

Helloween

SALUDO A CHILE: “SIEMPRE SUENAS COMO UN ESTÚPIDO CUANDO DICES TALES PALABRAS, ¡PERO ASÍ ES EN REALIDAD!”

Uf, Michael, ¡gracias por esa completa respuesta! Por otra parte, cada fan cuenta con sus placas y pistas favoritas de Helloween. Si tuvieras que tomar tu álbum y tema predilectos, ¿cuáles serían?

Ahí hay un problema: ¡yo no trabajo así! Antes que nada, no es justo hacerme elegir uno de mis propios tracks y hacerme decir ‘oh, ¡me siento muy orgulloso de ese!’. ¡No te ayuda para nada si deseas poner alguno en la radio o donde sea!, ¿ya?, pues la gente saldría como ‘oh, ¡por favor!, ¡sólo dí algo!’. Y por otro lado, la verdad es que hay demasiados que encuentro grandiosos. Cosas que ha hecho Kai Hansen creo que son muy buenas, u otras que Sascha (Gerstner) ha hecho, ¡o incluso que Roland Grapow ha hecho!, ¡y qué decir de (Andi) Deris!, ¡todo eso!, por lo que es muy, muy complicado para mí, ¡si tenemos un espectro enorme! Me sería imposible poder salir y escoger uno y asegurar ‘sí, ¡pienso que ese es el mejor!’, ¡cero opciones! No sé, ¡quizás cuente con 15 variaciones de lo que podría ser lo mejor que hemos sacado! Me las juego por eso, que justamente es lo que me hace sentir feliz y orgulloso”.

Bueno Michael, ¡muchas gracias por tu tiempo! Al final, ¿qué mensaje te gustaría dejar a la fanaticada chilena que irá al show del 29 de abril?

Siempre, ¡gracias por ser tan leales y por el apoyo a través de TODOS estos años!, ¡sea lo que sea que signifique! A ver, siempre suenas como un estúpido cuando dices tales palabras, puesto que los fans después pensarán ‘YA, YA, ¡todo porque debía decirlo nomás!’, ¡pero así es en realidad! O sea, supongo que todos en Chile tienen mejores cosas que hacer que asistir a un concierto de Helloween… ¡si nosotros no le damos esperanza a la gente!, o ya sabes, ¡sueños!, ¡ni fantasías!, ¡ni nada! Entonces, ¡algo bueno tiene que haber en la música que tocamos ahora y en el país que ustedes tienen! Me imagino que existirá alguna especie de coordinación entre las dos cosas, dado que los seguidores de allá siempre han sido muy críticos, con sus impresiones, con sus ideas, comentando ‘¿pueden hacer esto?, ¿pueden hacer lo otro?, ¡queremos esto!, ¡queremos lo otro!’, y… ¡eso! O sea, ¡es un país muy recto!, ¿no?, y muy interesado, y no puedes decir eso de todos y cada uno. Claro, las personas son distintas, aunque ustedes siempre logran tratar a todos y a cada uno de la manera que ella o él son. Chile ciertamente tiene su identidad con la que no puedes equivocarte y debes conocer al menos un poco. Siempre será grandioso ir para allá, ¡es un honor tremendo! ¡Gracias por la entrevista y tu tiempo!

Afiche: Helloween - Stratovarius (29 de Abril - 20:00)

Justo cuando su primera visita a Chile se acerca, Kamelot  enfrenta una crítica incertidumbre. Tras el exitoso estreno de Poetry for the Poisoned en el segundo semestre del 2010 y ad portas de una ambiciosa gira mundial, Khan cae enfermo en un colapso anímico que obliga a los músicos a darle un descanso de dos meses.

En diciembre, “asumimos que Roy se encontraría mejor”, según palabras del mismo líder, Thomas Youngblood. Lamentablemente, el vocalista imposibilitado incluso de contestar llamados y correos debido a su crisis, tuvo que anunciar que esta vez no podría subirse al tour mundial, que al fin avisoraba a Chile entre sus planes, luego de años de espera.

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El conjunto enfrentó la situación haciendo contacto con el popular frontman de Rhapsody Of Fire, Fabio Lione, y las bellas Simone Simons (Epica) y Elize Ryd (Amaranthe) para conformar un equipo en vivo que cubre todos los rangos vocales del noruego. Este line-up ya está ensayando en Florida, Estados Unidos, y la escena metalera mundial tendrá sus ojos puestos en Chile el próximo siete de abril, cuando Kamelot 2011 haga su vertiginoso estreno en el Teatro Teletón, antes que en ningún otro lugar del planeta.

Desde la ausencia de Khan sin embargo -por su silencio y también el de sus compañeros- las especulaciones acerca de su verdadera condición han tomado vuelo en la red, entre comentarios preocupados por su estado de salud y declaraciones enfadadas por su mutismo. El rumor más apremiante lo dio un cercano los músicos, el productor del festival ProgPower de Atlanta, quien aseguró que el verdadero motivo del receso de Khan iba más allá de una enfermedad, que “la abrupta decisión” se debía a que “simplemente había encontrado la religión”, llenando su vida y alejándolo de todo aquello que semanas antes, era prioridad en su vida.

Quien hasta ahora se reservaba el derecho de no hablar sobre el tema había sido el mismo Thomas Youngblood, que luego de meses se atrevió a tomar el teléfono y referirse por primera vez al incómodo escenario. ¿Cuán ciertas son las versiones?, ¿qué decisiones va a tomar?, ¿cómo está su relación con Khan? PowerMetal.cl tiene la exclusiva.

Audio Interview with Thomas Youngblood:


Entrevista completa:

LIONE AL RESCATE: “EL REGISTRO DE ROY HA DISMINUIDO, POR LO QUE UNA CANCIÓN COMO NIGHTS OF ARABIA NO ES PROBLEMA PARA FABIO”

La fecha en Chile, del siete de abril, será de hecho la primera de Kamelot con Fabio Lione (Rhapsody of Fire) como voz líder, y con esta especie de alineación de “emergencia”, si quieres llamarla así (risas). ¿Qué importancia tiene para tí esta gira sudamericana y, en particular, el debut en Santiago?

¡Sí!, ¡será el primer show (entusiasmado)! Estaremos haciendo algunos ensayos aquí en Florida antes de eso, claro, aunque ya he escuchado ciertos temas con Fabio, ciertos temas de Kamelot como Ghost Opera y los canta bien distintos comparado a cómo lo haría en Rhapsody (of Fire), lo que cobra sentido por supuesto, es otro approach hacia las voces. Pero… o sea, las canciones… tocaremos las canciones que los fans quieren oír. Simone Simons (Epica) vendrá con nosotros y Elize Ryd de Amaranthe aparecerá allí igual, así que realmente será un concierto único y especial creo yo. Obviamente, no es lo que habíamos planeado en un comienzo. Ahora hacemos lo que pensamos es mejor para concretar el tour, ¿sabes?

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Mencionaste que Fabio canta de otra forma las pistas. Lógico, él tiene un estilo más agresivo y enérgico, mientras que el de Roy es más sofisticado, oscuro, refinado. Ahora que comenzarán a ensayar, ¿cómo crees que saldrán Abandoned con Lione por ejemplo?

La verdad es que Fabio posee una voz muy versátil. En Rhapsody le pone más vibrato a sus vocales y las melodías son diferentes, pero cuando canta en Kamelot… ya sabes, es melódicamente diferente, y además su registro es muy distinto. Si escuchas algo de Vision Divine o del material que ha lanzado, ¡es un poco más cercano a lo que hacemos con Kamelot!, ¡entonces me siento muy seguro de que será capaz de realizar una labor asombrosa con el repertorio! La idea de llamarlo vino de Sascha Paeth, nuestro productor, quien también produce a Rhapsody. Él lo sugirió, dado que ya había trabajado con Fabio, y ya conocía sus capacidades. Pero obviamente, el alto registro que puede alcanzar con canciones como Centre of the Universe o Nights of Arabia… son canciones que nosotros (silencio)… pienso que a través de los años, el registo de Roy ha disminuido, por lo que una canción como Nights of Arabia no es problema para Fabio. Vamos a incluir temas que no hemos podido tocar en años, y que me imagino los fans siempre han querido escuchar. Al mismo tiempo, ¡es un frontman asombroso!, que aporta otra dimensión… y será emocionante ver, ya sabes, a un tipo diferente manejando la nave, y estamos motivados con eso. Obviamente, ya sabes, si Roy estuviera mejor y de verdad estuviera con ganas de girar… eso era lo que esperábamos, ¡pero no es el caso!, entonces haremos lo que hay que hacer nomás, ya sabes, ¡lo mismo!,  ¡el show debe continuar!

Lo curioso es que Kamelot, siendo que es una banda estadounidense, se acostumbró a tocar con vocalistas cuya lengua madre no es el inglés, y Fabio en especial tiene un acento italiano muy fuerte cuando canta en tu idioma. Entendiento que eres norteamericano, ¿cuán cómodo te sientes con un sujeto de Italia haciendo tus temas con su acento, con su pronunciación, con sus baches?

(Risas) bueno, como te dije, ya hizo un par de canciones y obvio que hay algo de acento, pero nada como… a mí no me molesta para nada. Solía escuchar a Klaus Meine  de Scorpions, y cuando lo oyes con su acento germano del inglés, percibes un sabor distinto, ¿no?, dándole una especie de feeling medio exótico. Ya sabes, pudimos haber escogido un cabro norteamericano que cantase inglés perfecto, sin embargo va más allá de sólo el acento inglés, se trata más bien de ser un frontman grandioso capaz de entregar las canciones, cantar las canciones con el registro adecuado. Tales factores para mí son más importantes que un pequeño acento por aquí o por allá.

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“AL GRUPO LE ENCANTA ACTUAR, NOS ENCANTA SALIR DE GIRA Y NO SÉ SI ROY PERDIÓ AQUELLO”

Recuerdo que primero ensayaron con el vocal de Circus Maximus, el noruego Michael Erikssen, no obstante, sólo realizaron una presentación con él en Atlanta, en el reconocido ProgPower. ¿Por qué no funcionó un tour mundial con Erikssen, y sí con Lione?

Bueno, Michael tuvo una guagua recién y no pudo comprometerse para hacer ningún tipo de gira con nosotros. Hará un show en Oslo con nosotros eso sí. Al momento del tour por los EE.UU., contamos sólo con tres días para ensayar, mientras que con Fabio tendremos un par de semanas de ensayo… y como te decía, creíamos que Roy podría ser capaz de girar al momento de irnos a Sudamérica, así que pensamos ‘OK, pospongamos el tour por los EE.UU., démosle a Roy un par de meses de descanso y todo volverá a la normalidad’. Bueno, ¡ese no fue el caso! No hubo nada en particular con respecto a Michael que no funcionara, sólo sentimos que no había tiempo suficiente para realmente hacer la gira completa con él… y (silencio), asumimos que Roy se encontraría mejor en ese entonces, ¿me entiendes? ¿Sabes?, lo más probable es que realicemos otro tour europeo en diciembre y que tengamos a otro cantante, a uno diferente, así que no queremos casarnos con un solo vocalista para esta especie de “parche”. Si por alguna razón Roy no vuelve, tendremos por supuesto que dar con la solución de buscar otro cantante permanente aunque para estos conciertos, esta gira y todas las demás para el nuevo álbum… ya sabes, sentimos que contamos con el lujo de escoger lo mejor de lo mejor, y eso es lo que haremos.

Roy ha tenido que lidiar con estos trastornos de depresión que el año pasado terminaron por provocarle un colapso severo. Él ha vivido con esta condición por un buen tiempo. ¿Cuán por sorpresa les tomó la situación cuando optaron por darle ese time off de dos meses, y que después no fuera capaz de actuar en vivo por el resto de ciclo de promoción de Poetry For The Poisoned?

Bueno, obviamente, toda la banda por supuesto que está muy decepcionada por el hecho de que no gire con nosotros, ¿sabes? O sea, pienso que todos en un punto de sus vidas sufren un pequeño colapso, independiente si eres programador de computadores o… no importa, lo que sea que hagas. Sin embargo esto es lo que hacemos, esto es lo que amamos hacer. Al grupo le encanta actuar, nos encanta salir de gira y no sé si Roy perdió aquello, como en su corazón, en cuanto a lo que le gusta hacer. Sé que existen otros asuntos, ¿cierto?, sé que existe un aspecto religioso teniendo que ver con esto ahora, que en realidad no puedo explicar en un ciento por ciento. Hubo un montón de factores, aunque obviamente lo esperamos y le dimos el tiempo libre que creíamos adecuado, para que pudiera estar listo y hacer la gira sudamericana y después la europea. Y… ya sabes, obviamente estábamos decepcionados y… mira, no voy a mentir al respecto: ¡me enfadé un poco!, pero a la vez todos juntos en el grupo decidimos ‘oigan, ¡no nos detendremos!, tenemos un nuevo disco y queremos ir a Sudamérica’, ¡y eso es lo que estamos haciendo ahora!

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YOUNBLOOD CONFIRMA RUMORES: “SÉ QUE (ROY) HA ESTADO ASISTIENDO A CLASES DE RELIGIÓN”

¿Y cuándo viste venir esto del colapso anímico de Khan? Leí que comenzaron a ensayar con Roy para la gira mundial del Poetry For The Poisoned y ahí optó por tomar un break. ¿Cuándo vieron venir esa fase de crisis de su trastorno?

Ahmmm (silencio). O sea, como que surgió de la nada en realidad. Sé que luego del último show que dimos en un festival de Hungría tuvo como una suerte de… un poco de… algo raro en el avión, volando de vuelta a casa, y además sé que durante ese período entre el tour por los EE.UU. y ese último festival se quejaba por, ya sabes, falta de sueño y ese tipo de cuestiones, pero… ahmm, honestamente como salió como de repente, ¿no? Fue a doctor y le aconsejó que tomara un mes de descanso, y ese mes se transformaron en dos, y ahora esos dos meses se han convertido en… ¡lo que sea!, ¿me entiendes? Entonces (silencio), para nosotros como que surgió de la nada, en serio, de verdad no me imaginaba que una situación así ocurriría.

Algo a lo que ya te apuntaste fue a esos trascendidos, a esos rumores sobre lo que de verdad pasa con Roy en este mismo minuto. El productor del ProgPower, Glenn Harveston, escribió en un foro que Khan “sencillamente había encontrado una religión” y que la banda “ya no era su prioridad”. Luego de tantos años trabajando con el cantante, ¿en qué momento fuiste capaz de anticipar que Roy empezaba a perder interés, o motivación en la música?

Bueno, yo sé que… (pausa) cada vez que teníamos un día libre, o un par de días libres en Europa, él necesitaba volar a casa, lo que me parecía como medio extremo, volar a casa… esa fue como una especie de señal con la que debí haberme dado cuenta de que las giras quizás ya no eran lo suyo, pero… pfff… lo del aspecto religioso es algo que prefiero que él cuente la firme y se refiera a ello, aunque tengo entendido que… (silencio) sé que ha estado asistiendo a clases de religión por algún motivo, ¿sabes?, y nosotros… o sea, obviamente que en el transcurso de los años que trabajamos juntos, siendo mejores amigos a veces y cosas por el estilo, discutimos todo tipo de temas acerca de la religión, ¡por lo que en realidad me sorprende muchísimo que ahora estemos aquí con él metido! ¿Sabes?, la verdad es que no quiero hablar mucho más de esto, es algo que él debería explicar encuentro yo, en términos de qué es lo que cree, en qué no cree, ¡lo que sea!, ¿no? Lo único que puedo decir es que hoy la banda está unida y que… pfff…, ¡no nos detendremos!, ¿me entiendes?

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Y con esto pasando ahora Thomas, ¿cuán real es la posibilidad ahora de tener que buscar un nuevo frontman?

No quiero ni siquiera pensar en eso en realidad hasta que finalice el ciclo de las giras. Lo único que puedo decir es que no lo voy a echar, esa no es mi posición… o sea, ¡sí es mi posición!, sin embargo no lo haré. Al igual que Glenn (Barry, ex bajista), si Roy decide que no quiere seguir más en esto, ya sabes, tendrá que hacer un anuncio. Ahora mismo, la acción más inteligente, la cosa más compasiva será darle simplemente tiempo hasta el próximo disco, cuando de verdad comencemos a trabajar fuerte en el próximo disco. Si en ese entonces no se encuentra listo para trabajar o no quiere trabajar, tendremos que considerar la opción de dar con otro cantante, lo que obviamente será algo que estaremos dispuestos a hacer si debemos.

“PRESENTAREMOS CANCIONES QUE QUIEREN ESCUCHAR DE LOS ÁLBUMES ANTIGUOS”

Volviendo a la gira por Sudamérica y al primer concierto de ustedes en Chile, del siete de abril. Entiendo que la escenografía tiene un ambiente más teatral, visuales más potentes que antes. ¿Cómo describirías la vibra del nuevo show de Kamelot, sin dejar de considerar que aquí, en esta parte del mundo, cuesta bastante viajar de una ciudad a otra con toda la producción y equipos en los aviones?

Sí, o sea, obviamente que para Sudamérica habrá que hacer un show distinto al de Europa. O sea, todo se arma en Europa, en cuanto a nuestra producción, en cuanto a la pirotecnia; la iluminación por lo general la sacamos desde Alemania así que, ya sabes, el tour europeo será distinto a los demás. Lo más probable es que los conciertos sean más grandes que los de Estados Unidos. En todo caso, siempre llevamos cierta actitud, siempre llevamos cierta atmósfera, ¿no? Mi meta siempre será que la gente se vaya sin poder esperar a que regresemos, ese es mi verdadero objetivo, sin importar que toquemos un show ante mil personas, ¡o ante 50 mil personas! Queremos asegurarnos de que la gente no pueda aguantar a que regresemos, por lo que damos todo en el escenario y creo que para los fans en Chile va a ser entretenido, ¡si nunca hemos tocado allá!, y presentaremos un montón de canciones que quieren escuchar -pienso yo- de los álbumes más viejos, además de un puñado de las más nuevas.

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Acabas de decirme que disfrutas tocar ante 50 mil personas, ¡y eso ocurrirá en Argentina o incluso más!, donde abrirán a Iron Maiden. ¿Cuán diferente será el repertorio de Santiago, comparado al de ese show con la doncella en Buenos Aires, en términos de setlist y experiencia?

Claro, el setlist va a ser un poquito más corto, quizás de una hora en lugar de hora y media como en Chile, más o menos. Teloneamos a Iron Maiden antes, en Holanda, y habíamos oído bastantes historias de seguidores suyos que eran bien complicados, pero lo cierto es que terminó siendo una de nuestras actuaciones favoritas, la multitud fue asombrosa, por el hecho pienso yo que me siempre me influenció el material de Maiden, harto. ¡Y lo otro que pienso es que Fabio hará un trabajo fantástico como frontman con la audiencia de Maiden!, ¿sabes? El repertorio será distinto, puede que sea un poquito distinto, ¡aunque trataremos de repartir todas las patadas en el culo que podamos!, ¡y convertir a esos fans en seguidores de Kamelot!, a aquellos que nunca han sabido de nosotros antes. Claro que es un lindo desafío y es como cuando tocas en Wacken, ¿me entiendes?, frente a 100 mil personas y, no sé, no todos están ahí para verte a ti. Es un lindo desafío, te mantiene hambriento, te mantiene… ya sabes, comprendiendo que no puedes salir nomás ahí y dar el 50 por ciento, ¡sino el ciento por ciento sin faltas!

¡EL RECITAL EN CHILE ES UNO DE LOS MÁS ANTICIPADOS!

Y aquello veremos en Santiago. Thomas, siempre quise preguntarte lo siguiente: temas como Until Kingdom Come del The Fourth Legacy, Forever del Karma o Love You To Death del Ghost Opera, todos tratan sobre el amor y la tragedia, con un protagonista incapaz de superar el dolor o la perdida de su mujer fallecida, y lo posible es que varios se sientan reflejados con tales historias, como el fin de una relación, o incluso la muerte de la mujer que uno ama. ¿Cuál es la verdadera fuente de inspiración de esas composiciones oscuras y románticas?

Sí. Me parece que después de The Fourth Legacy realmente empezamos a imprimir un poco más de nuestras influencias personales dentro de las temáticas de los “guiones”, aunque fuese una canción sobre ciertos significados históricos dado que igual, siempre hay una especie de metáfora de nuestras propias vidas privadas, como en la trilogía Elizabeth (de Karma), que en el fondo es una declaración acerca de la vanidad y cómo la gente le pone tanto énfasis a los looks, estilos y formas… y ya sabes, está la canción Don’t You Cry, sobre mi padre. Recién hicimos Hunter’s Season, que la dediqué a mi mamá. Y con tracks como Love You To Death pienso yo que todos podemos sentirnos identificados, ¡lo que acabas de decir!, historias de pérdida, sea una novia, tu esposa o un ser amado, tus padres, tus hijos, no importa. Este tipo de cosas por lo tanto son relatos clásicos con los cuales las personas se pueden sentir identificadas, y me imagino además que los mismos compositores pueden más o menos ayudar con aquellas situaciones, ¿cierto?

kamelot

Thomas, se acabó mi tiempo. Quiero agradecerte mucho por tu tiempo, y los esperamos el siete de abril en Santiago. ¿Qué les dirías a los fans chilenos que comprarán sus entradas para apoyar a la banda en vivo, aunque esperando que Kamelot regrese en un futuro con Roy Khan al micrófono?

Bueno, primero, quiero darles por supuesto todas las gracias por el apoyo que hemos recibido de cada uno, ¡en todas partes del mundo!, y creo que ahora, ya sabes, enviaremos una declaración enorme en el primer concierto, ¡el de Chile será totalmente una patada en el trasero! Todos estarán ahí por un único motivo: ¡pasarlo grandioso!, ¿no? Y siempre he dicho que Kamelot no se trata sólo de los individuos del grupo, ¡sino también de los fans!, ¡todos somos parte de esto! Y ya sabes, si a mí me reemplazan, o al vocalista o a quien sea, ¡Kamelot seguirá adelante! Eso es realmente importante que los fans lo comprendan, que igual son parte del conjunto. Esa es una de las cosas que tratamos de llevar a los shows, y aquello es lo que hace especiales nuestros conciertos encuentro yo. ¡Todo lo que puedo decirte es que el próximo recital en Chile es uno de los más anticipados de la banda (risas)!, ¡en un largo, largo tiempo!, y ya tengo ganas de ir.

El líder de Astral Doors conversó con PowerMetal.cl sobre el presente de la banda y los conceptos detrás de Requiem Of Time y Testament Of Rock, sus últimas placas. Comentó además de sus proyectos paralelos como Lion’s Share y Wuthering Heights.

Te invitamos a ver lo que nos contó Nils Patrick Johansson.

Entrevista con Nils Patrik Johansson

En primer lugar, no puedo evitar preguntarte cómo diablos es que haces para administrar tu tiempo con tanta banda, pues participas en Astral Doors, Lion’s Share, Wuthering Heights y Purple Rain. Eso es mucho trabajo, ¿no?

Bueno, en realidad no es tan complicado. Verás, Purple Rain dejó de existir hace poco y con Wuthering Heights hacemos un disco cada tres años aproximadamente, así que eso no es problema tampoco. Con lo de Lion’s Share y Astral Doors es una historia distinta eso sí, porque de verdad tengo que sincronizar mi tiempo para no agendar cosas para el mismo día, por ejemplo. Por el momento me las he arreglado bien para estar en las dos bandas, pero veremos qué nos trae el futuro, jaja.

Estoy seguro de que has oído en más de una oportunidad acerca de las comparaciones que existen entre tú y Ronnie James Dio a causa de sus voces, ¿pero cómo te sientes con eso?

Es sencillamente un honor que te comparen con Dio (QEPD). Como músico, estoy fuertemente influenciado por él, así como por Tony Martin, David Coverdale y muchos otros, como Blackie Lawless, un subvalorado vocalista que de verdad me encanta. Sin embargo, la mayor parte de la gente me compara con Dio, así que asumo que es simplemente porque mi voz les recuerda a él. Y bueno, como te decía, es genial: un GRAN honor.

Nils Patrik JohanssonEl año pasado Astral Doors lanzó Requiem Of Time. Cuéntanos cómo le ha ido al disco en términos de recepción.

Sólo he oído comentarios positivos de parte de nuestros fans, lo cual se siente genial. En lo personal, de verdad amo este disco, y escuchar que a los fans les ha gustado significa un montón para mí.

¿Sería posible que nos cuestes acerca de lo que pasó con Martin? Dejó la banda justo después del lanzamiento del disco, lo que fue bastante sorpresivo.

Sí, de cierta forma para nosotros como banda no fue tan sorpresivo e inesperado que dejara el grupo. No parecía que él tuviese su corazón en la banda y todos lo notamos. Entonces, cuando dijo que ya no quería seguir, no nos sorprendió. Claro, nos apenó mucho que tuviese que irse, pero al mismo tiempo trajo nuevas energías para banda. ¡Nos sentimos más fuertes que nunca!

Ustedes han estado juntos por al menos ocho años. Exceptuando el caso de Martin, la alineación se ha mantenido igual durante todo este tiempo, algo que la mayoría de las bandas no puede decir. ¿Cuál es la clave para esto?

Es muy sencillo: la clave es que somos muy buenos amigos. Somos un simple montón de tipos que les gusta tomar cerveza y tocar Heavy Metal. Pero tienes razón, eso es algo que no muchas bandas pueden decir.

Hablemos de Requien Of Time con algo más de detalle. Ante todo, cuál es el significado del título de la placa?

El significado es que de verdad estos días en los que nos tocó vivir parecen un réquiem para el tiempo: algo así como la última canción para la humanidad. La tierra está siendo destruida y hay guerra en todas partes. Oye… ¡Al Gore debería comprar este disco! Jajaja…

Astral Doors

¿Podrías explicarnos algunos de los conceptos presentes en el disco?

El inicio, Testament of Rock, es una especie de celebración a nosotros mismos y es para nuestros fans. También es acerca del hecho de que la banda nunca ha tenido mucha atención de parte de los medios; sabemos que el tiempo probará que nuestra música está entre lo mejor que se haya hecho en el Heavy Metal, nuestro testamento será descubierto por las masas algún día. Otra canción bastante genial es la pesada St. Peter Cross, que es acerca de la inversión de la cruz, y del hecho de que Pedro fue crucificado cabeza abajo. Así que para los católicos, esto es todo un símbolo. Sin embargo, los adoradores de Satanás la han vuelto también todo un símbolo. Y bien, podría seguir por la eternidad, porque cada canción tiene su propia historia, pero lo mejor es que cada oyente se haga su propia imagen con los significados de cada canción.

¿Qué canciones destacarías de este album?

Me encantan todas las canciones, en serio, pero mi favorita es sin duda la épica, hermosa y muy pesada When Darkness Comes. De verdad viene de las profundidades más oscuras de nuestras almas. En cuanto a lo lírico, se puede decir que es como el título del álbum. ¿La verdad? Creo que podría mencionarte todas las canciones, jajajaja. La canción tipo fiesta alemana de salón cervecero Power And The Glory es otra de mis favoritas, muy ganchera, pero muy, ¡muy pesada!

¿Quién está a cargo del proceso de composición? ¿La banda completa?

Astral DoorsJohan, Joachim y yo escribimos las canciones. Martin escribió algunas también, pero el trío dinámico hemos sido siempre nosotros tres. Ahora bien, todo lo que es letras y melodías vocales, ¡lo escribe este servidor!

¿Qué diferencias ves entre este álbum y el material que creó Astral Doors al inicio de su carrera, por ejemplo, Of The Son And The Father?

El álbum debut fue un clásico del Hard Rock a la Black Sabbath, Rainbow y Dio. Aún tenemos algunos elementos de nuestros inicios en nuestra música actual y creo que siempre los tendremos. Sin embargo, algunas influencias más modernas pueden verse en este último disco. Siempre hemos sido fanáticos del Power Metal alemán y pienso que Requiem Of Time es la mezcla máxima entre Power Metal, Heavy Metal y el Hard Rock clásico.

¿Eres del tipo de músico que se preocupa por las críticas (sean buenas o malas)? ¿Cómo han sido éstas en el caso de Requiem Of Time?

La verdad, trato de no leer reviews. Los reviews y los medios en general son muy, muy importantes para una banda. De todos modos, según me cuentan, 99% de los reviews sobre Astral Doors han sido realmente muy buenos. Aunque para serte honesto, no me causa ningún tipo de dicha leerlos, jaja. Confío en mí y en mis instintos, y jamás lanzaría algo con lo que no esté realmente conforme. Así que… mientras crea en lo que hago, no necesito la opinión de los demás. ¿Entiendes lo que digo?

Oye! Hace poco nos enteramos de que tu hijo Nils Fredrik tiene su propia banda, llamada Tuck From Hell, y que les está yendo bastante bien con su debut Thrashing. ¿Cómo te sientes con esto? Quiero decir, no es una situación común en la escena.

¡Uf! Me siento de verdad muy feliz por los chicos. He seguido a Tuck desde que comenzaron y han progresado un montón. Son músicos de Thrash realmente brillantes, pero tienen esta actitud media “punk” que hace su música muy loca e interesante. Ellos han sido teloneros tanto de Lion’s Share y Astral Doors, y con semejantes teloneros, de verdad tenemos que esforzamos un montón para no hacer el ridículo en el escenario, jajaja. Ojalá que los thrashers del mundo puedan echarle una escuchada sus disco debut, que en serio es uno de los mejores disco de Thrash que yo haya escuchado en la década.

Fredrik - Patrik

¿Qué estás haciendo actualmente y qué es lo próximo para Astral Doors?

Bueno, yo siempre estoy haciendo algo, jaja. En este momento me encuentro ensayando para un par de presentaciones que haré en Noruega con Rowan Robertson. También estoy escribiendo canciones para Lion’s Share y Astral Doors: ambas bandas estarán lanzando discos dentro de un año o algo así. Y también se vienen algunos otros proyectos por diversión, jaja.

¿Algún plan de visitar Latinoamérica en el corto plazo? Me parece que tienen un buen puñado de fans aquí en Chile y nos encantaría verlos en vivo. ¿Alguna oportunidad?

¡Nunca se sabe! Vaya que nos encantaría visitar Chile y Latinoamérica en un tour o aunque sea por un par de conciertos. ¡¡Sólo estamos esperando una oferta que no podamos rechazar!!

Quisiera aprovechar esta entrevista y preguntarte acerca de Wuthering Heights. Acaban de lanzar Salt, un muy buen disco en mi opinión. ¿Crees que es lo mejor que han hecho como banda hasta el momento?

Es un muy buen disco, con muchas grandes canciones, y estoy muy contento con mi voz también. ¿Es Salt el mejor disco que hemos hecho con Wuthering Heights? Uf, es demasiado pronto como para poder decirlo. Recuerda que también hicimos Far From the Madding Crowd con ellos hace unos años, y en mi opinión, es uno de los puntos más destacados de toda mi carrera y probablemente uno de los mejores disco de Folk Metal de todos los tiempos. Así qué… dame un año o dos, entonces te podré decir si Salt es así de bueno.

Astral Doors

Gracias por todo Nils, ¿algún comentario para los fanáticos de Astral Doors y para los lectores de PowerMeta.cl?

Bueno, gracias por el interés y por la oportunidad. Espero verles a todos en un tour algún día: ¡les aprecio mucho y gracias por todo!

El sexteto santiaguino, compuesto por Jaime Contreras (voz), Patricio Solar, Melvin Poblete (guitarras), Sebastián Coulon (bajo), Pascal Coulon (teclados) y Rodrigo Villena (batería) se encuentra ad portas de lanzar su tercer largaduración, a llamarse “All-In”. PowerMetal.cl se contactó con la banda a fin de que nos contaran cómo va el proceso del lanzamiento de su nueva placa.

SteelRage

Primero que todo, es un gusto estar con ustedes muchachos. Cuéntennos acerca de «All-In», el que será el tercer LP de la banda… cuéntennos del proceso creativo, y de dónde viene el título, ¡supongo que tiene que ver con el póker!

Melvin: Bueno, el proceso creativo fue muy bueno, conectando varias influencias y tendencias musicales de todos los compositores, donde los riffs son muy variables y los temas verdaderas canciones, como siempre nos han gustado. El disco se viene muy variado y muy mejorado, espero que lo adquieran.

Jaime: Un gusto también conversar contigo y con PowerMetal.cl. Yendo a la pregunta, puedo decirte que como pocas veces hemos tenido los recursos como para trabajar con anticipación los temas. Todo lo maqueteamos y tratamos de buscar el mejor sonido. “Sacrifice” es un adelanto del que yo creo será el disco más duro de SteelRage. Y sí, “All-In” significa, además de lo del póker (juego del que soy un gran fanático) el hecho de que en general no tienes idea de si éste puede ser el último disco de la banda. Entonces te la tienes que jugar con todo, tratando de entregar lo mejor. Y creo que si “Double Life” nos dejó satisfecho, este trabajo nos tiene, además, muy contentos.

¿Ha sido muy complejo el proceso de grabación? ¿Quién trabaja en la producción?

Pascal: El proceso de grabación no ha sido muy complejo ya que la mayoría de los temas los teníamos maqueteados y los veníamos ensayando hace un par de meses, lo cual no quitó que las canciones sufrieran cambios, algunos tan radicales como la melodía vocal, la letra, toda una sección de un tema, etc. El hecho de que llegara Sebastián como bajista no tuvo influencia en la grabación, de hecho fue un gran aporte a esta y siempre aportó ideas… A cargo de la producción están Patricio y mía, aunque la mayoría de las decisiones se tomaron en conjunto con la banda.

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¿Qué podemos esperar musicalmente de «All-In», cuán distinto es respecto a Double Life? ¿Para cuándo podemos esperar el disco en las tiendas?

Jaime: Como te decía anteriormente, éste es el disco más heavy de SteelRage. Las canciones son directas y con harta onda. Para “Double Life” nos demoramos harto tiempo en crear y grabar. Ahora, con menos tiempo, sentimos que el disco suena como queremos sonar, más duro, más pesado quizás, pero sin dejar de lado esa esencia melódica con la que ya llevamos 2 discos y 2 EPs. El disco debiera estar a mediados del 2011. Ya en Febrero entramos a grabar, así que, dependiendo de las lucas (siempre escasas) y de algunas manos que puedan aparecer, no debiera estar después de Julio de este año.

En los últimos días han lanzado un EP, de nombre «Sacrifice». ¿Por qué decidieron lanzar un EP?

Jaime: Para hacer ruido. O sea, hemos tenido harto cambio de integrante, especialmente en la base rítmica (bajo y batería), entonces cuando eso pasa, tienes que empezar de cero, agarrar fiato. Pero tampoco puedes desaparecer del mapa. Como teníamos algunos temas avanzados, decidimos que era una buena forma de mostrar en qué estábamos hoy. Pensamos en un principio lanzar sólo “Sacrifice”, pero como habíamos hecho un tema en español, decidimos mostrarlo y redondear con un cover ochentero, una versión de un tema de nuestro primer EP y uno de los temas nuevos, y lanzar este EP y regalárselo a la gente, así que quienes lean esto, recomienden el EP y piratéenlo todo lo que puedan, jajajaja.

SteelRage - SacrificeEn el EP «Sacrifice» aparece un tema en español, «Jugando al Destino». Entiendo que es el primer tema que SteelRage a lo largo de su historia hace en español… ¿por qué decidieron componer en español?

Melvin: Sí, es el primer tema en español de la banda, el cual se propuso con la finalidad de probar quizás otros mercados de la música y llegar al publico que a veces rechaza las líricas en inglés o que no entienden, y creemos que conseguimos lo que nos propusimos con éste.

Jaime: Componer en castellano es más difícil aún, porque la letra tiene que sonar coherente y no parecer diciendo “cualquier cosa” o caer en lugares comunes. Pero el tema salió rápido. Me acuerdo que Franz, nuestro ex batero, siempre hablaba de componer en castellano y ahora, un par de años después, nos arriesgamos y la verdad es que para ser primera vez quedamos re conformes con el resultado. Es re pegote el tema.

A lo largo de su carrera han hecho varios covers de temas súper ochenteros, onda Michael Sembello y ahora de Olivia Newton John… ¿de dónde nacen esas influencias?

Jaime: No es desconocido que más de la mitad de los integrantes de la banda superamos los 30 años, y bueno, hay muchos temas de los 80 que melódicamente suenan súper bien con algunas guitarras distorsionadas, y la verdad es que tanto “Maniac” como “Twist of Fate” quedaron re buenas y pudimos mantener la onda de los temas añadiéndoles de nuestra cosecha. De hecho, alguna vez en vivo tocamos “Beat It” de Michael Jackson. Eso no quita que podamos volver a hacer algún cover heavy, como lo hemos hecho antes, es re entrete poder “tributar” a las bandas que han sido influencia en la música que haces.

Ustedes son una banda numerosa, con seis integrantes y últimamente han sufrido algunos cambios… ¿cómo hacen para congeniar los seis?

Patricio: SteelRage ha tenido muchos cambios de integrantes a lo largo de sus más de 12 años de historia y siempre hemos mantenido re buenas relaciones con todos, con algunos incluso tenemos fuertes lazos de amistad hasta el día de hoy, con ellos nos juntamos bastante seguido e incluso más de alguno sigue colaborando con la banda desde distintos  ámbitos. Esta amistad entre los músicos  ha sido un pilar fundamental para que SteelRage se mantenga vigente por tanto tiempo, tenemos la fortuna de trabajar con buena gente, comprometida y leal, que se la juegan por aportar en el grupo. Bueno excepto con uno, que ya no está en la banda y que es un capítulo del grupo ya superado, ahora estamos con una formación espectacular, con gente comprometida, gran calidad musical y por sobre todo buenas personas.

Jaime: Somos amigos, nada más importante que eso.

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¿Cuál ha sido el mejor local donde han tocado, y el peor?

Patricio: Para nosotros tocar en vivo, donde sea, es la raja. Para un músico hay dos momentos fundamentales, uno la grabación de un disco, donde uno puede plasmar la forma en que siente la música y el rock a través de la creación, la música y las letras, que le gente te escuche y le guste es impagable;  y el otro momento es el concierto, donde puedes entregar cara a cara al público toda esa energía y obtener el feedback de la gente. Cada local y cada concierto tiene su encanto, en la SCD por ejemplo, que es un lujo de local, con un sonido e iluminación de primer nivel y muy cómodo pero con la desventaja de que la gente se siente como obligada a no gozar, a quedarse sentados. Tocar en bares de «mala muerte», aunque generalmente el sonido no es de los mejores, pero la gente se prende, saltan, corean los temas y todo acompañado de harta cerveza, no es malo.  Tocar en regiones es lejos lo mejor, el público te recibe muy bien, con mucho entusiasmo y te da la posibilidad de compartir antes y después de la tocata, conocer gente.

En cuanto a grandes conciertos, cuando teloneamos a Mägo de Oz el 2003 fue una experiencia fantástica, el Víctor Jara estaba repleto y aunque la mayoría del público no nos conocía, el apoyo fue notable, ver a todo el estadio gozando y saltando fue uno de los  momentos impagables que te da este oficio. El concierto junto a Edguy el 2009, también fue la raja, habíamos tenido una desafortunada presentación un par de años antes junto a Symphony X y no queríamos repetirlo, así que nos preparamos muy bien a conciencia y el resultado fue notable, creo que ha sido una de las mejores presentaciones de la banda en cuanto a sonido y puesta en escena.

Melvin: El mejor creo que ha sido el Estadio Víctor Jara cuando tocamos con Mägo de  Oz, el escenario, disposición, sonido, publico, etc. El peor escenario, yo creo que siempre es cuando tocas sin los medios básicos de backline, sonido en lo principal y espacio muy reducidos donde no podemos hacer nuestros shows.

Jaime: Uno tiende a decir que los teloneos a Edguy y a Mägo de Oz, es lo primero que se te viene a la cabeza, por la trascendencia. Pero hay lugares que ni te lo imaginas y resultan ser la raja para tocar. Me acuerdo de un show en Rancagua, en un lugar chiquito, con poca gente, pero re prendidos, lo mismo que la primera vez que fuimos a Valparaíso. ¿El peor?, de repente en buenos lugares, por motivos que incluso están fuera de tu alcance puedes tener días desastrosos, pero de todas formas sacas enseñanzas de ello.

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Pascal y Sebastián son hijos y sobrinos de dos reconocidísimos músicos chilenos, Jorge y Marcelo Coulon, integrantes históricos de una de las agrupaciones más importantes de nuestra historia como es Inti Illimani, que no mucho tiene que ver con el Heavy Metal. Es obvio que tienen un background musical bastante grande… ¿cómo se fueron inclinando por el lado del Metal? ¿Qué opinan sus padre y tío de su trabajo en SteelRage, los han escuchado?

Pascal: En lo personal empecé con el Metal porque mi hermano escuchó Helloween un tiempo en el colegio ¡y ahi cagué!! Los sigo escuchando hasta hoy… jajaja… Nuestro padre nos ha ido a ver un par de veces creo, y siempre nos ha encontrado una banda entretenida de ver en vivo, no siendo su estilo la música que hacemos. Nuestro tío vive en Valparaíso así que ¡es mas difícil que nos vea!

Para ustedes, ¿cuán difícil es o ha sido ser músico-rockero en Chile?

Melvin: Es difícil ser músico primero que todo y rockero aun más… dado que el medio no aporta con muchas cosas, algunos productores en su mayoría, generalmente prefiere bandas de afuera para generar recursos, no a aportar a subir la escena nacional arriba. Prácticamente las bandas deben generar o tratar de hacerlo, para darse a conocer y obtener algo de recurso económico para pagar ciertas cosas, pero lo valorable es que el músico rockero nunca se cansa… y la verdad que no espera cosas a cambio, sólo el de rockear en un escenario con mucha gente que lo apoye y que le den los espacios para demostrar lo que hace, donde su tiempo y lucas empleadas en años pasan a un segundo plano.

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SteelRage es una banda con bastante trayectoria…  a estas alturas de su carrera, ¿se encuentra la banda donde pensaban a estar cuando se imaginaban llegar al 2010?

Melvin: El 2010 nunca lo pensé tanto, pero realmente se ve la maduración de cada uno, la seriedad y como hemos evolucionado en la creación y dedicación de temas y placas musicales, además de lo gordos que estamos.

Jaime: Yo llegué el 2002 y con tocar en una sala con 10 personas era feliz. SteelRage me ha permitido conocer muchos lugares, compartir escena con grandes bandas, de afuera y de acá y conocer muy buena gente, tanto dentro de la banda, como grandes amigos que hemos hecho gracias a esto. Quizás no somos “famosos” y todavía nos falta demasiado para acercarnos donde uno sueña siempre, lo más probable es que no lo seamos, pero lo que hemos vivido en estos 12 años y lo que nos ha permitido la banda es realmente impagable, a pesar de los sacrificios.

Muchas gracias muchachos, ¡¡y estamos a la espera de “All-In”!!

Hace escasos días pudimos conversar con el lider y voz de WarCry: Victor García.  El asturiano nos habló de diversos temas, como la gira que les traerá a Chile el próximo 9 de febrero, el nuevo lanzamiento de la banda y también del pasado, entre otras cosas.

Te invitamos a leer y enterarte de lo que Víctor tiene para contar:

Warcry: Entrevista con Víctor García

¡Hola, Víctor! Desde Chile te enviamos un afectuoso saludo y te damos las gracias por acceder a esta entrevista con PowerMetal.cl. ¿Cómo va la vida?

Gracias a vosotros por interesaros por nosotros. Y la vida,  muy ilusionados con la visita a Chile… por fin.

Pues bien, no queremos robarte más tiempo del necesario, así que iniciemos con las preguntas. Si se comparan los primeros discos de la banda con los últimos, se puede apreciar una cierta transición en las temáticas que se tratan. Por decirlo de algún modo, sus letras eran más épicas en sus inicios, ahora son más «contingentes». ¿Sienten que esto es así? Y sí lo es, ¿a qué obedece este cambio?

Yo creo que al principio estábamos más volcados a una temática específica y a partir del cuarto disco hemos entremezclado más ese aspecto, pero sin abandonar ninguno, ya que para nosotros lo importante son los sentimientos que transmiten esas letras, traten de lo que traten.

La banda ha experimentado varios cambios en su alineación, y al margen de que todos los cambios se hacen pensando en lo mejor y de que ahora estén contentos como grupo humano, ¿creen que esto (los múltiples cambios) haya podido afectarles de algún modo en algún momento?

WarCryA nivel personal está claro que si, llevas mucho tiempo con unas personas y nunca es fácil tomar decisiones tan drásticas. Pero a nivel de banda y musical creo que han sido buenas decisiones y nos han permitido obtener más potencial, no sólo del grupo si no también a nivel individual.

Cuando se presenten en Chile, Revolución tendrá una data de un año y medio aproximadamente, bastante tiempo si se considera que la mayoría de las bandas que vienen a nuestro país lo hacen para promocionar su nuevo material. En ese sentido, ¿puede ser que este tour sea más bien una forma de saldar una deuda con su fanáticos en Chile más que por promoción?

Yo creo que visitar Chile era un obligación por todo el seguimiento que tiene allí la banda, pero sin un promotor local que se interesara era imposible. Ahora que eso está logrado, somos conscientes de que no podemos presentar «Revolución» como tú dices, tendremos que apartar algún tema del último disco para tocar temas, que el público chileno quiere oír en directo y no ha tenido oportunidad.

Siguiendo con Revolución, ¿cómo ves este disco dentro de su discografía en términos de sonido? ¿Y cómo sientes que fue recibido por los fans y la crítica?

Fue complicado sacar un disco adelante como ese. No teníamos teclista al entrar a grabar, cambiamos de forma de grabar, trabajar con un productor externo a la banda, en suma fue un punto de inflexión en muchos aspectos.

Pero estamos muy contentos porque es el principio de una nueva etapa y de una nueva forma de trabajar, en directo fue muy bien recibido y los medios también se hicieron eco de ello, luego ya los seguidores de la banda dan opiniones diferentes, pero nunca negativa.

Víctor, tu voz y tu estilo de cantar son bastante particulares, ¿podrías contarnos acerca de tus influencias como cantante? Así mismo, ¿cuáles son las bandas que admiras y te han influenciado?

Mis influencias son muchas, lamentablemente mi voz es una, me explico. Me encanta Pavarotti, pero no tengo su voz, así que de muchos he asimilado otras cosas  como giros, interpretación y detalles técnicos. La lista puede ser interminable pero Eric Adams (Manowar), Michael Sweet (Stryper) Michael Kiske (Ex-Helloween) Rob Rock (Impellitteri) o últimamente Jonny Lindkvist (Nocturnal Rites) pero seguro que hay muchos más que ahora no recuerdo. Y por supuesto sus respectivas bandas, para mí una banda es un todo.

Warcry

Además del presente tour, ¿en qué se encuentra WarCry en este minuto? ¿Algún adelanto sobre el siguiente registro de la banda?

Pues, terminando las mezclas de nuestro nuevo disco. Luego haremos unas pruebas en un par de estudios de mástering en Inglaterra y Holanda y del resultado de las pruebas tomaremos la decisión de donde hacer el mástering final. Y esperamos que vea la luz posiblemente el mes de Febrero o principios de Marzo.

WarCry debe ser hoy por hoy una de la bandas con mayor renombre dentro de la escena hispanoamericana, ¿pero cómo se perciben ustedes mismos?

Si te soy sincero, no somos realistas con lo que significa Warcry para mucha gente. Llevamos mucho tiempo en la música cada uno de nosotros, hemos ido evolucionando y creciendo en cuanto a repercusión y público, pero básicamente seguimos siendo las mismos personas ahora que cuando tocábamos para 50 personas. Cuando alguien te comenta lo que ha sentido, lo que ha significado Warcry o un tema de la banda para ellos, te alegras, pero te alegras por ellos, no porque haya sido con un tema tuyo o del grupo, te alegras porque has hecho a alguien feliz. Aparte, si los viajes o la cantidad de público algún día nos cegara, en el pueblo donde ensayamos somos «esos chavales del pelo largo que tiene un grupo», así que el día a día se encarga de mantenerte los pies en el suelo.

Lo siguiente te lo preguntamos con mucho respeto y sin ánimo alguno de fastidiar. Seguro te lo han preguntado antes, pero bueno: la curiosidad es mucha, jeje. ¿Cómo ves a Avalanch en lo musical hoy en día? Pues se evidencia un cambio desde que tú y Alberto salieron. Por otro lado, ¿qué tipo de relación tienes con tus ex compañeros?

WarCryNo me molesta hablar de Avalanch, es algo de mi pasado de lo que estoy orgulloso. Respecto al cómo veo a Avalanch actualmente, ha sido un grupo que ha evolucionado y por lo que sé están  muy contentos de ello así que poco puedo decir. En cuanto a la relación con mis ex-compañeros, digamos que no existe con ninguno de los que siguen allí, o sea Fran y Alberto pero con el resto de la época en la que estaba qué te voy a decir, Roberto García toca conmigo, Alberto Ardines ha estado conmigo hasta hace poco y nos seguimos llevando bien e Iván Blanco es un amigo con el que salgo habitualmente e incluso hace coros en este disco.

Por otro lado, es casi inevitable para los fans, e incluso para los medios, compararles a ustedes con Avalanch. Cuéntanos, ¿es algo que a ti en lo personal te moleste?

No para nada, es normal que la gente quiera buscar referencias o similitudes a la hora de catalogar algo, pero personalmente creo que lo que ambas bandas hacemos actualmente no tiene mucho que ver.

La escena metalera mundial está dominada por el inglés: bandas italianas, alemanas, francesas, españolas, etc, cantan en inglés, probablemente porque esto les permite llegar a un mayor número de oídos, sin embargo WarCry se mantiene fiel a su idioma materno y les ha ido bastante bien en términos de números, ¿cómo analizarías este hecho?

Y eso con un nombre en inglés jajaja. Bueno, en serio, el éxito lo marca el público, hay muchas bandas que cantan en español que no salen adelante, hay bandas en inglés que lo mismo y hay bandas que cantan en otro idioma que si lo hacen (por ejemplo Rammstein).

El mercado potencial de un grupo hispanohablante es España y toda la zona de América donde se habla español. En Europa el mercado musical existente es en ingles, así que es fácil cantando en inglés actuar en Alemania, Francia o Italia, sitios geográficamente más cercanos y más factibles en cuanto a gastos de traslado. Warcry siempre pensó editar algo en inglés, pero lo hemos retrasado tanto que el grupo ya tiene una identidad muy fuerte cantando en español y no lo consideremos factible hoy por hoy, por lo menos como Warcry.

Un grupo debe afianzarse primero en casa y luego ir saliendo cada vez más lejos, es algo natural, creces hacia afuera pero sólo si dentro eres lo suficientemente fuerte. Nosotros vivimos en España, hablamos español y la mayoría de los conciertos los damos aquí,  así que es normal cantar en este idioma. Otras bandas, muchas muy buenas, españolas que cantan en inglés lo pasan bastante mal, porque aquí no tienen el suficiente seguimiento y trasladarse fuera es muy caro.

Víctor, WarCry tiene la particularidad de contar con varios discos grandiosos. Ahora bien, dentro de esta exitosa discografía, ¿cuáles son tus preferencias? Disco, canción(es). Imagino que todo es especial, pero vamos, anímate a destacarnos algo, ¿vale?

Gracias por lo de grandiosos. Como tú has dicho, hay muchos temas importantes para nosotros, es una de nuestras mayores ventajas. Canciones muchas «El amor de una Madre», «Coraje» «El guardián de Troya», «Tu mismo», bufff … ya te digo que es nuestra mayor ventaja, tener muchas canciones que llegan a la gente.

WarCry

Entre el 2002 y el 2008 (6 años), lanzaron 6 discos. Hermano, ¡qué insano! ¿Cómo se logra tal nivel de productividad? Y por cierto, ¿qué pasó con los discos del 2009 y del 2010 respectivamente? (Así de exigente estamos, jaja).

Bueno, ya era hora de parar un poquito y administrar un poco el tiempo. Con cada disco el nivel de exigencia nuestra y del público aumenta y quieres hacer mejor las cosas. El nuevo disco está compuesto casi todo en el 2009, empezamos a trabajar en él en el 2010 y saldrá para el 2011, pero creemos que será un gran disco, le hemos dedicado muchas horas y todos los músicos se han involucrado al 200%, eso lleva tiempo, es la pena, jajaja.

Bueno, volviendo sobre el inminente concierto de la banda en Chile el 9 de Febrero, ¿qué pueden esperar los fanáticos? ¿Estará cargado a los clásicos o habrá mucho de Revolución?

Al ser la primera visita al país, creo que será más una presentación de Warcry al público chileno que de los discos, así que como tú has dicho, buscaremos tocar las canciones más emblemáticas de la banda, aún sabiendo de antemano que no nos dará tiempo a tocarlas todas, pero intentaremos satisfacer a la mayoría.

Bien, Víctor, ha sido un agrado poder contar contigo en esta tanda de preguntas. ¿Hay algo que quisieras añadir? Por cierto, si gustas puedes aprovechar la ocasión para invitar a los fanáticos a su presentación y quizás enviar algún saludo para los lectores de PowerMetal.cl.

Pues reiterar nuestra ilusión por poder tocar delante del público chileno, que estamos seguros que será un concierto inolvidable. A vosotros, reitero mi agradecimiento por interesaros por la banda y por permitirme dirigirme a través de PowerMetal.cl al público chileno, esperando que no haya sido muy pesado a la hora de explicarme. En suma…¡Nos vemos en Febrero!

Entrevista: Andy Zepeda

Warcry en Chile

Hace unos días tuvimos la oportunidad de reunirnos con el destacado músico nacional Ives Gullé, quien nos brindó la oportunidad exclusiva de escuchar en su totalidad el nuevo disco de Húsar. Así mismo, también contamos con la presencia de Nicolás Arce, productor del proyecto, quien junto a Ives, nos dio algunos detalles sobre el mismo. Conversamos acerca de los orígenes del proyecto, sus alcances, posibles proyecciones y muchas otras cosas, como los conciertos que se vienen a futuro.

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Cuando llegue el momento, PowerMetal.cl estará reseñando el disco de Húsar como corresponde. Por lo pronto, te podemos adelantar que se trata de uno de los mejores discos que hayamos podido escuchar en el último tiempo. Son doce cortes que realmente no tienen desperdicio alguno, con composiciones de altísima factura interpretadas por grandes cantantes y músicos nacionales, todo al alero de una producción notable.

A continuación te invitamos a leer lo que Ives y Nicolás nos cuentan sobre el proyecto:

¿Cómo, cuándo y a causa de qué nace la inquietud de hacer este proyecto?

Ives: Bueno, esto nace más o menos el año 2000. Yo venía trabajando con una banda, con la que hacíamos un poco de historia mapuche y mitología. Fue ahí cuando me nacieron las ganas de hacer una ópera. Y empecé a trabajar en temas, pensando en qué cosa podría armar, de qué podría tratarse en cuanto a la historia e ir jugando con eso, con la Historia de Chile, quiero decir. Pero era demasiado pronto para lanzar un disco solos, considerando que llevamos tan poco en la escena. Quería hacer un disco conceptual. La idea era incluir otras voces, porque claro, muchas bandas hacen discos conceptuales, pero solamente con la banda y un cantante, que va contando una historia. Pero acá yo quería hacer algo como una ópera, realmente una ópera.

Y desde ese entonces hasta ahora, ¿cómo ha sido el proceso, digamos, en cuento a composición y producción? Por otro lado, ¿te ha costado mucho contar con los músicos que participan?

Ives Gullé - HusarIves: No, reunirlos en realidad ha sido la parte fácil, porque he tenido muy buena llegada con los músicos, tengo muy buenos amigos que están participando en el disco. Lo que ha sido complejo es el proceso de composición, que ha sido largo. Y en cuanto a producción, bueno, Nico te puedo hablar un poco más. Hemos tratado de afinar todos los detalles en base a las primeras composiciones que hice. Hay un montón de temas que se fueron para la casa, al tacho de la basura, jaja. Tratamos de dejar, de todo lo que teníamos, lo mejor.

Cuenta Ives que ha sido un poco largo el proceso de producción musical. Nico, cuéntanos un poquito acerca de eso.

Nico: Básicamente, la producción de cualquier disco consiste en ordenar, ¿chachai? O sea, Ives me presentó una idea, y yo en base a esa idea tuve que armar un concepto. Y mi pega fue eso, fue armar de tal manera que el tema que va en el disco, cumpla una función dentro de él. Botamos muchas canciones buenas, canciones que perfectamente podrían haber sido un single, pero no tenían coherencia con la historia. Entonces, mi pega, junto con Jaime (Salva) también, fue buscar los elementos que representaran mejor la historia e ir generando una estética sonora que acompañara la historia en sí, la interpretación. Por ejemplo, al grabar un disco de Heavy Metal, por lo general uno piensa “ya, esto tiene que tener fuerza y tiene que ser así”. En este caso es mucho más complejo, porque cada personaje tiene un carácter distinto, un sonido distinto, un escenario. Y las canciones mismas pasan a ser un escenario. Y bueno, en hacer todo eso, ¡nos demoramos un montón!

¿Sobre el proceso de grabación, pudiste contar con todos los músicos que participaron en el proyecto en el estudio?

Ives: En el estudio, los cantantes estuvieron todos. En cuanto a los músicos, bueno, Nicolás grabó las guitarras, la mayoría de los bajos también. En el estudio estuvimos con Fran (Muñoz), de Dorso, que grabó todas las baterías del disco. Y hubo solos de invitados. Bueno, algunos vinieron para acá.

Nico: Claro, por ejemplo, Grabriel Hidalgo de Six Magics, o sea, ex Six Magics ahora, grabó un solo, y él está viviendo en Los Ángeles, entonces no tenía nada que hacer acá, jajaja.

Ives: No nos alcanzaba el presupuesto para traerlo, jajaja. Pero él mandó su trabajo desde allá. Pero en general, todos los músicos invitados enviaron sus trabajos desde sus propios estudios. Y los demás vinieron acá. Todo lo que es voces se grabó acá mismo.

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En cuanto a la temática de este disco, imagino que debe haber sido muy distinto a escribir un disco de Heavy Metal “común y corriente”, por decirlo de algún modo, porque esto involucra un proceso de investigación historiográfica un poco más profundo, ¿no? ¿Cómo fue todo ese proceso?

Ives: Sí, lo primero fue decidir de qué íbamos a hablar en el disco, que en este caso fue basarnos en la historia de Manuel Rodríguez, desde el periodo en que está en Mendoza cuando está exiliado, por ahí por el 1814. Luego revisar por lo menos cuatro o cinco libros distintos, buscar información en internet, para ir armando la historia y paralelamente ir trabajando en la música del disco, para que no fuera algo netamente histórico, si no sería como un libro.

Nico: Ah! Y lo otro, es que la Historia de Chile, yo creo, en este disco se toca sólo como historia. Porque igual, no sé, la historia de Manuel Rodríguez o la de Bernardo O’Higgins, da como para abanderarse con algún partido político o con todo lo que ha pasado después. En este caso, es sólo agarrar los hechos y representarlos, en ese sentido es súper imparcial. Es como en las películas, como Seven (de David Fincher, protagonizada por Brad Pitt y Morgan Freeman), donde el malo no es necesariamente malo. Depende del punto de vista, porque cada personaje tiene cosas muy buenas y cosas muy malas también. Y eso fue muy difícil hacerlo, porque es muy…

Ives: ¡Es muy complicado no abanderizarse con alguien! O sea, si tú estás contando la historia de alguien, la idea es que logres contar la historia pero sin abanderizarte tampoco. Ahora, tomando a Manuel Rodríguez, que históricamente se podría decir que era como El Zorro, ¿me entiendes? Se disfrazaba, era algo casi romántico, es difícil no fascinarse con el personaje.

Nico: Es un héroe urbano, para la gente, ¿cachai?

Ives: Y en base a eso, buscar en la historia los hechos más importantes y trabajar con ellos. Obviamente, dentro del disco hay un 80% historia, que constituye la línea cronológica del disco, pero también hay otras cosas más interpretativas, como por ejemplo: lo que podría haber pensado o dicho en ciertas situaciones. Y eso ya tiene que ver con la imaginación de los que llegamos a hacer las letras.

Nico: Claro. O sea: con la imaginación ir metiéndose un poco en la mente de Manuel Rodríguez.

Nicolás Arce - Garden Bitch

Muchachos, ¿han pensado llevar esto a otros tipos de temáticas? ¿Hacer otro proyecto como este a futuro?

Ives: O sea, la intención y las ganas de hacer otro disco como Húsar están, pero primero vamos a ver qué pasa con este disco, cómo nos va y luego ponernos a estudiar un poco de qué podría ser la próxima historia. Pero por ahora solamente enfocarnos en Húsar, que es un trabajo bastante titánico.

Nico: Son procesos bastante largos además.

Ives: Hiper-largos, súper complicados. Requieren mucho, muchísimo tiempo.

Por lo que podemos inferir, este proyecto, Húsar, va mucho más allá de lo que es la música. Tiene muchas otras aristas que vale la pena rescatar. En ese sentido, ¿cuáles son los alcances que ustedes ven el proyecto, o que puedan tener?

Ives: Bueno, primordialmente tratar de hacer que el proyecto, como el disco-ópera que es, se logre montar como una obra de teatro, como un musical. Con música en vivo, con los cantantes haciendo sus personajes, vestuario, más actores que vayan representando otras cosas, etc. Esa es la idea. Ahora, culturalmente también se puede trabajar, tú puedes aprender algo de historia con el disco incluso, porque son hechos los que presentan.

Nico: Una manera distinta de aproximarse a la historia.

Ives: Más allá de que sea un simple disco de Metal o Rock, es también un poco de cultura, que va un poco más allá de las típicas historias de Rock o las típicas historias de Metal.

Nico: Y bueno, aparte está el tema sonoro de Húsar. Yo creo que es un disco distinto acá en Chile. Porque por ejemplo… No sé, en Europa tú tienes escenas. Tienes la escena finlandesa por ejemplo, con bandas como Stratovarius o Sonata Arctica. Y sonidos muy característicos, como en Italia. Tienes también todo lo que produce Sascha Paeth, Avantasia, lo que sea. O sea, sonidos súper identificables, y yo creo que todos crecimos escuchando un poco eso. Y acá en Chile, puede haber muy buen material de bandas, bandas que a mí me gustan harto, como Inquisición o qué se yo, pero no existe una estética sonora de Heavy Metal. Existen buenas bandas, buenos músicos, pero yo creo que también Húsar apuesta a crear una estética que no tenga nada que envidiarle a lo de afuera. O sea, que no digamos “escuchemos un disco chileno porque es chileno, pero no es lo mismo”. Entonces yo creo que Húsar también apunta a eso, con el trabajo que hicimos podemos crear una nueva estética y podemos, quizás, crear una nueva corriente sonora en cuanto a lo que es Hevay Metal Melódico, ¿cahai? Por lo menos yo apunté un poco a eso. Yo creo que ese paso falta en Chile, creo que hay que desarrollarlo, y creo que Húsar es un aporte a eso. Pienso que ese es otro alcance de esta obra.

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Ives, tú en este disco interpretas a Manuel Rodríguez. Cuéntanos, ¿por qué Manuel Rodríguez? ¿Te identificas con él?

Ives: No tanto como identificado. De chico me gustó mucho la historia de Manuel Rodríguez eso sí. Como te decía hace un rato, lo veía como El Zorro, ¿cachai? Un compadre que se escondía, que se disfrazaba, una especie de héroe.

Nico: Todo esto en realidad es por Katherine Zeta Jones, jajaja.

Ives: Nada más, jajaja. No, pero yo cuando chico encontré que era demasiado increíble el personaje. Estudiándolo, no sé, en 3° o 5° básico por ahí, descubrí que su fecha de nacimiento coincidía con la mía, entonces eso me llamó mucho la atención, me gustó mucho y dije “en algún momento tengo que hacer algo con Manuel Rodríguez” y nace más o menos con eso. En el fondo, porque me gustaba mucho la historia de él.

Entrando un poquito en el disco: América Soto, de Polímetro: es muy particular el caso de ella, porque siendo mujer, interpreta a un personaje masculino: Casimiro Marcó del Pont. Cuéntanos, ¿cómo fue que llegaste a tomar esa determinación?

Ives Gullé - HusarIves: Bueno, cuando empecé a pensar en los personajes y a buscar voces para el disco, primero pensé en que los realistas, que eran los españoles y la gente que estaba a favor del rey y del virreinato, tenían que diferenciarse del resto, de los patriotas en este caso. Y bueno, me presentaron a América como cantante, me dijeron “aquí puedes tener una muy buena referencia” y me gustó mucho como cantaba. Entonces empecé a trabajar un poco con su forma de cantar y a armar el tema. Además, de Marcó de Pont se dice o se piensa, o se tienen algunas referencias, que era un poco afeminado; y me pareció que la mejor forma de representar a una persona afeminada de otro bando distinto al de los patriotas, era con la voz de una mujer, por eso llegué a América.

En esta pasada, con Húsar, trabajaste con tremendos músicos a nivel nacional, ¿hubo algún músico en particular con el que te hubiese gustado trabajar y no hayas podido por “x” motivo?

Ives: Sí, con Sole Genúa, con quien trabajamos juntos en Human Factor. Yo le pedí que pudiera grabar un solo, de hecho pudimos trabajar algo, pero lamentablemente tuvimos un problema técnico, además de otros problemas. Bueno, ella tuvo un problema en Alemania y tuvo que ser operada, y la tarjeta de sonido que tenía que ocupar no le llegó en la fecha en que ella podía grabar, antes de la operación. Entonces lo que me envió llegó con otra calidad de sonido, y no podía funcionar bien dentro del disco. Y claro, Sole y yo quedamos súper tristes porque queríamos trabajar juntos de nuevo. Pero igual estamos viendo que quizás más adelante podamos hacer algo de nuevo. Sí, Sole es la que me penó dentro del grupo de gente que busqué para que trabajara conmigo en este disco.

Para quienes no lo saben: el disco cuenta con el patrocinio del Museo Histórico Nacional. Cuéntanos, Ives, ¿qué crees que pueden haber visto ellos en este proyecto como para haberlo respaldado?

Ives: Bueno, ellos tienen que haber visto una buena oportunidad de mostrar lo que es la Historia de Chile. Yo creo que en Chile muy poca gente sabe siquiera dónde está el Museo Histórico Nacional, y muy poca gente sabe qué es el Museo Histórico Nacional, y acercarse un poco a la juventud mediante la música, es algo que ellos no siempre pueden hacer. Entonces vieron que había una propuesta interesante.

Nico: De hecho, es primera vez que, acá en Chile por lo menos, un organismo nacional apoya o patrocina un proyecto metalero, porque como que no son muy compatibles. En ese caso seríamos la excepción, jaja.

Ives: Como que les da miedo, jaja.

Husar

O sea, en el fondo marca un precedente.

Ives: Claro, rompe una premisa que hay.

Nico: Y en el fondo puedes hacer la música un poco más transversal.

Quizás sea un poco complejo, ¿pero están en condiciones, o tienen la intención, de hacer un lanzamiento del disco en vivo? Además del montaje de la obra que están planeando.

Ives: Estamos viendo si es que podemos hacer el lanzamiento del disco en vivo, además de la obra de la que te contábamos hace un rato. Igual es complicado, por la cantidad de músicos y los recursos técnicos que necesitamos para hacer un show donde suene lo que necesitamos que suene.

Nico: Claro, es que también tienes que tener en cuenta que con todo lo que involucra Húsar, la ficha técnica es terrible para la mitad de los productores que hay acá en Chile, jajaja. Entonces, claro, podríamos tocar mucho, sonar mal y chacrear la obra, entonces va a ser complejo e igual va a tener sus requerimientos, igual va a tener su costo. Pero cuando se pueda hacer, se hará.

Ives: Sin duda lo vamos a hacer.

Bueno, ya saliendo un poco de lo que es Húsar propiamente tal, pero muy relacionado, creo yo: cuando Húsar se presentó con Tarja, ustedes tuvieron como invitado a Ricardo (Susarte), y posteriormente Polímetro se reúne y están activos ahora. ¿Creen ustedes que ese hecho, esa invitación, tuvo que ver con la vuelta de Polímetro?

polgbscd_26Ives: No sé si con la vuelta de Polímetro, pero sí a Ricardo yo lo estuve hinchando mucho tiempo para que volviera a cantar. Pero si quieren le podemos preguntar a él aprovechando que está presente, yo creo que él debiera contestar eso. [nota: Ricardo se encontraba en la casa, y justo hacía escasos segundos acababa de pasar por el lugar donde llevábamos a cabo la entrevista.]

Ricardo, le preguntaba a los chicos recién acerca de qué tan determinante puede haber sido el que ellos te invitaran a tí, cuando ellos a su vez fueron invitados por Tarja cuando estuvo en Chile, en el hecho de que Polímetro se haya vuelto a reunir y en que en este momento estén activos. ¿Qué tanto tuvo que ver eso?

Ricardo: Ehm… ¡Mucho en realidad! La verdad es que Ives estuvo mucho tiempo insistiendo con que hiciéramos algo, con que volviese a cantar y todo eso. Y yo estaba en un proceso como de no querer hacer nada. Y la verdad es que me duró mucho esa depresión, por decirlo así. El hecho fue que en ese tiempo, el 2008 cuando fue todo lo de Tarja y todo lo de Húsar, me pasaba algo muy personal, que era que mi padre estaba enfermo. Y una semana o dos semanas antes de que él muriera, yo conversé con él con respecto a mi posible decisión. Le conté que me habían invitado a Tarja y no sabía si cantar o no. Entonces mi viejo me aconsejó y me dijo que él me conocía y veía que yo amaba la música y que por lo tanto debiese y debía seguir cantando. Y él me pidió que lo siguiera haciendo. Entonces, ahí tomé la decisión real, digamos. Entonces llamé a Ives y le dije “vamos con Húsar”. Llamé al productor del show y le dije “yo voy a Tarja”. Y luego empecé a contactar a los muchachos de Polímetro para ver si se podía nuevamente reunir la banda. Y así fue, tuvimos una reunión los tres: Patricio, Carlos y yo, y decidimos nuevamente partir con Polímetro.

O sea, básicamente gracias a Ives y a Húsar (junto a otras cosas) tenemos de vuelta a Polímetro. [risas de todos]

Ives: Jajaja, sí, fue un 2 x 1.

Bueno, queremos darles a los tres las gracias por habernos dado la oportunidad de haberlos entrevistado. ¿Algunas palabras para los lectores de PowerMetal.cl?

Ives: No, ¡gracias a ustedes! no se pierdan el disco, que se viene increíble, realmente está muy bueno el disco. ¡No porque lo diga yo! Jajaja…

Nico: Qué auto-referente, jaja. Sí, muchas gracias.

Ricardo: No, si está espectacular. ¡Gracias!

Ives Gullé - Husar

Podemos dar fe de eso, acabamos de escuchar el disco íntegramente y de verdad está muy, muy bueno. Lo comentaremos cuando salga. Apropósito de eso, ¿Cuándo sale?

Ives: ¡Ah! El disco debiera estar ya en las disquerías el 10 de enero. Esa es también la fecha cuando lo estaremos presentando en el Museo Histórico Nacional. (Si quieres reservar una copia del disco de HUSAR, envía un correo a contacto@ivesgulle.com)

Buenos chicos, muchas gracias por todo. Les deseamos la mejor de las suertes.

Ives: Igualmente. Gracias a ti por venir.

Nico: No, gracias a ustedes por venir.

Ives: Mucha gracias por el espacio, ¡y que viva el Rock! ¡Y la Historia de Chile!

Nico: ¡Y el Heavy Metal!

Ives, Nico y Ricardo: ¡Heavy Metaaaal! [risas]

Tarja Turunen regresa a Chile para presentarse el próximo 23 de marzo promocionando su último disco «What Lies Beneath». La cantante habló con PowerMetal.cl sobre su nuevo trabajo, un repaso por su carrera y nos cuenta sobre los músicos que la acompañarán en su concierto del Teatro Teletón.

Tarja - Entrevista Exclusiva

¡Saludos, Tarja! Ante todo, nos gustaría agradecerte por tu tiempo y contarte que es un honor entrevistarte. El próximo 23 de marzo tendremos nuevamente la oportunidad de verte en vivo y en directo en nuestro país, esta vez, para promocionar tu segundo álbum como solista. ¿Podrías decirnos qué es lo que más te emociona de venir a Chile?

Lo adorable que son los fanáticos allí y la atmósfera que se da en mis conciertos. ¡De verdad que estoy esperando presentarme ante ustedes nuevamente! Ya ha pasado bastante tiempo.

Hay mucha gente ansiosa por saber quiénes serán los músicos que te acompañarán en esta gira, ¿es posible que nos cuentes?

Sí, claro, quienes me acompañarán son Max Lilja en el cello; Doug Wimbish en el bajo; Alex Scholpp en la guitarra; Christian Kretschmar en el teclado y Mike Terrana en la batería.

Has expresado que What Lies Beneath es un trabajo muy personal y que, de hecho, es el resultado de tus esfuerzos como productora. Tomando esto en cuenta, ¿cómo ves tu posible desarrollo en el proceso de producción y grabación para los siguientes discos?

TarjaPienso que se dará como un proceso natural nuevamente. Lo que aprendí del proceso de producción de What Lies Beneath fue que necesitaba confiar en mis instintos y en la gente a quien había elegido para trabajar. Producir mi segundo álbum por mi cuenta no fue demasiado difícil porque nunca sentí que me dejaban sola con las decisiones que tomaba. Siempre tuve gente a mi alrededor con quienes discutir las cosas y solucionarlas. Creo que mi tercer álbum será nuevamente uno muy fuerte, de una mujer que ama ser libre en cuento a sus emociones y creatividad.

Hablemos un poquito acerca de tus invitados en What Lies Beneath. ¿Bajo qué criterios elegiste a las personas que participarían en el mismo?

Quería trabajar con aquellas personas a las que conocía muy bien y que sabía que podía contar con su talento y su pasión. Sabía que ellos darían los mejor de sí por mi arte y lo hicieron. Aunque a la gente le puede parecer que no es una banda, yo sí siento que tengo una banda conmigo. Todos los chicos  pusieron mucho esfuerzo en los arreglos de las canciones, así que muchas de las canciones fueron cambiando en el estudio. Les envié los demos de cada una de las canciones antes y les dije que esperaran a que nos encontráramos para poder discutirlas cara a cara. Quería que se sintieran libres y que tocaran de forma libre. Hay una buena razón para que cada uno de los músicos que están tocando conmigo esté en el disco. Su personalidad, su forma de tocar, etc. Disfrutamos creando música juntos y eso es fácil de apreciar en nuestras presentaciones.

En las giras y presentaciones previas aquí en Sudamérica has compartido escenario con algunos de los mejores músicos, ¿cómo fue trabajar con semejantes leyendas latinoamericanas como Walter Giardino y Kiko Loureiro?

Tarja-WalterEllos son magníficos guitarristas, ambos son tipos de guitarristas muy distintos. He sido muy afortunada de trabajar con Walter y Kiko. Ambos comparten el amor por la música y tienen sus respectivos sueños de trabajar en ella. Creo que para ellos ha sido una especie de reto trabajar conmigo, porque soy de un tipo de cantante distinto, no la estereotípica cantante de Heavy Metal y también lo es mi música, es un poquito diferente y requiera una mente más abierta de parte de los músicos. Pero supongo que ha sido un lindo desafío. Con Walter somos amigos hoy siempre es bueno hablar de música y de la vida con él. Y en cualquier caso, él ha visto muchas más cosas que yo en su larga carrera.

Sabemos que desde que eras una adolescente has escuchado a Scorpions e imaginamos que fue una sorpresa enorme cuando recibiste la llamada de Klaus para participar en Sting In The Tail. Pero, ¿cuál fue tu reacción cuando te dijeron de que también iban a usar tus melodías y tus armonías vocales?

Fue un honor enorme para mí. Cuando estaba hablando con Klaus por teléfono, ¡tuve que pellizcarme más de una vez para asegurarme de que no estaba soñando! Es tan lindo que hayan visto mi trabajo y que hayan querido que participara en su último disco. Aunque yo no sabía de eso cuando grabé la canción y sólo oí de ello después, y sí… fue todo un schok para mí. ¡Mi nombre está en el último álbum de Scorpions! ¡Wow! Eso sólo me hizo entender que si dejas de soñar, nunca llegarás a progresar en la vida. Yo nunca he dejado de soñar, así que este tipo de cosas me pasan por esta razón. De verdad fue una buena colaboración y me gustaría agregar que los chicos de Scorpions son verdaderamente muy amables.

Cuéntanos, ¿cómo ha ido tu carrera en el canto lírico? ¿Cómo haces para administrar tu tiempo entre el Heavy Metal/Rock y la Opera?

Tengo una profesora de canto en Buenos Aires y siempre que voy a casa, la visito una o dos veces por semana. Siento que aún estoy logrando progresar como cantante lírica. Y no me gustaría que la situación cambiara. Siento que el proceso de aprendizaje en el canto nunca terminará y que siempre hay trabajo que hacer con tu voz. Amo cantar y amo el canto lírico. Entender mi instrumento mejor, me ayuda a cantar mejor, sin importar si la música es Ópera o Rock. Si todo sale bien, voy a grabar un disco clásico propiamente tal el próximo año, así que eso será un cambio muy grande para mí. Tener conciertos clásicos en medio de mis conciertos de Rock es siempre complejo vocalmente para mí. Pero amo el hecho de que pueda hacer las dos. Nunca nadie podrá ser capaz de hacerme elegir entre los dos estilos, puesto que ambos me hacen sentir completa. Practico a diario mi canto lírico incluso estando en los tours de rock, así que cantar es un estilo de vida para mí.

A través de anécdotas de tu vida hemos podido notar que como mujer has logrado sobresalir en una escena con una presencia mayoritaria de figuras masculinas y admiramos el hecho de que no seas una de esas artistas que se apegan a cierto estereotipo. ¿Qué piensas de las artistas cuya música no es hecha por (y para) ellos mismos sino que sólo para seguir cierta tendencia?

TarjaEn general no es sencillo ser músico en el mundo actual. La competencia se vuelve más y más dura y la disqueras ya no venden más, así que es muy duro vencer las dificultades de la industria de la música como artista. Y como dicen, todo ya se escribió una o dos veces. Es decir, es muy complejo crear algo nuevo. Como sea, siempre he seguido mis propios instintos y las señales que han ido apareciendo en mi camino. La música es un arte, y el arte es llevar emociones a la gente. Es un privilegio tener la posibilidad de ser músico y disfrutar tu trabajo. No mucha gente puede hacer eso en serio. Creo que nosotros, los músicos, somos todos de alguna manera soñadores, porque esa conciencia de las emociones que se ven envueltas en la música es lo que nos conecta. Somos seres muy sensibles en general y creo que nadie puede hacer música sólo porque alguien más le dice que tiene que hacer o sólo porque quieran seguir cierta tendencia o moda. Al menos yo no podría hacerlo. Yo también he cantado música que no era de mi propia creación por casi 9 años, en Nightwish. Pero nunca sentí que no era parte de la creación o de la pasión. Pienso que hay muchos cantantes que han encontrado su propio estilo. Definitivamente no es fácil descubrir y toma tiempo. Además, no todos los artistas tienen el valor para hacerlo. Por lo demás, es una decisión que deberíamos respetar.

Muchas personas seguimos tu carrera desde el lanzamiento de discos como Angels Fall First y Oceanborn. Bueno, ha pasado un buen tiempo desde eso y hoy en día eres casi un fenómeno mundial. ¿Podrías contarnos cómo y en qué medida ha cambiado esto tu vida?

Si piensas en el hecho de que nací en la pequeña villa de Puhos en Finlandia, y que ahora vivo en una cuidad enorme como Buenos Aires, te das cuenta de que en efecto ha habido todo un viaje entre medio. Mi vida no ha sido otra que normal en estos últimos diez años. Aunque ha sido un gran viaje, a través de diferentes culturas y experiencias. No quitaría ninguna de ellas, porque todas esas experiencias me han hecho quien soy hoy. Soy del tipo de persona que trabaja duro; quiero que las cosas sean perfectas y bien hechas. A veces incluso, trabajo demasiado por las cosas que quiero lograr, pero la vida me ha mostrado que debo vivir mis sueños ahora. Nunca puedes saber cuándo llegará el momento de decirle adiós a todo eso que amas, así que quiero disfrutar lo que hago. Vivir en una cultura más abierta, como lo es la argentina, también me ha enseñado un montón. Hoy en día puedo hablar de cosas de las que antes no podía. El éxito tiene sus cosas buenas y sus cosas malas. Ahora soy más cuidadosa con las personas, porque he tenido experiencias en las que me han utilizado sin que yo lo haya siquiera notado. Escojo con más cuidado a mis amigos a las personas con las que comparto mi vida privada.

Tarja

Finalmente, ¿sigues en contacto con el club de fans de Nighwish y con los fans de Nightwish en general?

Yo tengo mis fans, la banda tiene sus fans y compartimos un montón de fans. Así que sí, sigo en contacto con mis fans.

Muchas gracias por tu tiempo, Tarja. Te deseamos lo mejor y nos alegramos de que te sientas feliz y libre con tu proyecto. Por favor, ¿podrías enviar algún mensaje a tus fans que visitan PowerMetal.cl? Y por cierto, si gustas puedes invitarles a tu show en el Teatro Teletón.

Quisiera agradecerles a todo ustedes por estar siempre allí para mí a lo largo de todos estos años. ¡Sin ustedes simplemente no habría un yo! Estoy muy emocionada por el hecho de tener la oportunidad de cantar para ustedes en marzo. Espero verlos a todos en el concierto. Muchas gracias por todo. ¡Nos vemos pronto! Con amor, Tarja.

Entrevista: Hilda Guzmán
Fotos promocionales: Paul Harries

Tarja en Chile

Ross The Boss es una institución dentro del Heavy Metal. El guitarrista de los discos clásicos de Manowar ha tenido una dilatada trayectoria desde finales de los ’70. Este año acaba de lanzar el segundo disco con su actual banda, llamado Hailstorm, que será un deleite para quienes tienen a clásicos como Hail To England y Sign Of The Hammer entre sus favoritos. A continuación puedes leer la entrevista exclusiva de PowerMetal.cl con Ross The Boss.

Ross The Boss

Primero que todo, Ross, muchas gracias por acceder a esta entrevista. Acabas de lanzar tu álbum Hailstorm, podrías decirnos: ¿cómo ha sido el recibimiento hasta ahora y cuáles son tus planes a corto plazo?

La recepción de Hailstorm ha sido muy buena hasta ahora. Cada día que pasa aparecen buenas críticas del álbum. Creo que vamos a organizar una gira para el próximo año.

Cuéntanos un poco el background de quienes conforman tu banda actualmente. ¿Te costó mucho dar con este line up?, muchos músicos siempre dicen que el actual line up de su banda es el mejor, en este caso ¿compartes esa apreciación también?

Conocí a los miembros de mi banda actual juntos, al mismo tiempo. En realidad, tuvimos dos ensayos, luego tocamos en el festival Keep It True en Alemania. Carsten Kettering, Patrick Fuchs y Mayer Matze son excelentes músicos. Todos han hecho discos de estudio antes de grabar New Metal Leader, nuestro primer CD. Fue una decisión muy fácil formar una banda con estos muchachos.

La banda que te acompaña son músicos alemanes, además tu actual disquera es el sello alemán AFM, mi pregunta es ¿la promoción del disco estará enfocada a Europa, donde sabemos que históricamente siempre has tenido una gran cantidad de fans? ¿Qué pasa con los Estados Unidos? ¿de qué tan buena salud gozan los músicos y bandas clásicas de Heavy Metal actualmente en tu país?

Bueno sí, AFM y nuestra banda están localizados en Alemania, así como la mayor parte de nuestros fans de Europa. En cuanto a los EE.UU, tenemos una nueva compañía de distribución y han puesto en marcha una campaña de radio con la cual esperamos que Hailstorm tenga algo de rotación por estos lados. La escena del Metal aquí en los EEUU se puede describir como disgregada en estos días.

Ross The Boss - Banda

En mi opinión Hailstorm tiene todos los elementos que amamos del antiguo y clásico Manowar, sin embargo, también suena muy fresco y es un disco bastante directo. ¿Podrías contarnos acerca del proceso creativo?, ¿En cuánto tiempo fue compuesto y grabado?

¡La creación de Hailstorm fue un placer absoluto! Fui a Alemania en Enero, donde pasamos una semana componiendo, tiempo después, empezamos empezamos a grabar en Abril y en Julio el disco había sido terminado.

En tu opinión, ¿cuáles son las diferencias más notorias entre tu anterior álbum New Metal Leader y Hailstorm?

La diferencia entre New Metal Leader y Hailstorm es que hemos madurado a la hora de escribir las canciones y la voz de Patrick, quien en este álbum es sorprendente.

Me llamó bastante atención la canción Buried Alive, que difiere un poco con el resto del álbum. Tiene algunas reminiscencias a Death Tone de Manowar, pero también tiene un enfoque muy de “single” que perfectamente podría tener rotación en radio. Planeas hacer algo con esta canción, ¿quizás algún video a futuro teniendo en cuenta que en anterior disco lanzaron el video de Blood Of Knives?

Burn Alive es un tema rockanrolero y que tiene esa “orientación” comercial, veremos que pasa.

Ross The Boss - Hailstorm

¿Qué puedes contarnos acerca del show en vivo de tu banda en estos días?, ¿En el set list regular tratas de abarcar material de toda tu carrera?

¡Nuestro show en vivo patea culos a lo grande! Canción tras canción. Vamos a tocar material de ambos discos, tal vez un par de clásicos de Manowar, pero ninguna de mis otras bandas.

Hace poco supimos que Manowar grabará nuevamente el disco debut: Battle Hyms. Para mi ,ese álbum es una declaración de principios y de verdad se me hace difícil imaginarlo sin tu sonido característico; Donnie actualmente está de vuelta en la banda, además Chistopher Lee aparecerá en Dark Avenger. ¿Cuál es tu opinión acerca de esto?

¿Manowar regrabando el Battle Hyms? ¡Sin comentarios!

En 2005 participaste del show de aniversario de Manowar en el Earthshaker Festival, ¿considerarías alguna oferta para volver a la banda o es un capítulo cerrado en tu vida?

¿Ross The Boss de vuelta en Manowar? Sinceramente no veo eso ocurriendo en un futuro cercano. De todas formas no me cierro a nada, ¡así que veremos!

Scott Columbus tampoco está en Manowar en la actualidad . Él y tú son bastante cercanos, además han hecho algunos shows juntos en Europa. ¿Alguna posibilidad de hacer algo con Scott en el futuro, ya sea tocar o grabar algún disco? Estoy seguro que muchos fans del antiguo Manowar estarían felices que eso se concretara.

Así es, Scott y yo somos buenos amigos y me alegré cuando subió a tocar con nosotros en un par de shows. Es un gran baterista y quizás algún día hagamos algo juntos.

Mucha gente no sabe que no sólo dentro del Heavy Metal has hecho historia, sino que dentro de la música Punk también, pues fuiste integrante de The Dictators. ¿Podrías contarnos acerca de aquellos años? ¿Cómo fue esa transición del Punk hacia el Heavy Metal?

Mi primera banda “profesional” fue The Dictators la cual no era «Punk» en una forma tradicional. Nuestra actitud era Punk, no la forma en que nos vestíamos. Éramos una banda de Rock ‘n Roll y éramos demasiado Metal para ser Punk y demasiado Punk para ser Metal. Ahora ese género es muy popular y nosotros lo iniciamos. Siempre fui el tipo al que le gustaba el Heavy Rock y el Metal, así que la transición del Punk al Metal en realidad no lo fue para mí. ¡Toco de la misma manera, no importando en qué banda este!

The Dictators

¿Qué pasó con Thunderbolt y Thunderboss? ¿Cuál es la situación actual de ambos proyectos actualmente?

De momento ambos proyectos se encuentran congelados. Pero nunca den nada por hecho, queridos amigos.

¿Cuáles son tus principales influencias al momento de desarrollar tu estilo de tocar? Además, ¿qué bandas estás escuchando actualmente? De lo más nuevo, ¿qué banda o artista te parece interesante tanto dentro del Heavy Metal como en otros estilos?

Habiendo crecido en Nueva York, por supuesto que fui influenciado por el Rock británico y el Blues. Beatles, Stones, Led Zeppelin, luego Black Sabbath fue una gran influencia y Deep Purple, Mountain y Humble Pie también fueron muy importantes para mi. ¡B.B. King es mi dios! En cuanto a las nuevas bandas y tendencias, debo ser honesto y no estoy muy al tanto de aquello. ¡Tocamos lo que tocamos, eso es todo!

Este año tuvimos el deceso de Ronnie James Dio y sin dudas ha sido el golpe más duro que ha sufrido el Heavy Metal en los últimos 25 años. En tu época con Shakin’ Streets estuviste de gira con Black Sabbath y ahí fue donde conociste a Joey DeMaio. Podrías contarnos, ¿cómo fue la experiencia de estar de gira con Sabbath? Ross The Boss¿Qué tan importante fue esa experiencia para tu carrera, y cuál es tu opinión acerca de Ronnie James Dio?

En primer lugar, permítanme decirles que la pérdida de Ronnie James Dio fue un golpe muy duro al Heavy Metal. Yo sabía que estaba enfermo pero nunca me imaginé el desenlace. Claro, era 1980 y yo estaba tocando en esta banda francesa llamada Shakin Street. En esa época, teníamos el mismo manager que Black Sabbath (mis ídolos) así que fuimos sus teloneros. Al principio de la gira en Inglaterra, yo estaba en backstage cuando Ronnie Dio se acercó a mí, se presentó y procedió a decirme que era un gran fan de The Dictators, que le gustaba mi forma de tocar la guitarra y que debería probar a este tipo que tocaba el bajo que estaba ahí trabajando con Dawk Stillwell. ¡Resulta que era Joey DeMaio y el resto creo que es historia del Metal! Realmente Ronnie fue una de las mejores personas que he conocido en la música y, como todos, también lo extraño mucho.

¿Está entre tus planes visitar Sudamérica en un futuro cercano, especialmente Chile?

Bien, en realidad estamos tratando de cerrar algunos conciertos en Sudamérica y queremos ir allá en 2011. ¡No puedo esperar! Nos llegan muchos saludos de los fans sudamericanos.

Ross, muchísimas gracias por tu tiempo y amabilidad. ¿Algunas palabras para tus fans en Chile y el resto de Sudamérica?

¡Gracias por su apoyo! ¡Espero les guste Hailstorm!

Luego de lanzar su segundo disco, «Saturday Morning Apocalypse», Powerglove saldrá de gira con Firewind durante el mes de noviembre por Estados Unidos. Conversamos con Bassil Silver, baterista y líder de la banda que se encarga de versionar canciones de videojuegos y series animadas de TV.

Powerglove

¡Hola, Bassil! Ante todo, y de parte de todo el equipo de PowerMetal.cl, me gustaría agradecerles por su tiempo y por brindarnos la oportunidad de entrevistarles. ¡Gracias!

¡Gracias a ti, hombre! De verdad apreciamos los excelentes reviews que han hecho sobre nuestros discos, así como también esta entrevista. Es increíble ver el interés en nuestra banda en países tan lejanos y distintos al nuestro. Nos están ayudando a llevar nuestra música a Chile, ¡así que nosotros les damos gracias a ustedes!

Para comenzar, me gustaría que nos contaras acerca de cómo fue que la banda se creó. ¿Cómo se conocieron?

He conocido a Alex desde que estábamos el jardín de niños. Ambos crecimos en Arlington, Massachusetts, así que fuimos a la misma escuela básica. Recuerdo el día en que nos conocimos: estábamos molestando a una niña, quitándole su delfín de peluche y poniéndolo en lugares de la sala donde no lo podía alcanzar. Incluso hoy en día esa es nuestra estrategia para conocer mujeres, jajaja.

A Chris lo conocí cuando entré de mechón a la escuela secundaria Commonwealth en Boston. Él ya estaba en los niveles superiores por allá en la Powergloveépoca en que lo escuché de pasada, hablando con uno de sus amigos en el vestíbulo de la escuela, diciendo “Jajaja, un mechón se anotó para hacer un solo de batería en el concurso de talentos, qué imbécil”. Pero tenía una barba genial y parecía que estaba metido en esto del Metal, así que lo dejé pasar y terminamos tocando en el sótano de la casa de sus viejos después de la escuela.

Alex y yo conocimos a Nick en la batalla de bandas de Arlington. Recuerdo que con Alex pensamos “Mierda, estamos cagados” cuando vimos a su banda sobre el escenario, y aparentemente él pensó lo mismo de nosotros, jajaja. Después de eso hablamos acerca de unir fuerzas y él se unió a nuestra banda de Death Metal melódico llamada Revengeance.

En algún minuto, la banda llegó a incluír a cuatro de nosotros, que es la mayoría de lo que luego pasó a ser la alineación actual de Powerglove.

¿Cómo fue que se les ocurrió la idea de hacer versiones de canciones de videojuegos? ¿Y por qué escogieron Powerglove como nombre y no algún otro?

En el 2003 Alex me envió un cover en guitarra que él hizo de la canción Take Up the Cross del juego Tales of Phantasia. Pensé que sonaba increíble y quise colaborar con algunas otras canciones de videojuegos así que nos fuimos a un estudio casero que yo estaba construyendo en el sótano de la casa de mis papás y grabamos un cover de Dr. Wliy’s Theme juntos. En ese momento, Powerglove sólo era un proyecto paralelo para pasarla bien, pero luego comenzamos a tomárnoslo más en serio, ya que habíamos construido una pequeña comunidad en línea cuando Revengeance se separó.

El nombre de la banda en realidad vino de un amigo nuestro, llamado Ben Durgin, que por esos años tocaba con nosotros en Revengeance.

Nota de traducción: Power Glove fue un accesorio creado por Nintendo para ser usado como controlador para la consola; su particularidad era que tenía forma de guante (glove: guante, en inglés). A pesar de ser muy innovador, no tuvo mucho éxito debido a que era muy costoso de producir y muy complicado para usar y no muy preciso.

Más de una vez hemos oído aquí y allá que ustedes son como DragonForce, pero sin letras. ¿Qué piensan de aquello? ¿Les agrada ser comparados con ellos?

Nos encanta DragonForce, y de verdad que les debemos el alma por llevarnos de gira junto con ellos el 2008. No nos afecta para nada que nos comparen, sobre todo porque su música es increíble. Recibimos muchos de esos comentarios, pero me gusta pensar que hemos desarrollado lo suficiente nuestro sonido para ser simplemente Powerglove. Pero honestamente, siendo una banda que tiene batería rápida, el doble-pedal machacando ridículamente rápido, triple/cuádruple barridos armónicos sobre progresiones melódicas de cuerdas… simplemente no puedes evitar la comparación con ellos.

Powerglove¿Cuáles son las principales influencias que tienen como banda y a nivel personal? También me gustaría preguntarles acerca de sus juegos de video favoritos (que en su caso, cuenta como influencia, ¿no? (risas).

Trataré de responder esto de la mejor forma que pueda a nombre de los demás. Seguro que olvidaré alguna de las grandes influencias, así que los chicos tendrán que perdonarme.

Como banda, todos escuchamos varios tipos diferentes de Metal, que van desde el más florido Power Metal y el más pesado Death, hasta el más rápido Speed y el más oscuro y frío Black Metal. ¡E incluso el más pizza-fiestero Thrash! Tratamos de incorporar todos estos sonidos en nuestra música, y ojalá no caer en cierto sub-género del Metal.

Sé que Chris está muy influenciado por un montón de bandas japonesas Visual Kei, como Galneryus, Malice Mizer, X-Japan y Versaillles. Siendo Syu, [guitarrista] de Galneryus, particularmente favorito para él.

Alex toma un montón de influencia de los hermanos Amott de Arch Enemy, George Lynch de Dokken/Lynch Mob, y Marty Friedman.

También sé que Nick está fuertemente influenciado por Martin Méndez de Opeth, y siempre está hablando de Rex Brown, Marcus Miller y Victor Wooten.

Mis influencias personales son Martin López, ex Opeth (Nick y yo basamos mucho de nuestro trabajo en bajo y bombos, respectivamente, en las secciones rítmicas de Opeth), Nicholas Barker de Dimmu Borgir, Vinnie Paul, Kai Hahto y Daniel Erlandsson.

En lo que respecta a video juegos, mis favoritos de todos los tiempos son Final Fantasy 4 y 7, y la música del juego Starcraft ha influenciado nuestra forma de escribir también. Nobuo Uematsu es una de nuestras grandes inspiraciones junto con Danny Elfman, cuando se trata de composición orquestal. Y muchas otras canciones de Mega Man definitivamente han ayudado a dar forma a la manera en que componemos nuestras melodías  progresiones más powermetaleras.

(Nota: Nobuo Uematsu es famoso por haber compuesto la música para video juegos como Final Fantasy y Chrono Trigger. Danny Elfman, por su parte, ha compuesto la música de películas como Batman, Misión Imposible, El Joven Manos de Tijeras y muchas más).

Powerglove

¿Cómo elijen las canciones que versionan? Por cierto, y a modo de sugerencia, un amigo (y miembro de equipo en PowerMetal.cl) me dijo que deberían hacer una versión de la mejor canción de videojuegos de todos los tiempos: Draconus.

En realidad siempre terminamos probando con un montón de canciones para cada álbum, muchas de las cuales simplemente no funcionan. Elegir esas canciones que intentamos generalmente viene de juegos y dibujos animados que veíamos y que amábamos cuando chicos, pero también buscamos dentro de las sugerencias de nuestros fans. A menudo recibimos sugerencias y peticiones en nuestro foro y en encuestas, y si vemos que un tema es mencionado con frecuencia, y si es una gran canción, entonces la hacemos. En lo personal no conozco Draconus, pero estoy seguro de que Chris sí la conoce, porque ese tipo ha jugado todos los juegos que se han hecho. ¡Le haré saber que la pidieron!

¿Quién (o quiénes) es el compositor principal en la banda? ¿Y por qué es que no tienen un cantante? ¿Han pensado alguna vez en crear letras para sus versiones?

PowergloveTodos colaboramos al escribir nuestras canciones. Aunque muchas personas nos consideran una banda de covers, en realidad nos involucramos mucho en el proceso de composición. Escribimos toda nuestra música en un programa llamado Guitar Pro, que es un programa de creación midi /composición. Por lo usual uno de nosotros comienza una canción, y una vez que a esa persona se le acaban las ideas, la envía al resto de la banda. Entonces todos tiramos algunos bits e ideas y lo enviamos de vuelta y luego juntamos todas las versiones en un solo archivo. Siempre terminamos siendo muy jodidos y detallistas con cómo las canciones son escritas, porque sabemos que al no tener letras, los arreglos pueden fácilmente lograrlo o echarlo todo a perder. Si hiciéramos una canción como si tuviese letras y si luego sólo la tocáramos instrumental, sería increíblemente aburrida de escuchar. Así que siempre tratamos de darle un momento de sentimiento o cambio melódico cuando repetimos partes, y añadir muchos dulces para oídos para tener al oyente interesado.

He visto algunas imagines y videos en la Internet donde aparece la banda vistiendo disfraces durante los conciertos. ¿De dónde sale esta idea? Y por cierto, ¿de qué diablos se supone que estás vestido tú? (risas)

Siempre hemos tratado de hacer algo más en nuestros shows aparte de simplemente subirnos al escenario, tocar y largarnos. Sentimos que un show en vivo debe ser divertido, emocionante y que te induzca un ataque. Si te vas después de uno de nuestros conciertos sin un aneurisma o una hemorragia cerebral severa entonces es porque hicimos algo mal. En nuestros primeros días, solíamos dirigirnos a Boston Costume y agarrar cualquier mierda que encontráramos ahí y juntarla para armar un disfraz ridículo. Finalmente terminamos trabajando con un diseñador de disfraces y tuvimos disfraces más decentes y más permanentes. Nuestros disfraces no están pensados para ser algo en específico, pero claro, hay algunas referencias en ellos. Por ejemplo, las hombreras de Nick son unos caparazones caseros con púas al estilo koopa, y mis banderas están inspiradas en un samurái, que usaría ese tipo de banderas en su espalda al momento de marchar a la batalla.

Ahora hablemos un poco sobre Saturday Morning Apocalypse. ¿Por qué eligieron cambiar de canciones de video juegos a canciones de dibujos animados clásicos? Y por cierto, un miembro de nuestra comunidad sugirió que tal vez el nombre del disco sea una referencia al disco de Evegrey: Monday Morning Apocalypse. ¿Es eso así, o simplemente una coincidencia?

PowergloveEn el regreso de la gira con DragonForce y Turisas, estábamos todos tirando algunas ideas para canciones que nos gustaría intentar para el siguiente disco. Notamos después de un rato que una amplia mayoría de las canciones que iban apareciendo eran de dibujitos animados que daban los días Sábados. Así que pensamos “Oigan, ¡a la mierda! ¡Hagamos un disco de canciones de monitos no más!” Aquello no era completamente ajeno a nosotros, porque ya habíamos hecho un versión para el tema de los Power Rangers, así como también uno de Mortal Kombat en Metal Man y nos dimos cuenta de que sería divertido conducir a la banda por una camino un poquito distinto pero sin dejar de emocionar al mismo niño interior en nosotros que ama las cancones de video juegos.

Es en realidad un coincidencia que el nombre sea tan parecido al del disco de Evergrey. A Chris se le ocurrió la idea en la misma van de camino a casa, y nos dimos cuenta de que había ya un disco con un título muy parecido. Pero ya estábamos emocionados con el nombre y pensamos “¿Para qué cambiarlo?” De todas formas, hay como once discos que se llaman “Still life!”, jajaja.

Podemos notar una fuerte presencia de teclados en esta placa, ¿quién se hizo cargo de esa tarea? ¿Y cómo harán para tocar esto en el vivo?

Todos tomamos parte en el proceso de escribir las partes para teclado del disco. Alex y yo trabajamos en la mayoría de las orquestaciones, pero todos hicieron sus aportes y trabajaron en los sintetizadores del disco.

PowerglovePara los shows en vivo, toco junto con una pista que se reproduce con un click y que está sincronizada con las pistas de sintetizadores de las canciones. ¡Sueño con que algún día podamos tocar con una orquesta real detrás nuestro!

¿Cuál es su canción favorita del álbum? ¿Tuvieron que dejar afuera algunas canciones de la versión final? Series como He-Man, Thundercats (¡que sería épico!), GI Joe, podrían también ser versionadas (a modo de sugerencia, claro, jajaja).

En lo personal, mi canción favorita del disco en este momento es Heffalumps and Woozles. En parte porque es la canción más ridícula en el tracklist que se pueda convertir en Heavy Metal, y en parte porque es probablemente las más pesada de todas. Pero mi canción favorita está cambiando constantemente. Cuando escuchas una canción tantas veces como yo, en el proceso de grabación, mezcla y masterización, tiendes hartarte y enfermarte con ellas muy rápido, jajaja. Pero por el otro lado las canciones son como tus bebés, tus creaciones, así que todas tienen un lugar especial en tu corazón aunque en realidad ya no puedas escucharlas más.

Hay muchas canciones que intentamos y que no lograron ser incluidas en la versión final de la placa. Intentamos con las canciones de las Tortugas Ninjas, Duck Tales, de los Ghostbusters y muchas otras, pero simplemente no logramos que sonaran bien.

¿Cómo se les ocurrió la idea de tener a Tony Kakko contando con ustedes? Además de haber girado junto a Sonata Arctica, ¿qué tipo de relación tienen con él?

Conocimos a los chicos de Sonata Arctica durante nuestro tour con ellos el pasado Abril. Hacia el final del tour, estábamos en una amena conversación en su autobús y Tony expresó que de verdad le gustaba mucho lo que estábamos haciendo y que hasta le gustaría cantar en alguna canción de nuestro próximo álbum. Estábamos absolutamente emocionados con la idea y completamente de acuerdo. Ya habíamos terminado de grabar el disco en ese momento, así que decidimos tenerlo cantando sobre el corte de Pokémon y lanzarla como un bonus en el disco. También sabíamos que el corte de Los Simpsons necesitaría que alguien cantara la partecita que dice “Looos Siiiimpsons” al principio así que le ofrecimos hacer eso también. Él incluso grabó una parte experimental al final de la canción, totalmente de la nada, pensamos que sonaba increíble así que hicimos los arreglos para poder incorporar su idea.

Powerglove - Sonata Arctica

¿Qué podemos esperar en el futuro de Powerglove? ¿Algún plan para el tercer LP? ¿Planean hacer canciones de películas? ¿Quizás sus propias canciones?

En el corto plazo, planeamos seguir girando con Saturday Morning Apocalypse y seguir expandiendo nuestros conciertos para incluir nuevas y diferentes locuras. En relación a nuestro próximo disco, ¡planeamos “volver a nuestras raíces»! y hacer otro disco de video juegos. Y definitivamente estamos planeando tocar y grabar algunas canciones totalmente originales también. Hemos querido tocar originales desde hace algún tiempo, pero nos hemos contenido, asumiendo que nuestros fans quieren más material nostálgico. Si bien es cierto que todas nuestras canciones tienen alguna cuota de originalidad en ellas, todos sentimos que también nos gustaría comenzar a tocar material completamente original.

¿Y qué hay de venir a Sudamérica y a Chile? ¿Han pensado en esa posibilidad? De verdad pienso que podrían tener una buena audiencia.

¡Absolutamente nos encantaría poder ir a Sudamérica! Todos nosotros hemos oído cosas increíbles sobre giras en Chile, Brasil y Argentina y muchos otros países que no hemos la oportunidad de visitar aún. Es difícil para una banda que se encuentra arraigada en Estados Unidos poder irrumpir en otros mercados, pero definitivamente tenemos como meta el poder girar alrededor del mundo tan pronto como nos sea posible.

Powerglove

Bassil, ¡te agradecemos mucho tu tiempo y buena onda! ¿Tienes algún comentario final que dar a sus fanáticos acá en Chile?

Un enrome agradecimiento a todos ustedes que escuchan nuestra música y apoyan a nuestra banda. Jamás seríamos capaces de hacer los que hacemos sin ustedes. ¡Y estamos esperando el día en que podamos visitar su hermoso país y compartir algo de Heavy Metal con ustedes!

Enlace:
Visita el MySpace oficial de Powerglove: myspace.com/powerglove

El músico argentino conversó con PowerMetal.cl sobre su proyecto Beto Vazquez Infinity (que ha contado con invitados como Timo Tolkki, Olaf Thorsen, Tarja Turunen, Jörg Michael, Fabio Lione, entre otros) y los detalles de su próximo álbum doble, la incorporación del cantante chileno Jason Droguett y cómo ha enfrentado su carrera desde Sudamérica para darse a conocer en el mundo entero.

Beto Vazquez

¡Hola Beto!, primero que todo, gracias por compartir tu tiempo con PowerMetal.cl. Cuéntanos ¿en qué proceso estás de tu nuevo disco (Existence)?

Bueno, el disco está bastante avanzado. La idea es terminarlo para Noviembre, Octubre y estamos ya en proceso de mezcla. Vale decir que estamos entrando prácticamente en la recta final y sólo me queda recibir muy poquitas cosas de gente que ha participado en el doble para poder cerrar ya la parte discográfica por este año.

Lo otro, tu mercado objetivo para la música que estás haciendo, alguien puede decir “es un sudamericano, ¿por qué no canta en español? ¿por qué en inglés?”

Beto VazquezSimplemente porque el inglés te abre más puertas, que siendo sudamericano, no puedes penetrar ni tampoco darte a conocer en muchos países. También me gusta cómo suena el inglés para el rock, es acertado en cuanto a la fonética, al escucharlo te das cuenta que emplear esta música queda perfecta. No sería lo mismo escuchar un tango de Argentina en inglés por ejemplo, tiene que ser en castellano. No sé si se entiende cual es el concepto. Si yo elegí esta música, creo que el idioma más apropiado e internacional era el de Shakespeare y por eso me dediqué a este concepto nuevo. Por otro lado, sí me interesa que sepan que soy sudamericano porque no me avergüenza eso, sino al contrario, levanto la bandera de Sudamérica incorporando gente también de Sudamérica y haciéndolo internacional. Ese es el otro motivo por cuál elegí este idioma.

Cuéntanos sobre Darkmind, ¿cómo fue el recibimiento en comparación a tus otros trabajos?

Excelente. Realmente quedé muy contento y satisfecho con todas las participaciones que están dentro del álbum. También la temática de Darkmind es un poco más oscura y en cuanto a las letras, se emplean otros elementos que en discos anteriores no. Y el recibimiento mundial fue excelente, de hecho, por eso me animó el 2010 en lanzar un álbum doble. La ecuación es muy simple, si no hubiese andado bien Darkmind, ¿podría sacar un disco doble? Esa es la pregunta a contestar. Muy fácil, ¿no?

Sobre este nuevo disco, ¿podemos esperar algo distinto o sigues en la línea anterior?

Existence es un disco, que como desde el título se inicia, habla sobre muchas cosas. En cuanto a temáticas de letras, se refiere de la existencia, nuestro planeta. De hecho, hay un tema que se llama Earth directamente y hace menciones a los desastres ecológicos que hace el humano y las catástrofes que vivimos que hoy nos tocan a todos. Y a nivel musical emplea un poco más de velocidad, inclusive que Darkmind. Si bien tiene su corazoncito en alguna parte gótico, también es más power y más enérgico, de hecho, si escuchan el tema que canta Jason, por supuesto de Chile, se van a dar cuenta que la velocidad es un referente de este nuevo disco pero sin dejar las partes también, melódicas y orquestales.

Beto Vazquez

Sobre tus comienzos, cuándo empieza tu inquietud por empezar este proyecto, mientras estabas en Nepal.

Es muy simple. Mientras estaba en Nepal estaba muy cómodo tocando el bajo, que es mi instrumento de pila, pero así mismo empecé a crear otra música porque no podía trascender con el estilo que hacía Nepal, ya que había tocado un techo a nivel musical y tenía otras ideas que iban mucho más allá del parámetro. Por eso decidí armar a fines del ’99 un proyecto paralelo del cual podía expandirme más como músico, y fui a estudiar a la escuela de música de Florida donde aprendí teclados y actualmente estoy estudiando guitarra. Seguí perfeccionándome. Simplemente la música de Nepal me hacía tocar un techo como compositor. Entonces decidí armar una cosa paralela que no compitiera contra Nepal, que en ese momento era mi banda, y expandirme mucho más allá de los límites de la música.

Viniendo de una banda de thrash, como era Nepal, ¿qué influencias tomas para partir con esta nueva etapa musical, distinta a la que venías haciendo?

Y vengo escuchando música creo, que desde que tengo uso de razón, la música es mi vida. Ya estando en Nepal yo ya escuchaba bandas como King Crimson, que no tiene nada que ver con el metal. Por ejemplo, muchos me dicen: “¿pero cómo escuchabas esto?” y yo “bueno, porque me gustaba”, era un delirio para mí escuchar Crimson, o Yes, o bandas así, sinfónicas también. Las influencias son, creo que a lo largo de mi vida, de Black Sabbath hasta Megadeth y de Megadeth puedo saltar a Pink Floyd, o sea, soy muy ecléctico en ese sentido. Por eso las composiciones entre sí no tienen mucho que ver, porque creo que para escuchar lo que hago, tenés que tener una mente bastante abierta y poder digerir todo tipo de metal. Si sos muy sectario, de un sólo estilo, no te va a gustar evidentemente lo que hago porque te puede tocar un tema muy veloz o un tema muy tranquilo. Es ecléctico y las influencias son variadas, pero mi corazón siempre estuvo en el metal. De mis comienzos obviamente, con la edad que tengo, fueron Black Sabbath a la cabeza, Purple y Zeppelin, o sea, son cosas que quizás en ninguna de mis bandas tal vez se haya notado mucho, un poco de Sabbath tal vez, pero no quita que pueda hacer otra música y pueda elaborar otro tipo de temas.

Beto Vazquez & Tarja TurunenViniendo de Sudamérica puede sonar ambicioso armar un proyecto como el tuyo, cuéntanos ¿cómo se lo tomaron los músicos que contactaste al momento de armar el primer disco?

Bueno, el primer músico que mucha gente no sabe, en participar conmigo internacional, desde el primer disco fue Jörg Michael, el baterista de Stratovarius. Se le comentó que era un proyecto salido de Sudamérica justamente y le llamó la atención, hicimos contacto y pidió escuchar los demos. Él al escucharlos quedó bastante sorprendido y, por suerte por supuesto, aceptó. Entonces, teniendo en la base, yo en aquel tiempo como bajista imagínate, yo tocando el bajo y tocando con Jorg Michael en la batería era un sueño para mí. Era más fácil trascender y  trepar a otro músico diciendo: “mirá, este es un proyecto nuevo de Sudamérica, el cual convoca a gente internacional y ya está tocando Jörg Michael dentro del proyecto”. Entonces, es como parte de la llave para poder abrir y entrar en confianza con los músicos extranjeros.

Sobre tu participación en el disco tributo a Helloween (The Keepers Of Jericho), ¿te sirvió para darte a conocer?

Sí, yo creo que en el tema de la música es interesante de participar, en tributos me gusta participar también, de hecho estoy en varios. El de Helloween creo que es uno de los más acertados. En la voz participó Elisa Martin, en ese momento era la cantante de Dark Moor. De hecho, cuando viajé a España estuve con ella personalmente y me pareció una persona muy humilde, muy buena y trabajamos juntos; le enviamos las pistas y quedé muy conforme con el proyecto con ella cantando de invitada de ese tema (A Tale That Wasn’t Right). De hecho, bueno, Helloween también es una banda que me gusta. Pero sí, estuvo muy bueno esto de trabajar en el tributo.

La Internet ha sido importante para tí en el sentido de armar una red de contactos con varios músicos, pero, ¿cuál es tu opinión acerca de la distribución de música por este medio?

Bueno, es un lado bastante polémico el tema de la distribución, de la piratería y de las cosas por Internet. El Internet acerca mucho porque desde Sudamérica, gracias a internet obviamente, he podido hacer más contactos, ser un poquito más conocido con el primer disco, trepar a un segundo, llegar al tercero. A cada músico que pude hacer contacto por la red le comentaba si conocía algo del proyecto de acá y la mayoría me decía “of course”. Como que lo conocían o habían oído hablar, y al entrar en la página web oficial veían las personas que participaban y se prendían. Eso lo hace internet.

Sobre la descarga de música, estoy a favor dependiendo de cómo se realice; todos creo que bajamos música al menos para escuchar, de ahí está en cada uno concientizar de que si bajamos música y no compramos discos originales, se va a desaparecer, o la banda va a vender una chapita con un dato grabado, lo cual me parece tonto perder eso. Obviamente que la situación económica en Sudamérica es muy dura, estamos totalmente de acuerdo, pero somos conscientes que esto nos gusta. Entonces es como decir bueno, dejo de consumir música, se muere esto, así de simple. Mis discos están para descargar en muchas páginas, los he visto, pero más de uno ha venido y me dijo: “descargué el disco, me gustó y lo vengo a comprar”, entonces a mí me importa el que toma conciencia realmente porque sino es como todo. Valga la mala comparación, pero es como el ecosistema, si no tomamos conciencia de lo que estamos haciendo con la tala y un montón de cosas, vamos a quedar en la edad de hielo, ¿entendés? o algo peor realmente. Yo creo que todo es una toma de conciencia, Internet es una gran herramienta y si se sabe usar y con conciencia creo que acerca mucho más al ciudadano, al humano y a la música misma.

Beto Vazquez

¿A qué atribuyes este aumento de las descargas de música?

Un poco a la comodidad y otro poco a la parte económica, por eso es importante hablar de esto. A ver, todos descargamos música, lo acabo de decir, pero tenemos que ser conscientes y comprar los discos porque sino el artista desaparece, tan simple, no podemos dejar que desaparezca esto que nos gusta a todos y que es una pasión, que es la música, porque no podemos no tener un álbum donde tocar, las letras donde poder leerlas; que sea por una pantalla, o sea, si me quitas lo físico pierde calidad inclusive. Ya los que veníamos desde antes, de 42cm que era el vinilo, nos achicaron a 12cm con el CD. Qué vamos a hacer ahora, ¿vamos a desaparecer por una chapita que tenga datos? o sea, está bárbaro porque yo tengo mi MP4, voy de acá para allá escuchando y genial. De hecho tengo artistas (no solamente son mis temas los que escucho, obviamente) que tengo el disco original y cuando quiero borro el MP4. Pasa un tiempo y me dan ganas de escuchar y los vuelvo a copiar al MP4, pero el original lo mantengo, o sea, cuando escucho el disco más de una vez, así sean discos viejos, de otras décadas, me gusta leer las letras mientras escucho música, me gusta ver el arte. No se puede perder eso porque es perder y desvalorizar lo que amamos, que es el metal y la música en general.

Por lo general, con los proyectos que cuentan con músicos de renombre, como es tu caso con invitados, siempre hay un deseo de decir: “me gustaría ver a esta banda en vivo con todos los invitados que están”. ¿Tú has pensado alguna vez en juntarlos para hacer un gran concierto?, ¿eso lo ves posible en Sudamérica o más factible en Europa?

Beto VazquezEs una pregunta muy, muy difícil. De hecho, en este momento no estoy tocando porque como te contaba, estoy trabajando mucho, muy a full en el estudio de grabación, o sea, estoy trabajando en el disco doble, estoy trabajando como invitado en 2 proyectos, estoy produciendo una banda de acá de Argentina y estoy armando lo que va a seguir después del doble. O sea, estoy full metal en el estudio grabando, pero sería glorioso poder hacer lo que vos me decís, de poder trabajar en vivo con muchos artistas que han participado. El tema es que en Sudamérica el dólar está muy partido, nos parte mucho la diferencia y casi lo veo como un imposible, francamente, la respuesta la dirá el tiempo. Francamente, ¿te gustaría?, claro que sí, pero el tema es, ¿podés?, no, en este momento no. Lo que puedo hacer es acercar mi música y unir al mundo, como sucedió por medio de ella con grandes artistas y gente no tan conocida, que a mí me importa mucho eso. Por el momento, el vivo con todos los artistas, medio que es un imposible ahora, hoy por hoy. Si las cosas cambian, ¿por qué no?

¿ Tienes algún referente con estos tipos de proyectos con varios invitados, así como Ayreon o Avantasia por ejemplo?

Ayreon fue uno de los primeros, de hecho tengo contacto con Arjen. Grabó en uno de mis discos que nunca salió hasta ahora por medio de un contacto discográfico que está por verse. Nos mantenemos en contacto por medio del Facebook y hablamos seguido sobre los proyectos. Creo que él fue uno de los pioneros, no el único pero si uno de los primeros masivos en darle forma a este tipo de proyectos. Avantasia vino después de Beto Vazquez Infinity, o sea, cronológicamente, lo que sucede es que, obviamente Avantasia es un proyecto internacional y nosotros somos sudamericanos y sabemos que nos toca la de perder por ese lado obviamente, ya sea por el idioma o la infraestructura. Obviamente, un europeo o un extranjero va a tener más posibilidades siempre. En Sudamérica hacer música es muy complicado y tenés que tener muchas garras y no claudicar. Yo en mi país he visto subir a todas las bandas y caerse a todas las bandas, es muy complicado, y creo que en la mayoría del resto de Sudamérica es muy complicado el metal y la música en general.

Como referente, sí, yo podría decir que tengo un referente con Ayreon, pero no es que pensé “voy a hacer una banda como Ayreon”, tampoco mi música es igual a la de Ayreon. Y Avantasia me gusta muchísimo y respeto muchísimo el trabajo de Tobias, que me parece un genio realmente dentro del metal.

Beto Vazquez

¿Cómo empiezas a contactar a los músicos que participan en tu proyecto? ¿los eliges tú mismo de acuerdo a ciertas características o te llegan propuestas?

Las dos cosas, para serte honesto. A veces, como te dije, yo descargo música para conocer pero no para piratear. Hay algunos invitados en este disco doble que he bajado el disco por curiosidad de la tapa y de pronto vi que había una voz o un instrumentista que me llamó la atención y empecé a buscar información hasta llegar al músico y decirle: “mira, me interesa tu trabajo, ¿te gustaría participar en esto?” y así se da. O los músicos me envían su material o me hacen ver cosas, o me mandan material directamente para que escuche y me dicen: “bueno fijate si te sirve lo que hago”, o “me gustaría”, bueno, miro un poco el curriculum, miro el lado profesional también obviamente y así es como participan. En realidad estoy abierto a ambas posibilidades.

Tú has tocado en Europa también, ¿cómo fue el recibimiento de la gente allá?, ¿tenían algunos referentes de bandas de acá de Sudamérica, Rata Blanca, por ejemplo?

Beto Vazquez & Andre MatosEl recibimiento fue excelente. Cuando yo toque en el 2002 no había grandes bandas así reconocidas dentro del metal acá. En realidad, lo interesante fue que la productora que hizo el evento, que fueron 10.000 personas las que participaron, ¡y había que salir a tocar para 10.000 personas! «Estoy en una tierra extraña», me sentía, pero era bárbaro, o sea, (la producción) nos pidió a nosotros y curiosamente en ese momento nos pide y nos convoca por intermediario al que, en ese momento era el manager de Rata Blanca, que me dice: “mirá Beto te están pidiendo de España para tocar, el arreglo para tocar sería éste, dime si te sirve”, bueno y yo le dije: “ok, pero viajo con todos mis músicos, no con samples ni con nada”. Y bueno, me aceptaron todas las condiciones y viajamos los 8 músicos, en ese momento éramos, me lleve al sonidista me acuerdo, me trataron re bién. Sinceramente tengo los mejores recuerdos de España y los españoles, y francamente tengo una linda experiencia.

Tus proyectos los armas con distintos músicos de afuera, que graban y que te mandan las pistas, ¿cómo coordinas después con los músicos que eliges acá, como banda para tocar en vivo?

Bueno, el tema es que tienen que ser músicos muy flexibles. Por ejemplo, hay veces que en vivo no toco el bajo, toco los teclados y alguien me reemplaza de la banda. Es una especie de rotación como le llamo yo en vivo. Por hoy el cantante masculino en ese momento pasa a tocar el bajo y yo paso a los teclados o a la guitarra, y la líder pasa a ser la mujer. O sea, emulamos las voces grabadas en los discos, obviamente con instrumentistas y cantantes de alto calibre que son los que participan en el grupo.

Sobre el staff con el que tú trabajas para tus discos, hablábamos de la preocupación que tienes por la buena presentación, ¿eso se basa en tus ideas o trabajas con más gente que te ayuda?

Yo tengo un equipo armado fijo que es imbatible. A partir de Darkmind fue un antes y un después en todo sentido. Tengo los músicos, el staff fijo que somos cinco argentinos y una sueca, que vive en Suecia valga la redundancia. Ella vive allá y nos mandamos las pistas y demás. Y tengo cinco argentinos trabajando conmigo fijos acá, de hecho la cantante era alumna de Tarja Turunen, o sea, estamos hablando de gente con mucho nivel, o sea que está muy calificada, y los guitarristas son excelentes y el baterista viene tocando conmigo hace años ya. En la parte gráfica tengo un diseñador gráfico que hace cosas impresionantes, y la parte prensa la maneja Lola, que es mi mano derecha en la banda y aparte maneja el sitio web.

Cada uno cumple su rol y es más que importante a la hora de trabajar en un proyecto que es tan rompecabezas, por decirlo de una manera, que cada uno sepa ocupar su rol y cada uno haga bien su trabajo, entonces, es la única manera de funcionar. Creo que me costó 8 años poder elegir la gente que tengo hoy por hoy al lado mío, por eso en Darkmind y la gente que trabaja en el disco nuevo es prácticamente al 100 por 100, sumando elementos nuevos y gente nueva también, pero quedó directamente como staff porque obviamente cada uno ocupa su rol profesionalmente.

Sobre Jason Droguett, cantante chileno que participa en tu nueva producción, cuéntanos ¿cómo conociste su trabajo y qué impresión te llevaste de él?

Bueno, Jason llegó a mí por medio de mi sitio en el MySpace y me dijo: “mira, yo soy de Chile”, se presentó, “escúchame, te mando el link, me gustaría saber si podría participar”. Yo voy y escucho a todos, no es que bocho a nadie, o sea, no me importa el país, sino que me importa la actitud y como sea profesionalmente la persona, después si lo conozco humanamente mejor todavía.

Y bueno así fue, fui a su MySpace, escuché el tema que tenía con la banda grabado y me di cuenta que tenía mucho potencial y que era buenísimo meter a alguien de Chile, porque si bien de Argentina participan, por el lado sudamericano, Chile es un referente que no estaba en los discos míos. Entonces, tenía que elegir a una persona que realmente deje bien parado a Sudamérica también, por el lado de Chile. Y al escuchar a Jason me di cuenta que era una persona muy profesional y muy cálida, estuvimos intercambiando e-mails y realmente hizo un gran trabajo y me quedé muy conforme con la performance dentro de la banda y lo elegí porque realmente me di cuenta de la manera de trabajar que iba a ser excelente y lo que yo buscaba era justamente que, “no importa si es chileno o argentino, es sudamericano para mí”. Ya digamos que la división en mis discos es, “sos sudamericano o el resto del mundo para mí”. Entonces, al ser chileno, tenía que ser alguien que realmente pegue y creo realmente que lo logró.

Por el hecho de que sea el primer chileno, ¿se te ocurre para después incorporar a otros países, sobre todo de Sudamérica, para dar a conocer?

Jason DroguettBueno, de hecho está en carpeta, no para este disco que está cerrado ya. (En el álbum) sudamericanos solamente son de Argentina y Chile, nada más. Pero para la continuación de este disco doble, una vez que salga a la luz, yo ya estoy armando cosas. Están en carpeta varios países, Colombia es uno de los que viene en carpeta por ejemplo. No obsta que no sume a otro chileno o alguna chilena, o sea, hay que ver en el momento lo que estoy componiendo y la persona si se ofrece si justo cuadra. Cuando le mandé la canción a Jason me dijo: “uh, si, ésta canción me calza”. Yo creo que se luce francamente, le puso mucha garra, le puso fuerza.

Está en carpeta seguir sumando gente de Sudamérica. Simplemente por el lado europeo es porque la infraestructura me permite con ellos interactuar musicalmente y lograr, por ahí quien sabe, el producto un poco más rápido terminado. Tienen más accesos ellos a lo que es la grabación y demases.

Pero cuando hay ganas y hay voluntad, y realmente se quiere estar en algo, creo que el trabajo y el esfuerzo de cada uno tiene su premio a la larga. En el caso de Jason, yo creo que él quedó contento con la canción y yo quedé contento con su performance, la letra la pudimos armar entre los dos, adaptó muy bien todas las líneas, entendió el concepto. Cuando sos profesional, sos profesional.

Bueno, con el mismo Jason, ¿han conversado de alguna probable visita o presentación en nuestro país?

En este momento, como te decía, el problema es que no estoy tocando en vivo porque estoy abocado a las grabaciones. De hecho, había una cosa graciosa que me pasó con un productor de afuera y me decía: “¿pero vas a tocar en vivo?”, “bueno la idea es sí, montar el en vivo”, “y entonces, ¿qué es más prioridad?”, “los discos”. “¡Claro!”, me dice, “te entiendo, porque, qué le importa a la gente de Taiwán si vos tocas en Argentina, lo que quieren es escucharte en el disco”. Y sí, es verdad porque los discos míos están todos en Taiwán y es gracioso, no, pero a su vez tiene coherencia y si uno quiere subsistir con esto es, o le resto tiempo a una cosa para hacer la otra, y entonces qué tengo que hacer. Si lograra tocar en Chile, por supuesto que convocaría a Jason, ni hablar. De hecho, si tocaría en Argentina, que tengo en carpeta hacer, a la larga, por ahí un DVD inclusive en vivo y vamos a ver qué podemos hacer para traer a alguna de las personalidades que tocan. Jason podría estar en esa carpeta también, a mí me importa mucho el lado profesional y el lado humano, por eso te digo.

Cuéntame un poco sobre cómo está la escena metalera en Argentina, en los medios, en el apoyo de la gente, etc. ¿hay bandas nuevas que puedas recomendarnos?

Beto VazquezBandas nuevas hay un montón, levantás una baldosa y sale una banda argentina, o sea, hay muchas de hecho. De hecho, la gente que te va a ver en los conciertos, no se, van 600 personas y 400 de ellas tienen una banda, o sea, acá por suerte la música se sigue consumiendo en el disco original como hablábamos hace un rato, porque no está todo perdido por lo menos a nivel discográfico, y a nivel música tenemos varios medios. La internet ayuda como veníamos hablando, los webzines y demás que ayudan al movimiento hacen que esto no se pierda y siga creciendo.

Sobre los conciertos; vienen muchas bandas de afuera, muchísimas, vos sabés que viene Virgin Steele, viene Manowar, Stryper, Gamma Ray, Helloween, etc,  todo el mundo viene acá. Se ve que le encontraron el negocio obviamente y está buenísimo para poder acercar, pero eso limita a las bandas nacionales también para hacer sus propios conciertos y tienen que morir siendo soportes de una banda internacional porque una banda que no es masiva, hoy por hoy después de muchos años que se cambiaron los reglamentos para poder tocar, no tiene mucho espacio. O sea, es muy simple: o tocas para, por decirlo de alguna manera, una banda chica para 300 personas o tenés que ir directamente a un renglón de 1.500 o 2.000. O sea, ahí no está el promedio que antes había que por ahí era 800, 700, o sea, muchos de ellos se cerraron a partir de la desgracia que hubo en el boliche Cromañón hace muchos años (2004). Y bueno, este perjudicó bastante a la escena nacional, pero actualmente se sigue tocando y no se ha perdido ni la garra ni el amor por la música acá, por suerte.

¿La gente allá consume las bandas originales o también van mucho a fiestas con bandas tributo de afuera?

Hay muchas bandas que tributan a grandes del metal pero la mayoría trata de hacer sus propios conciertos acá en la Argentina. Por lo menos eso todavía sigue vigente, no importa si una banda es chica o medianamente grande, trata de solventarse sus propios conciertos y hay bandas tributos también como vos decís hay también muchas.

Por lo menos la original tiene su espacio para tocar.

Si si si, se puede, hay lugares para tocar.

Beto Vazquez

Beto, gracias nuevamente por tu tiempo, puedes enviar un mensaje a tus fans que visitan PowerMetal.cl

A todos los hermanos de Chile, obviamente me encantaría tocar para ellos, por supuesto que sí. Ojalá reciban bien el nuevo material. Apoyo absolutamente la escena del metal de Chile, Argentina y Sudamérica, no importa más allá del idioma, que se cante la música es lo que queremos. Y ojalá algún día podamos vernos face to face todos porque que sería muy agradable para mí. Les mando un aguante realmente por el gran problema que han tenido últimamente con los benditos terremotos, mi solidaridad para ellos, un gran abrazo metalero para todos y apoyen a la web firmando, leyendo, mandando promos, lo que sea, porque es otro engranaje de este sistema que todos tenemos que defender y lo que amamos, que es la música simplemente.

Un gran abrazo para todos y gracias a vos.

Guillermo Salazar

Imágenes: myspace.com/betovazquezinfinity

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