El 2009 Saratoga intentó tocar en Chile. Se anunció un concierto de la banda española en abril de ese año e incluso su líder, Niko del Hierro, se contactó con los medios para hablar de esa -al final frustrada- visita. De aquella oportunidad desempolvamos una entrevista especial, cuando todo iba en camino y el bajista no podía esconder su entusiasmo por llegar a Santiago.

“Yo sé que el público chileno es un público muy (risas), ¡muy conocido de los temas!, ¿no?, sabe de qué va la historia y queremos ofrecerles un espectáculo que puedan ver todo”, comentaba del Hierro. “Txus de Mägo de Oz siempre me ha dicho durante años ‘tío, ¡tenéis que salir!, ¡tenéis que cruzar el charco!, que os quieren mucho allí en todos esos países y debes ir’. Y bueno, yo tenía un amigo maravilloso que es Big Simon (1972-2006), que él era nuestro productor y era chileno, ¿no?, tenía mucha relación con él y me comentaba muchas cosas del país. Ojalá él pudiera haber estado aquí para ir con nosotros”.

Pero el músico no sólo habla de ese concierto sino de toda su carrera, del recuerdo de integrantes esenciales como Leo Jiménez y Jero Ramiro, de la nueva formación que este 2012 ya cumple cinco años de vigencia y varios otros temas que hacen de esta entrevista una lectura más que interesante el día de hoy.

“¡ESTO ES SARATOGA!”

Si bien hay muchas bandas melódicas europeas que han venido, sean de Finlandia o Alemania, todavía no se ha afirmado una relación del todo sólida con las españolas, ya que a excepción de Mägo de Oz las demás no tocan acá de forma tan seguida. ¿Cómo ves tú la relación entre la escena metalera española y sudamericana? ¿Cómo la notas desde allá?

Yo la relación que veo, de lo que conozco y a través de los mails que me envía la gente que son un montón, es un cariño especial que nos tienen. Y yo siempre he querido ir a visitarlos a todos, a todos esos países, ¿no?, evidentemente. Lo que pasa es que se tienen que dar las circunstancias, pues a un poquito de calidad de equipo, de poder hacerlo bien y no ir a ofrecer una chapuza, ¿no (risas)? Entonces bueno, ahora es que se están dando las cosas, confío en la gente que está organizando y que bueno que hay allí un montón de fans que quiere allí a la banda, ¿no? Yo lo que sí te puedo decir es que ofrecemos un espectáculo de cuatro tíos que dejan el alma en escenario. Somos europeos y latinos, ¿no (risas)?, sobretodo eso y tenemos en común el idioma que creo que es muy importante.

Justamente hablando de los últimos años de Saratoga, nos encontramos con una banda que desde el 2007 tiene una nueva “marca”, si pudiésemos hablar en términos de Deep Purple, que básicamente la armaste a partir de cero con Tete Novoa (voces), Tony Hernando (guitarras) y Andy C. (batería). ¿Cuál es la diferencia del show que tenías con la Leo (Jiménez), Dani (Pérez) y Jero (Ramiro)…?

¡(Interrumpe) pues nada!, que con ellos hay una amistad. O sea no hemos sacado para nada mal. El otro día estuve en la presentación de Leo que está haciendo pues varias cosas y demás, ¿no?, y con Dani pues me veo muchísimo. Y bueno, hay una relación muy buena, lo que pasa es que desafortunadamente ellos decidieron marchar. Dani lo hizo primero. Andy lleva ya con nosotros de la gira de Tierra de Lobos aquí por España y ya con esta formación pues que estoy muy contento. Ha sido muy difícil poder conciliar todo porque evidentemente lo otro también era muy bueno. O sea, jamás me escucharás una mala palabra de ellos. Pienso que es una gran banda también lo que teníamos en ese entonces, pero no los menos ahora mismo. Podéis ver muchos documentos en el Youtube, ¿no?, poniendo Saratoga con la formación actual y ver un poco cómo es la historia. Pienso que teníamos que hacer una cosa muy digna porque yo, evidentemente, le tengo un enorme respeto a lo que es nombre de Saratoga. Son 17 años y no iba a ofrecer una cosa que fuera una chapuza como decimos aquí, ¿no? Creo que la gente le puede gustar más o menos, pero indiferente no se queda y te puedo asegurar de que dejamos la piel allí arriba y que el resultado pues con esta formación es idóneo. Yo a veces no me lo creo, ¿no (risas)?, ver a un Tony Hernando tocando la guitarra de esa manera cómo la toca es impresionante, o Andy con sus baquetas y qué te voy a contar de Tete, ¿no?, quien tenía quizás la parte más difícil, el sustituir a un cantante como Leo. Era un tío que tenía que cantar los temas antiguos de manera que… claro, me gusta ir a un concierto y escuchar los temas como son, ¿no?, no me gusta que me los estén cambiando de arriba abajo y no sepa ni qué canción está cantando, porque canta tres tonos por debajo o por arriba. Entonces Tete es un tío capaz de hacer eso y al mismo tiempo con nuestro disco VII (2007) transmitir una personalidad brutal. Y ya hay grandes clásicos como El Vuelo del Halcón, El Dueño del Aire, ¿no?, de este último trabajo nuestro y bueno, estamos muy contentos. Lo que pasa es que ya han pasado caso dos años casi desde que ocurrió aquel cambio de formación y para mí pues ya estoy muy acostumbrado.

CON GANAS DE CONTINUAR: “CUESTA MUCHO SUBIR A UNA BANDA ARRIBA COMO PARA DEJAR QUE SE ESCAPE Y OLVIDARLA DE GOLPE”

Enfrentaste el desafío de rearmar esta banda y quizás tu misma experiencia de haber estado en Barón Rojo reemplazando en cierto modo a Sherpa en el bajo, pudo haber ayudado mucho a tus muchachos al momento de lidiar con esta presión. ¿Qué apoyo les diste en especial a Tete por ejemplo y a Tony, cuando debieron reemplazar a grandes referentes?

Sí, evidentemente lo que dije fue que cuando hiciese Saratoga de nuevo… o sea, nunca lo paré, ¿no?, decidí seguir adelante y lo dejé muy claro desde el principio. Dije que no me iba a esconder a tocar en pequeños pubs para que la gente nos pudiera ver, para ver qué era lo que hacíamos, no, no, no. El primer concierto de esta formación de Saratoga fue en un festival que se llama Viña Rock aquí en España, tocamos ante 20 mil personas y yo les dije ‘esto es lo que tenemos que hacer, salir allí arriba y tocar como sois. No hace falta hacer nada más. La gente está ahí, los temas están y tenemos que morder el polvo del escenario y apretar los dientes y salir’. Y la verdad que fue una responsabilidad auténtica porque imagínate a Tete… primer concierto, 20 mil personas de golpe y dice ‘¡¡¡madre mía (risas)!!!’. Es como decimos aquí, hay que acojonar un poco, ¿no (risas)? Pero bueno, que lo hicieron muy bien y yo quería hacer eso, no me quería esconder. Si la gente no nos quería pues que nos lo dijera mejor, ¿no?, porque eso de esconderse no va conmigo, siempre doy la cara y me gusta salir allá arriba haya 100, 200, mil personas o 20 mil, me es igual. Siempre ofrezco todo lo que llevo dentro y jamás me esconderé.

De hecho, quizás con Leo y Dani pasó lo mismo que contigo cuando formaste Saratoga después de Barón Rojo, que ellos optaron por sus propios proyectos lamentablemente en desmedro de Saratoga. Para Leo tal vez el esfuerzo de estar en Saratoga y Stravaganzza al mismo tiempo era demasiado brutal. ¿Cuándo se dieron cuenta de lo pesada que era esa tarea?

No, fue inmediatamente que decide irse de la banda. El primero fue Dani porque hizo Stravaganzza con Leo y después hizo Skizoo, la banda también española, y entonces bueno, nos planteó que quería volcarse en Skizoo y que quería pues eso, salir adelante con su banda.  Lamentablemente también dejó Skizoo y ahora está haciendo otro grupo que se llama Khael. Y bueno, son decisiones personales que toma cada uno al igual que Leo cuando ya decide irse… porque Andy sustituyó a Dani, ¿no?, y luego pues pasado un año tanto Jero como Leo estaban cada uno en su historia, ¡pues no tenían ganas de continuar! Evidentemente YO SÍ TENÍA GANAS DE CONTINUAR y seguir para adelante. Creo que cuesta mucho subir a una banda arriba como para dejar que se escape y olvidarla de golpe, ¿no? Pero bueno, cada uno toma sus decisiones me parezcan aceptables o no y evidentemente… pues eso, como yo un día decidí marcharme de Barón Rojo y hacer una banda que llama Saratoga, o antes me marché de una banda que se llamaba Ñu, otra que se llamaba Panzer (risas), ¡50 mil bandas (risas)!, hasta que al final encuentras tu destino y pienso que hacen bien, ¿sabes? Para la gente es malo el tema de los cambios. Evidentemente es muy difícil volver a encausar al grupo, a tener gente buena, ¿no? Pero bueno, creo que Saratoga es así, son siete formaciones ya las que llevamos y el primer cantante que tuvimos fue Fortu (Sánchez) de Obus… ¿qué te voy a contar?, ¿no?, y entonces pues ha habido muchos. Después estuvo Gabi Boente y Leo fue el que más huella dejó, evidentemente, pero cada uno tiene su oportunidad en la vida y debemos aprender de lo bueno y de lo malo. A mí la ilusión no me la quita nadie, de pelear y sigo peleando con Tete, con Tony, con Andy.

Cada separación, cada distanciamiento que se ha generado con los miembros de Saratoga siempre ha sido en términos amistosos. ¿Cuán importante es para ti tener no sólo una relación buena de negocios con tus colegas, sino también una relación humana?

Para mí es una de las cosas más importantes. Si tú vas a cualquier trabajo, en una oficina, en una mina, en un (risas) banco, en un… donde sea, una fábrica, y te vas todos los días a disgusto al final tu vida es una mierda, ¿no? Entonces, lo que hay que tratar es que si tienes un curro que no te gusta, hacerlo lo mejor posible con la amistad, con los amigos que tengas y tirar pa’elante, ¿no? Cuando es un grupo son muchas horas juntos, muchas historias, muchas vivencias, entonces creo que… no es necesario ser el mejor amigo del mundo de uno, de otro, pero es una cuestión de tener claro dónde quieres llegar y qué quieres hacer. Yo me siento un privilegiado de poder vivir de la música y a mí pues no me apetece dejar absolutamente nada de lado. Y creo que en una banda es importante llevarse bien porque si tienes un mal rollo, ¿para qué vas a estar? Es muy duro, es muy complicado, o sea no es cuestión de llegar y besar el santo como decimos aquí, ¿no?, llegar y ‘¡ole!, ¡todo es pasta!, ¡todo es dinero!’, no, no. Esa pasta tarda mucho en llegar, se va muy fácil y tienes que tenerlo claro, ¿no? He me tirado currando en 50 mil cosas antes de poder vivir de esto y afortunadamente pues como te digo me siento muy privilegiado, pero la amistad es importante y tenerla presente siempre, y sobretodo no creerte nada, ¿no?, eso pienso que es una parte importante. Quiero que me recuerde la gente como un tío que pasó por la música, que estuvo aquí y no le hizo daño a nadie, sino que peleó por su historia y que allí está. Te puede gustar o no pero pienso que es importante el llevarte bien con la gente y ser gente sana, ¿no?

DE LA FURGONETA A LA CONSOLIDACIÓN

Te creo harto cuando hablas del tema de la humildad porque nosotros vemos que a Saratoga, si bien comenzó como una especie de súper-proyecto, súper grupo de grandes conocidos del metal español, del rock español, no fue quizás hasta la última década que empezó realmente a tener éxito con sus canciones y de verdad se llegó a consolidar. Al principio hubo diez años muy duros, antes de hacer a Saratoga conocido…

¡¡¡Muy duros (risas)!!! Sí, la verdad es que cuando creamos el grupo… pues eso, veníamos de Barón Rojo, de Ñu, de Obus, de todos esos, de Muro, y la gente creía que esto iba a ser muy fácil, ¡pero ni siquiera una compañía se brindaba! Tuvimos que sacar un disco, el primer disco (Saratoga del ’95) con un sub sello de Avispa que se llamaba Foque y fue con lo que empezamos, ¿no?, pero realmente nuestro éxito no llegó hasta el disco Agotarás (2002). Quizás también tenga que ver los temas y las canciones, o sea, no por el hecho de un nombre ya lo tienes todo hecho, qué va, qué va. La gente no es tonta, no hay más en nuestro medio. La gente es muy inteligente y conoce muy bien si sabes tocar, o sabes tocar mal, y yo creo que los temas también fueron importantes. A lo mejor no llegaron grandes canciones hasta cierto momento y o no se dio el momento adecuado, ¿no?, y ahora estamos en un camino pues que empezamos a pelear, a luchar, y yo pienso que con buenas canciones, con buenos temas se pueden conseguir las cosas. Aparte de un esfuerzo de currar y lo que te digo, creer en tu música pero no creerte nada personalmente, ¿no? Puede llegar otra persona por detrás y UFFF, mirar para arriba y decir ‘¡¡¡MADRE MÍA COMO TOCA ESTE CHICO!!!’. Otra cosa es que puedas transmitir o no puedas transmitir, ¿no? Hay muchos músicos muy buenos que lamentablemente no transmiten, y músicos un poquito más malos tienen la genialidad de poder transmitir a la gente. ¡Y hay otra pues que toca y transmite muy bien!

Y dime tú, ¿cuándo crees que Saratoga empezó a transmitir como un grupo propiamente tal? ¿Cuándo se le empezó a reconocer como grupo propiamente tal en lugar de una súper banda con grandes nombres mezclando rock clásico con metal actual? ¿Cuándo crees que la gente se olvidó de las credenciales de los integrantes y comenzó a escuchar las canciones?

Yo creo, que te digo, que casi en Agotarás. Vientos de Guerra (1999) ya empezó la cosa, ya empezó la gente a ver que era un grupo serio porque el primer disco que sacamos… pues eso, decía ‘reunión de maestros (risas)’. Después hicimos un disco de tributo a bandas españolas y ahí… bueno, no sé, la gente lo tomó un poco… le gustó mucho pero parecíamos un grupo de década, ¿no?, un grupo de versiones, ¿no? Entonces dejamos aquello e hicimos Mi Ciudad (1997), un disco más metalero con Gabi ya ahí. Era muy bueno y ahí la gente nos empezó a reconocer también como grupo, no como solamente nombres. Y luego en Vientos de Guerra yo pienso que ya se asentó la cosa, empezamos a coger carretera, la furgoneta y viajar arriba abajo haciendo kilómetros, tocando en salas pequeñas, en salas grandes y pues eso… llegó el disco Agotarás y empezamos a tocar por más festivales y pegamos otro cambio también con El Clan de la Lucha (2004), en el cual el sonido era ya bastante más potente, bastante mejor. Tierra de Lobos (2005) y el VII, el último disco que hemos sacado, pues ya son muy profesionales, o sea que realmente pues uno le puede sacar pegas, ¿no? ¡Yo como músico siempre saco!, ¿no? Evidentemente después de 17 años lo que te vas encontrando es gente de otras edades, de otras historias. Como diría Mick Jagger, ¿no?, si tocamos para gente de nuestra generación, ¡tocaríamos en cabinas de teléfono porque no vendría ni ése (risas)!, porque no, ya está con los niños, ya está con no sé quién, ‘es que no me apetece, estoy cansado’. Entonces mantener aquello que teníamos y la gente nueva que viene a vernos, eso que es importante.

“MOMENTOS MALOS, MOMENTOS BUENOS, MOMENTOS MEJORES, MOMENTOS PEORES”

Y bueno, Jerónimo y tú fundaron Saratoga y aguantaron todos esos años hasta llegar a la consolidación. Entendiendo que siguen siendo amigos, ¿qué es lo que echas más de menos de su compañía?

No se trata de echar de menos, simplemente yo pienso que es una época que has vivido. Estamos bien y es mejor tenerlos con una imagen buena. O sea, evidentemente ha habido momentos malos, momentos buenos, momentos mejores, momentos peores, pero yo decidí tirar a Saratoga adelante, él decidió tirar pues un disco en solitario, creo que está haciendo una banda nueva y allí es donde tiene puesta toda su fe, ¿no? Y bueno, hemos pasado muy buenos momentos y ahí están, lo que pasa es que yo ahora tengo mi banda que se llama Saratoga en la cual tengo un guitarrista maravilloso, Tony Hernando, un batería que se llama Andy y un cantante que se llama Tete. El recuerdo está muy bien y lo tengo siempre con lo mejor, ¿me entiendes?, pero hay que mirar al futuro y no hay más.

Pero recuerdo que los medios españoles dijeron que el conjunto casi se había roto tras la salida de Leo y Jero por ejemplo y en ese momento se vio como una especie de crisis. Para ti, ¿cuán difícil fue realmente esa época antes de dar con la nueva formación?

Sí, evidentemente hubo mucha gente que hablaba y evidentemente el tiempo la ha puesto en su sitio porque Saratoga sigue, ha hecho más de 50 galas este verano con lo cual se equivocaban, ¿no?, ¡el que no estaba equivocado era yo (risas)! Eso es evidente porque si yo hubiese parado y no hubiese hecho nada y les hubiese hecho caso… lo que no puede ser es que la gente piense que sólo hay un cantante en el mundo, que sólo hay un guitarrista en el mundo, que sólo hay un bajista en el mundo y que sólo hay un batería en el mundo. Eso sería triste, ¿no? Es como el que lee, te gusta ver libros y dices ‘bueno, pues me gusta Paulo Coelho, nada más que leo a Paulo Coelho y joder, me dejo todo lo demás, ¡todos los demás escritores me los dejo porque son malos!’, ¿¡cuál es el problema!? Evidentemente sí hay una crisis cuando un grupo se disuelve y te quedas después medio solo con Andy… Andy se va a Holanda de viaje y yo tengo que hacer todas las gestiones, pero siempre he sentido mucha capacidad de moverme y de hacer y mucha fe en lo que creo cuando estoy haciendo una cosa. Y yo te aseguro de que hubiese sido el primero que habría tirado la toalla si esto no era bueno, ¿sabes? Yo creo que es un buen Saratoga el que estoy mostrando aquí y no he venido a esconderme. O sea, al año he tenido un disco nuevo en la calle con nuevos temas, no quiero vivir de las rentas de antiguos temas y es lo que he hecho. Evidentemente que esto es Saratoga y tiene temas muy bueno antiguos, desde el primer disco hasta el último. No soy tonto y sé lo que la gente quiere escuchar y es más, a mí me encanta tocar Las Puertas del Cielo, Angel de Barro, Maldito Corazón, Perro Traidor, pero también me gusta tocar El Vuelo del Halcón o Dueño del Aire, ¿no?, pienso que son temas que merecen estar en un setlist donde estamos tocando casi dos horas en directo, con lo cual la gente que acuda al concierto verá a un Saratoga de toda la vida, no un Saratoga nada más que del 2007, no, no. Le tengo un gran respeto a los temas que tenemos, a las composiciones que hemos tenido, ¡y esto es Saratoga!, si no se llamaría de otra manera. Yo espero que tenga esta alineación por bastante tiempo, espero que sí. Nunca puedo decir ‘de esta agua no beberé’ o ‘ni este cura es mi padre’, pero bueno (risas), creo que sí.

Y hablando de Tony, el guitarrista líder hace como el papel de segunda voz con sus solos en una banda. Considerando sobretodo eso, Tony es un virtuoso de la guitarra que ha trabajado con Mike Terrana, con mucha gente en su carrera solista. Para ti, ¿cuáles son los principales ingredientes que le ha entregado a la banda con su llegada?

Muchos, él es un tío muy trabajador, muy constante, muy buen músico. O sea, es impresionante verle tocar. De hecho yo he grabado el disco que acaba de sacar ahora a la venta hace muy poquitos días, Tony, Mike Terrana y yo. Entonces yo creo que sí estoy compenetrado con él, que me encanta cómo toca y cómo hace cosas, ¿no? ¿Pues qué te voy a decir?, ha aportado muchísimo. Aunque sus discos sean -digamos- más virtuosistas que Saratoga… ¡pero entre comillas porque mantenerlo quieto es difícil (risas)!, con lo que toca, ¿no? Entonces lo que te digo, que es muy heavy, es un tío muy heavy. La gente se sorprendería de que le puede gustar Dimmu Borgir o le puede gustar Pantera o le puede gustar Dream Theater, ¿no? ¡Pues que a mí me ocurre lo mismo (risas)!, me gusta todo tipo de música… ¡yo pienso que existe la música buena y mala y punto!, ¡no hay más! Tony lleva un montón de discos ya y ha peleado por esa historia, las personas saben lo que hay allí, no tiene la necesidad de ponerse a buscar y decir ‘oye, voy a intentarlo con lo mío solo porque tal’, ¡él ya lo ha hecho!, ¿sabes? Hay una diferencia de cuando no has hecho nada nunca y quieres empezar una nueva etapa con un nuevo grupo, una nueva historia, evidentemente te tienes que volcar, pero lo que él quiere es estar en Saratoga, no en otro grupo, y evidentemente sacar sus discos como lo hace y yo colaboro con él en todo lo que puedo.

POWER METAL Y LETRAS EN INGLÉS: “NO SOY TAN DE SHAKESPEARE”

Luego de hablar de Mike Terrana y de bandas extranjeras, me gustaría preguntarte acerca de tus “experimentos” con las letras en inglés que has hecho con Heaven’s Gate (2003) y The Fighting Clan (2006), con la idea quizás de insertarse en el mercado del viejo continente. Sin embargo, ese material tuvo mucha mayor aceptación en tu país que en el resto de Europa. ¿Cómo explicas ese fenómeno?

¡Pues yo que lo tengo muy claro (risas)!, yo lo tengo muy claro. Se hizo un intento con Heaven’s Gate, con un maxi single de varios temas cantados en inglés, y con El Clan de la Lucha también en inglés… lo que pasa es que las adaptaciones al inglés seguramente no eran todo lo buenas que debían ser ni las canciones estaban adaptadas todo lo bien que debían estar, ¿no? Entonces fue un capricho el hacerlo, se hizo y ya está, ¿no? Yo supongo que era el fan inglés o el fan alemán acostumbrado a producciones en inglés como las de Helloween, como las de Scorpions que son alemanes, o las de Maiden o Judas… ¡pues tienen que notar algo raro en el lenguaje!, ¿no (risas)?, entonces aquí en nuestro país yo creo que fue un caso anecdótico. Hay gente que le ha gustado mucho esos discos y está. Todavía pienso que hay una parte que hacer ahí importante y creo que la retomaremos en breve puesto que Tony estuvo viviendo en Los Ángeles mucho tiempo y controla perfectamente el inglés, y Andy igual, que ha estado viviendo en muchos países, ha estado tocando en un montón de sitios y lo controla perfectamente también, con lo cual ya no va a ser un tema de elegir el lenguaje, ¿no? Podremos volver a intentarlo quizás más adelante. Pero bueno, eso fue una simple anécdota y no tiene mayor importancia, ¡como ves (risas)!

(Risas) en todo caso y como estarás de acuerdo conmigo, nosotros los latinos como también los italianos y ustedes los españoles tenemos un acento muy fuerte cuando hablamos el inglés, uno muy feo…

¡EXACTAMENTE!, ahí está, pero no, ¡nuestro acento es muy bonito (risas)! Lo que pasa es que cuando nos queremos poner a hablar japonés es jodido (risas). ¡Que nuestro acento es muy bueno!, si las cosas que han hecho a lo mejor Bon Jovi o David Lee Roth cuando los hemos escuchado en castellano también un poco, ¿¡pues qué hemos dicho!?, ‘¡PUES WHOAH (risas)!, ¡qué acento más raro tienen!’, ¿no? Pues imagínate eso por dos en inglés (risas).

Pero bien (risas), con Saratoga has tenido la oportunidad de tocar con muchas bandas Power Metal de las que estábamos hablando hace poco, haciendo giras con At Vance, con Kamelot incluso…

…y con Saxon, con Nightwish… con un montón de gente. Con Deep Purple he tocado como tres veces ya, ¿no?, y fue maravilloso tocar juntos con ellos y estar en escenario con Roger Glover, Ian Paice, Ian Gillan… es impresionante.

Sí, pero a lo que quiero llegar es que tú te has relacionado con letras de Power Metal de mucho antes que incluso se definiera a Saratoga como una banda de Power Metal. Ya hablabas mucho de cosas fantasiosas y cuestiones por el estilo. Mi pregunta va por cuánto en realidad te ha marcado este movimiento europeo de metal melódico, de Power Metal, como compositor de Saratoga.

No. Pude hablar en un momento de castillos y de mazmorras y de dragones o de lo que sea, ¿no?, pero no es mi norma. Yo lo que sí hablo es de las vivencias que tengo como persona pero sí utilizo mucho la metáfora, ¿sabes lo que te digo? Llego a un terreno a lo mejor quizás más lírico, más poético, ¿me entiendes?, aunque no es necesariamente que tenga influencia del metal alemán, primero porque tampoco me entero mucho de sus letras (risas). No soy tan de Shakespeare (risas), ¡puedo ser más de nuestro Don Quijote (risas)!, ¿no?, entonces pues bueno, yo pienso que son las vivencias lo que tú tienes y peleas por hacer poesía con la música y lo vas a retomar un poco, pero evidentemente me gusta todo tipo de letras, no te puedes quedar como te decía antes con un solo libro. Si te gusta la novela policíaca no te niegues a la novela de otro tipo. Y por supuesto, o sea a nivel musical te cuento que Saratoga se acerca a  cosas como Edguy, Stratovarius, entonces evidentemente te influyen. También hemos tenido a Helloween mucho tiempo, ¿no?, lo que pasa es que intentas no coger, no copiar todas esas cosas. Yo pienso que tienes que tener tu propio sello pero estamos en la música metidos y al igual que en un momento dado haces una canción más tipo Manowar por ejemplo, puedes hacer un temón más Helloween o algo así similar, ¿no? Cuando llevas tantos discos y tantas historias pues ya es un más Saratoga.

Por último, con todos los miembros que han pasado por tu banda, con cuatro cantantes, tres bateristas, ¡más bateristas!, dos guitarristas, ya a estas alturas mucha gente dice que Saratoga es Niko del Hierro. ¿En qué medida encuentras tú que eso es cierto, que ahora Saratoga es sinónimo nada más que de Niko del Hierro?

No, yo creo que eso no puede ser. O sea, evidentemente si eso fuera así yo no estaría en Saratoga. Se puede ver en VII que todo el mundo ha compuesto y también se verá en el próximo que todo el mundo ha compuesto, ¿no? Una cosa es que sea la cabeza un poco más visible de la banda y en eso evidentemente estoy de acuerdo, yo soy el que llevo los hilos de esta historia, pero todo el mundo comparte opinión, hablamos, decidimos cosas, si vamos, si no vamos, si hacemos, si no hacemos, ¿no? Yo pienso que bueno, es un peso importante dentro de la banda, aunque no soy yo ni mucho menos (risas).

A pesar que jamás ha venido, Leo Jiménez sí tiene de hace mucho una historia con Chile. La insigne voz de Saratoga, gestor de Stravaganzza, protagonista de Jesucristo Superstar y actual 037 al fin podrá actuar en el país este 31 de enero y en entrevista comparte ese especial vínculo, además de adelantar detalles del show que presentará en el Teatro Caupolicán. La voz más poderosa de España es la invitada de PowerMetal.cl a esta conversación.

Escucha a Leo contestando las preguntas haciendo click en los reproductores debajo de cada respuesta.

037LEO EN CHILE: “¡NO VAMOS A DEJAR RESPIRAR PRÁCTICAMENTE A NADIE!”

Tú sabes que mucho tiempo ha pasado a la espera que se escuche tu voz acá en Chile. En especial hace poco que fuiste a Colombia, donde tuviste una experiencia que tú mismo dijiste que será muy difícil de olvidar, ¿qué fue lo que te marcó de esa visita y, por lo mismo, qué esperas del resto de las fechas en Ecuador, Costa Rica, Chile y el resto de Sudamérica?

Pues para mí lo que más me marcó sobretodo fue la acogida de vuestro público. El público latino es algo espectacular, algo que no tiene nombre y yo he vivido muchas cosas pero no he vivido nunca una acogida como la que me dieron allí en Colombia, ¿no?, y estoy seguro de que en tu tierra vais a ser lo mismo. Y estoy deseando, estoy deseando ir para allá. De hecho contamos los minutos para irnos ya a la gira, ¿no? Y esperamos que cada país nos vaya sorprendiendo. Tenemos muchísimas ganas de conocer la cultura de cada sitio. Va a ser una gira larga porque vamos a ir 20 días y van a haber 15 conciertos aproximadamente, y la verdad que estamos (suspiros), ¡ilusionados es poco!, ¡muy ilusionados!

Aquí en Chile hay hambre de escucharte cantar y varios tienen esperanzas de oír no sólo material de 037, sino también de Saratoga por supuesto. ¿Qué puedes decirles a los chilenos acerca del show que traes, qué canciones vas a tocar y cuánto de tu carrera se va a cubrir?

Pues mira, te comento. En principio no me gusta tocar temas de otras bandas sobretodo cuando siguen bien activas, ¿no? Me parece un poco feo tocar temas de Saratoga porque Saratoga siguen existiendo y están haciendo muy buenos conciertos, ¿no? De hecho, hace poquito estuvieron por aquí. El caso es que también comprendo que la gente está deseando ver alguna cancioncita de aquella época. Que yo no he ido nunca a Chile y al resto de países entonces bueno, es posible que alguna coletilla caiga, alguna pequeña cosita, alguna sorpresita. Quien lo quiera oír, ¡que venga al concierto (risas)! Y luego, respecto al setlist va a ser principalmente del primer y segundo disco de 037, Títere con Cabeza (2009) y Los Fuertes Sobreviven (2011). Vamos a tocar pues cerca de hora y media, una hora tres cuarto, ¿eh? Va a ser un show muy, muy intenso, vamos a descansar muy poquito. Es decir, ¡no vamos a dejar respirar prácticamente a nadie! Somos una especie de grupo de esencia, ¿no?, de esencia del rock de los ochenta y de los noventa, de los buenos momentos del rock y del Heavy Metal. Y es un concierto muy directo, muy crudo sin mucha parafernalia. Es decir, nosotros no llevamos fuegos artificiales ni llevamos muñecos gigantes que explotan. Nosotros vamos a dar caña como se daba antiguamente, ¡caña de verdad!, sin necesidad de parafernalia, ¿no? Y pues bueno, te puedo adelantar algún temita. Por ejemplo, de Títere con Cabeza pues seguro que vamos a tocar Bella Julietta, la gente lo está esperando. Seguro que tocaremos Desde el Ataúd, Condenado, Caminos de Agua. Son temas que siempre están deseando oír allí y nosotros los tocaremos. Y luego, por supuesto, de Los Fuertes Sobreviven tocaremos Héroe, tocaremos Tantas Vidas, tocaremos la otra balada que se llama Siempre Estará en Mí. Tocaremos Volver, que ese tema lo hemos preparado justo para vosotros. Vamos a estar tocando un montón de canciones del nuevo disco y del anterior y luego alguna sorpresita también.

“UNA DE LAS RAZONES POR LAS QUE YO DECIDÍ ABANDONAR SARATOGA ERA QUE ME MORÍA DE GANAS DE IR A VUESTRA TIERRA Y CON SARATOGA LO VEÍA MUY DIFÍCIL”

Y con lo exitosa que ha sido tu trayectoria en España, quiero preguntarte por qué no fue posible verte en Chile antes con Saratoga. ¿Por qué es posible ahora con 037 y no lo fue antes con Saratoga?

Pues es muy buena pregunta, es muy buena pregunta. Con el caso concreto de Chile no lo sé, pero te puedo decir que Sudamérica en general, a lo mejor a Colombia o a México… hubo alguna oferta para México en el pasado con Saratoga y al final por un montón de impedimentos, sobretodo de aquí de ponernos de acuerdo entre nosotros y tal, al final no se hizo. Yo estaba como loco, como loco por ir y te digo más… te voy a decir una cosa un poco a nivel particular, ¿no?, a nivel… cómo te diría, algo más íntimo, ¿no? Una de las razones por las que yo decidí abandonar Saratoga era que me moría de ganas de ir a vuestra tierra y con Saratoga lo veía muy difícil, cada día lo veía más difícil y llegó el momento que dije ‘voy a seguir por mi camino, quiero conocer esa tierra y quiero tocar allí’. Esa fue una de las razones.

Cuando hiciste tu primer álbum con 037, el éxito en España fue bastante grande, equiparando casi las cifras que tuviste en tus años más fructíferos con Saratoga. ¿Cuánto te sorprendió el logro de Títere con Cabeza y en qué medida atribuyes ese éxito a tu reputación en la industria o a las mismas canciones?

La historia yo la vi un poquito… fui un poquito adivino, ¿no?, lo vislumbré. Digamos que el público estaba esperando una vuelta de Leo cantando Heavy Metal clásico o Heavy Metal más convencional, distinto al de Stravaganzza, ¿no? El público lo estaba esperando y lo supe dar en el momento justo. Llegó un momento en que lo vi claro y dije ‘voy a sacar un disco de metal más clásico, de Heavy Metal de toda la vida’ y di justo en el clavo, ¿no? Lo que sí es cierto es que la acogida me sorprendió porque fue un boom muy grande. De repente pues todo el mundo se volcó con nosotros y nos dimos cuenta que 037 se había convertido en una banda muy importante de la noche a la mañana, ¿no?, y eso para mí fue una sorpresa muy grata. Luego, tanto en Sudamérica como en Centroamérica noté la acogida de mi nueva banda, que la hicieron muy grande también entonces me di cuenta que la decisión había sido acertada, que había dado en el clavo. Pues yo creo que sobretodo fue una mezcla de las dos cosas, ¿no?, de la trayectoria que yo ya traía, que la gente estaba deseando oírme cantando ese tipo de canción y que lo hice justo en el momento adecuado, ¿sabes? Yo creo que fue eso.

Las canciones que escribiste para Títere con Cabeza son material que tenías guardado de hace mucho, mucho tiempo, que lo habías compuesto cuando tenías 19 años. Ahora que tuviste la oportunidad de arreglar esos temas, de sacarlos del baúl de los recuerdos y colocarlos en un formato más actual, ¿cuán emocionante fue ese viaje en lo personal de ver que composiciones de tantos años atrás servían para esta nueva etapa?

Sí, pues para mí fue increíble, ¿no?, sobretodo que el Leo maduro, el Leo adulto  pueda escuchar las canciones que el Leo niño construyó… pues para mí ha sido a nivel personal algo increíble, pero sobretodo también muy bonito el saber que canciones que fueron desechadas… (silencio), porque fueron canciones que la mayoría yo las compuse para Saratoga, que no fueron aceptadas por las circunstancias que fuesen en aquel momento, no les pareció bien a mis compañeros, no llegaron a ningún puerto. Pero no las quise desechar, no las quise tirar a la basura y las dejé ahí guardaditas en un cajón para que esperaran su momento, y de repente cuando las volví a quitar el polvo y las escuché me dije ‘¿¡qué coño!?, ¡si estas canciones son buenas!, ¡estas canciones tienen su fruto!’. Y mira, luego, al final no me equivocaba y es una buena colección de canciones que al final ha quedado para toda la historia.

¿Y cuán distinto fue para ti trabajar en el segundo, Los Fuertes Sobreviven, entendiendo que debías empezar a escribir de cero, sin esa especie de “cuenta de ahorro” que tenías para el primero?

Pues en este caso, cuando hicimos Los Fuertes Sobreviven fue totalmente distinto, ¿no?, porque hacíamos un disco para una banda que ya existía, que ya tenía una identidad en la que mi compañero Ix Valieri, que es un ex componente de Angeles del Infierno, que está conmigo y es mi mano derecha… él y yo teníamos clarísimo a dónde queríamos llegar, qué tipo de música queríamos hacer y ya empezamos componer nuevos temas para este trabajo, o sea no eran rescates como antiguamente. Entonces la verdad es que este disco ha sido muy difícil porque ya lo ves desde un punto de vista totalmente diferente, ¿no?, ya sabes a qué público le llega, ya sabes cómo es el público y cómo lo va a aceptar, ya sabes cuál es la reacción que pueda tener el público cuando oiga una canción, si es más floja, si es más rápida, si es más cañera. Entonces decidimos empezar de cero literalmente y si te das cuenta este disco, Los Fuertes Sobreviven, es quizás distinto al primero. Es menos Heavy Metal y por un lado es más rock americano, más hardrockero, y por otro lado más metal moderno, más contemporáneo del año 2000, ¿no?, del 2000 para acá. Quizás en este último álbum no hay tanto Heavy Metal puro como pudiera haber en Títere con Cabeza, entonces quisimos hacer… digamos dar un ingrediente más de la banda, ¿no?, que el público pueda ver las distintas facetas de lo que nos gusta. Y a nosotros, sobretodo a Valieri y a mí que somos los que componemos ahora, nos gusta mucho toda la música de finales de los ochenta y, sobretodo, de principios de los noventa, de la época de Pantera, de Skid Row, de Guns n’ Roses, Metallica, Iron Maiden, Testament, Megadeth… o sea, este rollo que hemos mamado y que nos gusta. Entonces creo que en este último disco hemos sacado esa parte, ¿no? Títere con Cabeza fue un disco más clásico y este es más moderno, un poquito más contemporáneo.

Mencionaste a Ix Valieri y eso me llama la atención, porque si bien la banda lleva tu nombre con este juego de dar vuelta la calculadora (037LEO), no es un proyecto solista sino un grupo propiamente tal. ¿Cuanto le debe a Valieri el éxito de 037?

Yo el día de hoy no me veo sin él. O sea, Valieri es una pieza del puzzle importantísima, ¿no? Como te decía antes es mi mano derecha y es muy importante, tanto como que grandes canciones de la banda son suyas, escritas por él. Yo he sido lo suficientemente inteligente como para darme cuenta de su talento y he tenido la sabiduría ya de años de no querer tener el protagonismo absoluto yo solo, y cederles a todos mis compañeros protagonismo y su lugar, ¿no? Entonces gracias a eso, a que no soy un músico egoísta, he conseguido que Valieri se ponga en donde se merece. Es uno de los mejores guitarristas del país y del mundo si me apuras, dentro del rock y el Heavy Metal, ¿no? Es un compositor grandísimo y tiene una habilidad bestial, entonces yo creo que he acertado dejándole su espacio, dejándole su hueco para que él demuestre lo que vale, ¿no?, y eso hace al grupo más grande. Eso que todos los músicos de la banda se muestren con identidad propia hace que el grupo sea mejor, no peor.

LEO CALLEJERO E INTIMISTA

Leo, me quedé pensando en lo que dijiste al principio, que el show que traerás a Chile y Latinoamérica no será con grandes pirotecnias, que será simplemente el grupo tocando con mucha actitud y entregando pura energía. Recuerdo que en Stravaganzza, tanto la puesta en escena como la música eran muy ambiciosas, con hartos recursos, elementos, etc. Abarcaba mucho, como proyecto era gigante. Lo de 037 en cambio es mucho más simple y directo. ¿En qué medida 037 es una reacción artística a Stravaganzza? ¿En qué sentido es una vía de escape?

Pues mira, te comento. Igual, el problema que tuve con Stravaganzza antes de dejarlo digamos en letargo, ¿no?, porque Stravaganzza no ha muerto, estamos dormidos… algún día volveremos. El problema que tuvimos es que era tan ambicioso que requería de mucha ayuda económica de la cual no disponíamos. Las compañías discográficas entraron en quiebra, no había dinero en absoluto para nosotros y eso supuso que lo costeábamos todo nosotros, yo y los compañeros de la banda. Y llegó un momento en el que era insostenible. Tú no puedes tener un negocio sea cual sea, ya sea un bar o ya sea una empresa, una papelería… no sé, en cualquier negocio que sea tuyo tiene que haber un punto que te reporte también algún tipo de ganancia porque si no, al final, te ahoga, ¿no? Entonces con Stravaganzza llevábamos tres bailarinas, una performance, actores en directo. Llevábamos un vestuario bestial, llevábamos un violinista, un pianista, una corista más los cuatro músicos, más los técnicos de sonido, de luces. ¡Íbamos de gira como mínimo 12, 13 personas!, y eso era un gasto muy alto de dinero para un grupo que tampoco tenía una aceptación a nivel tan grande como pudiese ser Saratoga, ¿no?, o incluso como ahora mismo 037. El caso es que llegó un momento que se vio justo que no podíamos continuar así, que era inviable continuar así entonces lo hemos dejado parado por esa razón. Lo cierto es que con 037 yo sí tuve una reacción en el sentido que dije ‘me apetece salir a la carretera sin tanta parafernalia, sin tener que coger dos autobuses para llevar a toda la gente’. Me apetecía la carretera a la vieja usanza, ¿no?, a rock ‘n’ roll, guitarra en mano, una mochila y a la carretera, ¿no? Eso es lo que realmente me apetecía. Lo cierto es que también lo echo de menos, a Stravaganzza lo echo mucho de menos, ¿eh?, el teatro y todo lo que llevábamos con esa banda la verdad es que me llenaba muchísimo (silencio). Son las dos caras de la moneda, ¿no? Está mi lado más cercano, mi lado más de calle que puede ser 037 y luego está mi lado más intimista que es Stravaganzza.

Muy bien, y otra cosa que me llama mucho la atención de 037 es que… bueno, en Saratoga lo que hacías con tu voz era de mucho mayor “exigencia física” podría decirse, harto agudo, siempre fuerte, siempre muy en alto, fortísimo, mientras que en 037 manejas otras dinámicas. Hay más tonos medios, más tonos tranquilos. ¿Hasta qué punto fue para ti un desafío lograr un desempeño así más variado y cómo crees que reaccionó la audiencia en España, siendo que estaba acostumbrada a escucharte siempre al tope?

Pues para mí fue un reto en el sentido de que yo siempre supe que me sentía muy cómodo en tonos medios y tonos un poquito más bajos, pero nunca lo enseñé, siempre me lo guardé para mi intimidad, ¿no? El caso es que llegó un momento que me di cuenta que yo no podía seguir toda la vida tan arriba porque… no es que no me sienta cómodo arriba, me sigo sintiendo igual de cómodo que antaño pero lo cierto es que ya te cansas, ¿no? Si todos los días te ponen tu plato preferido, al final deja de ser tu plato preferido (risas), entonces hubo un momento en que me di cuenta que me apetecía tocar otros palos dentro de mi estilo y dentro de mi voz, y ha sido un cambio muy natural. De hecho, prácticamente nadie ha hecho un comentario ni al respecto siquiera, ni siquiera positivo o negativo. No se ha comentado como ‘mira, ¿os habéis fijado que Leo ha cambiado?’. Lo único que se ha dicho ha sido ‘qué versátil es Leo con los años, ¿no?’, como agrandando en cierto modo mis posibilidades como cantante. Nadie ha hecho un comentario del cambio, sobretodo ha sido más una aceptación de un Leo más maduro, un Leo más hecho a la música en general. Y también es cierto pues que cuando empecé Saratoga tenía 19 añitos, era un niño como alguien dice y al día de hoy voy camino de los 33, y pues la voz, el tono todo va cambiando… todo… está siendo un cambio muy natural con lo cual… muy bien. La verdad que la situación ha sido muy buena, el cambio nuevo.

“HASTA EL DÍA DE HOY SIGO SIENDO LEO EL DE SARATOGA”

Bueno, han pasado ya casi seis años desde tu decisión de partir de Saratoga y en un momento dijiste que, por supuesto, hay grandes recuerdos, que fue un sueño pertenecer a ese grupo, pero que también te llevabas algunos malos recuerdos. Ahora que ha trascurrido todo este tiempo, ¿con cuánta paz y tranquilidad te sientes con respecto a tu ciclo con Saratoga, considerando los buenos y no tan buenos momentos?

Sí, pues mira es curiosa esa pregunta porque hoy mismo lo pensaba, ¿no? Hoy ha habido un momento que hojeando una revista me acordaba, ¿no?, y al día de hoy ya como se dice en España, ‘a toro pasado… (risas)’, cuando ya el toro pasó de lejos… lo veo de una manera mucho más tranquila. O sea, soy una persona que tengo la facultad de que perdono, pero no con facilidad. No soy una persona rencorosa y no tengo nada malo que recordar… lo cierto es que no olvido, ¿no? Me acuerdo de los momentos buenos, de los momentos malos, de las discusiones, de no ponernos de acuerdo pero me quedo quizás con lo bueno de aquella época que pasé de ser un niño a ser un hombre dentro de una banda que me hizo muy grande, de una banda a la que le debo prácticamente todo lo que soy hoy en día, ¿no?, y hasta el día de hoy sigo siendo Leo el de Saratoga y eso es algo muy bonito también por otro lado. Yo creo que es de bien nacido ser agradecido y yo, internamente, agradecido a mi banda Saratoga.

¿Pero hasta qué punto llega a ser una carga eso de seguir siendo “el Leo de Saratoga”? ¿Cómo enfrentas por ejemplo la situación de estar tocando y algunos empiezan a pedir temas como A Morir u otros de Saratoga?

Es curioso porque en ninguna medida. Es decir, lo bueno que tiene mi personaje, Leo Jiménez, es que ha arrastrado consigo mucho de lo que fue Saratoga con lo cual la gente ha sabido ver mi mutación, ¿no? Pasé de ser Leo el de Saratoga al Leo de Stravaganzza y luego al Leo de 037. Como que arrastro a toda la gente conmigo, no vienen a verme cantando las canciones de antaño, vienen a verme a mí y es una cosa que me llena muchísimo y me hace sentir muy feliz, ¿no? Me doy cuenta de que la gente no le importa tanto el grupo con el que estoy, sino lo que quiere es oírme y sentir lo que yo estoy demostrando en ese instante, ¿no? Todo el mundo ha sabido aceptar y asumir los nuevos tiempos que yo me he ido acoplando, donde yo he ido haciendo cosas nuevas y eso me hace muy feliz, saber que la gente está conmigo y que ni siquiera en los conciertos… prácticamente nadie grita ni una sola canción de Saratoga para que la cante o… alguna vez, pero puntual puntual pidieron alguna vez algo de Stravaganzza, ¿no?, como Hijos de la Luna o una cosa así, pero no suelen pedir, están volcados con lo que yo hago en cada momento.

Muy bien Leo, entonces tendrás a un público ansioso por escuchar al fin tu voz acá, por primera vez. ¿Quieres enviarle un mensaje a todos los fanáticos chilenos?

Pues les voy a contar una historia muy bonita. Yo soy íntimo amigo de un chileno desde que éramos niños. El es un poquito mayor que yo y siempre tuvo el pelo muy largo. Yo le admiraba muchísimo porque me saca como cuatro años y yo cuando todavía tenía mi pelito corto, lo veía a él con su pelo largo casi por el culo, ¿no? Le veía ahí con sus poleras de Iron Maiden, sus camisetas de Metallica y yo quería ser como él. Y recuerdo que nos hicimos muy buenos amigos y siempre me comentaba ‘¡cómo me gustaría que conocieras mi país!, ¡cómo me gustaría que fueras a tocar a mi país hermano!’. Y al final, fíjate, pues ahora que voy a ir, por fin. Yo le mando un abrazo muy grande muy fuerte a todo el público chileno y a mi hermano Dani que es de aquí… es de allí pero vive aquí y por fin voy a poder cumplir su sueño, que es ir a tocar a su país.

Seguido por muchos y odiado por otros, la figura de Paul Gillman en Venezuela no causa indiferencia. El cantante es una de las figuras centrales de la escena metalera de allá y juntando sus años en Arkangel, Power Age y por supuesto su banda, el música ya lleva casi 35 años de trayectoria. A mediados del 2011 vino a Chile con el único propósito de ver en vivo a su máximo ídolo, Alice Cooper (al final, concierto que el artista canceló el mismo día, por lo que tuvo -¡y logró!- viajar al show de Brasil), y aprovechó la visita para hablar con algunos medios nacionales. En entrevista, Gillman cuenta como es y ha sido hacer rock en Venezuela, tanto en el pasado como en la actualidad, y presenta en palabras a los chilenos algunos de sus principales hitos musicales y, también, sus más explícitos discursos. Especial de PowerMetal.cl.

Paul, dentro de estos 34 años que has tocado rock en Venezuela, que se te conoce no solamente por tu música, tus discos y por bandas como Arkangel y Gillman, ¿qué es lo que te atrae de salir en cierto modo de aquella frontera en tu país, donde te encuentras absolutamente instaurado, y comunicarte con gente que escucha Heavy Metal en Chile, Argentina? ¿Qué es lo más fascinante para ti?

Bueno, primero que nada, que no han sido en vano tantos años de trabajo. Lo triste es que estés 34 años tocando y te quedes encerrado. Lo bonito es que tu trabajo trascienda. Como decía Bolívar, ‘creo que he arado en el mar’, pero afortunadamente no he arado en el mar. Creo que el trabajo tardó, ¡pero seguro llegó!, llegó a oídos gracias también a los medios que existen ahora como Internet y claro, las redes sociales, el Facebook y todo eso. Pensé que yo nunca me iba a engranar a ese tipo de cosas y de verdad es impresionante cómo ha funcionado, cómo han funcionado los conciertos, cómo ahorita el festival que yo hago, el GillmanFest, va creciendo más. El 26 de marzo logramos colocar 40 mil personas en un lugar y después tuvimos otro gran show en once de junio en la provincia petrolera de Venezuela, donde tuvimos al grupo Brujería por primera vez en Venezuela, ¡un clásico!, un grupo de culto. Tenemos a Ross The Boss, quien fuera el guitarrista de Manowar, The Dictators y varios proyectos interesantes. Tenemos un tributo a Pantera muy interesante aparte de la banda Gillman y todos los grupos que clasifican en los pre-Gillman Fest. Llegamos a hacer un pre-festival dos meses antes con todas las bandas de metal que se inscriben y el pueblo los elige por votación. En vez de entradas, damos boletas de votación, ven todo el show y al final votan por el grupo favorito. Se sacan los escrutinios, los grupos ganan dinero y a la vez pasan a la tarima grande cuando se hace el concierto. Es un evento que al menos lleva diez bandas, entre las regionales e internacionales. Y lo más bonito de todo es que el (ticket) más caro ha costado cuatro dólares y la mayoría son gratuitos. Es cumplir un sueño que en mi juventud no se podía, pagar una entrada para ir a ver un concierto de esa magnitud y, bueno, la represión que existía, esa pseudo-democracia que había en Venezuela que a uno no lo podían ver con el pelo largo porque eso era un acto de rebeldía subversiva. Ahora en cambio tenemos la libertad de ver un concierto como nunca antes en la vida, tenemos el apoyo del gobierno para hacer estos festivales gratuitos al pueblo, cosas que eran impensables y mucho menos con un presidente que viene del estamento militar. Eso era totalmente imposible de creer y todo está ocurriendo, en Venezuela están ocurriendo cambios muy interesantes y bueno… aquí estoy aceptando una invitación de Javier, que de paso es el webmaster de mi página, paulgillman.com. Él está hace un par de años acá, me llamó y sobretodo porque, bueno, mi ídolo de toda la vida ha sido Alice Cooper y quiero ver a Alice Cooper. Junto a las dos cosas, ¡aquí estamos!

En estos casi 35 años que han pasado regímenes políticos, han cambiado sistemas y ha cambiado la manera de informar, desde los grandes medios de forma pasiva hasta lo activo en que uno elige qué ver por YouTube o Google, ¿qué es lo que mantiene vigente las letras que has cantado durante toda tu carrera independiente de la actualidad, esas líricas de levantarse y seguir peleando a pesar de todo?

Que nunca me he callado la boca. De hecho, mi primera canción se llamó Libertad. Cuando nace un hombre, nace un sentimiento / nace un motivo por el cual vivimos / pero el mismo hombre busca la manera y buscará la forma de quitarte tu libertad. A pesar de que es una condición natural, el mismo ser humano consigue la manera para quitársela al otro, ¿verdad?, por codicia, por poder, ¡por miserable!, por inhumano, pero existe, siempre ha existido. Y esa canción se la canté a los que se llamaban en ese momento La Recluta, un medio por el cual capturaban a los jóvenes en la salida de los cines, de los conciertos, y se los llevaban en una jaula como si fueran conejos y les cortaban el cabello, les ponían a hacer el Servicio Militar obligatoriamente. Hasta los que tenían su carta militar se la rompían, las cédulas se las rompían… o sea, ¡una cosa horrible! Fue mi primera canción contra eso y de ahí en adelante siempre le he cantado a la justicia, a la verdad. Y fue muy fuerte durante lo que se llama en Venezuela La Cuarta República, esa democracia representativa falsa donde se creó la… no es en Chile ni en Argentina ni en Uruguay donde se crea la figura de los desaparecidos, no, eso se creó en Venezuela en el año ’68, ’69, cuando el gobierno de un supuesto partido democrático que se llamaba Acción Democrática. El presidente se llamaba Raúl Leoni y el creó la figura de los desaparecidos mucho antes que la dictaduras del sur. Siempre estuve contra todas estas cosas y amenazado, vigilado, sin embargo siempre seguía adelante, con las garantías suspendidas yo siempre seguía diciendo las cosas, o sea, bastante osado, ¿verdad? Y en estos momentos donde puedo cantar lo que me da la gana, tengo el apoyo de un gobierno que para muchos es dictatorial y eso que me da risa, ¡si es cuando tenemos más libertad de que nunca!, y el rockero puede salir a la calle con su cabello largo. Hay conciertos como nunca antes había habido, he visto grupos que ni soñamos ver como KISS, Aerosmith, Maiden, ¡ni lo soñamos! Entonces, yo sigo haciendo las mismas letras independiente que simpatice con el gobierno que haya ahora. No puedo dejar de cantar a la justicia porque siempre creo que si en un mañana no estoy de acuerdo con alguna cosa que haga el presidente, si el presidente traiciona, que lo dudo muchísimo porque está puesto por el pueblo, seré el primero que va a seguir diciendo lo que tiene que decir. No me voy a cuadrar como se dice en Venezuela con el gobierno de turno para caerle bien. Nunca he sido monedita de oro para caerle bien a nadie y siempre le he caído mal a muchos. Digamos al poder económico, al poder militar y al poder político le he caído muy mal, pero al pueblo le he caído bien que es lo que importa, a los fans, que tengo fans de todas las edades, desde viejitos, abuelos, hasta niños pequeños. Me siento feliz que hice mi trabajo pero no me callo, ni me callaré. De hecho, quizás mis letras ahora son más hacia una conciencia humanista universal. Están en el disco Cuauhtemoc (2003) donde hablo en La Ola Crece de la cantidad de cambios no sólo climáticos sino políticos, sociales que están ocurriendo en el mundo, ¡que hay que correr adelante porque la ola viene detrás y si paras te arrasa! Esta el otro que se llama La Nueva Era. Está Contaminación, igual está Avestruz, que es el político que cree que metiendo la cabeza bajo la tierra, mueve el trasero así para que se lo pateemos todos… entonces siempre estoy en eso, nunca voy a cambiar mi manera de ser. Como Paranoid que la tiene Ozzy o lo mismo con Smoke On The Water como la tiene Deep Purple, para mí es Levántate y Pelea. Levántate y Pelea es una canción de lucha, un himno que todos en Venezuela lo cantan, sean de la oposición o sean del gobierno. Es una cosa que yo dejé para la posteridad y es el tema obligado de todos los conciertos. Es un canto de lucha que cada quien lo agarra para la bandera que quiera, pero es una lucha constante, unas letras siempre sociales, siempre de conciencia, siempre de justicia.

Uno transmite un mensaje en la medida que se expresa en la música. Después de lo que me dijiste, que efectivamente viviste riesgos en su momento cantando con Arkangel y después con tu banda, ¿en qué medida es un triunfo para ti, en lo más profundo, hacer festivales donde asisten miles de personas, y que al mismo tiempo puedas cantar las mismas letras que cantabas antes con miedo hace 20, 25 ó 30 años?

Sí, es un triunfo, es un logro y es un sueño, un sueño hecho realidad porque era lo que quería para mi juventud. Yo no lo tenía y se lo estoy dando a otros. Lo bonito es ver cómo van llegando familias completas a  los conciertos. Es una reunión, es como un gran congreso de metaleras y metaleros de toda Venezuela que se dirige hacia dónde se está diciendo que habrá un próximo concierto. Para ellos el GillmanFest es un gran momento de unión, con todas las tribus de metal juntas en un solo campo de batalla donde no queremos guerra, no queremos violencia, ¡y ha sido una bofetada para mucha gente! De hecho, hubo una situación bastante delicada la última vez, de las 40 mil personas, porque el director de eventos de esa alcaldía estaba con una persona que había traicionado al presidente de la república, pero trabajaba en una alcaldía de nosotros, de la Revolución. Hizo todo lo posible para que se diera el concierto aunque la parte de la traición viene cuando no manda a nadie de seguridad, ¡a ni un policía!, ¡A NADIE! Tiraron como que en el concierto iban a haber muertos y ‘vamos a destruir esto’, ¡pero no lo pudieron hacer! Claro, había mucha emoción y nadie que los controlara entonces fue como ‘aquí nos vemos, que sea lo que Dios quiera’, ¿me entiendes? Cierto, de vez en cuando hacía llamados en off y la gente decía ‘¿¡de dónde sale esto (risas)!?, ¡sale Dios que nos está hablando (risas)!’. ‘Miren, pasa esto, pasa lo otro, no se vuelvan locos’. Bueno, fue como un espía de dos banderas, ‘estoy aquí, pero voy a hacer que fracase’ y bueno, una persona que era dueña de los equipos llama a un comando de la guardia nacional, que eran como 20 soldaditos y un capitán. ¿¡Qué iban a hacer contra 40 mil personas!?, ¡nada!, entonces el hombre se acerca y bueno, ¡no tuvo necesidad de hacer nada!, diciendo ‘mira, esto hubiera pasado en un concierto de reggaeton, con dos mil reggaetoneros borrachos, dos mil, ¡y ya tendrías 15 muertos! ¡Aquí tienes 40 mil personas y ni siquiera un herido!, ¡te felicito!’, ¿no? Lo dijo un policía, capitán de la guardia nacional. Pienso que estamos haciendo algo porque creamos también la conciencia entre las rockeras y los rockeros que la violencia no es el camino, sino que podemos abrir un espacio para reunirnos todos, ¡sin siquiera policías!, una cosa espectacular que sucedió. Siento entonces como tú dices un sueño realizado. Más que un triunfo, un sueño realizado.

Siendo que has sido capaz de producir conciertos en tu país, sigues muy activo en la médula misma de tu carrera musical que es sacar discos, en especial El Curandero, un EP de covers con letras en castellano a través de descarga gratuita. Uno lo puede entender que bandas nuevas ocupen MySpace y esas plataformas para regalar su material, pero como eres un músico que lleva mucho tiempo, que antes ya trabajó con sellos en Venezuela, ¿cuán fuerte es ese cambio de formato para ti?

Primero creo que… mira, estoy seguro de que el futuro de las disqueras está marcado, le quedan horas, y ahora la piratería acabó con todo, un espiral donde no hay vuelta atrás. Tú estás viendo que ahorita el futuro de los músicos se encuentra más en las presentaciones en vivo que en lo de vender discos. Por lo menos nosotros en Venezuela, nadie se hace millonario ya ni siquiera… ¡nada!, no ganas nada porque la piratería lo tiene todo destruido. No es que esté muy contento porque se destruyan pero sí siento una alegría por dentro, no sé por qué. Pienso que bastante explotaron al músico, bastante se burlaron, bastante humillaron a mucha gente, bastante robaron a mucha gente, ¿verdad? No digo todos aunque sí las grandes corporaciones y llegó su momento. Es el momento como decimos nosotros en Venezuela, “el poder popular”, que se imponga el poder popular. Si yo siendo socialista, ¿qué mejor ejemplo puedo dar que mi nuevo disco regalárselo al pueblo?, porque a ellos me debo. Sí, lo que trato de ver es cómo saco financiamiento a través de algún concierto, a través de alguna institución, ¡que me pague por lo menos la grabación!, los músicos, los ingenieros de sonido y hacer el disco para tener, digamos, una edición limitada y venderla en los shows a precio solidario. Pero el que no lo quiera comprar, no pueda o no tenga cómo, se mete (a Internet) y es fácil, ¡le bajo hasta los artes!, todos los artes, página por página. Lo pueden mandar a hacer y hasta si quiere (risas), ¡alguno que sea muy vivo lo comercializará! Tengo que ser fiel a mis ideas, no puedo estar en contra de lo que yo predico. El primer paso fue este para que además la gente conociera la nueva banda y cómo se puede hacer un disco de versiones (covers) no con temas de Black Sabbath, de Iron Maiden y de Deep Purple ni de Led Zeppelin, sino de grupos que fueron underground, que fueron quizás importantes para los que seguimos el culto a ellos, como Blue Öyster Cult, The Sensational Alex Harvey Band, Riot… ¡Budgie!, que por ahí lo reivindicó en el Garage Days Re-Revisited Metallica. Budgie fue una banda que no tenía nada que envidiarle a Black Sabbath, sin embargo pasó por debajo de la mesa, ¡y así unos cuántos muy buenos! La idea era sacarme esa cosita que uno siempre quiere hacer un disco de covers. Todo el mundo lo ha hecho. Ya lo hizo Ozzy, ya lo hizo el otro, y creo que ya era el momento antes de llegar a la gran… cómo te digo yo… al gran compromiso que tengo el año que viene, que cumplo 35 años: emular el éxito de Escalofrío (1994). Escalofrío es considerado por los fans como el disco más clásico, y todos los rockeros y rockeras de Venezuela dicen que el disco más clásico de rock (y está feo que yo lo diga pero tengo que decírtelo, y tengo el honor de decírtelo yo también) es Escalofrío de Gillman. Por primera vez se buscaron mezclar el folklore con el Heavy Metal sin necesidad de tocar canciones heavymetaleras de alguien que hacía folklore, sino que el folklore lo mantuvimos en el cuento, esa tradición oral de boca en boca que venía de nuestros abuelos y nuestros ancestros, sobre esos espantos del pueblo cuando no existía electricidad cuando se hablaba de La Llorona, se hablaba de esto, de lo otro, y todavía creo que todos los latinoamericanos tienen sus cuentos de terror, cuentos de terror folklóricos, ¿verdad? En esa época no existía Internet pero tenía mi programa de radio y comencé a pedir que me mandaran por correo y me llegó una montaña de cuentos, cassettes, de todo, con hartas historias interesantes y de ahí recogí muchos temas. Un tema de OVNIS registrado por El Libro Azul como auténtico, el aterrizaje de un OVNI que tuvo escaramuzas con algunas personas. No es venezolano, pero el Poema Negro es una poesía de horror de un autor argentino que me lo pasó un guitarrista mío que se llamaba Facundo Coral, que ahora es guitarrista de Tren Loco en Argentina. Me pareció muy interesante y luego… bueno, nuestros cuentos más clásicos. Ha sido difícil emular ese trabajo. Por más que he intentado hacer discos… hice uno en homenaje a Alí Primera (Despertando en la Historia), que era como para ustedes Víctor Jara. Alí Primera fue nuestro cantautor de protesta más importante y murió en extrañas circunstancias. Murió asesinado y todavía no se sabe si le hicieron algo en el carro porque se estrelló, ¡no sabemos! Pero, cumplí ese sueño de hacer un álbum de covers de Alí Primera en rock. Agarré las canciones, las destruí literalmente para que aquellos que las seguían, las reviví y se las mostré a los que jamás habían escuchado en su vida de Alí Primera. Los niños pequeños entonces empezaron a pedirles a sus padres que les mostraran los discos originales de Alí Primera y se logró eso además. Sin embargo, y a pesar de que Inevitable (2007), el trabajo que para mi suena mejor porque lo grabé en La Nave de Oseberg, donde graba Rata Blanca en Argentina… mira, no he podido encontrar eso que encontré en Escalofrío. Es como el Deep Purple Made In Japan. O sea, ellos pueden hacer mil discos pero todo el mundo prefiere las siete canciones del Made In Japan.

Creo que funciona más en base a la espontaneidad. Cuando uno se dice ‘voy a tratar de superar esto’, ¡más complicado se hace! Al momento de salir Escalofrío quizás nadie se dio cuenta de lo importante que sería ese trabajo. Eso se ve más en las reacciones, en la respuesta que se provoca años después. ¿En que instante empezaste a tener conciencia que ese CD en especial marcaba una diferencia?

Eso me lo iban diciendo los propios fanáticos, la gente en la calle, el que vende helados, el que vende las hamburguesas, el universitario, el médico y todos ‘oye, tu disco Escalofrío, oye, tu disco Escalofrío’. O sea, no existió Ankangel, no existió Power Age, no existió Levántate y Pelea (risas), ¡no existió nada! O sea, ese disco marcó un hito demasiado brutal. Por eso fue que apenas hace dos años hice una gira. La gira Escalofrío la hice porque la debía y le fue bien, o sea 2 mil, 3 mil personas. Claro, cuando hicimos una gira Escalofrío AHORA con un montaje tipo Alice Cooper, con todos los monstruos saliendo, ataúdes y monstruos por todos lados y cosas… y bueno, hice la gira Escalofrío en relación a todos los cuentos de ciencia ficción y temas de horror de toda mi carrera, o sea tuvimos como 27 canciones. Estaba Zombie de Arkangel, estaba La Serenata del Estrangulador de Gillman, todo lo que tuviera que ver con cuentos de horror y cosas. Pusimos Doctor Kanoche que es un clásico, un caso real en Caracas de un tipo como Frankenstein que momificaba cadáveres y todo lo demás, un médico alemán y tú no sabes si Frankenstein lo sacaron de ahí o él se convirtió en Frankenstein, pero sí existió. Cuando yo descubrí ese cuento me dije ‘¿cómo puede ser que Venezuela no conozca este tipo de relatos tan escalofriantes?’, entonces tomé el doctor Kanoche, lo saqué, lo puse en un disco y el doctor Kanoche me inspiró a hacer un álbum exclusivamente con nuestros espantos, con nuestros casos impactantes como ese.

Bueno, Paul, ha sido un gusto este tiempo, esta entrevista contigo. ¿Qué saludo le quieres dejar a todos los fanáticos chilenos del rock y del metal?

Mi mensaje es que quiero verlos en vivo. Quiero estar aquí compartiendo, quiero que también mis letras no se queden encerradas en unos discos y en un país a ocho mil kilómetros de distancia. Quiero ya enfrentarme al público chileno de repente en un concierto pequeño, 500 ó 600 personas para empezar, aunque sí quiero venir pronto a Chile. ¡Espero que me esperen (risas)!

Escuchar Dystopia, el primer disco de Iced Earth con el canadiense Stu Block en las voces tras el retiro definitivo de Matt Barlow, es mirar de frente a los ojos de Jon Schaffer. El guitarrista respira el mensaje que trasmite con cada tema que escribe y cada palabra que habla, llamando a despertar, a resistir el control de la “elite global” en un álbum que sienta paralelismos entre las novelas o películas como Brave New World, V For Vendetta y Equilibrium, y lo que ocurre en el mundo en este preciso momento, según ha podido averiguarlo. Porque de las conspiraciones de ciencia ficción que imaginó para la historia de sus conceptuales “Something Wicked”, ahora pasa a las que ve en la realidad y la rabia lo motiva a componer un trabajo más enérgico, directo, furioso, que vendrá a presentar el 30 de marzo en Chile luego de la fallida llegada del 2010. Himnos de resistencia en entrevista con Schaffer, un esfuerzo de Rockaxis (edición digital #107) y PowerMetal.cl.

Listen to the whole interview in english by clicking on each player below.

“PREPARE FOR VICTORY, OUR MINDS HAVE BEEN AWAKENED. RID YOUR LIFE OF TYRANNY, WE ARE THE RESISTANCE” – V

Jon, primero quiero preguntarte acerca el lugar donde estás ahora. Me llamas desde Honduras, ¿cierto?

Sí, correcto.

OK, porque recuerdo una entrevista que le diste a Alex Jones (The Alex Jones Show, infowars.com, PrisionPlanet.com) el 2009, en la que justo le decías que en un viaje a Centroamérica empezaste a sentirte un poco “raro” y a hacerte preguntas sobre lo que de verdad ocurría en el mundo. Ahora que estás allá de nuevo, ¿cuán especial es esa región del globo para ti?

Bueno, realmente me gusta compadre. No vengo aquí muy a menudo pero he trabajado tan duro este año que simplemente decidí llegar hasta acá y relajarme un poco. Es un lugar como para reconectarse con la naturaleza y conmigo mismo, y alejarse de toda la carrera de locos, del ajetreo, así que me gusta.

¿Pero qué cosas descubriste en ese tiempo que te marcaron tanto? ¿Qué influencia tuvo ese viaje al momento de descubrir todo lo que plasmaste en el disco de Sons Of Liberty, Brush-Fires Of The Mind (proyecto donde canta Schaffer y habla de libros/documentales de conspiración), y en cierto modo también en Dystopia?

Bueno, lo más importante para mí era tomarme unas vacaciones nomás viejo (risas), ¡puta que las necesitaba!, y cuando al fin tuve la oportunidad de tomarlas fue un paso gigantesco en mi especie de “sanación” supongo yo. La idea era reconectarme con mi ser interior, alejarme de Internet, de los celulares y de la televisión, ir a la jungla con mi familia y de verdad… no lo sé viejo, era un feeling completamente distinto y ese fue el primer paso. La cuestión fue después de hecho. Al regresar a mi casa y enterarme del Mayak Report, en el cual el gobierno de Obama llamando ‘potenciales terroristas’ a todos los que me importaban, incluyéndome a mí, fue cuando realmente empecé a preguntarme qué cresta pasaba en mi país. Una cosa llevó a la otra y aprendí acerca del sistema de la Reserva Federal, del sistema monetario fraccional en el que ha estado sometido el mundo entero… o sea, ahí se me abrieron los ojos en grande pero mi viaje, creo que si no hubiese hecho mi viaje a Honduras en ese entonces, no estoy seguro de si hubiera reconocido las cosas de la manera que son en realidad, por lo que resultó ser una suerte de primer paso.

“I SIT ALONE AND WATCH HYPOCRISY… I WILL FIGHT!!!” – BOILING POINT

Cuando escribiste tu tercer CD, Burnt Offerings (1995), te sentías muy enfadado con la industria musical y por cómo trataba a la banda en términos del negocio. Me parece que con Dystopia enseñas ese mismo nivel de enojo, aunque ahora dirigido a todo que has visto que sucede en la actualidad, por cómo crees que se maneja el mundo, por quiénes lo controlan y para qué lo controlan. Por ejemplo, ¡en Boiling Point o Days Of Rage se te nota emputecido (risas)! ¿Cuán distinta es la rabia que sentías en esa época comparada a la que sientes ahora?

“Bueno, hay una gran diferencia. O sea, mira, por ese lado era como una especie de rabia con mucha amargura la que sentía con el álbum Burnt Offerings. Con el nuevo disco… claro, estoy enrabiado, sí, pero esa rabia me motiva y me siento más feliz de lo que jamás me he sentido. ¡Es muy extraño en realidad!, que esté enrabiado aunque al mismo tiempo más feliz y libre que en cualquier otro momento de mi vida entera. ¡Es porque la verdad es muy liberadora! O sea, la verdad te hará libre y cuando ves las cosas del modo que son en lugar de las mentiras que te impone el sistema, ¡entonces es una sensación muy grata! Por más que me cause rabia, es una rabia que me motiva para tratar de cambiar las cosas e involucrarme con personas que entienden lo que está sucediendo, para que tratemos de revertirlo.

Sí, porque siendo que Dystopia es un disco muy oscuro y enfadado, igual enseña un mensaje bien positivo que habla de despertar, de resistir, de abrir tus ojos, de celebrar la vida, de no aceptar ninguna mierda y cuestionar todo lo que sucede alrededor. ¿Cuán importante es para ti colocar ese mensaje entre los fans de la música?

Ah, viejo, ¡es muy importante! ¿Sabes?, creo que la raza humana se encuentra en serios problemas ahora mismo y pienso que hay un… SÉ que hay un grupo muy pequeño de individuos, persuasivos, que tiene el control de las arcas monetarias, del suministro del petróleo, que controla todas las mayores corporaciones, las más grandes, por lo que es capaz de torcer y engañar la mente de todo el mundo, debido a que controla la información. Literalmente estamos en una especie de guerra y es importante, es muy importante ya que hemos podido percatarnos un poco de la verdad que tenemos ahí afuera. Mira, esta cuestión es importante. Estos sujetos tienen planes bien oscuros para el futuro de la raza humana y cuando comprendamos lo increíblemente malvados que son, lo manipuladores que son, lo que han venido tramando por tantos, tantos años, enseñándoles a sus hijos a hacer lo mismo… y no estamos hablando del Imperio Invisible Americano, estamos hablando de la realeza británica coludida con las oligarquías financieras de Europa, las familias reales coludidas con dichas oligarquías y todo se relaciona con esta especie de nuevo establishment en los Estados Unidos, todos trabajando en conjunto para traer un Nuevo Orden donde, en el fondo, verás un gobierno global, una moneda global, ¡y una dictadura global!, y de eso se trata Naciones Unidas en realidad. Me parece que ya es hora que la gente buena empiece a indagar todo esto y se eduque para que podamos prevalecer cuando esta mierda de verdad se vaya a la cresta, ¡porque va a quedar la cagada! La única forma que el establishment pueda mantener su poder es que sigamos peleando entre nosotros. Si somos capaces de reconocer que existe un pequeño grupo de manipuladores detrás de todo esto y trabajamos unidos para detenerlo, ¡entonces triunfaremos! Es así de simple, pero tenemos que ser lo suficientemente adultos para aceptar el hecho de que todos hemos sido engañados, que no debemos confiar en ninguno de nuestros gobiernos, sino buscar apoyo en nuestros vecinos, en sus comunidades, conversar el uno con el otro, reconectarnos con nuestra humanidad y hablar sobre lo que realmente importa, ¿no?, no sólo juntarnos a ver una basura estúpida como el fútbol o los programas de televisión que saca Hollywood, y comenzar a leer asuntos importantes, pensando en los conceptos de la libertad del hombre y las recompensas que llevan consigo dichas responsabilidades, ¿no? Al mundo de occidente… a la mayoría del mundo le han hecho creer que el gobierno se preocupa de nosotros y nos protege, ¿no?, ¡pero los gobiernos históricamente han sido responsables de más muertes que cualquier enfermedad o cualquier cosa!, ¿cierto? ¡Los gobiernos matan personas!, a eso se dedican, en especial cuando se vuelven muy grandes y están fuera de control. Ahora, el gobierno norteamericano es DEMASIADO grande y está FUERA de control. Y la Unión Europea no es la organización que parece, no la maneja un… la maneja un conglomerado fascista-comunista completamente totalitario que no se asemeja a nada relacionado con la libertad.

“YOU’LL LOVE YOUR SERVITUDE, WE’LL MEDICATE YOUR PAIN” – DYSTOPIA

Bueno Jon, revisando canciones “antiguas” como 1776 o Ghost Of Freedom, o discos como The Glorious Burden (2004), uno entiende que te sentías orgulloso de tu nación y su historia, orgulloso de los padres fundadores que también pelearon contra la tiranía o escribieron inclusive en su época contra las instituciones bancarias, contra el sistema monetario y este tipo de gente que ahora controla el mundo. ¿Cuánto te entristece, cuánto te decepciona encontrarte con todo esto y ver lo que ocurre hoy en día?

Oh, ¡es devastador!, aunque me motiva. Me hace sentir mucha rabia, pero una especie de rabia positiva, una rabia que si se maneja de la forma apropiada puede incluso transponerla pero claro… o sea, de lo que me siento orgulloso en lo que respecta a Estados Unidos, es de las intenciones que los padres tenían al principio, ¿no?, lo que los padres fundadores intentaron para el país. En lo que se ha convertido, no me tiene orgulloso en lo absoluto. Encuentro sin embargo que estos ideales que sujetos como Thomas Jefferson escribieron y por los cuales vivieron, ¡son universales! O sea, CUALQUIERA en el mundo que lea esos escritos y pueda entender lo que ellos querían decir se identificará con dichas palabras, porque están en nuestro ADN y una vez que somos libres son parte natural del espíritu humano. Hemos sido engañados (risas), ¿no?, al mundo entero lo han engañado haciéndole creer que… y todo esto lo hacen a… como en los Estados Unidos, lo que le han hecho al sistema escolar es ABSOLUTAMENTE CRIMINAL. Sin preguntarle a nadie han desconectado a la gente americana de la Carta de Derechos y la Constitución, ¡y lo han hecho a propósito! Han cambiado nuestros libros de historia, han cambiado los libros de textos y se los han tirado a los niños, para que los niños no tengan idea acerca de lo que pasaba hace cientos de años atrás. O sea, es un crimen absoluto contra la humanidad que transcurre ahora en nuestro propio país y alrededor del mundo, por parte de esta elite global que tiene que destruir América para que el Nuevo Orden Mundial sea posible. Ya cuentan con tantos dictadores y poder en las Naciones Unidas que ahora deben saltar a los Estados Unidos y mira, si en el fondo no destruyen a los Estados Unidos no podrán sacar adelante la cuestión del gobierno mundial y esa es una de aquellas situaciones en la que la gente de América saca sus armas. Ahí es cuando pienso yo que las cosas se pondrán color de hormiga, que verás una fuerte resistencia en los Estados Unidos porque el motivo por el cual los padres fundadores nos entregaron la segunda enmienda (derecho a poseer armas) fue para hacerle frente a un gobierno criminal, no a un ladrón que entra a tu casa y roba tu propiedad. Es un producto simpático tener una pistola pero lo cierto es que están ahí para asegurar la libertad del individuo contra los tiránicos y con eso lidiamos en los Estados Unidos en este minuto, y le pido a DIOS que podamos salir adelante y restaurar la libertad sin violencia, dado que la gente está tan confundida, tan enojada y no entiende exactamente por qué ocurre todo de la manera que ocurre. Con suerte sobreviviremos y por eso mi misión es tratar de explicarle a las personas que el sistema monetario es el arma que se ocupa contra nosotros, que todos necesitamos aprender sobre… o sea, si aprendes eso, empezarás a ver el modo que utilizan para la dominación. La herramienta para la dominación es el dinero y para nosotros es muy importante saberlo.

Con este nuevo álbum, habrán quienes se queden con la idea que Dystopia se basa sólo en películas de ciencia ficción como Soylent Green o Equilibrium por ejemplo, o libros por supuesto como Un Mundo Feliz (Brave New World). Por lo mismo, ¿qué relación ves entre esta literatura/cine y la vida real? ¿Qué cercanía ves entre la ficción y la realidad?

Bueno, lo que tienen que entender es que libros como 1984… cuando lo leí hace muchos años atrás parecía ser como una novela de, ya sabes, ciencia ficción, pero en la realidad resultó que su autor, George Orwell de hecho… no logro recordar su nombre verdadero, Eric algo (Blair), era un agente de la Policía Imperial Inglesa, para el Imperio Británico, así que te contaba ‘¡esto ES! Si quieres ver el futuro de la humanidad, si quieres ver tu futuro, ¡imagínate una bota en el rostro de la humanidad para siempre!’. Eso es lo que estas personas quieren. Los globalistas quieren todo el poder para ellos, desean que toda la gente alrededor del mundo les sirva y los insiders lo saben, por lo que existen muchos paralelos entre estas películas y lo que de verdad se encuentra en los planes. O sea, hay harto de Programación Predictiva en aquello (Predictive Programming – colocar contenidos en los medios para que los consumidores después crean que ocurrirá, les parezca natural y acepten los cambios). Si te metes en el filme Equilibrium, todos van por ahí medicándose a sí mismos… no sé si la has visto, ahí lo hacen. Trata acerca de vacunaciones forzadas y claro, ¡ellos ya lo hacen!, ¡ya han hecho vacunaciones forzadas en los Estados Unidos y otros lugares alrededor del planeta! Apenas sabemos lo que hay en esas vacunas, sólo sabemos que hay algo muy malo ahí. Existen muchos paralelos entre estas películas y lo que ocurre en el mundo real y algunos no son por accidente, sino claramente por un diseño, una operación fuera del Pentágono… ellos no llaman a Hollywood, sino que los controladores de Hollywood colocan el mensaje como programming a través de la televisión, a través de las películas y todo ese tipo de cosas. El Brave New World del que hablan, el New World Order es una dictadura científica, un sistema con el cual quieren que las personas estén tan drogadas y atontadas para que de hecho disfruten su servidumbre y esclavitud. Bueno, yo no me voy a hacer parte alguna de eso y voy a pelear. Me pararé con la gente buena y me prepararé para pelear, si eso es lo necesario.

UN DYSTOPIA MÁS SIMPLE Y DIRECTO: “CON MI “DESPERTAR” LA NUEVA ENERGÍA QUE TENGO Y LA FUERZA QUE AÚN ME QUEDA, CONSIDERABA QUE ERA LO INDICADO”

En cuanto al CD Jon, encuentro que… bueno, en Horror Show (2001) empezaste a colocar más y más capas de voces, leads y guitarras en tu música, mientras que Framing Armageddon (2007) y The Crucible Of Man (2008) avanzaron a ser conceptuales muy ambiciosos con diversos elementos, teclados, coros, interludios, etc. En esta ocasión sin embargo volviste a grabar un disco con menos layers, más limpio en ese sentido y también más directo, agresivo, simple y brutal, más duro. ¿Qué tipo de atmósfera compositiva buscabas entregar con Dystopia?

Quería entregar exactamente lo que tenemos. O sea, fue intencional. Le dije a Jim Morris (productor) cuando estábamos en el comienzo del proceso creativo ‘mira viejo, este álbum se dirige por una dirección distinta por la que nos hemos ido. No quiero tener un montón de capas de guitarra ni muchas partes vocales. No habrá la orquestación esa, vamos a romperla con un disco de puto Heavy Metal’. Así se suponía que era y eso fue lo que conseguimos. Definitivamente lo hicimos a propósito, simplemente mi espíritu me decía que era momento de hacerlo y siempre he seguido mis instintos en cuanto a la composición y al tipo que álbum que deseo entregar, ¿no? Con mi “despertar”, la nueva energía que tengo y la fuerza que aún me queda, consideraba que era lo indicado. Y parece que resuena entre los fans porque es bien directo. Y fue muy natural hacerlo así. O sea, no fue difícil, se sintió… ¡es así nomás viejo!, no tuve que entrar a picar en esta porquería, salió de forma natural ya que mi espíritu me decía que era hora de hacerlo y no tuve que ponerme a trabajar en ello. Era lo que mi espíritu me pedía hacer, ¡y por lo general le hago caso!, entonces la cosa salió bastante natural.

Hace poco dijiste además que desde Something Wicked This Way Comes (1998) que no tenías tantas canciones que te erizaran los pelos como ahora. ¿Qué posee Dystopia en particular que te entusiasma tanto en lo personal y te provoca esas sensaciones?

Bueno, es la energía detrás del álbum compadre, eso es, o sea, la “condición de ser” en la cual me encuentro y en la cual he estado de hace algunos años desde mi “despertar”. ¡Es la energía adecuada!, y de esa forma me sentí con todos los grandes álbumes de Iced Earth, con esta misma clase de energía. O sea, no puedo explicarlo de otra manera en realidad, es algo grande, y traer a un muchacho joven como Stu Block que también viene cargado con harta energía positiva, ¡es grandioso!

Tengo entendido que las sesiones de grabación en los Morrisound Studios (donde se registraron por completo todas las placas de Iced Earth en los noventa) fueron especialmente demandantes debido a que cada fin de semana debías viajar a Europa para tocar en festivales de verano junto con Barlow. Por eso, te veías obligado a cruzar el océano ida y vuelta para registrar las tomas con Jim Morris en Florida…

No fue cada fin de semana, sino fin de semana por medio, ¡pero igual fue bien arduo! Te digo, resultó duro para todos nosotros, aunque obviamente el resto de los muchachos no se quedaba en el estudio tan a menudo como yo. O sea, tienes a Freddie (Vidales, bajo) que llega a hacer sus partes, a Troy (Seele, guitarras) que va por tres días, y… ya sabes, Brent (Smedley, batería) estuvo ahí como por una semana y bueno, ¡después se van a la casa!, mientras que yo debía volar desde Europa directo al estudio ya que estaba produciendo todo el asunto además, Jim y yo haciéndolo juntos, por lo que tuve que estar ahí para cada una de las grabaciones. Viejo, ¡fue extenuante!, me encontraba en un constante estado de agotamiento pero aun así fue muy entretenido. Eso es algo que puedes escuchar en el disco, puedes notar que lo pasamos bien, que hay un montón de energía positiva. Sí, fue más trabajo que la mierda y muy cansador, sin embargo si tuviera que hacer lo mismo, ¡no lo cambiaría!

DE LA PARTIDA DE BARLOW Y LA LLEGADA DE BLOCK: “MATT LO TOMABA COMO UN HOBBY PERO ICED EARTH NO ES UN HOBBY, SINO UN MODO DE VIDA”

Hablando entonces de Stu Block, el nuevo frontman de Iced Earth. En su banda anterior, Into Eternity, solía mostrar un sello muy diverso en cuanto a técnicas vocales, ocupando recursos desde el Heavy hasta el Death Metal. No obstante, en tu grupo no suena como cantante de Death Metal, sino como un CANTANTE DE ICED EARTH, encajando muy bien con el estilo y el sonido. ¿Cuánto se sorprendieron Jim y tú al ver que Block podía desenvolverse así en el estudio?

Bueno, a ver, lo contraté porque sabía que era capaz de hacerlo, ¿no? Tuvimos que audicionarlo, pasar algo de tiempo con él y escucharlo haciendo lo suyo detrás de un micrófono para ver en qué medida podía producirlo bien, cómo era acatando direcciones o instrucciones, qué clase que química surgía entre nosotros y jamás lo habría contratado si no hubiese sabido si era capaz de realizar el trabajo bien o no. Aquello se hizo notorio luego de algunas horas de trabajar con Stu en mi estudio, que podía sacarle un sonido que ni siquiera él sabía que poseía. Ahí es cuando tienes a alguien con una gran actitud, con una gran ética de trabajo, que llega dispuesto a probar todo y bueno, puso todo su corazón y alma en esto.

Acabas de decir que puso su corazón y alma en esto y creo que en el primer track que escribieron juntos, End Of Innocence, Stu canta acerca de su madre y la batalla contra el cáncer que estaba enfrentando. ¿Cuán especial es aquella canción para Block y tú?

Bueno, le mandé dos temas antes que viniera a la audición. Le envié una música instrumental -que terminaría siendo End Of Innocence- y Dark City, y le dije ‘mira, quiero ver lo que se te ocurre en un lapso bien corto de tiempo, quiero ver lo que puedes hacer en un modo original’. Llegamos, comenzamos a trabajar en eso y se me hizo claro que Stu justo tenía todas las herramientas necesarias. ¡Y la canción es grandiosa! O sea, End Of Innocence es una canción grandiosa porque es bastante personal. Ese tipo de composiciones siempre resuena muy bien entre la gente. Siempre estará en un lugar especial para mí debido a que fue la primera que armamos juntos, y debe ser más importante para Stu ya que la escribió para su mamá, ¿no?, ¡lo que es tremendo!, así que deberás preguntarle a él un día cuando lo conozcas cómo se siente con esa. Sin embargo, sé que siente algo muy fuerte.

Y ahora sobre Matt. Me acuerdo que cuando se fue de Iced Earth el 2003, trataste de convencerlo para que no se alejara ya que en ese tiempo habías firmado con un nuevo sello y estabas escribiendo un disco que te tenía muy entusiasmado, The Glorious Burden. ¿Cuánto te costó dejarlo partir en esta segunda ocasión?

No fue tan difícil en realidad porque sabía que, en el fondo, no puedes hacer que alguien haga algo que no quiere hacer, y tanto como Matt ama a Iced Earth, él ama más a su familia, al igual que su carrera como oficial de policía. Tiene varias otras cuestiones en su vida y volvió a la banda, volvió a la banda en una “condición temporal”, como en una condición part-time y bueno, los dos pensábamos que lo podíamos hacer así. Por desgracia, la industria musical ha cambiado drásticamente en los últimos tres años y mira, el plan que armamos juntos para el ciclo de los tours de Dystopia era como ‘oye, la banda necesita trabajar, tenemos todas estas fechas’, y Matt simplemente dijo ‘no creo que pueda hacerlo, no puedo estar lejos por tanto tiempo’. Le dije ‘bueno, lo entiendo, deseo que regreses y deseo que regreses a tiempo completo, para que realmente le demos y llevemos al grupo al nivel que merece’, ¡y no quería hacerlo nomás! A ver, lo adoro, es mi cuñado y algún día volveremos a tocar música juntos, pero no será en Iced Earth. Matt lo tomaba como un hobby pero Iced Earth no es un hobby, sino un modo de vida. Tratamos de hacerlo como hobby y simplemente no funcionó. Los grupos necesitan prosperar de esa manera, actuando en vivo, en especial en el mundo musical hoy en día. Estoy bastante emocionado y energizado con Iced Earth como para NO darle, ¿me entiendes?

Te tengo una última pregunta. Aquí todos recordamos que hiciste una gira sudamericana en febrero del 2010, con Barlow en las voces, pero las cosas no salieron como todos hubiesen querido, pues sólo pudieron tocar en Brasil. Chile se canceló por falta de compromiso del productor, después se canceló Colombia y, por culpa de todo este desorden, ¡también se tuvo que cancelar Argentina! ¿Qué recuerdas de todo aquello y qué les puedes decir a los chilenos ahora que ustedes estarán haciendo tour mundial enorme en promoción de Dystopia?

Bueno, estamos trabajando para eso viejo. Realmente me emputecí con todo esto, realmente nos decepcionamos, nos sentimos muy mal. Sé que los fans nos estaban esperando de hace mucho tiempo y… ¡tremendos fanáticos los de Sudamérica compadre!, así que vamos a ir y claro que habrá otra visita. El plan que tengo con los agentes que ahora mismo se encuentran trabajando es empezar en Norteamérica a fines de enero y construir una ruta que baje por Sudamérica y luego pase por China, Australia, Nueva Zelanda y… ya sabes, la región completa. Entonces será un tour bien largo como de dos meses y medio y SÍ IREMOS A CHILE EN ESTA OPORTUNIDAD. Nos aseguraremos de que todo el papeleo se haga de la forma correcta, que todo… ya sabes. En parte fue porque ellos no consiguieron hacer el trabajo de visas para nosotros, supongo yo. Lo sé, yo mismo he escuchado estas historias de la cancelación pero OK, quedamos realmente muy decepcionados y ahora nos aseguraremos de que todo salga bien. Viejo, sólo quiero decir que lamento mucho que tuviéramos que cancelar el show la vez pasada. No sé exactamente qué ocurrió en esa ocasión pero nos vamos a esforzar al máximo para asegurarnos de que NO VUELVA A SUCEDER DE NUEVO. A ustedes los fans los apreciamos e iremos hasta Chile a verlos pronto.

En la etapa de mezcla final de su tercer LP, True Metal Victory, editado ahora por Metal On Metal Records de Italia, encontramos a Battlerage en entrevista. En ese momento, el cantante Foxlin Torres se encontraba muy contento por lo “espectacular” que sonaban los avances pese a todas las “condiciones terribles” que salieron en el transcurso de la producción. Por eso el vocalista habló sobre este durísimo proceso, lleno de presiones, sacrificios, conflictos y rabia, marcando según sus palabras el fin de una etapa para el grupo. ¡La batalla en nombre del Heavy Metal puro no podía ser de otra forma!

“LA FURIA RENACE CON MAYOR FUERZA CUANDO ES LO ÚNICO QUE NOS QUEDA”

Bueno Foxlin, en octubre por Metal On Metal en Italia se contempló el lanzamiento de True Metal Victory. Me imagino que la presión de sacar un álbum en este momento es bastante grande, pues debes adecuarte a los calendarios de Europa. Ellos trabajan con otro ritmo, con otra máquina. ¿Cuán fuerte ha sido el desafio de terminar una placa sólo dos años después de haber producido Blood, Fire, Steel, siendo que entre el primero (Steel Supremacy) y el segundo, pasaron cinco años?

Para nosotros ha sido súper difícil, ha sido bastante sacrificado, como para todas las bandas acá en Chile. Y con respecto a lo que decías de nuestros primeros trabajos, fueron con un sello acá nacional que ya no existe creo, y hubo entre demos, entre discos un EP, después salió un compilado de los dos primeros demos. Ese fue el primer esfuerzo que hizo Metal On Metal con nosotros… se volvió a regrabar otro disco por ahí, qué sé yo, hemos tenido hartas dificultades. Aunque en estos precisos momentos, hablando de lo nuevo, ha sido muy sacrificado. De hecho no sé si será bueno nombrar, pero ha habido problemas internos y al parecer se nos va un integrante. Ha sido bastante complicado porque no hemos trabajado en condiciones cómodas ni óptimas, aunque las ganas están y la furia renace con mayor fuerza cuando es lo único que nos queda, trabajar con más furia. Y de repente, a regañadientes… no sé, hay un cambio de horarios o nos informan desde Europa que estamos atrasados, que debemos apurarnos con las líricas, ¡con todo!, ya que ellos van viendo nuestro progreso a diario. Siempre mandan correos, siempre preguntan en qué vamos, cómo están las letras, cómo están los arreglos musicales, ¡todo!, se interesan por todo. Por un lado es gratificante ver ese interés por parte de ellos y nos motiva a trabajar, pero creo que este disco ha sido el más difícil de hacer.

Esos momentos difíciles, ¿en qué medida influyen en lo que se escucha en el álbum?, ¿cómo afecta de manera positiva y negativa?

Mira, hablando de lo positivo, que es lo que más me interesa, hubo situaciones graciosas, compañerismo de último minuto. Se producen improvisaciones, y no somos de las bandas que más improvisa pero cuando hay que hacerlo pienso que lo hacemos bien. E insisto, tenemos mucha rabia interna, mucha furia que se refleja en la forma de cantar. Simplemente llego al estudio y bueno, ¡tengo que hacer otras cosas!, ¡no sé! También trabajo, cada uno tiene cuestiones que hacer, uno se va adecuando y de repente te dicen ‘no, hoy día no’, ‘¿sabes qué?, estamos atrasados’. Ahí es cuando uno comienza a revolcarse por dentro y te lanzas. Claro, nos basamos en los ensayos, en la composición y todo el proceso de cualquier banda normal, sólo que estamos trabajando con mucha rabia, aunque a la vez felices por sacar nuestro tercer disco, sin contar el compilado de los demos que es otro CD aparte. Estamos con unos sentimientos encontrados súper raros en realidad, sobretodo yo. El resto de mis compañeros trabaja rápido y primero, entonces yo trabajé en base a lo que ya habían logrado. El material está muy variado y no hay temas muy veloces. Tenemos canciones que la gente las asocia con el Speed Metal e incluso con el Thrash, siendo que somos una banda de Heavy Metal, que es lo que amamos, pero ahora se viene una etapa un poco más lenta quizás. Y bajo el punto de vista negativo, creo que sí hay, sólo que no me fijo mucho en ello porque no quiero distraerme más de lo que ya estoy en cuanto a lo que es grabar con harta presión. Lo único que se me ocurre decirte es que quizás, en el momento de escuchar adelanto que nos van entregando, hay ciertos pasajes míos o de mis compañeros que pienso que podrían haber quedado mejor, aunque ya es algo a la que debemos adecuarnos. No somos una banda grande con todo el tiempo del mundo como otras muchas que existen tanto en el underground como en la escena más abierta, que sí pueden darse el lujo de irse a componer un disco a una casona, a la playa. Nosotros trabajamos bajo una presión grande, lo que nos hace como seres humanos afiatarnos bajo condiciones terribles de hacer un trabajo de Heavy Metal con mucha furia. Si bien quizás no estamos ciento por ciento conformes, lo que existe es un esfuerzo hecho con muchas ganas y luchando, luchando todo el rato, ¡como el Axeman (risas)!

“EL HEAVY METAL ES LO MÁS MARAVILLOSO QUE ME HA PASADO EN LA VIDA”

Dentro de todo, eres una persona conocida en el medio no sólo como el cantante de Battlerage, pues la gente te ve en todas las tocatas. Tengo recuerdos fijos de Grave Digger, ¡una bota tuya saltando ahí en la cara del público! Las personas te relacionan bastante con el Heavy Metal y ahora te refieres a conceptos como el aguante y la resistencia. ¿Hasta qué punto estás dispuesto a realizar sacrificios personales por el Heavy Metal?

Lo único que no tranzo es levantarme temprano, ¡lo único! En el resto, siempre he sido un tipo muy sacrificado. Soy bastante solitario aunque la gente no lo crea. Soy una persona muy sociable, pero me fui de la casa de mis papás hace mucho tiempo, trabajo solo, soy independiente, tengo un departamento en Santiago Centro en el cual arriendo piezas para solventar los gastos. Trato de no molestar a mi familia ni tampoco mucho a mis amigos, siempre he aperrado solo por la vida y lo seguiré haciendo. Encuentro que puedo tranzar en muchas cosas por el Heavy Metal. Yo de alguna forma me moldee y me hice así como la gente me conoce, como tú dices que me ven en la calle, en los bares, en todos lados, ¡es lo que yo elegí! El rock para mí, el Heavy Metal es lo más maravilloso que me ha pasado en la vida, y eso hace que puedas tener una creación, que puedas escribir en mi caso que soy letrista, que pueda componer sin ser músico, sin tener estudios, y eso es maravilloso, eso es algo grande. Siempre lo he dicho, que si no tuviese una banda, estaría quizás más borracho de lo que soy, no lo sé (risas). Es algo que me hace vivir, que hace que mi corazón esté latiendo todo el rato con furia, con fuerza, ¡y es mi modo de vida!, lo elegí hace muchos años y seguiré así hasta que me muera, hasta que la salud me dé.

Algo tiene que decir el nombre del nuevo CD, True Metal Victory. ¿En qué medida te representa este título ahora, pese a todos los contratiempos y los obstáculos?

Para mí la victoria todavía no está, aunque de alguna manera vamos hacia allá porque… o sea, todas las personas que deciden hacer una banda y sacan un demo, después empiezan a tocar en vivo como nos pasó a nosotros que fue muy paulatino, ¡y de repente nos vemos con un disco!, trabajando, y ahora con un sello de afuera, qué sé yo… la banda va creciendo y lo que puedo decirte es que me siento no victorioso, pero sí muy feliz de sacar un tercer lanzamiento ya que un conjunto con tres producciones, y entremedio con otras cosas más, algunas invitaciones a tributos, qué sé yo… o sea, perdón, me refiero a… no sé si te enteraste que salimos en un compilado tributo a Manilla Road, que para nosotros fue fantástico, somos fanáticos de ellos, y EPs, qué se yo, todas esas cosas medias raras que tiene Battlerage… ¡FELIZ!, feliz y contento de poder sentir que ya con un tercer disco una banda se consolida un poco más en su carrera. A eso hay que sumarle las tocatas en vivo, todo el show que hacemos y que a la gente le encanta, o salir de Santiago, lo que siempre es bueno, y así se van generando cosas. Con True Metal Victory creo que se acaba una etapa de Battlerage y empieza otra. Es como la carta del tarot, se viene un cambio, no sabemos cuál, pero cuando este disco salga y hagamos la gira nacional, en Santiago, regiones y donde se pueda, me parece que cumpliremos una etapa súper importante. Aunque hayan pasado hartos años, ocho años, creo que habrá un cambio. Nunca jamás cambiaremos nuestro estilo ni tampoco vamos a hacer cosas como estas modas del metal que no me interesan, sino que simplemente cada uno es más hombre, se va haciendo padre de familia, va pasando por etapas las cuales quizás pueden afectar la música, ¡pero la furia y el Heavy Metal que nosotros hacemos va a estar presente siempre!

AGRESIVIDAD Y HONESTIDAD

Tocaste el tema de la pasión, el tema de la furia, y muy desde el comienzo, cuando Francisco Vera (batería) tenía deseos de hacer esta música aparte de SteelRage, se nota un alma en ese dúo conformado por ti y por él. ¿En qué medida se mantiene intacto aquel núcleo después de este fin de ciclo con Battlerage?, ¿en qué medida seguirá vigente?

Por supuesto, Francisco y yo somos los miembros fundadores, somos las personas que quedamos de esa época, del 2002, del 2003. Han pasado hartos integrantes por el grupo, excelentes músicos, excelentes personas, aunque nosotros nos hemos quedado hasta el final y creo que tenemos cuerda para rato. Con Pancho nos complementamos súper bien al momento de componer, de escribir, así que tendremos a Battlerage por harto rato. Eso de alguna forma me acerca a la pregunta anterior, de si me siento victorioso, ¡para allá vamos! Me siento súper contento y con muchas ganas de hacer cosas, porque un tercer disco significa consolidar un poco lo que es un conjunto y su carrera latente, presente. ¡Y estamos muy entusiasmados!, trabajando en lo que es la carátula y todo lo que compete editar un material nuevo, ¡así que todo bien! Es súper positivo verlo así, con muchas ganas de hacer lo que nosotros hacemos y, de alguna forma, seguir cubriendo lo que Battlerage ha cubierto por siempre: un Heavy Metal agresivo, un Heavy Metal súper honesto. Ahora se vienen varias canciones lentas. No sé si hablar de Doom Metal pues insisto, somos una banda de Heavy Metal que abarca mucho su estilo, que de repente puede rozar otros, y ahora se viene más lento y oscuro. Bueno, oscuro siempre ha sido el Heavy Metal de nosotros pero se viene distinto, aunque jamás escucharán algo raro o que les parezca fuera de lugar. La gente que le gusta Battlerage estará feliz de encontrar un trabajo que aportará y llenará un espacio que otros no lo cubren, ¡simplemente porque no hay!, ¡no existen! Me he enterado que han salido más bandas de Heavy Metal, sólo que siempre de otra línea, no sé, quizás ya no happy pero sí por otro lado, ¡y lo hacen muy bien! Lo que siempre le digo a Pancho -o a veces converso con amigos más cercanos- es que siento que no tenemos competencia, ¡y a mí me gustaría tenerla! Me refiero a ‘¡oye!, ¡salió una banda!, qué sé yo, ¡toquemos con ellos!, tratemos de hacer algo interesante’, o simplemente ‘chuta, ¡nos salió competencia!’. Por ahora sentimos que trabajamos solos y lo aprovechamos para lograr un resultado tranquilos y sin distracciones.

El mensaje de Battlerage llega a ser bien directo. ¿Qué es lo fascinante para ti de lo épico, de las temáticas de guerra, de lucha y de furia? ¿Por qué te es tan atractivo cantar acerca de eso?

A mí nunca me ha gustado, desde que empecé a escribir canciones, ser muy explícito en las letras. Siempre me ha gustado -y nació solo- el hecho de ocupar metáforas, juegos de palabras. Eso a mí me acomoda mucho. Cuando Pancho me empezó a mostrar sus letras al hacer la banda, fue súper interesante porque abarcamos temas que nos competen a Pancho, a mí y a los otros integrantes que han estado, y están ahora también, que son sacar un poco de la realidad a las personas. De repente hay MUCHA realidad y tú sabes que hoy en día es así. Entonces, para mí es súper gratificante llegar a tu casa después de un día de trabajo o después de un mal día y escuchar una historia interesante, que puede ser una historia fantástica, puede ser una historia que pasó en la antigüedad, puede ser Historia también… ¡es fascinante! Ese punto siempre me ha gustado y siempre me ha acomodado para escribir también, no así como otras tendencias musicales como el punk que es súper directo y de alguna forma súper actual de las cosas que están pasando, las distintas realidades. De chico siempre me gustó más el hecho de escribir e inventar historias, puesto que Battlerage saca historias de cosas que ya existen pero igual abarcando -sobretodo en el disco pasado- algunas que nacen de la invención, y eso produce algo que siento yo que aportamos y lo hace interesante. Es una cuestión que se da sola y esa es nuestra opción. A mí me encanta de alguna forma que la fantasía en el Heavy Metal se pueda explayar de un modo tan grande como ha pasado desde… ¡imagínate!, ¡los setenta!, bandas como Rainbow, hasta el día de hoy, o los grupos clásicos que todavía existen como Manilla Road, cuando escuchas historias, leyendas y todo eso. A nosotros siempre nos ha gustado, pero ocupando una música agresiva. El concepto de Heavy Metal para nosotros ES así, TIENE que ser así.

“DONDE LAS PAPAS QUEMAN”

Son buenos conocidos pero llegan con otro nombre, pues MaYaN viene a Chile el 22 de noviembre para actuar en el Club Chocolate con una formación que cuenta con casi la totalidad de los músicos de Epica. Con dicha etiqueta se viste la banda paralela de Mark Jansen, ex After Forever de los “viejos” tiempos y líder de Epica, quien aprovecha esta visita para reencontrarse con sus seguidores, a quienes presentará material de Quarterpast, un curioso trabajo sinfónico-técnico-extremo-progresivo-operático editado por Nuclear Blast este año, junto con un set extra exclusivo para Sudamérica con canciones seleccionadas de Epica.

Así lo explica en entrevista el principal guitarrista y uno de los compositores de MaYaN, Frank Schiphorst, quien a diferencia de gran parte de sus compañeros, jamás ha tenido la chance de tocar en estas tierras, al igual que por ejemplo el cantante Henning Basse, conocido por su carrera en Metalium. Frank aprovecha la instancia para conversar del ambicioso material que creó con Jansen y Driessen, de lo que espera de Chile y de lo que Chile puede esperar de ellos.

Todos sabemos Frank que Mark (Jansen), Isaac (Delahaye, guitarras), Ariën (van Weesenbeek, batería) y Simone (Simons) han venido varias veces a Sudamérica con Epica. Ahora que es el turno de MaYaN de bajar hasta aquí, ¿qué historias has sabido de nuestro público y qué esperas de esta visita?

¡Sí! Bueno, primero creo que es un país grandioso por lo que he escuchado y sobre los fans, claro, nos han contado que están realmente locos allá en un sentido muy positivo. Por ejemplo, si te encuentras en Holanda dando conciertos, la gente sólo se queda mirando a la banda, y la mayoría de los grupos no ve mucho lo que pasa en el público, pero allá puede soltarse, volverse loca y todo eso. Es muy emocionante para nosotros como conjunto subirnos al escenario y ver reacciones de esa forma, toda esa energía que se te devuelve en el stage y de verdad la sientes, entregándote incluso más energía para arrojarla al escenario. Por mi parte, he dado shows donde tienes a seguidores enloquecidos y después de vuelves loco tú mismo, me desato en el stage y claro, es una gran sensación, siempre te da energía así que es muy positivo.

Ustedes ya han realizado como una especie de gira por clubes en Holanda y Bélgica con MaYaN. Hasta el momento, ¿cómo han sido las reacciones al performance en vivo de este nuevo grupo?

Ha sido siempre bien positiva. Hemos estado en lugares y en fiestas como en Amsterdam, donde tuvimos a mil 300 personas frente a nosotros y realmente es asombroso sentir a la audiencia, sentir el feedback. También hemos estado en lugares más pequeños con quizás 200 personas y la mayoría de las reacciones fue… dado que nuestra música es bastante compleja por ahí por allá, y no conoces las canciones, la verdad es que… cómo puedo decirlo… en la primera escuchada cuesta seguir la música a veces entonces nos llegan reacciones como ‘¡vaya!, ¡no esperábamos eso!, pero siempre, de alguna manera son bien compactos, apretados. Nos encantó la música, ¡hay hartas cosas ahí!’. Para el público la música puede resultar bastante compleja, difícil de seguir, aunque por el otro lado tenemos toda la cuestión melódica que parece que luego no de la pueden sacar de la cabeza, después de todo.

¿Y cómo describirías al público de MaYaN? Muchos están conscientes de la existencia de MaYaN porque es la otra banda de los miembros de Epica, por lo que esa gente viene desde el espectro de After Forever y Epica, lógico. No obstante, ustedes también enseñan elementos extremos en su música. ¿Cuán cercano se sienten con grupos como Pestilence u Obscura por ejemplo y cómo defines a la audiencia de MaYaN?

Bueno, es un público más mezclado. Por supuesto, tienes a todos los fans de Epica que conocieron a MaYaN a través de Epica y, al lado de eso, sí, me fascinan bandas como Pestilence y Obscura, porque además Jeroen, el bajista de Pestilence y Obscura, es uno de mis amigos y tocó en el álbum, por lo que igual abarcamos ese tipo de audiencia claro, así que realmente abarcamos una audiencia mezclada. Por ejemplo, yo voy a un montón de conciertos de Death Metal y en mi casa escucho harta música extrema y bueno, es la raja ver que los fans de Epica diciendo como ‘¡vaya!, ¡hay cosas bastante extremas aquí!’, que les guste, que no esperaban que estuvieran ahí, y tenemos a auditores Death Metal que en sus casas no escuchan voces limpias, por lo que es genial oír de ellos ‘vaya, ¡está Henning!’, o cuando Laura Macri se sube al escenario, hace un solo vocal también y con todo el público metido en nosotros, escuchando de verdad y con un gran aplauso al final, porque realmente es impresionante de algún modo pues no oyen ese tipo de música. Sí, siempre podemos generar reacciones positivas y es entretenido tener tantos auditores de tantos estilos en la audiencia, ya que los que escuchan música más suave logran apreciar las cosas más extremas y lo mismo al otro lado, que aprecian el material más melódico.

No es secreto alguno que aquí en Chile y Sudamérica hay muchos seguidores de Epica y dado que en MaYaN hay cuatro miembros de aquella banda, ¿cuánto espacio para canciones de Epica habrá en el show del 22 de noviembre?

Eh, bueno, de hecho tenemos preparado un repertorio extra para eso. Tocaremos el álbum de MaYaN, Quarterpast, y junto con eso hacemos un set aparte sólo para este tour en Sudamérica, de cerca de 50 minutos… sí, por supuesto, dado que la mayoría de los integrantes de Epica se encuentran acá presentaremos canciones de Epica para ustedes también, y claro, algunos otros extras de todas las bandas de Mark y (risas), otros números especiales que no puedo contarlos, pero serán servidos puedes decir (risas).

Entiendo que Mark, al comienzo, tenía pensado a MaYaN sólo como para y pasarlo bien haciendo música con viejos amigos, pero de repente de transformó en un acto serio y profesional sacando un disco y saliendo a tocar en vivo. ¿Cuándo se dieron cuenta de que MaYaN debía ser una banda propiamente tal en lugar de sólo un proyecto?

Bueno, fue bien rápido, cuando me uní pienso yo. Jack (Driessen, ex After Forever) y Mark comenzaron la banda como un proyecto para grabar un álbum, debido a que querían hacer algo más extremo con viejos amigos, algo más Death Metal, y empezaron juntos con Sander Gommans de After Forever, pero no tenía tiempo suficiente para estar ahí y no le fue posible continuar. Mark ya me conocía de antes así que me preguntó si me uniría, aún con la idea de sólo hacer un disco juntos con buena música, peor de ahí… bueno, nos sentamos, tuvimos un click enorme y escribimos la música en casi nada de tiempo. En una tarde escribimos una canción completa, ¿sabes? Todo fue tan positivo que nos dijimos ‘oh, pongámonos serios y saquemos todo lo que tenemos dentro, por lo bien que se sintió, lo positivo que fue, por lo rápido que componemos música cuando nos reunimos’. Así, los tres de nosotros les pedimos a los demás miembros si querían ser parte y darle nomás. Sí, sentimos que era bueno hacerlo así, absolutamente, dado que todo era positivo y todo se escribió por sí solo casi.

Tú llegaste al grupo luego que Sander viera que no podía dedicarle más tiempo. ¿En qué fase del proceso creativo de Quarterpast ingresaste a la banda y cuánto input tuviste en los temas?

Eh, bueno, sí, ¡harto de seguro!, porque cuando Mark me preguntó, él, Jack y Sander ya contaban con cuatro temas, no del todo acabados, peor igual me los pasó. Después entonces fui a la casa de Mark y empezamos a grabar en su estudio, así que claro, la mayoría de las partes de guitarra es mía, mientras que. Mark se fue más por la estructura de las canciones, él las puso en orden, por lo que Jack, Mark y yo tuvimos el mismo input. Lo único que quedó de lo que crearon con Sander fue la pista Bite The Bullet. Tuvimos la intro que hizo Sander, la tomamos y e hicimos que fuera más una canción de MaYaN con grandes orquestas inspiradas por Jack. Sí, el álbum entero lo escribimos nosotros tres, como las partes de Bite The Bullet. Entonces claro, ejercí influencia.

La música de MaYaN tiene diversos recursos musicales. Tiene elementos Death Metal, tiene elementos sinfónicos, tiene elementos progresivos, incluso un poco de Black y la gente se ha visto en problemas tratando encasillar lo que ustedes hacen en este trabajo. Siendo que eres uno de los creadores de esta amalgama, ¿cuál es la mejor forma de describir lo que propone MaYaN?

Sí, bueno, ¡vaya (risas)!, ¡es muy difícil de hecho! Escribimos lo que queremos escribir y en el álbum dice Symphonic-Progressive-Death Metal, así que pienso que eso es lo que encaja mejor porque tienes los elementos sinfónicos ahí, incluso por la música cinematográfica. Por ejemplo, las cosas más técnicas podrías llamarlas “progresivas” y sin duda que hay Death Metal ahí. Sí, me parece que Symphonic-Progressive-Death Metal es la mejor forma de describirla pero qué más da, solamente dile MaYaN y creo que nosotros tenemos una manera propia de componer música, una manera espontánea en ella. Cuesta colocarla en un rincón, lo sé.

Señalaste de “manera espontánea”, así que me imagino que en un comienzo no les era posible predecir cómo terminaría sonando el disco al final. ¿En qué medida fue una sorpresa escuchar el resultado definitivo con todos estos elementos tan variados entre sí?

Sí, fue una gran sorpresa el resultado final puesto que todos escuchamos varios tipos de música, desde bandas como Dream Theater hasta bandas como Behemoth, de grupos grindcore y extremos de por ahí a incluso música Pop. Y escribimos de manera espontánea así que nos sentamos juntos frente a los computadores en el estudio, simplemente apretamos record y empezamos a tocar las guitarras, logrando vibras bastante distintas. Y es cierto, al principio no sabíamos qué esperar de nosotros mismos, sin embargo Jack había escrito de antes con After Forever por lo que las partes orquestales en el fondo son suyas y sabía lo que Mark venía haciendo con Epica. Mark también compuso partes de guitarra así que nosotros sabíamos qué esperar, como también de la estructura de las canciones. Y por mi lado, he pertenecido a la escena progresiva, a la escena Death Metal, pero la sorpresa fue que terminó siendo un buen set de temas por sí mismo con muchos elementos, entonces sí, de forma muy positiva (risas) quedamos sorprendidos por el hecho de que funcionara tan bien, considerando todo lo que encuentras ahí. Aun así, nos las arreglamos para sacar un buen sonido de todo esto, no sólo pedazos de cosas Death Metal revueltas con partes limpias. Nos sentimos muy felices por el modo que salió. Obvio, con todos los cantantes que hay… al principio lo único que habría serían los grunts, pero llegaron las damas y también llegó Henning, quien es un vocalista asombroso que puede hacer lo que quiera, así que recién cuando terminamos en el estudio con todas las voces, pudimos oír cómo sonaba al final. Todos quedamos como ‘vaya, ¡esto es grande!’, ¿no?

¿Y cómo se dieron cuenta de que el álbum requería toda esta cantidad de vocalistas? ¿Cuándo decidieron colocar a una cantante de ópera como Laura, a Floor, Simone y también a Henning Basse (ex Metalium), conformando esta especie de nueva metal opera?

Bueno, con respecto a Laura, Mark ya la conocía aunque en un comienzo no sabía que podía cantar ópera tan bien. Ella nos envió unos videos de YouTube todos quedamos como ‘¡vaya!, ¡de verdad es maravillosa!’, ¡y simplemente quisimos tenerla acá por lo maravillosa que era! Además, mientras escribíamos la música encontramos partes adecuadas para ese tono, entonces íbamos como ‘sí, si colocas unos grunts igual podemos usar a Laura o algunas voces limpias ahí’. Asimismo, otra música que habíamos compuesto que no era la más indicada para los grunts, necesitaba vocales masculinas limpias, por lo que ordenamos la mesa y dimos ejemplos de lo que nos gustaría para esas voces claras. De nuevo, Mark ya conocía a Henning de giras pasadas, lo chequeamos porque era capaz de hacer lo que quiera con su voz. Podía gritar, hacer los grunts, hacer poderosas melodías de Power Metal, por lo que parecía ser la opción lógica para ciertas secciones de música que habíamos armado. Tanto Floor y Simone tienen sus propias voces, sus voces únicas; Floor con el canto más rockero poderoso y Simone con su registro hermoso y cálido. Sí, todo cayó en su lugar de forma automática. Nos conocíamos entre nosotros y los cantantes y la música pedía eso, así que decidimos debíamos llamar a esas personas para el álbum y completar el material. .

Quarterpast es un proyecto muy grande en cuanto a todos los elementos que encierra, pero de alguna manera han sido capaces de llevar todo esto a una situación en vivo sin mayores complicaciones. De hecho, hicieron esta presentación en Amsterdam con todos los cantantes invitados en escenario ¿Qué es lo más difícil de traspasar todos estos sonidos a un concierto?

Bueno, todo ha salido bien creo yo, todos aquí son gente profesional y ha hecho ya sus partes en el estudio así que claro, lo cierto es que sí es un desafío pues nunca sabrás con seguridad cómo saldrá en vivo, pero como todo cantante y músico acá es profesional, entiende muy bien cómo realizar su trabajo y en fin, practicas en tu casa y luego te juntas con los demás. Hay uno o dos ensayos, una para reunir a todos los vocalistas invitados y el otro con la banda, con los grunts de Mark por supuesto. Nos conocemos entre nosotros, todos somos profesionales y podemos hacerlo. Claro que es un reto sin embargo son profesionales y lo pueden hacer en vivo también gracias a su experiencia.

Lo otro es que Floor padece ahora de esta crisis de cansancio (burnout), y ha debido cancelar todas sus actividades en vivo con Revamp con el fin de recuperarse. ¿Cuánto le costó a ella quizás dedicarse a las grabaciones de Quarterpast y acompañarlos en vivo en ese show de lanzamiento?

Bueno, el colapso lo sufrió después de nuestra presentación y cuando Simone y ella se veían en el estudio, lo pasaban muy bien. No estuve allí mientras grababan, aunque por los videos que he mirado y lo que hemos hablado, sé que lo pasaron muy bien haciendo lo suyo en el estudio, al igual que en vivo. Floor todavía se encontraba un poco bien así que no hubo tanto problema de salud, pero al poco tiempo colapsó, llamó al doctor. Había trabajado mucho con su banda, con Revamp, ella es una mujer bastante ocupada y seguía y seguía hasta que terminó siendo demasiado luego de un tiempo.

Bueno Frank, gracias por tu disposición ya que la entrevista fue muy entretenida. ¿Quieres aprovechar para dejar un saludo a todos lo que asistan al concierto de MaYaN?

¡(Risas) vuélvanse locos nomás!, ¡dennos las energía y nosotros se las entregaremos toda de vuelta! Sí, ¡pasémoslo increíble! ¡De verdad tengo muchas ganas de ir y verlos vueltos locos a todos!

Después de la producción con David Prater de Behind The Sorrow, ahora el grupo quiere volver a aprovechar sus cualidades innatas y plasmarlas en un cuarto álbum más vistoso, mostrando “lo que nosotros hacemos y nos dimos cuenta que gusta” tras la gira europea, “la experiencia que nos dieron los temas anteriores nuestros al tocarlos” allá.

El trabajo cuyo single de adelanto, Another Name, enseña elementos más veloces, agresivos y virtuosos tendrá un estreno en vivo el próximo sábado 19 de noviembre, cuando Six Magics se presente en la Cúpula del parque O’Higgins, ocasión por la que PowerMetal.cl se acerco a Erick Ávila (guitarras) y Elizabeth Vásquez (voces) para hacerles una entrevista. En ella no sólo comentan detalles del concierto y de la composición del álbum, porque la cantante se detiene además para hablar acerca del cáncer que le descubrieron cuando el grupo se aprestaba a grabar.

“Quiero que hagamos el show, quiero que hagamos el disco”, decía en ese momento al resto de los integrantes a pesar de tener que enfrentar una quimioterapia. “Quiero que hagamos todo lo que teníamos planeado ya que eso también me dará fuerzas para saber (…) que tengo algo más importante en la vida que hacer”.

Escucha todas las respuestas de Eli y Erick haciendo click en los reproductores que se encuentran debajo de cada texto.

ADELANTE, SIN CAER: ANOTHER NAME

Como adelanto del próximo disco que saldrá el próximo año, recién sacaron el single Another Name, Para ustedes, ¿que tiene de especial esa canción que decidieron tomarla y lanzarla como single? ¿Qué elementos musicales viste en la canción que te convencieron de que era el single apropiado?

Erick: Bueno, una difícil decisión, en el disco hay varios ambientes. De hecho hay temas con orquesta. Grabamos orquestas, estuvimos grabando oboes, estuvimos grabando cuerdas, violines, cello, coros también clásicos que van a aparecer en este disco, canciones que realmente quedaron súper, súper buenas. Estamos en el proceso de la mezcla pero ya se escuchan espectaculares, por lo tanto era una muy difícil decisión elegir el single porque tenemos distintos tipos de ambiente. Hay temas orquestales, hay temas con muchas partes electrónicas y hay un ambiente en el álbum que es bien duro, bien thrash, que tiene mucho que ver  con mis influencias de chico. En este disco igual quise tener un poco más de libertad en ese sentido y tratar de hacer canciones un poco más pesadas. Tenemos tres cortes que van por dicha línea y uno de esos es Another Name. Creo que es súper potente y que representa la energía con la cual se grabó todo este disco. Con la banda estamos con muchas ganas de mostrar el nuevo Six Magics, orgulloso de todo lo hecho antes y encuentro que este nos representa bastante en la etapa que estamos, de no caer y seguir adelante, luchando por nuestros sueños. Así que espero que les guste.

En este último año, Six Magics ha vivido experiencias que los han llenado de lecciones, comenzando por gira europea en promoción de Behind The Sorrow, Ese tour era algo que buscaban de hace muchísimo tiempo y ahora que es un episodio cerrado, un desafío aprobado, ¿qué cosas aprendieron allá que ahora les sirve para  aplicarlo en la composición de un cuarto álbum?

Erick: Principalmente, una de las cosas más potentes que sacamos en limpio del viaje fue el fiato absoluto de la banda, en el sentido de que convivimos todos, yendo para todos lados juntos y toda la cosa, y se empieza a generar un feeling muy rico musicalmente hablando. En el escenario se vio eso, tuvimos como 15 tocatas y nunca habíamos actuado tan seguido en menos de dos meses. Tuvimos que presentarnos en 15 ciudades distintas yendo en la van para acá y para allá, por lo que la misma banda va haciéndose mucho más potente y mucho más afiatada. Personalmente -que estuve a cargo de la composición este nuevo disco- te da confianza porque sabes con qué músicos cuentas para hacer cosas sin límites. El registro que mostraba la misma Eli por ejemplo, la capacidad y la estabilidad de afinación que mostraba en los conciertos, ¡no te da límites! Anteriormente en el Dead Kings y The Secrets yo TUVE límites con Checho (Domínguez, vocal de ambos lanzamientos). Me encanta su voz y todo, tenía mucho power en los medios, pero el Checho en los agudos tenía limitaciones entonces debía llenar de coros el disco para suplirlas. Acá no tuve que contar con ninguno de esos recursos porque tenemos un registro mucho más amplio y seguro, potente. Y te lo dejan en claro los mismos conciertos de la gira. Grabamos casi todos -obviamente a modo personal ya que no andábamos con grandes equipos-, el registro de audio se grabó para ir evaluando cómo íbamos y en la práctica no hubo pifias, sobretodo en la parte de la voz que es lo más complicado, lo más delicado. Entonces, como que te da el permiso para componer algo con la confianza que sonará igual después en vivo. No hubo demasiadas limitaciones y por ahí va la confianza en la composición de este disco.

¿Pero en qué medida esta experiencia de la gira influyó en el material? Me imagino que conociste a gente que te comentó cuestiones, a productores, a bandas, a un público que nunca había escuchado tu música y recién ahí quizás descubrió temas del The Secrets Of An Island por ejemplo. ¿Qué cosas sacaste en limpio en cuanto de la reacción de ellos, que te llevaron a ponerlas en este cuarto esfuerzo?

Erick: Bueno, la mayoría de lo que presentábamos era del Behind The Sorrow pero también andábamos con algunos temas del proyecto solista que voy a sacar el próximo año y del The Secrets Of An Island, además de un mix del Dead Kings. Y curiosamente, con los que más prendía la gente eran como con los más rápidos, los más virtuosos por así decirlo. Tuvimos la oportunidad en uno de los conciertos de que nos fuera a ver el productor de Blind Guardian (Charlie Bauerfeind), en Münich, y también, quedó súper impresionado con lo capaces que éramos como músicos. Igual nos dijo ‘oye, si tocan así, ¡muéstrenlo!’, porque él sólo había escuchado el Behind The Sorrow. Yo, en lo personal, aprendí mucho con David (Prater) a simplificar las cosas para que después al llevarlas estudio se entendieran más los planos, las atmósferas, y funcionara mejor para cualquier oído, no sólo para el de un músico. Paralelamente con eso, creo que el hecho de ver la visión europea que es totalmente diferente a la percepción gringa, generó una mezcla como entre lo que aprendí con el Prater y lo que vi que gustaba allá, que en el fondo era el virtuosismo, pero no ese virtuosismo extremo que al final no se entiende nada cuando haces la edición de tu producción. Por lo tanto, con esa experiencia yo traté de hacer una mezcla entre ambas cosas: plasmar en este disco lo aprendido con David pero también lo que yo traía de antes, sobretodo aprovechando al gran batero que tenemos, Pablo Stagnaro, que toca en mil bandas de latin-jazz, un compadre seco técnicamente, entonces dije ‘hay que aprovechar esto pero de una manera profesional sin engolosinarse’. Eso me lo enseñó el Prater y se lo agradezco, aunque al mismo tiempo igual mostrar lo que nosotros hacemos y nos dimos cuenta que gusta. Cuando nosotros tocábamos Caleuche en vivo por ejemplo, ¡los alemanes se volvían locos!, ¡se ponían ahí adelante y todos saltando! Era súper rica esa sensación. El productor de Blind Guardian me dijo lo mismo, ‘¡oye!, pero si tocan tan bien, ¡muéstrenlo! En el Behind The Sorrow no percibo que tocan tan bien como ahora en vivo’. Ahí pensé ‘chuta, aquí está pasando algo que tenemos que mostrar, si al final esto es lo que te piden, ¡hagámoslo!, sólo que mezclando las dos cosas’. Por ahí “va” el disco que estamos pronto a sacar el próximo año.

Y ahora que el proceso está más acabado, en instancias de mezcla, ¿qué diferencias distingues tú a lo lejos entre este disco y Behind The Sorrow?

Erick: Bueno, más que nada reforzar la mezcla que te mencionaba de poder sacar lo mejor que aprendimos del Prater y la misma experiencia que nos dieron los temas anteriores nuestros al tocarlos en Europa, esa misma energía que entregaban, tratar de ir mezclando esas dos cositas. Y la gente más de confianza de hecho, fans de los que prácticamente somos amigos, ha tenido la oportunidad de escuchar maquetas y justo me ha comentado que le genera una mezcla del The Secrets y con el Behind The Sorrow. Yo nunca pensé ‘ya, vamos a hacerlo de esta manera porque así voy a llegar más’, ¡no!, uno lo hace de la forma más auténtica posible. Es lo que me gusta en estos momentos, esta es la banda con la que cuento, la conozco perfecta, sé que estos temas pueden sonar en vivo, por lo tanto compuse pensando en eso y con la experiencia de haber aprendido que ‘chuta, si les gustan las cosas virtuosas, podemos hacerlo, ¡lo vamos a hacer en este disco!’. En el fondo es como lo mejor de lo anterior que hemos hecho con la banda. Así yo definiría este disco y afortunadamente, con lo poco que hemos mostrado a cierta gente, fans amigos como te decía, y productores amigos, ¡han mencionado lo mismo! Pasó de esa manera sin quererlo, nos han dicho ‘oye, esta es la mezcla de The Secrets Of An Island con Behind The Sorrow/Animal’. Así que por ahí creo que va la cosa 2011, esa creo que es la diferencia.

CAMBIOS EN LA MÚSICA, EN LA FORMACIÓN Y EN LOS SEGUIDORES

Ustedes que han visto las reacciones a Behind The Sorrow, tanto positivas como cotrarias, como también en su tiempo las de The Secrets Of An Island por parte de los que preferían Dead Kings Of The Unholy Valley, ¿cuánto cuesta que un seguidor continúe siendo leal a Six Magics?

Erick: Sí, de todas maneras es súper rico eso porque te deja explícito que la banda siempre va innovando. Creo que es súper importante no quedarse pegado musicalmente porque uno siempre va escuchando nuevas cosas, está en distintos estados de ánimo en tu vida y la música es eso, refleja los estados de ánimo de tu vida, tu madurez, tu experiencia. Y obviamente eso provocará que la música sea distinta en los períodos de tu vida. Entonces es rico también saber que se siente eso, porque hay gente que le gusta mucho, hay gente que no y es súper respetable, pero es parte del proceso musical.

Eli: No, la verdad es que yo pienso, como decía Erick, que es súper bueno que la gente esté constantemente evaluándote, te esté criticando, tenga los ojos y oídos siempre puestos sobre la banda. De partida eso es súper bueno porque sería muy triste sacar algo que nosotros sentimos que es espectacular, que es maravilloso, que nos encanta, ¡pero resulta que nadie opina ni para bien ni para mal! Dada la madurez que Erick mencionaba, el costo a estas alturas creo que es menor a lo mejor que cuando tienes 20 años, compones algo y alguien te dice ‘no, no me gusta’. A lo mejor, ¡a los 20 años te pones a llorar al tiro, te vas al baño, te desmotivas y cuelgas la guitarra! Como estamos todos ya bastante más pasaditos (risas), creo que uno entiende que lo que busca la gente en la música es llenar parte de su espíritu y si no lograste en ese momento con ese disco llenar lo que estabas buscando, ¡a lo mejor con otro sí!, ¡no lo sé! En el fondo, pienso que cada uno de los discos de Six Magics ha correspondido a una etapa, como todos los de todas las bandas del mundo, y creo que lo más triste es quedarse pegado siempre en lo mismo. A mí me parece que Six Magics y todos los grupos siempre tendrán una propuesta y cada uno decidirá si le gusta o no. Ahora, el tema es que nosotros tenemos que estar contentos con lo que hacemos y nos ha pasado con todos los discos. Por ejemplo, yo entiendo que haya gente que de repente nos diga ‘no, el demo Trilogía de un Guerrero, ¡eso era Six Magics!’, ¡claro!, porque en ese momento tal vez dicha persona tenía 14 años y cuando escuchó Necromante en español, ¡le pareció lo más maravilloso del mundo! Ahora, con 30, lo recuerda como una época de nostalgia donde no hay nada que Six Magics ni ninguna otra banda pueda hacer por reemplazar lo que para él emocionalmente significa. Por lo tanto, cuando la gente a veces dice ‘no, ESA era la banda, ESA era la formación’, o ‘ESE era el tema, ESE era el disco’, también entendemos que hay un asunto de a lo que llegó esa canción, ese álbum, a esa persona, en ese momento. Estoy segura de que si le muestro Necromante a esa misma persona ahora por primera vez, me va a decir ‘oye, ¡suena pésimo (risas)!’, ¡ni siquiera lo va a escuchar (risas)! Así que no, creo que el costo es ese, el hecho de tú entender que habrá gente que le gustará y gente a la que no. Lo mejor es sentirse tranquilo con lo que uno está haciendo y siempre hacerlas porque uno las quiere hacer, ¡y ojalá que guste!

Y desde que entraste al grupo Eli, ¿cuánto han percibido que ha cambiado el público de Six Magics, con muchachos que antes siquiera se habría fijado en la banda por no tener a una cantante femenina? Ahora que la formación es otra, principalmente por tu llegada, surgió otra fanaticada a la cual empezaron a acceder ustedes, a la fanaticada de Nightwish, Within Temptation, Tarja. ¿En qué medida sientes que ha cambiado el público de Six Magics desde el 2008?

Eli: Bueno, creo que lo principal que ha cambiado -pero eso no tiene que ver con mi llegada- tiene que ver con… yo me acuerdo de los shows del 2001 por ejemplo, porque estoy en la banda hace ya 14 años igual, antes como manager, muchos papás con sus hijos que los iban a dejar, los iban a buscar, que casi todos tenían 11, 12, 13. ¡Éramos una banda muy teenager!, ¡de niñitos chicos! Ahora en cambio, claro, en nuestros conciertos ya no van niños de 15… ¡van algunos!, ¡pero en realidad como que todos al menos ya están en la universidad o en cuarto medio (risas)!, entonces yo creo que el público ha crecido, ha madurado con Six Magics, pero eso es natural porque la banda ya lleva muchos años. Ahora, lo que preguntas con respecto a mi llegada, pensamos en su momento que sería mucho más brusco el golpe para la gente que escuchaba la banda y que iría a decir ‘oye, ¿¡pero cómo tan fuerte el cambio de un hombre a una mujer!?’, aunque la verdad es que siempre me recibieron súper bien. Creo que se quedó con el concepto de Six Magics como banda independiente de quién esté en las voces. Obviamente es normal que haya gente que le guste que haya una mujer cantando, como puede que haya otra que no le guste porque siente que una voz de contralto no sirve en el metal, pero sí considero que hemos llegado a un público que tal vez se le hace un poco más amable escuchar el Behind The Sorrow porque tiene un poquito más de melodía, como más rápida de digerir. Por el hecho de que tiene una voz femenina hay quienes se acercan un poco más, como otros que sencillamente puede que le produzca rechazo solamente porque soy mujer, ¡ni siquiera porque canto de x manera!, si en el fondo cantar de x manera siendo mujer da lo mismo. El asunto es que el hecho que sea mujer ya les puede producir cierto tipo de rechazo, pero al menos lo que ha pasado en Europa con Behind The Sorrow fue se abrió mucho más la cantidad de gente que conoce a Six Magics, que se interesó en el grupo, lo vio como uno muy profesional. Aparte, sintió que la era propuesta muy válida a pesar de tener una mujer cantando, muy novedosa porque escapaba de las voces guturales de mujer y escapaba también de las voces líricas, entonces fue como un poco de respiro. Además, la onda latina produjo mucha curiosidad y encontraron que era algo bastante novedoso para ellos, como potente. Creo que al menos en Chile se abrió un poquito más y en Europa pasó lo mismo.

PRODUCCIÓN Y CÁNCER DE COLON: “HABÍAMOS DECIDIDO CANCELAR EL SHOW, CANCELAR LO QUE ERA LA GRABACIÓN PORQUE HONESTAMENTE NADIE EN LA BANDA SABÍA SI ME IBA A RECUPERAR O NO”

Eli, recuerdo que el 2007, cuando grabaste las voces del disco, era justamente en el período que te habían operado de las tiroides producto de un cáncer, en el momento que no sabías aún si tendrías que someterte a radioterapia o no para superar la enfermedad. Al final, no hubo necesidad de hacer nada de eso, aunque por lo mismo, terminó siendo un trabajo muy, muy emotivo, muy pesado en cuanto a su carga emotiva. Y ahora con esta nueva placa también pasaste por algo incluso más complicado, como lo señalaste en redes sociales. ¿Cuán difícil fue para ti la grabación en esta etapa de tu vida?

Eli: Bueno, la verdad es algo bastante curioso pero ambos discos, Behind The Sorrow y el que estamos terminando ahora, al menos lo que es grabación de voces me encontré con la misma problemática en el mismo período y en el mismo proceso. En Behind The Sorrow habíamos decidido que yo sería la nueva vocalista de Six Magics, tenía que grabar las voces y bueno, fui operada de un cáncer de tiroides, lo cual retrasó la salida del disco. David tuvo que viajar a Chile y ahí grabamos las voces. Muchas veces debía irme a la terapia que correspondía y luego grabar las voces en el estudio. Entonces claro, fue un trabajo bastante emotivo y un disco que para mí, hasta hace cuatro meses atrás, fue uno que recordaba bastante por esa situación que había tenido que enfrentar. Y ahora, en este minuto, también nos encontrábamos ad portas ya de entrar a grabar este cuarto álbum con Six Magics y bueno, me detectaron esta vez después de cuatro años otro cáncer. En esta ocasión, fue un cáncer de colon un poquitito avanzado y creo que para la gente que conoce un poco la enfermedad, fue un shock emocional, mental y de todo tipo para mí, para toda la gente cercana, para mi familia, para los amigos. En un momento me resistí a creer que era cierto y ‘no’, le dije al médico, ‘me estás leseando, ¡no puede ser! ¿Otro cáncer?, ¡no puede ser!’. Y bueno, la verdad que salió un poco más pesado que el anterior, me operaron hace tres meses y después sufrí además una infección que estuvo pasando casi a septicemia, así que lo pasé bastante mal. En algún minuto que estuve en la clínica pensé que hasta ahí era el momento de la vida, que había llegado solamente hasta ahí. Y bueno, empecé a hacer un recuento de la vida que había hecho y sentí que estaba preparada para irme en paz, pero aun así, gracias a la gente que me apoyó y todo, y a una fuerza de voluntad que no sé de adónde saqué, logré irme recuperando de a poco. Ahora me emociono mucho al pensar que tres meses atrás tenía que pedir ayuda para moverme de la cama, para levantarme al baño y todas esas cosas y, pasadas dos semanas de haber logrado recuperarme un poco, terminé a duras penas de grabar las maquetas, obviamente sólo casi tarareando porque no me daba el cuerpo para grabar con mucho power. Y bueno, habíamos decidido cancelar el show, cancelar lo que era la grabación porque honestamente nadie en la banda sabía si me iba a recuperar o no. Era algo muy inestable y ni siquiera lo podíamos correr, no sabíamos si me iba a recuperar, creo que se entiende un poquito. Pero en ese momento yo dije ‘no, quiero que hagamos el show, quiero que hagamos el disco, quiero que hagamos todo lo que teníamos planeado ya que eso también me dará fuerzas para saber que debo hacer algo, que tengo algo más importante en la vida que hacer’. A pesar de que los chicos se resistieron un poquito, ‘no, es que a lo mejor no vas a estar’, yo dije ‘no, ¡démosle!, ¡porque yo voy a  estar!’, y empezaron a grabar el disco. En agosto se grabaron las baterías, en septiembre las guitarras y bajo, y en octubre grabé en tres días, tres horas cada día… como en diez horas grabé todo el disco y de verdad que es increíble haberlo podido hacer de esa manera. Ahora estamos ad portas del concierto y bueno, también me había imaginado cómo iba a ser cantar en vivo sin pelo, porque ahora estoy en un proceso de quimioterapia donde tengo que ir una semana al mes. Estoy en mi tercera semana, voy a ir a quimioterapia ANTES del concierto y gracias a Dios creo que voy a poder tocar con mi pelo natural (risas). Es un tema difícil que se presentó en el mismo momento en los dos discos. Las razones no las sé, lo único que sé es que estoy bien, con mucho ánimo. Me queda harto aún por enfrentar para vencer la enfermedad completamente, ¡aunque ya estoy sana! Lo que me están haciendo es netamente de prevención para evitar que se extienda por alguna otra parte, pero en general súper bien y en lo emocional es un logro… muy contenta el haber podido ambas veces derrotar el cáncer, ¡y como resultado tener un disco como regalo en Navidad!, ¡así que me parece súper bien (risas)!

¿Y fue lo más bonito de avanzar con un proyecto que puede soportar todos estos embates, que logra unirlos más? ¿Qué es lo más grato de ver que todo se puede reflejar sin problemas en un resultado tan del corazón como es la música?

Eli: En lo personal creo que lo más bonito fue haber recibido la confianza de la banda cuando les dije que sí quería grabar este disco, que sí quería hacer el concierto, porque todos me fueron a ver a la clínica… me vieron que estaba muy mal. Después, el hecho de que me dijeran ‘¿de verdad quieres hacerlo?, entonces vamos a estar todos ahí’. Y también creo que una de las cosas muy bonitas ha sido el gran apoyo de la gente ya que a diferencia de la primera vez cuando no quise publicar nada de mi enfermedad (era recién llegada y la primera vez que se habló de eso fue en la Revista Bulldozer cuando YA el disco había salido), en esta ocasión tuve que hacerlo un poco por respeto a los que me conocen, tuve que contarles cuál era el proceso y la verdad que se han portado súper bien conmigo, me han tratado súper bien. La gente lo único que ha hecho ha sido mandarme su buena vibra. He recibido muchas experiencias y muchas cosas súper positivas, pero en cuanto a la banda y las personas más cercanas a Six Magics, ha sido súper bonito. La confianza que ellos tienen en mí como ser humano y como cantante ha sido sumamente positivo porque en ningún momento he sentido como ‘oye, pero la Eli debería estar en condiciones, ¿deberá poder?, a lo mejor no podrá cantar en el disco como queríamos’. O sea, nunca ningún miedo. Cuando al grupo le dije ‘ya, ¡démosle!’, fue como si estuviera sana cien por ciento. Eso por mi parte.

Erick: Claro, fue como decía la Eli, es como una talla de mal gusto, nuevamente en el mismo proceso, la misma historia, ¡es como para no creerlo!, pero esas son las cosas que han unido más a todos y que ahí te das cuenta de que hay cuestiones más importantes en la vida que el tema que le gustó a este loco, que el cantante que no está, que la cantante femenina, masculina… para mí, lo más importante de todo esto es la familia que se genera en el entorno de una situación como la que vivimos. La misma gente que es fan para mí ya son todos amigos… o sea, compadres que se venían… el mismo Prater iba a viajar de Estados Unidos para estar con al Eli. La esposa del Prater también, ¡iban a viajar! Amigos alemanes diciéndonos ‘oye, ¿si hacemos una colecta?’, ¡a ese nivel! Ahí como que te separas un poco del medio metalero y piensas ‘aquí tenemos una hermandad’. Los compadres de Viña, ¡también!, ‘oye Erick, ¡nos vamos para allá!, ¡te ayudamos!’, ¡llamándome todos los días! Los amigos de Santiago conmigo en el hospital, ‘oye, tengo mi auto, ¿vamos a buscar a la Eli acá?, ¿necesitas que vayamos a buscar los exámenes?’. ¡Donadores de sangre!, ¡todos ofreciéndose!, te das cuenta de que trasciende mucho más allá de lo que puede ser una banda y un estilo, es una familia metalera. A mí me gustaría resaltarlo porque es lo que me mantiene vivo. De repente la gente me dice ‘oye Erick, ¿tú cuándo duermes?’, ¡porque paso haciendo cuestiones! Estoy metido en el instituto haciendo clases de música, estoy todo el día pensando en Six Magics, lo de la gira, lo de los discos, estoy siempre metido. ¿Pero sabes qué?, esa cuestión me da vida a mí justamente porque toda la gente del entorno es la que aparece después en los momentos difíciles. A la larga es tu vida, es lo que tú hiciste, es lo que tú sembraste, lo que cosechas día a día por el cariño de la gente. Son compadres que ahora son hermanos míos, y no son diez, te hablo de mil y quedo corto, ¡y todo tiene que ver con Six Magics! Eso es lo más heavy y lo más bonito: toda mi vida se basa en Six Magics. Mi carrera es Six Magics. Que yo haga clases instituto, por Six Magics. Que yo tenga todos los maravillosos amigos que tengo, por Six Magics. Que yo esté casado con Eli, ¡Six Magics! En el fondo, toda mi vida gira en torno a Six Magics, ¡es como mi hijo (risas)! ‘Oiga profe, ¿usted tiene hijos?’, ‘sí, ¡Six Magics (risas)!’, ¡y me da harto que hacer la huevada (risas)! ¡Y hartos gastos (risas)!

DEL PROVIDENCIA A LA CÚPULA

Dirigiéndonos a los que nos convoca, además del cuarto disco de Six Magics, es el show que dará el 19 de noviembre. Luego de tantos años de no organizar un evento grande como los del Providencia, ¿qué cosas llevarán ustedes a esta presentación?

Eli: Bueno, a ver. Lo primero es que nosotros estamos con ganas de que este sea el concierto que mejor haya dado la banda en toda su historia. Eso es lo que queremos y para eso estamos trabajando. Vamos a tener la presentación de un par de temas del nuevo disco, en vivo, vamos a tener también a algunos invitados especiales de la escena nacional que nos acompañarán en ese día tan espacial para nosotros. Va a ser un show que no será muy corto donde vamos a repasar todo lo que la gente quiere escuchar de los trabajos anteriores, de Behind The Sorrow, o también del disco nuevo como te decía. Y bueno, lo principal es que hace mucho tiempo que no nos vemos así que tenemos muchas ganas de volver a sentir esa energía, esa alegría de la gente cuando está ahí con nosotros, ¡porque pasó mucho en Europa que salíamos a tocar y no conocíamos a nadie! Era como raro, era impactante ver al público de Europa de repente o Turquía vuelto loco con nosotros, ¡pero no los conocíamos!, entonces ahora queremos ver a los mismos locos, ¡aunque conocidos! Será un show muy bonito, muy especial para nosotros, sobretodo para Pablo Sepúlveda que es nuestra guagua, quien tomó el lugar de Gabriel Hidalgo. Es sumamente joven, tiene sólo 22 años. ¡Yo tengo uno más que él (risas)!, pero aun así no hemos contado con la oportunidad de tener un DVD o un concierto producido por Six Magics como los hicimos muchos años atrás. Lo más importante es que las personas se encontrarán con un show de luces espectacular, se encontrarán con un sonido increíble. El lugar es muy bonito y además tendremos una súper bonita escenografía. El lugar es un pulmón verde de Santiago, como es el Parque O’Higgins. Hay un muy buen clima en el mes de noviembre y la gente puede ir a pasar una tarde con sus amigos allá mientras espera el concierto. Vamos a tener a lo mejor alguna reunión en algún pub ahí con nuestros amigos que quieran acompañarnos, así que creo que va a ser muy entretenido. Va a ser como la historia de Six Magics pero con el sello distinto que ahora podremos grabar un DVD con la nueva formación, con una que ya lleva un tiempo, y reviviremos un poco lo que se hacía en el año 2000 y tanto cuando se realizaban los conciertos del Teatro Providencia. Eso.

Mencionaste lo de “nueva formación” y al respecto les tengo una última pregunta. Siendo que Gabriel (Hidalgo, Witchblade, Six Magics, Fahrenheit, Delta) está de vuelta en Chile, ¿por qué la decisión de seguir con Pablo Sepúlveda, quien se suponía era un “reemplazo” mientras durase su viaje a Estados Unidos?

Erick: Bueno, el Gabo cuando tomó la decisión de dejar la banda para irse a radicar a Estados Unidos, siempre tuvo todo el apoyo de nosotros y todo el respeto. Fue una pérdida en el momento ya que siempre tuvimos la esperanza de volver a tocar con él y seguir como grupo, aunque tampoco podíamos estar diciéndole ‘si tú te vas, TE VAS y sigue con tus sueños’. Hay una amistad súper fuerte con Gabriel. Entonces tomó la decisión y nosotros empezamos primero a buscar un reemplazo. Resulta que Pablo también sabía que si volvía Gabriel iba a tener que ceder a un lado, con Gabriel retomando su función de guitarrista. Pero como nunca nos dio la seguridad de que volvería (porque en el fondo se fue por un año, y con su talento y todo se PODÍA quedar allá), nosotros debíamos seguir pensando en la banda, no en lo que pensábamos personalmente. Yo, por mí, ideal Gabo siempre como amigo y como partner en guitarras, pero hay que pensar en la banda y la banda necesitaba estar asentada con alguien estable, más si íbamos a ir a nuestra primera gira por Europa con 15 fechas. Y bueno, FinFan, que así de cariño le decimos a nuestro guitarrista, a nuestro gigante, mostró ser un aporte total al conjunto, si de hecho nos entregó esa frescura que nos faltaba, ¡la guagua chica de la banda! Todos ya tenemos mucha experiencia y él venía con muchas ganas de hacer cosas aperrando en todo, respondiendo con todo, ayudando de todas las maneras que se te ocurran. Gabriel después retornó a Santiago, estábamos con FinFan luego de la gira y todo, se empezó a afiatar tanto que era súper feo llegar y decirle ‘oye, da un paso al lado, nosotros estamos con Gabriel’. Para que esta cuestión fuera enserio teníamos que tomar la decisión de quién iba a ser el guitarrista estable y el Gabo estaba en Estados Unidos, por lo tanto optamos por seguir con él por cómo se portó con el grupo y por el gran aporte que fue a la banda. Para mí, sería espectacular tener a al Gabo y al FinFan en la formación pero no funciona. Iron Maiden lo hace porque tiene muchas lucas para pasajes (risas), ¡y demases! Teníamos que elegir y fue difícil, no te lo niego, súper difícil, pero FinFan se ganó su espacio como músico, como persona y por lo que le entregó al conjunto.

Eli: Además Gabriel también tenía sus proyectos y siempre los va a tener, entonces ese hecho creo que logra que Gabriel lo entienda perfectamente, con lo maduro y profesional que es, que la banda tenía que seguir. Él se podía quedar un año, dos años, se podía quedar toda la vida en Estados Unidos, y nosotros lo aceptamos pensando en su bienestar. También creo que en el momento que pensó volver a Chile, igual consideró el bienestar de nosotros, y el bienestar de nosotros era mantenernos con la formación que ya habíamos madurado con esta gira y el tiempo que llevábamos juntos con Pablo. Esa es la razón. Nos sigue uniendo la amistad de siempre y de todas maneras… bueno, Gabriel siempre haciendo mil cosas, un gallo que no va a parar nunca. Está tocando en Fahrenheit, está tocando en proyectos, en Delta también, en bandas de mucho nivel, así que obviamente al final todos contentos y claro, ¡no sabemos las vueltas de la vida!, que lo más importante es siempre estar bien con las personas porque nunca sabes a quién iremos a necesitar. En una de esas yo vuelvo a cantar con el Checho, ¡a lo mejor qué pueda pasar en el futuro!, no sé. Creo que en este momento todos nos sentimos muy bien, muy contentos, muy tranquilos y tan amigos como siempre.

Entrevista con Frost de Satyricon, que se presenta por primera vez en Chile el próximo tres de noviembre en el Club Chocolate, ex Rockola. Las entradas están a la venta a través de Sistema Ticketmaster y sin recargo a través de tiendas The Knife del Eurocentro.

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Primero que todo, Satyr y tú se tomaron un receso bien largo de las giras, como de un año, por lo que llega a causar sorpresa que Satyricon venga a Sudamérica en este instante, justo cuando están preocupados de la creación de un próximo disco. ¿Qué esperan de esta visita a Chile?

Sí, primero que todo, tenemos muchas ganar de tocar en Sudamérica, siendo que hay un montón de fanáticos del Black Metal y que además está claro para nosotros que Satyricon tiene una gran fanaticada allá. Y también, por la reputación de Sudamérica de tener audiencias salvajes y entusiastas. Eso es algo que tenemos ganas de atestiguar por nosotros mismos y vivir por primera vez, eso es lo más importante. Y bueno, es verdad que nos tomamos un descanso de las giras, en el fondo un receso del ciclo que siguió a The Age Of Nero con el objetivo de tomar algo de distancia del álbum y su proceso, y así comenzar un nuevo capítulo, pero cuando se abren las chances de ir a Sudamérica, ¡por supuesto que querrás hacerlo! Es algo que hemos estado trabajando de hace bastante tiempo y hemos tratado que nuestro agente norteamericano encuentre oportunidades de girar por Sudamérica, pero no siempre es tan fácil concretar un proyecto así de grande porque hay demasiados intereses, muchos elementos, cuestiones que deben lograrse antes que todo se realice. Por algún motivo ahora resultó ser el momento adecuado y aunque haya sido una espera muy larga, estamos muy felices de ver que ahora sí vaya a ocurrir. Vamos a conocer a nuestros seguidores sudamericanos y vamos a experimentar una energía en vivo muy hardcore juntos. ¡Saldrá bien!

Al menos aquí en Chile hay una cantidad decente de fanáticos del Black Metal de los noventa y de trabajos como Dark Medieval Times (1993) y The Shadowthrone (1994). Varios sólo escuchan esos CD y nada más. ¿Cuán cómodos se sentirán ellos con el setlist que traerán a Santiago?

No lo sé. Pienso que TODOS nuestros fans sentirán que hay cosas que los harán sentirse como en casa. O sea, el show de Satyricon no se trata sólo de canciones o de lo que es familiar para ti, sino más bien de la energía y la atmósfera y la vibra que la banda y el público son capaces de generar juntos. Independiente de que toquemos temas más recientes o temas más antiguos, esa energía estará presente de todas formas. Ahora, no vamos como a saltarnos ninguna parte de nuestra historia. Tocaremos números de Dark Medieval Times, The Shadowthrone y Nemesis Divina (1996), como además de todos los discos nuevos, por lo que nuestra carrera completa será resumida y nada quedará fuera. Aquellos que prefieren el material antiguo terminarán satisfechos y aquellos que prefieren el material más reciente también, así que espero que la mayoría disfrute todo lo que toquemos. Es todo Satyricon, es todo Black Metal entregado por la vía de Satyricon.

Si bien siempre ustedes han desarrollado un sonido distinto en cada registro, recuerdo a Satyr comentando que “sin importar lo que terminemos haciendo, igual va a sonar inequívocamente a Satyricon”. ¿Cuál es el común denominador que ves entre todos los lanzamientos de Satyricon, por más diferente que uno suene del otro?

Hm, quizás sea más bien algo que tú sientes, algo que tal vez observes sin ser capaz de explicarlo, de analizar correcta o específicamente. Me imagino que tiene que ver con el modo bastante peculiar que Satyr y yo tenemos de manejar nuestros instrumentos, con el modo de cómo interpretamos. No importa que nos desarrollemos o nos superemos, siempre habrá un núcleo ahí dentro, nuestra alma en esa interpretación que de alguna manera suena a través de nuestra música. Además, supongo yo que hay un particular sentido de formalidad que parte de la estampa de Satyricon, junto con ciertas soluciones. Nosotros mismos de hecho, identificamos siempre ese signature cada vez que escuchamos nuestros diferentes producciones, ¡otros músicos y los fans también! Lo percibimos aunque escuchemos The Age Of Nero o Dark Medieval Times y cualquier CD entremedio. Siempre estará presente ese elemento Satyricon en la música. A veces cuesta decir exactamente lo que es, sin embargo lo notas y eso ocurre de forma bastante inmediata. Siempre ha sido así y continuará siendo así mientras siga existiendo la banda.

En consecuencia, si tienen todos estos discos tan variados entre sí, ¿hasta qué punto es un desafío para un fanático de Satyricon comprender el cuadro completo que han creado con la música durante todos estos años? ¿Cuánto crees que cuesta entender la evolución de Satyricon?

Hm, la pregunta que arrojas de hecho es bastante interesante pero también muy difícil de responder dado que, primero que todo, es imposible para nosotros referirnos a cómo se sienten OTROS con nuestra música y no nos interesa tampoco, porque al momento que empecemos a considerar lo que OTROS perciben que deberíamos hacer, entonces nos sumergiremos por una línea muy peligrosa y comercial, de la cual nos hemos mantenido alejados durante todos estos años. Tenemos nuestros propios gustos, nuestro espíritu vital y… cómo se dice… el flujo colectivo de Satyricon como fundación de lo que hacemos. No nos guiamos por OTROS, a cualquier parte que vayamos nosotros mismos encontramos el rumbo. Durante el proceso creativo en el fondo no prestamos demasiada atención a lo que la gente PUEDA pensar acerca de un álbum de Satyricon. Sí nos preocupamos cuando lo sacamos por supuesto, sólo que cuando hacemos música no ocupa parte de nuestra atención, para nada. Creo que la cuestión se resume en el tipo de sinceridad y en una sustancia bien sólida, en una presencia bien particular de oscuridad que siempre estará en la música de Satyricon. Supongo que la mayoría de las personas que escucha Black Metal, y varios otros igual, deberá ser capaz de sentir y disfrutar esos elementos de la música de Satyricon tal cual como es, presentada en todos nuestros registros. Sin importar que sean más melody-based como los más antiguos, o un poco más groove-based como los más recientes, considero que esa sustancia de oscuridad y energía, de riffs de guitarra guiados por la energía, ¡siempre están ahí! No hay problema si ciertas personas pueden seguir sólo partes de lo que hemos sacado debido a sus gustos musicales, su falta de comprensión o apreciación por algunas cosas que hayamos hecho. Sí, no demandamos que a la gente le guste necesariamente todo lo que hacemos, pero sería completamente errado tratar de preservar una sola expresión en particular o estilo por eso, ya que va en contra de TODO lo que es Satyricon. Nunca nos hemos convertido en ese tipo de bandas basadas en fórmulas conservadoras que ve que a una placa determinada le va bien, después se queda pegada a la fórmula y sigue editando distintas versiones de ese trabajo. Hay una pila de grupos metaleros que ya lo hace y Satyricon definitivamente no será uno más de ellos. Siempre buscaremos que Satyricon continúe desarrollándose y superándose para tener incluso más sustancia y, bajo nuestra mirada al menos, mejores canciones, mejores riffs, mejores performances y todo el asunto.

Señalaste el término “sustancia oscura”, que ciertamente también logro divisar en lo que haces en 1349, donde tocas una batería y música más brutal, veloz y descarriada. ¿Cuánto cambia tu misión o tu expresión como artista cuando estás con 1349, comparado a cuando estás en Satyricon?

Sí, es otro enfoque. Para mí, en personal… o sea, quiero que ese elemento esté ahí, es la piedra angular en la música que deseo entregar, es parte de lo que me dedico. Me gusta ese elemento en la música que yo mismo escucho y si voy a tomar parte en crear lo que sea, es un componente casi necesario. Esa sustancia negra es lo que me hizo quizás disfrutar la música oscura desde un comienzo y tenerla allí en los conjuntos donde además toco por supuesto que es fundamental. Veo a Satyricon como un acto que hoy en día lo sostiene un compositor fantástico. Ante mis ojos y oídos, Satyr es el mejor compositor en todo el mundo oscuro, ¡que apenas tiene competencia real (risas)!, en serio que es compositor muy fino. Su atención a los detalles y su comprensión interna realmente están al más alto nivel, me asombra su habilidad de ser capaz de renovar constantemente su propia expresión y ponerle una sustancia profunda a todo, de ser capaz de llevar las cosas hacia delante, de hacer uso de sus dotes de líder con el objetivo de concretarlo. Siento que mi tarea es contribuir a que las ideas de Satyr se cumplan, que sus creaciones de verdad brillen y si es posible, quizás hacerlas hasta mejores con la forma que toco. Al menos quiero poner mi propio estilo de ejecución, de algún modo encajar al estilo de música y mientras Satyr piense lo mismo, voy a andar por ahí dando vueltas aportando con mi propia energía. Hasta ahora, ha probado ser una combinación bastante potente. En 1349 es un poco distinto puesto que es más natural que los cuatro en el lineup nos juntemos y en el fondo dejemos que el espíritu amplio y el alma misma pasen a través de nosotros. No tenemos esa paciencia de control ni disciplina y ya sabes, justo aquello es lo que funciona para una banda como 1349, poner todo lo que tienes y no guardarse nada, sólo arrebatarnos nosotros mismos y ser lo más salvajes en lo humanamente posible. Es muy distinto, lo he estudiado antes y veo a Satyricon como una especie de maquinaria que ejecuta un bombardeo quirúrgico y preciso, mientras que a 1349, como un bombardeo por saturación. Me imagino que así podrás notar la diferencia.

Por último, hace poco dijeron que se sienten “frescos y recargados” después del time off que se tomaron de las giras en promoción de The Age Of Nero. ¿Cuán útil fue ese descanso para adentrarse en las nuevas direcciones que planean para una próxima entrega?

Al parecer, nuestra pausa ha sido muy fructífera porque hemos comenzado ahora a escribir nuevo material y realmente nos sentimos inspirados, estamos siendo productivos y la creatividad se encuentra de vuelta de vuelta. Percibimos que la entretención de trabajar con la música está de regreso, al igual que la energía. Hace harto tiempo que consideramos hacer esta pausa y Satyr decidió que el 2009, luego de realizar un segundo tour completo por Europa, sería probablemente una sabia idea tomar un descanso, concentrarse en otra cosa y crear alguna especie de distancia con respecto a The Age Of Nero, ya que trabajamos en ese álbum por tanto tiempo… primero que todo, vivimos un proceso muy, muy intenso creando The Age Of Nero, tuvimos varios ensayos y largas sesiones de jam y de verdad nos sacrificamos a nosotros mismos en el estudio con el objetivo de que saliera lo mejor posible. Además, tomó harto tiempo en realidad conseguir que la grabación se llevara a cabo, producirlo bien, etc., etc., y cuando lo lanzamos giramos un montón en su promoción, como por 13 ó 14 meses, hicimos un video musical y en el fondo, ya sabes, nos involucramos en The Age Of Nero de principio a fin de jornada (risas) durante mucho tiempo y nos terminó absorbiendo. Entonces, con el propósito que sacarnos esa placa de nuestro sistema y encontrar la inspiración para crear algo que no tuviera nada que ver, y quizás beneficiarnos de todo lo vivido con el trabajo sin influirnos musicalmente de ninguna manera por él, de verdad necesitábamos ese break, por ende, ¡eso fue lo que hicimos! Ahora el break ha finalizado y estamos de vuelta de nuevo. La idea resultó ser buena, el vínculo se benefició de ella y sentimos que nos adentramos en un período mucho más fresco ahora. El sistema está limpio de todo lo que nos provocó exhausto, por lo que en este momento es mucho más entretenido e inspirador trabajar con música y hacer música. Sí.

OK Frost, quiero agradecerte por tus respuestas tan interesantes. ¿Tienes algún mensaje para los chilenos que vayan al concierto?

(Risas) sí, bueno, en realidad SÍ tengo un mensaje y lo entregaremos en el escenario mientras estemos actuando frente a nuestros fans. Tenemos MUCHAS ganas de viajar con Satyricon a Sudamérica, ¡será increíble!

Como un “enamorado de Latinoamérica” que define a Chile como “esa amante que tienes al otro lado del océano”, se muestra Txus di Fellatio desde el teléfono. “Aunque haya habido mucho tiempo sin hablar, una mirada basta, una sonrisa es cómplice y el sonido de una guitarra, de una flauta de una gaita hace que no haya pasado el tiempo, que volvamos a ser todos uno disfrutando de la música”.

Mägo de Oz tiene una historia para nada oculta con el país y por eso vendrá a retomarla el 16 de noviembre, cuando toque en un Caupolicán lleno ante toda una generación de fanáticos nuevos que nunca tuvo la oportunidad de verlos actuar a mediados de la década pasada. Mucho tiempo ha pasado, la serie de los Gaias se ha cerrado y en esta gira basada temáticamente en aquella trilogía, llegarán a América Latina antes de tomarse “libre” el 2012, de descanso, para después según “hipótesis” del batero, hacer un disco “muy directo (y) más primitivo, más como el Mägo de Oz de La Leyenda De La Mancha (…) de los primeros álbumes”.

Ciertos recuerdos de Chile y de antiguos trabajos, algunas novedades acerca de próximas direcciones musicales, unas cuántas aclaraciones sobre el futuro y varias introspecciones, en entrevista a PowerMetal.cl con el líder del conjunto.

EPÍLOGO-NARINGÓLOGO TOUR 2011: EL CIERRE EN VIVO DE LOS GAIA

Txus, han pasado casi cuatro años desde la última vez que viniste acá, así que te encontrarás con varios fans nuevos que nunca han tenido la oportunidad de verlos en vivo, ¡siendo que ustedes son de la casa!, que conocen muy bien el país. ¿Qué tiene de especial regresar a Santiago después de todo este tiempo?

Para nosotros Chile es un país muy especial en Latinoamérica. Yo me acuerdo del primer año que aterrizamos en vuestro país que hicimos dos conciertos seguidos en el Víctor Jara… bueno, era cuando todavía le estaban juzgando, un juez español, Baltasar Garzón, quería juzgarle, extraditarle y bueno, ahí se creó una conexión (risas) entre Mägo de Oz y el pueblo chileno. Han pasado muchas cosas importantes siempre que Mägo de Oz ha tocado en Chile. También me acuerdo que murió el antiguo Papa, Juan Pablo II, en un concierto que estábamos dando en Chile y bueno, pues de todos es conocido nuestro “poco amor” o “nulo amor” a la Iglesia Católica, esa iglesia de los ricos, la iglesia que ha estado siempre frente al poder, que ha estado siempre al lado de los dictadores. Y bueno, pues para nosotros, siempre que hemos tocado en Chile ha habido algún acontecimiento que nos ha marcado. Sobretodo tenemos muchos, muchos amigos en Chile, muchísimos, muy buenos amigos que siempre que vamos para Santiago intentamos hacer un hueco en nuestra agenda para ir  a comer a su casa, platicar, ver qué tal les va la vida y la verdad es que… bueno, para nosotros el regresar a Chile es una deuda que teníamos con los fans, porque la gira anterior no había fechas para poder ir a Santiago y cómo tú dices, ya… yo creo que era como hace tres años pero dices tú cuatro, ¡pues cuatro años!, ya se nos ha hecho demasiado largo.

Sí, desde el 2008 hasta el 2011, toda una nueva generación de fanáticos de Mägo de Oz que ahora va a presencia este cierre de los Gaia, esta gira Epílogo-Naringólogo 2011. ¿Qué es lo más entretenido de concluir esta trilogía, este proyecto que ha llevado tantos años?

Nos ha llevado siete años componer los tres Gaia y ahora nos embarga un sentimiento ambiguo. Por un lado, el saber que has hecho un buen trabajo, un trabajo muy ambicioso que no todas las bandas son capaces de acometer con cierto éxito, pero también te llama la puerta cierta nostalgia, cierta tristeza de que ‘bueno, ya se acabaron los Gaia’. Antes siempre íbamos hablando de ‘el próximo Gaia va a ser, el próximo Gaia tendrá’ y bueno, eso ya se ha acabado, que ya no va a haber nunca más más Gaias y eso te da… joder, cualquier sentimiento de pérdida, te da una melancolía que te invade. Y para nosotros el cierre de esta gira es un poco el concluir un capítulo en nuestra vida, un capítulo lleno de canciones muy ambiciosas, canciones muy largas, temáticas algunas más controversiales que otras y… porque bueno, la firma de Gaia dentro de Mägo de Oz ha sido como una especie de subgénero: canciones muy pomposas, con muchas orquestaciones muy complicadas de componer y de ejecutar, con mucha ópera dentro de cada canción. Y bueno, es hora, es hora de despedirse de los Gaias, de despedirse de esa trilogía para poder cerrar esta etapa y abrir una con un futuro esperanzador. Mägo de Oz, todavía tenemos muchísimas cosas que decir, muchísimas cosas que cantar y que contar. Y bueno, pero antes necesitamos cerrar esta etapa y qué mejor forma que hacerlo con nuestros fans latinoamericanos, en especial en Santiago de Chile que para nosotros, como te he dicho antes y te reitero, es como visitar a esa amante que tienes al otro lado del océano y aunque haya habido mucho tiempo sin hablar, una mirada basta, una sonrisa es cómplice y el sonido de una guitarra, de una flauta, de una gaita hace que no haya pasado el tiempo, que volvamos a ser todos uno disfrutando de la música.

PENSANDO EN HACER UN ÁLBUM A LA ANTIGUA: “NO CONCIBO LA HISTORIA DE MÄGO DE OZ SIN RENDIR PLEITESÍA A MÚSICA DE CUALQUIERA DE LOS DISCOS QUE HAYAMOS COMPUESTO”

Tras siete años de concentrarse en este trabajo, en este gran proyecto de Gaia, ¿qué vida vislumbras más adelante para Mägo de Oz? ¿Qué colores ves tú que podría tener un próximo álbum, después de haber hecho una música más pomposa, compleja, narrativa?

Estamos hablando siempre sobre hipótesis porque realmente Mägo de Oz el año que viene vamos a tomarnos un descanso, vamos a parar en la carretera. Haremos algún que otro festival simbólico más que nada por no perder el contacto con la gente ni con la carretera en sí, pero Mägo de Oz sí necesita tomar distancia y precisamente sentarnos a discutir qué es lo que queremos. Por eso te digo que vamos a hablar de hipótesis, pero sí a priori, si me preguntas qué me pide el cuerpo, a mí me pediría hacer un disco muy directo que no tuviera nada que ver con Gaia, más pensando en los primeros de Mägo de Oz, con canciones más cortas, más directas, con más actitud y menos pomposo, es decir, todo lo contrario. O sea, oxigenar, abrir las ventanas de la casa de Mägo de Oz, que entre aire fresco, que entren ideas frescas y qué mejor forma que hacer un disco que no sea una continuación musical a Gaia, sino algo totalmente distinto. Entonces, sí se me ocurre el hacer algo muy directo, canciones más cortas y más primitivo, más como el Mägo de Oz de La Leyenda De La Mancha por ejemplo, de los primeros álbumes.

Hace poco de hecho, el 2009, realizaron esta gira tocando sólo material de La Leyenda De La Mancha, Jesús De Chamberí o Finisterra. Después de todo este tiempo, después de haber montando un proyecto como Gaia, pensando quizás ahora en una entrega más directa, ¿cuánto cariño le tienes todavía a tus trabajos antiguos?

Ten en cuenta que Mägo de Oz somos lo que nuestros discos nos han permitido crecer. Sería muy injusto si no me acordara de aquellos primeros discos de Mägo de Oz, en los que la juventud podía con cualquier problema económico, con cualquier problema sentimental, y con la juventud lo podía todo. Ahora seguimos siendo jóvenes (risas) pero ya tenemos 40 años, 41 algunos y buena, esa juventud deja paso también al que te digo yo, a la melancolía. Envejeces a medida que cada vez vas echando la vista más atrás, entonces con eso te das cuenta de que empiezas a hacerte viejito. Y Jesús de Chamberí es un disco que rompió fronteras dentro del mundo porque de repente… pues bueno: la temática, una segunda venida a la Tierra de Jesús en madrileño barrio como Chamberí, todo eso adornado con música celta, con ópera rock y bueno, la verdad es que rompió muchos moldes, muchos esquemas. Es un disco al que le tenemos mucho cariño. La Leyenda De La Mancha fue nuestro primer éxito comercial con la canción Molinos de Viento, y luego Finisterra fue el espaldarazo definitivo donde viene Fiesta Pagana, que fue el disco que nos hizo vender miles y miles y miles de copias hasta alcanzar el millón y medio que llevamos vendidos. Entonces, la verdad es que cualquier disco de Mägo de Oz, con sus defectos y sus virtudes, es parte de nosotros. No concibo la historia de Mägo de Oz sin rendir pleitesía a música de cualquiera de los discos que hayamos compuesto.

“LOS FANS SON NUESTROS JEFES (…) MÄGO DE OZ SE DISOLVERÁ EL DÍA QUE LOS FANS DIGAN ‘BASTA’“

Dijiste que el 2012 lo tomarás para descanso con Mägo de Oz y me imagino que seguirás con tus proyectos como Bürdel King, pero cuando hablas de esta especie de recesos en la prensa, algunas veces puede entender que la banda se fuera a separar, se fuera a disolver. En ese sentido, una vez mencionaste una frase que me fascinó, que “el problema del Heavy Metal en España no son las bandas, sino la prensa” (risas). Después de todos estos rumores que se generan alrededor de tu persona y del grupo, ¿cómo definirías tu relación con el medio español?

Hm, bueno, la relación con el medio español es una convivencia necesaria, un mal menor como diríamos (risas). Hay prensa española muy profesional, muy buena que habla de música, habla de canciones. Hay otra prensa como por ejemplo esta que empezamos a hablar, de la HeavyRock española, Mariskal… mariskal.com, que es un poco más prensa del corazón (risas), habla más un poco de cosas que no nos importan demasiado a los músicos y buscan un periodismo amarillo, de vender muchos titulares y sobretodo confundir a la gente. Yo he dicho por activa y por pasiva, no me cansaré de decirlo: yo creé a Mägo de Oz, Mägo de Oz es mi banda prioritaria en la vida. Si yo monto otra segunda banda como Bürdel King es porque me quiero divertir, quiero hacer cosas distintas, quiero cantar. Al igual que el año pasado, cuando hice un disco de canciones infantiles, o como hace cuatro años cuando hice un libro de poesía. Eso no significa que Mägo de Oz vaya a separarse porque Txus le ha dado ahora por hacer una banda… no, no, no. Mägo de Oz se va a separar el día que la gente, los dueños de Mägo de Oz que son el público, QUIERA que nos separemos. Mientras haya un par de orejas, mientras haya un alma, mientras gente junte su dinero para comprar un boleto para ver a Mägo de Oz, nuestra obligación será ir a cada país y a cada ciudad donde nos esperan, porque para eso nos pagan, para hacer kilómetros y para regalarle nuestra música, ya que con su dinero nos pagan nuestras facturas y nos pagan nuestra forma de vida. Ellos son nuestros jefes, yo jamás podré decidir cuándo Mägo de Oz va a dejar de existir, eso lo tienen que decidir mis jefes y mis jefes son el público chileno, el público argentino, el público español, el público de París. Esos son nuestros jefes, entonces ninguna revista me va a decir a mí cuándo sí o cuándo no se va a disolver Mägo de Oz porque Mägo de Oz, primero, tenemos muchísimas ganas de seguir en la música. Mägo de Oz es un grupo joven con ganas de seguir haciendo historia en la música. Nuestras relaciones personales… cualquiera que nos vea en la banda bromeamos entre nosotros, no vamos en camerinos diferentes ni viajamos… somos el mismo grupo de chavales que éramos hace 20 años y repito: MÄGO DE OZ PERTENECE A LOS FANS, y Mägo de Oz se disolverá el día que los fans digan ‘basta’. Mientras tanto, nuestra obligación… porque los que nos paga es hacer kilómetros, robarles horas al sueño e ir a las firmas de discos, a las entrevistas, atenderte a ti, ¿por qué?, porque Mägo de Oz pertenece a los fans, los fans son nuestros jefes y ellos van a decir cuándo quieren que Mägo de Oz desparezca.

LECCIONES DE LATINOAMÉRICA: “MAÑANA AMANECE GRATIS Y ES UNA NUEVA OPORTUNIDAD PARA LA VIDA”

Me acuerdo Txus que la conferencia de prensa que dieron acá en Chile la primera vez que vinieron, tú preguntaste a los periodistas si tenían algún autor chileno, algún poeta chileno, algún escritor chileno que pudiesen compartir contigo, para que te alimentaras de la cultura, del arte del país. En tus viajes acá, ¿qué has aprendido de Latinoamérica tanto de su gente, de su cultura, de su política, de su forma de ser?

Pues mira, he aprendido un sinfín de cosas que me llevo en la mochila. He aprendido sobretodo… claro, hablar de Latinoamérica no tiene nada que ver el carácter del chileno por ejemplo, que es un carácter más sobrio, entre comillas más “europeo” que el carácter de un venezolano por ejemplo, que es mucho más caliente, muchos más abierto. Es como el español, ¿no? No tiene nada que ver el sevillano -que lo podríamos comparar con un brasileño, con un venezolano- a un asturiano, a un gallego que es un poco más como el chileno. Es más… no frío, la palabra fría no me gusta, la palabra fría es más para los holandeses (risas), pero sí un poco más recatado. Lo que sí que he aprendido que es un nexo en común entre todos los latinoamericanos, es la capacidad que tienen de amar la vida. O sea, no se me va a olvidar… hace muchísimos años en un pueblecito de Bogotá, cerca de Bogotá, había un chico que no debía tener más de siete, ocho años… bueno, con su ropas andrajosas mendigando en la calle. Iba silbando una melodía y se veía feliz. Yo me acerqué y le dije ‘¿cómo es que estás tan contento?’, él me miró y me dijo ‘mañana amanece gratis para todos y es una nueva oportunidad para la vida’. Esa frase se me ha quedado grabada en el corazón y es una forma que tengo yo de resumir cómo es la gente latinoamericana, gente que todavía ama vida, que por muy mal que vayan las cosas se van a superar y eso, ¡todavía amanece gratis y amanece gratis para todo el mundo! Eso, ¡y el humor!, el humor (risas) que tienen los latinos es un humor que me encanta, se ríen de las adversidades y evidentemente a nivel religioso, a nivel político, a nivel cultural… bueno, las atrocidades que hicimos los españoles no tienen nombre, de toda la vasta cultura que hemos cercenado y la verdad que podríamos estar platicando horas y horas porque la verdad es que, bueno, yo soy un enamorado de Latinoamérica y de América en general. Por Estados Unidos no tengo tanto cariño, tanto amor, primero porque me da mucho coraje, me da mucha rabia que ellos se denominen “América”. Como le dije yo a un gringo, ‘los verdaderos americanos tienen plumas y están en una reserva, tú eres descendiente de irlandeses y holandeses. Tan americanos son uno de Puerto Rico o un mexicano como tú’, entonces eso es algo que no me gusta mucho de los yanquis.

MÚSICO Y PERSONA: “MIS DERROTAS SON CONSTANTES Y DIARIAS”

OK, hablaste de problemas, hablaste de adversidades, y una frase que me llegó mucho en el video de la nueva versión de Puedes Contar Conmigo, es “y saber encajar las derrotas también es vencer”. Siendo que son tus letras, ¿qué cosas has logrado aprender de tus propias derrotas y de tus propias adversidades dentro de la industria y de manera personal?

Pues mira, de las derrotas en la vida creo que es cuando más se aprende. De las alabanzas, de la crítica ladueña no se aprende nada, se aprende siempre de las derrotas, así que a sacarle el lado positivo. Yo como persona he cometido muchísimos, muchísimos defectos, sigo teniendo un campo de batalla y mis derrotas son constantes y diarias. En lo musical he aprendido en mis derrotas, he aprendido que la música es efímera. Tienes que estar trabajando constantemente, tienes que estar haciendo cosas constantemente porque el disco anterior que has sacado, ¡ya ha pasado ya muy rápido! Ahora se te está juzgando por lo que haces en este instante y en este preciso momento. Eso, a nivel musical. A nivel personal las derrotas me han servido para, sobretodo, aprender a no juzgar, no juzgar a la gente. Creo que cada persona… nadie es ni blanco ni negro, toda la gente tiene perfiles y tiene aristas, entonces yo creo que a las personas… los latinos somos muy de juzgar a la ligera y muy de hacer una valoración en una persona. Yo creo que una persona necesita por lo menos varias decenas de desayunos para poder juzgarla y, aun así, no es algo que encuentre que sea hecho con decoro, juzgar a las personas.

Muy bien Txus, quiero agradecerte por tu tiempo para la entrevista. ¿Tienes un saludo para todos muchachos que van a asistir al show del 16 de noviembre?

Nada, pues desde aquí mandarles un abrazo enorme, enorme, enorme, y un beso enorme a todas la chicas, a todos los amigos, a… en fin, a todas las minas como decís allí (risas). Para nosotros la verdad estamos contando los días en que volvamos a aterrizar en Santiago de Chile y reunirnos con nuestros viejos amigos. Mientras tanto, nada, en muy poquito tiempo como digo vamos a estar allí en Chile. Mientras tanto se me olvida decirte antes, cualquiera que quiera interesarse sobre el disco que estoy sacando ahora, en la página burdelking.es, ahí está el single con el video clip. Hay unas dos o tres canciones de regalo que la gente las puede escuchar totalmente gratis para que vean cómo es el proyecto este en el que estoy embarcado. Y nada, a ti muchísimas gracias por estar platicando conmigo y nada, ¡un besazo muy grande a todos los chilenos y a la chilenas!

Ailyn se considera una persona “más bien tímida”, pero con su desplante ha logrado convertirse en la cara más reconocible de Sirenia en la actualidad, en uno de los rostros del metal gótico sinfónico internacional. Si bien la española es ya la cuarta vocalista que pasa por el grupo Morten Veland (ex Tristania), consiguió romper la tradición de “una cantante distinta por cada disco” y tras su debut en The 13th Floor, colocó sus voces en el lanzamiento 2011 titulado The Enigma Of Life.

Ese es el trabajo que trae a Sirenia de vuelta a Sudamérica, en esta ocasión contando con una fecha en Chile, el 27 de octubre en el Club Rock&Guitarras, luego que en marzo del 2010 se saltaran al país en el itinerario de conciertos. En medio de los ensayos para esta gira y el cambio a su departamento en Stavanger, Ailyn dio una entrevista a PowerMetal.cl y compartió sus impresiones del primer viaje de Sirenia a esta parte del mundo, de por qué espera venir a Santiago y de cómo se fue adaptando de a poco al medio donde se encuentra cómoda ahora.

Escucha la entrevista haciendo click en los reproductores abajo de cada respuesta.

“EN SUDAMÉRICA LA GENTE VIVE MEJOR LA MÚSICA”

Siendo que la vez pasada no lograron venir a Chile, que Jonathan (Pérez, batero) es chileno y ustedes conocieron a gente chilena en Argentina, ¿con cuánta sorpresa les tomó el hecho de que la gira del 2010 por Sudamérica no tuviera una parada en el país?

Hombre, la verdad que me sorprendió mucho porque bueno, como tú dices, Jonathan es chileno, entonces esperábamos el poder ir a Chile. Siempre que intentamos hacer un tour tratamos de ir a todos los países que podamos aunque no depende de la banda, de lo que la banda quiere armar, depende de si los promotores se arriesgan a llevarnos o no, y el año pasado pues decidieron no arriesgarse a llevar a Sirenia a Chile. La noticia fue muy triste porque realmente lo esperábamos con muchas ganas. Pues me acuerdo mucho de cuando… bueno, tengo muy buenos recuerdos del tour de Sudamérica el año pasado pero recuerdo mucho en Argentina, cuando llegamos a la sala de conciertos y estaban allí, estaban todos los fans fuera, que es cuando conocí a algunos de los chicos que fueron de Chile. Y me acuerdo mucho porque mientras los chicos preparaban el escenario para hacer la prueba de sonido, yo me salí fuera con toda la gente y tuve un momento muy especial con todos ellos. Era muy bonito el compartir, el estar fuera, estar con toda la gente y hablar como si fuéramos amigos, ¿no?, estuvo muy bien. Eso lo recuerdo con mucho cariño.

Ahora que ya conoces a fanáticos chilenos de Sirenia y que Latinoamérica debe ser un lugar más cercano porque hay gente que comparte tu idioma, ¿que tiene de especial esta visita a Chile para ti?

No, ¡yo lo espero con muchas ganas!, porque bueno, como tú dices, es eso. Ya al principio cuando me uní a la banda no hablaba inglés, entonces ha sido todo el proceso de aprender, por lo que cuando voy a algún país donde hablan español es como… ¡es muy relajante (risas)! ¿Sabes?, ya puedo hablar inglés y tranquilamente, no tengo problemas, pero cuando voy a algún sitio donde la gente pueda hablar español es como… no sé (risas), ¡es diferente (risas)!, es más fácil quizás. Aparte, como soy una persona así más bien tímida, cuando tengo que hablar en otro idioma es más… me siento mucho más tímida que hablando en mi propia lengua. Entonces es mucho más fácil.

A pesar de que acá hay un público gótico que le encanta esta música, no fue hasta tu llegada a Sirenia que un sector empezó a sentirse más cercano a la banda, y quizás vaya por la conexión cultural. Después del viaje del 2010 a Latinoamérica, ¿cuán importante para ti esa relación casi de amigos con la gente que te escucha?

A ver, es muy importante. No es lo mismo cuando tienes un concierto y la gente simplemente está ahí parada escuchando la música, cuando haces un show y todo el mundo se anima y todo el mundo salta y conoces a la gente. A lo mejor los conoces sólo de haber hablado un poco por Internet o cualquier cosa, pero es diferente. Hay gente que ves y es ‘¡ah!, ¡lo conozco!’, entonces estás cantando y ves a la gente que conoces, ¿no?, y disfrutando, es mucho más especial. Y es eso, en Sudamérica la gente vive mejor la música. Sois como más entregados, ¿sabes?, es algo que… ¡no!, ¡sí!, ¡sí!, ¡es verdad!, es algo que nos sorprendió mucho. Yo, normalmente, cuando hacemos algún concierto… sí, la gente se anima, la gente canta o la gente grita, pero no es lo mismo, en Sudamérica había como más pasión entonces se hace mucho más fácil, porque la gente te está transmitiendo y tú empiezas a transmitir mucho más. Es como un dar y recibir, es bastante especial.

DE ESPAÑA A NORUEGA: “MAMA, ¡QUIERO PIMIENTOS FRITOS QUE AQUÍ NO HAY!”

Y desde la cercanía con la gente de Latinoamérica hasta el desafío de cambiarte de país por tu trabajo que es Sirenia. Considerando que grabaste The 13 Floor (2009) hace más de un par de años, que pudiste ser parte del grupo desde España, ¿en qué instante se te hizo necesario ir a vivir a Noruega?

A ver, la verdad el cambio no era necesario. Yo podía estar perfectamente viviendo en España y seguir con la banda. Simplemente, bueno, desde que Morten decidió que yo fuera su cantante, yo me estuve planteando el mudarme a Noruega y no me he venido antes porque es bastante difícil. No es simplemente decir ‘me cambio me país’ y ya está. Al principio estaba el problema… sobretodo no me vine antes por el problema con el idioma porque, claro, yo no hablaba noruego, aún estoy aprendiendo y tampoco hablaba inglés, entonces era como imposible poder mudarme antes. El año pasado casi en Navidad ya estaba decidiendo el mudarme aquí, y en enero de este año ya decidí que me venía. Pero no, la banda no me forzaba a venir ni nada, ellos no me han forzado. Es lo que decían ‘es fácil, ¡coges un avión y estás aquí enseguida!’, así que cada vez que teníamos algún ensayo, me cogía un avión y en cuatro horas estaba aquí en Noruega. Ha sido más que nada decisión propia de querer venirme y probar suerte aquí en Noruega (risas).

España y Noruega son países muy distintos en cuanto a la cultura, en cuanto a las personas, no sólo en el idioma. ¿Qué es lo que más te ha costado dejar atrás en España con el propósito de irte a Noruega? ¿Qué es lo que más te hace falta de tu entorno?

Sí, bueno, lo que más extraño de España es mi familia (risas). Eso es lo primero, pero también sí, bueno, todo es como muy diferente, la cultura es diferente, el clima es muy diferente. En España normalmente es calorcito, ¡(risas) aquí es normalmente frío y lluvia (risas)! Pero bueno, uno se adapta al clima, es más la diferencia entre caracteres con las personas. En España somos como más abiertos a conocer gente, a hacer amigos. Aquí es más difícil conocer a gente nueva y hacer amigos. Lo bueno aquí en Noruega es que cuando te haces un amigo, es un muy buen amigo, no es simplemente que dices ‘eh, tengo un conocido’, no. Cuando aquí haces amigos son buenos amigos, sabes que van a estar ahí para los buenos y los malos momentos pero sí, lo que más extraño es eso, a mi familia y (risas) a mis amigos también y bueno, ¡a la comida española (risas)!, ¡la echo mucho de menos (risas)! En agosto me fui una semana a la casa con mi familia y lo primero que le dije a mi madre fue ‘mama, ¡quiero pimientos fritos que aquí no hay (risas)!’.

“CANTABA EN INGLÉS SIN ENTENDER NADA, ¡PERO SE INVENTABA!”

Dentro de todo, este cambio es posible gracias a lo aprendido desde que ingresaste a Sirenia, como el comunicarte en inglés. Y eso quería preguntarte, acerca de la diferencia de cómo te sentiste con The 13th Floor y cómo te sientes ahora con The Enigma Of Life. ¿Cuál fue la diferencia más grande para ti?

Sí, ¡no!, a ver. El problema del idioma fue bastante grande, ¿sabes? Llevo cantando desde que tenía unos once, doce años y cantaba en inglés sin entender nada (risas), ¡pero se inventaba!, ¿no (risas)? Y el problema más que nada fue eso, el cantar sin tener ni idea lo que estaba diciendo. Cuando Morten me dio las letras, lo primero que tuve que hacer fue buscar el diccionario y ponerme a traducir para saber lo que decían, pero no es lo mismo estar cantando con la letra en inglés y la traducción al lado, que estar cantando y entender lo que estás cantando. Para el The 13th Floor fue un problema porque… a ver, tenía que estar pendiente de la pronunciación, pendiente de la entonación, pendiente de todo (risas), de a ver lo que estaba diciendo entonces era como más difícil, no estaba muy relajada a la hora de grabar, aparte que me sentía muy insegura porque acababa de entrar en la banda y era todo nuevo (risas). En cambio, con The Enigma Of Life ha sido todo mucho más fácil. Ya hace años que conozco a Morten entonces estamos en el estudio como todos muy tranquilos, de broma, más que nada de broma, entonces la grabación se hace muy fácil. Aparte es eso, yo estaba cantando y directamente mientras cantaba entendía lo que estaba diciendo. Estaba más relajada, porque es una cosa en la que no tiene que pensar, porque cuando estás grabando quieres poner sentimientos, quieres hacerlo bien, ¿no?, y cuando no entiendes lo que estás diciendo tienes que estar pendiente de lo que pronuncias, entonces se pierde mucho el sentimiento que puedes dar, se pierde porque estás pendiente de todos esos factores, entonces es más difícil.

Con tu primer disco -el cuarto de Sirenia-, entraste a una industria que no conocías del todo, pese a que tenías una carrera en España, en otro medio. ¿Qué cosas aprendiste con The 13th Floor que te ayudaron a afrontar de mejor manera la grabación de The Enigma Of Life?

Lo de haber cambiado de estilo de música… hace mucho que escucho metal pero así nunca había estado en una banda de metal, entonces era como algo diferente. Escuchaba mucha música metal desde que tenía 16 años más o menos pero nunca había estado así (risas), en lo que es metida en una banda y, claro, cuando entré en Sirenia y grabamos The 13th Floor era todo muy nuevo, porque no es lo mismo escuchar la música que te gusta en casa y disfrutar la música cuando estás dentro de la banda, entonces todo era muy nuevo. Yo creo que para The Enigma Of Life la mejoría ha sido que he aprendido de todos los errores que… no errores, sino todas las cosas que escuché cuando grabé The 13th Floor y que al final no me gustaron, intenté mejorarlo para The Enigma Of Life. Entonces ahí qué está la diferencia, intenté no repetir (risas) las cosas que yo llamo “errores”, ¿no?, porque a lo mejor no son errores pero yo soy muy crítica, entonces cuando escucho The 13th Floor digo ‘¿y si hubiera hecho esto, habría estado mejor?, ¡y si hubiera cambiado aquello, también?’. Para The Enigma Of Life intenté pues eso, mejorar. Estuve trabajando muy duro sobretodo con la pronunciación en inglés y todo eso porque bueno, ahora mismo cuando escucho The 13th Floor muchas veces digo ‘¡AY MADRE MÍA LO QUE ESTOY PRONUNCIANDO AQUÍ (risas)!’. Y es eso, sobretodo el mayor cambio con The Enigma Of Life fue el sentirme mucho más relajada. Ya llevo cerca de cuatro años con la banda entonces ya me siento cómoda, ¿no?, me siento como en casa y eso ayuda mucho. También la experiencia de todos los conciertos, todos los directos. Se notan luego a la hora de grabar el disco y también el querer mejorar y el querer cambiar cosas para hacerlo mejor. Entonces estuve trabajando muy, muy duro para el siguiente álbum y bueno (risas), pues eso.

MORTEN VELAND “CONMIGO HABÍA ENCONTRADO LO QUE BUSCABA PARA SIRENIA”

Un problema que siempre tuvo Morten era que cada disco de Sirenia, hasta The 13th Floor, tenía una cantante distinta. Cuando llegaste a la banda muchos quizás pensaron que correrías la misma suerte de las vocalistas anteriores, que sólo durarías un álbum. Ahora que lograste afirmarte en el lineup con un segundo CD, ¿cómo crees que se siente Veland al saber que puede contar contigo?

A ver, esto ya lo hemos hablando Morten y yo y para él es mucho más fácil, él puede estar mucho más relajado. Piensa que él lo está componiendo todo, entonces cuando tiene una cantante en un principio él compone y luego la cantante hace el trabajo, cantas lo que él ha compuesto. Entonces, ¿qué pasa?, el problema con Sirenia antes era que él componía y debía adaptarse a la cantante que tenía, pero cuando ya había aprendido sobre ella, cómo canta, la tonalidad que necesita y todo eso, ¡cambiaba a una nueva cantante!, entonces para él era bastante difícil porque tenía que estar cambiando. A lo mejor, del primer al segundo álbum más o menos las cantantes eran muy parecidas. Henriette (Bordvik, voz en An Elixir For Existence) y Fabienne (Gondamin, voz en At Sixes And Sevens) eran muy parecidas entonces no había problema, pero luego, con Monika (Pedersen, voz en Nie Destinies And A Downfall) ya era un estilo de cantar un poco diferente. Él nunca acababa de aprender lo que la cantante necesitaba para poder componer, entonces era bastante difícil. Conmigo ahora ya es el segundo álbum y ahora Morten está trabajando para un tercero, como siempre, él no para de componer y ya me conoce muy bien, ya sabe hasta dónde puedo llegar, lo que puedo hacer, entonces él está mucho más relajado componiendo porque SABE lo que tiene que buscar, lo que tiene que hacer, entonces para él es muy importante tener una estabilidad en la banda, para él y para cualquier persona que componga. Es muy importante el saber qué es lo que tienes que hacer exactamente.

¿Y qué crees que ocurrió dentro de la banda que hizo posible que fueras parte de un segundo trabajo, y que con las tres vocalistas anteriores eso no haya podido concretarse aquel paso?

Sí, bueno realmente no lo sé. Fabienne era simplemente cantante de sesión, ¿no?, nunca llegó a ser integrante de la banda pero sé que con Monika y con Henriette… ellos siguen teniendo buena relación. Simplemente supongo que no cuajó, no sé por qué, no sé por qué no terminó de cuajar y tuvo una cantante para cada álbum. Yo simplemente sé que… bueno, él me dijo que conmigo había encontrado lo que buscaba para Sirenia, y además tenemos una muy buena relación de amistad y eso también es muy importante en una banda. Es algo que Morten realmente aprecia, el que todo el mundo se lleve bien, que haya buen feeling entre todos los componentes. No es nada bonito ir de tour a lo mejor tres semanas con gente con la que no te llevas bien. Morten mira mucho aparte de la habilidad que tengas, el que haya un buen ambiente porque se hace mucho más fácil. Aparte, es nuestro trabajo, ¿no? Sirenia es nuestro trabajo, es lo que queremos hacer, es nuestro… bueno, es lo que queremos hacer porque lo sentimos, no es simplemente que Sirenia es un trabajo y tienes que hacerlo porque es tu trabajo, no. Es lo que queremos hacer, es lo que nos emociona. Entonces, si piensas en una banda en la que no estás cómodo, ya no estás disfrutando, ya no es algo bonito. En cambio, cuando estás haciendo lo que te gusta que es cantar o tocar, lo que sea, y aparte, las personas que están contigo en ese momento os lleváis todos bien, ¡es como una familia! Eso es muy importante. Todo el mundo sabe que hay muchas bandas que no se soportan y eso ya no se hace bonito porque entonces no disfrutas de lo que te gusta hacer. Se supone que parte de hacer tu trabajo, el cantar y tocar o lo que sea es tu vida, ¿no?, es lo que sientes y cuando no hay buena relación ya no es tan bonito, entonces no lo disfrutas. Y yo supongo que, bueno, que Morten encontró lo que quería en mí aparte es eso: nos llevamos muy bien. Hay una muy buena relación entonces eso (risas), ¡supongo que por eso también sigo aquí! Cuando entré a formar parte de Sirenia era algo que me preocupaba porque claro, leía los comentarios de la gente (risas) por Internet y decían ‘¡¡¡WAAAAA!!!, ¡¡¡ESTA VA A DURAR UN DISCO TAMBIÉN (risas)!!!’, y yo era como ‘¡no!, ¡por favor!, ¡¡¡quiero quedarme (risas)!!!’, y al principio estaba muy preocupada. Claro, era nueva en todo esto de tener una banda de metal, entonces no sabía lo que Morten buscaba y era eso, la preocupación de saber cuántas cantantes había tenido Sirenia antes de entrar yo (risas). Estaba bastante preocupada pero bueno, con The 13th Floor ya me estaban diciendo ellos que no, que estaban muy contentos con conmigo y que… bueno, ¡¡¡que no me tenía que preocupar (risas)!!! Entonces sí, ya me relajé y pude disfrutar tranquilamente (risas), sabiendo que me podía quedar (risas).

“LO QUE MÁS ME HA AYUDADO EL ESTAR EN SIRENIA ES A CRECER COMO PERSONA, A VALORAR MÁS LAS COSAS”

En un momento, cuando aún asimilabas el inglés y la comunicación con los integrantes de la banda, ¿en qué medida tenías quizás una mayor complicidad con Jonathan?, ¿o por ejemplo cuando girabas con Sirenia y te encontraste con Marcela Bovio, la frontwoman mexicana de Stream Of Passion?

La verdad es que fue muy importante y Jonathan por supuesto fue de muchísima ayuda para mí porque, bueno, es eso. Yo entré a Sirenia y era muy gracioso, porque yo venía a Noruega a ensayar con la banda y claro, ¡ellos intentaban hablarme y yo simplemente sonreía y a todo decía que sí (risas)! Me decían algo y era ‘¡Ailyn!, ¡bla, bla, bla, bla!’, y yo ‘¡sí, sí, sí, sí (risas)!, ¡sí, sí, sí, sí (risas)!’, ¡y no me enteraba!, entonces con Jonathan pues era más fácil porque ellos le decían a él y Jonathan me preguntaba, entonces la comunicación era más posible. O para entrevistas. Cuando fuimos al Master of Rock -creo que fue en el 2008- tuve que dar algunas entrevistas y, por supuesto, yo no podía expresarme en inglés, entonces Jonathan siempre venía conmigo y él me hacía de traductor (risas). Y bueno, cuando fuimos de tour y coincidimos con Marcela también fue muy importante porque bueno, cuando yo coincidí con Marcela, con Stream Of Passion, ya me desenvolvía más en inglés pero seguía sin estar muy cómoda, hablando inglés. Entonces, al coincidir con Marcela pues era eso, era mucho más fácil tener a alguien hablando tu mismo idioma alrededor, así que estuvo muy bien. Aparte Marcela es una persona encantadora y fue muy importante, sí. Antes era muy importante el coincidir con alguien con el que me pudiera comunicar. Ahora es más… es más… bueno, ¡ya se lleva (risas)!, ya hablo con la gente y normalmente no hay problema pero bueno, es como digo, es mucho más fácil. Aunque sepas el idioma, sepas inglés, es todo mucho más fácil cuando estás con gente que habla tu lengua, entonces es más natural, ¿no?

Ahora que puedes desenvolverte bien con ellos, ¿qué es lo que has aprendido más como persona desde que eres la vocalista de Sirenia? ¿Cuánto has cambiado en estos años a causa de esta experiencia?

Sigo siendo igual que hace casi cuatro años. Simplemente antes era muy, muy inocente, entonces el entrar en una banda, el estar en otro ambiente y tocando por las noches, yendo de tour y conociendo a tanta gente, y el mudarme además a otro país, sola como quien dice, te hace madurar mucho, te hace ver las cosas de forma diferente y yo creo eso, que lo que más me ha ayudado el estar Sirenia o mudarme a Noruega es eso, a crecer como persona, a valorar las cosas más, a saber valorar todo. Hasta los detalles más pequeños los ves, los valoras mejor. A lo mejor antes veías una cosa y era más como ‘aha, ¡no importa!’, pero ahora (risas) es eso, he aprendido a ver las cosas de forma diferente, más madura, ¿no?, y sí, creo que eso ha sido lo que más he aprendido. Antes era como demasiado… no inmadura, pero diferente. Tampoco sé cómo explicarte exactamente el cómo me ha hecho cambiar (risas) pero sí, lo que sí que sé es que antes era demasiado inocente, no conocía este mundillo desde dentro. Escuchaba música gótica, música metal porque me gusta, ¿no?, pero no es lo mismo escucharlo desde casa que vivirlo.

No, excelente Ailyn, te quiero agradecer por tu tiempo, sabiendo lo ocupada que estás. Veo que tu casa la estás recién empezando a amoblar así que te deseo lo mejor (risas). Faltan sólo unos días para Sirenia en Chile, ¿qué mensaje te gustaría dejar a todos los que quieran ir el 27 de octubre a verlos?

Pues simplemente agradecerle a todo el mundo el apoyo. Supongo que este año podemos visitar Chile por todo el apoyo de los fans, porque yo sé que la gente se enfureció un poco porque pudimos ir a Chile (antes), y yo creo que gracias a todo el apoyo de los fans chilenos podemos ir este año. Y bueno, que nos gustaría verlos a todos allí, ¡y que vamos a disfrutar mucho (risas)!

“De verdad queremos bajar y tocar en Sudamérica y Chile ante los fans. Estamos buscando cualquier oportunidad que surja, ¡así que gracias!”, dice a PowerMetal.cl el vocalista de Warbringer, John Kevill, quien desde lejos sabe muy bien de la energía del público thrashero local. Luego de haber desplegado su arsenal en marzo del 2011 en México, el frontman está al acecho de cualquier chance que le permita venir a esta parte del mundo, quizás como acto de apertura de grupos que sí conocen el territorio como Kreator, Exodus u otros estandartes del Thrash que ya son de la casa. “No podemos simplemente chasquear nuestros dedos y hacer que ocurra, aunque si en algún momento se nos presenta la oportunidad, ¡la tomaremos (risas)!”, señala en entrevista.

Porque con apenas tres registros y algo más de media década de carrera, la banda californiana se ha convertido en una máquina de giras, una vertiginosa experiencia a cuestas que le sirve para sacar su álbum titulado Worlds Torn Asunder, con un sonido más natural, extremo y agresivo. En un día que Kevill estaba “aquí, sentado dando entrevistas para todos estos lugares geniales”,  responde todas las preguntas de PowerMetal.cl e interioriza acerca de los pormenores de este nuevo esfuerzo, el tercero de su trayectoria.

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THRASH Y APOCALIPSIS: PRINCIPIO Y FINAL DE WORLDS TORN ASUNDER

El guitarrista de Warbringer, John Laux, dice que en este nuevo CD enseñan “una interpretación más madura del estilo de música”, del Thrash. ¿Qué tipo de progreso notas entre Waking Into Nightmares (2009) y Worlds Torn Asunder? ¿Qué clase de mejora ves?

Pienso que escribimos un puñado de mejores composiciones, y que cada canción es más diferente entre una y otra. Me parece que esa es la mejora más grande que muestra este disco, que cada tema suena muy distinto al resto. Hay más tópicos en cuanto a las letras, son muy diferentes entre sí. Simplemente creo que encuentras acá la mejor producción y ejecución que hayamos tenido, simplemente creo que es nuestra mejor entrega hasta la fecha.

Ustedes ya han tocado Living Weapon en vivo. Esa en particular, teniendo en cuenta lo que me acabas de decir, ¿en qué medida representa al lanzamiento en su totalidad?

Bueno, Living Weapon es el opening track y uno de los números más thrasheros. Queríamos abrir con una pista que fuera totalmente… que abriera con un estallido y esa fue la que escogimos. Hay un montón de sonidos distintos allí adentro en todo caso, por lo que representa el comienzo de un álbum que después se dirige por muchos diversos lugares a partir de ahí.

Y otra como Demonic Ecstasy tiene como una onda más black… o sea, no Black Metal pero sí una atmósfera oscura, diabólica. ¿Cuán entretenido es para ustedes terminar el repertorio con algo así?

Oh, queríamos… esa fue de hecho la primera  que escribimos para el disco y es una composición muy diferente para nosotros, como una que se va construyendo de a poco en realidad, lentamente. Al final, termina con un riff que va como desvaneciéndose en la distancia, y pensamos que concluir con aquel riff era un punto muy alto para el material. Sonaba muy, muy malévolo y quisimos terminar así la placa. Y pusimos el corte instrumental justo antes, por lo que queda configurado como el cierre de todo el álbum, ¡como sonando al fin del mundo esa idea (risas)!

DE RIFFS, ESTRUCTURAS Y GOLPES

Entiendo que antes que sacaran el CD debut, War Without End (2008), sólo habían tocado como 30 shows en directo. No obstante, después de ese lanzamiento comenzaron a girar sin parar, hasta el punto que ahora Warbringer está convertida una máquina de conciertos en vivo, tocando con Kreator, Exodus, Overkill, etc. Entonces, ¿cuán distinto es escribir y grabar una producción con toda esta experiencia en los hombros?

Ahm, pienso que lo hizo un poco más sencillo y no sólo la experiencia en vivo, sino también la experiencia de pertenecer a una banda por más tiempo. Y tuvimos mucho tiempo además para escribir, por lo que de hecho fue muy relajado componerlo. Una vez que nos juntamos, simplemente nos dimos el tiempo para ver cada tema. El nuevo batero, Carlos (Cruz), aportó bastante a al grupo. Siempre que había un desacuerdo… en lugar de tener a gente discutiendo si había un desacuerdo en una canción, él se ponía muy constructivo al respecto y trabajábamos para que todos se sintieran felices. Y considero que la experiencia en vivo nos ha ayudado muchísimo porque ya sabemos más o menos lo que pasa en vivo cuando tocamos una parte, cuando queremos escuchar más de otras partes, o tocar otras en vivo y ver cómo reacciona la gente. Aprendemos de eso.

Recuerdo que decías que en el segundo de Warbringer, Waking Into Nightmares, “pasaban muchas cosas en la sección rítmica” dado que tenían a un nuevo bajista (Ben Bennett) y un nuevo batero (Nic Ritter). ¡Y hoy día es lo mismo!, cuentan con otro bajista y con Carlos Cruz en las baquetas. ¿Cómo suena Warbringer con esta nueva base rítmica?

Bueno, debo decir que el bajista, Andy Laux, es hermano de John Laux y tocó en el primero, que partió con nosotros, sin embargo no estuvo en el segundo. Es muy natural contar con él, pertenece al conjunto, ¡es el bajista de Warbringer (risas)! Sobre Carlos… tuvimos bastante suerte en encontrarlo en realidad ya que lo conocíamos desde hace años y siempre pensamos que era un tipo de la escena local que podría encargarse de la batería en Warbringer, y listo. Lo conocemos de hace un tiempo y es muy agradable, es fácil llevarse con él, ¡y es un batero mortal! Mira, cuando perdimos a nuestro primer baterista… o sea, tenemos a uno distinto en cada álbum, ¡un infortunio (risas)!, no hemos podido mantener una alineación pero cuando perdimos a nuestro primer baterista, lo cierto fue que le pedimos a Carlos que entrara la banda, sólo que estaba muy ocupado en la suya, con Hexen, y dimos con Nic, quien hizo un trabajo grandioso. Cuando Nic se fue le preguntamos de nuevo a Carlos y como Hexen había como dejado de estar activo, ahí sí se nos unió. Si bien su estilo sigue siendo técnico, con hartos cambios, diría que se concentra más en el poderío.

Y si Forgotten Dead fue tu contribución compositiva más grande en Waking Into Nightmares, ¿cuáles son tus mayores aportes musicales en Worlds Torn Asunder?

Para este disco no hice por mi parte tanta música en realidad. Lo que sí hice fue como aportar ideas, las primeras ideas al comienzo antes de los riffs. A veces salíamos con un concepto y luego me sentaría con John o Adam (Carroll, guitarras), quienes tocaban estos riffs y yo los ayudaba con las estructuras. Me imagino que esa fue mi contribución musical más grande, que tuve mucho que ver con la estructura de las canciones, con dónde va qué cosa, cuántas veces tocamos esto, etc. Los guitarristas hacen los riffs y mi labor es conseguir que los temas sean bien oreja, que sean algo que vayas a recordar y que los riffs funcionen con las letras. Lo concreto fue que trabajamos juntos a todo nivel y en este álbum a veces los demás miembros me ayudaban con las letras. Si yo no tenía una idea, les tiraba algo a ellos y después me decían… por ejemplo hay una que escribió Carlos, se llama Echoes From The Void. No sabía mucho qué hacer con ella al principio, sonaba como distinta por lo que simplemente fui a su casa, compartimos unas agradables fumadas y trabajamos de una todas las letras. Cada parte de este registro lo hizo casi toda la agrupación en realidad. Tuvimos muchísimo tiempo para hacerlo así compadre. Todos los miembros tienen algo que decir en cada parte.

Con lo que me cuentas, es impresionante cómo Carlos se ha adaptado de forma tan rápida al line-up. Da entrevistas, compone música, escribe letras contigo. ¿Cuán fundamental es Cruz ahora en Warbringer?

Es tan importante como cualquier otro miembro del grupo. Cuando entró nos dijo ‘no quiero ser un matón a sueldo, no soy el tipo contratado, ¡quiero ser el batero de Warbringer!’. Nos gustó eso, era lo que buscábamos, otro tipo que… porque para Nic a veces el Thrash Metal no era su música predilecta, a veces sentíamos que sólo lo hacía debido a que éramos una banda con sello y que giraba. A Carlos siempre le ha gustado nuestra música, de años que somos amigos y es baterista de Thrash Metal de antes de llegar acá, y de verdad anhelaba ser parte de todo esto. Y claro, siempre estuvo muy abierta la opción para nosotros y por eso lo llamamos para que fuera el batero, dado que lo conocíamos y pensábamos que su aporte sería bueno. Antes que empezásemos a componer para la placa incluso, fijamos uno o dos meses para tocar todas las pistas hasta que realmente se acostumbrara al estilo de Warbringer, hasta que pudiera interpretar todas las canciones de las dos entregas pasadas. Sólo una vez que sentimos que las tocaba de una manera bien natural, comenzamos a escribir.

SIN FAKES: “HACIENDO BOLSA LA BATERÍA”

Lo otro de Worlds Torn Asunder fue que tuvieron más tiempo que nunca para grabarlo. Por ejemplo, para Waking Into Nightmares sólo contaron con once o doce días, con Gary Holt de Exodus en calidad de productor. ¿Cómo fue la experiencia ahora en comparación con la anterior?

Fue muy distinta en realidad. El modo cómo trabajamos fue otra gran diferencia también ya que luego de empezar a trackear los instrumentos individuales, sólo estaría el productor Steve (Evetts) y el sujeto que grababa, nadie más, para que de verdad nos pudiéramos concentrar. Pasamos más tiempo y bueno, siempre que un conjunto termina un disco retrocede y sale como ‘oh, ojalá pudiéramos haber hecho esto mejor, o esto otro mejor’. NO HAY tanto de eso en este ahora quizás,  lo he escuchado seguido en estos casi tres meses y no he encontrado demasiado que pueda decir que pudimos haber hecho mejor, si tuvimos una cantidad suficiente de tiempo y ¡Dios!, ¡todo está bien! El productor, ¡de verdad nos pegaba con el látigo!, ¡no dejaba que la cagáramos! Y como era sólo un muchacho con él allí adentro, uno se concentraba por completo para que todo saliera correcto.

Pese a que Gary Holt es un compositor de la vieja escuela del Thrash, como ingeniero de sonido es más bien moderno. Ahora en cambio trabajaron con Steve Evetts (The Dillinger Escape Plan, Symphony X, Sepultura), un productor más tradicional. Y eso es lo que me gusta tanto de Worlds Torn Asunder, que suena agresivo y natural al mismo tiempo. ¿Cuándo sintieron que debían buscar un sonido más orgánico?

Bueno, eso es lo que siempre quisimos en realidad. Para este álbum dijimos que deseábamos un sonido bien grande, que todo fuera clarito pero no fake, sino bien real. Entonces, le comentamos aquello cuando hablamos con Steve la primera vez y ese es su estilo, eso es lo que trata de hacer, no le gusta el bombo súper gatilleado ni ninguno de ese tipo de sonidos. Lo único que queríamos era un sonido de bombo bien grande, que sólo fuera Carlos haciendo bolsa su batería, ¡y así fue en el fondo! Lo que tuvimos que hacer para obtener dicho sonido en el estudio fue… como te dije, debimos hacer todo de nuevo unas cuantas veces. Si el picking de la guitarra estaba un poco fuera, había que hacerlo de nuevo hasta que saliera perfecto. Con Carlos, cuando tocaba el doble bombo, debía hacer algunas de esas partes como 20 veces porque Steve lo hacía trabajar muy duro para conseguir ese sonido. Y así es la cosa en realidad, los sonidos que escuchas acá no son para nada fake, sino Carlos haciendo mierda su batería, de verdad lo hace lo más duro que puede en el estudio, o el guitarrista y el bajista tocando lo más duro que pueden. Si grabas eso y lo colocas en una placa, notarás la diferencia entre ir tocando a través de y tocar duro, ¿sabes?

Y a propósito de la portada creada por el británico Dan Seagrave (Morbid Angel, Pestilence, Dismember, Malevolent Creation, Suffocation), ¿qué les fascina tanto de su artwork que decidieron tenerlo a él de nuevo en la carátula, después de Waking Into Nightmares?

Optamos por usar a Seagrave de nuevo para el arte debido a que habíamos quedado muy felices con el último. Todos acá somos fans de su trabajo, hablamos con él de hecho antes de hacer la portada y le dijimos ‘oye, ¿podremos probar algo distinto?’. Como verás, tanto el cover de Waking Into Nightmares como el de Worlds Torn Asunder tienen claramente su estilo, aunque son harto diferentes. Él recrea un montón de paisajes surrealistas como en la carátula anterior, en ese toque, y para esta le indicamos que queríamos una especie de personaje, como una suerte de presencia ahí afuera, una presencia maligna mirando hacia la Tierra abajo. Esa fue la idea básica y de ahí surgió la portada. Nos gustaron bastante sus bosquejos y de hecho nos ayudó a desarrollar la carátula y convertirla en lo que es, si nuestra idea inicial era más o menos vaga, no tan específica, y él creó la ilustración a partir de la idea que teníamos, a lo que tenemos ahora.

EMPUTECIDO: “¡EL THRASH METAL SUENA ENFADADO!”

John Laux indicó que “hay un peso y un propósito detrás de las letras de este álbum”. ¿Cuán distinto es el enfoque de Worlds Torn Asunder en lo lírico?, ¿cuál es el mensaje de cada número?

Hay un… busqué que la verdadera diferencia en el enfoque de las letras en esta oportunidad, estuviera en que cada canción fuera sobre algo distinto, y contamos con el tiempo para eso. En cada ocasión que hacíamos una, pensaba y hablaba con todos sobre lo que trataba la composición, sobre cuál era el tema adecuado para los sonidos que teníamos ahí, por lo que hay un montón de diversos tópicos. Living Weapon es de cómo un hombre corriente y bueno puede hacer cosas malévolas por seguir órdenes, básicamente. Shattered Like Glass es una que… o sea, John dijo que quería tener una sobre la fragilidad del cuerpo humano y la mortalidad, por lo que tomé eso, le agregué mis propios temores y los puse. Future Ages Gone habla de la humanidad adentrándose demasiado rápido por el camino de la tecnología, creando una máquina mejor que nosotros, ¡por lo que ya no necesitamos existir! Echoes From The Void es acerca de pensamientos de un pasado distante influenciando ideas a través del tiempo, influenciando el futuro. Enemies Of The State es sobre la Rusia soviética de Joseph Stalin y los campos de prisioneros gulag, sobre una persona inocente que la tienen ahí como por 20 años cumpliendo esa horrible condena… hay un montón de temáticas distintas. Cada track se basa en algo diferente y en el CD de hecho pongo unos liner-notes junto con las letras, explicando lo escrito en cada corte.

El concepto entonces es bien importante y me imagino que fue una labor muy ardua, porque no te concentras sólo en un punto específico, sino en desarrollar muchas ideas. ¿En qué medida fue un desafío la experiencia de adentrarte en un proyecto tan grande en cuanto a las letras?

¡Oh, fue muy entretenido! Me sentí muy seguro con las líricas de este material, considero que hay un buen balance entre letras que en serio dicen algo y aun así mantienen ese badass feeling del Heavy Metal, ese que traté de conservar en todo. Y luego, a ratos sí se hizo un poco difícil hacia el final de la producción, cuando empecé como a exigirme a mí mismo para salir con buenas ideas. Para las últimas dos canciones que escribimos, tuvimos que hablar entre todos y hacer un brainstorming grande para que surgieran buenas ideas para ellas. Por suerte, encontramos una para todas. Para la última que creamos, Enemies Of The State, ya tenía la idea pero no la pista adecuada para usarla, algo que sonara bien. Esa fue la última y salió de manera muy rápida. Wake Up… Destroy fue un poquito complicada puesto que era de sonido muy elegante y traté de hacer unas letras entretenidas de marchas, lo que no funcionó, intenté y no salió bien, así que la terminamos escribiendo acerca de un disturbio brígido, gigante, donde las personas se alzan y derrocan al gobierno. Al final, la cuestión no mejora para nada y los nuevos líderes son tan malos como los antiguos.

Uf, lo que mencionas me recuerda a lo que ocurre en Inglaterra o Chile ahora mismo, o lo que podría ocurrir en tu país muy pronto. ¿Qué relación ves entre el título del álbum (Mundos Desgarrados), las letras y lo que sucede hoy en día en nuestras sociedades?

Bueno, varias de las letras no hablan tanto de los problemas específicos del mundo. Creo que estos problemas no son modernos solamente, sino que atraviesan la Historia completa y ves que se repiten una y otra vez. Aquellos que sustentan el poder lo usan de mala manera contra la gente que tienen bajo su control y por ese motivo ves… por ese motivo hay levantamientos. Ahora, como te dije, muy a menudo miras en la Historia que las personas se levantan, derrocan a sus opresores y apenas uno de ellos se pone al mando y alcanza el poder, empieza a corromperse y las cosas vuelven a ser como antes. Es un punto de vista muy deprimente, aunque te das cuenta de que eso acontece en cualquier época de la Historia.

Muchas, muchas bandas Thrash hablan de política y conflicto social en sus letras. Desde tu perspectiva como fanático del Thrash y cantante de Thrash, ¿por qué crees que el estilo es tan adecuado, tan perfecto para cantar sobre dichas temáticas?

Porque es un sonido enfadado y… bueno, el hombre común del cual estábamos hablando… que la gente en el poder abusa de él y hace que tu vida sea peor, porque tú eres el hombre común. Las personas que están haciendo mierda la economía acá en los Estados Unidos… tales personas están haciendo la vida peor para mí, para los demás alrededor mío, ¡y eso me emputece!, ¡y el Thrash Metal suena enfadado!, es una salida grandiosa y natural para aquello. Lo que dices y el enojo en lo que dices ahí se ajusta muy bien al sonido.

“UNA BANDA QUE TOCA THRASH METAL TIENE QUE IR HARTO A LATINOAMÉRICA”

El primer show de ustedes con Carlos como nuevo batero fue en México. Tocaron allí en marzo en un festival con Anvil, Asesino y Abigail Williams, entre otros. Eso es lo más cercano que han estado de Sudamérica hasta ahora (risas). ¿Qué recuerdas de la audiencia y cuál fue tu impresión de los fans metaleros allá en México?

¡Oh, fue asombroso!, ¡estaban LOCO! La área completa del concierto era de escaleras de concreto que subían, ¡y la gente marchaba por ahí!, como 200 ó 300 personas marchando en estas escalas de concreto y sabías que si te caías en ellas, ¡te iba a doler!, ¡pero no les importaba!, ¡igual se volvían locos! Fue una sensación grandiosa que nos recibieran tan bien y creo que una banda como la nuestra, que toca Thrash Metal, tiene que ir HARTO a Latinoamérica. La gente allá muestra una pasión muy fuerte por esta música y sé que… he visto a algunos de nuestros fans de Sudamérica en otros lugares y todos nos dicen que DEBEMOS ir. Hemos estado tratando. Es difícil, no somos un grupo tan grande así que cuesta ir y hacer estas cuestiones. Hay que esperar por una oportunidad y la estamos viendo, nosotros SÍ queremos bajar a Latinoamérica, ¡todo el rato!

Sería genial, ya que ahora tienen un muy buen disco, Worlds Torn Asunder. Muchas gracias por tu tiempo John, ¿y qué mensaje te gustaría entregar a los fanáticos chilenos y sudamericanos del Thrash?

¡Que esperamos bajar hasta allá y tocar un poco de metal para ustedes!

“¡Buena interpretación!”, exclama el organista de Powerwolf, Falk Maria Schlegel, cuando se le dice que la sección más pesada de Ira Sanctis, el tema final de Blood Of The Saints, suena como a todos los santos bajando del cielo para traer la destrucción al mundo y desatar el Apocalipsis. El fraile no guarda su pasión litúrgica por el Heavy Metal, por el ambiente de misa de sus composiciones, por el sonido natural de iglesia de sus pistas, ni tampoco su satisfacción por el que es, hasta ahora, el trabajo más exitoso del conjunto germano-rumano. En exclusiva a PowerMetal.cl, este personaje se refiere a la cuarta entrega de su grupo con lujo de detalle. Licántropos, metaleros, espirituales y con sed de sangre… This is the night of the werewolves, run for your lives!!!

BALANCE ENTRE LO CLASICO Y LO DIRECTO: METAL LICÁNTROPO

Dos años han transcurriso desde el lanzamiento de Bible Of The Beast (2009). ¿Qué clase de progresión musical notas entre ese esfuerzo y el último, Blood Of The Saints?

Blood Of The Saints es un álbum más dinámico, siendo que en Bible Of The Beast trabajamos un montón con los arreglos corales y orquestaciones. Realmente fue un disco muy intenso, aunque algunas canciones quizás eran demasiado o… al menos, era un álbum conceptual over the top, cosa que habría sido tedioso hacer otra vez. En lugar de eso, encontramos un buen balance entre las partes de arreglos clásicos y lo metalero straight-forward en Blood Of The Saints, pienso yo. Para mí, algunos temas de hecho suenan como si estuviésemos ahí tocándolos y pasando el momento de nuestras vidas mientras lo hacemos, y esos instantes son los que hacen que Blood Of The Saints sea, en cierto modo, el trabajo más vívido y excitante de Powerwolf. Creo que encontramos nuestro estilo como banda, todos saben qué hacer, pero necesitábamos cada disco anterior para llegar a Blood Of The Saints.

Hace poco dijiste que Blood Of The Saints sigue donde Bible Of The Beast termina. ¿Qué relación hay entre ambos registros en cuanto a la composición y la composición?

Sí, lo dije (risas). Trabajamos con las mismas personas que con Bible Of The Beast. Grabamos en una capilla al igual que lo hicimos en Lupus Dei, pero con los mismos productores como Mr. Fredman (Hammerfall, Dream Evil, Arch Enemy, At The Gates) de Gotemburgo. Pienso que sabemos lo que hacemos, pero siempre será una nueva experiencia para nosotros. Es como una guagua, ¡una guagua lobo (risas)! Y si bien no fue tan fácil escribir un buen sucesor, la presión sólo vino de nosotros y estamos felices con el resultado. ¡Escúchalo!, no sé, adoro los dos álbumes, un tanto como el otro. Veamos qué dicen los fans, qué deciden. Para Blood Of The Saints ya hemos tenido notables reacciones, ¡¡¡e incluso alcanzó el #23 en Alemania!!!

¡Pistas como Murder At Midnight y Night Of The Werewolves suenan como si el mismísimo Adrian Smith estuviera tocando un Heavy Metal bien fino y elaborado!, muy pegajosas y metaleras. ¿Qué importancia tienen estas canciones súper oreja y directas en el álbum, sabiendo que hay otras con grandes coros de iglesia, órganos reales y esas cosas?

Encuentro que hay un muy buen balance aquí, que hay más espacio para escuchar ese tipo de canciones, como las haría una banda en vivo, ¡y por otro lado está el material bombástico que hará explotar tu cerebro! Por ejemplo, (risas) Die, Die, Cruficied… ¡ese corte es el orgasmo del disco (risas)! Eso es Powerwolf, ese es el rango exacto y puedes notar un montón de cosas en común, sólo creo que el auditor debe revelarlo por sí mismo.

HALLELUJAH!!!!

El título del álbum se refiere a un verso del Apocalipsis. “Y vi que la mujer se emborrachaba con la sangre de los santos y de los testigos de Jesús”. Además, ¿qué tiene de poderosa la palabra hallelujah que la utilizan en la mayoría de las canciones del trabajo?

Somos un grupo muy espiritual y siempre estamos cercanos a la Biblia o a las temáticas espirituales. Ese verso se pone en el lado de Satán de hecho, pero también es una crítica a la institución de la Iglesia, en esa época tan temprana inclusive… que es un potente leit motiv a mi juicio… y hallejujah es una de las palabras más ceremoniales y expresivas que conozco, y es perfecta para ser cantada en varios lugares. De hecho, tratamos de mantener la cantidad de hallelujahs baja, pero al parecer, ¡fallamos miserablemente y excedimos el límite de hallelujahs una vez más (risas)!

Ustedes decidieron desvincularse de Tom Diener (baterista) en diciembre, justo durante el proceso de creación de Blood Of The Saints. ¿Qué sucedía en ese tiempo, durante la composición, que optaron por no seguir trabajando con él?

Tom ya no es parte de la manada porque simplemente la cosa no funcionó que pensábamos que funcionaría, tanto en lo personal como lo musical. Terminamos sólo unos días antes de comenzar las grabaciones, sintiendo que si continuábamos, sería como una especie de compromiso entre Tom y nosotros. Sea lo que sea que haga Powerwolf, nunca nos hemos comprometido con nada ni jamás lo haremos, por eso tomamos el freno de emergencia y nos fuimos por distintos caminos. Roel van Helden llegó como reemplazante de Tom al estudio exactamente tres días antes que comenzaran las grabaciones. Nada de precalentamiento previo, nada de poder conocernos entre nosotros, pero cuando golpeó su batería por primera vez en el estudio, ¡supimos que él era el lobo perfecto para el puesto! Entonces, apenas terminó con las pistas de batería en el estudio, quisimos preguntarle si le gustaría tocar algunos shows en vivo con nosotros. Sin embargo, ¡él fue más rápido y nos preguntó antes (risas)! Y bueno, hemos realizado un par de actuaciones juntos y nos llevamos grandioso, así que el tiempo dirá si Roel se convertirá o no en un miembro permanente de la manada.

¿Qué vieron en las habilidades y personalidad de van Helden que eventualmente decidieron pedirle que tocara en el disco?

Lo habíamos visto con su otra banda, Subsignal, y sabíamos que era un gran fanático de Iron Maiden, ¡lo conocimos en el estudio y le preguntamos si quería! Así fue nomás y listo, grandioso. El “amaba” Powerwolf y se puso muy contento cuando le pedimos. No dudó un segundo y seguirá con nosotros en las giras.

METAL DENTRO DE UNA IGLESIA: “ESOS SON MOMENTOS POR LOS CUALES VIVE UN MÚSICO”

En esta ocasión, no sólo grabaron en distintos estudios, sino también en una iglesia histórica del siglo XIII. ¿Qué tipo de diversas atmósferas y sonidos trataste de capturar al momento de ir a una iglesia y grabar allí?

Perdón, es del siglo XII y se llama “Deutschherrenkapelle”. Es la iglesia más antigua de la localidad donde vivimos. Debes imaginarte lo siguiente: estar en el estudio en un trabajo arduo y tiene una sola atmósfera de estudio determinada. En una capilla puedes respirar historia y eso es una gran influencia, por lo que sacamos nuevas ideas mientras grabábamos allí, rearreglando algunas cosas. El ambiente era bien gloomy, cuando los ventanales tomaban un color rojizo en la noche. Hacemos que el proceso de grabación sea todo un acontecimiento. Además, ¡la reverberación natural de una capilla es fantástica y nada puede reemplazarla (risas)! En serio, te llega a dar escalofríos cuando mi órgano real de iglesia toca el nuevo wolfish stuff, ¡suena más agresivo que algunas guitarras (risas)!, y quedo sobrecogido cuando el coro clásico canta Die, Die, Dynamite. Esos son momentos por los cuales vive un músico. ¡¡¡Y es un desafío grabar en una iglesia!!! Estuvimos allí por varios días y tuvimos que repetir las canciones una y otra vez, pero valió la pena hacerlo.

Una sola pregunta, Falk Maria, ¿cómo convencieron a las personas a cargo de la iglesia para poder registrar esas tomas allí?

Esa fue una pelea muy dura (risas), debimos realizar un montón de trámites administrativos. Tuvimos que convencer a muchos dueños y políticos, pero nos las arreglamos para hacerlo. ¡No siempre necesitas contar toda la verdad!

Este álbum tiene de hecho una atmósfera de catedral, de iglesia, ¡y la puedes sentir sin la necesidad de saber que hubo sesiones de grabación en una capilla de verdad! ¿Qué relevancia tiene esa vibra tan única de Powerwolf? ¿Con cuánta naturalidad caen estas piezas e influencias en la música de ustedes?

No podemos hacerlo de otra manera. Siempre celebramos el proceso de grabación de la misma manera que lo hacemos cuando vamos a un escenario. Trabajas harto tiempo en una oscura y aburrida sala de ensayo, ¡así que una situación de grabaciones debería ser un suceso! Por encima de todo, eso es muy importante para nuestros registros. Puedes escucharlo en las canciones, arreglamos algo nuevo o desarrollamos nuevos desenlaces, hooklines… ¡es un proceso y lo amamos! El toque de Europa del Este viene de nuestro cantante Attila Dorn, quien estuvo viviendo en Rumania por mucho tiempo, por lo que ese estilo siempre será parte de los temas de Powerwolf. Hacemos la música que nos gusta, desarrollamos este típico wolf style y creo que las personas no necesitan nada nuevo, estamos enraizados en el Heavy Metal y listo. ¡Tenemos nuestras influencias y la pasión por escribir material nuevo!

“QUEREMOS CELEBRAR UNA MISA METALERA”

Números como Santified With Dinamite y Phantom Of The Funeral, me recuerdan bastante a la escena de Hamburgo, a grupos como el viejo Helloween, Gamma Ray y Iron Savior. ¿Cuán cercanos se sienten a ese medio, a ese estilo, a ese sonido powermetalero?

¿En serio? Me agrada esa gente en lo personal pero no encuentro que tengamos algo en común. Attila no canta de esa forma y eso me tiene muy contento. Por otro lado, pienso que nuestro sonido de estudio es bastante diferente, con los arreglos corales y las partes de órgano. Bandas grandiosas, ¡pero distintas a Powerwolf!

El sello de ustedes dice que Powerwolf suena a una mezcla entre Nevermore, Falconer y Stratovarius. Otras personas de los medios señalan que algunos pasajes se asemejan a Iron Maiden, Accept, Hammerfall, ¡y hasta Nightwish! ¿Cuáles son las comparaciones más raras que has leído o escuchado con respecto a Powerwolf?

¡Falconer y Nightwish! Eso es realmente chistoso, ¡no son para nada wolfish! Nosotros hacemos Heavy Metal con una atmósfera doom church. Sólo escribimos lo que se nos viene a nuestras extrañas mentes, sin importar si cumple con alguna expectativa o no. Sin embargo, SÍ nos preocupa mucho lo que piensen los fans de nuestras canciones, aunque por suerte parece que somos iguales que nuestros seguidores: adictos al metal con pasión por temas pegotes.

Siempre han dicho que el metal es una religión. Desde tu punto de vista, ¿de dónde proviene toda esa fuerza de la música metalera? ¿Por qué crees que discos como Heaven And Hell, The Number Of The Beast o Metal Heart logran ejercer tanto poder en la gente, de la misma manera que la Biblia -o sus sacerdotes- lo hace en la civilización occidental?

Hay experiencias en común con los mismos discos en todo el mundo, eso es lo que nos une. No hay fronteras, sólo una pasión, un álbum brillante como Heaven And Hell o un show de Iron Maiden “recobrado” de Rio. Eso es todo, no necesitas la explicación de un sacerdote. El Heavy Metal es una religión, es un estilo de vida, ¡mira a todos los maniáticos por el metal en el mundo entero!, no es escuchar música únicamente, es una experiencia para todo. Puedes verlo como una simbiosis entre los músicos y los fanáticos. De la misma forma que nosotros somos músicos, también somos fanáticos, y siempre. ¡Eso nos da el poder! No es una guerra en todo caso, no es una cruzada… los lobos sólo muerden ciertas veces (risas) No, queremos celebrar una misa metalera, una gran fiesta, sí, y no es pecado entretener, adoro eso, tanto como fan Y como músico.

Si el metal es una religión, ¿qué diferencias y similitudes ves entre un sacerdote/cardenal que predica y un músico de metal, que escribe metal?

¡Un músico metalero dice la verdad! Escribe canciones, ¡incluso si no le pagan!

Aquí en Chile y Sudamérica, hay muchos fanáticos del Power Metal y el metal melódico en general. ¿Qué te gustaría decirles a todos aquellos que lean esta entrevista?

¡Beban la sangre de los santos y tendrán Heavy Metal!