Las leyendas alemanas del Thrash Destruction han lanzado recientemente su nuevo álbum de estudio titulado «Born to Perish» a través de Nuclear Blast. Luego del reemplazo de su baterista Vaaver por el experimentado Randy Black (ex-Primal Fear, ex-Annihilator) y la incorporación del segundo guitarrista Damir Eskic, este es su primer disco con cuatro integrantes desde su triunfal regreso en 1999. El álbum ha recibido aclamación instantánea por parte de los fanáticos y la crítica en los últimos días.

Tuvimos la oportunidad de discutir en detalle con el carismático bajista/vocalista y compositor Schmier sobre los cambios de formación, el estado actual de la banda y sus puntos de vista sobre el mundo y la escena metalera. Schmier también compartió alguna historia de sus viajes a nuestro país y nos adelantó detalles sobre el próximo tour de Destruction, abriendo la posibilidad a una gira Sudamericana junto a los Big Four del Thrash Alemán.

por David Araneda

Hola Schmier, ¿Cómo van las cosas con Destruction y el nuevo álbum?

Todo bien. Tuvimos una semana muy ocupada, ya sabes, el álbum acaba de salir. Hay muchas cosas que hacer en este momento, entonces, es un poco abrumador en cierto modo, por la cantidad de reacciones. Pero al álbum le está yendo fantástico, no podría ser mejor. Hemos recibido comentarios increíbles. Estuvimos en dos grandes festivales y la gente reaccionó de manera sorprendente, los CDs y los vinilos se agotaron. La gente realmente engancha con el álbum, les encanta. Son las mejores reacciones a un álbum que hemos tenido en 20 años más o menos. En realidad, es una locura, acabo de recibir la noticia de que el día del lanzamiento alcanzamos el lugar número doce en las listas de Alemania. Nunca hemos estado tan alto en la historia, eso es lo más alto que hemos entrado en las listas. También es una muy buena señal de que la gente está realmente entusiasmada con el álbum. Por supuesto, hoy en día también tienes Instagram y Facebook, donde las personas publican fotos con el álbum y muestran su emoción, ya sabes. Es bueno ver eso.

Una de las principales novedades que traer el álbum es la nueva formación con dos guitarras y un nuevo baterista. ¿Puedes hablar un poco sobre la contribución de Randy y Damir al sonido de Destruction?

Cometimos un error una vez en 1986, cuando agregamos dos nuevos miembros. Les dimos demasiado espacio a ellos y básicamente eso arruinó a la banda. Suena mal, pero así fue, ya sabes. Por lo tanto, nos llevó mucho tiempo encontrar confianza en la idea de traer un segundo guitarrista. Pero esta vez trabajamos  con personas que conocemos, personas que nos gustan, personas que no querían ponerse en la posición de ser compositores o algo así, ya sabes. Tenemos una cosa clara, y es que Mike (Sifringer, guitarrista) y yo somos los compositores de la banda. Nosotros escribimos las canciones, los otros chicos están abiertos a contribuir, ya sabes. Les damos algo de espacio, no les decimos qué tocar, pueden ser ellos mismos en este álbum y creo que funcionó bastante bien. Para dos canciones, Randy escribió las bases de batería por adelantado y básicamente hicimos canciones a partir de esas bases de batería, lo que fue un enfoque diferente para la composición de canciones, algo muy interesante. Y Damir tuvo mucho espacio para sus solos, leads, overdubs y armonías. Lo tuvimos que presionar, ya sabes, él era en realidad el que tenía miedo de tocar demasiado. Pero queríamos que los nuevos muchachos fueran parte de esto, y eso sucede solo cuando tienen la libertad para tocar, y eso es lo que hicimos.

Sí, pero aunque no escriben canciones, Damir es un guitarrista más técnico, y quizás Randy proviene de una escuela más técnica. ¿Crees que esto podría afectar el sonido general de la banda?

No lo creo, no. Vaaver era un baterista mucho más técnico que Randy, estaba más interesado en el Jazz y esas cosas. Randy es un gran baterista de Rock, ha tocado muchos estilos diferentes de Rock y Metal. El estilo de solos de Damir es lo que estábamos buscando, alguien que pueda hacer shredding, porque ya tenemos un maestro del riff en Mike. Lo que necesitábamos era alguien que pudiera hacer algo extra en los solos, y eso es lo que hace Damir. Y esto, mezclado con canciones muy sólidas, las canciones son realmente pegadizas esta vez, fueron pensadas para la situación en vivo. Creo que es una gran diferencia con los últimos álbumes, algo que ya aprendimos en «Under Attack», y es que a veces “menos es más”. Se trata de la canción al fin y al cabo, no se trata de que los músicos presuman sus habilidades. Se trata de escribir buenas canciones que la gente quiera escuchar en vivo, ya sabes. Y eso es algo que creo que «Born to Perish» realmente tiene. Creo que estas diez canciones serían excelentes canciones en vivo.

Definitivamente. ¿Tienes alguna canción favorita en el nuevo álbum?

Es muy difícil decir, ya sabes. La forma en que comienza el álbum, creo que pusimos algunas favoritas al principio, pero también al final hay material muy sólido. Entonces, para mí es muy difícil decirlo. Tengo un vínculo especial con ciertas canciones que escribí, o algunas letras especiales, ya sabes. La letra de «Inspired by Death» trata sobre algunos amigos que murieron el año pasado o a principios de este año también, así que es una canción muy personal, significa mucho para mí. También creo que esa canción resultó genial, porque es muy de la vieja escuela, muy sencilla, así que es una canción especial. Pero también me gusta «Betrayal», quizás sea mi favorita de las canciones que escribí. Y me gusta «Butchered for Life», porque es una canción diferente. Tiene esta sensación de «Reject Emotions» con guitarras acústicas, algo que no habíamos hecho en más de veinte años, eso es algo especial para mí también. Pudimos hacer todos esos trucos con dos guitarras, siendo un tema un poco más progresivo, por lo que sobresale del resto del disco. Pero también me gusta una canción como «Rotten», debido a esa sucesión de tripletes, dándole un estilo diferente que el resto del álbum. Y creo que hay muchas pequeñas cosas en el álbum que quizás no escuches la primera vez, pero que se perciben al escucharlo más veces. Es muy difícil para mí decir cuál es mi canción favorita. Por supuesto, la canción principal «Born to Perish» también sobresale, porque básicamente representa el álbum.

Mencionaste tus letras y que estas son muy importantes para ti. Desde el comienzo de Destruction has sido muy crítico con los políticos, los poderosos y la religión. ¿Has visto algún cambio durante estos más de 30 años de carrera, o estamos básicamente enfrentando los mismos problemas?

La cosa ha empeorado (risas), es algo tan malo. Cuando escribimos «Curse the Gods”, toda esta mierda religiosa no era tan mala como lo es hoy, ahora tenemos guerras religiosas de nuevo. Y como puedes ver, los políticos también empeoraron, porque ahora tenemos más guerras en el mundo que en los últimos 50 años. Tenemos muchas situaciones críticas en las economías mundiales, tenemos muchos políticos locos a cargo. Mira a Estados Unidos, mira a Hungría. En muchos países, los partidos conservadores de derecha lideran el país, por lo que en realidad todo ha empeorado. Pero esto va llegando a su fin, ya sabes. De lo que me di cuenta con este álbum, cuando escribí las letras y cuando veo el mundo, es que el sistema capitalista está llegando a su fin. Cada vez más personas comienzan a darse cuenta de que no está funcionando, e incluso los grandes economistas mundiales están intentando mejorar esto. Y no sé si podré presenciarlo con mis propios ojos, pero este sistema capitalista caerá. Ya ha fallado, y llegará a su fin en los próximos años. La gente tiene que encontrar algo nuevo, me gustan las ideas progresivas. Creo que Finlandia es un país realmente muy progresivo desde ese punto de vista, uno de los primeros países del mundo en comenzar ese tipo de cosas como un salario mínimo para la gente, donde reciben un cierto pago del gobierno para tener suficiente dinero para sobrevivir y luego quizás sean independientes en sus trabajos, pero no tienen que vivir en la calle. Creo que es algo muy interesante, y sobre eso es lo que estoy escribiendo básicamente.

También escribiste «Eternal Ban» en 1986. Algunas bandas de Metal todavía están prohibidas para tocar en ciertos países debido a regulaciones conservadoras. ¿Cómo crees que esto es aún posible en 2019?

En realidad es una locura ver esto en un mundo moderno, que las personas pueden ser tan conservadoras. Los conservadores lideran este planeta y eso nunca cambiará, supongo. Hoy escuché en Alemania que el aceite de CBD ahora está prohibido en una gran cadena de supermercados. El aceite de CBD está comprobado que ayuda a las personas con cáncer, depresión y otras cosas. Es algo legal y permitido, pero los sacan de una tienda porque la gente conservadora se quejó, porque está hecho de marihuana. Eso muestra cuán conservadoras e hipócritas son estas personas. Miren a Estados Unidos y Canadá, han legalizado la marihuana, porque les genera mucho dinero a su economía, eso también llegará aquí algún día. Todas estas personas inflexibles se van a morir algún día, y la nueva generación será más abierta, una generación de paz que verá el mundo en su conjunto, como un planeta que es nuestra supervivencia, nuestro futuro, el futuro de nuestros hijos. Pero la humanidad es demasiado estúpida para entenderlo, por lo que canciones como «Eternal Ban», sobre la opresión y la unidad de los metaleros, siempre serán una parte importante de las letras de Destruction. Porque para mí, el Heavy Metal es una cosa para arrancar de la rutina, era así cuando tenía 16 años, y sigue así cuando tengo cincuenta, no hay diferencia. Para mí, el Metal es la unidad, una comunidad de personas diferentes que intenta escapar, tratando de mirar hacia el horizonte. Y es por eso que estoy orgulloso de ser metalero.

Es realmente extraño que los medios todavía culpen a los videojuegos y al Metal por incitar a la violencia, cuando en realidad es probablemente el sistema el que vuelve loca a la gente …

Sí, exactamente. Es el sistema, y ​​son las reglas incorrectas del sistema las que hacen que la gente se vuelva loca. Pero ya sabes, siempre buscan el eslabón débil para acusar y, por supuesto, ese es un eslabón débil obvio. Es la solución más fácil, así que lo hacen.

Bueno, pero pasando a cosas más felices. Estoy ansioso por ver la nueva alineación en vivo. ¿Cómo ha funcionado la química en el escenario entre ustedes hasta ahora?

Hemos pasado por muchas pruebas. Estaba asustado para el primer show, pensaba si es que íbamos a chocarnos y cómo iba a funcionar esto porque todavía utilizo tres micrófonos en vivo, por lo que necesitamos cierta coordinación en el escenario. Mike y yo hemos estado hecho esto durante mucho tiempo juntos, y Damir entendió muy bien a la banda, es un músico profesional. No fue fácil, porque pasamos de tocar en pequeños escenarios girando con Overkill, donde no teníamos mucho espacio porque Overkill tenía el lugar principal, luego tocamos solos y teníamos un escenario de teatro completo para nosotros, y ahora último dos grandes escenarios en festivales, que es un espacio increíble, por supuesto. Entonces, tuvimos que pasar por todas esas etapas para acomodarnos, pero en realidad todo ha funcionado muy bien, ya que somos profesionales. Tenemos una muy buena química dentro de la banda, todo funciona muy bien. Antes del álbum, cuando escribimos y ensayamos las canciones, todo funcionó muy bien también, así que esta es una formación muy sólida y estoy muy orgulloso de poder tocar con esos chicos. Creo que es la formación de Destrucción más fuerte que hemos tenido en muchos años, y desearía haber añadido un segundo guitarrista antes, pero ya sabes, aún no era el momento. Ahora hemos hecho algo que era necesario para el futuro de la banda y estoy muy contento de que los fanáticos también lo aprecien.

¿Qué hay de la próxima gira? Han anunciado algunas fechas en Europa para los próximos meses. ¿Planean hacer una gira por América Latina, por ejemplo?

Sí, parece que eres latinoamericano, ¿verdad? Puedo decirlo por tu nombre y por tu acento que eres de América Latina …

Sí, en realidad soy de Chile, te lo iba a decir más tarde … (risas)

Chile, por supuesto. Chile tiene una de las mejores escenas de Metal del mundo. Por supuesto que volveremos a América Latina. En realidad, comenzaremos este itinerario de gira justo después del verano junto a Overkill y Flotsam and Jetsam para una segunda parte del Killfest, porque el primer Killfest se agotó en todas partes, ahora haremos la segunda ronda. Luego vamos a hacer algunos festivales, vamos a Finlandia a tocar en el Steel Chaos Fest en noviembre, lo cual es muy emocionante para nosotros volver finalmente a Finlandia. Y luego, el año que viene vamos a comenzar un itinerario de tres partes por Europa. Primero el Sur de Europa, luego hacemos Europa Central, y luego Europa del Este y Escandinavia. Y entre esas giras haremos Asia, Estados Unidos y Canadá. Entonces, durante los primeros seis meses del próximo año estaremos de gira, apoyando nuestro nuevo álbum. Y luego veremos cuál es el próximo plan, porque también estamos reservando nuestro calendario para el próximo año y 2021, ya que todavía queremos hacer la gira con el Big Four del Thrash Alemán con Kreator, Sodom y Tankard. Entonces, eso también está en la lista de prioridades para el próximo año, y esperamos tener buenas noticias sobre esto pronto. Y América Latina es quizás una de las partes del mundo donde podría comenzar esta gira, porque hay muchos fanáticos del Thrash allí.

Justamente iba a preguntarte sobre los Big Four del Thrash Alemán, si es que hay alguna posibilidad de verlos en una gira …

Sí, eso es lo que queremos hacer. Queremos hacer giras por países seleccionados en grandes recintos, y todo el mundo tiene que aclarar sus calendarios. Hemos estado hablando sobre cuándo podría comenzar esto, y todos estuvimos de acuerdo en que será a fines de 2020. Podríamos hacer unos primeros shows a modo de prueba, y luego, en 2021, salir con toda la fuerza. Por supuesto, antes que nada tenemos que sincronizar nuestros calendarios de gira, pero Destruction está listo para esto, básicamente depende de Kreator y de Mille porque están haciendo un nuevo álbum que saldrá a principios del próximo año, y con suerte podemos coincidir y hacer que esto suceda.

¡Qué genial, es una gran noticia! Estoy seguro de que los fanáticos estarán muy felices …

Todos estamos entusiasmados con eso, por lo que esto va a suceder definitivamente en algún momento. Es solo cuestión de tiempo, cuándo y qué tan rápido. Trato de presionarlos a todos porque no nos estamos volviendo más jóvenes, ahora todos estamos todavía en buena forma, todos hemos sacado excelentes álbumes, ya sabes. Habrá un nuevo álbum de Kreator y un nuevo álbum de Sodom el próximo año también, por lo que será el momento adecuado para hacerlo.

Hablando de Chile, han estado muchas veces en nuestro país y en diferentes ciudades, no solo en Santiago …

Sí, hemos tocado por todo el país, en realidad. Hemos tocado en Copiapó y en otros lugares locos (Valparaíso, Concepción, Temuco). Chile tiene mucha dedicación por el Metal y hay tantos fanáticos locos del Metal allí, por lo que siempre es increíble ir y tocar. Nunca olvidaremos nuestra primera vez en Chile en 2000, cuando fuimos con The Haunted e Immortal, fue un caos total. Tuvimos una sesión de firmas en una tienda de discos, y fue un caos en la calle, la gente se estaba volviendo loca. Es algo que todos recordamos cuando pensamos en la historia de nuestros conciertos en Chile.

Por lo que entiendo todavía sigues la escena actual del Metal. ¿Podrías nombrar un par de bandas que te gusten y que puedas recomendar o que creas que crecerán en el futuro?

Es una pregunta muy difícil, creo que todos deberían hacerse su propia opinión. Estoy interesado en la escena. Sigo especialmente a las bandas de Thrash jóvenes porque esa es la música que me gusta, la música que toco yo mismo, la música en la que soy bueno. Me mantengo al tanto de lo que están sacando las bandas de Thrash jóvenes en los últimos años. Básicamente, hemos tocado con muchas de esas bandas, así que conocí a esas bandas jóvenes al ir de gira con nosotros, por lo que es interesante seguir su desarrollo. Bandas como Warbringer, Headlock y Evile, que ya he visto desde hace unos cuantos años, hacia dónde van, si es que van a intentar alejarse de su estilo. Quiero decir, Warbringer ya lo intentó y no fue un álbum que a los fanáticos les gustara mucho. Es interesante para mí ver qué están haciendo los jóvenes ahora. También estoy produciendo una banda joven en este momento, Burning Witches, una banda femenina de Heavy Metal de Suiza que también estoy manejando. Entonces, trato de mantenerme al día con las bandas jóvenes, pero es difícil decir cuál es la gran novedad del día porque, en este momento, el del Pop Metal es muy famoso, ya sabes. Cosas con muchos teclados y pistas de acompañamiento, y ese no es mi tipo de Metal, ni tampoco el Metalcore, no es mi tipo de música. Trato de mantenerme en la vieja escuela y ver qué bandas jóvenes apoyan y tocan al estilo de la vieja escuela, y es muy interesante verlo. Pero no estoy muy influenciado por las nuevas bandas, creo que sería un gran error. Esto le ha sucedido a otras bandas, que cambian su propio sonido y hacen algo nuevo, y los fanáticos lo odian. Esa no es mi idea, mi idea es defender lo que hemos alcanzado y mantener nuestro propio estilo que tenemos Destruction, y ese es un gran privilegio.

 

Creo que hemos cubierto todas mis preguntas. ¿Te gustaría enviar un mensaje a tus fans e invitarlos a escuchar «Born to Perish»?

Sí, espero que les guste este disco, las reacciones hasta ahora han sido fantásticas. Por supuesto, cada disco es como un bebé nuevo, pero este es muy especial para nosotros porque tuvimos un año difícil cuando se fue Vaaver, no fue fácil para nosotros continuar, tuvimos que encontrar las fuerzas de alguna forma por el futuro de la banda. Pero me alegro de que nos levantáramos y hayamos encontrado a dos grandes personas para continuar este viaje quizás por otros diez años, o el mayor tiempo posible, porque amamos lo que hacemos. Y creo que eso se puede escuchar en el nuevo álbum, Destruction no suena como una banda vieja, suena como una banda que todavía se divierte. Y estamos ansiosos por volver a la gira, tendremos shows en todo el mundo en los próximos meses, así que esperamos verlos ahí.

A nueve meses de haber finalizado el exitoso Pumpkins United World Tour y a un mes de estrenar el lanzamiento en vivo “United Alive”, Andi Deris se tomó el tiempo para conversar en extenso con PowerMetal.cl sobre el actual capítulo en la historia de las calabazas. El simpático frontman nos comentó en detalle sus impresiones sobre la mencionada gira, que los tuvo en nuestro país en dos ocasiones brindando tres conciertos inolvidables para los amantes del Power Metal.

Desde su residencia en Islas Canarias, el rubio vocalista nos contó abiertamente sobre la química entre los miembros de la formación actual y las razones por las cuales Roland Grapow y Uli Kusch no fueron parte de esta histórica reunión. Además, nos adelantó algunos detalles sobre el progreso del álbum de estudio que preparan, el tour que lo acompañará y posibles sorpresas en el setlist.

Por supuesto, le preguntamos sobre el futuro de la banda una vez que concluya este ciclo. Te dejamos la entrevista a continuación, en la cual puedes escuchar también las respuestas de Andi haciendo click en el ícono bajo cada pregunta.

por David Araneda

El nuevo álbum en vivo de Helloween saldrá pronto y supongo que has visto y escuchado el producto final. ¿Cómo describirías la experiencia visual y sonora de «United Alive» en pocas palabras?

Honestamente, todavía no he visto el producto terminado, he visto fragmentos para decir sí o no, si es bueno o malo, si tenemos que arreglar algo por aquí y por allá. Pero lo que vi fue genial, al menos se veía genial en mi televisor, el sonido era bueno, así que definitivamente estoy satisfecho. Debo decir que el producto terminado no lo he visto aún, porque estoy en una isla remota aquí en el Océano Atlántico, por lo que definitivamente toma una o dos semanas más para que los envíos lleguen hasta acá.

Ya veo. Bueno, la gira fue muy larga, catorce meses y setenta conciertos. ¿Cómo evolucionó la química dentro de la banda y los «nuevos miembros» durante las diferentes etapas de la gira?

Afortunadamente, se mantuvo bien (risas). Incluso después de los primeros tres o cuatro meses no hubo estrés de gira o algo por el estilo, la química sencillamente continuó. Tal vez anduvimos demasiado de fiesta, los cantantes deberían decir buenas noches después de unas horas y no quedarse hasta las cinco o las seis de la mañana. A veces hicimos eso, sí (risas). Entonces, la química es genial, tal vez demasiado buena por momentos. Pero definitivamente deseo que comience ya la próxima gira. Siempre le dijimos a la gente que si la gira iba bien y si, al final del día, la química era buena, entonces haremos un álbum con esta formación, en el que estamos trabajando ahora. Pero creo que la grabación del disco será muy estresante, porque ahora tenemos dos cantantes y medio, lo que significa que cada uno tiene que cantar probablemente todo el álbum, y luego seleccionaremos e intercambiaremos partes. Esperamos encontrar una solución final sobre quién cantará cada canción. Y sí, es un desafío, deseo que llegue ese momento, aunque sé que será muy estresante.

Habías ido de gira anteriormente con Gamma Ray y compartido el escenario con Kai Hansen, pero quería preguntarte sobre la experiencia de compartir las voces principales con Michael Kiske. Especialmente, ¿cómo te sentiste al escucharlo cantar partes de tus canciones, las canciones que tú has escrito e interpretado originalmente?

Bueno, también fue un desafío importante, porque de repente es Michael cantando mis propias canciones y viceversa. Entonces, aprendí a apreciar ciertas cosas de cuando él cantaba mis canciones. Pensaba «Oh, eso es genial», porque cuando se trata de escribir canciones ahora puedo escribir para Michael, no solo para mí. Entonces, de repente piensas en las diferentes dimensiones que se abren para el nuevo álbum. De repente tenemos la oportunidad de traer todas esas cosas de los Keeper, que Michael canta tan bien, y mezclarlas con las cosas que tenemos hoy en día. Entonces, sí, estoy entusiasmado con eso. Ya he escrito dos canciones especialmente para Michael y ayer me llegaron las primeras voces de Michael de las canciones que he escrito para él, y suena fantástico.

¡Me alegro de escuchar eso! ¿Qué hay de los aspectos más destacados de la gira? Por supuesto, hicieron muchos conciertos en lugares grandes como Wacken. Pero a nivel personal, ¿cuál fue la parte más especial de la gira para ti?

Para mí, sinceramente, creo que fueron principalmente los shows en Europa, que de repente fueron tan masivos. Normalmente tocamos frente a dos o tres mil personas y de repente tenías entre quince o dieciocho mil personas en una sala de conciertos, lo cual fue fantástico. Por lo tanto, tocar a mayor escala en Europa fue un sueño hecho realidad. Sin embargo, el mundo entero estaba realmente vuelto loco. Incluso los conciertos en Estados Unidos fueron geniales. Quiero decir, fue un sueño hecho realidad para todos. Siempre esperamos algo así, pero honestamente, no deberías asumir que sea así. Entonces, fue mucho más grande de lo que anticipamos. Mencionaste Wacken, que siempre es de los puntos más altos. Otro sueño hecho realidad, ser cabezas de cartel en Wacken por primera vez en nuestras vidas fue definitivamente «¡Guau!» Pero en general, fueron catorce meses de «¡Guau!», se podría decir. Comenzamos en Sudamérica y fue una locura, y siguió siendo una locura.

¿Qué hay de algunos puntos críticos? Recuerdo que Michael Kiske se enfermó al comienzo de la gira. ¿Sintieron que todo se convertiría en un caos o algo así, o hubo otros problemas que debieron enfrentar durante la gira?

Sí, bueno, no fue un comienzo fácil para Michael. Incluso hubo personas que pensaron que estaba cantando completamente con playback, lo cual no fue el caso porque yo canté muchas de sus partes. Viceversa, cuando me enfermé en Japón, por ejemplo, él tomó muchas de mis líneas vocales y me ayudó. Así que sí, te das cuenta de que en realidad es genial ser dos cantantes en la gira, porque cuando uno no se siente tan bien, el otro puede intervenir y ayudarlo lo más posible, lo cual es genial. Diría que para los cantantes se hizo mucho más fácil, a pesar de que hay como dos horas cuarenta y cinco minutos o incluso tres horas en nuestro set. Pero debido a que compartimos voces, Michael y yo no tenemos que cantar más de una hora veinte o algo así. No es un paseo por el parque, pero al final del día una hora veinte es factible. No es tan difícil como estar en el escenario y cantar un show de dos horas sin interrupciones, sin descansos. Entonces, aquí siempre tienes la oportunidad después de una o dos canciones de salir del escenario y luego el otro cantante está cantando, y cuando sale del escenario, el otro cantante está cantando nuevamente, por lo que al final del día es mucho más fácil.

Somos una página chilena. Mencionaste que en Europa pudieron tocar en lugares más grandes, pero también tocaron en Chile en dos partes de la gira. Primero, dos shows con entradas agotadas en un lugar más pequeño como el Teatro Caupolicán, pero luego hicieron la gran noche de Halloween con Arch Enemy y Kreator en Movistar Arena, que es un lugar mucho más grande, generalmente reservado para actos masivos internacionales. Fue un gran logro para una banda de Power Metal tocar allí. ¿Qué piensas sobre eso?

Bueno, eso es algo así como ser nombrado caballero, ya sabes (risas). Siempre sueñas, cuando comienzas a hacer música, sueñas con tener éxito y cosas así. Siempre hay ciertos lugares, festivales o salas de conciertos en los que quieres tocar. Y piensas, cuando esté tocando allí, eso sería lo mejor de tu vida. Esa sería la ocasión en la que serás nombrado caballero y estarás allí, donde alguna vez soñaste estar. Entonces, esto realmente sucedió muchas veces. Toda la gira mundial estuvo llena de salas de conciertos en los que solo podrías haber soñado tocar una vez en tu vida. Y los hicimos todos ahora. Por ejemplo, para la próxima gira incluso hemos planeado tocar en Tokio el Budokan, que es para mí el mayor desafío que puedes tener como banda hoy en día, tocar en el Budokan de Tokio. Es como, ¿qué tan lejos puedes escalar? porque no hay nada más que eso, quiero decir que es de primera categoría. Entonces, esto es definitivamente un sueño hecho realidad. Y todos en la banda, y seguramente estoy hablando por todos, estamos muy agradecido de que podamos tener eso. Después de treinta años de carrera, que siempre fueron geniales, quiero decir, siempre habíamos tocado en clubes llenos o salas de conciertos medianas e hicimos grandes giras. Pero ahora, estamos tocando en las mejores salas de conciertos y los mejores festivales. Este es un sueño hecho realidad, bueno y qué puedo decir, todos estamos muy agradecidos.

Sí, estoy muy feliz por ustedes. Asistí a su concierto en Helsinki (Finlandia), pero luego tocaron en un festival de verano en Kuopio, donde también había artistas finlandeses de Hip Hop y Pop. ¿Cómo crees que el show en vivo de Helloween funciona para una audiencia donde no todos son metaleros?

Bueno, muchas personas que luego vinieron al backstage dijeron: «Nunca habíamos tenido la oportunidad de ver un show de Heavy Metal» y han quedado completamente noqueados. Quiero decir, de repente ya eran fanáticos del Metal, por así decir. Porque, de nuevo, hay muchos fanáticos del Hip-Hop que me dicen que hoy en día el Hip-Hop ha tomado mucha influencia desde la escena metalera. Cuando observas los ritmos, bueno, no tienes guitarras eléctricas, pero hay sintetizadores que son realmente pesados y distorsionados. A veces veo un mundo paralelo creciendo allí. Pero tengo que admitir que no me gusta el Hip-Hop (risas).

A mí tampoco, pero es una mezcla interesante. España parece ser un país muy especial para Helloween también. Grabaron la mayor parte de High Live allí en los años 90. ¿Qué les hizo elegir ahora el show de Madrid para la versión de audio de «United Alive»?

Bueno, lo primero que se nos ocurrió es que grabaríamos seis o siete shows. Lo que queríamos evitar es grabar uno o dos shows en particular por completo y luego ir al estudio y convertir un álbum en vivo en un álbum de estudio. Esto es algo que intentamos evitar. Entonces, lo que intentamos hacer es elegir las mejores partes de los conciertos grabados, y estas piezas deberían ser tan buenas como para que no tuvieras que hacer mucho en el estudio. El mayor desafío fue el espectáculo de Sao Paulo, por lo que recuerdo había un bombo que no fue grabado, por lo que solo se escuchaba el bombo desde los micrófonos ambientes, pero el micrófono directo del bombo no funcionaba. Ese fue el mayor desafío en realidad, reemplazar eso, ya que solo se puede hacer en el estudio. Pero con el resto de las guitarras, voces y este tipo de cosas, no tuvimos que hacer mucho en realidad. Pero eso se debe a que solo sacamos las mejores canciones de ciertos conciertos, para luego tener algo real en vivo. Odio ir al estudio y volver a grabar un álbum en vivo en el estudio. Eso ya no es un álbum en vivo …

Había entendido inicialmente que la versión de audio fue grabada principalmente en España, y que el DVD / Blu-Ray incluiría fragmentos de diferentes ciudades. Pero lo que mencionaste sobre seleccionar partes de los shows de diferentes países, ¿fue difícil llegar a un consenso sobre qué partes utilizar, o hubo alguien a cargo de elegirlas?

Sí, al final del día, esto está a cargo de la administración y negocios. Nos dan sugerencias y luego las escuchamos, o las vemos, y luego la banda discute «esto de aquí no, esto es una mierda, no quiero esto, no quiero eso». Quiero decir, el comportamiento estereotipo típico de una banda (risas). Solo tratas de satisfacer a todos y así vas avanzando. Puede imaginar que esto toma al menos uno o dos meses, solo para encontrar todos los fragmentos que le gustaría tener en el video, para que todos estén más o menos satisfechos. Honestamente, no quiero verme en el escenario cuando saco algo de mi nariz (risas). Ya sabes, si hay imágenes de Andi con un dedo en la nariz, preferiría no tenerlo en el video. Entonces, ahí vamos de nuevo, «No me gusta mi cara aquí, no me gusta mi expresión allí» y lo mismo ocurre con todos los chicos, por lo que es mucho trabajo, encontrar imágenes que dejen felices a todos.

Exacto. Entonces, principalmente tuvieron que aceptar o rechazar las partes sugeridas …

Sí, quiero decir, siempre tienes que hacer algunos sacrificios. Todo el mundo sabe lo que se está filmando, o como cuando ves una fotografía tuya y a veces simplemente no te gusta. Quiero decir, incluso si tus amigos dicen que es genial, pero no te gusta. ¿Por qué tendrías que vivir con eso si no te gusta? Entonces, ese es el desafío principal, y cuando finalmente tienes las imágenes donde todo el mundo dice «Está bien, pulgares arriba, vamos con eso, puedo vivir con eso», entonces se trata del audio. Es el audio lo suficientemente bueno, o tienes que hacer tonterías en el estudio para reemplazar ciertas guitarras, o si arruinaste tu voz aquí y tienes que volver a hacerlo en el estudio. Entonces, al final del día, si es demasiado trabajo, solo buscas otra escena y otra toma donde aún estés contento y donde el audio sea bueno. Quiero decir, es como un gran rompecabezas y créeme, definitivamente fueron dos meses de arduo trabajo para encontrar las piezas del rompecabezas que conforman un buen producto.

Sí, siendo un espectáculo tan largo también. Anunciaron que la grabación del álbum de estudio se pospondría debido a las fechas en Brasil donde reemplazarán a Megadeth en un par de semanas. ¿Cuánto afectará esto la fecha de lanzamiento del álbum de estudio?

Bueno, la fecha de lanzamiento en sí misma probablemente no se verá afectada, porque tenemos mucho margen y nos dimos la libertad de incluso escribir más canciones si es necesario. Porque, como sabes, puedes tener treinta canciones en la mesa para elegir, y descubres que son demasiado basura o demasiado rápidas o demasiado poperas, o lo que sea. Entonces, al final del día, tienes unas treinta canciones geniales sobre la mesa, pero quizás la mezcla no sería la adecuada para un álbum. Tal vez tengas que volver a tu propio estudio y tratar de sacar algunas buenas canciones nuevas en un cierto estilo que haga falta. Esto probablemente no sucederá porque ya tenemos toneladas de ideas y parece ser una gran mezcla, lo que ya tenemos. Personalmente, no veo la necesidad de reescribir o volver al estudio y escribir. Por otro lado, hago esto como un hobby, me siento en la sala de estar frente al televisor y jugueteo con la guitarra, así que no me veo dejando de escribir canciones porque es algo automático que siempre hago. Probablemente en los próximos dos o tres meses traeré otras dos, tres, cuatro o cinco canciones, no lo sé. Eso sería típico de Andi, y hablando por el resto de los chicos probablemente lo sea también. Siempre existe la posibilidad de que estés en medio de la noche y tengas «la» idea, y que te pares a las tres de la mañana, te vayas tropezando hacia el estudio y trates de grabar tu idea, o puede que no duermas entonces. Porque, si no lo haces, no podrás dormir de todos modos, porque la melodía no te dejará dormir. Ese es el destino de un músico, cuando tienes ideas de canciones en mente, no vas a dormir, no te dejará dormir. Entonces, prefieres ir al estudio, grabarlo y luego podrías dormir (risas).

Pero tienes alguna estimación, ¿saldrá en la gran primera o segunda mitad del próximo año?

Bueno, está programado y, como dije, no hay nada reprogramado. Quiero decir, sigue siendo la misma fecha, es decir a finales del verano europeo del próximo año (comienzo del segundo semestre).

¿Cómo ves el futuro de la banda luego de este álbum y la próxima gira, o es algo que van a reevaluar después de eso?

Paso a paso. Como mencionamos a la gente cuando hicimos Pumpkins United, pensamos que es una gran idea, veamos cómo funciona. Eso es lo que dijimos al principio, y resultó genial. Les dijimos a todos que haremos una gira, y si la gira es exitosa y la química se mantiene, eso es lo más importante, creo. Estamos demasiado viejos para esa mierda de subirse al escenario con gente que no te gusta. Bueno, por qué harías eso, quiero decir. Tuvimos mucho éxito con la formación de Helloween con cinco integrantes, sin los antiguos miembros. Así que ahora que los antiguos miembros han vuelto y el éxito está ahí, lo principal es la química. Honestamente, definitivamente sé que, por ejemplo, Michael Kiske no se iría de gira con nosotros si no lo disfrutara. Entonces, esta es para mí la prueba de que la química realmente está funcionando fenomenalmente. Y definitivamente estamos muy agradecidos por haber disfrutado de muchas aventuras juntos y todos están muy felices los unos con los otros. Entonces, ese es el punto principal. La química está ahí, nos llevamos bien, tal vez a veces incluso un poco demasiado como te dije, porque cuando estás de fiesta hasta las cinco o las seis de la mañana, realmente los próximos espectáculos salen dañados (risas). Pero qué se le va a hacer, si es una gran noche, todos lo saben y siguen sentados bebiendo. No deberíamos hacer eso demasiado, pero eso demuestra que la química es la correcta. Y seguimos a partir de eso, ahora viene el álbum porque la gira fue genial, y si este álbum de estudio está en la misma línea, que nos llevamos bien, que lo estamos pasando bien, que nos reímos, eso es rock and roll y seguimos adelante. Si ese no fuera el caso, hacemos este álbum, hacemos otra gira mundial y terminamos con Pumpkins United. Pero si todo va como esperamos, que la química todavía funcione, ¿por qué no deberíamos hacer eso por otros años, o hasta el final de nuestras carreras? Quiero decir, si las cosas funcionan bien, ¿por qué no?

Volviendo a la próxima gira. Con un catálogo tan amplio, hay mucho espacio para cambios en el setlist, especialmente de tu época como cantante principal. ¿Hay alguna canción en particular que te gustaría incluir en el futuro?

Bueno, desde mi época definitivamente me encantaría cantar por primera vez canciones como «Kill It» o una canción que siempre me encanta cantar y que no hemos tocado durante al menos doce años que es «Push» de «Better Than Raw». Hay tantas canciones para elegir, «Hey Lord» siempre funciona muy bien con el público. Entonces, de mi época definitivamente hay otras seis, siete canciones que realmente me encantan y que definitivamente me gustaría cantar en vivo. Pero, si es que encajarían con el resto de las canciones, no lo sé. Estimaría que el cincuenta a sesenta por ciento del setlist de la próxima gira será completamente renovado, nuevas canciones más las canciones «imprescindibles». Como sabes, siempre existe la exigencia de que toquemos canciones como «Future World», «I Want Out» o «Power». Estas canciones tienen que estar, de lo contrario, probablemente te sacarán a patadas del escenario (risas). Entonces, hay ciertas canciones que tienes que tocar, y queremos tocarlas, definitivamente las tocaremos. Pero creo que el sesenta por ciento de todo lo que escucharon en la última gira va a cambiar con diferentes canciones. De todos modos, hay mucho para elegir, por lo que no deberíamos tener ningún problema.

Me alegra que hayas mencionado canciones de «Better Than Raw», uno de mis álbumes favoritos de Helloween, porque eso fue algo que extrañé en la última gira …

Definitivamente es difícil armar el setlist entre todos. Quiero decir, la última gira fue una gran selección, pero solo puedes tocar tres horas. Un show más largo sería muy agotador para la gente, ni hablar de la banda. Quiero decir, tienes que ver a nuestro baterista Danny, que tiene que tocar tres horas, no hay un segundo baterista. O Markus en el bajo, definitivamente está tres horas tocando el bajo constantemente. Para los guitarristas, podrían decir fácilmente, ya sabes, me siento cansado, me voy. Dos guitarras son todavía suficientes para tocar una canción, como solía ser antes. Pero para el bajista y baterista no tienen otra oportunidad que tocar por tres horas. Entonces, eso es pesado, me refiero al baterista Danny, que a veces realmente me preocupó, porque entre bastidores se estaba rompiendo por completo y necesitaba hielo para que sus músculos volvieran a funcionar. Entonces sabes que tienes otro show al otro día, entonces definitivamente te sientes muy mal por ese tipo. Bueno, él hizo un gran trabajo, quiero decir, no sé cómo sea capaz de eso. Es un milagro, siempre toca muy bien, incluso si el último show fue muy exigente y realmente pensaste que en el próximo concierto no podría tocar, y siguió tocando. Pero como digo, esto es algo que siempre debes tener en cuenta, ya que no es tan fácil para el resto de los chicos como lo es para Michael y para mí.

Tal vez un poco vinculado a eso, desde que se anunció la reunión, algunas personas señalaron el hecho de que Roland Grapow y Uli Kusch no formen parte de ella. ¿Hablaron sobre esto en algún momento, cuáles son las razones para eso y cuál es el estado de su relación con ellos?

Honestamente, nunca hicimos de esto un gran secreto. Tuvieron que abandonar la banda porque nos traicionaron. Es triste, pero esa es la verdad. Y no me gustaría estar en el escenario con algunas calabazas sucias, si entiendes a lo que me refiero. Entonces, estos muchachos han demostrado que no son de confiar, realmente comenzaron chanchullos y traicionaron a la banda en su momento. Tuvieron que irse porque la confianza se había acabado. ¿Y por qué invitaría a vegetales podridos al escenario? Lo siento mucho. Me dolió mucho, porque Roland era un supuesto amigo mío, y realmente pensé que lo era. Para mí, fue como si el mundo se rompiera cuando me di cuenta de que traicionó a la banda, y me traicionó a mí mismo. Entonces, ¿por qué invitaría a personas que tuvieron que abandonar la banda porque no eran buenas calabazas?

Sí, es realmente triste escuchar eso. Pero estoy muy contento de que los muchachos que están de gira y grabando este álbum se llevan muy bien y disfrutan lo que están haciendo. Y quiero agradecerles, porque este fue un verdadero regalo para todos los fanáticos de Helloween. He sido fanático de Helloween desde la secundaria y nunca pensé que los vería juntos, aunque me encantaban los shows antes de la reunión, pero este fue un sueño hecho realidad para muchos fanáticos. Entonces, quería agradecerles en nombre de todos los fanáticos de Helloween en todo el mundo.

Aprecio mucho tus palabras, muchas gracias. Lo mismo de vuelta para ustedes, porque también hicieron realidad un sueño para nosotros. Solo esperábamos poder unir a las distintas generaciones, pero nunca se sabe si funcionará o no. Pero lo hizo, así que de repente teníamos mi generación en la sala de conciertos, teníamos a la generación de mi hijo en la sala de conciertos, y esto es como un sueño hecho realidad para todos. Entonces, parece que hicimos lo correcto (risas).

Definitivamente. Creo que he cubierto todas mis preguntas. No sé si quieres agregar algún mensaje o simplemente saludar a tus fans …

Sí, solo saludar a todos los grandes fanáticos de la calabaza. Definitivamente tengo muchas ganas de seguir y no puedo esperar para la próxima gira, porque las giras siempre son geniales. Ahora se viene el proceso aburrido en estudio (risas), que siempre es lo mismo. Comienzas escribiendo canciones, que es tu pasatiempo, y realmente te gustan, y cuando tienes una gran idea, es realmente divertido. Pero luego, debes tomar esa canción que te encanta y volver a grabarla en el estudio. Cada pedazo y segmento, cada átomo se verifica dos veces, y luego se convierte en un trabajo. Eso es lo triste de eso. Me encantaría estar de vuelta en los años 60 donde solo caminabas en el estudio, grababas en vivo y eso es todo, ya sabes.

La segunda década del siglo XXI está cerrando con Sabaton a la cabeza del metal europeo, una banda que ha construido una popularidad sin precedentes para una banda melódica, a costa de un Heavy Metal simple pero que identifica a muchísimos por su trasfondo histórico.

Así, con el lanzamiento de The Great War, basado de lleno en sucesos de la Primera Guerra Mundial, el grupo responde a sus fanáticos con un trabajo que los lleva a lo más alto en términos de ventas y convocatoria.

El bajista y manager de Sabaton, Pär Sundström, tiene planes para extender este momento a otros lados del mundo, y por eso se da el tiempo de responder las preguntas de PowerMetal.cl, reproducidas a continuación.

Por Jorge Ciudad

 

Pär, los fanáticos saben muy bien qué esperar de un trabajo de Sabaton, y con The Great War -basado exclusivamente en la Primera Guerra Mundial- no hay excepción, ya que si bien es de un tono un tanto más épico en sus arreglos, capas y producción, muestra con mucho orgullo los principales trademarks que ustedes vienen desplegando desde hace mucho tiempo. ¿Cuánto cuesta mantener esa consistencia después de tantos años defendiendo un estilo?

Ok, o sea… bueno, primero que todo los fans de Sabaton ya saben un poco lo que pueden esperar de nosotros. No somos una banda que los vamos a tomar completamente por sorpresa o despertarlos a todos de la forma más horrible, dejarlos en shock y decir «OK, aquí tenemos algo completamente nuevo». Sabaton es una banda en la que pueden confiar, que cada vez que sale un álbum de Sabaton, será lo que uno espera y, al mismo tiempo, traerá algo nuevo que podrás descubrir. Definitivamente creo que el disco nuevo se dirige por ese camino y… OK, cuando lo terminamos de grabar no teníamos tanta información sobre lo que las personas irían a decir o a pensar, o si les iría a gustar, y ese tipo de cosas. Pero ahora, que hemos presentado el trabajo a tanta gente, nos sentimos muy seguros del disco. Fácilmente puedo decirles a todos que no se asusten si escuchan un nuevo material de Sabaton, puesto que se verán satisfechos. Pienso que de alguna forma mantiene la misma línea de The Last Stand por ejemplo, pero también hace una retrospectiva al concepto de Carolus Rex y al estilo de composición de The Art of War, así que tiene todo lo que a los fanáticos le gusta.

En todo caso, fue una movida bien arriesgada el promocionar un video con un tema que no sería parte del disco The Great War, a solo semanas de lanzarlo. Me refiero al corte Bismarck, basado en la Segunda Guerra Mundial. ¿Cómo surgió esta idea y cuánto representa a la etapa actual de la banda?

No sé si la canción Bismarck es representativa del álbum, pero sí es una canción representativa de Sabaton. Es distinta a las canciones del álbum. Musicalmente hablando, claro que la pudimos haber puesto en el disco pero no podíamos hacerlo, debido a la temática de las letras, porque la temática de las letras de Bismarck no son de la Primera Guerra Mundial. Ahora, de verdad pienso que se trata de una canción muy buena, y la forma en que queríamos presentarla fue tirarla sin aviso e impactar un poco a la gente. La pensamos como un regalo, por los 20 años de Sabaton, y nos preguntamos qué podíamos darles a nuestros fans como una muestra de agradecimiento por todo el apoyo. Lo pensamos así y una manera fue el entregarles una canción, ¡ya que si algo quiere la fanaticada de Sabaton es más música! Por eso les regalamos una canción… y también, cuando hablamos sobre qué tipo de temáticas íbamos a poner, simplemente nos fuimos por el request más pedido de todos los tiempos por parte de los fanáticos de Sabaton (risas). Y bueno… las temáticas más pedidas han sido… por supuesto, Star Wars (risas), aunque optamos por no hacer letras sobre Star Wars, pero sí del segundo tópico más pedido, que era sobre el acorazado Bismarck (risas).

“SI NO TIENES TIEMPO PARA CONVERSAR CON TUS FANS, DILES MEJOR QUE NO TE PREOCUPAS POR ELLOS EN LUGAR DE ANDAR POR AHÍ MINTIENDO A CADA RATO”

Una cosa que he notado es que siempre tienen en consideración la opinión del público. Han hecho llamados a que les envíen ideas para letras de discos y varias veces han dicho que algunas de ellas han terminado en más de alguna canción. ¿Cómo describirías esta relación y cuán importantes son sus seguidores en el éxito tan grande que ha tenido Sabaton?

Diría que los fanáticos son extremadamente importantes. Cada banda dirá exactamente lo mismo, que no son nada sin los fans y por supuesto que es verdad, pero después muchos grupos dirán que les importa una… o sea, no te lo van a reconocer, salvo que seas muy cercano a ellos y te digan que no se interesan por los fans, que solo hacen lo que quieren. Quizás esa sea una diferencia entre ellos y nosotros. Mira, hace varios años empecé a contestar a todo y cada uno de los fanmails que nos llegaban, y varios músicos me comenzaron a tirar mierda diciendo que era un tarado…  los fans se ponían tan felices por el hecho de que Sabaton les respondiera los correos, y las bandas que no lo hacían me decían que era un idiota porque contestaba los emails de los fanáticos, ¡porque le ponía presión a otros conjuntos para que hicieran lo mismo! ¡Esas bandas se me acercaron diciéndome que era un estúpido porque los estaba obligando a responder a todos sus fanáticos! Y les comenté que… “bueno, si quieren deben darse el tiempo y hacerlo”. Luego andaban como “ya, ya, pero nos va a quitar mucho tiempo”, y yo “¿¡pero cómo!?, si yo me hago el tiempo… soy el manager de una banda, toco en una banda, salgo de gira más que ustedes y, así y todo, aún tengo tiempo para responder todos los correos de los fanáticos. Así que, en serio, si no tienes tiempo para conversar con tus fans, diles mejor que no te preocupas por ellos en lugar de andar por ahí mintiendo a cada rato”.

Ahora que lo dices Pär, me interesé por Sabaton hace casi 10 años, gracias a un amigo que me dijo que les envío un email a ustedes con una idea para unas letras, quizás para el Coat of Arms, y estaba muy contento porque una de las canciones de este trabajo era sobre un hecho que él les había pedido que consideraran. Estoy seguro de que él no habrá sido el único en proponer ideas para ese tema en particular, pero me pareció increíble lo que me había dicho…

Mira tú, me alegra saberlo, y puedes imaginarte que había de esas bandas que… ya no muchas en realidad, porque han despertado y entendido la importancia de las redes sociales y la comunicación con el público. ¿Pero puedes imaginarte esto?, que había muchas bandas que estaban como enojadas conmigo, o que hasta llegaron a amenazarme porque yo contestaba los correos de las personas, y respondía los mails de los fanáticos, y luego recibía amenazas de otras bandas porque decían “no queremos esta mierda de hablar con los estúpidos fans, ¡porque siempre hacen las mismas preguntas estúpidas!”. ¿Te lo puedes imaginar?, ¡y yo les decía que los fans hacen las preguntas porque quieren las respuestas! No son preguntas tontas, no, sino preguntas simples. Nadie en el mundo tiene el tiempo ni el interés de hacer preguntas tontas, solo hacen preguntas, y si las contestas, estarán felices. Y después me llegaban todas estas amenazas tipo “no, no entiendes nada, eres un newbie en la industria de la música y no sabes nada de lo que estás haciendo”. Mucha gente estaba enojada conmigo en ese entonces. Ahora me parece que la mayoría lo hace, pero hubo un momento cuando todas estas otras bandas me tiraban basura y… por supuesto, yo seguí con el grupo y mejor dejé de preocuparme por los demás.

FOCO EN LA HISTORIA DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL

Con The Great War vuelven a tocar de lleno y de forma exclusiva historias militares del siglo XX, luego de haber sacado un Carolus Rex basado en hechos de hace más de 300 años, y un The Last Stand que se aventuraba por varias culturas y épocas de la historia de la humanidad en cuanto a guerras y conflictos. ¿Cuánto les sirvieron esos discos para volver a entusiasmarse con temáticas relacionadas al siglo pasado, como la Primera Guerra Mundial? ¿Cuán saludables fueron esas «pausas»?

Mucho. Por supuesto que fue muy saludable retroceder y avanzar un poco en el curso de la Historia con algunos de los lanzamientos anteriores. Creo que con The Last Stand abrimos un abanico muy grande de opciones para adentrarnos distintos tipos de relatos. ¿Y sabes?, ahora nos encerramos nosotros mismos dentro de una caja cuando decidimos hacer un álbum sobre la Gran Guerra, porque nos estábamos enfocando a un período de solo cuatro años, y durante ese período de cuatro años… claro, hay toneladas de invenciones militares, tantas cosas que estaban cambiando por la guerra, aunque al mismo tiempo, no es un transcurso lo suficientemente largo como para cambiar el “vocabulario” que estamos utilizando para el álbum. No podemos usar palabras como “sword” y, ya sabes, no podemos unir palabras como “knights” y “swords” y cosas por el estilo (risas). Ahora nos concentramos en la Primera Guerra Mundial, por lo que el glosario con el que contamos es muy específico, y nos restringimos un poco, lo que es un desafío muy grande. En cambio, cuando estábamos haciendo el The Last Stand, el asunto era mucho más sencillo dado que cada canción se inspiraba en un setting distinto, en una etapa distinta de la Historia, y eso nos permitía ampliar el vocabulario o glosario. Lo mismo cuando estábamos haciendo el Carolus Rex, disco con el que hablamos de otro período en la historia y… claro, la cosa era bastante distinta en esa época, además de enfocarnos harto en el aspecto religioso de ese entonces.

Ahora, hay una versión del nuevo disco que se llama The Great War: History Edition, que junto con tener notas aparte sobre el trasfondo de las letras, tiene narraciones que te ponen en contexto de las historias de cada canción. No solo eso, hace poco tienen este Patreon conocido como Sabaton History Channel, donde detallan los sucesos de los cuales cantan en varios de sus temas. ¿Cuán importante es para ustedes esta faceta?

Evidente, partimos como una simple banda de Heavy Metal, y aún somos una banda de Heavy Metal, pero con una parte letrística que trata sobre la Historia, aspecto que cada día toma más y más espacio en nosotros. Por eso comenzamos hace un tiempo con nuestro Sabaton History Channel, con el fin de narrar con mayor profundidad las temáticas de estas canciones. Cada una tiene un trasfondo fantástico y por eso decidimos hacerlas en su momento, y ahora somos capaces de compartir todo eso con nuestros fanáticos. Haber lanzado el Sabaton History Channel creo que ha sido de las cosas más importantes que hemos hecho en mucho tiempo, y el proyecto me entusiasma enormemente. En los años venideros vamos a continuar desarrollando el Sabaton History Channel, si logramos mantener el apoyo y el aporte de la gente. Hasta ahora, hemos visto que las personas están muy entusiasmadas con la idea, y espero que continuemos con los videos. Se trata de un proyecto bastante grande en realidad, en el que trabaja harta gente. Pareciera que fuera muy sencillo, con unas pocas personas como yo, Joakim o Indy (Neidell), pero lo cierto es que hay como una decena de profesionales trabajando cada episodio. Hay mucho esfuerzo para que se vea y se escuche con la calidad que tienen los videos.

TRAS 20 AÑOS SOSTENIENDO EL ESTILO DE SABATON. “AÚN PODEMOS CREAR CANCIONES NUEVAS QUE SEAN GRANDIOSAS, Y ESO ES ALGO QUE AGRADEZCO MUCHÍSIMO”

Y bueno, ahora hablando del nuevo integrante… o sea, no nuevo integrante ya que Tommy Johansoon es parte de Sabaton desde 2016, y ha girado con ustedes muchísimo, incluyendo la última visita a Chile y Sudamérica. Sin embargo, The Great War es el primer trabajo que graban con él en las guitarras. Y no solo es un buen guitarrista, sino además un gran cantante, un muy buen compositor y, por último, un reconocido fan de la banda. ¿Cómo describirías su input en el grupo y en la producción?

Sí, ya sabíamos, cuando se integró a la banda, que no solo estábamos consiguiendo a un nuevo guitarrista, sino que estábamos consiguiendo un montón de otras cosas. Ya le habíamos pedido a Tommy que se nos uniera en 2012, y no quiso en ese minuto, pero cambió de parecer hace unos años cuando tuvo una segunda oportunidad. Tommy es un gran sujeto y claro que queríamos que tuviera un input en la composición de The Great War, y lo hizo. La canción A Ghost in the Trenches se basa de hecho en una idea de Tommy. Y bueno, desde que Tommy se unió al grupo… de seguro que aún le fascina nuestra música, como seguidor, pero en realidad ya no es un fan de la banda propiamente tal, ya que ahora es parte de ella (risas). Aunque claro, cuando se unió era un gran seguidor del conjunto y buscaba hacer tributo a… como “vaya, soy parte de esta gran agrupación con la que crecí escuchándola”, pero su actitud ha ido cambiando, y ahora se siente muy cómodo con la noción de que es parte de la banda.

Si no me equivoco, The Great War fue mezclado por el ingeniero y productor Jonas Kjellgren… mi pregunta es: ¿qué pasó esta vez con Peter Tägtgren quien venía produciendo todas las entregas de Sabaton desde al menos Attero Dominatus?

OK, la cosa es la siguiente: conviven en el mismo edificio, Jonas y Peter, y hemos trabajado ya con Jonas desde hace un tiempo en realidad, pese a estar trabajando con Peter como productor. Sin embargo, Jonas jamás había hecho un disco completo para nosotros, sino partes, a veces ayudándonos con covers, o producciones en vivo. De hecho, fue gracias al cover que nos grabó de Manowar, Kingdom Come, para el juego Kingdom Come: Deliverance, porque muchas personas dijeron “vaya, ¡suena increíble!, vaya, ¡grandioso!”, y como que comenzamos a pensarlo, si a la gente le gustaba ese sonido, ¿por qué no intentábamos hacer un álbum completo con Jonas y ver si a los seguidores les gustaba? A decir verdad, nos da mucha curiosidad lo que vayan a pesar los fanáticos del sonido de The Great War. La canción Bismarck también fue mezclada por Jonas, aunque en un momento anterior al trabajo de The Great War en el estudio. Bismarck de hecho la grabamos el año pasado, durante el verano de 2018, y pasó un buen tiempo hasta que pudimos lanzarla, por la idea de hacer un video clip para el tema.

Y ya que volvimos a Bismarck, una canción épica bajo los preceptos de Sabaton, ¿qué evolución distingues entre canciones épicas antiguas de ustedes como Wolfpack del Primo Victoria o Rise of Evil del Attero Dominatus y otras más recientes como ésta? Todas estas pistas mantienen el estilo, pero se distingue una evolución, ¿o no? 

OK, hm… desde Wolfpack hasta Bismarck… mira, me alegra que exista una evolución, pero no queremos que la banda evolucione tan rápido, por lo que… a ver, la diferencia entre esas canciones… claro, un poco en cuanto al audio, pero si hablamos de la composición, pienso que ya había muy buenos temas escritos en la época del primer álbum, Primo Victoria, y hay un motivo por el cual algunas de esas canciones siguen funcionando y las personas aun quieran escucharlas en vivo, ¡simplemente porque eran muy buenas composiciones! Y te lo digo: me alegra que podamos seguir componiendo buenas canciones y que la gente quiera que toquemos material nuevo cuando salimos de gira, y no solamente repertorio de lanzamientos pasados. Cada vez que tenemos una nueva canción que escribimos y que suena realmente bien, y que a los fans de verdad le gusta, nos recuerda que todavía somos capaces de continuar por este camino, y que aún podemos crear canciones nuevas que sean grandiosas, y eso es algo que agradezco muchísimo.  Sé que hay muchas bandas por ahí que ya no pueden entregar buenos temas y que tienen que confiar en tocar solo cosas antiguas, porque cuando salen de gira los fans no quieren escuchar material de un nuevo lanzamiento. Agradezco que, ya sabes, seamos capaces de crear buen material y podamos tocarlo en los tours.

“ESTAMOS TRATANDO DE VER CÓMO PODEMOS CRECER EN SUDAMÉRICA”

Sabaton debe ser la banda melódica más exitosa de Europa en estos años, en venta de discos y entradas para conciertos. Son terriblemente populares en lugares como Alemania o Polonia, y encabezan festivales por todo el Viejo Continente. Ahora, en Norteamérica van muy seguido de gira, y están construyendo una base muy respetable, pero en otros lugares como Sudamérica, donde ya han venido un par de veces, actúan en lugares más pequeños. ¿Cómo explicarías este fenómeno y cómo lo reciben ustedes?

Ok, mira, me fascina la dinámica que esto genera en la banda, que salga de esta manera que comentas, que podamos hacer estos shows más grandes y, al mismo tiempo, podamos hacer estos que son más pequeños, lo que me parece fabuloso, pues logramos esta dinámica que hace que sea más entretenido girar por todo el mundo. Sin embargo, hay lugares en los que estamos creciendo. Cierto, no hemos ido a Chile desde hace un rato, pero en Norteamérica sin duda que estamos repuntando, y en la gira que se viene estamos llenando recintos más grandes que nunca en Estados Unidos. Definitivamente que la cosa se está tomando vuelo allá, y diría que solo está dos años detrás de los conciertos en Europa. Para Sudamérica, es algo diferente, aún estamos bastante lejos y estamos tratando de ver cómo podemos crecer en Sudamérica. A pesar de eso, nos gusta tocar en clubes más pequeños porque trae consigo una dinámica tremendamente distinta en vivo.

Sabaton vino a Chile el 2014 en promoción de Heroes, y el 2016 a meses de haber lanzado The Last Stand. ¿Cuáles son tus recuerdos de esas visitas?

Lo que recuerdo de Chile es la hospitalidad de las personas, desde la primera vez que aterrizamos en tu país hasta que nos fuimos. La gente es muy agradable, amistosa y cálida, y también me acuerdo de lo emocionadas que estaban las personas cuando nos contaban que nos habían esperado por tanto tiempo, y que como nos íbamos muy seguido, nada los detendría para ir a vernos. Ese tipo de cosas son increíbles, en serio. Cuando tocamos en Londres… todos es Londres dicen “Ok, puedo ir al concierto de Sabaton esta noche o mejor a cualquiera de los otros cinco o diez grupos que están tocando ahora mismo acá, y si no veo a Sabaton, de seguro los veré el próximo año, y si no vuelven a Londres simplemente tomo un vuelo a una ciudad cercana y listo”. Como que la gente en Europa está un poco acostumbrada o “mimada”, y eso es lo que percibimos cuando fuimos a tocar a Sudamérica por primera vez. Cuando llegamos a Chile… por supuesto, vimos que los seguidores eran muy devotos, lo que claramente es fabuloso verlo de esa manera.

Muchas gracias Pär por tu tiempo y ganas de conversar con los metaleros chilenos. ¿Quieres dejar un mensaje o algún anuncio?

Queremos girar con The Great Tour por todos lados, y queremos llevarlo también a Chile. Constantemente estamos en la búsqueda de opciones para hacerlo, cómo hacerlo y cuándo hacerlo. Podría… no quisiera decir o adelantar un “oh, vamos ahora” o algo por el estilo, pero no piensen que Sabaton se ha olvidado de ustedes, ya que estamos haciendo planes.

Desde el lanzamiento de su celebradísimo álbum debut “Glory to the Brave” en 1997, HammerFall se ha mantenido por más de veinte años como uno de los estandartes del Heavy Metal de corte clásico. En un par de semanas los suecos lanzarán su undécima placa de estudio “Dominion”, segunda bajo el alero de Napalm Records y también la segunda con la formación actual compuesta por Oscar Dronjak (guitarra), Joacim Cans (voz), Fredrik Larsson (bajo), Pontus Norgren (guitarra) y David Wallin (batería).

Tuvimos la oportunidad de conversar en forma extendida con el fundador, guitarrista y principal compositor de la banda, el multifacético Oscar Dronjak. Oscar nos contó con lujo de detalles algunos aspectos del proceso creativo de “Dominion” y del tour que acompañará este lanzamiento. También nos comentó su visión sobre la escena metalera sueca y algunos recuerdos de sus visitas a nuestro país. Incluso se tomó el tiempo para conversar sobre algunos de sus pasatiempos como la Lucha Libre y la lectura.

Su undécimo álbum de estudio «Dominion» estará prontamente disponible. Ya tuve la oportunidad de escucharlo y debo decir que es un álbum muy sólido. ¿Cómo describirías el concepto y el sonido del álbum a tus fans?

No es realmente un concepto ni nada, siempre tratamos de hacer el mejor álbum de Heavy Metal que podamos. Creo que en esta ocasión, comparado con el último álbum, donde el proceso de composición fue realmente estresante, esta vez tuvimos mucho más tiempo en nuestras manos. Comenzamos a escribir antes, cambiamos un poco el enfoque de la composición de canciones y tratamos de darnos el tiempo para incluir todos los detalles necesarios. Creo que esa es una parte muy importante de por qué este álbum suena de esta manera. En este momento, para es difícil hablar en detalle sobre cómo suena este álbum porque todavía está muy fresco en mi mente, pero tengo la sensación de que este álbum será recordado durante mucho tiempo como uno de los hitos de HammerFall. Eso es lo que siento en estos momentos.

Por lo que entendí esta vez también escribieron algo de material durante las giras. ¿Crees que esto afectó el resultado del álbum?

Definitivamente sí. Es algo que siempre había dicho que nunca podría hacer, pensaba que era algo imposible y que no funcionaría para mí de esa manera. Pero una vez que lo intenté, me di cuenta de que cuando alcanzas ese nivel de adrenalina al estar en el escenario, ese estado te dura un par de horas de todos modos, independientemente de lo que hagas después del concierto. Entonces, traté de usar esa energía y esa adrenalina para crear algo y descubrí que, aunque no siempre es fácil, generalmente puedes acceder un modo creativo cuando vienes desde tocar en el escenario, entrando en un modo de composición. Es una de las cosas que jamás pensé que funcionaría, pero funcionó más allá de lo que hubiese imaginado, así que estoy muy contento con eso.

También me impresionó mucho la carátula del álbum. Las portadas de HammerFall siempre han sido fascinantes, pero creo que esta podría ser una de las mejores hasta ahora. ¿Hubo alguna razón por la cual decidieron volver a trabajar con Sam Didier?

Bueno, desde que Sam hizo su primera portada para nosotros en 2002 (la de Crimson Thunder), él ha estado involucrado de una forma u otra en cada álbum. En los últimos dos obviamente no fue el creador de la portada, pero sí hizo las carátulas de los sencillos “Bushido” y “Hammer High”. Esta vez decidimos de manera temprana que lo usaríamos nuevamente para la carátula del álbum. Él trabaja en Blizzard Entertainment en California y fuimos a visitarlo a su lugar de trabajo, creo que fue en enero del año pasado. Allí tienen muchos juegos, diseños y todo tipo de cosas en las paredes. Fue realmente genial estar ahí y ver todas las cosas diferentes que tenían, ya que ellos han trabajado haciendo juegos durante más de treinta años. Entonces, vimos uno de los diseños colgados en las paredes y creo que Sam nos dijo un poco en broma que «cuándo vamos a tener un Héctor malvado» o algo así. Y con Joacim pensamos, espera un minuto, no está nada mal, ya sabes, es una idea genial. Entonces, basamos la idea en ese diseño, y aunque al final son completamente diferentes, de ahí surgió la idea. Creo que Sam se lo pasó muy bien diseñando la portada del álbum esta vez, además de hacer las portadas para los singles «(We Make) Sweden Rock», y el próximo single que será «Dominion», que saldrá en un par de semanas o algo así. Entonces, él se ha hecho cargo de casi todo el arte en este lanzamiento, y creo que se ajusta a la perfección, tal como debería ser.

Mencionaste el primer sencillo «(We Make) Sweden Rock» y creo que es un tributo fenomenal a la escena sueca del Rock y el Metal. ¿Puedes contarnos qué los inspiró para escribir esta canción?

Fue idea de Joacim. Él lo planeó todo, desde cuál sería la idea de la canción hasta el video, cómo se suponía que debería ser. Yo inmediatamente me motivé con eso, creo que fue una gran idea. Pienso que es definitivamente algo dignificante tanto para HammerFall como para las bandas a las que rendimos homenaje en la canción. Lo bueno de la letra es que todas las frases son referencias al título de una canción o de un álbum, o simplemente una frase clave o algo que te recuerde o describe a estos artistas que están allí. Creo que son trece referencias a bandas en esa canción, pero para el video obviamente trece no era suficiente, así que decidimos agregar tantas fotos de bandas suecas como pudimos. No estoy seguro, se nos habrán pasado algunas tal vez, pero en su mayoría incluimos a todas las grandes bandas suecas de la historia. Todos nosotros juntos somos los que hacemos rockear a Suecia, y deberíamos estar orgullosos de la poderosa fuerza que Suecia se ha convertido en la escena metalera.

Es realmente sorprendente cómo un país relativamente pequeño como Suecia sigue produciendo excelentes bandas de Metal que logran reconocimiento internacional. ¿Cuál crees que es la clave de este éxito?

Realmente no sé la razón por la cual sucede esto, pero tengo algunas ideas de cosas que podrían haber ayudado. Una cosa es que tenemos una fuerte tradición musical en Suecia, y que ha estado presente durante los últimos treinta o cuarenta años, tal vez incluso más que eso, y que proviene del gobierno local y nacional. Ellos alientan a las personas a tocar música, lo que siempre es útil para que comiencen las bandas, aprendes a tocar un instrumento, sea lo que sea. No tiene que ser una banda de rock, no solamente una batería o una guitarra, puede ser una trompeta, un saxofón o un clarinete también, lo que sea. La gente es motivada desde pequeños a tocar música. Eso es definitivamente una cosa. Pero también pienso algo, y es una de las razones por las cuales estoy tan orgulloso de las bandas suecas, es que se destacan no solo por crear y difundir su música en todo el mundo, sino que también por la individualidad de cada banda. Porque si nos fijamos en bandas como Steel, Sabaton, HammerFall, At the Gates, Dark Tranquility, In Flames, Meshuggah, Backyard Babies, Evergrey, Hardcore Superstar, ya sabes, la lista sigue y sigue. Todas estas bandas tienen una cosa en común, y es que no suenan igual la una a la otra, suenan completamente únicas, exactamente como esa única banda. Y no sé por qué pasará eso, pero es algo muy importante que los músicos tengan el espíritu individual para crear algo propio y que no suenen como los otros.

Estoy de acuerdo con eso. Mientras escuchaba «Dominion», pude distinguir muchas influencias de bandas de Metal ochentero en tus riffs, incluso más que en discos anteriores. No sé si estarás de acuerdo con esta afirmación, ¿Crees que fue algo consciente o es parte de tu ADN como músico?

Bueno, para mi hay muy pocas decisiones conscientes cuando se trata de escribir canciones para HammerFall. Por supuesto, trato de orientar el álbum en cierta dirección, cuando se trata de no tener demasiadas canciones rápidas, o demasiadas canciones lentas, para darle diversidad y la variedad a las composiciones. Pero, en cuanto a lo que mencionas sobre los riffs que suenan más como el Metal de los 80, eso es solo una coincidencia, simplemente sucedió así. Tal vez sea porque compuse durante la gira, y estaba de buen humor, en un lugar agradable creativamente hablando, escribiendo mucha música. Tal vez porque aún escucho a esas bandas clásicas, o tal vez porque me sentía bien cuando estaba componiendo. Estaba libre de estrés, solo escribía por diversión, como cuando amas lo que estás haciendo. Con «Built to Last», durante los últimos meses funcionamos como una fábrica, tuvimos que escribir las canciones rápidamente y cuando terminábamos una, no podíamos disfrutarlo realmente, teníamos que dejarla de lado y pasar a la siguiente, ya que debíamos tener las composiciones listas antes de comenzar a grabar el disco. Para este álbum, finalizamos las canciones un par de meses antes de que comenzaran las grabaciones, por lo que fue un proceso libre de estrés en ese sentido, ya que podía escribir canciones basadas en lo que estaba sintiendo, y eso siempre es útil. Así es como escribo mi mejor música.

Definitivamente. Creo además que la voz de Joacim es más potente que nunca hoy en día, aunque han hecho giras durante más de veinte años. Lo hemos visto correr maratones mientras tú bebes cerveza a un lado (risas). ¿Cuál es tu secreto para mantenerte en forma y creativo?

No lo sé. Creo que es porque cuando comencé la banda en 1993 tenía en mente una sola cosa: Quería tocar la música que amo. Es tan simple como eso, de verdad. He tenido el lujo y la oportunidad de poder tocar la música que amo, tener libertad creativa durante veintidós años o incluso más, si cuentas el periodo en que escribimos «Glory to the Brave». Entonces, para mí, es solo hacer lo que amo, y mientras me divierta tanto como lo hago con esto, y lo sigo amando tanto como siempre, siempre tendré el impulso de crear nueva música.

«Dominion» es su segundo lanzamiento con Napalm Records, pero a la vez Nuclear Blast está reeditando su catálogo anterior. Quería saber qué tan involucrados están en esas reediciones.

A veces no nos preguntan nada, ya sabes. Acabo de recibir un paquete hace un par de meses con los primeros cinco álbumes relanzados en vinilo bajo la etiqueta Back on Black. No sabía nada sobre eso, era algo completamente nuevo para mí. Pero cuando se lanzan las ediciones de vigésimo aniversario, como lo hemos hecho con «Glory to the Brave» y «Legacy of Kings», y como lo haremos para «Renegade» el próximo año, entonces nos involucrados mucho en todos los detalles, por supuesto.

Entonces, están trabajando con Nuclear Blast para más ediciones especiales…

Oscar: Sí, ellos todavía tienen todo nuestro catálogo inicial bajo contrato, y me gusta el hecho de que quieran hacer algo con él. Si hay algo que definitivamente puedo decir de ellos, es que son muy creativos para encontrar nuevas formas de hacer las cosas. Los relanzamientos conmemorativos que hicimos para «Glory to the Brave» y «Legacy of Kings» tratamos de hacerlos para aquellos que han sido fanáticos desde que salieron esos álbumes, los que estuvieron allí y nos apoyaron desde el principio. Intentamos darles algo extra especial, no solamente otro relanzamiento remasterizado y lo que sea. Intentamos poner material que no pudieran encontrar en ningún otro lado, cosas que teníamos en nuestros propios archivos, para que valiera la pena comprarlo. Y desde nuestra parte, por supuesto, es una muestra de agradecimiento a ustedes por ser tan fieles seguidores a lo largo de los años.

Eso es genial desde la perspectiva de un fanático. Hablemos de la gira de «Dominion». Actualmente están tocando en algunos festivales de verano europeos, luego se dirigen a Colombia, recorren Norteamérica con Sabaton y vuelven a Europa Central. ¿Hay alguna posibilidad de verlos en el resto de Sudamérica o en Escandinavia en el corto plazo?

Oscar: Estoy cien por ciento seguro de que volveremos a Sudamérica, pero no junto con las fechas colombianas. Esos fueron conciertos aislados y se agendaron hace aproximadamente un año, hace mucho tiempo. Entonces, esa fue una cosa separada. Seguro que volveremos a Sudamérica, probablemente el próximo otoño europeo (segundo semestre del año 2020) o algo así. No tengo idea de cuándo exactamente, tenemos que comenzar a discutirlo, pero seguramente sucederá. En lo que respecta a Escandinavia, tenemos planes para principios del próximo año. La gira europea es en febrero, por lo que lo más probable es que ocurra en marzo o abril. En eso estamos ahora, tenemos planes e ideas, pero nada está confirmado o agendado.

Con once álbumes de estudio y tantos clásicos, debe ser realmente difícil construir el setlist hoy en día, especialmente cuando tocan un set más corto en un festival. ¿Qué tipo de criterio usan para decidir qué canciones tocar en vivo?

Oscar: Depende del festival. Por ejemplo, acabamos de estar en el Graspop, en Bélgica, donde tocamos solo cuarenta y cinco minutos y además bastante temprano durante el día. En ese caso supusimos que la mayoría de las personas que están allí no nos han visto antes, o al menos no están tan familiarizado con HammerFall como para ir a todos los shows que hacemos. Entonces, decidimos que solo interpretaríamos las canciones más importantes, por así decirlo. Pero cuando se trata de armar un setlist de noventa minutos como cabeza de cartel en un festival, la cosa es totalmente diferente. En ese caso podemos divertirnos un poco más y jugar un con el setlist. Pero en general, tenemos ensayada una lista de canciones de noventa minutos y luego, dependiendo de la cantidad de tiempo que tengamos para cada festival, simplemente la reducimos. Y tienes razón, cada vez es más difícil elegir, pero lo prefiero de esa manera a que si fuera al revés.

En 2014 tocaron «Glory to the Brave» completo para el aniversario 25 de Wacken. ¿Han considerado volver a hacer esto en el futuro con algún otro álbum?

Oscar: No, en realidad no. En aquel entonces veníamos saliendo de un largo receso. Queríamos hacer algo especial para el show de Wacken, por supuesto, pero también no teníamos un terreno tan sólido en el que pararnos al estar saliendo de este descanso. Esto también fue antes del lanzamiento de «(r)Evolution», por lo que tampoco podíamos tocar material de ese álbum. Entonces, por eso fue un poco especial ese show. Pero en lo que respecta a ahora, la forma en que veo las cosas actualmente es que HammerFall tiene mucho más que ofrecer musicalmente, estamos inspirados para componer nuevas canciones, y tenemos un impulso con el que queremos continuar. Para nosotros se trata del futuro, no del pasado. Quiero decir, eventualmente, seguro que podríamos hacer eso algún día, tocar el «Legacy of Kings» completo o lo que sea. Pero tendría que ser por un motivo muy especial, y no creo que vaya a suceder por muchos años.

La formación actual ha trabajado en conjunto durante unos cinco años, y si no cuentas el reemplazo de su baterista, ya son más de diez años. Mencionaste que el estado de ánimo en la banda es mejor que nunca ¿Podemos considerar que esta es la encarnación definitiva de HammerFall?

Oscar: Creo que si le preguntaras a los fanáticos, dirían que la formación que tuvimos con Anders, Stefan y Magnus sería la formación clásica. Pero en cuanto a la forma en que suena HammerFall, ya sabes, la forma en que estamos como una banda en vivo en este momento, no creo que ninguna otra encarnación de HammerFall pueda acercarse a esta. Lo que tenemos ahora es el mejor acto en vivo de HammerFall que jamás hayan visto. Y creo que tienes razón, si seguimos así por un tiempo, esta será la alineación definitiva.

Hagamos en break en la música como tal, si te parece. Sabemos que eres un gran fanático de la Lucha Libre profesional y vimos a Eric Rowan con una camiseta HammerFall en un espectáculo de la WWE en Estocolmo. ¿Cuál fue tu reacción cuando lo viste y crees que hay alguna conexión entre la Lucha Libre y tu música?

Absolutamente. Ha pasado un tiempo desde que me han hecho esta pregunta, pero seguro que creo que hay una conexión. No es menos importante la forma en que te presentas en vivo frente a los fanáticos, reaccionando e interactuando con ellos. Creo que eso es realmente importante y un buen punto de comparación entre ambas cosas. Obviamente, lo que hacen ellos es muy físico, pero supongo que también nosotros hacemos un poco de desgaste físico, es bastante agotador correr por el escenario durante dos horas o lo que sea, pero de seguro que hay similitudes entre mi música y la Lucha Libre, absolutamente.

Pero ¿cuál fue tu reacción cuando viste la camiseta de Eric, lo sabías de antemano?

¡Estaba extasiado! Inmediatamente lo retuiteé, lo puse en Facebook y lo envié a todos mis amigos que conozco a quienes les gusta la Lucha Libre, porque yo también soy un gran fanático de la Lucha Libre, así que fue hermoso.

Tenemos una pregunta muy especial a pedido de un fan de HammerFall y de la Lucha Libre. Debes pensar tus respuestas con mucho cuidado y justificarlas (risas): si fueras un luchador profesional, ¿cuál sería tu nombre artístico, tu movimiento final y tu tema de entrada?

(Risas) Sabes, cuando formé HammerFall en los años 90 pensaba mucho en esto. Participaba en una liga de Lucha Libre de fantasía. Probablemente era el año 1994 o quizás 1995, el nombre de mi luchador era «Chains” (Cadenas), porque llevaba cadenas, que me gustaban, como parte de mi vestimenta en el escenario. Con respecto a mi movimiento final, uno de ellos se llamaba «The HammerFall», que era básicamente un Fireman’s Carry (proyección de bombero) desde la segunda cuerda, seguida por una combinación de Pinning (cobertura). También tenía otro que era el «Raw Ride’s Pin», que si sigues a la WWE hoy en día, ha sido el movimiento final de Cesaro durante los últimos años. Pero como dije, esto fue a mediados o a principios de los 90. «Raw Ride’s Pin» obviamente proviene de la canción “Raw Ride” de Running Wild. Así que sí, he pensado mucho en esto, y tenía esta respuesta lista para ti. Creo que siempre es divertido hablar de Lucha Libre en las entrevistas, porque es una de mis pasiones.

¿Qué hay del tema de entrada para un evento especial? Tienes muchas canciones para elegir …

Sí, se me pone un poco difícil. Creo que sería «Last Man Standing», esa se acercaría bastante, creo. Es tema muy pegadizo y que funciona muy bien. Pero también «Hammer High» sería casi perfecto para ese propósito. Sí, «Hammer High» podría ser la mejor, en realidad.

Pasando a otras cosas de nerds. Has escrito canciones inspiradas en «Game of Thrones» en el pasado, incluso antes de que se emitiera el programa de televisión. Si es que viste la serie, ¿qué te pareció el final?

Sí, vi la serie. Durante mucho tiempo, no quería verla porque estaba leyendo los libros, y es así fue como descubrí «Game of Thrones” o más bien «A Song of Ice and Fire». Así que quería esperar los libros, no quería tener ninguna influencia de lo que pensaran los productores de televisión sobre hacia dónde debería ir la historia. Pero no pude aguantarme más, así que vi las últimas tres temporadas justo cuando se lanzó la temporada final. Me gusta mucho el programa, creo que fue una buena serie, pero los libros tienen muchos más detalles y muchas más texturas que simplemente no puedes llevar a la pantalla. Es por eso que leo muchos libros, porque esa es la única forma en que puedes obtener esa experiencia, ya sabes, estar completamente inmerso en algo así como un libro. No puedes comparar eso con una película, la película puede ser tan buena como quieras, y aún así nunca será tan buena como el libro. Con respecto al final de la serie, o lo que hicieron con la historia, la temporada final me pareció muy apresurada. Sentí que solo querían unir los cabos sueltos. En realidad, fue genial, y la disfruté muchísimo, pero cuanto más se alejaron de los libros, menos impresionado o entusiasta estuve al respecto. Porque se sentía como si estuvieran apresurándose a algo, solo querían terminar y responder la pregunta que todos esperábamos, sobre quién estaría sentado en el Trono de Hierro al final de la serie. Pero a pesar de esto, me gustó mucho la serie.

Volviendo a HammerFall. Somos una página chilena y ustedes han visitado nuestro país en siete ocasiones si mal no recuerdo. Han compartido escenario con bandas como Arch Enemy, Kreator y Edguy, pero también han tocado solos. ¿Tienes recuerdos de algún show en particular en nuestro país?

En general han sido una locura. Quiero decir, el público en América del Sur siempre es increíble, y Chile ciertamente no es una excepción. Cuando llegas allí te quedas impresionado, siempre te sucede lo mismo, incluso aunque hayamos tocado allí muchas veces, nunca estás realmente preparado para eso. Siempre es un placer tocar en Chile. Una cosa que recuerdo en particular fue durante la primera vez que estuvimos allí en 1999 con el «Legacy of Kings Tour». Teníamos esta canción llamada «Stronger than All», cuyo riff tiene una especie de melodía que nunca pensé que podría ser cantada, pero la gente del público estuvo coreando ese riff toda la noche, eso fue algo muy impresionante y nunca lo olvidaré. Quiero decir, eso nos ha sucedido muchas veces desde aquel entonces, pero esa fue la primera vez que lo experimenté. Fue simplemente hermoso.

Creo que he cubierto todas mis preguntas. Para finalizar esta entrevista, ¿te gustaría enviarle un mensaje a tus fanáticos?

¡Atentos a “Dominion” este 16 de agosto! Como dije antes, creo que esta será una de las obras maestras de HammerFall. Así es como lo siento en estos momentos, y no creo que cambie de parecer. Si en realidad será así o no, eso lo decidirá el resto del mundo. Pero todos en la banda estamos muy entusiasmados con el lanzamiento y realmente orgullosos de lo que hemos logrado, así que espero que la gente lo aprecie también. Eso lo descubriremos en las giras después del 16 de agosto. Pero incluso si no te gusta el álbum deberías venir a vernos tocar en vivo porque entregaremos una experiencia completamente diferente. Se los recomiendo encarecidamente, nosotros nos la pasamos bien y el público la pasa bien. ¡Será una gran fiesta de Heavy Metal cada noche!

Muchas gracias por tu tiempo, Oscar. ¡Nos vemos en Wacken!

¡Genial! ¡Cuídate hombre, que tengas un buen día!

 

La misma alineación que hizo historia con la gira de despedida de Rhapsody y la reunión de Fabio Lione con sus antiguos miembros de grupo, ahora se convierte en una nueva banda, asegura Luca Turilli a PowerMetal.cl con el lanzamiento de Zero Gravity (Rebirth and Evolution). Es más, “se supone que no íbamos a llamarnos Rhapsody”, comenta el músico italiano, y solo por la presión del medio accedieron a utilizar dicho nombre, pese a la confusión que Turilli y Lione querían evitar con los otros Rhapsody, incluyendo el de su excompañero Alex Staropoli.

“Preferimos otro camino, más difícil, proponiendo una banda nueva, yendo en búsqueda de otro estímulo artístico después de 20 discos que he lanzado”, responde. “Para mí era fundamental continuar así una vez finalizada la gira de despedida, luego de dos años presentándonos por el mundo, tras todos estos álbumes a mis espaldas. De verdad, todo se trata del corazón y del alma y solo así haremos música con Fabio”.

Porque esta nueva fase va más allá de los toques modernos, rock sinfónicos y electrónicos que muestra esta entrega, la primera con Fabio desde su salida de Rhapsody of Fire en 2011, tras una legendaria actuación en Wacken Open Air. Es que la vida de Turilli ha tomado un nuevo foco que ha traído otra perspectiva a su música y letras.

De esto y mucho, pero de verdad muchísimo más, habla Luca con PowerMetal.cl, con importantes anuncios para Chile y Sudamérica.

 Por Jorge Ciudad

 

Luca, esperaba mucho hablar contigo. Ya habíamos conversado el 2010 cuando Rhapsody of Fire estaba de vuelta con su The Frozen Tears of Angels y me sorprendió muchísimo tu empatía, sinceridad y la cantidad de cosas que hablamos…

Muchas gracias amigo mío. Trataré de ser igual de honesto como en esa otra entrevista (risas).

Así lo creo Luca porque en ese entonces tenías un lanzamiento bastante especial, The Frozen Tears of Angels de Rhapsody of Fire, que era como una especie de nuevo comienzo después de todos los problemas legales que tuvieron esos años con el management. Ahora, Zero Gravity (Rebirth and Evolution) trae consigo una nueva etapa en tu vida, una nueva fase en tu carrera, pero con Fabio Lione a tu lado. ¿Cómo lo describirías y cómo llegó a concretarse después del Farewell Tour?

Claro, hicimos todas estas cosas nuevas… ¡lo único que no es novedoso es el nombre (risas)!, ya que al principio… es necesario que ustedes sepan que no había ningún plan de seguir después de la gira de despedida. Se supone que íbamos a tocar los conciertos del Farewell Tour para darle un cierre al capítulo de Rhapsody, ¿no?, porque se sentía cansado… tenía cosas con la banda Luca Turilli’s Rhapsody, y desde la separación con Rhapsody of Fire en 2011 que había muchísima confusión con los distintos Rhapsody andando por ahí. Ya estaba harto y simplemente quería hacer otra cosa y listo, aunque fuera complicado para mí, por el dinero personal y familiar que había invertido en todo este tiempo, ¿no?

Al final, siempre me gusta decir que, para mí, la cosa empezó a cambiar con el Farewell Tour, pero hasta ese momento Rhapsody era más bien un hobby que una profesión, tal vez por malas decisiones de negocio… cuando tomas malas decisiones de negocio (risas), ¡por supuesto que las cosas pueden salir al revés (risas)! No había nada mejor que ese Farewell Tour para cerrar todo porque… recuerdo en especial Sudamérica (risas), cómo nos recibieron… fue súper emotivo. De verdad que estábamos listos -luego de esa increíble experiencia- para decir basta, estaba listo para dedicarme a otros proyectos. Andaba con la idea de un proyecto de piano porque, ya sabes, el piano es mi instrumento más querido, teclados, piano y todo eso, por lo que quería hacer algo por esa dirección, pero no tan relacionado con el Metal, sino con satisfacer otros aspectos de la música y hallar otra motivación, otro estímulo y cosas por el estilo.

Sin embargo, una vez terminada la gira de despedida… claro, estamos en una especie de mercado que cuando algo es exitoso vienen los productores y te dicen “ah, no pueden parar ahora, tienen que seguir, de verdad que fue tremendo, a la gente le encantó la colaboración entre tú y Fabio, esto, lo otro y blah, blah, blah”. Entonces, Fabio y yo… ya puedo decir que el Farewell Tour fue una suerte de prueba para ver cómo iría nuestra relación, si funcionaría o no, y vimos que todo era genial, que nos llevábamos muy bien… y lo primero que hablamos fue sobre distintos proyectos una vez que terminara la gira, quizá como hacer algo… crear una banda al estilo rock sinfónico, hacer álbumes al estilo de Queen, algo como eso. Esa era la idea inicial, porque me fascina tanto la voz increíble de Fabio, que pensaba que era posible hacer algo así. De verdad era factible, aunque después… claro, los productores dijeron “no, no, tienen que continuar haciendo Metal, la gente los adora y deben seguir”.

Nos reunimos con Fabio varias veces para discutirlo y la primera idea era “si seguimos haciendo Metal tras la gira de despedida, y respetamos la promesa de que iríamos a tocar por última vez algunas canciones de Rhapsody y todo eso, ¿sabes qué?, hagamos con una banda nueva, una banda nueva de Metal”. Por ello, decidimos llamarnos Zero Gravity y hacer lo que quisiésemos con esta nueva banda, lo que nos gustara, ya que estamos escuchando conjuntos modernos, producciones modernas y así… guitarras pesadas, un montón de impacto… así que por primera vez optamos por colocar guitarras afinadas más bajo. Y después, hablamos de agregar elementos progresivos por Dream Theater, ya que soy un tecladista empedernido, por más las personas me conozcan en el fondo como un guitarrista. Estoy enamorado de Jordan Rudess y Kevin Moore de Dream Theater. Le dije entonces a Fabio que me gustaría añadir cosas por el estilo, las cuales le encantaban también, así que terminó siendo muy fácil. Después, como se suponía que el proyecto original iba a ser al estilo de Queen dijimos “ok, hagamos una banda de Metal pero incorporemos esos elementos vocales típicos de Queen, esos arreglos vocales típicos de Queen, en nuestra nueva banda”. Ese fue el punto inicial para Zero Gravity. Luego quise añadir, por supuesto, sonidos electrónicos, modernos, algo de música ambiente y étnica y todo eso. Sí, con todo eso escrito en papel, estábamos listos para mostrar al mundo nuestros nuevos planes.

Nos acercamos a nuestro management, que encontró todo muy bien con la idea de volver a partir como Zero Gravity, pero cuando nos juntamos con los productores (promotores), ¡fue el final de todo!, porque nos dijeron que era imposible comenzar de nuevo con otro nombre, por el mismo problema que te comentaba antes: por la situación del mercado, hoy en día los productores (promotores) y sellos discográficos solo quieren invertir en cosas que sean seguras. Así que nuestra gran idea de partir con el grupo Zero Gravity solo era muy buena para nosotros, pero cuando nos acercamos al mundo real del negocio, no funcionó para nada, porque nos decían que pondrían una buena cantidad de dinero solo si ocupábamos el nombre de Rhapsody. Al principio, Fabio y yo respondimos que no, que por ningún motivo, aunque al final era la única solución posible si queríamos hacer algo por el estilo.

Por supuesto que no nos gustó al comienzo, y Fabio y yo nos juntamos varias veces para conservarlo, pero al final dimos con la solución perfecta para que estuviésemos bien nosotros y los promotores satisfechos al mismo tiempo, es decir, contar con la inversión adecuada para ser capaces de volver a comenzar de cero, en lugar de quedarnos pegados y no hacer nada. La única forma de hacer Metal nuevamente era aceptar seguir como Rhapsody, lo que es muy triste pero así es cómo funciona el mercado. Dijimos que bueno, pero que no queríamos la confusión de siempre con Luca Turilli’s Rhapsody y Rhapsody of Fire, y lo primero que hicimos -lo que para mí era obvio- fue detener mis actividades con Luca Turilli’s Rhapsosdy. Lo que estaba haciendo ahí era tan bueno, con el álbum Prometheus (Symphonia Ignis Divinus) como el primero en la historia de la música en ser mezclado en Dolby Atmos, con esta colaboración increíble Dolby y Yamaha y por la que casi fuimos nominados a los Grammy Awards… así que pensé “OK, hice todo lo que debía hacer, ahora puedo realmente cerrar el capítulo y empezar otro como Turilli/Lione Rhapsody, pero sin hacer lo mismo que con las bandas previas, por el contrario. Queríamos aprovechar la oportunidad para hacer algo incluso más diverso.

Entonces, ahora diría que… bueno, he escuchado las canciones nuevas de Rhapsody of Fire y hay una diferencia tal que podría asegurar que estamos en dos estilos distintos de música. Rhapsody of Fire podrías definirlo como Power/Speed, como el estilo que tocábamos antes, mientras que con Turilli/Lione Rhapsody ahora queremos explorar este tipo de Metal moderno, sinfónico-progresivo. De verdad creo que no hay opciones (de confundirse), de verdad somos dos bandas distintas (risas), y la confusión solo pasa por el tema del nombre, ¿no?, así que la gente tendrá que acostumbrarse porque no hubo otra alternativa si quieran seguirnos viendo a mí a Fabio tocando juntos en escenario. Así son las cosas, tuvimos que hacerlo de esa manera, pero la diferencia es tan grande que creo que no habrá más confusión por los nombres. Y esto ya fue demostrado por los promotores que, al contrario de lo sucedido con Luca Turilli’s Rhapsody, ahora con el nuevo Luca Turilli’s… o sea, con el Turilli/Lione Rhapsody… ¿viste?, ¡hasta yo me confundo (carcajadas)! A lo que quiero llegar es que bajo el nombre de Turilli/Lione Rhapsody ya nos han ofrecido cosas que nunca me habrían ofrecido como Luca Turilli’s Rhapsody, por lo que realmente son capaces de ver la diferencia en este momento.

En fin, la consecuencia al aceptar seguir como Rhapsody fue… por supuesto, lo primero que quisimos fue dejar en claro al mundo que sería algo diferente. A ver, claro que las raíces continuarán siendo las mismas. Provengo de la música clásica, lo mismo que Fabio. Nos gustan las sinfónicas, nos gustan las bandas sonoras, así que claro que no será lo opuesto a lo que hacíamos antes, pero con nuevos elementos que nos gustan hoy en día. Escuchamos otras producciones que quisimos incorporar, lo que para mí hizo la diferencia, una diferencia bien grande de hecho. Tomamos el nombre original de la banda, Zero Gravity, lo colocamos en el título del álbum, y por supuesto cambiamos el logo a algo más moderno y cercano a nuestros gustos de hoy. Y adoptamos nuestro moto, la bajada del título del álbum, Rebirth and Evolution, con el fin de dejar muy en claro todo… en especial porque hicimos una campaña de crowdfunding para alcanzar el mismo nivel de presupuesto que teníamos con Fabio en el pasado, lo que fue posible por la tremenda cooperación de nuestros fanáticos, así que ahora estamos aquí con este nuevo trabajo en nuestras manos. Nos sentimos totalmente satisfechos… y eso es todo (risas).

(Risas) estuve tomando nota de todo lo que dijiste, que fueron varias cosas, y si bien no tuviste la libertad para elegir un nombre adecuado para este grupo, sí la tuviste en cuanto a lo artístico para componer este disco, gracias a los fans que los apoyaron con la campaña previa de crowdfunding. Así que me imagino que lo primero que tuvieron que hacer fue responder al compromiso de los fans antes que a un sello por ejemplo. ¿Cómo sintieron ustedes el hecho de recibir este feedback tan grande de la fanaticada cuando anunciaron la campaña para juntar fondos, y cuánta libertad artística sentiste al momento de recibir este apoyo directo? 

Sí, digamos que… en el fondo es lo que te hablaba recién, el dejar muy claro con nuestro eslogan Rebirth and Evolution que queríamos hacer algo distinto, porque era obvio, si habíamos hecho una gira de despedida con la que tocamos, por casi dos años, solo canciones antiguas de Rhapsody, incluso tocando el Symphony of the Enchanted Lands completo en ocasiones, así que era sabido que no haríamos lo mismo, además porque somos personas diferentes, con otros gustos musicales… oye, no puedes hacer el mismo trabajo por más de (respiros) 15, 20 años… serás el primero en empezar a aburrirte. Para mí y Fabio entonces era fundamental evolucionar y hallar otros estímulos, en especial después de haber sacado, en mi caso, cerca de 20 discos.

Hicimos correr esta campaña de crowdfunding y fue genial cómo los fanáticos reaccionaron, que querían escuchar algo nuevo de mí y de Fabio, sabiendo por supuesto que no saldríamos con un álbum de jazz, de blues o cosas por el estilo. A ver, aunque me propusiera hacer un álbum de pop, no escribiría canciones pop comerciales sino algo sinfónico y operático, porque cuando eres músico es difícil despegarte de tus raíces más fuertes, y la más fuerte mía es la música clásica, de allí vengo yo, ¿no? Por supuesto, sea lo que sea que traiga siempre tendrá esa raíz de la que hablo, es parte de mí, de mi genética.

Al final, este resultado increíble con los fanáticos y todo eso fue algo simplemente fuera de serie, una luz verde para nosotros, “OK, ahora podemos hacer lo que queramos, con el apoyo de los fans que confían en nosotros para lo que sea, incluso después del Farewell Tour”. Simplemente fue increíble, y desde el lado de sello, siempre tuvimos la total libertad… lo que te decía antes era más relacionado a los productores (promotores), ¿no? La actividad en vivo ahora es esencial para un grupo, pues se han hecho más importantes en lo económico, para ser capaces de tener una banda, y de hecho es más importante que el álbum que están vendiendo. Debo decir que la relación con Nuclear Blast siempre ha sido fantástica y es más: de habernos llamado Zero Gravity nos habrían apoyado de la misma forma, por lo que no hubo problemas por ese lado. Tuvimos toda la libertad artística y por eso fue que seguimos, ¿no? Tuvimos todo en nuestras manos y, al final, salió todo de manera perfecta. Ahora estamos muy felices con la solución que encontramos: si bien no somos Zero Gravity, somos Turilli/Lione Rhapsody pero con un logo actualizado, y otro tipo de letras (líricas)… porque además eso fue muy importante, ¿no?

Digamos que Luca Turilli’s Rhapsody era algo entremedio, pero aun distinto en cuanto a las letras, hablando de evolución espiritual, siendo que ya lo habíamos hecho antes con la saga de Rhapsody, ¿no?, con las historias que se relacionaban con eso en metáforas, pero ahora hablamos de todo esto de un modo más directo. Para Fabio es lo mismo, somos muy curiosos y suscribimos con todo tipo de ciencias, porque quiero conocer en el momento lo que ocurre alrededor mío y saber de física cuántica, ciencia y metafísica, psicología, antropología… me atrae todo lo relacionado con los misterios de la vida, que son más fantásticos que las fantasías mismas, ¡porque los misterios de la vida realmente lo abarcan todo (risas)!

“VIVÍ LOS PRIMEROS 40 AÑOS DE MI VIDA COMO UN ZOMBIE”

Cuando hablamos de The Frozen Tears of Angels hace nueve años atrás… cómo pasa el tiempo Luca (risas), ya me habías comentado que estabas bien interesado en estos temas y asuntos que me mencionas ahora, y has seguido estudiando y aprendiendo de metafísica, psicología y de los misterios de la vida ya por varios años. ¿Cuánto has aprendido de la humanidad y la manera en que nos comportamos? ¿Qué has aprendido de ti mismo, de tus cercanos, de tu entorno después de leer, estudiar y escribir música basada en estos conceptos?

Digamos que el gran cambio ocurrió hace unos siete años, cuando partí de cero practicando yoga kundalini y meditación. Eso realmente cambió mi vida, porque todos los libros que había leído… sí, OK, me servían, el leer, estudiar y todas esas cosas, ¿me entiendes?, pero cuando terminas el libro, lo cierras y te quedas contigo mismo, con preguntas más que otra cosa. Cuando empiezas a practicar yoga, descubres cosas increíbles y experimentas lo que recién habías leído en algunos libros. Con el yoga ha habido tantos cambios en mi vida. Cambió mi enfoque hacia la música, cambió mi enfoque hacia las letras y… claro, si ves las letras de canciones como Phoenix Rising, ahí hablo sobre mirar a la humanidad desde las formas de un círculo y un cuadrado, todo relacionado a componentes simbólicos y esas cosas, ¿no?

Pero esencialmente, lo que he aprendido gracias estos años de yoga y cosas relacionadas con la evolución espiritual, es que todo aquello es de mucho antes que cualquier religión, que las religiones vinieron después, así que cuando hablo de evolución espiritual trato de abarcar todos los temas relacionados al misterio de la creación. Son cosas que puedes percibir y palpar, y lo que digo es que puedes acceder al aspecto multidimensional de la vida desde una disciplina como el yoga, o la meditación. Comienzas a ver  cosas alrededor tuyo que antes no veías… podría decir que viví los primeros 40 años de mi vida como un zombie, porque ahí te das cuenta de que empiezas a vivir el momento, cuando empiezas a ver esas cosas… ya sabes, estas energías, y comienzas a lidiar con estas distintas dimensiones que antes ni siquiera sabías de su existencia. Ese es el momento en que despiertas de verdad. Y claro, se encuentra este fénix retratado como ese ángel moderno representado en la gráfica, en al artwork del álbum, dando a conocer el verdadero aspecto divino de nuestro propio ser, de nuestra personalidad más interna mientras asciende, mientras evoluciona a un nivel más alto de conciencia. Y si te fijas en el artwork, verás esta ciudad moderna, oscura y futurista representando el aspecto materialista de la vida.

EL BIEN Y EL MAL

Reflexionando en todo lo que me has dicho, creo que hay una cosa en común en toda la música que has escrito, desde Legendary Tales hasta Zero Gravity (Rebirth and Evolution), y esa es que de alguna manera siempre retratas la lucha o el contraste entre el bien y el mal. ¿De cuál lugar en tu mente y persona crees tú que viene esto?

Es grandioso cómo evolucionan estas cosas con los años porque ahora puedo contarte, por ejemplo, sobre las letras de D.N.A. (Demon And Angel). Cuando eres una persona tímida y muy sensible como yo, cuando ves a gente haciendo guerra a tu alrededor, simplemente no lo entiendes y piensas por qué, por qué eso, por qué algunas personas en lugar de ver televisión o jugar Playstation, o en los países más pobres disfrutar el contacto con la madre naturaleza, prefieren seguir a alguien que dice que ahora deben pelear y matar a otras personas que viven en otros lugares o territorios.  Nunca he comprendido eso y por eso es que me han surgido preguntas, ¿por qué siento que no podría hacerlo y no puedo escuchar que alguien me pida matar a otra persona?, ¿y por qué otros lo hacen tan fácil y sin problemas? Por ejemplo, en el colegio estudiaba la historia de la Roma Antigua, y aprendía de esta gente que iba a los coliseos, a estos estadios antiguos como arenas, que disfrutaba y festinaba mientras veía leones devorándose a los cristianos… ¿por qué lo hacían?, y nunca fui capaz de responder bien esa pregunta. Por ello es que cuando me dedico a la música lo primero que hago es abordar esta temática, entender la relación entre el bien y el mal y por qué nosotros -o uno mismo- puede ser tan malvado, una persona como yo, una persona como uno de mis hermanos puede ser tan malvado. De ahí, uno comienza a explorar la genética, la psicología, la antropología y la ciencia, además del yoga y la meditación. Al poner todo esto junto, el panorama se hace más obvio, ¿no?

Puedo decirte que gracias al yoga, gracias a la meditación y todo aquello, todo se me ha vuelto mucho más claro.  Tuve conmigo a enormes expertos y grandes maestros hasta llegar al punto de descubrir que hay bien y mal en cada persona, que es benevolente o malvada en proporciones distintas según la genética, según el nivel de educación, la influencia social… sí, dependiendo de muchísimas variables. Hay personas que genéticamente no tienen empatía, y sin empatía no puedes sentir las cosas que otros sí pueden, y por supuesto que les resulta más fácil matar, ser violentos y cosas por el estilo. Pero al mismo tiempo, descubres que todos estamos llenos del bien y del mal, como lo vemos en esta canción sobre el ADN, claro está… hablo acerca de esta proyección de la furia que es muy conocida en la disciplina de sicoanálisis, cuando tratamos de proyectar en otra persona toda la negatividad y los aspectos sombríos que no somos capaces de aceptar en nosotros mismos. En la mayoría de los casos tendemos a decir “oh, yo soy el bueno y tú eres el malo”, con las críticas, con los juicios y todo eso que justamente está ocurriendo hoy día en redes sociales. O sea (risas), ahí está el ejemplo más claro, esta furia representada por cómo la gente reacciona en las redes sociales. Apenas surgieron las redes sociales y la posibilidad de criticar y juzgar a otros, aquello explotó. Ahora, en cada sector de la vida social, para los actores, para los músicos, existe esta especie de “odio social”, con generaciones más jóvenes que tratan “bajar” a otros… pero sería simplemente grandioso si todas estas personas supieran o entendieran por qué actúan de esa manera. Por eso sería importante que enseñaran en cada escuela o colegio del mundo estas cuestiones de psicología o psicoanálisis, porque si muestras a las personas las razones por las cuales actúan de tal manera, quizás empiecen a considerar el porqué de hacerlo.

Cuando realizas meditación y yoga, dejas ir tu ego y no sientes la necesidad de… no sientes ninguna necesidad de competición, y de inmediato sientes que la empatía crece en ti, aunque depende de cada uno. Si eres muy sensible podrás llegar rápidamente a los resultados, mientras que a otros les tomará un año de meditación. Sientes esta empatía brillando dentro de ti, y te sientes en conexión con cada individuo en el mundo. Es como si pudieras entender a las malas personas por lo negativas que pueden ser, y al mismo tiempo sientes amor por cada hermano y hermana en el planeta. Cuando ves noticias en los diarios y te enteras de que mataron o violaron a una niña, sientes como si le hubiese pasado a tu propia hermana, a tu propia madre, a tu propia hija, es una sensación profunda y llegas a sufrir por eso, ¿no? Te sientes en conexión, y eso es importante porque si todos se sintieran en conexión con el otro, no habría ni una sola guerra en este planeta… aunque entiendo que eso es simplemente imposible puesto que… cómo decirlo, todo está hecho de un modo que hay distintos niveles de conciencia, y basado en estos distintos niveles de conciencia, algunos pueden comprender esto con facilidad, mientras que a otros les costará más. Ellos necesitarán un shock en sus vidas, algo que les suceda para que puedan replantearse sus vidas y llevarla a un nuevo nivel, o simplemente interesarse en estas cuestiones.

Todo eso está en las letras de Rhapsody, por supuesto, ocupando metáforas, utilizando simbolismos, porque no me gustaría hablar de estos sentimientos de una forma más corriente como… ya sabes, de una forma más cheese.

REDESCUBRIENDO A FABIO

El 2012 en PowerMetal.cl hablamos con Fabio Lione antes de venir a Chile, y nos contó en ese momento que ya te echaba de menos durante la gira primera gira de Rhapsody of Fire en Latinoamérica sin ti. Mi pregunta es: ¿cuánto echaste de menos trabajar y compartir con Fabio desde el tiempo que te fuiste hasta que se reunieron en el Farewell Tour?

Digamos que entendí lo mucho que había extrañado a Fabio cuando nos reunimos para el Farewell Tour, porque… bueno, habíamos decidido separarnos unos años antes inclusive de 2011, año en que sucedió. Con Alex Staropoli y Fabio queríamos concluir… no, a ver, en ese tiempo solo con Alex… Fabio no sabía aún de nuestras intenciones, esa fue la verdad. Entre Alex Staropoli y yo estábamos conversando que una vez terminada la saga con el décimo álbum, From Chaos to Eternity, ya no lo pasábamos tan bien componiendo música los dos juntos, por lo que procederíamos a un quiebre amistoso. Ya estaba todo planeado, y luego seguí con otras ideas y proyectos. Sin embargo… por supuesto, debo decir que hace unos años atrás cuando surgió la oportunidad de hacer algo de nuevo con Fabio, y me reencontré con él y descubrí -en los primeros días de la gira de despedida- que no solo no había perdido la voz sino que… y eso es increíble porque es un verdadero milagro, algo que no puedes explicar desde un punto de vista físico, ¡si fuma como loco y siempre anda con un cigarrillo! Detesto que lo haga porque odio fumar, etc. etc., ¡PERO!, sin importar eso, su voz estaba incluso mejor que hace 7 u 8 años… mantiene el mismo registro vocal pero con una voz incluso más madura que antes. Para mí era increíble. Estaba asombrado, y comprendí que “vaya, es uno de los mejores cantantes no solo del Metal, sino de la escena musical en general”, y de verdad que está subvalorado en ese aspecto, como siempre me ha gustado decir, podría ser uno de los cantantes más grandes, ser conocido por millones de personas. Claro, cuando trabajas entonces con un vocalista así, de inmediato comienzas a considerar la opción de eventuales proyectos, y por eso te decía que estaba la idea de hacer una banda de rock sinfónico al estilo de Queen, del Queen clásico, justamente porque había descubierto la voz de Fabio de nuevo (risas), después de todos estos años (risas).

Sí, están estos elementos de Queen en cortes como I Am y Decoding the Multiverse por ejemplo, y ya que estamos llegando al final de la entrevista, a ver si tengo unos minutos para un par de preguntas más (risas). Podríamos estar hablando como por tres horas más sobre el disco y lamento tanto que no haya más tiempo (risas).

No hay ningún problema, ningún problema amigo mío, podemos seguir conversando (nota: pese a que iban 42 de los 45 minutos máximos de entrevista).

¡Gracias Luca! Seré muy breve: ¿Qué me puedes contar de esta canción tan épica con que cierra el disco, Arcanun, y en qué te inspiraste para llegar con una composición tan intensa, pesada y dramática, con Lione haciendo tonos de ópera?

Bah, si pude componer algo así, ¡fue solo porque Fabio me dio la posibilidad (risas)! No podría escribir una composición de ese tipo para todos los cantantes, aunque debo decir que Alessandro Conti era bastante bueno con estas tonalidades líricas y operáticas, con estudios además en la escuela de Pavarotti, ¿recuerdas?, e hicimos algo de aquello con Luca Turilli’s Rhapsody. Por ese motivo fue que quisimos invitar a Alessandro para esta nueva banda en un papel de corista, dado que es una de las voces principales de los coros que tenemos en este álbum, es importante mencionarlo.

Pero de vuelta a Fabio diría que… sí, tiene una voz realmente increíble y por eso hicimos esta canción, inspirada en un comienzo por la película El Código Da Vinci, con el mismo tipo de atmósferas, con cantos gregorianos, dándote la sensación de estar en una catedral. Eso fue lo que quisimos lograr como meta. En cuanto a las letras, nos inspiramos y quisimos hablar del lado místico de Leonardo Da Vinci, su extraordinario arte y sus obras maestras. Optamos por hacer las letras en italiano… en italiano antiguo por supuesto, jamás ocuparía el italiano moderno, sino el lenguaje antiguo, ocupando recursos poéticos, un poco como Shakespeare sonaría en inglés, pero en italiano, ¡aunque de una manera muy humilde (risas)! Me gusta escribir desde una perspectiva más poética, con metáforas, símbolos. Tenemos la ópera con la voz increíble de Fabio, e incluso una pequeña sección de Giuseppe Verdi y su ópera Otelo en la mitad de la composición, creando alrededor todo este tipo de piezas musicales bien operáticas. En conclusión, en cierto modo es un homenaje a la cultura y tradición italiana.

Y por último, también me gustaría preguntarte por la próxima gira. Si bien Zero Gravity representa un nuevo capítulo en tu vida artística, se trata de la misma formación que hizo el Rhapsody Farewell Tour. ¿Cuán distinto será este tour en promoción de Turilli/Lione Rhapsody? ¿Cómo será el setlist y cuanto espacio habrá para los clásicos de Rhapsody? ¿Cómo lo están planeando?

Claro, el problema surgió apenas tuvimos que llamarnos Rhapsody, ¿no? Debimos discutir y abordar este asunto muy detenidamente, aunque por más que nos hubiésemos llamado Zero Gravity la cosa habría sido igual, porque somos la misma alineación de la gira de despedida, así que había que enfrentar esto sí o sí. Para la situación en vivo decidimos lo siguiente: es lo normal que cuando lanzas un disco tengas que tocar cuatro o cinco temas de esa producción, pero al momento que vayamos a Sudamérica tendremos que escoger algunos cortes de nuestra antigua discografía. Al mismo tiempo, no queremos traicionar la promesa que hicimos a la gente, que ciertas canciones de las primeras épocas de Rhapsody iban a ser tocadas por última vez en la gira de despedida. Hablo de algunas como Village of Dwarves o Emerald Sword, basadas en la antigua saga, que encajan mejor con Rhapsody of Fire…

SIN EMBARGO, y estoy en condiciones de prometerlo porque muchos fans están esperando saber esto, de igual forma incluiremos hits bien antiguos que nosotros consideramos que se ajustan, de un modo u otro, al nuevo estilo más moderno de Turilli/Lione Rhapsody. Por ejemplo, podría anunciar ahora que una canción como Dawn of Victory, Unholy Warcry e incluso una que siempre he encontrado muy importante y que sacamos en 1998, Riding the Wings of Eternity… composiciones como esas creo que pueden ajustarse bastante bien en nuestro setlist, además que todavía nos encanta tocarlas. Y luego hemos pensado en otras como Sea of Fate y Reign of Terror, pero tienen mayor sentido ponerlas ya que en ese tiempo ya sonaban más modernas, y eran parte de la segunda era de Rhapsody. Así creo que será. Presentaremos más pistas del nuevo conjunto, y se tratará de un proceso. Por ahora, la gente que nos vaya a ver a comienzos del próximo año en Chile y Sudamérica para disfrutar nuestro espectáculo, escucharán nuevos temas pero también un montón de clásicos que se acerquen al estilo actual, incluyendo de la primera saga, por supuesto.

Muy bien Luca, muchísimas gracias por tu tiempo para conversar con nosotros y para los fanáticos chilenos y sudamericano. ¿Qué mensaje dejarías a todos ellos?

Para mí lo que es importante que cada fanático del mundo sepa, en especial los de Chile porque ya sabes que existe una conexión especial con ustedes (risas) y ya lo habrás notado… un público tan increíble la vez que estuvimos allá el 2017 que decidimos regresar unos meses después para hacer otro show… lo que quiero decirles es que sea lo que sea que saque con mis bandas, especialmente ahora con Fabio, está hecho con el corazón y con el alma. De otra forma no lo haría. De otra forma los traicionaría, haciendo un Symphony of the Enchanted Lands Part III, iría contra el Rhapsody of Fire y les traería problemas a ellos, ¿no?, teniendo al cantante original nosotros, eso les causaría problemas a ellos, así que solo quiero que entiendan que tratamos de evitar la solución más fácil, que es la que más dinero hace, y preferimos otro camino, más difícil, proponiendo una banda nueva, yendo en búsqueda de otro estímulo artístico después de 20 discos que he lanzado. Para mí era fundamental continuar así una vez finalizada la gira de despedida, luego de dos años presentándonos por el mundo, tras todos estos álbumes a mis espaldas. De verdad, todo se trata del corazón y del alma y solo así haremos música con Fabio. De lo contrario… a ver, como compositor podría hacer algo como David Guetta o Bob Sinclar, pero esto se hace con el corazón y el alma y por eso hacemos lo que hacemos.

Insisto en que podríamos estar hablando horas y horas de este disco Luca (risas). Ha sido un placer hablar contigo y quiero agradecerte mucho por esta casi hora de conversación…  

Absolutamente amigo mío, fue un placer, absolutamente, y te dejo invitado por supuesto como a todos los fans a los conciertos que hagamos en Chile. Ya los tenemos planeados para comienzos del próximo año ya que haremos algunos shows individuales más que una gira propiamente tal, a excepción del tour por Asia fijado a finales de otoño (del hemisferio norte), aunque para el resto partiremos por Europa en enero de 2020, y luego nos vamos de inmediato a Sudamérica por varios, varios días.

EN EL LUGAR DE TURILLI: “LE PEDIRÍA A CADA FAN QUE ESCRIBA CANCIONES Y QUE COMPONGA LA MISMA MÚSICA POR MÁS DE 20 AÑOS: ¡SIMPLEMENTE NO ES POSIBLE!”

¡Muchas gracias por las noticias Luca! Ahora que terminamos la entrevista, te quiero comentar que te encuentro toda la razón cuando dices que esta banda debió llamarse Zero Gravity. Cuando empecé a escuchar el álbum estaba a la espera de algo como Rhapsody y debo reconocerte que dije “hm, esto es otra cosa, quizás no me vaya a gustar, y quizás no me gusta”. 

¡Oh, no!

Esa fue mi primera impresión Luca, por tener la etiqueta de Rhapsody. Para mí fue como “no, no, no… no es lo que esperaba”. Pero cuando debí escucharlo mejor para preparar esta entrevista, y lo estuve escuchando durante toda esta semana previa, me di cuenta de que “vaya, ¡esto es realmente emocionante!, aunque diferente”, y ahora lo escucho con gusto…

¡No! Justo a esto me refería cuando te decía que la tarea es bien difícil para nosotros ahora, que pudimos habernos ido por lo fácil y hacer un Symphony Part III, pero habría sido una farsa. Habría sido algo completamente falso porque Fabio y yo ya no estamos escuchando ese tipo de música, y entiendes a lo que voy. Ahora mis bandas favoritas son Within Temptation… OK, de hace varios años ya (risas), pero bandas como Myrath, bandas aparte del Metal que me fascinan como Muse, me encanta Adele… Sería una farsa total… y si ahora la gente pretende que toquemos exactamente la misma música que hace 20 años atrás, podría decirte que eso no sería arte, no sería arte hecho con el corazón y eso no sería posible para mí. Ponte en mi lugar: si te dedicas a una sola cosa por 25 años, y haces lo mismo por 20 años, no sería más que una movida comercial, porque es imposible que puedas hacer lo mismo en tu trabajo por 20 años… Por mi parte, no confió en artistas que hacen la misma música por 30 años, o que cuando tienen 70 años tocan la misma música… yo al menos no lo haré. No tocaré la misma música a lo Emerald Sword si es que llego a los 70 a un escenario, porque es obvio. Por eso insisto en que este es un álbum muy, muy honesto.

¡Está claro que quizás perdamos algunos fans!, eso es normal, y que digan lo que me dijiste, que no era lo que esperaban, pero al mismo tiempo creemos que vamos a ganar otros. Esto ocurre con CUALQUIER BANDA QUE HACE UNA TRANSICIÓN. Y esto es lo que se viene, porque se supone que no íbamos a llamarnos Rhapsody, pero mira otros grupos como Nightwish, Within Temptation, Epica… todas partieron de una manera y luego vivieron transiciones que son comunes en cada artista. Le pediría a cada fan que escriba canciones y componga la misma música por más de 20 años: ¡simplemente no es posible! Al menos nuestro grupo es honesto y representa lo que nos encanta tocar hoy en día. De verdad esperamos que los fans sean capaces de acompañarnos por este viaje artístico tan emocionante, ya que lo que hacemos solo viene del corazón.

Y creo que eso se nota en cada trabajo que has hecho… Esta conversación ya no era parte de la entrevista, por lo que debo preguntarte si es que puedo colocar o no esto como respuesta al final… 

¡Por supuesto!, si me parece que esto es demasiado importante, muy importante que la gente entienda que no resulta hacer el mismo trabajo por más de 20, 25 años. Pero SI hay canciones del pasado que amamos, porque lo que hicimos hace dos décadas fue fantástico e increíble, a pesar que hoy no las escuche, ¿sabes a lo que me refiero? Ahora escucho… mi banda favorita es Dream Theater por ejemplo, siendo yo un tecladista, es lo normal, ¿no?, moviéndome hacia otro tipo de música, hacia una música de verdad, una música de verdad hecha con el corazón, incorporando lo que realmente le gusta a uno. Entiendo a los seguidores en todo caso, como cuando yo mismo era un tremendo fanático de Jason Becker y Cacophony, y me costaba leer a Jason Becker diciendo que no le gustaba Cacophony, que era lo que hacía a los 18 años. Para mí él fue como la Biblia de los guitarristas, aunque en lo artístico ahora entiendo que con el paso de los años, uno siente la necesidad de evolucionar. De lo contrario, para mí es sólo “money, money”. Así que espero que muchos en Sudamérica disfruten este álbum.

¡Muchas gracias Luca por todo lo conversado y esperamos verlos pronto en Chile!

¡Cuenta con ello amigo mío!

El otrora líder de Stratovarius es una figura que no deja indiferente a nadie en el mundo del Power Metal. Considerado como uno de los visionarios y artífices del género, el guitarrista, compositor y productor ha tenido también una serie de inconvenientes para consolidar su carrera musical luego de su salida de la icónica banda finlandesa. A sus cincuenta y tres años y con más de veinte álbumes de estudio a su haber, Timo Tolkki se define como un alma creativa libre, un fanático del Hard Rock de los setenta y un amante del público Latinoamericano.

Conversamos en exclusiva para Chile con Timo sobre la tercera entrega de Avalon, incluyendo las dificultades que tuvo para finalizarlo y la experiencia de trabajar con algunos de los vocalistas más destacados de la escena metalera actual. Tolkki nos compartió además sus impresiones sobre el reciente fallecimiento de su amigo Andre Matos y lo que vivieron juntos en Symfonia. El guitarrista también dedicó elogios a nuestra compatriota Caterina Nix y adelantó algunos detalles sobre el tour de Avalon que los reunirá el próximo año.

El destacado compositor finlandés nos adelantó algunos detalles sobre un nuevo proyecto musical que tiene en mente y que posiblemente reuniría a Timo Kotipelto y Michael Kiske. Por su puesto también hablamos sobre el tour que lo traerá de vuelta a Chile en septiembre de este año tocando un set de clásicos de Stratovarius, sin descartar un posible acercamiento con su banda madre en el futuro. Te dejamos con nuestra entrevista a continuación.

por David Araneda

Acabas de lanzar el tercer álbum de Avalon «Return to Eden» hace unas semanas. ¿Cómo te sientes con el resultado?

Estoy contento, ya sabes. Dios sabe qué número de álbum será este para mí, tal vez el vigésimo. Tomó años para terminarlo, cerca de dos años el proceso completo. Entonces, estoy complacido y creo que es un álbum de Power Metal muy fresco, a todo el mundo parece gustarle. Estoy feliz con eso, porque si a la gente le gusta mi música, ¿qué más puedo pedir?

¿Hubo una razón específica por la cual el proceso tardó más de lo habitual?

Sí, tuve que reunir dos equipos. Tengo un equipo finlandés y un equipo italiano que trabajaron para este álbum. La composición tomó su tiempo, y estar en dos países diferentes toma su tiempo, así que en general fue un proceso lento esta vez.

Entendí que en esta ocasión los vocalistas fueron elegidos por la compañía discográfica, en contraste a los álbumes anteriores de Avalon en los que escribiste la música quizás con un determinado vocalista en mente. ¿Sentiste la diferencia al trabajar de esta manera?

Fue más difícil, porque soy un alma libre, mi música es libre. Siempre que estableces un acuerdo con una compañía discográfica, especialmente en estos días, en muchas ocasiones son muy precisos con lo que desean. Para mí fue como escribir un tipo específico de canciones, así que esta vez fue más difícil. Hubo mucha más presión.

Pero creo que el resultado es bastante bueno, me parece un álbum más sólido en comparación a “Angels of the Apocalypse”. ¿Estás de acuerdo con eso?

Es más fuerte que el segundo, seguro.

¿Crees que tuvo que ver con el hecho de que lanzaste el primer y segundo álbum demasiado cerca uno del otro, y que ahora tuviste más tiempo para concentrarte en la composición?

Bueno, también fue porque en un momento estaba muy deprimido, no podía escribir música. Simplemente me quedaba en casa, no podía ir a ninguna parte. Escribir música cuando estás deprimido no es algo bueno.

A todo esto, ¿fue Avalon pensado solo como una trilogía o piensas continuarlo?

Estaba destinado a ser una trilogía. Cuando Frontiers (el sello discográfico) se puso en contacto conmigo con respecto a estas óperas, siempre dijeron que sería una trilogía. Yo estaba satisfecho con eso.

Hace unos días anunciaste algunos planes de girar con Caterina Nix y Mike Vescera. ¿Se tratará de una gira de Avalon?

Sí, es una gira de Avalon, está prevista para la primavera del próximo año (primer semestre de 2020). Europa y Sudamérica están en los planes. Creo que Jari (Kainulainen) de Stratovarius estará allí, todavía estoy buscando un baterista. El tecladista será un brasileño llamado Bruno Sa, de Río de Janeiro.

Has trabajado con Caterina tanto en Avalon como en su banda actual Chaos Magic. Como sabes, ella es chilena, al igual que nuestro sitio web. ¿Cómo ha sido para ti trabajar con ella?

Ella es una gran vocalista, ya sabes. Absolutamente, de lo mejor que hay. Una cantante de clase de mundial, sin lugar a dudas. Estoy muy feliz de trabajar con ella, que con su banda abrirán mi concierto en Chile.

Hablemos de tu próxima gira por Sudamérica entonces. Anunciaste que estarán tocando los clásicos de Stratovarius y le pediste ayuda a los fanáticos para construir el setlist. ¿Te sorprendió la cantidad de correos electrónicos?

No debería haber preguntado (risas). Eran como cientos, tal vez mil correos electrónicos.

¿Los leíste todos? (risas)

Bueno, obviamente yo tengo mis preferencias con respecto a ciertas canciones de Stratovarius, que son buenas. Comenzaré la gira en Colombia con Hammerfall tocando en seis ciudades, abriendo para ellos. En el resto de Latinoamérica tocaré un set más largo.

Entonces, ¿ya decidiste cuál será el setlist, basado en las solicitudes que recibiste?

¡Aquí está! (muestra un borrador de la lista de canciones a través de la cámara web, se ríe). Está casi listo, ya sabes. Tengo mis preferencias, como dije. Porque estuve en esa banda durante tanto tiempo, hicimos oro juntos. Entonces, será muy divertido tocar esas canciones de nuevo.

Me di cuenta de que muchas personas pidieron canciones de los primeros discos, donde tú eras el cantante. ¿Qué piensas sobre eso?

Bueno, cuando Timo Kotipelto se unió a la banda en 1995, decidí que ya no quería cantar en Stratovarius, porque la música estaba llegando a un punto en el que necesitábamos un cantante con una voz más alta. Timo llegó exactamente en el momento adecuado, apareció en el estudio cuando estábamos grabando Fourth Dimension. Vino a una audición en el estudio de Helsinki y fue prácticamente allí cuando todo comenzó.

Entonces, la gira se centrará principalmente en la era Kotipelto.

Algunos temas más antiguos también, ya sabes. Seguro.

Anunciaste que tocarás con músicos locales en esta gira. ¿Cuál es la razón y cómo elegiste con qué bandas tocar? Y por otra parte, ¿van a tocar con dos guitarristas o solo tú?

Será sólo una guitarra, yo. Y bueno, América Latina está llena de bandas de covers de Stratovarius, ya sabes (risas). Entonces, la idea era volver a tocar y pasar un buen rato con los fanáticos, para tener una buena reunión. Con la ayuda de estas canciones podemos hacerlo, ya sabes.

¿Has revisado esas bandas de tributo en YouTube o algo así?

Algunas de ellas, sí. ¡Pero hay tantas, hombre! (risas).

ESTE VIDEO PERTENECE AL PRIMER CONCIERTO DE STRATOVARIUS EN CHILE (1999)

Escogiste Sudamérica para hacer esta gira especial. ¿Qué tiene de especial la fanaticada sudamericana que te hace volver a tocar allí con todos tus proyectos?

Bueno, es la mejor fanaticada del mundo, ya sabes. Cuando llegamos por primera vez con Visions, éramos bastante inocentes. No teníamos idea, siendo una banda finlandesa, venir allí y encontrarnos con tres mil personas cantando nuestras letras y música. Era un coro de apoyo enorme, cada jodido concierto. Fue maravilloso, fantástico.

Pasando a un tema diferente. Recibimos hace unas semanas la triste noticia sobre el fallecimiento de Andre Matos. Ustedes trabajaron juntos en Symfonia. ¿Cuál fue tu reacción cuando te enteraste?

Estaba en shock, por supuesto. Él era mi amigo, ya sabes. Un chico tan joven, de repente nos dejó. Pasamos por algunos momentos especiales con Symfonia, definitivamente. Todavía me gusta el disco, hay algunas buenas canciones en él, creo que Andre fue un genio, definitivamente.

¿Quieres compartir algún recuerdo de tu amistad con Andre?

Sí. Andre se mudó a Suecia, estaba viviendo en un lugar muy pequeño. Volé allí, y estábamos en una cabaña en medio del bosque para grabar las voces. Andre no venía preparado, no había hecho las letras de las canciones de antemano. Así que estábamos sentados en la mesa, él estaba trabajando en las letras y luego me preguntó si estaba contento con ellas y le dije: es tu trabajo, no el mío. Ya sabes, soy un productor, así que lo veía desde el punto de vista del productor. Esas semanas en la cabaña fueron muy especiales, también porque Uli Kusch renunció a través de correo electrónico mientras grabábamos las voces. Fueron tiempos muy raros.

Asististe a un concierto de Stratovarius el pasado marzo en Helsinki, Jörg Michael también estuvo allí. La banda compartió una foto y pareció ser un momento muy especial. Ha habido algunas especulaciones sobre una posible reunión o al menos algunos conciertos con la alineación clásica. ¿Hay algo de verdad en esos rumores?

En cierta medida. Les he hecho saber a ellos que estoy dispuesto, sabes. Porque creo que los fans realmente aman esta época dorada de Stratovarius. Y si hiciéramos tal vez un DVD o un concierto en algún lugar sería muy bueno para que lo vieran los fanáticos. Sobre todo los más jóvenes, que nunca vieron esto.

También anunciaste en tu cuenta de Facebook que estás escribiendo música para Stratovarius. ¿De qué se trata entonces? ¿Has estado en contacto con la banda?

Sí, estoy en contacto con Matias Kupiainen, su guitarrista. Él es excelente, un tipo fantástico. Me pidieron que escribiera canciones para ellos, pero en este momento estoy muy ocupado con mi propio material, ya que estoy escribiendo para mi siguiente álbum. Pero escribí una canción para ellos también.

¿Quieres decir que estás trabajando en un álbum en solitario?

Si, va a salir el próximo año. Será como el estilo de Infinite, con algunos cantantes invitados. En este momento solo estoy escribiendo nuevas canciones. Es un trabajo en proceso, sabes. También tengo que ofrecerme a las compañías discográficas. Tengo que escribir demos y ellos tienen que escuchar la música. Me gustaría volver a trabajar con Nuclear Blast, eso sería muy bueno.

Si para este disco tuvieras la libertad y no hubiera restricciones para elegir músicos para construir tu banda ideal, ¿A quién elegirías?

Bueno, soy un fanático de los vocalistas, porque vengo de la era de Ronnie James Dio. Me encantaría trabajar con Kiske de nuevo, definitivamente. Y tal vez hacer algo con Kotipelto también. Acabo de hablar con él por teléfono el otro día y tuvimos una buena conversación.

¿Y qué hay de Todd Michael Hall, qué piensas sobre su desempeño en Promises, por ejemplo?

También es un cantante absolutamente genial, definitivamente.

Supongo que en este caso él solo envió sus tomas, ya que vive muy lejos, no se reunieron.

Sí, no me gusta trabajar de esta manera. Con Stratovarius cuando hicimos Visions, Infinite y Destiny, trabajamos en Finvox, grabando y produciendo a Kotipelto. La verdad es que me gustaría utilizar nuevamente el mismo equipo de Finvox en mi próximo álbum en solitario.

Mencionaste que has estado en contacto con Matias Kupiainen. ¿Qué tipo de relación tienes con él? Algunas personas podrían especular que podría haber cierta rivalidad o antagonismo porque ambos han sido guitarristas de Stratovarius.

Matias es más como una nueva generación de guitarristas. Soy más de la vieja escuela, Blackmore es mi héroe máximo. Y Matias se parece más a Steve Vai, un tipo de guitarrista como John Petruci.

Y si finalmente hicieran una reunión, ¿compartirías el escenario con él, o dividirían las canciones del catálogo antiguo y nuevo de Stratovarius?

Compartiría el escenario, definitivamente.

Ellos tienen un nuevo baterista y bajista, pero también están Jörg y Jari. Helloween lo hizo de una manera muy especial con muchos músicos en el escenario, tres guitarras, tres cantantes.

Creo que fue muy bueno para los fanáticos ver a Helloween. Especialmente Kiske, porque él es realmente genial, como todos lo saben.

Creo que la industria de la música ha cambiado mucho desde que empezaste en los años 80. No sé cómo sientes que esto ha afectado tu carrera y las oportunidades para publicar tu música.

Mientras tengas talento para escribir, el dinero vendrá de alguna manera. Esto es lo que creo.

Hoy en día, la mayoría de las bandas dicen que el dinero proviene principalmente de las giras, el merchandising, ediciones especiales de álbumes, meet and greets, ese tipo de cosas.

No me gusta mucho eso de los meet and greets, porque la gente paga mucho dinero para ver bandas y no tienen dinero para eso. A veces tuvimos peleas con promotores en América Latina con Stratovarius, porque lo hicieron sin preguntarnos. Anunciaron estos meet and greets y no estábamos contentos con eso porque nadie nos lo dijo. No queremos estafar a nuestros fanáticos, así que estoy muy en contra de eso, sabes.

Bueno, Timo, esperamos ansiosos por el show del 8 de septiembre en Santiago ¿te gustaría dejar un mensaje a tus fans e invitarlos al show?

El tour va a ser fantástico, así que espero ver a mis fanáticos en América Latina. Vamos a tener una fiesta juntos, lo pasaremos muy bien. Cantaremos las canciones de antes y todo será como de nuevo.

Gracias por tu tiempo Timo, fue un honor hablar contigo.

Gracias mi amigo ¡Cuídate!

Timo Tolkki tocará los clásicos de Stratovarius en Chile el 8 de septiembre en Blondie.
Las entradas se venden por TicketHoy.cl y sin cargo por servicio en tiendas Rock Music de Eurocentro y Portal Lyon.

Los valores son:

Preventa: Agotada
Entrada General: $20.000
Día del concierto: $25.000

Tuvimos el honor de hablar en forma extendida con la leyenda del bajo Steve Di Giorgio. Discutimos su último proyecto de estudio Spirits of Fire y su colaboración en el nuevo álbum de Arch / Matheos. También cubrimos las últimas novedades sobre Sadus, Death To All y su amor por el público chileno. Steve nos contó además algunas de sus reflexiones sobre el desahuciado segundo álbum de Control Denied. Para terminar, hablamos sobre los planes actuales de Testament, quienes ya preparan el sucesor de «Brotherhood of the Snake».

Por David Araneda

Comencemos hablando de algunos de tus proyectos más recientes. «Spirits of Fire» acaba de lanzar su primer álbum en febrero, con Tim “Ripper” Owens, Chris Caffery (Savatage) y Mark Zonder (ex Fates Warning) en sus filas. ¿Cómo surgió la idea de esta súper banda?

Fue completamente la idea de la compañía discográfica (Frontiers Records). Ellos tenían la idea de una banda formada por músicos estadounidenses. No estaban interesados ​​en que se nos ocurriera algo completamente nuevo y revolucionario, pero querían ver qué pasaría si nos juntaban a hacer música. Contrataron a Roy Z para ayudar a producir y mezclar el álbum. Chris Caffery escribió la mayoría del material, Tim escribió algunas cosas y creo que Roy también. Todos contribuimos con nuestras partes desde nuestros propios estudios, ya que vivimos muy lejos los unos de los otros. A la compañía pareció gustarle el resultado, así que surgió la idea de juntarnos en Los Ángeles para grabar un par de videos de promoción. Esa fue la primera vez que nos juntamos los cuatro. Si es que algo más va a suceder con esta banda en el futuro, eso depende principalmente de los fanáticos, de su entusiasmo y de la demanda.

También participaste en el próximo álbum de Arch / Matheos. Entendí que hay tres bajistas y tres bateristas involucrados. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con miembros antiguos y actuales de Fates Warning? ¿Se reunieron en el estudio o cada uno envió sus grabaciones?

Creo que todo el proyecto se realizó con los músicos grabando en sus propios estudios, no nos reunimos. Desde mi punto de vista, toqué en tres canciones y le envié mis pistas de bajo a Jim (Matheos). Como dijiste, estuvieron involucrados el anterior y actual bajista de Fates Warning. También participó Sean Malone de Cynic, que tocó en una o dos canciones al menos, e incluso Jim Matheos tocó el bajo, además de mí. Lo que hace cinco bajistas, supongo.

Suena como una locura. Estoy realmente entusiasmado con el resultado, no sé si se sentirá como un disco consistente o como una mezcla de cosas diferentes. ¿Has escuchado el disco completo?

Todavía no he escuchado el álbum completo. He escuchado las canciones en las que toqué, pero no las otras. De las tres canciones en que estuve, dos fueron con Bobby Jarzombek y una con Thomas Lang en batería. Me imagino que será bastante consistente porque los músicos que cambian son solo los bajistas y los bateristas. Las guitarras son constantes y obviamente el cantante también. Sé que Jim (Matheos) y John (Arch) realmente querían dejar claro que esto es solo un proyecto paralelo porque John, el cantante, no está viviendo la vida de un músico a tiempo completo, por lo que no se va a preparar una gira o algo así. Hubo algo de confusión con su primer álbum, ya que algunos pensaron que Fates Warning se había reunido con su vocalista original. La adición de otros músicos en este segundo álbum disminuye esta confusión. A decir verdad, soy un fanático de su música, realmente me encanta que hayan grabado un segundo disco y cuando recibí la oferta para tocar no podía creerlo. Estuve en Pensilvania brevemente para grabar el video que lanzaron hace unas semanas, y fue alucinante estar en el escenario junto a John Arch. A pesar de que tocamos la misma canción una y otra vez solo para el video, me imaginaba como sería un concierto en vivo con esa banda y fue increíble.

Volviendo a Sadus. Has sido parte de la banda desde sus comienzos. En 2017, Darren Travis (guitarrista y vocalista) anunció que estaba trabajando en el próximo álbum de Sadus, y que al menos Jon Allen (baterista) participaría en él. ¿Qué hay de ti, estás involucrado en eso?

La verdad no sé qué pasa con eso en estos momentos. Cuando Darren hizo el anuncio, yo estaba en medio de una larga gira. He estado muy ocupado con mis otros proyectos en los últimos años y a pesar de que nos mantenemos en contacto, en lo que respecta a trabajar en nuevas canciones es un mal momento para mí. Sé que Jon estaba involucrado en eso, pero ahora él se mudará a un lugar totalmente diferente del país, así que no sé si algo esté sucediendo últimamente. Las personas a veces anuncian cosas basadas en una esperanza en lugar de tener algo tangible, así que no estoy realmente seguro. Creo que tal vez Darren solo quería ver qué tipo de respuesta habría por parte de los fanáticos, pero ha pasado mucho tiempo, hace más de diez años que no tocamos juntos. En cuanto a los tres haciendo música nueva, no creo que eso suceda pronto.

Con Sadus lanzaron un álbum oficial en vivo de un concierto grabado en Chile, del cual también hay un video aficionado que ha alcanzado un status de culto entre los fanáticos de nuestro país. ¿Tienes algún recuerdo especial de aquellas visitas a Chile con tus diferentes bandas?

Oh, sí. Con Sadus fue la primera vez que estuve allí, pero he vuelto muchas veces más con Testament y con Death to All, creo que incluso con Sebastian Bach tocamos allí. Santiago es una ciudad muy especial, he tenido algunos de los shows más locos que he visto en mi vida alí. Parece que siempre tocamos en el mismo teatro, siempre me olvido de su nombre. Es un lugar bastante grande, no es un local pequeño.

Tal vez te refieres al Teatro Caupolicán.

Sí, ese debe ser. Es un local muy agradable, todo funciona muy bien y el público es increíble, están chiflados. Algunas de las cosas más locas que jamás hemos visto suceden en el moshpit cuando tocamos allí. Es una locura. Quiero decir, generalmente tocamos primero en Buenos Aires y luego en Santiago, y se nota una gran diferencia entre la actitud y la energía de la gente. Es un mundo totalmente diferente, a veces bajamos desde Perú después de tocar en Lima, pero Santiago es como un mundo completamente aparte, la gente es tan diferente que es difícil de creer. Me encanta tocar allí.

Has participado en las diferentes encarnaciones de Death to All. ¿Hay planes para otra gira?

Lo estamos intentando, la banda está en contacto permanentemente acerca de nuestro próximo movimiento. Pero el problema con esta banda es que, al ser un acto de tributo, no tenemos material nuevo, así que no es como el ciclo de gira normal de una banda. Es complicado, porque cuando la gente nos ha visto una o dos veces, no tenemos nada nuevo que ofrecerles. Es una línea que no queremos cruzar, no queremos sobrexplotar la idea. Pero, por otro lado, tuvimos mucho éxito. Cada vez que nos presentamos tuvimos la sensación de que la gente lo disfrutó. Estamos trabajando en ello, tratando de encontrar un mánager adecuado que pueda funcionar para nosotros. Creo que es una larga forma de decir que no tenemos noticias concretas para anunciar, pero estamos trabajando en ello. Hace unos meses, estaba bastante seguro de que este año haríamos algunos shows. Sudamérica estaba en la mira, también Australia y Canadá. Pero no he escuchado nada nuevo recientemente. La esperanza está ahí, y nuestros deseos están ahí, pero todo tiene que calzar para que eso suceda.

En mi opinión, Max Phelps hizo un gran trabajo, creo que fue un homenaje muy respetuoso a Chuck. Quería escuchar tu visión sobre la gira del holograma de Dio y ese tipo de cosas que están haciendo hoy en día con artistas que han fallecido.

He escuchado acerca de eso, pero nunca lo he visto, así que no sé cómo se vea. En mi mente parece algo bastante raro, así que no lo sé. Supongo que si se hace bien y funciona, se volverá cada vez más frecuente. Nunca se sabe, quizás podríamos conseguir un holograma Chuck en el futuro (risas). En realidad, Max parece un holograma de Chuck, por alguna razón es tan similar. Y es gracioso, porque no se le pidió estar en este proyecto por eso. Se le invitó porque es un músico increíble con una gran actitud. Más tarde, comenzamos a reconocer las similitudes con Chuck, y nos matamos de la risa. Max hace un gran trabajo. Cuando hicimos la primera gira de Death to All en 2012, teníamos un set de tres horas con dos cantantes diferentes, y ambos lo hicieron realmente bien. Pero más tarde, cuando trajimos a Max, nos acostumbramos a tenerlo. Como tú lo dijiste, desde el punto de vista de un fanático, él hace un muy buen trabajo interpretando las partes de Chuck y cantando sus letras, pero sin tratar de imitarlo. Entonces, la gente lo reconoce y ve que es respetuoso. Así que decidimos que realmente no queremos tocar sin Max, él es la cara de Death to All actualmente. Esa es otra dificultad. Cuando comenzamos, pensamos que todo era intercambiable, por la cantidad de músicos que tocaron en Death, y creíamos que podríamos formar una alineación con cualquiera de ellos. Pero la alineación que hemos utilizado en los últimos años ha funcionado realmente bien, por lo que estamos afiatados entre los cuatro. He hablado con los miembros de la banda, Gene (Hoglan), Bobby (Koelble) y Max (Phelps). Sé que todos queremos hacer esto de nuevo, el deseo está ahí. Solo tenemos que esperar la situación correcta, desde el punto de vista financiero y de logística.

Continuando con el legado de Chuck. Se anunció hace un tiempo que «When Man and Machine Collide» (el segundo álbum de Control Denied) nunca sería finalizado ¿Alguna novedad al respecto?

Bueno ¿Cómo dice el refrán? La vista en retrospectiva es perfecta o algo así, lo que significa que cuando miras hacia atrás todo parece bastante obvio. Cuando miro hacia atrás en este proyecto, creo que es una cosa que nunca iba a suceder. Cuando Chuck continuó haciendo grabaciones por su cuenta para Control Denied, la máquina que utilizó fue una máquina de muy corta duración en el mercado. Estas grabaciones se hicieron en un momento en el que existían muchas opciones diferentes para grabación digital y algunas de ellas no se popularizaron. La máquina se dañó desde el principio, por lo que gran parte del problema de terminar el álbum de Control Denied después de la muerte de Chuck tuvo que ver con rescatar la información desde esta máquina obsoleta. Incluso Richard (Christy) llevó la máquina a Nueva York e intentó lo que llaman extracción digital, que traduce el código binario en formas de onda que suenan como música. Había muchos errores, por lo que fue un gran desastre y las únicas personas que podrían trabajar en eso eran Shannon (Hamm) y Jim Morris, el productor. Definitivamente lo intentaron, pusieron mucho esfuerzo en ello. Pero luego nos dimos cuenta de que recrear las partes que Chuck escribió sin utilizar sus grabaciones, con Shannon tocando todas las guitarras, incluso eso tomaría una eternidad. No lo sé, es muy complicado y finalmente nos dimos cuenta de que no solo era difícil, sino que casi imposible. Jim dijo: “Chuck me dejó solo una instrucción, si no puedes hacerlo bien, no lo hagas”. Entonces, no vamos a hacerlo, no vamos a publicar algo que no sea lo que compuso Chuck.

Volvamos al presente. ¿Cómo van las cosas con Testament? Por lo que entiendo están preparando un álbum. Al menos tienen una gira por delante.

Hay un montón de nuevas ideas de canciones que están dando vueltas. Eric Peterson tiene un montón de nuevas ideas, Alex (Skolnick) ha escrito algunas ideas, y Gene (Hoglan) también ha trabajado en algunas cosas. Me he juntado con Eric y he trabajado en líneas de bajo. Chuck (Billy) en su propio estudio ha estado probando algunas ideas vocales. Definitivamente va a haber un nuevo álbum porque estamos bastante avanzados en el proceso de composición. Hay suficientes ideas de canciones para un álbum, pero no creo que tengamos una canción terminada todavía. El plan es grabar una vez que esté todo el material compuesto en los próximos meses, y luego nos iremos de gira. Haremos muchos festivales en Europa y al mismo tiempo el álbum será finalizado con la mezcla y la postproducción, más el trabajo artístico. Una vez que el álbum sea lanzado, el setlist cambiará para incluir las canciones nuevas. Escuché un rumor, no tengo ninguna fecha, pero escuché que Sudamérica está en nuestros planes de viaje para este año ya que no hemos tocado allá por un tiempo. Con Testament suceden cosas todo el tiempo, ya sean festivales o giras como cabeza de cartel o un nuevo álbum. Realmente disfruto de estar de vuelta, ya que es una banda muy activa. Es genial, siempre te mantiene ocupado.

Lo que más me gusta de Testament es el hecho de que siguen lanzando álbumes muy buenos hasta esta fecha, y no dependen de su catálogo anterior. Cuando salen de gira con un nuevo álbum, es genial escuchar las nuevas canciones, no es como «Ok, estas son las nuevas canciones que no son tan buenas como las antiguas».

Sí, somos bastante afortunados. Como mencionaste, algunas bandas solo se mantienen gracias a las canciones que los hicieron famosos. Testament tiene la suerte de poder hacer música relevante y emocionante en la actualidad. Desde el interior, veo cuánto trabajo esto requiere, todos en la banda se toman en serio lo que hacen, y se le presta mucha atención a lo que los fanáticos disfrutan. Siempre intentamos reunirnos y mantenernos en contacto con los fanáticos. Al principio, parecía como una obligación para una banda hacerse accesible a los fanáticos, pero al haber sido parte de ella durante tanto tiempo, veo que la comunicación constante con la gente que disfruta de la música es algo vital. Esa es una de las claves del éxito de Testament, su capacidad de estar en sintonía con los fanáticos, evitando que la banda se desvíe en alguna dirección errónea. Es asombroso verlo y ser parte de eso.

Creo que he cubierto todas las cosas que quería preguntarte, así que muchas gracias por tu tiempo y por compartirnos estas historias. No sé si quieres dejar un mensaje para tus fanáticos chilenos.

Bueno, siempre me gusta expresar mi agradecimiento a todos los que mantienen viva la escena y muestran interés por la música. Eso es realmente apreciado por alguien que ha trabajado en esto durante tanto tiempo, ya sabes. Creo que ya hemos hablado sobre el amor de los músicos de metal hacia Chile. Estoy seguro de que la gente en Santiago sabe lo especiales que son. Nos encanta tocar allí, tanto como a ellos les encanta vernos tocar. Definitivamente nunca los olvidaremos, siempre tenemos en mente regresar allí y disfrutar de ese país.

Muchos de los conciertos que hemos vivido en el último tiempo han sido grandes combos de bandas, pero pocas veces tenemos la suerte de que ambas sean tan queridas por el público. Este domingo 19 de mayo será una de esas oportunidades, cuando Vuur llegue por segunda vez consecutiva a Chile, y además, junto a Delain, quienes tendrán su tercera el hilo con nuestro país. 

Anneke van Giersbergen y Charlotte Wessels serán las frontwoman de esa noche, con quienes tuvimos una conversación a pocos días de verlas nuevamente en su casa: Chile.

por Karim Saba & Guille Salazar

EL HAT-TRICK DE DELAIN EN CHILE

Para Delain, esta es la tercera visita consecutiva a a Chile, algo no fácil de lograr para una banda europea, por lo que le preguntamos a Charlotte Wessels, ¿cómo surgió la idea de venir con Vuur esta vez, y cuál es su relación con Anneke?

Charlotte responde: «¡Estamos muy entusiasmados de volver a Chile! Salimos de gira con Anneke antes de nuestro tour promocional de ‘The Human Contradiction’. Ella con The Gentle Storm se nos unieron en ese entonces ¡y tuvimos un trayecto increíble! Estamos felices de girar juntos nuevamente, esta vez con Vuur«.

Al lanzar «Hunter’s Moon» comentaban que «es un lanzamiento muy emocionante» para uds. y que por lo mismo eligieron a Islandia como locación para el video de «Masters of Destiny». ¿Qué tipo de emociones les trajo este lanzamiento que no hayan sentido anteriormente?

«Creo que estamos presentando un lanzamiento muy diverso e interesante con ‘Hunter’s Moon’. Las nuevas canciones, el material en vivo desde la gira ‘Danse Macabre’, los duetos con Marco Hietala (Nightwish), nuestro cover ‘Scandal’ de Queen… Hay un montón que ofrecer, tanto en el CD como en el Blu-Ray, ¡es lo mejor de ambos mundos!»

Sobre el single «Masters of Destiny», han comentado en diversas entrevistas que es una canción muy potente para uds, pero sobre todo, que marca un sonido distinto a lo que venían haciendo. ¿Hasta qué medida podemos imaginar que este será el sonido que marcará su próximo LP?

«La canción explora diferentes colores, tanto en el mundo instrumental como en el vocal, tiene una estructura de canciones elaborada y orquestaciones muy exuberantes. En ese sentido, no necesariamente sigue las reglas de lo que generalmente se considera una canción única típica, sin embargo, fue la canción la que más se destacó para nosotros, tal vez incluso debido a las reglas que no sigue. En cuanto a la dirección de nuestro próximo álbum de estudio, las canciones que tenemos hasta ahora son en su mayoría muy dramáticas y optimistas, por lo que en ese sentido es definitivamente una señal de lo que está por venir».

A propósito de ese próximo álbum, ¿tienen planificado cuándo grabarlo?

«Luego de la gira por Sudamérica tenemos que cerrar este nuevo álbum. Luego tendremos una temporada completa de festivales, posteriormente volveremos a Norteamérica y Europa para hacer extensas giras con este nuevo álbum bajo los brazos».

ANNEKE JUEGA DE LOCAL

Anneke van Giersbergen ya es de la casa. Ya con sus primeras visitas junto a The Gathering se ganó el corazón de Chile, donde la recibimos con los brazos muy abiertos tanto en sus shows en solitario como con todos sus proyectos. Esta será la segunda vez junto a Vuur, donde es evidente la mezcla de estilos que ha plasmado en su álbum debut «In This Moment We Are Free – Cities» del 2017. «Sin duda, me gusta escuchar muchos estilos distintos, cada género me inspira de una manera diferente. Escucho harto progresivo y Metal Alternativo como Opeth, Mastodon o Gojira«, nos comenta Anneke.

Tienes una carrera sobresaliente, se sabe que muchos proyectos musicales han sido bendecidos con tu participación. ¿Hay alguien en particular del que tengas tus mejores recuerdos? ¿tal vez hasta el punto en el que irías más lejos con él? 

¡Sí!, tengo la suerte de trabajar con muchos artistas maravillosos en muchos géneros distintos. Lo disfruto mucho. En realidad, de alguna manera, si trabajo con personas o bandas que amo y descubrimos que nos inspiramos mutuamente, la mayoría del tiempo trabajamos juntos de nuevo y colaboramos más a menudo. Por ejemplo, con Devin Townsend, Arjen Lucassen, Amorphis, Within Temptation y Danny Cavanagh.

Nos emocionamos cuando nos enteramos que Santiago iba a ser seleccionada como una de las ciudades honradas para estar representadas en una canción. Como compositora, ¿cómo es el proceso de crear el vínculo de las emociones y/o los recuerdos de sus canciones a las ciudades presentadas?

«Cada ciudad tiene su propia historia y ambiente. Cuando visito una ciudad para hacer un concierto, me encuentro con diferentes tipos de personas, con diferentes bases culturales y eso siempre me inspira. Cosas como el clima, la naturaleza, el arte y la música en un país diferente también me inspiran mucho».

Hablemos sobre lo que se viene en Chile. Cuando tienes más de 25 años de carrera y debes elegir entre un repertorio gigante para tu público, ¿cómo eliges y qué tan difícil es dejar algo fuera?

«Sí, de hecho, ¡hay muchas para escoger! Algunas canciones son fáciles de elegir, las canciones que son favoritas del público, por ejemplo. Cuando hice la gira acústica en Holanda, tuve que elegir canciones que fueran adecuadas para reorganizar la guitarra acústica y los espectáculos orquestales, para una gran orquesta. También canciones de Gathering, The Gentle Storm y Vuur, así que me concentro en los arreglos, la melodía y las letras. Fue divertido recordar los últimos 25 años de esta manera».

A la hora de preguntarles sobre sus últimos pasos por nuestro país, ambas guardan grandes recuerdos de aquellos emocionantes conciertos.

Anneke comenta: «Tocamos con Vuur junto a Epica, ¡y estuvo genial! girar con Epica y tocar en Santiago nuevamente. Ya no aguantamos por volver, ¡esta vez junto a Delain!».

Por su parte, Charlotte pone un punto de comparación entre los shows del 2017 en un pequeño recinto como el Club Subterráneo y luego el 2018 ante 4 mil personas junto a Nightwish en el Teatro Caupolicán. «Fueron muy diferentes, pero lo que los conecta es la pasión increíble de los fans chilenos. Ambas noches estuvieron grandiosas, ¡y ya no puedo esperar a vivirlo nuevamente en mayo!»

Y para ambas, ¿qué nos prepara cada banda para este combo que veremos en Santiago?

Charlotte: Nuevas canciones, nuevos looks, nuevos sonidos, ¡pero la misma energía y ganas de hacer una noche para recordar para todos nuestros fans chilenos!

Anneke: Iremos con un show Heavy y esperamos ver a nuestro propio público, así como conocer a los seguidores de Delain. ¡Lo más probable es que la mayoría de la gente conozca a ambas bandas y tendremos una experiencia maravillosa todos juntos!

Tanto a Charlotte como a Anneke les pedimos un último mensaje para los fans que dirán presente el próximo domingo 19 de mayo en el Teatro Cariola y esto fue lo que nos dijeron:

Charlotte: ¡Hola a todos en PowerMetal.cl! Gracias por leer esta entrevista, espero que nos vayan a ver cuando Delain toque en Santiago junto a Vuur en mayo. ¡Hemos esperado un montón por este regreso y ya estamos ansiosos por verlos a todos! ¡Rock on!

Anneke: Estamos felices de volver a Chile y disfrutar de la gente, la cultura, comida, clima, música, ¡y mucho mucho más! ¡Nos vemos pronto!

Recuerda que la apertura de Vuur + Delain en Chile estará a cargo de nuestra compatriota Caterina Nix junto a su banda.

Las entradas para el concierto se venden en Puntoticket.com y centros habilitados en el Teatro Oriente (Pedro de Valdivia #99, Providencia), PuntoTicket Store (Padre Mariano #236 local 102, Providencia y en Mall Parque Arauco Piso 2, Local 649, Las Condes), tiendas Hites y Cinemark que puedes revisar aquí. Sin cargo en tiendas The Knife (Eurocentro) y Rockmusic (Portal Lyon), sólo en efectivo

Los valores son:

Cancha: $29.000
Platea: $29.000

Dia del Show:
Cancha: $33.000
Platea: $33.000

Desde su disco debut en 2011, los finlandeses Battle Beast vienen captando la atención de los amantes del metal melódico con toques de rock ochentero. A su vez, la joven cantante Noora Louhimo se ha convertido en una de las revelaciones de los últimos años en cuanto a vocalistas femeninas se refiere, con un timbre y presencia escénica única.

Luego de la salida de su guitarrista fundador Anton Kabanen, Battle Beast ha continuado su propio camino con “Bringer of Pain” (2017) y su recientemente publicado “No More Hollywood Endings”. Cabe destacar que las últimas tres placas de la banda han llegado al tope de las listas de su país natal, alcanzando además altas posiciones en Alemania.

Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de conversar con la simpática Noora, justo antes del lanzamiento de “No More Hollywood Endings”. En esta entrevista, Louhimo nos contó detalles sobre el proceso creativo del disco, sus canciones favoritas de este, además de sus influencias musicales y la posibilidad de visitar Sudamérica en el futuro. 

por David Araneda

¿Cómo te sientes con el lanzamiento de «No More Hollywood Endings»? ¿Qué puedes decirnos sobre la dirección musical de este nuevo álbum?

¡Me siento muy bien! estamos super emocionados. Nos hemos estado preparando para los show desde principios de este año, así que estoy muy entusiasmada de volver a salir de gira, tocar el nuevo álbum en vivo y mostrarle a la gente lo que hemos hecho. Queríamos hacer que este nuevo álbum tuviera un sonido más grandioso. Utilizamos una sección de cuerdas en cinco canciones para darle más teatralidad y más versatilidad. Queríamos también mostrar diferentes aspectos de Battle Beast y de mí como cantante.

Este es su segundo álbum sin Anton Kabanen. ¿Cómo ha cambiado el proceso creativo de la banda después de su partida?

Desde «Bringer of Pain», todos los miembros pueden aportar canciones para Battle Beast, así que ese es un cambio importante, ahora tenemos más de un compositor. Y también en cuanto a la producción, nos hemos desarrollado mucho en esa área, hoy en día todo es más profesional.

Uno de mis temas favoritos del nuevo álbum es «Unbroken», y por lo que entendí la letra es muy personal. ¿Puedes decirnos qué inspiró esta canción?

Janne (Björkroth, tecladista) escribió esta canción que trata sobre sufrir bullying. Y también tiene un mensaje para los matones, que quizás no deberían hacer eso, ya que afectarán las vidas de otros para siempre. La gente sufre traumas y eso afecta su autoestima, y ​​este es un tema personal para mí porque también fui acosada cuando era niña. Por lo tanto, queremos alentar a las personas que sufren y decirles que lo superarán, y que no están solos.

Entonces, ¿hoy en día las letras están hechas por todos los miembros, o hay alguien principalmente a cargo de las letras?

A decir verdad, en este nuevo álbum quienes han escrito las canciones son Janne (Björkroth, teclado), Jonna (Björkroth, guitarra) y Eero (Sipilä, bajo), y ellos han hecho las letras para sus propias canciones. Eso es muy importante para un compositor, que puedan escribir sus propias letras, y que puedan contar una historia a través de ellas. Pero luego mi trabajo es darles la emoción y el sonido característico a las canciones. Como vocalista, yo estoy al servicio de las canciones. Canto cada canción con un estilo diferente si es necesario, y eso es lo que sucedió con las canciones del nuevo álbum.

Mencionaste que esta vez incluyeron una sección de cuerdas para algunas de las canciones. ¿Qué les hizo tomar esa decisión?

Fue Janne, nuestro tecladista y productor, él escribió algunas de las canciones y pensó que así sería más épico. Las cinco canciones en las que incluimos la sección de cuerdas requerían que estas fueran de verdad, porque siempre suena mejor cuando tienes cuerdas reales y no generadas por computador.

¿Tienes alguna canción favorita en particular en el nuevo álbum, una que te mueres por tocar en vivo?

En realidad hay muchas. Por ejemplo: «Raise your Fists» y «The Golden Horde», porque son realmente épicas, especialmente «Raise your Fists» es una canción muy pesada y teatral de Heavy Metal, y «The Golden Horde» es una verdadera explosión, así que estoy muy emocionada. Y, por supuesto, «Endless Summer» también es una de mis favoritas.

Durante tu carrera con Battle Beast, han lanzado bastantes videoclips. Pareces muy teatral en esos videos, bailando y actuando. ¿Eres una artista natural o tienes que prepararte mucho para esos videos?

Bueno, creo que soy una artista natural, pero por supuesto tienes que prepararte mucho. De hecho, con los bailarines tuvimos un mes de ensayos para la parte de baile antes de la grabación del video (refiriéndose a “No More Hollywood Endings”). No puedes hacer nada sin prepararte y ensayar. Pero era algo que siempre quise agregarle a Battle Beast, algo relacionado con el baile. Y eso me hace muy feliz.

Al parecer hay muchas influencias diferentes en el sonido de Battle Beast, como el Rock y el Metal, pero también la música ochentera. ¿Por qué crees que este tipo de música es tan popular hoy en día, incluso entre personas que aún no habían nacido o no recuerdan nada de los ochenta?

Creo que las canciones de los años ochenta y setenta son buenísimas, y sobre todo el sonido y la composición son muy atractivos para las personas.

¿Qué músicos te han influenciado como cantante?

Hay muchos vocalistas diferentes, por ejemplo, en el Heavy Metal Bruce Dickinson, Ronnie James Dio, Rob Halford, Ann Wilson. Pero también cantantes pop como Whitney Houston y Michael Jackson. Pero mi mayor ídola es, por su puesto, Janis Joplin, porque creo que en su tiempo ella hacía algo completamente diferente a las otras cantantes femeninas.

David: Has mencionado que tu objetivo con Battle Beast es dominar el mundo, pero aún los estamos esperando en Sudamérica. ¿Cuándo vendrán a visitarnos?

La verdad es que tenemos planes de ir a Sudamérica durante el otoño (primavera en el hemisferio sur), por lo que después de nuestra gira con Kamelot y Sonata Arctica en Norteamérica, planeamos visitar Sudamérica por un par de semanas. Las fechas serán publicadas tan pronto como sea posible e iremos como cabeza de cartel.

¡A tus fans chilenos les encantará oír esto! Para terminar esta entrevista. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a tus admiradores chilenos y lectores de PowerMetal.cl?

Por supuesto, ¡Muchas gracias por todo el apoyo! Obtengan su copia de «No More Hollywood Endings», espero verlos este otoño (primavera en el hemisferio sur) para salir de fiesta juntos. Estoy muy emocionada de llegar a Sudamérica con Battle Beast para conocer a nuestros fanáticos chilenos cara a cara y compartir con ellos el amor por la música.

«El Teatro Caupolicán es como un segundo hogar para mí», así describe Tobias Sammet su vínculo con Chile, donde lo tendremos de vuelta el 29 de mayo.

Como siempre, el líder de Avantasia se tomó un tiempo para conversar con PowerMetal.cl, donde nos contó lo feliz que está con la respuesta que ha tenido «Moonglow», su más reciente creación, la libertad que posee al momento de hacer canciones y su orgullo por reunir a «algunos de los mejores cantantes de la historia del Rock».

Para escuchar las respuestas de Tobias Sammet, sólo haz click en el botón «play».

por David Araneda

¡Qué tal Tobi! ¿Cómo te encuentras hoy?

¡Estoy muy bien, gracias! Con mucho trabajo, los preparativos de la gira continúan y van muy bien. Hay muchas cosas que organizar, pero podría ser peor. Podría haber lanzado un álbum de mierda, pero hemos lanzado un álbum que ha tenido una gran reacción. Los preparativos de la gira van bien, y para muchos shows las entradas se están agotando. La vida me trata realmente bien en estos días, tengo que decirlo.

Es tu primer álbum que alcanza el número uno en Alemania. ¿Cómo se siente?

Bueno, ya sabes, te mentiría si te dijera que no se siente bien. Pero mi vida realmente no ha cambiado, porque lo más importante es que a los fanáticos realmente les ha gustado el álbum, les ha gustado mucho, tengo que decirlo. Estoy feliz con el álbum, pero tengo que decir que estaba igual de feliz con The Mystery of Time y con The Scarecrow. La felicidad y la satisfacción que tienes con un álbum no depende de su posición en las listas. Además, no es suficiente si todos compran el disco y las ventas son buenas, pero ¿qué pasa si no les gusta? Lo bueno fue que en la segunda semana seguíamos siendo el número tres en las listas y en la tercera semana todavía estábamos en el número nueve. Entonces, eso significa que a los fans les gustó mucho el álbum, y que la gente está hablando de eso. Estoy muy feliz con el álbum. Y, por supuesto, estoy orgulloso. Creo que a mi madre le gustó escuchar que soy el número uno (risas).

Sí, ¡es genial escuchar eso! Tengo que decir que me sorprendió la aparición de Mille Petrozza en ‘Book of Shallows’, creo que es la canción más pesada de Avantasia. ¿Has considerado invitar a otros cantantes de metal extremo en el futuro?

Bueno, no..c. realmente no pienso mucho en el futuro. He pensado tanto en el futuro durante los últimos veinte años que casi me olvidé de ser un artista libre y disfrutar del momento. Por eso ahora no pienso tanto en el futuro. Con Mille lo hemos hablado porque él es amigo mío y siempre estoy interesado en agregar nuevos elementos a mi música. Pero no a la fuerza, sino de forma natural. Es realmente emocionante y estoy abierto a hacer cosas que me sorprenden y me emocionen. Porque de eso se trata la música. Como artista, nunca debes hacer lo que la gente espera, para luego poder venderlo. Debe tratarse de tu propia realización y de tus emociones. Mille y yo hemos sido amigos por largo tiempo y siempre he tenido un gran respeto por Kreator, y él respeta lo que hago con Edguy y Avantasia. Habíamos hablado de esta colaboración muchas veces, pero eso no significa que planee hacer otro álbum con un vocalista de Black Metal, o lo que sea. Estoy más interesado en la música melódica, tengo que decirlo. Más en el estilo de Iron Maiden, Ronnie James Dio, Def Leppard, etc.

Claro, se entiende …

Pero me gusta Mille, ya sabes. Y me gusta el resultado. Pero lo que más me gusta de Mille, tengo que añadir esto: Muchas veces, cuando escucho voces guturales o gruñidos o como les llamen hoy en día, muchos lo hacen por estar de moda, y la gente lo repite porque todos lo hacen. Muchas de estas bandas góticas, que tienen hermosas cantantes, que se ven muy góticas y hermosas y que cantan como Tarja Turunen, luego tienen un guitarrista que escupe al micrófono y grita y chilla. Está muy de moda y es muy artificial. Pero Mille, él es de verdad. Él es una fuerza original de la naturaleza. Eso es lo que realmente me gusta de él, es honesto y auténtico.

Sí, estoy completamente de acuerdo contigo. ¿Y qué hay de ‘The Raven Child’? Es una canción muy larga y épica. ¿De dónde sacaste la inspiración?

Bueno, las canciones simplemente vienen y son solo el reflejo de lo que sientes en ti mismo a nivel musical y mental. Además, dejas salir todo lo que tienes dentro de tu pecho musicalmente y líricamente. ‘The Raven Child’ fue una de estas canciones. Creo que las primeras partes de la canción fueron escritas hace cinco o seis años. Pero a veces es el momento equivocado para que la canción correcta sea finalizada. En ese entonces, tuve la sensación de que no podía hacerle justicia a la canción ya que no tenía un vínculo emocional con ella en un momento determinado. Así que la dejé de lado por tres, cuatro, cinco años, y luego volví a trabajar en ella porque de repente se abrió ante mí, y dije: OK, tengo que hacer unos cambios por aquí y por allá, y tengo que escribirle una introducción celta. Empiezas desde esa idea inicial que se comienza a desarrollar y luego se va construyendo pieza por pieza, ladrillo por ladrillo. Y se va desarrollando en todas las direcciones posibles. Como en una de esas series de películas de terror, en donde la casa fantasma crece y construye más y más alas a su alrededor como si fuera un castillo. Sabes, es una cosa muy extraña, se va construyendo a sí misma, convirtiéndose en una propia entidad viva. Y eso es lo que sucedió con esta canción, a veces simplemente no quiero interrumpir el proceso y solo quiero ver hacia dónde me lleva. A final de cuentas, no planeaba que durara once minutos, pero sucedió.

Ya veo …

Y con nuestro tipo de música, afortunadamente soy un artista independiente, no tengo una compañía gigante detrás de mí. Tengo una compañía discográfica, pero ellos son solamente el distribuidor. Yo soy el jefe, así que básicamente, ellos son los distribuidores de mi música, por lo que puedo tomar las decisiones. Estoy feliz de no ser una de esas empresas corporativas de música que tienen que entregar un producto para alimentar una máquina. Lo gracioso es que cuando fui a hablar con Nuclear Blast les comenté que quería que este fuera el primer sencillo, porque pensé que les daría a los fanáticos una buena idea de lo que se trata el nuevo álbum. Que no es música fácil ni accesible. Que es algo a lo que debes dedicarte y tomarte tu tiempo, masticarlo. No es algo que puedas tragar mientras estás medio dormido y medio narcótico. Es algo que en lo que realmente tienes que ahondar, procesarlo y prestarle atención. Y ‘The Raven Child’ fue un ejemplo perfecto de esto, así que les dije que quería que este fuera el primer single. Por supuesto, en el sello discográfico hicieron un facepalm y les dije: Ok, bueno. Pero, ¿qué tenemos que perder? En la radio no van poner el single de todas maneras, así que no importa si son tres o quince minutos. No hace la diferencia.

Quería preguntarte sobre la próxima gira que comenzará en un par de semanas. Ahora que tenemos la lista de músicos que se unirán a ti, notamos que Michael Kiske no estará. ¿Puedes decirnos quién se encargará de la difícil tarea de cantar sus partes?

Bueno, ya sabes, yo voy a hacerme cargo de algo de eso. Geoff Tate también va a hacer algunas de sus partes. Tenemos un arma maravillosa en los coristas: Adrienne Cowan, una vocalista increíble, es extraordinariamente talentosa y muy diversa. Ella puede lograr cualquier cosa. Y, por supuesto, tenemos tantas canciones que en este momento me preocupa más hacer espacio para todo lo que queremos tocar, más que preocuparme por un cierto pasaje que nadie más puede cantar excepto Michael Kiske. Quiero decir, canciones como ‘Reach Out for the Light’, las haré con otra persona, no sé quién se me unirá en esa, pero en el disco también he cantado ‘Reach Out for the Light’ solo, excepto por el coro. Pero lo haremos. Estoy realmente triste porque Michi no puede ser parte de la gira, pero debo decir que siempre hay una forma de hacer algo diferente y hacerlo bien. Y no tendremos ninguna excusa, pondremos el mejor espectáculo de Avantasia que podamos ofrecer y será un gran show. Acabo de hablar con Michi ayer. Estamos en contacto, todo está bien. Él quería descansar un poco después de la última gira de Helloween. Lo entendemos, y es por eso que estamos haciendo la gira sin él esta vez.

En relación a eso, una pregunta fuera del mundo de Avantasia. ¿Tuviste la oportunidad de ver la gira de reunión de Helloween? ¿Crees que tuviste algo que ver en que esto sucediera?

Bueno, lo vi en TV, vi una de las transmisiones de TV. No estuve allí personalmente, pero lo vi en la televisión y me puse orgulloso de ellos. No sé si tuve algo que ver con esto sucediera. Estuve allí cuando se reencontraron (Kiske y Weikath). Fue en Francia, detrás del escenario. Michi siempre dice que fue en Suecia, pero fue en el Hellfest en Francia, en el verano de 2013. No sé si tuve algo que ver con eso. Bueno, quizás sí, porque cuando Kai y Michi salieron de gira con Avantasia en 2010, luego hicieron juntos Unisonic. El baterista de Unisonic era, por casualidad, uno de los manager de Helloween, así que todo se fue confabulando. Creo que hubiera ocurrido de todos modos, pero tal vez aceleramos un poco las cosas (risas).

¡Muchas gracias por eso! Continuando con la gira: visitarás Chile por cuarta vez con Avantasia ahora en mayo. ¿Hay algo especial con el público chileno que te hace querer volver?

Bueno, ya sabes, son ruidosos y están locos. Fue genial desde que estuve allí por primera vez, siempre nos han recibido con los brazos abiertos y el público es genial, son muy apasionados. En cierto modo, es muy divertido porque Santiago me recuerda mucho a Europa, pero al mismo tiempo ustedes son tan de sangre caliente. Una gran ciudad, gran audiencia, grandes metaleros. Además, el Teatro Caupolicán es como un segundo hogar para mí, creo que cada vez que he tocado en Santiago ha sido en el Caupolicán. Conozco el lugar a la perfección, cada pequeño rincón (risas).

(Risas) ¡Sé lo que quieres decir! Y bueno, ¿Qué les dirías a los que todavía están tratando de decidir si ver a Avantasia en vivo nuevamente? ¿Cuáles son las sorpresas para este tour?

Bueno, será una nueva producción escénica. Será la primera vez que Geoff Tate se unirá a nosotros allí. Será la primera vez que tocaremos canciones de Moonglow, que es un gran álbum. Será un gran show y un espectáculo que no has visto antes y que probablemente no volverás a ver. ¿Cuál es la razón para ir a ver un show de cualquier banda? El motivo es simple: vamos a poner un show increíble, tocaremos canciones increíbles y haremos que todos se diviertan. Creo que esa es una razón muy válida para ir a ver Avantasia. Si no quieres verlo, entonces, no lo hagas. A algunas personas no les gusta este tipo de música, y lo entiendo. Pero si fuera alguien que disfruta del Heavy Metal clásico, el Speed Metal, el Power Metal y el Rock clásico, definitivamente iría a vernos porque también será una reunión de algunos de los mejores cantantes de la historia del Rock. Me refiero a Eric Martin, Geoff Tate, Jørn Lande, Ronnie Atkins, Herbie Langhans, Oliver Hartmann. ¡Incluso yo también puedo cantar algo! (risas). Adrienne Cowan, como te dije, la escucharás y te encantará. Estoy absolutamente convencido, porque ella es una maravilla del mundo. Como fanático, me arrepentiría si no fuera a este concierto.

Bueno, Tobi, te invitamos a dejarle un mensaje a todos los que te leen y escuchan en este momento en PowerMetal.cl. Aprovecho de contarte que nuestro sitio está cumpliendo 18 años apoyando esta música que tanto amamos.

Sí, ¡absolutamente! Bueno, PowerMetal.cl, les deseo un muy feliz cumpleaños. Felicidades, son dieciocho años, eso significa que ahora pueden conducir y beber alcohol, y hacer todas esas cosas que hacemos… bueno, no conducir y beber alcohol al mismo tiempo. Pero en Alemania, cuando tienes dieciocho años, puedes obtener tu licencia de conducir y conducir por tu cuenta. Y tienes permitido beber alcohol, en un día diferente al de conducir, por supuesto, y hacer todas estas cosas divertidas. ¡Eso es lo que tienen permitido hacer ahora, PowerMetal.cl! No, en serio, gracias por apoyar la música hecha a mano y de forma honesta, con guitarras distorsionadas y voces increíbles, y lo que sea que nuestro amado estilo de música es. ¡Que sean dieciocho años más!

¡Muchas gracias por tu tiempo Tobi, mucha suerte con la gira y nos vemos en mayo!

¡Muchas gracias!

Si Finlandia sigue entregando esta década a nuevos genios metaleros, entonces Anton Kabanen es el mayor representante de esta camada de jóvenes compositores que se ha posicionado en la escena.

Le dio forma y espíritu a una de las bandas revelación de Europa en estos últimos años, Battle Beast, de la cual se vio forzado a salir en 2015 luego de escribir los tres primeros discos del conjunto. Pero hoy por hoy, el guitarrista y productor está recuperando muchísimo terreno gracias a su grupo Beast in Black, que desde su álbum debut en 2017 viene nuevamente haciéndose notar fuertemente con un Heavy Metal tan explosivo como pegadizo, con influencias que van más allá del legado finlandés del metal melódico y se adentra a territorios ochenteros, con teclados dignos de la época pero con una mirada moderna que hace que la propuesta sea distinguible en cada uno de sus trazos.

PowerMetal.cl aprovechó el lanzamiento del segundo disco de Beast in Black, “From Hell With Love”, fijado para el 8 de febrero, para hablar con Kabanen no solo acerca este trabajo, sino también sobre composición, honestidad artística, construcción de estilos cuando pareciera que todo está dicho, inspiración en series de animé y aprendizajes que lo han llevado hasta la fase en la que se encuentra hoy.

Por Jorge Ciudad

Anton, desde la salida de “Berserker” ha pasado solo un año y tres meses, y ya estamos hablando sobre una segunda producción de Beast in Black, “From Hell With Love”. ¿Cómo trabajaron para poder sacar un nuevo material tan pronto?

Bueno, fue más o menos bajo presión, por lo apretada de la agenda de trabajo. El plazo, el deadline se veía bastante amenazante (risas), aunque logramos hacerlo porque… aunque nosotros teníamos actuaciones en festivales casi todos los fines de semana durante el verano, nos las arreglamos para trabajar el material en los días de semanas, sin parar. En lo personal, como además el álbum lo produje yo, tuve como una especie de lapsus social… estaba casado con el trabajo. Pero es algo positivo, ya que de verdad me permitió avanzar con este disco, y lo logramos, pese a que el reto fue muy grande. Si mal no recuerdo, las primeras grabaciones reales comenzaron en mayo o… ya sabes, a fines de la primavera o comenzando el verano, ya no me acuerdo exactamente, pero en ese momento teníamos que trabajar, y rápido. Ahora, la composición en realidad no tomó demasiado tiempo, dado que en su mayoría armamos las canciones con material que ya había escrito en el pasado. Y las letras, un tema aparte. Las letras son algo que siempre hago al final, casi siempre, y en esta ocasión conté con la ayuda de un amigo mío, Paolo Ribaldini (quien estuviera en el “Team Tarja” de The Voice Finland en 2015), italiano claro está, pero vive aquí en Helsinki, la misma ciudad que yo. Los dos somos fans de Berserk, del animé y el manga, y por eso fue muy interesante trabajar con él, ya que a los dos nos gustan las mismas series. Su aporte me ayudó muchísimo y facilitó las cosas. Sin embargo, hubo ciertos días… recuerdo cuando yo estaba escribiendo las letras y Yannis (Papadopoulos, vocal de Beast in Black) se encontraba en el estudio… teníamos que grabar las voces durante la jornada y en las mañanas o bien tarde en las noches me sentaba a completar las letras, porque para el próximo día debíamos tenerlas, ¡y no estaban listas! Fue un período muy productivo, sin días desperdiciados en el fondo, y por eso pudimos tener listo el álbum en tan corto tiempo.

¿Y cuán importante era para ti tener este segundo disco de Beast in Black lo más pronto posible? Fuiste forzado a dejar Battle Beast en 2015, tu propia banda, cuando se encontraba en su mejor momento. ¿Hasta qué punto sentiste la necesidad de mostrar que tras lo ocurrido, seguías en muy buena forma como compositor y productor, ahora con un nuevo conjunto? ¿Cuán importante es para ti volver a mostrar que mantienes un espacio en la escena?

Desde una perspectiva profesional, es muy importante si es que quieres construir una carrera y ganarte la vida con esto, es clave de hecho. Pero cuando nos referimos al proceso creativo, lo cierto es que nunca debes pensar en eso, en la perspectiva profesional de cómo hacer dinero, de cómo ganarte la vida. Debes entregarte de lleno al proceso creativo, dedicarte al arte por el arte, tiene que ser honesto en un 100%. Y creo que aquello es esencial si quieres entregar algo genuino y compartirlo con las personas. Como compositor, no puedo hacer algo que no me guste realmente o no lo disfrute. Si tuviera que hacerlo así, sería como mentirle a la gente a través del arte… Me hago responsable por completo de cada canción que he escrito en mi carrera y con Beast in Black solo queremos hacer cosas que nos parezcan bien, como banda. Y claro, si eso nos permite ganarnos la vida y hacer una profesión de aquello, entonces genial, estaré muy agradecido. Sin embargo, lo primero es lo primero, como te dije: el arte es lo primero, siempre, y debemos disfrutar el tiempo que compartimos juntos como un grupo, tenemos que ser un conjunto sólido, una unidad compenetrada, y pasarlo bien con lo que hacemos. ¿Sabes?, muchas bandas tienen una carrera dilatada pero no lo suficientemente exitosa como para dedicarse solo a ello, y nosotros de verdad que estamos tratando de hacerlo lo mejor posible para que esto sea nuestro trabajo principal, nuestro empleo en el futuro. Y bueno, creo que vamos por el camino correcto, ya que hasta el momento vamos en ascenso, con más y más fanáticos, con una muy buena recepción, con la venta de tickets subiendo, con la venta de discos que va bien para nosotros, entendiendo que esta época es muy mala para todos los grupos con respecto a la venta de discos, que siguen cayendo radicalmente. No obstante, estamos muy contentos con los resultados hasta ahora.

Y sobre lo mismo, eres un músico que se toma con bastante seriedad el proceso creativo, le das un cariz artístico y honesto a la composición, y que lo primero para ti es que lo que escribas sea de tu gusto. ¿Pero cómo es la sensación cuando crees en tu propio material, cuando estás seguro de que tiene un material potente, lo sacas al público y éste responde tan bien al trabajo, como te ha pasado con Beast in Black hasta ahora?

Nos pone extremadamente felices cuando la gente le abre su corazón a Beast in Black, y no solo desde lo compositivo, sino también para toda la banda. Es un privilegio enorme saber que a alguien realmente le gusta la composición y la música, o si le da poder y fortaleza para lidiar con ciertas cosas… he recibido comentarios de personas, escribiéndome que algunos temas les ayudan a seguir pese a las dificultades que hayan sufrido. Es muy reconfortante saber que la música puede ayudarlos, y desde el punto de vista del grupo, es muy gratificante cuando nos subimos al escenario. Nosotros lo pasamos bien ahí, siempre estamos sonriendo, felices, y luego vemos que el público también está muy contento, pasándolo muy bien. Podemos notarlo en sus rostros, que están disfrutando. Eso es lo más grandioso, en especial cuando una vez finalizado el show, las personas se nos acercan y nos dicen ‘oye, ¡desde ahora somos fans de ustedes!’. Que alguien nunca haya escuchado de nosotros antes y que de pronto diga, con solo un concierto, que ya es fanático a morir, es tremendo, significa que quizás estamos haciendo algo bien y que a la gente le gusta tu música. Es algo de lo que estamos orgullosos y queremos que siga de esa manera.

Ahora, una gran diferencia entre “Berserker” y “From Hell With Love” es que el segundo lo grabaron teniendo la certeza de la aceptación de la banda por parte de los fanáticos, teniendo la seguridad de que las cosas estaban funcionando. ¿Qué tipo de influencia tiene esta especie de aceptación en el nuevo trabajo? ¿Cuánto más seguro te hace sentir?

Bueno, como artista no deberías pensar en esas cosas, ¿no?, sólo tienes que escribir lo que sale de tu corazón. Creo que… cuando el primer álbum se torna interesante y termina siendo exitoso… a ver, a la gente le gustó nuestro álbum debut, pero antes de eso no había nada como para que el público se interesara por Beast in Black, en el fondo. De repente gustó el material y nos volvimos exitosos, pero el motivo creo yo fue que justamente no había expectativas. No sabíamos lo que esperaba la gente porque no había nada antes de Beast in Black, por lo que trazamos nuestro propio camino y terminó funcionando. Eso ratificó que debíamos continuar creyendo en nosotros mismos y seguir por nuestro propio camino, ya que por ese motivo y no otro las personas empezaron a interesarse en la banda.

Sí, pero quizás sí habían expectativas con respecto a Beast in Black en 2017, precisamente por tu carrera con Battle Beast, y el hecho de que varios querían seguir oyéndote. Lo cierto es que si escuchas una canción de Anton Kabanen, no importa si es de los tres primeros discos de Battle Beast o de los dos de Beast in Black, uno puede distinguir que tienes tu propio estilo compositivo. Después de todos estos años escribiendo música, ¿cuándo te diste cuenta de que tenías tu propio estilo para componer?

Bueno, creo que se encuentra con el paso de los años. Empecé a componer como a los 13 o 14 años de edad, en la misma época en que comencé a practicar en serio la guitarra. He tocado guitarra desde que tenía 6 años, pero no de forma seria hasta los 13, cuando tuve mi primera guitarra eléctrica. Y al mismo tiempo, empecé a componer mis propios riffs y melodías como por esos días. Eso sí que me entusiasmaba, muchísimo, aunque las primeras ideas no eran tan buenas ahora que las recuerdo (risas), pero lo pasaba tan bien componiendo que seguí haciéndolo, seguí y seguí haciéndolo hasta que en un momento, luego de algunos años, te das cuenta de ciertas cosas y que has comenzado a entender de la música, y a sentirlas, y cuando tienes la certeza de que sabes lo que estás haciendo, como que ‘OK, ahí está quizás la cosa que muestra que tienes tu propio carácter en la composición’. Aparte de eso, suelo escribir un montón de material, diverso, no solo Heavy Metal, sino también música acústica, composiciones sólo con teclado, música orquestada… pero Beast in Black es una banda de Heavy Metal y seguiremos siendo una banda de Heavy Metal, aunque esos pequeños detalles como gótico-sinfónicos, y la influencia de los teclados, sí pueden escucharse en Beast in Black, pero como te dije, escribo todas esas cosas por separado también, ¡aunque no las he lanzado aún! En esas canciones, incluso, creo que el elemento clave y más personal es la simpleza, y las melodías. Tiene que ser melódico, tienen que ser melodías que te toquen de alguna manera, que cuando las escuches no terminen siendo melodías del montón, sino lo suficientemente «precisas» para que tengan un verdadero significado. Cuesta un poco explicarlo en realidad y por eso lo dije antes, al momento que empiezas a entender la música y sentirla… es una combinación entre feeling y conocimiento profesional de la música. Cuando eso ocurre es el minuto, me imagino, en que te das cuenta de que tienes tu propio estilo. Lo importante es que aquello no te restrinja al momento de probar nuevas ideas.  Mi compositor favorito, James Horner, quien lamentablemente falleció en 2015 tras un accidente aéreo, una vez dijo en una entrevista cuando le preguntaron qué era lo importante tener en uno al momento de escribir bandas sonoras, que para él había que ser como un camaleón, ser capaz de adaptarte a diversos estilos, a distintas películas, de aprender a crear la música apropiada para ciertas escenas o partes de una secuencia. Rescato mucho lo que dijo, siendo un camaleón, lo que no significa que no tengas tu propio estilo, sino que puedes adaptarte a diferentes estilos, manteniendo tus elementos ahí.

Con respecto a “From Hell With Love”, me parece que es una mejora si se compara a “Berserker”. Los temas pesados como Repentless son más pesados que los del debut, los épicos como This Is War, más épicos que los del debut, y las canciones pegadizas con teclados ochenteros suenan más pegadizas y ochenteras que las del trabajo pasado. Esa es mi impresión. ¿Cómo analizas el progreso entre una entrega y otra?

En realidad nos sentimos orgullosos de los dos álbumes, y claramente podemos decir que a nuestros ojos son diferentes. No tratamos de hacerlo más ochentero por ejemplo, simplemente salió de esa forma, luego de seleccionar las canciones que grabaríamos. Solo ahí nos dimos cuenta… ‘OK, bueno, sin duda que tiene este una vibra muy fuerte de los ochenta’. No fue algo calculado, que pensáramos ‘OK, hagamos una mejora con respecto al primer disco’, ya que como te dije, nos sentimos muy orgullosos de “Berserker”, representa en un 100% cómo debe ser la banda… Siempre podrás pensar ‘OK, esta parte pudo haber sido distinta, se pudo haber producido de otra manera o mezclada de otra forma’, pero sería un cuento de nunca acabar. Lo único importante es que si al proyectar tu carrera hacia el futuro, a 10, 15 años, y en ese momento miras en retrospectiva y piensas en todos los discos que tienes, puedas decir ‘oye, tenemos 10 o 15 trabajos y todos enseñan una personalidad propia, un sonido propio, una producción distinta, no son copias el uno del otro’, todavía puedes decir que con 100% Beast in Black, pero cada uno tiene su carácter particular. ¿Sabes? Son como los hijos (risas).

Acabas de decir «100% Beast in Black”, pero seguramente ya habrás leído o visto comentarios de fanáticos, diciendo que sienten que el verdadero espíritu de Battle Beast sigue vivo gracias a tus trabajos con Beast in Black, o que el verdadero espíritu de Battle Beast está más presente en Beast in Black que en Battle Beast actual. ¿Cómo reaccionas cuando escuchas ese tipo de comentarios?, ¿cuán cómodo te es escuchar eso?

Viejo, ¡es completamente halagador! O sea, comprendo lo que la gente quiere decir y, en lo que a mí respecta, “From Hell With Love” es el quinto álbum de mi carrera personal. Por eso es que no veo problema alguno y no lo siento como algo negativo. De todas formas, con Beast in Black continuamos siendo una banda nueva y… por supuesto, el estilo es más o menos el mismo, si yo fui quien compuso los tres primeros álbumes de Battle Beast, incluyendo las letras y… cuando empecé a componer por separado de Battle Beast, simplemente sentí que esta cuestión de la bestia (beast) no estaba cerrada aún. El personaje… tiene su propia historia, y claro que es una cosa más personal, ¿me entiendes? Este personaje de la bestia… no era algo que quería abandonar todavía, sentía que había mucho más por hacer “en nombre de la bestia”, por decirlo de alguna manera. Y ahora estamos muy contentos de tener a Beast in Black y que exista esta especie de imagen, con cada portada quizás mostrando a esta bestia de algún modo. Hoy en día no haya tal vez tantas bandas con este tipo de personajes conectados a ellas, pero si pensamos en Children Of Bodom, ellos cuentan con The Reaper, Iron Maiden con Eddie y así. Con Primal Fear siempre verás a su águila en las portadas, mientras que Beast in Black tiene a la bestia, este Lion Beast y… de hecho, escribí una historia basada en el personaje del Lion Beast, hace varios años atrás, aunque todavía no la he terminado, hay que pulirla, no está lista como para ser publicada, hay que seguirla trabajando. Puede que nunca salga a la luz, pero siempre la tengo en mente, y quizás algún día quiera continuar armando esa historia y termine resultando en una entrega de Beast in Black que sea un disco conceptual, y relate la historia de la bestia. Por ahora solo sé que lo principal es que Beast es un nombre característico. De hecho, si nos referimos al nombre Beast in Black, la inspiración principal del nombre de la banda vino del manga Berserk, de este animé japonés donde sale este personaje, The Black Swordsman, cuyo animal interior es una bestia, Beast of Darkness, como su demonio interior. Y mientras pensaba en eso, en The Black Swordsman + Beast Of Darkness… ‘oye, ¡Beast in Black!, ¡listo!’. Claro, muchas canciones están basadas por supuesto en Berserk. En este nuevo disco, en «From Hell With Love», hay cinco temas basados en Berserk y, si estoy en lo correcto, lo mismo me parece que con el álbum debut, porque habían como cinco o seis inspirados en Berserk. En fin, sentía que era la decisión más correcta nombrar así a la banda, Beast in Black. Evidente, la música acá es similar a la que habré hecho en el pasado, pero hay algo nuevo que hace que la propuesta mantenga una frescura. Y creo que una diferencia muy importante y crucial es que la banda misma es distinta. Yannis es un cantante único, y todos los músicos, el batero, el bajista y el guitarrista… Kasperi (Heikkinen) es un fantástico ejemplo de guitarrista muy talentoso y virtuoso, es como… cuando él llega al estudio, graba sus solos en apenas un día, todos sus solos en un día. Llega tan bien preparado, y todos esos factores son parte de la música de Beast in Black y la banda, dándole sus propias características.

Sucede además Anton que has sido muy consistente en tu propuesta artística, desde un comienzo, desde tu primer disco «Steel» con Battle Beast hasta el de ahora con Beast in Black. No solo la música, con toda esta evolución, es un punto en común, sino también letras como las basadas en Berserk. Te pongo el caso de la canción This is War, de “From Hell With Love”, que cuando la escucho de inmediato me dan ganas de cambiar al álbum “Steel” y poner Band of the Hawk por ejemplo, que también está inspirada en la misma serie. Y al hacerlo, uno nota que existe una consistencia entre tu material más antiguo y tu material más reciente, a pesar del tiempo y el cambio de bandas…

Uf… no lo había visto de esa manera, pero como te dije antes, cuando escribes algo, lo más importante es que seas honesto con lo que compones, y solo después puedes compartirlo. Y quién sabe, en el futuro quizás la gente vea a Beast in Black de una manera muy diferente, que se pregunte “¿qué es esto?”, y sea muy distinto. Sin embargo, seguirá siendo parte de lo que realmente es Beast in Black, las composiciones de Beast in Black. Al final, pienso que es muy difícil para cualquiera saber cuál es el verdadero espectro de musicalidad de Beast in Black. No queremos limitar nuestro sonido, cuando escribo no quiero limitarme demasiado, porque la música es un campo de juego con tantas cosas que uno quiere probar. Creo que el Heavy Metal de hecho es el género musical más apropiado para probar cosas, es el género más libre… para mí, el Heavy Metal representa la libertad, la libertad musical. ¿Te puedes imaginar un álbum de Britney Spears con voces guturales, solos de guitarra bien vistosos o doble bombo? No, eso jamás ocurrirá. Con el Heavy Metal, en cambio, tú sí puedes hacer algo de lo que hace Britney Spears, por ejemplo, en alguna parte de una canción. Si quisieras podrías hacer algo muy suave, melodioso, y lento, de la nada cambiar a algo súper rápido, agresivo y ruidoso, pasando por todo entre un extremo y otro. Esa es la belleza del Heavy Metal y la gente lo aceptará. Lo hemos visto con muchas bandas que han hecho un montón de combinaciones. Los seguidores del Metal lo aceptan y se vuelven leales a sus grupos… pero claro, a lo que quiero llegar es a que el Heavy Metal es el género que te otorga más libertades, puedes esperar cualquier cosa en el futuro. Por supuesto, Beast in Black seguirá siendo Heavy Metal, aunque es difícil saber qué tipo de «condimentos» se irán añadiendo a la sopa para los próximos lanzamientos.

Mientras hablamos sobre los procesos de composición, de lo importantes que son para ti, de cuánta energía y trabajo les dedicas, de lo que significa para ti como músico, y lo importante que es sentirte contento con todo esto, es imposible no acordarse del 2015, cuando te encontrabas en un momento crucial de tu carrera con Battle Beast, con un «Unholy Savior» que se transformaba en el número uno de los charts de tu país, pero con un ambiente al interior de la banda que hizo que solo semanas después te forzaran a salir del grupo. ¿Cuán difícil fue la situación para ti, cuando debiste lidiar con tantos problemas durante esta fase tan «sagrada» para ti como la creación y lanzamiento de un trabajo?

Si, fue muy difícil para mí en ese momento, pero viéndolo en retrospectiva, la experiencia fue como una escuela, y fue muy importante pasar por esa escuela para mí. A causa de lo sucedido fue que pudo nacer Beast in Black, y eso es lo más importante. Me siento feliz al respecto, por cómo están las cosas ahora. Con nuestro bajista (Máté Molnár), por ejemplo, hemos hablado de nuestros pasados…  y había vivido como una experiencia similar. Estaba a cargo de su banda, Wisdom, un conjunto húngaro de Power Metal con el que estuvo tocando como por 15 años, haciendo cosas con ellos mientras yo estaba con Battle Beast, y ambos estuvimos de acuerdo con que habían sido muy buenas escuelas para nosotros y que ahora podemos combinar nuestras experiencias, conocimientos y todo lo que hemos aprendido, trabajar juntos y hacerlo para Beast in Black, que es nuestra prioridad, lo que ha funcionado bastante bien. Y creo que esa es otra de las razones por la cual Beast in Black ha crecido. Nos hemos preocupado de varios aspectos y siempre hemos buscado aprender del pasado, de las experiencias de trabajar con tantas personas. En ese sentido, cuando recuerdo el pasado, lo veo como una lección muy importante, pese a lo súper difícil que fue en lo emocional, pero me imagino que tenía yo que pasar por eso. Nunca sabes lo que el destino tiene guardado para ti, y bueno, para mí el destino tenía guardado a Beast in Black, aunque no lo sabía en ese tiempo. Si la gente supiera su futuro, lo más probable sería que ese futuro no se concrete, si lo supiera de antes…

Muchas gracias Anton por tu tiempo y esta entrevista tan profunda, en la que los metaleros chilenos y de Sudamérica tendrán la oportunidad de conocerte más. ¿Tienes algún mensaje para ellos?

Primero que todo, gracias a todos los que se han dado el tiempo de revisar esta entrevista. Estén atentos a las novedades de Beast in Black. Nuestro álbum sale el 8 de febrero así que vayan a escucharlo, y realmente esperamos que le guste a todos. En algún momento que estemos cerca de sus pueblos y ciudades, ¡asegúrense de ir a los conciertos! Y si no, en el futuro cercano, entonces tomen un avión ¡y vayan a ver un show de Beast in Black en cualquier parte del mundo!

Steve Harris disfruta el presente de Iron Maiden, uno que durante mucho tiempo le ha permitido actuar en estadios frente a un público que cada día no hace más que crecer. Por ese motivo es que también valora los contrastes y la oportunidad de actuar en recintos más pequeños gracias a su proyecto British Lion, que el domingo lo presenta en Chile.

El líder de la Doncella de Hierro habló con PowerMetal.cl no solo sobre lo de su presentación en el Caupolicán, sino también de lo que se viene el octubre de 2019 con el show en Chile, país elegido para cerrar la gira Legacy of The Beast, como revelará el bajista en esta entrevista.

Por Jorge Ciudad

Steve, con British Lion has tocado bastante en Europa, pero esta gira actual por Norte y Sudamérica es la primera que hacen fuera del Viejo Continente. ¿Cuán importante es para ti traer al grupo a países como Chile?

“Sí, es fantástico, porque es la primera vez que esta banda toca fuera de Europa. O sea, en febrero nos habíamos sumado al Monster of Rock Cruise pero claro, no habíamos tocado en ningún lugar aparte de Europa, así que es fantástico que podamos hacerlo, en especial para los demás muchachos del grupo. En lo personal, es una buena chance para tocar en clubes más pequeños, lo que para mí es muy positivo. Estoy muy ansioso justamente por eso, por el contacto más cercano que tendré con los fans en recintos más reducidos. Acabamos de anunciar que Iron Maiden irá a Chile en octubre y por supuesto que será en un lugar bien grande, aunque ya sabes, en esa oportunidad también habrá un contacto directo, como siempre… sin embargo, la del domingo es otra forma u oportunidad de generar una comunicación más cercana, de estar en lugares en Chile en los cuales nunca he tocado en el pasado, por lo que estoy con ganas de encontrarme con el público”.

Maiden desde hace mucho tiempo que es una banda gigantesca, pero que partió hace 40 años de la misma forma que lo has estado haciendo con British Lion. ¿Cómo compararías la experiencia?

“Si, British Lion me recuerda a los primeros días de Iron Maiden. El volver a tocar en clubes más pequeños me trae recuerdos de los inicios de Maiden. En Sudamérica, no hemos tocado con Maiden en estos recintos más chicos, así que lo considero como una oportunidad el tocar frente a los fans en lugares así. Es una experiencia maravillosa, y es increíble. Como dices, Maiden se ha vuelto tan grande con el paso de los años, y por supuesto que para mí es una oportunidad tremenda tocar en grandes estadios, arenas y ese tipo de lugares, pero me encanta subirme a escenarios más chicos, así que me siento muy afortunado de poder tener lo mejor de ambas vivencias”.

De hecho, Steve, el domingo tocarás en el mismo lugar en que Iron Maiden se presentó por primera vez en Chile, cuando vinieron en 1996 con Blaze Bayley en promoción de The X Factor… 

“Vaya, eso sí que no lo sabía (risas). ¡No me había dado cuenta de aquello, qué tremenda coincidencia (risas)!”.

(Risas) aprovecho de preguntarte entonces, ¿qué recuerdos tienes de ese show del ’96? Fue bastante intenso por una serie de factores…  

“Fue muy salvaje, sí, ¡una locura! Obviamente, porque tratamos de ir antes y nos dijeron que no podríamos tocar, por lo que la gente estaba muy frustrada por el hecho que no nos dejaran ir, y claro que nosotros también lo estábamos de no poder tocar allá. Por eso, cuando al fin tuvimos la opción de ir, por supuesto que había muchísima emoción contenida que se «desahogó» en esos días, por ponerlo de alguna manera, ya que después de tanto tiempo al fin nos era posible estar allá. Todos los shows de Maiden en Chile han sido grandiosos, pero esa primera vez fue extraordinariamente loca, por la frustración del show que no nos permitieron hacer.

Y cada concierto de Maiden acá ha sido más grande que el anterior, y más grande que el anterior, tanto que debe ser una de las bandas que más público convoca en Chile… ¿Cómo ves esto?

Sí, es increíble el hecho de que la fanaticada sea cada vez más grande, y lo cierto es que es fantástico. Tendremos nuestro show con Maiden el próximo año, y me parece que la audiencia chilena siempre hace que el concierto sea especial. Ahora, para nosotros siempre será especial cuando toquemos en Sudamérica, siempre es fantástico en cualquier lugar, el público siempre es fantástico, siempre hay… en particular en Santiago, Buenos Aires y Sao Paulo, en esos tres lugares, por lo general son los mejores. A veces uno destaca un poco por sobre el otro, pero siempre serán públicos increíbles. Pero ahora, el de Santiago será el show más especial, porque se tratará del último concierto de toda la gira mundial”.

Conociendo entonces al público de la forma que lo conoces, ¿qué expectativas hay dentro del grupo de British Lion con respecto a los shows en Sudamérica?

“Bueno, he tratado de explicarle al resto de los muchachos de qué se trata la cosa, porque nunca habían venido a estos lugares antes, y he tratado de explicarles cómo es el público acá (risas). Y la verdad es que no eres capaz de describirlo realmente, tienes que vivirlo, tienes que experimentarlo, así que me alegra que al fin puedan verlo, ya sabes, es fantástico observar las reacciones de los seguidores. Sí, lo pasaremos muy bien, será realmente muy bueno”.

Hablábamos de lo enorme que es Iron Maiden en términos de… bueno, de todo: audiencia, gestión, management, trabajo. ¿En qué medida British Lion para ti es una válvula de escape? ¿Cuán saludable es para ti abocarte a este proyecto?

“Es muy saludable, cierto, esa es la mejor palabra para describirlo. Es muy saludable, me gusta mucho el desafío de volver a instalar una banda como British Lion, 40 años después de haber empezado a hacerlo con Iron Maiden, y sucede que uno empieza a revivir muchos recuerdos también, muchas de las cosas que ocurrían en ese entonces, actuando en locales pequeños, haciendo giras con presupuestos más ajustados, lo que es muy distinto a lo que Maiden se ha convertido. Al mismo tiempo, lo de ahora ha sido muy bueno para mí (lo d British Lion), ya que me mantiene ocupado y hace darme cuenta de lo crítico que es empezar con algo nuevo en estos tiempos, y por ello es que todavía puedo vivir la experiencia de tocar en recintos más pequeños. Y sabes, creo que eso muy bueno para la banda”.

Un hecho que no hay que desestimar es que más que varios irán el domingo a verte a ti por ser el líder de Iron Maiden, más que por la banda. ¿Cómo presentarías a British Lion a los fanáticos de Maiden?

“Creo que… honestamente, es cierto que muchos vendrán solo para conocer y ver qué está pasando, por el tema de Maiden y todo eso… y es diferente, no es metal, la banda es más rockera que metalera, aunque igual somos bastante sólidos y convincentes en vivo, tenemos algunas canciones bien buenas. Me parece que la gente no se irá decepcionada cuando vaya al show, ¿sabes?, si es una muy buena banda la que tenemos, en el fondo. Cuando vengan lo van a pasar muy bien y… claro, y lo disfrutaré tanto como lo haga el público. Quizá haya una o dos personas que, ya sabes, que sean más o menos metalheads y prefieran pasar, no darnos una oportunidad, pero si vienen podrán tener la chance de disfrutar de nuestras canciones. Si no, no hay problema, pero si van creo que terminarán apreciando que somos un buen conjunto, que vamos a dar un cien por ciento en el escenario. Si bien es rock, si bien es diferente, bastante distinto, todavía tiene influencias similares a las de Maiden, y eso es lo único que tengo para explicarles (risas)”.

En todo caso, hace poco estaba escuchando tu nueva canción de British Lion, Spit Fire, la cual es bastante más pesada que el material debut de la banda. ¿Qué puedes mencionar del próximo disco, entendiendo que -como has dicho- ya está grabado?

“Sí, ha pasado mucho tiempo desde que lanzamos el primer álbum. Hemos realizado un montón de giras por Europa en los últimos seis años, y eso ha marcado la diferencia. La banda ha evolucionado y se ha vuelto bastante más agresiva en el transcurso. El nuevo álbum será un muy buen ejemplo… o sea, mucho más representativo de lo que el grupo es en este mismo minuto. La dirección entonces es un tanto diferente, pero seguimos siendo un conjunto de rock, mostrando de la mejor forma lo que somos ahora”.

Muchas gracias Steve por tu tiempo. ¿Quieres dejar un mensaje previo al show?

“Sí, muchas gracias a los fans chilenos por el apoyo que siempre nos han dado, estamos muy próximos al concierto, así que… claro, tengo muchas ganas a que llegue el domingo”.

Es el show más grande que ha encabezado una banda de PowerMetal en Chile. En términos de fenómeno, nos recuerda aquel 2008 cuando Iron Maiden agotó sus entradas para la Pista Atlética, sin poder tocar en un lugar más grande, lo que los hizo volver el año siguiente para hacer un Club Hípico y consagrar su amor con Chile.

Son muchos los atractivos que hacen de esta visita tremendamente especial. Helloween en Halloween y en el Movistar Arena. Y no bastando con ello, serán Kreator y Arch Enemy los encargados de encender los fuegos del recinto ubicado en el Parque O’Higgins. ¿Algo más? Sí, los alemanes registrarán su show para incluir en un futuro DVD que ya se encuentran preparando con imágenes grabadas en otros selectos shows.

Somos privilegiados, y es el mismísimo Kai Hansen el que toma la palabra para recordar lo vivido el 2017 y el futuro de las calabazas reunidas en conversación con PowerMetal.cl

«Finalmente estamos recibiendo lo que merecemos»

«Estoy impresionado y muy agradecido de ello, es como ‘WOW!’ ¿sabes? Es realmente difícil de dimensionar y finalmente es como ‘OK, somos bienvenidos'», es lo que comenta Kai Hansen sobre pasar de tocar en un recinto para 4.500 personas a uno donde se esperan 15.000.

El medley de Walls of Jericho que cantaste el año pasado en Santiago fue unos de los momentos más intensos que se ha vivido en un concierto realizado en nuestro país, ¡te lo digo en serio! ¿Cómo vives tú ese momento en que te paras frente al público y qué le puedes decir a aquellos que incluso piden incorporar más canciones del álbum a ese medley?

(Risas) «Realmente disfruté ese momento, hay mucha adrenalina y ¡WOW! eso me pone más contento que la cresta y ver a la gente feliz saltando en frente de ti es genial. No me molestaría tocar más canciones la verdad, pero hay tanto que tocar y la verdad estoy contento con mi pequeño lugar en el tour».

Sobre este mismo incremento de fans en sus recitales y el hecho de tener que tocar en recintos más grandes, ¿podemos decir que por fin se está haciendo justicia con Helloween como la banda grande e influyente que ha sido en todos estos años?

«Si quieres verlo de esa manera, sí, tienes razón. Podemos decir que finalmente estamos recibiendo lo que merecemos, y lo entendemos así. Esto toma tiempo, siempre lo he entendido de esa manera y entendemos que esto es Helloween y es de verdad, y eso es lo que hace grande a la banda».

«Michael Kiske está donde pertenece»

Si hay una petición ha existido por muchos años hacia Helloween, esa es la reunión con Michael Kiske. A pesar de haberlo visto en varios shows tanto con Avantasia como con Unisonic, el emblemático cantante de los Keepers se ha visto empoderado en su rol de vocalista principal en esta reunión y así lo comparte su amigo y compañero de otros proyectos, Kai Hansen: «¡Lo has visto! (risas) él está donde pertenece. La verdad no se ve mucha diferencia con sus primeros años, sigue siendo el mismo Michael Kiske».

Ahora que se están cumpliendo 30 años de los Keeper, una de las razones del éxito de esos discos fue que no se había escuchado nada igual en esos años. Ahora que muchos dicen que “todo está hecho”, ¿cuánta razón hay en ese dicho tomando en cuenta lo que puede ofrecer Helloween para su próximo disco de estudio?

«Bueno, no se puede reinventar la rueda, ¿sabes? Creo que el punto principal es que, cuando tienes grandes canciones con una gran interpretación puedes transferirlas a un disco. No tenemos un número de canciones y creemos que pensar en un número no es el camino, sino que vamos paso a paso viendo cómo avanzamos y seguimos lo que nos indica el corazón. Seguramente el disco nuevo tendrá componentes muy clásicos, y eso es una parte del éxito de los Keeper».

Sobre este mismo próximo álbum, Kai, Helloween viene trabajando desde hace varios discos con Charlie Bauerfeind como productor, sin embargo, Gamma Ray y Unisonic tienen distintos productores. ¿Cómo llegan a un consenso del sonido que quieren lograr en este próximo álbum y quién será finalmente el que estará a cargo de ello?

«¡Wow! Bueno, Charlie estará a cargo, ya que hemos trabajado juntos mucho tiempo y él es un buen ingeniero. Estamos pensando en incorporar a otra persona dedicada al rol de productor, pero aún son ideas preliminares y no hay nada dicho».

Cuando dicen que Helloween son los creadores del PowerMetal y que Kai Hansen es el padre del PowerMetal, ¿qué tanta presión están sintiendo ad portas de presentar nuevas canciones en un disco de estudio?

«Trato de ignorarlo, porque no puedo hacer lo que no siento así que no importa. No quiero ponerme en la situación de querer agradarle a la gente así que tengo que hacer esto, esto y esto. Estoy feliz con lo que hago, pero no lo considero una base».

Recordemos que el triplete que se encargará de la composición de este nuevo álbum serán Andi Deris, Michael Weikath y Kai Hansen. Mientras la Calabaza trabaja en su próximo álbum de estudio, será lanzado el DVD que incluye imágenes de la gira que también serán grabadas este miércoles en el Movistar Arena.

«Claro que extraño a Gamma Ray, es mi bebé»

En este momento Helloween tiene varios líderes dentro del grupo, sin embargo has comentado que no te costó volver a la banda y tomar el lugar que te corresponde. ¿Cómo fue componer junto a Andi Deris por primera vez en la canción Pumpkins United y cómo llevan la convivencia entre 7 integrantes con personalidades tan distintas?

«Hasta ahora vamos bastante bien, si hay opiniones diferentes tenemos la libertad de sentarnos y hablar sobre ello sin malos sentimientos o algo parecido, y ha funcionado bastante bien. Componer con Andi ha sido genial ya que es un gran compositor y eso todos lo saben, así que es un placer trabajar con él en este aspecto y poder acercarnos un poco».

Para felicidad nuestra, esta bola de nieve en la que se ha transformado la reunión de Helloween seguirá por unos años más. Todos en la banda han coincidido que no esperaban que fuera para tanto, pero para ti ¿cuánto ha debido cambiar los planes que pudiste haber tenido con tus compañeros en Gamma Ray?

«Bueno… (se toma una pausa) la verdad es que tuve que tomar una decisión con el corazón. Por mucho que esté disfrutando esto con Helloween, el gran éxito y estar de vuelta con los muchachos, claro que extraño a Gamma Ray y girar con ellos. No fue fácil dejar en pausa a Gamma Ray por un buen tiempo e incluso entrar a grabar un álbum con Helloween y no con Gamma Ray en el futuro cercano. No fue fácil porque es mi proyecto de muchos años, es mi bebé, pero simplemente tuve que tomar una decisión, ya que ESTE es el momento de Helloween».

Bueno Kai, muchas gracias por tu tiempo con PowerMetal.cl. Por favor invita a los fans a pasar la noche de Halloween con Helloween en Chile!

«Por supuesto: ¡Chile!, Como habrán escuchado, Helloween va a estar en Halloween y espero verlos en el show y celebrar todos juntos. ¡Diviértanse!»

Entrevista: Guille Salazar

Este 2018, Nightwish se encuentra en plena forma, alejado hace un buen tiempo de cualquier tipo de dificultad y en medio de la celebración de dos décadas de carrera, que desembocan en el Decades World Tour, con el que llegan a Chile para presentar un repetorio lleno de clásicos en su repaso por todos sus discos, con joyas que son añoradas por sus fanáticos de años.

Marco Hietala, bajista y frontman de Nightwish, contestó algunas preguntas a PowerMetal.cl para hablar de la actualidad y la banda, y anticipar esta visita del 2 de octubre a Chile junto con Delain.

por Jorge Ciudad

Nightiwish con Chile y Sudamérica tiene una relación que viene del 2000 cuando debutó acá en promoción de “Wishmaster”. ¿Cuán especial es para ustedes traer este Decades World Tour, tocando canciones de discos más antiguos que son muy queridos por los fanáticos?

Se siente un poco raro, y cuando me pongo a pensar en ello, me doy cuenta de que ya he estado en la banda por… ¿cuántos años?, ¿17?. Como que de pronto me doy cuenta de todo el tiempo que ha pasado, y ha sido harto. Ha transcurrido un año desde que giramos en promoción de un álbum («Endless Forms Most Beautiful»), teníamos tiempo disponible y vimos que sería entretenido hacer un espectáculo de este tipo, llevándolo a todas las partes del mundo, tanto como nos fuera posible. Nosotros podemos tocar versiones bastante similares e incluso iguales a la de todos los discos, de varias de las canciones y… claro, también había una “demanda” social. Había muchas personas que echaban de menos los temas más antiguos, por lo que ésta era una muy buena oportunidad para interpretarlos, si por lo general… claro, cuando tienes un nuevo lanzamiento tienes que tocar un buen puñado de pistas nuevas. Ahora no tenemos esa presión sobre nuestras espaldas.

¿Y cómo ha sido la reacción del público en Europa con los setlists de esta gira, entendiendo que han seleccionado cortes que hace muchísimo tiempo no tocaban, o bien nunca habían tocado en vivo? ¿Cuán distinta es la atmósfera a un show en el que promocionan un nuevo trabajo por ejemplo?

Bueno, la verdad es que no se ha notado mucho eso porque… bueno, siempre hemos tenido la oportunidad y el lujo de hacer shows ante personas que se identifican bastante con la música y con la banda. Entonces, cada vez que damos un concierto, la vibra es realmente buena, hasta brillante diría yo. Pero claro, por supuesto que hay viejas favoritas que mucha gente ha esperado por presenciar en vivo, así que cuando pones algo como Gethsemane o The Carpenter, que es bien antigua… cuando lanzas canciones como esas, de verdad ves como una luz que sale del rostro de la gente y dicen ‘¡oh!, ¡mira este tema!’. Es realmente genial aunque… claro, como te dije, la banda ha sido reconocida por entregar un buen espectáculo en vivo casi de forma constante, así que aquello no cambia tanto en realidad. Por supuesto, ahora que tenemos la oportunidad de traer la producción completa al tramo sudamericano y tocar en lugares más grandes con todos los requerimientos para desplegar el show, será más impresionante en lo visual, lo que será muy bueno también, ya que no lo hemos podido hacer antes.

Hay varios clásicos que están presentando ahora, y algunos como ‘Come Cover Me’, ‘Gethsemane’ o ‘Sacrament of Wilderness’ sin duda que significan mucho para varios fanáticos. ¿Cuán cuidadoso hay que ser como banda, cuánta responsabilidad hay que tener como músico, cuando interpretas estas canciones que son tan queridas por la gente y que no solo le pertenecen ya al compositor, sino también a los seguidores?

Bueno, con las canciones más antiguas debes tener en cuenta de que hay ciertas melodías y ciertas cosas que son esenciales, por lo que debes mantenerlas. Sin embargo, para el grupo mismo, para que sigan siendo interesante las cosas, también tienes que arreglarlas un poco de nuevo. Hemos hecho algo al respecto, en especial con las líneas vocales ahora que tenemos Floor, como también a mí haciendo las segundas voces, por lo que hacemos por ejemplo partes en armonía y que logramos hacer muy bien, como por ejemplo con ‘Come Cover Me’. Y bueno ensayarlas y redescubrirlas ha sido un viaje hacia el pasado, si incluso hubo canciones que jamás había tocado yo inclusive, dado que llegué a la banda a fines del 2001. Te hablo por ejemplo de ‘Devil & The Deep Dark Ocean’, que es una pieza muy compleja de interpretar, una con la que tuve que partir desde cero, si nunca la había tocado antes. Además, ahí tengo que reemplazar al señor Tapio Wilska en sus voces, con mi propio timbre, ya que no poseo ese tono bajo y profundo. Ahí tengo que hacer mi propia versión de la interpretación. Para mí entonces hubo muchas más cosas que escudriñar. Y bueno, por lo que vi de los demás integrantes del grupo en los ensayos, parecían estar gratamente sorprendidos (risas). Así va la cosa.

Digamos que desde la llegada de Floor Jansen, hay varias cosas que han mejorado en el seno de Nightwish. ¿Cuán importante han sido el performance y el input de ella en la decisión de tomar clásicos de la banda y ponerlas en una gira de este tipo? Más directamente: ¿habría sido posible este tour sin Floor?

Para serte honesto, no estoy del todo seguro de la respuesta. Eso es lo que pasa con la música. Por supuesto, podemos verlo de otra forma y decir que nos fue muy fácil y cómodo ir con esas canciones y empezar a arreglarlas sabiendo que contábamos con Floor, quien era absolutamente capaz de cantarlas, y eso claro que te da seguridad como banda. Y lo bueno de todo esto es que estamos teniendo una química personal muy buena dentro del conjunto, ahora que… todos parecieran que están satisfechos con la música, con el éxito de Nightwish y los planes que tenemos contemplados de aquí en adelante. Es muy simple trabajar en este momento. Las buenas vibras y el buen ánimo es constante, así que… qué más puedo agregar, sencillamente es muy bueno… y claro que Floor es una dama con una voluntad, una constitución y una voz muy fuertes, y ha viajado con varones en bandas como… uf, desde que tenía menos de 20 años, por lo que enseña un montón de fortaleza y aptitud para este tipo de trabajo, lo que hace que sea muy buena. Qué puedo decir, para mí, en lo personal, creo que esta ha sido la alineación más «cómoda», y quizás también para los demás. Como somos vocalistas los dos, compartimos un terreno en común, revisando las armonías vocales y todo eso, y lo más brillante es que cuando hacemos cosas juntos, hay un poderío bastante grande en las voces cuando empezamos a hacer armonías y sonidos juntos. Sí, logramos hacer un muy buen match con las voces y también con el carácter.

Ahora, ¿cómo es la experiencia de interpretar canciones de discos como “Angels Fall First” y “Oceanborn”, que si bien eran ambiciosas en su momento, son más directas y simples en comparación a trabajos como “Dark Passion Play”, “Imaginaerum” o “Endless Forms Most Beautiful”?

No es problema. La verdad es que no es problema en lo absoluto. O sea, nosotros sí tenemos un lado más hardrockero también, y a veces puedes escucharlo con claridad en la música que componemos. Pero, igual sucede que nos gusta el rock bien punzante, un montón de bandas metaleras y todo eso, así que el material más sencillo de los primeros días sigue siendo interesante para nosotros, y se siente bien tocar algo con un punch más directo, dejarse llevar y que las personas se pongan a rockear. A mí al menos me gusta mucho aquello.

Una vez que terminen esta gira mundial, es sabido que se dedicarán a la producción de un nuevo lanzamiento. ¿Qué influencia crees que el estilo de las canciones más clásicas de Nightwish, las que escogieron para el repertorio del Decades World Tour, y este repaso de la historia de la banda, tendrá en el sonido y performance del próximo disco?

Bueno… si tendrá influencias o no, eso estará por verse. O sea, Tuomas (Holopainen) ya tiene un montón de canciones en bruto hechas, y puede que le envíe yo un par de riff y demos también. Ahora, lo más importante a decir de todo esto, es que esta gira de temas clásicos, de alguna manera nos podría servir para enderezar algunos bordes que, de otra forma, terminarían siendo más complicados. En esta oportunidad, por supuesto, el rock más directo es algo que podemos disfrutar, así que es posible que aquello se muestre un poco más en el próximo disco, en el proceso de arreglos. En todo caso, realmente no puedo decirlo ahora, porque tendremos nuestro tradicional campamento de verano, con ensayos, arreglos, y luego grabando, para el año que viene, en nuestro verano… y cuando partamos con eso y tengamos algunos demos, entonces ahí quizás sepa un poco mejor. En este momento, tendré que decir que… estoy un poco afuera de todo el marco, que solo sé por el calendario de actividades que el trabajo en serio se comenzará el verano que viene, en julio, pero antes de eso ya estaremos más familiarizados con los demos y el resto del material.

Y sobre personas fundamentales en la historia de Nightwish como Tarja Turunen, ella habló en una entrevista más o menos reciente sobre el reencuentro que tuvieron cuando actuaron en este Heavy Metal Christmas Tour de diciembre pasado. Ella dijo que había sido bueno para ustedes, que “el tiempo cura”. ¿Cómo fue para ti Marco ese episodio y cuán en paz te sientes ahora, luego de todos los años transcurridos desde lo que sucedió el 2005?

Te digo, fue tremendo volver a compartir un escenario con ella. Fue muy bonito encontrarme con ella, fue muy bonito tener un tiempo para conversar con ella acerca de lo que vivimos. No pretendo escarbar en detalles, pero fue grandioso, porque no importa lo que la gente, lo que los medios, los diarios y todos los demás hayan dicho sobre la separación, para mí lo más triste y tal vez lo más importante que perdimos fue la amistad. Conversar de todo eso con Tarja y notar que todavía compartíamos un respeto personal, y que había un entendimiento y todo eso, realmente fue tremendo. Hubo algunos abrazos y lágrimas, y fue enorme.

Es muy bueno escucharlo Marco. Y para cerrar, quisiera preguntarte sobre tus recuerdos de las últimas veces que has venido a Chile, de la diferencia de sensaciones que había cuando llegaron el 2008 en esa gira tan rara donde tuvieron tantos problemas en Brasil, y cuán distinta fue la experiencia de cuando tocaron en el mismo Teatro Caupolicán, en octubre de 2015, con Floor y con el lugar casi lleno…

2008… ese sí que fue un tour súper complicado, y sí recuerdo que estábamos muy cansados, aunque no mucho sobre el tamaño del lugar y todo eso… ahora (piensa), las veces que he estado en Santiago siempre ha sido bastante agradable, el de ese año fue un buen concierto, pero simplemente no puedo contarte mucho de la vibra dentro del grupo y del show del 2008, porque también estaba atravesando por muchísimas dificultades en ese tiempo, por lo que debía estar pendiente de otras cosas aparte. Y bueno, los tiempos difíciles… me imagino que los tiempos difíciles tuvieron su conclusión como hace un par de años, cuando obtuve mi divorcio. Los problemas habían comenzado hace años… así que claro, no tengo en realidad un buen… no puedo hacer una buena comparación desde el punto de vista de la banda, solo puedo decir que en 2008 la estaba pasando muy mal, por mi parte. Pero en esta ocasión, ¡pareciera que todo está mucho mejor (risas)!, serán todos bienvenidos al concierto y siempre me ha encantado tocar allá, como en todos los demás países de Sudamérica. Hay grandes personas acá. Así que vayan al show y… ¡pasémoslo bien!

A comienzos de este año publicábamos en PowerMetal.cl un especial con los discos que marcaron una época dorada del género hace exactamente 20 años atrás. «Return to Heaven Denied» es uno que siempre quedará en el podio de lanzamientos de 1998, uno que este 5 de septiembre tendremos la posibilidad de escuchar completo por los mismísimos Labyrinth, en un regreso que tardó 18 años en concretarse.

Olaf Thorsen entiende muy bien lo que esto significa, tanto para la banda como para los fans en Chile, y así lo expresa en una grata conversación en español e inglés con PowerMetal.cl. Precisamente el nombre del género es uno que los mismos italianos dieron vida sin siquiera pensar que lo estaban haciendo, según nos cuenta el guitarrista y compositor.

Viajamos a ese gran año con Olaf para hablar de cómo su segundo disco marcó escuela en su país, lanzó su carrera a la fama y vinieron los pros/contras de entrar al “negocio”, su ya conocido nexo con Chile y lo que nos espera en Blondie en pocas semanas más.

¡Al fin tenemos fecha de regreso de Labyrinth en Chile, Olaf! Esto nos tiene demasiado entusiasmados. Echábamos de menos verlos en nuestro país, y nos preguntamos, ¿por qué costó tanto tener a Labyrinth de vuelta y por qué tuvieron que pasar 18 años?

Esta pregunta es súper buena y todavía no conozco una respuesta que sea tan concreta (risas). Como siempre digo, creo que la respuesta es que no hace falta tocar hasta que te piden de tocar (risas). Ah… (in english), Labyrinth es una banda que no gira mucho, como puedes ver en nuestro calendario, no hacemos giras muy intensas alrededor del mundo. No lo sé honestamente, muchas veces tuvimos ofertas, pero como puedes imaginar, girar por Sudamérica es difícil, no es tan fácil para una banda, a menos que seas una de las grandes, una realmente grande, estoy hablando de bandas como Helloween, Iron Maiden, etc. Siempre que tuvimos alguna oferta, no eran muy realizables, así que lo que menos queríamos era anunciar una gira que más tarde tuviésemos que cancelar. Esta vez tuvimos una oferta de un muy muy buen amigo de nosotros, que fue el que trajo a Labyrinth la primera vez junto a Vision Divine. Somos muy buenos amigos y nos mantenemos siempre en contacto. Sin embargo, lo que te decía era que no giramos después de ese 2000 en Chile porque nunca tuvimos la posibilidad para organizar algo real y que la gente pudiera disfrutar tanto como nosotros, digo, de haber podido ir y que todo saliera bien. Esta vez tuvimos la oportunidad y pensé que ya era hora de ir y tocar en vivo, especialmente ahora que tenemos este nuevo álbum en el que creemos un montón y nos tiene muy contentos, así que estamos muy felices de regresar y tocar una vez más.

Fue mucha la emoción de los fans chilenos con el anuncio del concierto que darán el 5 de septiembre, sobre todo después de algunas visitas fallidas, rumores y cancelaciones. Si bien sabemos que interpretarán completo “Return to Heaven Denied”, ¿qué más han pensado incluir en este show tan especial?

Claro, vamos a tocar, como tú dijiste el “Return to Heaven Denied” completo, porque son 20 años y creo que es una muy buena ocasión para disfrutar todo el álbum. También vamos a tocar mucho más, otras canciones, desde “Architecture of a God”, el último álbum, y otras más del pasado como… ¡preferiría no decir mucho para que sea una sorpresa! (risas). Yo creo que va a ser divertido.

En enero cuando tuvimos a Rhapsody en Chile, Luca Turilli contó que cuando escuchó “Piece of Time” de Labyrinth sintió que nunca había escuchado a un vocalista tan extraordinario como Fabio…

¡Ah, sí! conozco esa historia (risas)

(risas) entonces, luego de hacer “No Limits”, Fabio se va a Rhapsody y uds. quedan en búsqueda de un cantante para grabar las voces de “Return to Heaven Denied”. Así que quería viajar a esos años y preguntarte, ¿cuáles eran tus sentimientos en el momento en que no tenías a Fabio en la banda y debían encontrar un cantante para grabar lo que se convertiría en su disco emblema?

Eh… mira, eso no es fácil de contestarte porque la verdad es que… 20 años atrás yo era un chico (risas) y de verdad tocaba para puro divertirme, ¿me entiendes?, y no tenía ninguna idea de lo que pasaría después (risas). Entonces, estábamos tocando en el garaje, disfrutando la música que yo componía y no tenía ninguna idea de lo que podía pasar en el futuro. Así que bueno, Fabio se fue después de “No Limits”, y cuando escribimos “Return to Heaven Denied” lo hicimos sin tener un vocalista, y luego llegó Roberto, así fue. Roberto es otro vocalista increíble, es un honor para mí tener una voz tan grande como Fabio también. Tú sabes que para mí no hay competencia entre los grandes, cuando uno es grande, es grande. Yo entiendo que para los fans es “prefiero este, prefiero el otro, este es mejor”, pero para mí como músico, yo disfruto cualquier vocalista que sea bueno, que tenga una voz maravillosa. Roberto es un gran vocalista, diferente a Fabio.

Quién sabe, yo creo que con Fabio “Return…” sería diferente, no creo que mejor o peor, creo que sería diferente. Todo lo que pasa tiene una razón y así es, después de 20 años todavía estamos aquí hablando de un álbum que me llena de orgullo.

De hecho, Labyrinth junto a Rhapsody y Vision Divine marcaron escuela en el Metal Italiano…

¡Oh! Gracias…

…he leído en entrevistas tuyas donde comentas que las bandas que vinieron después, fueron copiando lo que uds. ya habían hecho esos años. A partir de esto quería preguntarte, ¿cómo separas el “copiar” una fórmula a otra que es “influenciarse” por una fórmula”?

Ah… eso no sé, lo dijiste muy bien. Correcto, cuando yo digo “copiar” no lo entendía de una manera toda negativa. Lo que quería decir es que cuando salieron bandas como Labyrinth y Rhapsody, de verdad hicimos algo nuevo y nunca escuchado en Italia por lo menos. De hecho, después de nosotros salieron… bueno, Lacuna Coil que es totalmente diferente. Después, todas las bandas que salieron, es un hecho, yo creo que solamente hay que escuchar, tocaron casi el mismo género musical. No quiero decirlo como algo negativo, yo no tengo nada malo que pensar de las otras, podría ser que los sellos… (en inglés) fueron presionando para tener este estilo de música, porque realmente fue la época dorada de lo que la gente llama Power Metal. No sé, pero tomó muchos muchos años antes para que saliera algo. En este momento, por ejemplo, me encanta, realmente me gusta una banda como DGM, por ejemplo. Entonces, ¡no lo sé! Espero que se entienda, quiero subrayar para dejarlo claro, que cuando digo algo como eso, repito, creo que es un hecho, pero no lo digo en forma negativa. Solo digo que, desafortunadamente, la movida italiana se quedó un poco estancada, porque tenemos estas 2 o 3 bandas que mencionaste y fuimos las primeras que iniciamos algo como esto, y cada nueva banda que vino después de esto, sólo se dedicó a repetir la misma fórmula, así que en mi opinión, no tuvimos la oportunidad de tener algo diferente.

Justo me comentabas sobre esa época dorada del PowerMetal, y precisamente este año en PowerMetal.cl hicimos un artículo sobre los discos que este 2018 están cumpliendo 20 años, donde podemos encontrar unos tremendos como “Nightfall in Middle Earth” de Blind Guardian, “Better Than Raw” de Helloween, “Legacy of Kings” de HammerFall o “Symphony of Enchanted Lands» de Rhapsody. Obviamente en ese ranking no podía faltar “Return to Heaven Denied”, ¡incluso nos dejaste un comentario en Facebook agradeciendo esta inclusión! (risas). Comentas que en ese tiempo el término “Power Metal” no existía como lo que se conoce ahora…

¡Absolutamente! ABSOLUTAMENTE. Mira, todavía tengo un flyer original antes de que el álbum saliera (yo creo que fue unos meses antes de la salida) y Metal Blade misma se estaba preparando para que el disco fuese presentado como “Melodic Speed Metal”. Cuando el Power Metal como palabra salió afuera, para mí fue muy extraño porque para mí el Power Metal era el Power Metal americano de bandas como Riot, y de verdad no entendía lo que teníamos de parecido (risas). Todas las bandas que hablamos ahora… no había internet, nosotros en un garaje… yo no sabía nada de esas bandas. Claro, algunas como Gamma Ray u otras que sí las conocía, pero no sabía nada de ese Power Metal, y cuando empezamos a escribir lo que fue “Return to Heaven Denied”, empezamos inmediatamente después de “No Limits”. Yo creo que la primera canción fue “The Night Of Dreams”, que fue algo que escribí en el ‘97-‘96, no sé, y no tenía idea lo que sería el Power Metal después. Eso es lo que quiero decir, yo creo que es por eso que el álbum suena tan espontáneo.. (¿cómo se dice en español? ¿espontáneo?) ¡Espontáneo! porque no tenía una idea, no tenía nada como para decir “OK, vamos a hacer un álbum Power Metal porque el Power Metal es bueno para la industria”. No, no tenía una industria, no tenía nada, solo tocaba en un garaje lo que me gustaba y las canciones del “Return…” eran lo que me gustaba cuando estaba en mis 20 (risas).

(risas) Pasando a lo más actual, comentaste hace unas semanas que “Architecture of a God” es el perfecto sucesor de “Return to the Heaven Denied”. Quería preguntarte, ¿por qué sientes esto con “Architecture” y no con los otros discos que de Labyrinth que vinieron después de “Return to Heaven Denied”?

Oh.. bueno, lo que yo decía… para mí el perfecto sucesor como se dice de “Return to Heaven Denied” es “Return to Heaven Denied – Part II”, lo que grabamos en el 2011. Es una cosa diferente lo que quiero decir. “Return Part II” es el álbum que hubiera sido publicado en lugar de “Sons of Thunder”. (En inglés) no sé cómo explicarlo, es muy difícil poder explicar algunas cosas cuando ha pasado tanto tiempo. Voy a tratar de explicar lo más claro posible y lo más honesto que pueda. “Return…” fue un gran éxito para la banda, tanto que caímos en algo llamado “el negocio”, donde personas que teníamos un poco más de 20 años no podíamos manejar o entender, ¿sabes a lo que me refiero? Estábamos en Italia, VENÍAMOS DE ITALIA, un país donde no habían managers ni compañías discográficas, éramos seis chicos de 20 años que llegaron a los rankings desde un garaje (risas). Fuimos comidos por este negocio, para el nuevo álbum teníamos un productor, Neil Kernon, un sello que nos presionaba para sacar algo lo antes posible, y entonces sacamos “Sons of Thunder”. Me gusta ese álbum. Déjame decirte, la producción ES UNA DE LAS PEORES que he escuchado, así que creo que ese fue uno de los problemas que tuvimos con ese álbum, la producción. Pero no me importa la producción, me gusta ese álbum, y es un hecho, llegó a los rankings y vendió tanto como “Return…”, así que fue exitoso. Pero ese habría sido mi último disco con la banda. ¿Por qué grabaría “Sons of Thunder” con la banda? Sabía que luego de ello me iría, ya que estaba por continuar con Vision Divine, porque… el romanticismo, digámosle así, la expresión artística de la banda estaba muerta, me sentía como un esclavo de la industria, cosa que no me gusta. Y después de “Sons of Thunder”, siempre lo digo, si no nos hubiéramos separado, hubiésemos lanzado “Return to Heaven Denied – Part II”, que es lo que hicimos diez años después.

Cuando hablé sobre “Architecture of a God”, dije y creo, que este es mi mejor álbum como Labÿrinth y es la continuidad perfecta de la banda. Si “Return to Heaven Denied” es lógicamente una comparación para la banda, digo, yo sé que cualquier cosa que hagamos, la gente siempre las comparará con “Return to Heaven Denied”. De la misma forma, creo que “Architecture of a God” es nuestro nuevo “Return to Heaven Denied”, porque para mí este álbum es mucho mejor, no en términos de emoción, porque lo que tuvimos en “Return…” nunca lo habríamos cambiado. Pero “Architecture of a God” es un álbum hecho ahora que tenemos 40 y tenemos muchas más experiencias, tantas exploraciones musicales distintas que hicimos cada uno como músicos, que todo converge en este álbum, por eso siento que éste tiene el mismo poder de “Return…” hace veinte años atrás.

Entendí muy bien a lo que te referías. Ahora Olaf, se nos acaba el tiempo y para ir terminando, tus visitas a Chile (tanto con Labyrinth como con Vision Divine) han estado LLENAS de anécdotas que han hecho esos conciertos algo muy especial que los fans aún atesoran con mucho cariño. Pero para ti, ¿qué han tenido de especial estas visitas?

Mira, no es un secreto que para mí Chile es como mi segundo país. Yo AMO totalmente a Chile, amo totalmente a las personas, cómo ustedes son. Yo de verdad me siento… mi mitad es chilena, y también yo viví en Santiago unos años, y para mí Chile es algo especial. Por eso también es que nunca tocamos de vuelta, porque yo no quiero llegar y tocar y hacer algo horrible. Si yo llego y toco, quiero que sea algo especial. Y es una emoción especial para mí y para todos los otros, porque… (risas) no sé, porque tocamos en todos los países del mundo posibles como Japón, China, toda Europa, los Estados Unidos, además de toda Sudamérica, Argentina, Brasil, y eso para mí no es decir que Chile es el mejor porque los otros no son tan buenos, cada país tiene su calidad. Pero hay algo especial que no puedo decir por qué, todos los músicos de la banda, todos los de Vision Divine y los de Labyrinth también (los que tocaron en Chile) se quedaron enamorados del país y de cómo las personas son, porque ustedes son personas calientes, pero al mismo tiempo muy… cómo se dice, ¿respetuoso? (risas) tienen mucho respeto de los músicos, de las personas, y son muy amigables, y todo eso hace de ustedes un país y un pueblo muy especial para nosotros.

Bueno Olaf, muchísimas gracias por tu tiempo y tus palabras. ¡Nos estamos viendo en septiembre!

¡MUCHÍSIMAS GRACIAS! Y también muchas gracias por su apoyo, porque uds. están haciendo algo muy grande para nosotros y lo agradezco mucho.

por Guille Salazar

Las entradas para ver a Labyrinth en Chile se venden por sistema Ticketek, www.ticketek.cl , y sin recargo en Tiendas The Knife y RockMusic (Eurocentro, Portal Lyon) y Morbid Metal Store (Providencia 1120, local 75 y Placer 932, local 47).

Los precios son:

Primeros 300 tickets: $22.000
Preventa: $25.000
Día del Evento: $30.000
Ubicación VIP + Meet & Greet: $40.000

¿Cuántas veces hemos visto a Timo Kotipelto en Chile? ¿Hace cuánto no vemos a Jani Liimatainen en Chile? Ambas respuestas son motivo suficiente para ver no perderse esta y la próxima semana el proyecto Blackoustic, show que el cantante de Stratovarius y el ex guitarrista de Sonata Arctica presentan a los fans como algo más que un show acústico: una instancia para relajarse con música de sus bandas y otros grandes del Rock y del Metal.

Timo Kotipelto toma el mando y conversa con PowerMetal.cl sobre la gira que llevará a recorrer Chile junto a su compañero, las ganas de conocer la cultura local en sus días libres, cómo es un show de Blackoustic, el presente y futuro de Stratovarius, además de las reflexiones sobre cómo disfruta el público hoy en día los conciertos.

Hola Timo! Tanto tiempo sin verte en nuestro país, 5 años para ser exactos. Pasaron de tener 2 shows programados en Chile, ¡y ahora son 5! ¿Cómo se gestó esta visita a Sudamérica con Jani y cómo toman este largo calendario por nuestro continente?

Hola Guillermo! Ha pasado mucho tiempo desde la última vez que estuve en Chile, así que estoy muy emocionado de volver! El tour estaba planeado para durar dos o tres semanas como máximo, y de pronto terminó siendo de seis semanas debido a que mi promotor no paraba de decirme que esperaba más fechas. Para ser honesto, no esperaba tanto interés, pero me encanta hacer giras grandes, son un duro desafío especialmente para mí como cantante… Muchos vuelos y muchos shows, pero estoy seguro de que será un buen tour!

Cada vez que subimos una nota promocional del show a PowerMetal.cl, muchos se preguntan, ¿por qué no haber aprovechado de venir junto a Cain’s Offering? Y también aprovecho de preguntarte, que si bien Jani gira contigo en Blackoustic, no vemos más de una canción de Sonata Arctica, ¿a qué se debe esto? 

No estoy seguro, no tengo idea si Cain’s Offering es lo suficientemente popular allá, únicamente hemos hecho giras en Finlandia y Japón. Sería bueno hacer una pequeña gira, quizás a futuro. Por otra parte, Jani no quiere tocar nada de Sonata Arctica, y tocamos una canción únicamente que fue compuesta por él (My Selene), y yo estoy bien con eso, si él quisiera que yo cante algunas canciones de Sonata, podría considerarlo.

Pensando en que esta será la primera vez que tocarán juntos en Chile y que aquí no los vemos tan seguido como los ven en Europa, ¿cuánto influye esto en la elección del setlist que traerán a nuestro país?

Nos da la libertad de tocar lo que queramos. Hemos tocado tan seguido en Finlandia que muchas veces debemos cambiar algunas canciones ya que la misma gente ha visto el mismo show. Tocar en Chile también nos da la oportunidad de tocar algunas canciones que no hemos tocado en toda la gira finlandesa y siento que los fans allá podrán escuchar otras algunas canciones de Stratovarius y las apreciarán más.

En una entrevista que tuvimos contigo el 2011 nos comentabas que con el poco tiempo que tienes en cada visita a Santiago, has quedado con ganas de conocer algunos atractivos de nuestro país, como la cordillera, por ejemplo. Ahora que recorrerás Chile a través de 5 hermosas ciudades, ¿qué tipo de planes has armado para tus tiempos libres? ¿qué les gustaría hacer o comer en especial en esos días?

Revisando las fechas me pude dar cuenta de que tendremos algún tiempo libre, excelente! Aún no he revisado si existen lugares con naturaleza cercanos a las ciudades donde estaremos, y si los hay sería bueno ir a verlos. En cuanto a comida, me encantaría probar comida local sobre todo, además estoy muy feliz por el hecho de tocar en otras ciudades, ya que antes había tocado solamente en Santiago, así que tendremos más lugares y ciudades para visitar.

La experiencia de este show acústico debe ser muy distinta a tocar junto a Stratovarius o Cain’s Offering, imagino que aquí incluso se puede hasta conversar con el público (risas). ¿Qué te deja como músico esta clase de shows?

Eso es cierto! estamos mucho más cerca del público y aprovechamos esa cercanía para comunicarnos con ellos. Cuando la gente viene a vernos pueden estar tranquilos, relajarse y disfrutar del show, además se darán cuenta de que somos bastante relajados en el escenario, esto también se trata de divertirse. Con Jani estamos constantemente bromeando (especialmente en finlandés, ya que no tenemos la barrera del idioma) y no nos tomamos muy en serio. Te garantizo que el show será especial y probablemente un poco distinto a otros shows acústicos que has visto.

Hablando de lo íntimo que se da en estos shows acústicos, puedes mirar detenidamente el comportamiento de cada uno de los asistentes. ¿Qué opinión tienes del público que va a los shows para grabarlos completos y disfrutarlos en casa, versus aquellos que siguen yendo a disfrutar del presente? ¿Por qué crees que el hecho de disfrutar los shows a través del teléfono celular se ha transformado en una tendencia?

Pienso que en muchos casos la gente no está grabando para ellos mismos y ver el show más tarde, sino que para mostrarle a sus amigos o seguidores que ellos estuvieron ahí. En Finlandia últimamente la gente sólo busca atención y se olvidan de vivir sus vidas, y eso es triste. No tengo nada en contra de que la gente grabe los shows, pero vas a pasar un mejor momento si dejas tu teléfono en el bolsillo y disfrutas el show, no vas a tener las mismas emociones viendo el show en directo que online o a través de una pantalla más tarde en tu casa. En esos casos la magia ya no está.

Quería aprovechar de preguntarte un par de cosas sobre Stratovarius. Hace poco anunciaron una serie de shows junto a Tarja. ¿En qué etapa de composición se encuentra Stratovarius y hasta dónde se extienden los planes de gira junto a Tarja? Tomando en cuenta que ambos son muy queridos en esta parte del mundo.

Se supone que deberíamos estar componiendo nuevas canciones para Strato, aunque ya tenemos algunas cosas listas. Una vez que termine la gira con Jani, probablemente entre a grabar algunas voces durante el verano, y espero que el disco esté completamente grabado antes de fin de año. Con respecto a lo de Tarja, durante el tour europeo giraremos un mes en conjunto y ya estoy esperando eso, ella es una gran persona!

Hace poco conversamos con Rafael Bittencourt de Angra, y haciendo referencia a la reunión de Helloween con Michael Kiske y Kai Hansen, y a la de Rhapsody con Luca Turilli y Fabio Lione, nos contaba que le gustaría juntar a sus 3 vocalistas para hacer una gira de Angra con integrantes históricos. ¿Cómo han visto uds. estas reuniones y cómo reciben los comentarios de la gente que les gustaría ver algún show de formación clásica de Stratovarius?

Con Stratovarius lamentablemente eso no es posible. Nuestros fans lo saben y no recibimos muchas peticiones como esa.

Bueno Timo, agradecemos como siempre tu gentileza con PowerMetal.cl, puedes dejar invitados a todos los fans de Santiago, Concepción, Puerto Montt, Temuco y Antofagasta a asistir a los shows de Blackoustic. Rock the Metal!

Gracias Guille!!! Estoy muy feliz de volver a Chile! Esta vez podré ver más de su hermoso país y visitar nuevas ciudades. Vengan a vernos en vivo, será una jornada muy especial! Rock the Metal!

por Guille Salazar

 

Las últimas entradas para los shows de Blackoustic en Santiago, Concepción, Puerto Montt, Temuco y Antofagasta se venden por sistema Passline.cl con los siguientes valores:

Preventa: AGOTADA
General: $20.000
Día del Concierto: $25.000

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Haciendo la previa al regreso de Angra en Chile, programado para el sábado 9 de junio, conversamos con su líder y fundador Rafael Bittencourt, único integrante original que queda en la actual formación de los brasileños.

El guitarrista pone todas sus fichas en esta nueva formación, comenta sobre las opiniones de los fans en redes sociales, su relación con Kiko Loureiro fuera de la banda, apuesta por una gira con sus 3 vocalistas y repasa sus recuerdos con nuestro país. 

He leído en varios comentarios la comparación entre «Omni» y «Temple of Shadows». A muchos les recuerda este gran disco de su carrera, y por lo mismo quería preguntarte, ¿en qué medida sientes que «Omni» rescata esos sonidos de «Temple of Shadows»? 

R: Bueno, «Temple of Shadows» es una referencia también para mí. Es una referencia para los fans, pero también para mí mismo, ya que es una gran obra, una «masterpiece», una obra prima. Cuando Kiko se fue de la banda, yo me quedé un poco pensativo, sintiendo como un desafío muy grande de mostrar a las personas que yo podría hacer un gran disco sin Kiko. Entonces, tuve a «Temple of Shadows» como una gran referencia, recordando todo el proceso de las composiciones, cómo fue el pensamiento, el proceso, las directrices que nos guiaron en aquél álbum. Ahora el proceso fue de mucha concentración y mucha cooperación. Si bien ya no tenía a Kiko, tenía a 4 grandes músicos para hacer una gran obra juntos. Entonces, propuse la estructura del disco, propuse los estilos que serían trabajados, cómo sería la forma del álbum, así juntos los 5 pudiéramos hacer un gran disco a la misma altura que el «Temple».

«Secret Garden» fue visto como un álbum de transición, mientras que «Omni» deja una marca de todo lo que es Angra actualmente: elementos más progresivos, baladas, agresividad, ¿qué tan distintos fueron los procesos de composición y grabación entre un álbum y otro?

R: Así es, «Secret Garden» fue un álbum de transición. Empezamos la estructura del álbum con algunas canciones que ya estaban listas. No fue pensado con una dirección antes del comienzo de la producción. Fue una colección de ideas de todos los que estaban componiendo y que después fueron unidas por el productor, así que es muy diferente el resultado. En «Omni», imaginé un disco que tuviese todos los estilos de Angra, desde «Angels Cry» en adelante. Las grandes características de Angra tenían que star sonando en «Omni», justamente para probarles a todos que esta formación es también una gran formación, una formación que en un futuro será recordada como una clásica, ¡como la tercera gran formación de Angra!

En ese sentido, ¿cómo viste la adaptación de Fabio en este caso como integrante oficial de Angra, con respecto a Secret Garden?

R: ¡Fue buenísima! Porque después de «Secret Garden», durante la gira mundial, empezamos a hacernos más cercanos, a quedar más familiarizados con nosotros y con mucha confianza. De ahí él tomó a Angra como su parte principal. En mi opinión, esta fue lo más importante para tener a Fabio como un cantante oficial, porque sin haberlo presionado para que se fuera de Rhapsody of Fire, Fabio se fue de la banda y dijo que Angra era su actividad principal. Entonces, ha cambiado toda la perspectiva con esto de tener un cantante oficial en la banda, es mucho mejor. La imagen de la banda es más sólida y consistente, entonces la adaptación fue muy natural y muy buena, porque a él le gusta mucho estar en Angra y a nosotros nos gusta mucho tener a Fabio, que es uno de los mejores cantantes de Power Metal hoy en día.

Angra ha pasado por distintas formaciones a través de los años, quedando tú Rafa como único integrante original en la banda. A tu juicio, ¿cuál es o son los elementos que hacen que Angra siga manteniéndose en pie? ¿Qué hace que la gente pueda seguir diciendo “esto es Angra”?

R: En primer lugar son muchos elementos, hay una base fuerte de Power Metal, pero con la intención de mezclar otros estilos de Metal. Angra propone una libertad estilística, especialmente que mezcla todos estilos de Metal. Para mí el Metal no debería tener tantas fronteras de estilos, porque a mí me gustan muchos estilos diferentes de Metal y no intento quedarme sólo en Metal melódico, o sinfónico o thrash, power, o progresivo. Me gustan muchos estilos diferentes de Metal, principalmente éste. Hay una intención melódica con mucha melancolía, una melancolía que viene de la música portuguesa del fado portugués, que fue una influencia muy grande en la música brasileña. Después, los ritmos afrobrasileños, los ritmos latinos que están presentes, las orquestas y también la mezclas de componentes que vienen del Pop y otros estilos variados. Entonces, lo que más caracteriza a Angra es la libertad de estilos y la gran mezcla de ellos.

Has tenido un gran protagonismo como cantante este último tiempo, ¿en qué momento decidiste comenzar a cantar algunos temas en los conciertos y luego incluso grabar nuevas canciones con tu voz?

R: Sí, había una gran duda con respecto de tener un cantante definitivo en la banda, así que me puse a cantar preparándome un poco para la posibilidad de tener que hacer algunos conciertos con Angra sin cantante. No era bueno tener un cantante no muy conocido, tal vez fuese mejor tener un miembro de la banda como yo, más que un nuevo cantante. Pero Fabio es muy conocido por todos, es muy amado por todos y está más que preparado para todo lo que Angra hace. Entonces a mí me gusta mucho cantar, siempre que estoy componiendo las melodías estoy cantando, muchas veces empiezo las canciones por la melodía y no por las guitarras ni por los ritmos Es muy común que empiezo las canciones cantando las líneas, entonces me gusta mucho cantar. A Fabio siempre le acomoda mucho que yo cante alguna canción o algunas partes. Considerando el hecho de que nosotros proponemos la variedad como uno de los grandes elementos dela banda, tener una segunda voz es también un símbolo de variedad.

Pasando a otro tema, llevas una amistad de muchos años con Kiko Loureiro, por lo mismo, ¿cómo ha sido la relación entre ambos este último tiempo?

R: ¡Sí! me junto con Kiko frecuentemente, así que lo vi varias veces anteriormente. Este año nos hemos juntado unas 2 o 3 veces juntos ya, así que es un miembro de mi familia, es un amigo muy cercano, entonces siempre una alegría porque yo estoy muy orgulloso, muy feliz por todo lo que ha conquistado y está siempre ayudando para otras personas también puedan conquistar las mismas cosas. Él no sólo es un gran guitarrista, sino un gran manager de su propia carrera. Entonces es siempre muy bueno estar hablando sobre las cosas de la rutina, cosas más simples, y también asuntos más serios. Hasta el día de hoy, Kiko está muy involucrado en el antiguo catálogo de la banda, así que hay muchos asuntos de negocios en que Kiko aún está presente.

Pasando a otro tema, Rafa. En tiempos donde las Redes Sociales son un termómetro de opinión, ¿qué tanta atención pones a los comentarios de los fans en estas redes? ¿Con cuánta frecuencia recoges eopiniones de lo que lees?

R: Yo no estoy tan conectado, pero Felipe y Bruno están siempre muy atentos a todo tipo de comentarios, sean positivos o más destructivos. Lo que pasa es que esto termina siendo muy constructivo al final de cuentas, porque hoy en día tenemos un termómetro muy directo sobre la aprobaciones o las objeciones del público al respecto de todo. Todos los detalles: el color de los pantalones, el color de las poleras, todo, ¡todo es asunto para discusión! A los fans de hoy en día les gusta mucho desperdiciar el tiempo discutiendo todo al respecto de las bandas, y les gusta mucho también crear el odio con la banda. Entonces, los fans son muy apasionados y a ellos les gusta mucho ocupar el tiempo comentando lo que odian y lo que aman. Esto es bueno para nosotros, que estamos siempre mirando las opiniones  y así podemos crear una especie de guía para un proyecto más acertado.

Helloween con Andi Deris y Michael Kiske, el mismo Fabio con Luca Turilli en Rhapsody, ¿en qué medida piensas que estas reuniones de compañeros separados hace varios años sea una buena idea? Y te pregunto directamente por Angra, ¿podemos imaginar un show o gira con André Matos y Edu Falaschi juntos?

(Risas) ¡Me gusta mucho la idea! yo pienso que sería una buena idea. Ahora no es el mejor momento porque es muy importante afirmar esta formación, porque yo quiero que los fans miren a Fabio y a todos en Angra con el mismo respeto que tienen por los antiguos miembros. Y luego que ese respeto por la actual formación esté construido, esté sólido, entonces quiero hacer una gira con los 3 cantantes, músicos invitados y una gran gira de celebración de la historia de Angra.

Pasamos a calentar motores ante una nueva visita de Angra a Chile. Con tantas ya que han hecho a nuestro país, ¿recuerdas alguna en especial por alguna anécdota?

R: Siempre me ha gustado mucho Chile. La mejor fue visita fue cuando yo viajé como turista para probar los vinos en Casablanca, las vinícolas, Concha y Toro y muchas otras. También fui al volcán Villarrica y también a otro volcán en el Sur. Siempre estoy con el deseo de estar en Chile como turista, porque en gira no tenemos tanto tiempo para conocer el país. A mí me gusta mucho Chile, pienso que es el país más admirable de Sudamérica, por las personas, por la educación, la organización, economía, todo. A mí me parece un país muy fuerte, muy estable en comparación con otros en Sudamérica, específicamente con Brasil, que ahora es una gran bagunça (N. de la R: término portugués que significa «desorden», «desmadre», etc). El público siempre se ha portado muy bien con Angra, siempre hemos sido muy bien recibidos. Es una pasión pero con mucho respeto, hay también una muy buena educación del público con la música, la gente sabe apreciar la buena música, así que es muy bueno estar en Chile por eso.

Contando también todas las visitas de Angra en Chile, ¿qué podemos esperar de especial para el próximo 9 de junio en Santiago?

R: Bueno, lo primero es que estaremos presentando la nueva formación, una formación que ahora está muy solida y muy buena. Yo pienso que es la más madura de todo el tiempo. Es una mezcla de la pasión joven de Bruno, por ejemplo, que tiene la misma edad de la banda. Bruno tiene 27 años de edad y Angra tiene 26 años de edad, ¡esto es una curiosidad! Yo estoy desde el comienzo de la banda, entonces, es la mezcla de la pasión por la música con la experiencia. Hoy en día tenemos madurez como amigos, como compañeros, hay menos peleas, convivimos en armonía, entonces el público será testigo del comienzo de la síntesis. Yo digo síntesis porque en la retórica griega, primero presentamos la tesis luego la antítesis y en un tercer momento la síntesis. Entonces, la tesis fue presentada por mí, por Andre (Matos) por Kiko (Loureiro) con la idea de la banda, los momentos melódicos, sinfónicos, historia brasileña, y todo. Después con el cambio de la formación veo la antítesis, que sería con la batería más agresiva, con un vocalista como Edú como cantante ,un poco mas agresivo y también la banda un poco más progresiva con «Temple of Shadows». Ahora en la síntesis, nosotros tenemos una mezcla de todo lo que pasó, entonces el público de Chile será testigo de la tercera era de Angra, la era de la síntesis, la era de «Omni».

por Guille Salazar

Angra vuelve a visitar nuestro país como parte del tour promocional de “Omni” el Sábado 9 de Junio a las 21hrs. en Club Blondie.
Los tickets se venden bajo sistema Eventrid y sin cargo en tiendas The Knife (Eurocentro) y Kmuzzik (Av. Providencia 2169, local 99 – Galería Interprovidencia).

Los precios son:

Preventa General 1: $20.000
Preventa General 2: $25.000

En el último tiempo no lo había pasado Iced Earth del todo bien. A mediados de 2014, en medio de la gira en promoción de “Plagues Of Babylon”, su fundador Jon Schaffer tuvo que poner pausa indefinida a todas las actividades de la banda, para someterse a una operación que lograra corregir su dolencia crónica del cuello (a causa de una lesión cervical no tratada por un accidente en escenario en 1996), que ya no le permitía seguir con su intenso día a día dedicado a su música.

Schaffer se enfocó en su recuperación, para más tarde construir lo que ha llamado su centro de operaciones en Indiana donde trabajar, ensayar, grabar y gestionar las futuras acciones de Iced Earth. Recién en 2016 empezaron tímidamente a volver a conciertos y festivales, etapa en la que dedicaron principalmente a componer un álbum que de haber sido escrito antes, “habría sido mucho más negativo y oscuro”, sentencia, debido a lo que habían estado enfrentado.

Por eso es que “Incorruptible”, el duodécimo lanzamiento de estudio de Iced Earth, suena agresivo aunque al mismo tiempo colorido, hasta incluso positivo, tras haber soltado tensiones por medio de una producción que para ellos resultó ser una terapia. Así lo indica el vocalista Stu Block, el integrante solicitado por PowerMetal.cl para hablar de lo sucedido, lo aprendido, lo grabado en el disco y lo esperado para este postergado regreso.

Stu, “Incorruptible” debe ser el disco más variado de Iced Earth desde tu llegada, el más diverso incluso desde “Something Wicked This Way Comes”. Es muy colorido, con canciones distintas entre una y otra, y con nuevos elementos que nunca habían sido explotados del todo, con nuevos recursos de guitarras y estilos vocales. ¿Cómo presentarías este trabajo?

Sí, como dijiste, es muy colorido, me alegra que lo digas y gracias por tus palabras tan amables al respecto. Hay muchas emociones en cada uno de los temas, hay un montón de asuntos personales, de cosas que conversamos. Hemos pasado por mucho, hemos atravesado por varias situaciones, por lo que quisimos retratar todo eso… y simplemente estamos hablando desde el corazón, eso es lo único, estamos tratando de hablar desde el corazón, de escribir con el corazón. No podemos hacer nada más que eso, y los sentimientos son muy poderosos. Fue como una especie de terapia para nosotros también, y con la composición fuimos capaces de sacarnos muchas cosas de encima, de dejar salir de muchas cosas que teníamos guardadas. La verdad es que necesitábamos hablar de muchas cosas y sacarlas de nuestros pechos, ¿ya?, y no fue tan difícil hacerlo porque todo provenía desde un lugar real, todo surgía desde un lugar honesto. Algo así sucedió.

Justamente te quería preguntar sobre ese trasfondo, entendiendo que Iced Earth tuvo un parón importante en sus actividades, de al menos un año y medio a partir de junio de 2014, tras la cirugía de Jon Schaffer. Hubo que parar las giras, se tuvo que atrasar el calendario de lanzamientos. ¿En qué medida te refieres a esto cuando dices que “hemos pasado por mucho”?, ¿cómo recibieron la noticia y cómo lo apoyaron a Schaffer?, ¿y cuán difícil fue para ustedes, como músicos y personas, el no poder dedicarse al grupo en ese tiempo, con todo lo que conllevaba en lo anímico y lo financiero?

Sí, a ver, cómo puedo explicártelo… como lo he dicho anteriormente, Jon es uno de mis mejores amigos y lo apoye un 110% tras su decisión. Cuando llegó el momento entonces en que nos dijo que debía tomarse un descanso, le respondí «no hay problema». Y no había ninguno en realidad, que si había algo en lo que pudiese ayudar, estaría allí para él. No hubo dudas ni cuestionamientos… le dije «tómate todo el tiempo que quieras para que puedas recuperarte». Y estuve totalmente de acuerdo con él, porque había estado con él en las giras y sabía que necesitaba de un buen reposo, si estaba con un dolor tremendo, con muchísimo dolor en todo su cuerpo, sus brazos y todo. Sabíamos que Jon tenía que darse un tiempo, que debía darse ese tiempo para recuperarse…

Entre paréntesis, Stu, para que luego continúes… me acuerdo del show de Iced Earth aquí en Santiago, el 22 de marzo del 2014, y si bien lo pasaron bien, se veía a Schaffer en momentos con el cuello rígido y la cara roja, apretada de dolor por esta lesión que mencionas… ¿cómo lo recuerdas?

Al respecto, en ese momento que señalas cuando Jon tocaba con mucho dolor en escenario… cada uno de nosotros estaba viajando con él, ¿ok? Tratábamos de ayudarlo, llegábamos a los conciertos y teníamos que realizar nuestro trabajo, al igual que él, y buscábamos que se sintiera lo más cómodo dentro de lo posible. No obstante, sabíamos que Jon tenía que darse un tiempo para recuperarse de su dolencia. Entre “Dystopia” y “Plagues Of Babylon” tocamos muchísimo en vivo, lo que nos terminó pasando la cuenta, por lo que me parece también que necesitábamos todos de un tiempo para retomar energías. Ahora, soy una persona muy resiliente, ¿ok?, durante el receso tuvimos todos simplemente que hacer lo que había que hacer para sobrevivir y ganarnos la vida, y si eso significaba tomar un empleo de día y hacer todo tipo de cosas, entonces eso era lo que debíamos hacer. A mí no me asusta el trabajo duro y tengo la bendición de contar con la capacidad de hacer ese tipo de cosas para mantener, ya sabes, mi estilo y estándar de vida. No gasto más de lo que tengo y… bueno, prefiero no meterme en eso, pero todos debimos tomarnos un descanso y todo tuvimos que hacer lo necesario para sobrevivir durante el receso de la banda. Y bueno, estábamos más que felices de apoyar a nuestro hermano, y considero que necesitábamos de ese time-off para quitarnos tensión de encima, porque realmente nos ayudó. Tuvimos ese descanso, nos descomprimimos y resurgimos con toda la energía, con un disco increíble y asombroso, del cual nos sentimos verdaderamente orgullosos.

DE CANCIONES INDIVIDUALES, Y EVOLUCIÓN DE ESTILO PROPIO

En esta oportunidad, Iced Earth propone un regreso con un trabajo que no es temático ni conceptual, como ha sido la tónica general en la historia del conjunto de Schaffer. “Incorruptible” se muestra como una colección de canciones con temáticas individuales. ¿Cuán distinto y entretenido fue trabajar un concepto particular para cada tema del disco?

No es complicado para nada. Si te fijas en la discografía de Iced Earth te encontrarás con álbumes que son ciento por ciento conceptuales, pero “Plagues of Babylon” solo la primera mitad lo era, mientras que el resto se trataban de canciones individuales. En “Dystopia” también había algunas así y… bueno, hemos pasado por tanto y teníamos tantas cosas de las cuales conversar, que no terminó siendo difícil tomar una temática para cada composición. De hecho, terminó siendo bastante emocionante hacerlo de esa manera. Teníamos una idea, por ejemplo, que queríamos hacer un tema sobre piratas (Black Flag), por lo que básicamente Jon escribió la música y después nos ocupamos de las letras. Por lo general la música influye en cómo la canción tiene que ser compuesta en cuanto a lo letrístico, y dejaremos que la música nos guíe. Ahora, si ya tenemos una temática, todo puede ser tomado en consideración. Allí, cuando empezamos a crear la música, y sabemos que las letras contarán con un feeling de piratas, las letras abarcarán todo lo que se nos ocurra al respecto. Queremos que las líricas encajen con la música también. Ahora, como bien captarás, Jon es un tipo muy sabio. La verdad es que se lo dejamos a él lo de las canciones, porque él las crea. Simplemente estoy acá para ayudarlo con las letras, las líneas vocales y todo ese tipo de cosas. De verdad que se apasiona mucho con la creación de los temas…

“Incorruptible” es un álbum, como hemos hablado, bastante variado. ¿Cómo “lees” las canciones y para saber qué estilo vocal o recurso encaja mejor con la música?

Saldrá de manera orgánica, saldrá de forma natural. Quizás probemos una cosa y la grabemos en los demos y así. Por eso nos gusta grabar demos del disco para después revisar lo hecho y decir “oh, esa parte tal vez no funcione tan bien, después de todo”. La regrabamos, la escuchamos… quizás comparemos las dos versiones y luego vemos por cuál nos dirigimos. Por ese motivo tenemos distintas tomas de líneas vocales y todo ese tipo de cosas, pero nos gusta hacer un demo del trabajo completo, con el fin de probar distintas ideas y ver después cuál nos agrada más. Sin embargo, no nos ponemos a pensar demasiado sobre el asunto. Jamás querremos detenernos a pensar mucho. Si lo haces así, entonces se volverá en algo muy forzado y terminará saliendo de forma poco natural.

Hablando de tu desempeño en el nuevo lanzamiento, diría que si tu performance en Dystopia era una interpretación que reflejaba el estilo vocal de Iced Earth, tu performance en Incorruptible es una muestra del estilo vocal de Stu Block. ¿Cómo describirías tu evolución como frontman de Iced Earth en estos años?

Quiero ser yo, ¿me entiendes? No quiero ser nadie más que no sea yo, ¿ya?, y nunca he tratado de ser otro, solo que al principio estaba descubriendo este nuevo approach vocal, ¿ok? Ahora, con el pasar de los años, empecé a aprender cómo ejecutarlo y ser yo mismo, interpretándolo con mi propio estilo, ¿ok? Con eso creo yo es con lo que los fans se van a conectar… ellos agradecen el hecho de que detrás de mi voz haya emoción, ellos agradecen el hecho de que sea capaz de hacer los falsetes altos y todo lo demás, pero quiero que aquello me refleje a mí. ¿Sabes?, habrán por supuesto ciertos momentos en que… TENGO influencias de Matt Barlow, y no puedo hacer nada al respecto. Muchas de mis influencias provinieron de Tim Owens, Matt Barlow, Ralf Scheepers, Bruce Dickinson, Rob Halford y todo ese tipo de vocalistas. De aquello junto piezas y me moldeo a mí mismo, ¿sabes?, pero me alegra que te hayas dado cuenta de aquello y me lo digas. Muchas gracias.

CRECIMIENTO: “SI SIENTES QUE NO VAS APRENDIENDO CONSTANTEMENTE, ENTONCES DEBES PARAR DE HACER LO QUE ESTÁS HACIENDO”

Refiriéndonos ahora a la grabación de “Incorruptible”, esta vez el proceso fue muy distinto al de Plagues Of Babylon, álbum que registraron en los estudios de Grave Digger en Alemania, al mismo tiempo que la banda tocaba en giras y festivales. Debían ir al estudio, salir del estudio, tocar en vivo, ir a los festivales y rápidamente cambiar el switch de los conciertos para regresar a trabajar en la producción. Ahora, todo lo pudieron hacer con más calma desde sus propias instalaciones en Indiana, sin tener que moverse desde ahí. ¿Cuánto más fácil les resultó esta vez, sin tener que ir y salir del estudio como antes?

No quisiera decir que… bueno, nunca será fácil, ¿OK? No me importa dónde estés o cómo lo estés haciendo: siempre será complicado grabar. Sin embargo, sí señor, sí estoy de acuerdo contigo con que el hecho de no volar ida y vuelta de los Estados Unidos a Europa, ir de un concierto a otro, luego ir a los estudios para grabar el álbum y bla, bla, bla… está bien, eso es harto difícil, porque en tu espacio mental quieres concentrarte en el modo estudio, no querrás estar en un modo de música en vivo, sino solo hacer el trabajo en el estudio, y eso fue lo complejo para nosotros durante la producción de “Plagues Of Babylon”. Ahora, en cambio, que tenemos nuestro propio estudio, ahora que el estudio está construido, somos capaces de concentrarnos mejor, de tener mayor independencia, lo que es muy bueno y hace que se nos haga un poquito más fácil, y un poquito menos estresante.

Ahora, en Alemania para la grabación de “Plagues Of Babylon”, pudiste trabajar junto a Hansi Kürsch de Blind Guardian en el registro de las voces, con un cantante como él que, nuevamente, es muy colorido y posee muchísimos recursos. Asimismo, para la producción de Dystopia, pudiste trabajar con un productor de la talla de Jim Morris, quien ha sido clave en el desarrollo artístico de Iced Earth desde los noventa. ¿Cuánto puedes aprender de personajes como ellos, incluido Jon Schaffer, cada vez que puedes trabajar con ellos?

Sí, tienes razón… aprendí un montón, aunque implicó muchísimo trabajo de mi parte. Desde “Dystopia” hasta este nuevo álbum, creo que lo que más he aprendido es a cómo manejarme o controlarme mejor en un estudio, cómo estar más relajado al minuto de grabar. La otra cosa es que… bueno, muchos no lo recuerdan, pero antes de llegar a Iced Earth estaba en una banda extreme-progressive Death Metal, Into Eternity, donde hacía switch de voces limpias a voces deathmetaleras, ¿cierto? Más tarde, sin embargo, me metí en Iced Earth y tuve que desarrollar esta nueva especie de rango vocal medio para mí, con el carraspeo incluido, lo que era novedoso para mí. A veces era un tanto difícil, pero aprendí a controlarlo. Jim Morris me enseñó a controlar mejor mis recursos vocales, mientras que Jon siempre me ha ayudado para que ese estilo ronco salga de una forma más natural… y los años de gira. Lo cierto es que los tours te ayudan bastante también, ya que te permiten moldear y calar ese tipo de voces. En este momento puedo ejecutarlos de un modo mucho más eficiente. Pienso que en este disco, en especial, enseño un mejor control, muestro otro tipo de cosas que puedo hacer con mi voz, puedo hacer sonar más fuerte los chest-notes (voces profundas) y cuestiones por el estilo. Sin duda que eso refleja todo lo que he aprendido. De todos quienes he aprendido, siempre he tratado de «sondear» sus cerebros y aprender algo de ellos. Con Hansi en especial, lo miraba cómo cantaba, lo miraba cómo hablaba, lo miraba cómo hacía las cosas y… no era mi intención molestarlo demasiado (risas), pero lo pasábamos muy bien conversando de lo que fuera… y claro, siempre que puedo trato de aprender cosas distintas de las personas. Si sientes que no vas aprendiendo constantemente, entonces debes parar de hacer lo que estás haciendo. Si sientes que ya lo sabes todo, entonces debes parar lo que estás haciendo y reevaluar tu situación. No importa si eres el mejor cantante del mundo, siempre podrás aprender de otro.

Por último, Stu, para cerrar y agradecerte por tu tiempo, quiero preguntarte sobre Chile. Ya hablamos un poco del 2014, pero me gustaría saber cuál fue tu impresión de los seguidores locales cuando viniste por primera vez el 2012, y si tienes conocimiento acerca de fechas latinoamericanas, incluyendo Santiago por supuesto, para la gira que se aproxima…

Ok. ¿Cómo es tocar en Chile? ¡Increíble!, nos encanta tocar allá. Chile es un lugar fenomenal, los fans son hermosos. Ustedes muchachos son muy apasionados y no podemos esperar la hora de volver a tocar… ¿Cuándo estaremos de vuelta? En este mismo momento no puedo decirte: no lo sé. Pero vamos a regresar y estén atentos, pongan oídos y ojos al anuncio de un próximo show en Chile, porque les digo lo siguiente: Iced Earth está de vuelta y estamos listos para dejar la cagada. Les vamos a llevar, probablemente, el espectáculo más intenso que hayan visto de nosotros en mucho tiempo, ¿les parece? Entonces lo que haremos será tomar y borrar ese dolor que ustedes pudieron ver el 2014, ¡verán solo sonrisas y lo pasaremos increíble! Muchas gracias y espero verlos pronto.

 

Quedan las últimas entradas para la tremenda noche que tendrá a Lamb of God junto a Carcass y Heaven Shall Burn en el Teatro Caupolicán. La cancha y platea tienen un valor de $29.000.

Las entradas para el show del 29 de junio están a la venta por sistema Ticketek, tiendas Falabella,  Kmuzzik y Centro Ticketek (Antonio Bellet 230, Providencia. Sin cargo y sólo en efectivo en tienda The Knife (Eurcentro) y en RockMusic (Portal Lyon).

A continuación te dejamos con la conversación que tuvimos con Mark Morton de Lamb of God

Quería partir esta entrevista preguntando sobre el status actual de la banda, se dijo que se iban a tomar un descanso y ahora están de gira.

La verdad, yo no dije eso… Creo que alguien más de la banda lo dijo, y ese es el tema con nuestra banda, hablas con cinco personas diferentes. Un día vas a tener cinco respuestas diferentes y otro día tendrás otras. Es un tema de la banda, somos cinco personalidades muy fuertes y cada uno tiene una opinión propia sobre lo que pasa. Por mi parte, soy un compositor, escribo y toco música y lo hago casi todos los días. Si es para Lamb Of God, genial. Lamb Of God es mi prioridad y si Lamb Of God se quiere tomar un receso, está bien por mí

He tenido la oportunidad de verlos varias veces tanto en festivales grandes como en lugares más pequeños. ¿Tienes alguna preferencia ante esto?

En realidad disfruto el hecho de que puedo hacer ambas. La parte difícil para mí sería decidirme por una, si tuviera que hacerlo, me encanta tocar en festivales con 60, 70 mil personas, te da una energía que realmente es incomparable, pero tiene cosas que apestan, a veces la calidad de sonido es realmente mala, el sonido en el escenario es malo, la gente está muy lejos y no está la misma conexión que cuando tocas en un teatro o un club, ¿sabes? Me gusta el hecho de poder tocar a la gente que está en las primeras filas.

Qué te parece el hecho de tocar con una banda que es considerada un verdadero clásico como Carcass, y a la vez con una banda relativamente más nueva como Heaven Shall Burn?

Es muy bueno, es bueno que haya variedad de bandas en el Metal y demostrar que hay diversidad en el género, y podría ser una buena lección de historia para muchos fans. Carcass lleva tocando mucho tiempo y son definitivamente una leyenda en el Metal.

¿Cómo es la vida de la banda en gira? Nos mencionaste que son cinco personalidades fuertes, ¿cómo manejan esto?

Es todo un tema, todos ya estamos cerca de los 40 años y hemos hecho esto por mucho tiempo. Si me hubieras preguntado esto hace 16 años la situación habría sido diferente, mucha fiesta, éramos bastante escandalosos y había mucho conflicto. Algunos lo pasamos muy bien, pero ahora es una atmósfera muy profesional, todo el día es pensar en el show, en que tenemos que dar el mejor show posible para los fans que nos quieren ver. Aparte de eso, es mantener nuestra sanidad y nuestros espacios. Varios somos padres, y estamos en una etapa más tranquila.

¿Cómo ves las diferencias entre los diferentes públicos? (sudamericano, norteamericano, europeo, etc)

Esa es una buena pregunta. En América del Sur hay un entusiasmo y una energía que no veo en ninguna otra parte, el público se ve y se siente muy emocionado durante el show. Quizás la gente en Estados Unidos están más habituados a ver más shows a lo largo del tiempo y quizás no es la gran cosa, no estoy seguro, pero lo de Sudamérica no tiene igual. Los fans europeos se caracterizan más por ser extremadamente leales, si te ganaste un fan europeo lo tendrás para toda la vida. Quizás no todos, pero los fans en Estados Unidos tienden a seguir más las modas y cambiar mucho entre estilos cada cierto tiempo.

Volvamos al show del 29 de junio, ¿qué podemos esperar en esta ocasión? ¿Un setlist con más temas nuevos, algo cargado a lo más antiguo?

Va a ser un poco de los dos, tenemos tantos discos y hay muchas canciones que la gente espera escuchar, pero también nos gusta tocar las canciones nuevas y sentimos que son de lo mejor que hemos hecho. Va a ser un poco de todos los discos.

Gracias por tu tiempo Mark, dejamos este espacio para que extiendas la invitación a tus fans para concierto en el Teatro Caupolicán.

Oh, bueno, la verdad es que esperamos verlos a todos allá, ¡va a estar bueno!

ENTREVISTA: SEBASTIÁN AGUIRRE

 

 

 

Quedan las últimas entradas para la tremenda noche que tendrá a Carcass junto Lamb of God y Heaven Shall Burn en el Teatro Caupolicán. La cancha y platea tienen un valor de $29.000.

Las entradas para el show del 29 de junio están a la venta por sistema Ticketek, tiendas Falabella,  Kmuzzik y Centro Ticketek (Antonio Bellet 230, Providencia. Sin cargo y sólo en efectivo en tienda The Knife (Eurcentro) y en RockMusic (Portal Lyon).

A continuación te dejamos con la conversación que tuvimos con Bill Steer de Carcass.

Han pasado más de 30 años desde que fundaron Carcass y prácticamente como banda, son los fundadores de todo un movimiento de Metal más extremo, marcando un sonido que muchas bandas usan como inspiración hasta el día de hoy. ¿Cómo analizarías todo este largo viaje hasta hoy?

¡Estos es difícil de analizar! Nunca esperé llegar a esta edad, nuca pensé estar tocando aún en esta banda. Cuando miro hacia atrás, es casi aterrador. Empezamos esta banda cuando éramos niños, muy ingenuos en esto. La idea de que nuestra música podría durar tanto tiempo nunca entró en nuestras cabezas. Se podría decir que hemos tenido mucha suerte – empezamos a tocar este estilo en una etapa muy temprana, había un montón de territorio musical que no había sido explorado. Cuando te encuentras en ese tipo de posición, no es tan difícil de innovar. Las cosas son mucho más difíciles para las nuevas bandas que están surgiendo ahora.

He leído en algún lugar que Jeff Walker considera que este es probablemente el momento más exitoso en la historia de la banda. ¿Qué piensas de estas declaraciones? ¿Realmente es el momento más exitoso para Carcass?

Sí, creo que tiene razón. Parece que algunas personas asumen que los viejos tiempos fueron geniales para nosotros, y aunque eran ciertamente agradables, no teníamos el tipo de seguidores que tenemos hoy.

Ha pasado 4 años desde el tremendo «Surgical Steel» y en muchas declaraciones que has dado, esperas que el próximo álbum de Carcass sea lanzado a finales de este año. ¿Cómo es ese nuevo trabajo de Carcass?

Todavía son los primeros días de eso. Había trabajado con Dan en un puñado de nuevas canciones hace dos años, pero rápidamente descubrimos que Jeff tenía planeada más giras para el grupo. Así que ese material entró en congelación profunda, hasta ahora. Nosotros tres, recientemente hemos empezado a ocuparnos más, trabajando en más cosas. Suena bien, pero hay mucho más trabajo por hacer.

Manteniendo ese tema, han sido muchos años sin un álbum en vivo de Carcass. ¿Hay alguna razón para eso? ¿Has pensado en algo en la presente gira?

Dudo que alguna vez lleguemos a lanzar un álbum en vivo. Hay varias razones para esto. Una cuestión para nosotros, es que la cultura que rodea los álbumes en vivo ha cambiado desde su apogeo en la década de 1970. Las bandas pasan más tiempo que nunca re-grabando la mayoría de sus temas en vivo, así que en última instancia lo que la gente está escuchando es casi una extraña versión de un álbum en estudio de ahora.

Sobre la salida de Amott y Erlandsson de la banda. ¿Qué significó para ustedes? Más aún cuando he leído en algunas de tus declaraciones que sentías que para ellos, la verdadera banda era Arch Enemy y no Carcass?

Esa situación estaba bien con todos los interesados. No fue una sorpresa. Jeff y yo estábamos muy conscientes de que Arch Enemy era la prioridad de Michael y Daniel, era realmente sólo cuestión de tiempo antes de que se convirtiera en un problema.

Hablemos de la relación de Carcass con nuestro país. ¿Qué recuerdos tienes de ese primer show en Chile con Paradise Lost en la gira de «reunión» de la banda? ¿Alguna anécdota?

Bueno, se siente como que fue hace mucho tiempo… Recuerdo haber conocido a gente encantadora. La gente que nos ayudó en backstage eran extremadamente encantadoras. En cuanto al público de esa noche, bueno, ser testigo de eso fue realmente una cosa inolvidable. Cuando Paradise Lost comenzó, oí el rugido en la multitud y me dieron escalofríos.

 

El 29 de junio, Carcass estarán actuando junto con Lamb Of God y Heaven Shall Burn, dos bandas un poco más modernas pero con toda la «violencia musical». ¿Qué te parece estar en el escenario con dos bandas claramente influenciadas por Carcass?

Ha ha (risas), ¡no estoy seguro de que ellos están influenciados por nosotros! Podría estar equivocado – por lo general lo estoy – pero mi impresión fue que cada una de esas bandas era (y es) procedente de un ángulo ligeramente diferente. Va a ser una combinación interesante. No sabemos muy bien qué esperar, pero debe ser divertido.

Para el cierre. ¿Tienes algún mensaje para Chile y los fans que estarán en ese gran festival de Metal? Por favor invítalos.

Gracias Chile por haber sido tan excelentes anfitriones para nosotros en el pasado. Estamos encantados de que se nos haya dado la oportunidad de regresar a su espléndida nación. ¡Te veré pronto!

ENTREVISTA: KARIM SABA