Resulta increíble pensar que, tratándose de una banda tan joven, Children Of Bodom halle sus origines hace casi dos décadas. En efecto, los periplos de estos muchachos comienzan hace lejanos dieciocho años, en 1993, en Espoo, una ciudad cercana a Helsinki, en el sur de la fría Finlandia. Por esos años la banda no era mucho más que el intento de tres niños por hacer algo de la música que a ellos les fascinaba. Posiblemente, sus integrantes nunca imaginaron que pasados varios años esa banda se convertiría en una de las más populares en la escena del Metal a nivel mundial. Y quizás fue esa misma juventud lo que les hizo unir sus distintas influencias de forma rupturista y casi sin mediar consideraciones, fórmula que a la larga les significaría ese colosal éxito.

LITERALMENTE NIÑOS

Todo comienza cuando Markku Uula Aleksi Laiho y un conocido de la infancia, Jaska Raatikainen, se dan cuenta de su afinidad musical y deciden formar una banda. Ambos tenían apenas 14 años. Alexi sería el guitarrista y Jaska el batero de ese proyecto, un primer intento que llevaría por nombre Inearthed. Alexi había estudiado piano y violín desde los cinco años, por lo que, si bien era muy joven, ya tenía gran conocimiento musical. Sin embargo, no fue hasta que tenía unos once años cuando tomó su primera guitarra: una Tokai Stratocaster. Con Jaska la historia es similar. Él tocaba piano desde pequeño y formaba parte de una banda escolar en donde interpretaba el corno francés, pero a los doce quiso probar algo distinto y como ya tenía un doble pedal se hizo de una batería. Cuando Jaska y Alexi se reúnen, en 1993, ya llevaban un par de años escuchando y tratando de hacer Metal. Rápidamente se suma a ellos el bajista Samuli Miettinen, quien llegó a ser el encargado de escribir casi todas las letras de las canciones.

LOS PRIMEROS INTENTOS, LOS PRIMEROS CAMBIOS

Inearthed se mantuvo como trío durante dos años, tiempo en que logró grabar  esfuerzos como “Implosion Of Heaven” (1994) y “Ubiguitos Absence Of Remission” (1995), dos de sus tres demos. Durante esa época la banda recibe una mala noticia: Samuli debía mudarse con su familia a EE.UU., por lo que su último aporte sería escribir las letras de aquél segundo demo. Ese registro sería el primero en que incluiría teclados, pero como aún no contaban con un tecladista, fueron los propios Alexi y Jaska quienes grabaron esas partes. Además, cierto día, en un ensayo donde Jaska tocaba el corno francés, conoció a Alexander Kuoppala, un trompetista que resultó ser también un muy buen guitarrista. De esa forma, Inearthed sumaba a su segunda guitarra. Sin embargo, el problema de la ausencia de bajista dejado por la partida de Samuli persistía, cosa que solucionaron bastante pronto con la llegada de Henkka Seppälä, quien también era compañero de escuela de Alexi y Jaska. Henkka era baterista en otra banda pero la dejó, y cuando luego Alexi le pidió que tomara el bajo no tuvo mayor problema. Y por esa misma época, a comienzos de 1996, la banda se decide a reclutar a alguien que pudiese dedicarse de lleno a los teclados, y el elegido es Jani Pirisjoki.

FUNDAMENTO DEL ÉXITO

Así, para 1996, cuando se grababa “Shining”, Inearthed ya era un quinteto formado por Alexi, Jaska, Alexander, Henkka y Jani. Sus tres demos, aunque mostraban algunas deficiencias técnicas y de producción, enseñaban también una notable manera de mezclar sus distintas influencias. Esas influencias sumamente diversas, e iban desde bandas como Dissection o Entombed hasta Slash, pasando por notables intermedios como Slayer. Incluso en ese entonces resultaba difícil determinar qué estilo de Metal hacía el grupo pues oscilaba entre el Death, Black, Heavy y Thrash, aunque el Death era lo que predominaba. Pero a pesar de todo esto, la banda no lograba generar ruido ni captar el interés de los sellos. Laiho entendió que para lograr esto debía tener algo que les distinguiera del resto, y vio en el uso de los teclados la solución. Lamentablemente Jani nunca demostró el compromiso necesario y fue rápidamente despedido. En su reemplazo llegó el hombre que cambiaría para siempre sus destinos, Jane Wirman, un niño prodigio de las teclas que sería el factor fundamental para que Bodom comenzara a abrirse camino entre las demás agrupaciones.

Ya con Jane en sus filas era claro que la banda estaba lista para dar el siguiente paso, pero no contaba con el apoyo de un sello importante así que se dieron a la tarea de grabar un disco de forma independiente, por muy difícil que pudiera ser. Fue así como en 1997 grabaron “Something Wild”, pero gracias a un amigo lograron hacerlo llegar hasta oídos de un pequeño sello llamado Shiver Records, quienes prometían producir el registro en masa, pero no mucha más ayuda que esa, pues simplemente no se podía. Curiosamente, justo después de eso, alguien en Spinefarm Records también les oyó y quiso ficharlos de inmediato, prometiéndoles tanto y más que Shiver. El contrato con los belgas de Shiver ya estaba firmado, así que era todo un problema. ¿Cómo lo solucionaron? Bueno, cambiándose de nombre y matando legalmente a Inearthed. Se dice que el nuevo nombre fue gracias a una guía telefónica, donde buscaron algo que sonase interesante. Cuando leyeron “Lake Bodom” de inmediato recordaron los macabros y misteriosos asesinatos ocurridos en ese lugar en 1960, donde tres personas murieron sin que hasta hoy se tenga mayor pista del hecho. Les apreció que nadie quedaría indiferente ante un nombre que incluyera la palabra ‘Bodom’, y fue así como pasaron a llamarse Children Of Bodom.

LA MANO DE UN GRANDE Y UN ASCENSO VERTIGINOSO

El disco ya estaba grabado pero había que re-hacerlo, esta vez con todos los beneficios técnicos que un sello importante podía ofrecer. En noviembre de 1997 Children Of Bodom lanza entonces su debut, “Something Wild”, cuyo sonido oscuro con raíces Black Metal combinadas con Power y Heavy melódico y de corte más neo-clásico atrajo rápidamente la atención no sólo de fanáticos del Metal, sino que también de la gigante alemana Nuclear Blast, la cual quedó inmediatamente fascinada con el estilo y acordó la distribución de los discos en todo el continente europeo (Spinefarm lo haría en Finlandia). El apoyo de Nuclear Blast les permitió incluso grabar un video para la canción Deadnight Warrior. Así, se consolidaron como una de las propuestas más diferentes y rupturistas, entendiendo aquella diferencia como algo novedoso, creativo y original, tanto así que estuvieron en los primeros lugares de las carteleras finlandesas por un tiempo considerable. Dato curioso: años más tarde Alexi comentaría que “Something Wild” es el disco que menos le gusta, ya que por esos años se esforzó demasiado en sonar como Ynwie Malmesteen.

La banda ya había tenido algunas presentaciones, pero era momento de hacerla grande y en febrero de 1998 inician su primera gran gira europea. Durante ese periodo se las arreglaron para volver a los estudios Astia y grabar dos nuevas canciones: Towards Dead End y Children of Bodom, esta última sería incluida en una pequeña compilación promocional llamada “The Carpenter”, que compartieron con Nightwish y The Serpent. Ese pequeño empujón de Nuclear Blast les significó estar dos meses entre los más vendidos en Finlandia. Al tiempo vuelven a la carretera, para una segunda parte de la gira en Europa, esta vez con otro as bajo la manga: Forevermore, corte que a la postre se convertiría en la mítica Downfall.

EL ARTE DE CULTIVAR EL ODIO

Luego, con la llegada de “Hatebreeder” en 1999, se dejó sentir el detrimento de las influencias neoclásicas. Esto, al parecer, debía ser una consecuencia lógica del distanciamiento que querían establecer con respecto a las demás bandas de ese momento que, según el propio Laiho, sólo buscaban sonar igual a Yngwie Malmsteen o Dimmu Borgir. El cambio radicaba en un mayor acercamiento a los estándares del Black Metal junto a riffs muy Power, por lo que daba lugar para cuestionar si era muy Black para los amantes Heavy/Power, o muy Heavy/Power para los seguidores del Black: la dicotomía inherente a Children Of Bodom. Pese a lo anterior, tanta era la vorágine que las entradas para sus conciertos en Japón se agotaron dos semanas antes de las presentaciones y, por si fuera poco, el implacable sencillo Downfall se abría paso rápidamente en el mercado, preparándoles muy bien el terreno y llevándolos a conquistar las carteleras no sólo de su país, sino que de varios lugares de Europa y sobre todo en Japón. Tanto así, que en julio de ese año grabaron en la capital nipona su primer álbum en vivo, “Tokyo Warhearts”, y que sería finalmente lanzado en octubre de ese mismo año.

LA CONSAGRACIÓN

Con la llegada del nuevo milenio llegaban también los desafíos para COB. Debían afianzar su propuesta, pero con la obligación de no copiarse a sí mismo y hacer un ‘Hatebreeder II’. De evitar el auto-plagio y sonar frescos. En octubre de 2000 es lanzado “Follow The Reaper”, ocasión en que prescindieron por primera vez del productor Anssi Kippo y sus estudios Astia, para moverse a los estudios Abyss en Suecia y trabajar así con Peter Tägtgren. La placa, que con los años pasaría a ser considerada por muchos como la más excelsa de la banda, conservaba el perfil agresivo-melódico de sus trabajos anteriores y presentaba en sus letras un carácter sumamente oscuro, tratando temáticas como la realidad cotidiana, la depresión, el aislamiento individual e incluso el suicidio. Para ese momento ya era un hecho: tenían a dos continentes (Europa y Asia) extasiados con sus aplastante propuesta. Con todo eso el próximo desafío era extender su éxito al otro lado del océano. Fue entonces cuando se presentaron por primera vez ante el público chileno, en el Teatro Providencia, el 21 de noviembre de 2001.

TIEMPO DE COSECHAR ÉXITOS

Tres años más tarde otro importante capítulo se suma a la historia de COB a partir del lanzamiento de “Hate Crew Deathroll”, en enero del 2003. En esta pasada, los muchachos retornaron a su natal Finlandia para trabajar nuevamente con Anssi Kippo, con quien ya habían cosechado muchos éxitos. Este disco, en definitiva, presenta una atmósfera más Heavy/Power, en desmedro su faceta más extrema, pero esto no fue motivo para que el número de seguidores disminuyera. Muy por el contrario, “Hate Crew Deathroll” se convirtió en la primera placa de la banda en obtener el estatus de disco de oro y además, fueron galardonados como “Banda Finlandesa del Año” (a la postre, casi todos los discos lograron esa distinción, y “Follow The Reaper” es hoy disco de platino). Todo dio paso a que se llevara a cabo la primera gira mundial de Children Of Bodom, trayéndolos nuevamente al suelo chileno el 17 de agosto de 2004, evento que tuvo lugar en Discotheque Blondie. Todo parecía miel sobre hojuelas, pero pronto la banda se vería enfrentada a su primer retiro en muchos años. Así es, justo en medio del tour, Alexande Kuoppala decide dejar la banda por razones personales (agotamiento debido al tipo de vida que conllevan las giras). La salida de Alexander se dio en buenos términos, pero Alexi simplemente no lograba entenderlo. Para él, Kuoppala siempre fue el que más disfrutaba las giras y era el que demostraba más entusiasmo. Según Alexi, todo tenía que ver con “una nueva novia”. Haya sido como haya sido, en su lugar ingresaría Roope Latvala, compañero de labores de Laiho en su otra banda Sinergy.

¡EN TU CARA! TE GUSTE O NO

Una era totalmente nueva iniciaría a finales de ese 2004, con la grabación del EP “Trashed, Lost & Strungout” y el posterior lanzamiento del single “In Your Face”, antesala del lanzamiento de su quinto disco que no vería la luz sino hasta el 2005. “In Your Face” contenía una cierta particularidad: una parodia/cover de “Oops!… I Did It Again”, éxito de la controvertida cantante Britney Spears. Ese solo hecho les valió perder el respeto de cierto sector de la fanaticada que consideró que eso sólo era una movida para vender más, transando la calidad de sus composiciones, algo que según ellos se palpaba también en las demás composiciones. No conformes con ello, lo incluyeron como bonus track en versión japonesa de su quinta placa: “Are You Dead Yet?”. Si bien es posible que los japoneses lo hayan tomado por el lado positivo y gracioso, es cierto que muchos fans del resto del mundo los sacaron del trono del Heavy/Power/Black/Death Metal. Independientemente de los aciertos o desaciertos de COB, “Are You Dead Yet?” contaba con composiciones sólidas y potentes, aunque un tanto más simplificadas (“comerciales”, dicen algunos) pero que al final de cuentas indicaban que COB aún estaba en pie de guerra y tenía mucho por decir.

Tuvieron que pasar largos 5 años para que la banda volviera a pisar Chile. Su sexto álbum, “Blooddrunk”, lanzado en abril del 2008, los trajo al Teatro Teletón el jueves 10 de septiembre del 2009, en el contexto del “Blooddrunk World Tour”, junto a nada más y nada menos que sus coterráneos de Amorphis. Lo cierto es que ese disco venía precedido de otro bastante cuestionado y las expectativas generadas en torno a él eran enormes, pues se esperaba una vuelta a las raíces que pudieran “redimir” lo hecho en “Are You Dead Yet?”. Sin embargo, “Blooddrunk” no cosechó las mejores críticas, siendo señalado por muchos como el registro más bajo en toda la carrea de los Children. Incluso su predecesor parecía superior. Siendo justos, el disco contaba con varias buenas canciones, estaba empapado –como era de esperarse- de continuas batallas entre guitarras y teclados, con buenas melodías y todo, pero era el cambio en la estética general del disco lo que hacía sumamente cuestionable por un amplio sector. Ese toque neoclásico que los llevó a lo más alto hacía unos pocos años, había ahora quedado definitivamente atrás.

SIGUIENDO IMPLACABLES POR SU PROPIO CAMINO

Antes de lanzar su siguiente larga-duración, la banda decidió hacer un disco de covers llamado “Skeletons In The Closet”, que contaba con versiones de artistas tan diversos como Iron Maiden, Slayer, King Diamond, Billy Idol, Alice Cooper, Poison y hasta la Britney Spears. Este álbum contó con la colaboración del retirado Alexander y a decir verdad le fue bastante bien en cuanto a ventas, llegando a posicionarse el puesto n°9 de las listas finlandesas. Pero su último gran episodio en esta historia se llama “Relentless Reckless Forever”, con fecha de publicación de ocho de marzo de este 2011. En esta oportunidad se mudaron a los estudiaos Petrax, dejando atrás Astia Studios y también a Anssi Kippo, para contar esta vez con Matt Hyde. Lo cierto es que se esperaba mucho de este álbum, especialmente considerando lo bajo del anterior. Las críticas esta vez estuvieron un poco más equilibradas, partiendo desde aquellas que lo sepultaban, hasta aquellas que asumen que hay una época que no volverá y que esto es lo que la banda quiere hacer, y que si bien no es como lo anterior, es igualmente rescatable. Sea cual sea la opinión, todos al menos reconocen el cambio en el estilo de la banda. Se mantienen algunos de los sellos de la banda, como los riffs intensos y los solos vertiginosos, así como el carácter de las letras (añadiendo incluso algo de humor negro, como el Pussyfoot Miss Suicide), pero en definitiva la banda ya no hace el mismo tipo de música.

Para muchos no fue menor el hecho de que el primer single de este disco fuera “Was It Worth It?”, ni que el video promocional mostrara a unos skaters (unos bastante famosos, hasta donde he podido averiguar). Y es que, claro, nadie tiene nada contra los skaters, pero difícilmente se puede decir que pertenezcan al mundo del Metal, no al menos a ese mundo en que uno posiciona a Children Of Bodom. Todo esto creó una enorme controversia, desatando todo tipo de comentarios y juicios hacia la banda. Para los más radicales la banda simplemente ya no es la misma y no hará la misma música, ahora les interesa otro tipo de público. Para otros la banda aún conserva mucho de aquellos que los hizo grandes, pero han decido incorporar nuevos elementos y ampliar su fanaticada. A ese respecto Alexi señalaría que “es una canción fiestera, no es el típico sonido Bodom, pero me gusta mucho, y es más Heavy que la cresta”, dejando ver que guste o no, esta es la música que la banda ha querido hacer. Y bueno, independiente de si gusta o no esta nueva propuesta, lo cierto es que el grupo jamás deja indiferente. Y después de todo, a Alexi le importa “un carajo” si lo odias o no (Hate Me!).

Hasta ahí llega la historia que Children Of Bodom ha construido desde 1993 hasta el presente. Historia que sigue escribiéndose, y que para nosotros los chilenos (y buena parte de nuestros hermanos en el resto del continente) abrirá un nuevo capítulo. La fecha elegida es el 10 de diciembre en el Teatro Caupolicán. Seguramente allí se darán cita los fanáticos más acérrimos de estos finlandeses, aquellos amantes de su época más clásica, y aquellos que ven en su nueva etapa una buena fuente de buenas canciones, aunque distintas. Después de todo, lo distinto es aquellos que definido la carrera de Children Of Bodom.

La carrera de Megadeth ha sido una de las más espectaculares y musicalmente innovadoras en la historia del Heavy Metal. Por más de 20 años, los estadounidenses se han escudado bajo la extraordinaria visión de su fundador, vocalista, guitarrista y compositor, Dave Mustaine, quien formó esta banda en 1983, después de ser despedido por los entonces poco conocidos, Metallica. Dicho acontecimiento podría haber enterrado en el olvido a cualquier persona, pero no a Mustaine. Él estaba decidido a formar su propia banda. Incluso, en algunas declaraciones Dave afirmó: “cometí muchos errores en mi vida, pero el más imperdonable fue Metallica“.

MUSTAINE Y EL GENESIS

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Todo comienza en 1981, cuando por intermedio de la revista “The Recicles” (magazine dedicado a coches usados y nuevos músicos), Dave Mustaine conoce a dos de los integrantes de un grupo de aficionados y enemigos acérrimos de la movida glam californiana con los que decide armar una banda, que en un principio se llamó The Young Metal Attack. Aquellos personajes eran James Hetfield y Lars Ulrich. Luego de formada la banda, se presentan en vivo como teloneros del grupo Saxon, pero ya no bajo el nombre de The Young Metal Attack sino como Metallica.

En 1983 y antes de grabar su primer disco, Metallica expulsa a Dave del grupo. Y, además, no le devolvieron sus mejores canciones y las grabaron en el disco debut, Kill ‘Em All. La versión apta para todo público dice que lo echaron de Metallica por pegarle patadas al perro -y mejor amigo- del cantante James Hetfield. La versión censurada dice que fue por borracho y adicto. Dave Mustaine dijo que lo echaron del grupo porque los Metallica eran envidiosos, porque él escribía las mejores canciones, porque era el mejor con su instrumento y porque los primeros fans del grupo lo seguían a él. Todas esas versiones eran ciertas.

Por otra parte un joven bajista, Dave Ellefson, llegó desde Ohio hasta Los Angeles. Alquiló un departamento en Hollywood Boulevard y una mañana, mientras tocaba su bajo, le fue arrojada una maceta desde otro balcón. El atacante se llamaba… Dave Mustaine. Fue así como dos de los únicos miembros estables en toda la carrera de Megadeth, se conocieron. Luego de aquel incidente, Mustaine y Ellefson comenzaron a tocar juntos. Mustaine le mostró algunos temas y ya con Ellefson maravillado ante tales composiciones, decidieron comenzar a buscar al resto de los integrantes de los que sería esta nueva banda.

La primera formación de Megadeth estuvo compuesta por Dave Mustaine en guitarra y voz, Dave Ellefson en bajo, Chris Poland en guitarra y Gar Samuelson en batería. Megadeth nace “porque literalmente es el nombre con que la ciencia designa la posible exterminación total de la humanidad por una explosión nuclear en cadena” indicó Mustaine. En los discos posteriores de Megadeth, apareció un siniestro personaje llamado Vic Rattlehead, el que se supone, es un superviviente de un desastre nuclear.

En 1985 grabaron su primer disco bajo la etiqueta de Combat, una productora independiente. El álbum se llama “Killing Is My Business…And My Business Is Good” y se convirtió rápidamente en un impacto para el ambiente metálico californiano, no sólo por lo contundente de sus temas, que sonaban a thrash puro y sólido con una estructura justificada y una voz con mucho más recursos que la de los vocalistas thrashers tradicionales, sino por lo crudo de sus letras anti-nucleares, y de gran contenido social. Siendo un disco extaordinario, es obvio y válido hacer notar que se trata de un disco de un ex-Metallica, una cruz que Dave cargó durante los primeros años de su carrera con Megadeth.

“Peace Sells…But Who’s Buying” fue grabado en 1986. Es el segundo disco de Megadeth y el primero producido por sello Capitol. Esta producción confirmó rotundamente que Megadeth había dejado de ser sólo una banda prometedora. Para ese entonces la dura competencia con Metallica, hizo que Mustaine pusiera todo su aparato defensivo alerta: “Yo me fuí de Metallica porque quería ir en una dirección distinta a la que ellos iban. Quería hacer otro tipo de cosas. No veo a Megadeth como un grupo que se parezca a Metallica. Tenemos diferentes ideologías sobre la música y sobre la vida …” declaró con dureza Mustaine. Sin embargo, el lider de Megadeth comienza a tener serios problemas con su alcoholismo y drogadicción. Si bien es cierto que en ningún momento esta situación puso en peligro la banda, el material de su tercer disco sufrió cambios y variaciones. Según declaraciones del resto de los integrantes, “las sesiones fueron realmente tormentosas…”

EN MI HORA MAS OSCURA

En 1987 y terminado el tour de ese año, Chris Poland y Gar Samuelson deciden abandonar Megadeth. Ingresan como nuevos reemplazantes de los músicos desertores Jeff Young en guitarra y Chuck Behler en batería. En 1988 Dave Mustaine compone el tema In My Darkest Hour en honor a su amigo Cliff Burton, bajista de Metallica, trágicamente desaparecido en un accidente automovilístico. Dicho tema aparece en el tercer disco de la banda “So far, So Good…So What!”. Una semana después, ingresan en el top 30 estadounidense. En el mes de febrero, Megadeth recibe su primer certificado de platino con un millón de copias vendidas por el álbum “So Far… Anarchy In The U.K”, versión del tema de los Sex Pistols, se convierte rápidamente en un hit. Actuan por primera vez en el festival de Donnington junto a Helloween, Guns N’ Roses, Iron Maiden y Kiss.

En 1989 Dave Mustaine sufre una recaída en su rehabilitación. Vuelve a desatar tensiones en el núcleo de Megadeth y por esta razón, Chuck Behler y Jeff Young, abandonan la banda. Como reemplazantes ingresan Marty Friedman, ex-guitarrista de Cacophony (el que ya poseía una vasta e importante carrera como solista) y Nick Menza en batería. Uno de los tantos músicos que quedaron sin la posibilidad de entrar a Megadeth para reemplazar a Jeff Young fue nada más y nada menos que Diamond Darrell (Q.E.P.D.), guitarrista de Pantera. Con esta nueva formación, ingresan a estudios para grabar su próximo álbum.

EL CASTIGO MERECIDO

En 1990 editan lo que sería uno de sus mejores álbumes, sino el mejor, “Rust In Peace”. Holy Wars… con este primer corte comienza el disco y lo embandera de inmediato. La elaboración musical plaga el álbum de sutilezas, las que junto a la excelencia rítmica de la que Megadeth es sinónimo, melodías más frescas y libres de voz, la incorporación del ex-Cacophony Marty Friedman y bases más digeribles, hacen a esta placa un bocado que provoca el redescubrimiento por parte de enemigos acérrimos del grupo, como también la satisfacción del fan Nº1 de Megadeth. La banda gana tres trofeos en el Foundations Forum en Los Angeles. Los premios pertenecen a Top Artist Radio Album por “Rust In Peace”, Top Artist Radio Cut por “Hangar 18″ y Mejor grupo de Thrash.

En 1992 lanzan al mercado su quinto álbum llamado “Countdown to Extinction” con la misma formación que el anterior. Marty Friedman comienza a tomar lecciones de guitarra con Brian Setzer, famoso y reconocido guitarrista de Stray Cats considerado por el mundo de los violeros como “maestro de músicos”. Dave no quiere que esta noticia se de a conocer, pero resulta imposible mantenerlo en secreto, a lo que Mustaine agrega: “Si Brian está ayudando a Marty puede estar bien, pero les aseguro que no va a tener ninguna incidencia en su forma de tocar”. Marty Friedman graba Scenes, álbum individual producido por Kitaro, líder de la New Age Japonesa. En 1993 emprenden la gira mundial presentando su reciente álbum. Gira que también abarcaba Sudamerica, incluído Chile. Pero los problemas de alcohol y drogadicción de Mustaine lo impidieron.

En general, un trabajo muy bien logrado y con un buen impacto comercial. Contiene el tema más emblemático de Megadeth: Symphony of Destruction y fue grabado con la alineación más reconocida y sólida. En cuanto al sonido, es bastante agresivo pero aún así, con algunas pinceladas comerciales.

En 1994 con un Mustaine totalmente (o casi) rehabilitado, Megadeth graba su nuevo álbum llamado Youthanasia y comienza la gira presentación de este nuevo disco. Es más, la nueva gira mundial de Megadeth comenzaba en nuestro país: ¡finalmente, Megadeth llega a Chile!. La banda quedó encantada con nuestro país, se dieron el tiempo de estar un fin de semana en Viña del Mar y posteriormente comentaron lo impresionante del público chileno. También comentaron lo desagradable que fue recibir algunos escupos de aquellos idiotas que creen que escupiendo a las bandas les demuestran su afecto. Para suerte de todos, al parecer eso ya quedó atrás. En 1995 Megadeth llega otra vez para concluir su gira de presentación de su último álbum pero está vez en el marco del Monsters Of Rock. Dave Mustaine emprende un proyecto solista llamado MD45, en el cual se dedica exclusivamente a tocar la guitarra, los otros integrantes del grupo eran Lee Ving (Fear) en voz, Jimmy DeGrasso (Suicidal Tendencies) en batería y Kelly Lemieux en bajo.

En 1997 lanzan su nuevo álbum llamado “Cryptic Writings” con el que continúan en cierto modo la línea de “Youthanasia”. Pero también tocan estilos diferentes en ciertos pasajes, quizá como preámbulo al siguiente disco. Así mismo, algunos cortes hacen recordar sus inicios ochenteros y thrash metaleros como FFF, The Disintegrators y She-Wolf. Comienzan las giras y por supuesto Chile estaba incluido en ella.

EL FIN DE UNA ERA

Después de tanto tiempo, Megadeth sufre un cambio en su formación. Se retira Nick Menza y como reemplazante entra Jimmy DeGrasso. El noveno material discográfico de la banda, “Risk”, salió a luz en 1999. El titulo del mismo alude al riesgo que la banda tomó con referencia a su sonido e imagen. El álbum no fue del todo favorable, no obstante, si recibieron buenas críticas por salirse de sus raíces y experimentar nuevos estilos como lo es el hard rock.

El 2000 Megadeth sufre otro golpe bajo. Marty Friedman se retira de la banda y en su lugar entra Al Pitrelli. Junto a él, la banda comienza a trabajar en su décimo álbum (contando el EP “Hidden Treasures”). Para este nuevo álbum Megadeth deja Capitol Records y firma contrato con Sanctuary Records. Kill the King es el primer tema compuesto con la nueva formación, y se transforma en la carta de presentación de la recopilación “Capitol Punishment: The Megadeth Years”. La banda regresa al estudio en L.A. para terminar la grabación de su próximo trabajo de álbum.

El nuevo disco llega en el 2001. Con “The World Needs A Hero”, Megadeth pretende recuperar en cierta medida la fuerza y velocidad perdida en años anteriores y hasta cierto punto, lo logra. Al siguiente año, una versión re-mezclada y re-masterizada de “Killing Is My Business… And Business is Good!” sale al mercado. Ésta incluye un cover y varios bonus tracks.

En marzo del 2002 la banda lanza el primer álbum en vivo de toda su carrera: un álbum doble en vivo llamado “Rude Awakening”, en donde se rescata todo el poder de la banda en sus presentaciones en vivo, con cortes tan antiguos y clásicos como Mechanix, Devil’s Island y Wake Up Dead, junto a la larga lista de “hits” de la banda como Hangar 18, Holy Wars, Peace Sells, Symphony Of Destruction y Trust, por nombrar solo algunos. Irónicamente se transformaría en su disco de despedida.

El 3 de abril de ese mismo año, Mustaine se vi obligado a anunciar, en conferencia de prensa, su salida y por tanto disolución de Megadeth puesto que había sufrido una severa lesión en el nervio de su mano y brazo izquierdo (neuropatía radial) que le impedía seguir tocando. Todo apuntaba al final de la existencia del grupo luego de casi veinte años en escena.

Debido a obligaciones contractuales con Sanctuary Records, tuvieron que sacar a la venta en septiembre el “Still Alive… and Well?”, un compilatorio que incluye temas en vivo que fueron grabados en el Web Theatre de Arizona y otros tomados de las grabaciones en estudio de “The World Needs a Hero”.

A comienzos del 2003, Dave expresa que deja las guitarras Jackson y en junio, en la Convención NAMM presenta sus nuevas aliadas: las guitarras ESP, que cambia dos años después. Para sorpresa de muchos, luego de un intenso trabajo junto a médicos y terapistas, Mustaine logró la completa rehabilitación de su brazo, y en enero del 2004 anunció su buena salud, el futuro de Megadeth y los nuevos lanzamientos.

“LA RESPUESTA… ES SÍ”

Dave planeaba su primer álbum como solista pero el contrato con el sello discográfico europeo, EMI, aún estaba vigente por lo que tuvo que lanzar un álbum más bajo el nombre de Megadeth. Intentó reunir a la alineación de los tiempos de “Rust in Peace”, pero no pudo llegar a un acuerdo ni con Friedman ni con Ellefson. Así, el nuevo álbum para el 2004, “The System has Failed”, sería el primero sin la participación de Ellefson. Fue grabado junto Vine Colaiuta, Jimmy Sloas y el ex-Megadeth, Chris Poland. Este disco remonta a los y las fans a los tiempos de “Rust in Peace”. Mustaine anunció que, en definitiva, este sería el último álbum de Megadeth ya que después se dedicaría a su carrera solista.

Para el tour mundial, Blackmail The Universe, James MacDonough estaría en el bajo y Glen Drover en la guitarra. Una semana después del primer concierto de la gira por Estados Unidos, Nick Menza informó que no se sentía preparado para un tour completo, entonces Shawn Drover (hermano de Glen Drover) lo reemplazó.

El 2005 fue un año de muchas emociones para Megadeth. Continuaban con la gira Blackmail The Universe en Europa y tocaron por primera vez en Islandia, Rumania y Bulgaria. En junio, lanzaron un álbum de éxitos con el nombre de “Greatest Hits: Back to the Start”, que contiene 17 temas significativos para la banda y que fueron elegidos por los y las fans en una votación realizada en su sitio oficial de Internet.

Después, en julio, Dave Mustaine organizó el festival Gigantour, inaugurado por bandas de tan alta calidad como Dream Theater, Anthrax, Symphony X, Nevermore, Fear Factory, entre otras. Las presentaciones fueron en Montreal y Vancouver y los conciertos fueron grabados para ser publicados en el 2006 como CD y DVD.

Ya casi a finales de ese año, y luego de la presentación en un repleto Court Central del Estadio Nacional en Chile, Dave prometoó en el Pepsi Music Rock Festival de Argentina dar la respuesta sobre la continuidad o separación de Megadeth. Tras una versión acústica de Coming Home y previo interpretar Symphony Of Destructión, el líder de Megadeth informa finalmente al público que “la respuesta es sí”. Ese concierto fue lanzado como DVD oficial bajo el título “That One Night: Live in Buenos Aires” en el 2007.

El 2006 empezó con una piedra en el camino, James MacDonough anunció su salida de la banda debido a “diferencias personales”. James LoMenzo lo sustituyó y su primer concierto con Megadeth fue en marzo en Emiratos Árabes Unidos, en el marco del festival “Dubait Desert Rock”. Compartieron el escenario con Testament y 3 Doors Down. En seguida, el DVD doble “Arsenal of Megadeth” fue publicado. Éste tiene un gran contenido sobre la trayectoria de la banda, videoclips, entrevistas, anuncios televisivos, etc. En abril, Megadeth empieza a grabar un nuevo álbum en el estudio SARM Hook End Studios en Inglaterra y al siguiente mes, firma contrato con Roadrunner Records.

El Gigantour del 2006 empezó en América del Norte. Junto a Megadeth estuvieron Opeth, Arch Enemy, Lamb of God, Smashup, Into Eternity y Overkill. Luego se van de gira a Japón y continúan el Gigantour en Australia, acompañados de Soulfly, Arch Enemy y Caliban. Para Halloween, Megadeth participa en el lanzamiento del juego para Xbox 360, “Gears of War”, y da un concierto en Springfield.

El año pasado, fue muy activo para la banda: Mustaine firma contrato con Dean Guitars y estrena su nueva guitarra VMNT en la Convención NAMM; Megadeth abre a Black Sabbath en su gira por Canadá y Estados Unidos; también lanzan el DVD “That One Night”, mencionado anteriormente.

Pero eso no fue todo. Ya para mayo, el onceavo compacto de Megadeth estaba saliendo del horno. “United Abominations” alcanzó rápidamente la posición número ocho de Billboard. Este álbum contiene una nueva edición de A Tout le Monde y cuenta con la voz de Cristina Scabbia de Lacuna Coil en los coros. Las herramientas tecnológicas ligadas a la forma de componer de Mustaine han sido utilizadas de la mejor manera para dar una resonancia potente en todo sentido, acompañada de guitarras distorsionadas y riffs llenos de poder. Sin duda, una buena descarga de decibelios, de la cual siempre ha sido ícono esta gran banda.

A medio año (2007), empieza en Europa la gira mundial “Tour of Duty” y luego continúa en Estados Unidos y la Costa del Pacífico. Para finales de ese ciclo, Megadeth saca a la venta un set de cuatro discos y un DVD, al cual llamaron “Warchest” y no es más que una recopilación de temas clásicos en la historia de la banda, grabaciones de varios conciertos, etc. Culminan el año en el Gigantour en Australia, junto a DevilDriver, Bring Me the Horizon, Static X y, aprovechando que Lacuna Coil también estaría en el mismo escenario, Cristina cantó en vivo A Tout Le Monde (Set Me Free).

Nada novedoso para los y las fans de esta legendaria agrupación, en enero de este año (2008) se dio a conocer que el guitarrista Glen Drover dejaba la banda, pues el intenso trabajo de las giras lo estaba agotando demasiado. Su reemplazante es Chris Broderick (ex-Nevermore, ex-Jag Panzer), quien debutó con Megadeth el cuatro de febrero en Finlandia. Además, Broderick tuvo un buen comienzo: el Gigantour 2008, que inició el 12 de abril en Denver, Colorado con las bandas In Flames, Children of Bodom, Job For a Cowboy y High On Fire.

El 31 de mayo del 2008, Megadeth se presenta en el Arena Santiago junto a Criminal ante 15 mil personas para el Tour of Duty 2008, en el que sería hasta ese momento el concierto más grande de la banda en nuestro país. Un año más tarde, terminan las grabaciones de “Endgame”, nuevo álbum de Megadeth que los hace girar por Europa junto a Judas Priest y Testament, además del tour “Canadian Carnage” con Machine Head, Slayer y Suicide Silence. El single Head Crusher tuvo la primera nominación a un premio Grammy desde Trust en 1997.

20 AÑOS, 4 GRANDES Y EL 13 EN TODAS PARTES

Febrero del 2010 fue celebrado con un gran anuncio para los fans: David Ellefson estaba de vuelta en Megadeth, justo en el momento en que la banda conmemoraba los 20 años de “Rust In Peace”. El aniversarío incluía una gira en la que se interpretaría el disco completo junto a otros clásicos de su carrera. Sobre el regreso del bajista, Mustaine comentó: “Esto demuestra el poder del amor fraterno y del perdón. David Ellefson pertenece a Megadeth. Les mostraremos el poder de lo que es llevarse una patada en el culo… DURO! Queremos dar las gracias a James LoMenzo por tantos años de lealtad a su trabajo en el bajo, y le deseamos lo mejor”. Por su parte, Ellefson comentó: “Este es un gran momento para todos nosotros, banda y fans por igual. Es una gran fiesta de la música de uno de los discos más emblemáticos de nuestra carrera”.

La gira de “Endgame” y los 20 años de “Rust In Peace” bajó a Sudamérica y Chile no fue la excepción: 15 mil fans repletaron nuevamente el Movistar Arena confirmando el arrastre de la banda en nuestro país.

Por si esto fuera poco, lo que había comenzado como un rumor, tomó forma para el festival Sonisphere del 2010: Megadeth, Metallica, Slayer y Anthrax participaban juntos en el denominado Big 4. Los cuatro grandes del Thrash estadounidense pasaron por Bulgaria, Polonia, Grecia, Rumania, entre otros, done no solamente hicieron sus propios shows, sino también se juntaron en cada cierre de concierto para interpretar temas como Am I Evil de Diamond Head. Tanto fue el éxito y expectación en el mundo por el “Big 4″, que el show realizado en Bulgaria fue presentado en cines en formato HD (Chile incluído).

En septiembre del mismo año, la banda lanza un nuevo DVD en vivo con un concierto grabado en el Hollywood Palladium: “Rust In Peace Live”. Megadeth destaca también con participaciones en los vdeojuegos Never Dead, aportando con un tema del mismo título, y Guitar Hero, donde aparecen canciones como Holy Wars… The Punishment Due, This Day We Fight! y Sudden Death, siendo nominados con ésta a un Grammy por “Mejor interpretación Metal”.

En 2011 la banda continúa junto a Metallica, Slayer y Anthrax para girar el Big 4 por Estados Unidos, mientras se celebran los 25 años de “Peace Sells… But Who’s Buying?” con una reedición del álbum que salió al mercado en julio.

Los planes de un nuevo disco de estudio, y el primero con David Ellefson desde “The World Needs A Hero”, comienzan a tomar forma. “Empecé a tocar la guitarra a los 13, este es nuestro registro 13 y yo nací en un 13″, comentó Dave Mustaine sobre el título de este nuevo disco. “Apenas dije que iría a llamarlo ‘13′, noté el 13 en todas partes”. Acerca de la dirección de este trabajo tomaría con respecto a “Endgame”, Mustaine indicó que es “ciento por ciento diferente, como nada a lo que hemos hecho antes porque el sonido de las guitarras es distinto, realmente suenan super modernas. Si tuviera que decir que suena a una banda en particular, diría que suena como al viejo y clásico Sabbath con un poco del filo moderno de Queens Of The Stone Age“.

Las grabaciones de “Th1rt3en” se realizaron en el Vic’s Garage Studio de San Marcos, California y fue producido por Johnny K. Para promocionar este nuevo trabajo, Megadeth saldrá de gira por Sudamérica en noviembre y para comienzos del 2012 ya programó una nueva edición del Gigantour, que tendrá a Motörhead, Lacuna Coil y Volbeat como acompañantes.

Los ritmos intrincados, las precisas líneas de guitarra, los solos extremadamente melódicos, el poder y rapidez de sus cortes más antiguos y las letras referentes a temas internos y propios de la vida diaria, aspectos serios del lado más oscuro de cada uno de nosotros, así como de política, humanidad y el contexto social en el cual todos estamos inmersos han sido factores de identificación, entre Megadeth y sus fans, que han llevado a este cuarteto a vender millones de álbumes alrededor del mundo.

La banda de Dave Mustaine lo demostrará una vez más en nuesto país el sábado 12 de noviembre, donde serán los encargados de cerrar la primera jornada de la segunda edición del Maquinaria Festival en el Club Hípico de Santiago. Las entradas están a la venta a través del sistema PuntoTicket (con recargo) y en la tienda Soldout (sin recargo) ubicada en el Portal Lyon con los siguientes precios: $35.000 (Entrada General 1 día) y $60.000 (Entrada VIP 1 día).

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Hace seis años Chile tuvo la oportunidad de admirar a Judas Priest durante su primera visita a estas tierras, en un show que congregó a casi 12 mil almas estupefactas. En esa ocasión contaron con la presencia de sus connacionales de Whitesnake con quienes hicieron de aquella noche algo que aún hoy oscila en la memoria. Este mes la historia se repite, los legendarios sacerdotes vuelven a Santiago, tal cual un déjà vu o una profecía: en el noveno mes del año, con sus mismos compatriotas, pero esta vez en un recital para decir adiós.

Más allá de ser una de las agrupaciones que sentó los precedentes para las bandas de la nueva ola del Heavy Metal británico, Judas Priest es el símbolo por antonomasia de ese género y fundador del sonido a doble guitarra que hoy nos hace vibrar, pero también emblema de la lucha en la persecución de ideales musicales. Un arranque parsimonioso, un éxito de dimensiones insospechadas y una visión que trasciendo el cuero, el color negro y las puntas: esta es la autopsia de la historia de los dioses del metal.

LA BALADA DE FRANKIE LEE Y JUDAS, EL SACERDOTE

Esta historia empieza a escribirse en 1969 y tiene su momento clave en una convocatoria. El vocalista Alan “Al” Atkins residía en West Bromwich, una ciudad al noroeste de Birmingham, Inglaterra. Atkins ya era bastante conocido en la escena musical por su participación como frontman de las bandas The Bitta Sweet, Sugar Stack, Blue Condition y The Jug Blues Band. Tras un contrato fallido con el grupo Evolution, Al decide iniciar una nueva aventura junto al bajista Bruno Stapenhill,  el batero John Partridge y el guitarrista John Perry. La recién formada agrupación  se prepara con sus primeros ensayos pero un trágico accidente carretero deja sin vida a Perry y trunca el proyecto. Mas los jóvenes se reparan de la caída y se levantan con el interés de organizar una audición para elegir a quién tendría a cargo la guitarra.

A la audición se presenta un joven llamado Kenneth Keith Downing, quien a pesar de llevar sólo dos semanas practicando en guitarra algunas canciones de Jimi Hendrix, resuelve probar suerte. Sin embargo, de buenas a primeras, su poca experiencia lo delata y lo descalifican. Años después declara: “sólo había tocado con un amplificador unas cinco o seis veces. Supongo que era un poco ambicioso”. El puesto se lo otorgan a un músico innato de 17 años, Ernest Chataway,  quien además de tocar guitarra, teclado y armónica ya había pertenecido a una banda británica llamada Earth, que más tarde alcanza la cima de la fama bajo el nombre -nada más y nada menos- de Black Sabbath.

Con la formación lista, se dan la tarea de buscar un nombre que llamara tanto la atención como el de Black Sabbath y que realmente representara el ideal del grupo: fuerza y presencia. Es así como un día Stapenhill se pone a leer los títulos de las canciones de su colección de álbumes cuando de pronto toma el disco de Bob Dylan titulado John Wesley Harding y se topa con The Ballad Of Frankie Lee And Judas The Priest, el tema que hace germinar toda una leyenda. En definitiva, Judas Priest se convierte en un apelativo perfecto para los integrantes, quienes ya con nombre y apellido empiezan a ensayar y escribir sus propios temas, etiquetándose como un grupo de rock progresivo.

De a poco, van ganando exposición con la ayuda de covers de bandas como Spirit y Quick Silver Messenger Service. No pierden el tiempo y se anuncian en un periódico local para conseguir trabajo, hecho que les sirve para que apareciera Alan Eade de Ace Management, quien les organiza algunos conciertos y le da la oportunidad de grabar en un estudio. El cuarteto logra graba Good Time Woman y We’ll Stay Together y los envía a varias disqueras de las cuales contestan Harvest e Immediate Records.

De esa cuenta, realizan una presentación en directo para ellos, en un local llamado The George Hotel en el pueblo Walsall. Allí, Immediate Records recalca su gusto por el sonido de Judas Priest y les ofrece un contrato por tres años. Tras la buena noticia, emprenden las diligencias para estructurar su álbum debut, pero lo que parecía ser el inicio de una gran historia se desvaneció antes de siquiera poder dar el primer paso. Sólo dos meses después de celebrar a lo grande por haber conseguido una casa disquera que los avalara, el manager les da la mala noticia de que, por problemas financieros, Immediate Records decide cancelar el financiamiento de la grabación.

A manera de lucha, el grupo continúa de tour hasta 1970, año en el que la desilusión predomina sobre sus ansias musicales hasta lograr el divorcio: Ernie Chataway se separa del conjunto mientras que el resto acuerda disolverse a causa de diferencias musicales. Bruno se va a Dinamarca, Ernie a Londres, John se muda a Stourbridge y el roadie John “Magnet”, se va con un nuevo patrón, Ian Paice de Deep Purple. Por su parte, Alan se queda con el deseo de explorar el lado más duro del rock y alejarse de la sensación de blues que habían desarrollado, así que se mantiene en la búsqueda de un nuevo grupo.

Una noche de noviembre de ese 1970 en Wednesbury, Al queda impresionado con el sonido del grupo Freight que tocaba en un salón de ensayos llamado Holy Joe’s. Movido por el ruido infernal que causaban, Al dispone ver por debajo de la puerta y se topa con una gran sorpresa: Kenny Downing, el chico rubio que tiempo atrás rechazó en la audición por falta de experiencia ahora estaba al mando de la guitarra, junto a Ian “Skull” Hill en el bajo y John Ellis en la batería, los tres en un frenético head-banging con sus amplificadores al máximo. Al terminar de tocar, Alan se les acerca y les pregunta si necesitan un vocalista. “Nosotros no teníamos vocalista en esos días. Éramos felices sólo con ir a ensayar y tocar nuestros temas favoritos”, recuerda Ian. Con el conocimiento y costumbre necesaria para ser la cara de una agrupación, a favor de Alan se suma el hecho de que además de cantar, tenía habilidad para tocar batería, guitarra y componer canciones. “Estábamos alucinados con la idea de que él (Atkins) estuviera impresionado por nosotros entonces acordamos aceptarlo en el grupo”, indica K.K. Downing.

Pese a ya tener todo listo para soltar las riendas como un nuevo conjunto, el nombre Freight no se ajusta totalmente por lo que Al sugiere que usen el de Judas Priest. Kenny también prefería usar esa forma para referirse al grupo: “(El nombre Judas Priest) sonaba como todo lo que quería ser y hacer, para ser reconocido como alguien”, expresa Downing.

El renaciente Judas Priest ensaya durante un par de meses y luego empieza a tocar covers cerca del su área de vivienda. En dichas presentaciones abren los shows con Spanish Castle y otros temas de Jimi Hendrix y Quartermass. Incluso, llegan a ser teloneros de Slade, Budgie, Warhorse y Gary Moore. Al agenciarse de un buen público sus propias composiciones entran a formar parte del repertorio y el cuarteto autodenomina “goodandloud” a su estilo de rock. Pronto David Corke se hace manager de Judas Priest y los motiva a preparar un demo. “Grabamos dos canciones en Zella Records: “Holy Is The Man” y “Mind Conception” en julio de 1971, pero no escuchamos los concejos de los ingenieros de sonido y grabamos en vivo sin “overdubs”. Tener garraspera y estar drogados no ayudó en nada”, señala Atkins.

El empobrecido demo no les vale como reconocimiento a los ojos de las disqueras pero sí contribuye a que obtengan más conciertos, razón por la que algunos de ellos dejan sus trabajos para poder cumplir las demandas exigidas por el éxito de Judas. “Tenía un trabajo y sólo podía tocar los fines de semana. El gran salto nos hacía preguntarnos si debíamos renunciar a nuestros trabajos o si seguíamos manteniendo todo como un hobby”, apunta Ian. El único en mantener sus labores cotidianas fue John Ellis pero el aumento en el número de recitales y el horario conflictivo ponen demasiada presión sobre él, tanta como para que deje el grupo en octubre de esa temporada.

Alan “Skip” Moore llena temporalmente la vacante dejada por Ellis y así Judas Priest sigue su agenda alrededor de Midlands, tocando por de 10 libras la noche. La apretada condición salarial sigue su curso hasta que a finales del ’71 Alan Moore encuentra una mejor oportunidad con Sundance y con Pendulum, una banda creada especialmente para cubrir un contrato de 6 meses con el Patronato de Turismo de Marruecos. Por tanto, en diciembre las baquetas caen en manos de Chris “Congo” Campbell y ya para enero de 1972 empiezan a tocar por primera vez fuera de su área local, incluyendo performances en Manchester, Liverpool, Londrés y hasta Escocia.

El ’72 se convierte rápidamente en una clara señal de la creciente fama de Judas Priest, que para entonces ya actúa como banda soporte de Status Quo, Thin Lizzy, entre otras. De pronto, el promotor y manager de Black Sabbath, Jim Simpson, los ayuda a firmar con una compañía de Birmingham llamada I.M.A cuyas siglas significan Iommi Management Agency, que corría a cargo de Simpson, Tony Iommi y Norman Hood. Aquel fue un período intenso. Dave Corke continua dirigiendo a la banda mientras que Simpson ayuda a promoverla en los mercados londinenses, tanto es así que Judas Priest llega al punto de conocer todos los posibles clubs de Inglaterra, hasta The Cavern en Liverpool y el legendario Marquee en Londres.

Sin muchos cambios, en enero de 1973 renuevan contrato con la agencia de Iommi, ahora llamada Tramp Entertainments. Poco tiempo después, Atkins escribe Whiskey Woman, corte que tuvo un rol significativo y Heavy Thoughts. Hubo planes de llamar Heavy Thoughts Tour a la gira de ese año, sin embargo, los problemas económicos y la carencia de un sello como tal asfixia a los jóvenes, quienes casi ganaban sólo para cubrir gastos mínimos. La desesperación los lleva a presentarse en los clubs como artistas de Atlantic Records con tal de ganar dinero extra pero la precaria condición se vuelve un problema que aprieta con tal fuerza hasta provocar que Al y Chris dejen el grupo.

Todos creen que es el final de la banda pero K.K. e Ian siguen la marcha para enfocar nuevamente la dirección a tomar. La novia de Ian, Sue, sugiere a su hermano Robert Lee Halford podría ser una buena opción para Priest. En aquel momento, Robert cantaba en el grupo Hiroshima y era ingeniero de iluminación. Su inicio en la música fue gracias al coro de la escuela, en el que destaca sobre los otros estudiantes. A sus 15 años entra a su primera banda, Thark, en la cual uno de sus maestros toca la guitarra. Luego se une a Abraxis, después a Lord Lucifer y posteriormente, pasa a ser asistente de diseño de luces en el Grand Theatre en Wolverhampton. Pero al poco tiempo Rob se da cuenta de que en vez de estar tras las luces, quería ser el foco de atención por lo que regresa a los escenarios, específicamente a un local de blues progresivo llamado Athen Wood, junto a Mike Cain, Barry Shearn y Phil Butler.

Cuando Judas Priest se interesa por Halford, éste tocaba la armónica y cantaba para Hiroshima. En este conjunto también estaba Paul Watts en guitarra, Ian Charles en el bajo y John Hinch en los tambores. Así es que tras la sugerencia de Sue, Rob se reúne con Ian y Kenny y lleva con él a Hinch. Luego de platicar sobre gustos musicales, van a Holy Joe’s para ensayar un rato y allí, los Judas quedaron conformes con las interpretaciones de los aspirantes y les dicen que los puestos son suyos. Poco tiempo después se unen a las filas de Judas Priest.

El ingreso de Rob significa un gran apoyo para Kenny en cuanto a composición y rápidamente su buen clic contribuye a definir tanto el sonido como el camino que tendrían. “K.K, Ian y yo hacíamos jams en su apartamento en cualquier oportunidad que teníamos. Solíamos tener toneladas de ideas y grabar un montón de cassettes. Era interesante porque creo que probablemente estábamos sintiendo el modo de cómo y qué debería ser exactamente Priest”, explica Halford.

LAS ALAS DEL DESTINO COMIENZAN SU VUELO

Los nuevos aires llenaron de inspiración a Kenny llevándolo a escribir lo que sería un tesoro para la banda: Run Of The Mill, un tema oscuro con influencias de Sabbath que se abriría camino hacia el listado de cortes favoritos de Judas Priest. Durante sus presentaciones con la nueva formación arrancan con el último tema escrito por Atkins, Whiskey Woman que probaba su potencia para abrir los shows y Rob también decide incluir Red Light Lady, una de sus creaciones con su anterior agrupación.

Pronto deciden que es ocasión de producir un demo y en 1973 graban en Sarm Studios en London e incluyen en la cinta Run Of The Mill, Whiskey Woman y una pista llamada Ladies, la cual se cree que quizá es Red Light Lady con un título más corto. El manager, Dave Corke, se las arregla para distribuir el demo, el cual llama la atención de un pequeño sello británico: Gull Records, encabezado por David Howells. Este señor tenía amplia experiencia en la industria de la música desde 1956 y a mediados de los ‘60s fue ejecutivo en A&R para CBS y en MCA Records. Corke invita a Howells y a sus socios de Gull Records a ver a la banda en directo el 11 de febrero de 1974 en el club Marquee de Londres en donde Priest sería telonero de los populares Budgie. “Aunque probablemente a ellos no les gustò nuestra música, creo que se interesaron por la tremenda reacción que tuvimos de parte de la audiencia”, apunta Downing.

Antes de recibir una respuesta de Gull Records, el grupo viaja por primera vez a Alemania y Holanda, luego regresa dos semanas a Inglaterra para partir nuevamente, a finales de marzo, a Noruega y Dinamarca. Es en el país danés donde Kenny recibe su famoso sobrenombre “K.K.” porque una joven no podía pronunciarlo y le decía de esa forma. Mientras el grupo recorre la región escandinava de Europa les dan la noticia de que Gull Records desea que firmen con ellos. El 16 de abril de ese año llegan a Londres y firman un contrato que desencadena una larga -y esperada- carrera profesional.

Para entonces Judas Priest estaba conformado por cuatro integrantes. Pero David Howells tenía otra idea de la banda y quería algo diferente de lo que con frecuencia se veía en una banda de rock, por lo que insiste en que debe agregarse un instrumento adicional. El conjunto se siente intrigado por la solicitud de lo cual piensan que no era una buena opción. Howells propone varias ideas, incluso la de tener a un saxofonista, pero finalmente consideran que la inclusión de una segunda guitarra sería lo ideal. Dowming también acuerda que sería lo mejor para Judas Priest porque en las partes de sus solos el sonido quedaba algo vacío.

Una de las bandas rivales de Judas Priest era The Flying Hat Band, la cual tenía como guitarrista y vocalista a un joven llamado Glenn Tipton, con quien realizan un demo donde destacan canciones como Coming of the lord, Lost time, Reaching for the sky y Seventh Plains. Al tener un espacio en la banda, los integrantes de Judas recuerdan la habilidad de Glenn y deciden ponerse en contacto con él para persuadirlo de que se incorporara. Ian dice: “Estábamos en un lugar llamado What’s Music en Birmingham, Glenn entró y de la nada Ken fue y le preguntó si quería unirse a la banda”. Después de un par de reuniones, Glenn accede.

En un principio, Glenn piensa que sería algo temporal para ayudar a que Judas pudiera grabar su álbum y luego tenía planeado buscar otras oportunidades. No obstante una vez hizo equipo con Downing, permanecerían juntos para forjar lo que ha sido conocido como “twin-axe attack”. La primera formación oficial de Judas Priest quedaba entonces conformada por K.K Downing y Glenn Tipton en guitarras, Rob Halford en la voz, Ian Hill en el bajo y John Hinch en la batería.

Con la cuadrilla lista, inician la preparación de su primogénito y el 6 de septiembre sale a luz “Rocka Rolla”, producido por Roger Bain. Esta primera entrega tiene temas compuestos en la era de Atkins, como Winter y Never Satisfied pero los Priest no obtienen la acogida esperada de parte del público, quizá porque a los ojos de muchos era una imitación del sello personal marcado por Black Sabbath. Pese a ello, el hecho no representa un obstáculo sino todo lo contrario. En el próximo esfuerzo agregan más velocidad y estructuración propia a cada tema hasta lograr consolidar un sonido y estilo únicos que hoy se conoce como el sello Priest y que, sin duda, marca a un buen número de bandas que nacieron en décadas posteriores.

En 1975 Hinch se aleja de Judas y en su lugar entra por segunda ocasión Alan Moore. Ese año la banda actúa en el festival de Reading y capta la atención de mucha más gente. Para aprovechar dicho enganche terminan rápidamente de grabar su segundo álbum en Rockfield Studios entre noviembre y diciembre. Con el título “Sad Wings of Destiny”, el segundo álbum aparece el 23 de marzo de 1976 y años más tarde se convertiría en parte de la discografía más clásica de la banda. Este nuevo trabajo es producido por Jeffrey Calvert e incluye clásicos de la talla de The Ripper, Tyrant, Genocide y Victim Of Changes, que originalmente había sido concebida como dos temas. Alan Atkins había escrito la primera mitad del tema y la había titulado Whiskey Woman y Rob Halford escribió la segunda mitad llamándola Red Light Lady.

Aunque este trabajo les otorga más solidez en cuanto a su estilo más pesado y líricas más sombrías, la economía avanza en sentido contrario, obligando a Alan Moore a salirse por segunda y definitiva vez. En sustitución entra el batero de sesión, Simon Phillips. Poco después consiguen contrato con la multinacional CBS Records, la cual da luz verde al financiamiento del tercer larga duración. Ante esto, Moore se muestra arrepentido de su decisión, pero ya era tarde para regresar.

Debido a que el contrato con Gull Records aún no había caducado, Judas Priest paga una multa de £ 60,000 para iniciar operaciones con CBS. Con la ayuda de su nueva disquera, la tercera placa ve la luz el 8 de abril de 1977, bajo la producción de Roger Glover (Deep Purple). Sorprendido por los movimientos de K.K, al grabar, Roger indaga sobre su peculiar estilo para tocar porque sentía que se movía demasiado y no se concentraba, a lo que Downing responde: “…cuando toco mi guitarra no solo lo hago con mis manos, si no que con todo mi cuerpo; los movimientos que hago influencian en cierta medida mi forma de tocar, y así todos mis sentimientos y sensaciones que experimento mientras toco quedan plasmados posteriormente en las grabaciones…”.

El nuevo álbum de los sacerdotes sale como “Sin After Sin” y contiene otros tantos clásicos como Sinner y el cover Diamonds And Rust de Joan Báez, además de otras grandes composiciones como Starbreaker yDissident Aggressor. Como dato adicional sobre”Sin After Sin”, la letra del tema Raw Deal es constantemente señalada de hacer alusión a la homosexualidad de Halford.

Para promocionar el álbum se van de gira y su victoria empieza a dispararse con cada ciudad que visitan. La gira los lleva a debutar en Estados Unidos el 17 de junio de 1977 en Amarillo, Texas, donde acompañan la gira de Reo Speedwagon, quienes logran llevar más gente a los conciertos y ayudan a que el nombre de Judas Priest crezca cada vez más. Judas deja el territorio gringo el siete de agosto de 1977 tras dos excitantes presentaciones en el Coliseo de Oakland, junto a Led Zeppelin. Además de ir al país norteamericano, viajan a Escandinavia, participan en el Festival Oulu Kuusrock de Finlandia y realizan un tour en Inglaterra, compartiendo el plató con AC/DC y Magnum.

Al terminar el tour, Judas vuelve a los estudios a grabar su cuarto disco. Si bien intentan que el baterista Simon Phillips se quede contratado para la banda, éste rechaza la propuesta por tener otros compromisos por cumplir. Entonces a finales de ese año que Roger Glover sugiere para las baquetas a Les Binks, con quien había hecho el álbum “Butterfly Ball”. Judas acepta reclutarlo y arrancan las siguientes grabaciones entre octubre y noviembre de ese año en Chipping Norton Studios, de la mano de Dennis Mackay.

Lanzan el cuarto material el 10 de febrero de 1978 con el título “Stained Class”. Éste trae consigo más clásicos para agregar a la larga lista que Judas nos regala desde hace mucho: Exciter, Beyond The Realms of Death (co-escrito por Binks) y Saints In Hell, por nombrar algunas. Con el tiempo “Stained Class” se constituye uno de los más prestigiosos del Metal. Además, con este álbum salta a la vista el cambio en el diseño del logotipo que esa vez fue realizado por Rozslav Szyabo y el cual, desde entonces en adelante, sería el símbolo visual distintivo de Judas Priest. Casi sin darse cuenta, emprenden un nuevo periplo en el que, además de socializar su nuevo logotipo, afianzan su imagen aguerrida a través de un atuendo rudo consistente en mucho cuero y metal. Sin querer, este look marca la pauta no solo de su nueva imagen sino también de las directrices de la apariencia que debiera tener una banda metalera y, por consiguiente, sus fans.

Cada vez los viajes se vuelven más intensos y largos, atendiendo a un público creciente y arribando a más lugares. De esa cuenta, la banda toca un par de fechas en el Reino Unido para después partir en marzo a Estados Unidos a promocionar su nuevo álbum y tocar como banda soporte en la gira de Foghat. Judas Priest se abre camino y gana gran prestigio y experiencia. En agosto de 1978 debutan en Japón con gran éxito. Luego de las exitosas presentaciones en suelo nipón, ingresan al estudio con el productor James Guthrie y graban “Killing Machine” y lo lanzan al mercado el 9 de octubre 1978. Cortes como Take On The World, Delivering The Goods y Evening Star se convierten rápidamente en hits en el Reino Unido. Los temas Killing Machine son un tanto más gancheros y digeribles, pero conservan el sonido pesado que la banda venía mostrando.

A estas alturas, Judas Priest ya cuenta con un creciente número de fans, quienes comienzan a vestirse de cuero para asistir a sus conciertos, hecho que les daba mayor seguridad para grabar la música que les gustaba y no lo que se esperaba. Comienza el tour de promoción y Judas Priest se embarca en una gira de 66 días por Estados Unidos que comienza el 27 de febrero y termina el 6 de mayo. También giran por Europa, realizando incontables presentaciones en Inglaterra como teloneros de UFO y también como titulares, con Lea Heart como grupo soporte.

En diciembre de ese año, sacan el single Take On The World que comprende el tema homónimo más una versión en directo de Starbreaker, registrada durante un show en el Agora Ballroom en Cleveland, Ohio. Tras el éxito del sencillo, la banda se va a Japón, donde el triunfo musical y comercial es evidente y los ayuda a solidificarse como la fuerza más emergente del metal.

Ya en marzo de 1979, la banda cambia el título de “Killing Machine” para lanzarlo en Estados Unidos, nación donde el nombre original podría considerarse muy agresivo. Sale entonces como “Hell Bent For Leather” y en la versión estadounidense integran el cover The Green Manalishi de Fleetwood Mac. Poco a poco, Judas Priest va dando de qué hablar por su energía sobre las tablas, pero más aún luego de que en una presentación en Irlanda, Rob saliera a escena montado en una Harley Davidson, hazaña que desde entonces es una parte inamovible en sus conciertos.

Durante el verano de 1979, Priest mezcla todas las cintas grabadas en sus funciones en Koseinenkin Hall y Nakano Sunplaza Hall en Tokyo, Japón. En los estudios de Ringo Starr en Ascot, Inglaterra, nace uno de los mejores álbumes en directo de metal de todos los tiempos. Pero antes del lanzamiento salen dos singles, el primero titulado “Diamonds and Rust” y el segundo, “Rock Forever”. “Unleashed In The East” aparece el 17 de septiembre de 1979 mientras Judas se encuentra de gira por Estados Unidos, acompañando a Kiss y les vale como su primer acreditación de platino por llegar hasta la casilla 10 de las carteleras inglesas y a la 70 de las americanas.

Terminan el año acompañando a AC/DC por Europa. Luego de las agotadoras giras Les Binks decide irse de la banda y en su lugar reclutan a Dave Holland el otrora batero de Trapeze, la banda de Glenn Hughes.

LAS RAICES DEL METAL SE FORJAN CON ACERO BRITÁNICO

En 1980 editan uno de sus esfuerzos más importantes y un clásico indiscutido en la historia del metal: British Steel. El álbum es grabado en Starling Studios y producido por Tom Allon y alcanza el nº 3 del ranking británico además, golpea los Estados Unidos en el nº 34. El trabajo trae consigo el mega-hit Breaking The Law (la canción favorita de Beavis y Butthead) y Living After Midnight (la canción favorita de Otto, el chofer del autobús de Los Simpsons) y también otros clásicos como Metal Gods, Grinder y Rapid Fire. El álbum se vende como pan caliente alrededor de todo el mundo y alcanzan rápidamente el millón de copias vendidas.

La portada de “British Steel” es todo un elemento semiótico interesante de analizar. El diseño viene del puño de Roslav Szaybo y proyecta una mano tomando una hoja de afeitar, pero sin causar ninguna  herida en los dedos. Si bien este artefacto se liga en repetidas ocasiones a los fans del punk, la imagen que proyecta Priest denota que, a diferencia de los mencionados, esta hoja no hace daño a pesar de su implacable borde afilado. De alguna manera, representa una visión diferente, entre otras cosas, la fuerza, coraje y valentía de los Priest.

“British Steel” afianza el estrellato de los británicos al alcanzar altas posiciones en las listas de Inglaterra y las millonarias ventas en todo el mundo. Inician una  nueva aventura por 30 ciudades distintas en Inglaterra y venden todos los tickets de los recintos en donde se presentaron por casi cuatro meses seguidos. La BBC raudamente comenzó a trabajar en los videos para Breaking The Law y Living After Midnight. También logran agotar totalmente los shows para las giras por Europa y Estados Unidos. Por si fuera poco, aparecen como cartel estelar en el aclamado festival de Donnington, Monsters Of Rock, junto a grandes como Rainbow, Saxon y Scorpions. El épico despegue de las ventas mundiales corona a British Steel como álbum de Oro. El estrellato era inminente y Judas Priest se apuntala como “la banda de Metal más grande banda del mundo”.

En 1981 la banda edita “Point Of Entry” como un intento de conquistar el mercado estadounidense. Esta placa hace su incursión el 17 de febrero de ese año y despliega nuevos hits como Hot Rockin y Don’t Go. El tema Heading Out To The Highway atrae la atención para ser incorporado en algunos soundtracks y así Priest se convierte en una de las primeras bandas en ser entrevistadas por MTV. Si bien recibió la respuesta que esperaban, “Point Of Entry” tuvo un tour a tablero vuelto y el tour fue desde febrero a noviembre de ese año, teniendo como teloneros a Iron Maiden y Whitesnake.

Durante el verano vuelven al estudio en Ibiza, España para preparar su siguiente pieza discográfica, la cual es revelada el 14 de julio de 1982 como “Screaming For Vengeance”. La mezcla de este material fue realizada en Orlando, Florida y durante el proceso deciden no incluir ciertas pistas, por lo que a última hora componen el tema You’ve Got Another Thing Comin’, que años más tarde (1999) sirve para musicalizar un comercial de la cadena de comida rápida, Burger King. Esto denota el éxito a largo plazo no solo de ese corte sino de “Screaming For Vengeance”, que se constituye como doble disco de platino y cuyo tour es el más grande de la banda hasta entonces, con una duración de nueve meses (6 en E.E.U.U.) comenzando en el verano y finalizando el 26 de agosto de ese año en Bethlehem, Pennsylvania. Además participan en el Heavy metal US Festival en 1983 ante 300,000 personas.

En 1984 Judas Priest edita “Defenders Of The Faith”, repleto de composiciones enérgicas que consolidan el estilo del grupo.  La punta de lanza del nuevo disco fue Freewheel Burning, para el cual grabaron un video en Londres. Otros grandes temas de este disco son Jawbreaker, The Sentinel, Some Heads Are Gonna Roll y la largamente censurada, por su contenido de corte erótico, Eat Me Alive. El 16 de marzo la banda comienza un maratónico tour por USA comenzando en Niagara Falls, viaje durante el cual Great White y Saxon son los “openers” de los shows. También promueven “Defenders Of The Faith” en el viejo continente, teniendo a Quiet Riot y Ted Nugent como encargados de abrir los recitales. Además, participan en el “Rock Pop Festival” en Alemania, en el que también participa Iron Maiden, Def Leppard, Ozzy Osbourne y Scorpions.

TURBO: ¡AFUERA EL CUERO Y LAS PUNTAS DE ACERO!

En el transcurso de 1985 solamente participan en el festival de Live Aid, ya que los últimos cinco años habían sido de giras sumamente largas y por tanto, agotadoras. Mientras tanto, el sonido del Techno Pop empieza a ganar terreno y el productor Tom Allon se adentra en nuevas técnicas digitales de grabación debido al trabajo que realiza para la banda Racer X, de Paul Gilbert. Los nuevos métodos aplicados por Allon serían también incorporados en la próxima entrega que Judas lanzaría al mercado.

Tras casi dos años de ausencia, Judas Priest sacude nuevamente al mundo con su nuevo disco “Turbo”, donde la banda deja los cueros negros y las puntas y aparecen vestidos casi como una banda Glam. Este nuevo trabajo añade guitarras sintetizadas y le da otro matiz al género. La idea inicial que se proponen es grabar un álbum doble al que llamarían “Twin Turbo” y que sería uno de los más potentes, sin embargo, cancelan ese proyecto y sale solamente “Turbo” el 14 de abril de 1986. Antes del correspondiente viaje promocional de “Turbo”, sucede un incidente que pudo haber sido trágico… Rob Halford intenta suicidarse al ingerir una exagerada cantidad de tranquilizantes. Tiempo después fluye información de que el fatídico intento de Halford se debe a que estaba atravesando por una situación emocional muy difícil -asociada a sus tendencias sexuales-. Tras esto, Rob recurre a internarse en una clínica de rehabilitación.

Entretanto, “Turbo”, al igual que Unleashed, British, Screaming y Defenders, se convierte en todo un éxito de ventas, alcanzando discos de oro y platino. Pero las dudas se siembran en el nuevo look que la banda muestra y cómo sería la reacción del público ante el drástico cambio. El tour Fuel For Life, se encarga de disipar todo tipo de dudas. La gira de promoción es a tablero vuelto, al contrario de todo lo que se pudo pensar. Aunque, por razones desconocidas, el tour no incluye ninguna presentación en ciudades del Reino Unido.

En julio de 1987 la banda lanza su segundo álbum en vivo titulado simplemente “Priest…Live”. El directo registra los mejores momentos de este extenso tour tanto en audio como en video, provenientes de sus performances en Atlanta y Dallas durante la gira. Al siguiente año producen su decimo tercer álbum oficial que introducen como “Ram It Down” el cual integra algunos de los temas desechados para el fallido Twin Turbo, no obstante, el sonido se aparta de los sintetizadores y se percibe un acercamiento a su estilo más pesado. Aparte de cortes como I’m A Rocker, Heavy Metal y el temazo de speed metal que abre y da nombre al disco, incorporan el cover de Johnny B. Good de Chuck Berry, uno de los primeros temas de rock’n’roll de 1958 y que es parte del soundtrack del film homónimo.

Al concluir el tour de “Ram It Down”, Dave Holland se aleja de la agrupación. En su lugar entra Scott Travis, impresionante ex-batero de Racer X, quien cumple el sueño venía forjando desde 1982, cuando en un concierto consigue un autógrafo de Glenn Tipton. Además, se convierte en el primer integrante norteamericano en la banda. Después de dos años de ausencia, Judas Priest impresiona a sus fans con un nuevo y majestuoso álbum, el que a esa fecha, se transforma en el disco más brutal de la discografía de Judas y en el que destacan claramente sus influencias de speed metal.

En definitiva, la participación de Travis tuvo un notorio peso en la composición de la próxima obra, “Painkiller”, lanzada en 1990 y de la que no se puede nombrar sólo algunos temas como los mejores porque, prácticamente, se estaría cometiendo un pecado. El nombre de esta placa está inspirado en la nefasta y fallida tentativa de suicidio de Halford. “Painkiller” es sencillamente aniquilador, comenzando desde la portada hasta la intervención de los tambores de Travis, que son realmente potentes. El álbum afirma la posición de Judas Priest como una de las piedras angulares del Heavy Metal, y de la que otras agrupaciones toman referencia para establecerse en el género.

El punto negativo en ese año es la triste demanda interpuesta por los padres de dos jóvenes que se suicidaron escuchando el tema Better By You, Better Than Me, del álbum “Stained Class” de 1978, que según ellos incluía mensajes subliminales. En plena gira de “Painkiller” notifican a Judas y se va a juicio en Reno, Nevada, donde el juez, como es de esperarse en estos casos, da la razón a la banda. Recordemos que, además de Judas Priest, muchas han sido las bandas acusadas por este tipo de cosas en la historia: Ozzy Osbourne, Slayer, Wasp, por mencionar algunas. Pese a que continúan promoviendo el disco luego del incidente, el impacto mediático alcanza tal grado que en lugares como España se cancelan algunos shows, pero en Brasil llegan a presentarse en el Rock in Rio.

Al año siguiente se produce el quiebre nunca esperado en la banda. Rob Halford, sorpresivamente, deja Judas Priest, por supuestas razones de incompatibilidad en la visión de estilos. Era el final de toda una era. La versión oficial dice que Halford se aleja debido a que el resto de los integrantes no le permite llevar un proyecto solista, paralelo a su carrera con Judas. A esto se suma la separación temporal del batero Scott Travis, quién acompaña a Halford en su nuevo proyecto llamado Fight. Por tanto, 1992 se convierte en un año de forzado descanso, ya que aún sin ningún reemplazante para Halford, la banda se dedica a disfrutar un poco de todo lo que habían logrado y pasar tiempo con sus respectivas familias.

En 1993 CBS edita un álbum doble y un video de Judas Priest. Este es Metal Works ‘73-’93 y trae 32 canciones seleccionadas por la propia banda, incluyendo los temas compuestos por Rob. Ya en 1995 aparecen anuncios en revistas especializadas, en los cuales Judas Priest invita a la gente a participar en audiciones para encontrar a su nuevo vocalista. De esa cuenta, cientos de postulantes se dan cita a la convocatoria en la que K.K. Downing y Glenn Tipton se encargan de seleccionar a tres posibles candidatos. Por de pronto, inician el proceso de composición de nuevo material, mientras que Glenn se contacta con Scott Travis para que se reinserte en la banda, logrando su objetivo.

De manera fortuita, en un día de marzo la novia de Travis, Christine Lentine, le enseña un video de una banda que interpreta covers de Judas y le impresiona el cantante, llamado Tim Owens, de Akron, Ohio. Scott decide viajar a Inglaterra donde sus compañeros estaban en la definición del nuevo cantante y les pide que vean la cinta. De inmediato, Owens se traslada a Inglaterra para realizar una audición y comienza cantando Victim of Changes. Basto ese solo tema para que lo contrataran. Anteriormente, Owens integraba el grupo Winters Bane y también una banda tributo a Judas denominada British Steel.

La historia del metal-head que en un abrir y cerrar de ojos se convierte en “metal god” captura la atención de los medios y de hecho, se pinta para ser el guión de una película. Así es como dan rienda suelta al filme “Rock Star”, que en primera instancia, alude a la increíble historia de Owens y su llegada súbita al estrellato. En un principio, los Priest están interesados en el proyecto, junto a Warner Bros, compañía que les propone la composición del soundtrack de la misma. Pero el proyecto se les viene abajo cuando piden participación creativa en la cinta a lo que Warner Bros se niega rotundamente. Además, el grupo se da cuenta que el guión en general dista mucho de parecerse a la realidad, por lo que se alejaron de la idea y acordaron con los productores no mencionar el nombre del grupo. Tras la disyuntiva, ambas partes deciden declarar que el relato no tiene relación alguna con Owens o Judas Priest, aunque las similitudes dicen lo contrario. Finalmente, Rock Star ve la luz seis años más tarde.

JUDAS EL SACERDOTE Y EL RENACER DEL DESTRIPADOR

Después de seis años de ausencia y de la mano de SPV/Steamhammer, Judas produce su nuevo álbum, “Jugulator”, en el que ya se integra el segundo miembro norteamericano, Tim “Ripper” Owens. “Jugulator” muestra a Priest más revitalizado que nunca, imponiendo el estilo más clásico del metal existente en los años noventa. Su producción, al mando de Glenn Tipton, K.K. Downing y Sean Lynch, marca su regreso a lo grande. Aunque también se debe mencionar no fue de mucha admiración para una contraparte de fans.

El único país latinoamericano que visitan en la gira es México, el 18 y 19 de septiembre de 1998. Ese mismo año lanzan su tercer álbum en vivo titulado Live Meltdown 98, el cual graban durante la gira de Jugulator. Éste trae 25 canciones a través de las que Ripper deja claro por qué es el nuevo cantante de la banda más significativa del Heavy Metal… En 1999 Bullet Train del álbum “Jugulator” es nominado a los aclamados premios Grammy, como mejor canción de Heavy Metal.

Un corto período de descanso pasa antes de que Judas Priest regrese con nuevo material. Es hasta el 2001 cuando dan conocer”Demolition”, un esfuerzo impreciso que no obtiene la aceptación que esperada, en gran medida por la cantidad de elementos rayando en lo innecesario (afinación baja, voz alterada, entre otras) y carentes de una composición contundente. “Demolition”, además, lleva una etiqueta de advertencia de contenido (Parental Advisory) por el excesivo uso de lenguaje soez. Sobresalen los temas One On One, Machine Man y Hell Is Home.

Ya con dos trabajos de estudio bajo el brazo junto a Ripper Owens, los sacerdotes deciden lanzar un disco doble que capture en vivo la nueva sangre que corre por las venas de la banda. Es así como el año 2003 lanzan en CD y DVD, “Live In London”, un registro que consta de nada menos que 25 temas en los que se puede apreciar que el poder del conjunto en vivo se mantiene casi intacto. Así mismo, deja en claro que de Ripper es más potente en vivo que en estudio. Pero el afán de Owens por ejecutar con rigurosidad los clásicos de la banda no fue suficiente.

A principios del 2003 comienzan a correr los rumores… ¡Rob Halford vuelve a Judas Priest! A pesar de ser sólo rumores, bastaron para que el mundillo metalero comenzara a agitarse con fuerza inusitada… no era para menos, la voz de toda la vida de una de las bandas inventoras del Heavy Metal, volvía a casa. El grupo lo niega durante algún tiempo pero, finalmente, los rumores se confirman. Después de más de una década, con bombos y platillos… Rob Halford vuelve a Judas Priest. Esto sucede tras reunirse para llegar a un acuerdo sobre las canciones que incluiría el box set titulado Metalogy.

Con Halford otra vez en el ejército de Judas Priest, emprenden un tour pero antes preparan un nuevo disco, el primero junto a Halford en 15 años, “Angel Of Retribution”, un trabajo que publican vía Epic Records y que causa muchas expectativas, llegando a posicionarse en el puesto 6 de las carteleras finlandesas, el 39 de las británicas y el primer puesto en las griegas. “La pasión sigue allí, probablemente aún más. Estamos tan contentos de estar de vuelta y de hacer metal otra vez y viendo esa reacción. Estamos al tope en este momento”, comenta Halford al referirse sobre cómo estaba la banda tras su regreso. La excusa perfecta para que Priest se tomara las carreteras como en los viejos tiempos y salieran de gira mundial, pero esta vez sí que fue mundial…

La versión 2005 del Monsters Of Rock los trae por fin a nuestras tierras. Ya no era un sueño, sino toda una realidad, ¡Judas Priest en CHILE! Aquel martes 13 de septiembre, toda la majestuosidad y a la vez simpleza de clásicos como Breaking The Law, Metal Gods, Victim of Changes o inclusoTurbo Lover hacen cantar y saltar de alegría a los fans chilenos que observaron y admiraron a una de las formaciones más emblemáticas en la historia del metal.  Aquella noche el aperitivo fue también una gran banda, nada menos que Whitesnake, pero al lado de Priest no pasaba de eso, solo un aperitivo y abriendo a estos dos monstruos estuvieron los argentinos de Rata Blanca.  Sin duda una noche que no será borrada fácilmente de la memoria de los más de 12.000 espectadores… de una de las noches más increíbles que el metal ha tenido en Chile. Durante el mismo año, la banda saca al mercado su DVD en vivo llamado “Rising In The East”, concierto que graban en el Budokan de Tokyo y que muestra la gira de “Angel of Retribution”.

Luego, Judas Priest trabaja en la prepración de su primer disco conceptual. Para octubre de 2006 tienen todos los temas listos pero permanecen trabajando en algunas ideas. Este larga duración estaría inspirado en el legendario profeta francés del siglo XVI, Nostradamus. “Será un momento espectacular para Priest para dar seguimiento al álbum de reunión, Angel Of Retribution. Estamos muy emocionados por esta nueva música que estamos haciendo”, expresa Halford al respecto del lanzamiento. “Nostradamus”incursiona en el mercado en julio de 2008 y aparece en ediciones simples con el doble CD; otro con el doble CD y un libreto de 48 páginas; y otra edición limitada de doble CD, libro y el disco en 3 LP.

En cuanto a lo lírico, “Nostradamus” alude a la vida y época del profeta, así como a sus previsiones sobre el futuro, la consumación del mundo y sus opositores. Musicalmente, los sacerdotes entregan una obra conformada por 23 cortes que brindan instrumentaciones, sintetizadores, interludios acústicos entre otros factores que resultan innovadores para el sonido de Judas. Poco después de ese lanzamiento estrenan el video War, en el que recrean varios escenarios: la práctica de magia de las brujas y su posterior muerte en la hoguera; un gobernante dictador imponiendo el control fascista; los cuatro jinetes del Apocalipsis; el fuego propagándose por la Tierra; bestias reinando en destrucción, entre otras imágenes.

El doble disco del quinteto registra posiciones alentadoras como el tercer puesto en Finlandia, el quinto en Suecia, el noveno en Canadá, el quinto en Alemania, etc. Además, vende 42,000 copias en Estados Unidos, tan solo en su primera semana en el mercado, país en donde debuta también en el lugar 11 de la cartelera Billboard. Un buen contexto de ventas para iniciar una aventura por todo el mundo y una segunda visita a Chile, donde se presentan por segunda vez el 6 de noviembre en Movistar Arena. Luego de girar por sudamérica la banda se dirige en Europa como cabeza de cartel del denominado “Priest Fest”, junto a Megadeth y Testament.

LA DESPEDIDA MUNDIAL

En julio de 2009 sale el quinto álbum en vivo de Judas Priest, A Touch Of Evil Live, cuya grabación estuvo a cargo de Martin Walter y Brian Thorene durante las monstruosas giras del 2005 y 2008. Para éste, los sacerdotes escogen 11 temas que no se hayan lanzado antes en versión en directo. También contiene clásicos favoritos como Painkiller, Riding On The Wind, Dissident Agressor, entre otros de publicaciones más recientes. En palabras de Halford, “todas las canciones son simplemente demoledoras. Nunca han estado grabadas en vivo de esta forma, es algo fresco para lanzar. Cuando las escuchas y te das cuenta que esta banda ha estado durante tres décadas… Es un disco muy fuerte y captura la actitud y el sentimiento de la banda de una manera muy fuerte y determinada”.

En el 2010 el tema Dissident Agressor recibe un premio Grammy bajo la consigna de Mejor Interpretación de Metal. Pero pese a seguir cosechando buenos frutos, en diciembre de ese año anuncian que tras su intensa trayectoria de cuatro décadas se despiden de las luces y las tarimas a través de una gira mundial denominada Epitaph World Tour que llegará a todas las ciudades que hicieron posible que el nombre de Judas Priest despegara hacia lo más alto del Heavy Metal. Pero las sorpresas para los fans no terminan ahí.

En abril de este año, K.K. Downing declara su separación de Judas Priest. “Durante algún tiempo ha habido una ruptura en la relación de trabajo entre mi persona, los miembros de la banda y el management. Por lo tanto, he decidido alejarme en vez de irme de gira con sentimientos negativos, porque siento que eso sería un engaño para ustedes, nuestros queridos seguidores. Sin embargo, les pido que apoyen a Priest porque estoy seguro que será un show que no se pueden perder”, manifiesta K.K. al respecto. En sustitución de Downing entra el guitarrista británico de 31 años, Richie Faulkner, que ha tocado con bandas como Lauren Harris, Voodo Six y Dirty Deeds. Aunque Faulkner ha hecho clic con Judas Priest, Halford menciona que “K.K. nunca podrá ser reemplazado; es único y no queremos ninguna copia de él”.

No obstante la salida de Downing, la banda decide seguir en pie con la gira mundial de despedida, por respeto a sus fans. Es así como los británicos le dicen adiós a su larga y brillante carrera con Judas Priest. El turno para despedirse de las y los chilenos será el 20 de septiembre en el Movistar Arena, acompañados de Whitesnake. El recital incluirá temas de cada pieza del quinteto, incluso algunas que jamás han tocado en directo y por supuesto, los demoledores clásicos. Pese a que es su última gira, han anunciado que entregarán nuevo material el próximo año. El tiempo lo decidirá.

Con más de treina años de entrega y de riffs incesantes no hay duda de que Judas Priest marcó el camino de decenas de bandas que ahora predominan en la escena del Metal. Hablar de los sacerdotes es sacar a luz la génesis del estilo musical que llevamos en las venas y es por eso que hoy merecen un elevado puesto en el altar que venera a los dioses del metal.

Hay muchas instancias en la literatura fantástica en que la palabra “Bardo” se utiliza indiscriminadamente para hablar de trovadores, juglares, poetas, músicos, heraldos, es decir, cualquier oficio en el arte del entretenimiento. Los verdaderos Bardos se encontraban en las culturas celtas (Escocia, Irlanda, Gales, Galia, Bretaña, etc.) y cumplían la misma función que los “Escaldos” en Escandinavia y los “Scops” entre los anglosajones.

Escribían y recitaban poesías, hablaban de historias, leyendas y mitos versadamente y con música. El instrumento principal de un Bardo era el arpa y él era el responsable de transmitir oralmente las epopeyas nacionales y poemas a otros. Un círculo de Bardos consistía en una junta de estos que se entretenían contando historias y en la que todos participaban con un par de canciones o poemas musicalizados. Sus tradiciones se remontan desde la Antigüedad, pero proliferó con más fuerza en Gales y en Irlanda durante la Edad Media hasta el Prerrenacimiento. Los Bardos desaparecieron de la Galia después de la Conquista Romana, aunque permanecieron en otros lugares ocupados como Armórica, actual Bretaña. Luego de la llegada del Cristianismo a Gales, los Bardos se transformaron en “Poetas de la Corte”. Algunos solían pertenecer a la nobleza y fijaron reglas para recitar a través de la formación de gremios.

Los Bardos desaparecieron cuando fueron considerados por los ingleses “políticamente peligros” y decretaron a sus gremios fuera de ley. No se escuchó más de ellos hasta que a finales del segundo milenio, en el siglo XX, la década de los noventa, el espíritu bardo renació en cuatro alemanes. Ellos son Hansi Kürsch, André Olbrich, Marcus Siepen y Thomen Stauch, quienes encantaron al metal con emotividad épica, dulzura juglaresca y una sensibilidad mágica musical nunca oída, lo que los transformaron en uno de los conjuntos más reconocidos del metal de los últimos años. La siguiente es la historia de los Bardos del Metal perdidos en el tiempo: BLIND GUARDIAN.

Tomorrow will take us away
Far from home
Noone will never know our names
But the bard’s songs will remain…

DE LUCIFER’S HERITAGE AL GUARDIAN CIEGO

En la localidad alemana de Krefeld se encuentra el punto de partida de Blind Guardian, cuando en 1985, el guitarrista de 18 años André Olbrich propone a uno de sus compañeros de colegio, Hansi Kürsch, formar una banda con influencias de Metallica, Iron Maiden, Queensrÿche y la incipiente escena de Hamburgo liderada por Helloween. El último accede a tocar el bajo y cantar, y eligen el nombre Lucifer’s Heritage.

El dúo encuentra a Marcus Dörk para acompañar a Olbrich y al inexperimentado baterista de no más de 15 años, Thomas Stauch, quien tomaba lecciones de guitarra con André. Con formación completa, ese mismo año, Lucifer’s Heritage graba Symphonies Of Doom. En la maqueta se escuchan cinco canciones (Halloween, Brian, Dead Of The Night, Symphonies Of Doom y Lucifer’s Heritage) con marcadas influencias de Metallica de la era de Kill’em All, el tinte épico de los primeros años de Iron Maiden y de la explosiva melodía de Helloween. Pero el grupo no consigue el ansiado contrato con algún sello que los llevase a grabar un LP y Thomen, junto con Dörk, que también canta en SoD, abandona la fallida incursión.

Pero en 1986, y tras la ida y venida de varios integrantes, hacen el segundo demo con la participación de Christoff Theissen en la segunda guitarra y Hans-Peter Frey como baterista. Battalions Of Fear es el título y se ven clásicos como Majesty y Run For The Night. La nueva propuesta de Lucifer’s Heritage es mejor recibida, la producción mejora y los temas son mucho más ordenados que los del primer demo. A raíz del progreso del grupo, Stauch no tarda en volver a la alineación y entra el nuevo guitarrista Marcus Siepen, en lo que sería el primero de dos cambios de miembros en la carrera de la banda. Sin duda, el inédito hecho en la historia del metal de que Blind Guardian mantuviera su formación intacta desde 1987 hasta el 2005 -durante 18 años para ser precisos-, es uno de los secretos que ha desembocado en el éxito de la trayectoria de estos alemanes.

Después de los cambios, Lucifer’s Heritage pasa a llamarse Blind Guardian y la suerte les empieza a sonreír. Una copia del Battalions Of Fear llega a manos del departamento de No Remorse, una nueva compañía discográfica independiente y Blind Guardian firma contrato con dicha casa en 1987.

Así Hansi, André, Thomen y Marcus graban su primer full length album en Karo Studio Münster, Alemania, entre octubre y noviembre del ‘87 y con la producción de Kalle Trapp (Destruction, Drifter y Grinder). En enero de 1988 el disco sale a la venta bajo el nombre de Battalions Of Fear, al igual que la maqueta anterior. En esta primera placa aparecen los cinco temas del segundo demo más otros cuatro que fueron escritos después de la llegada de Siepen. Battalions Of Fear muestra a una banda joven con una actitud agresiva pero melódica, tal como en Walls Of Jericho de Helloween.

Desde este disco ya se nota una preferencia por parte de Blind Guardian de hablar ficción y fantasía medieval en sus letras, especialmente de la literatura del profesor J.R.R. Tolkien. En Majesty se habla de El Señor de los Anillos, al igual que el título de la instrumental inspirada en el compositor clásico Antonin Dvorak, By The Gates Of Moria y el bonus track Gandalf’s Rebirth. Y esto sería sólo el comienzo del coqueteo entre la obra de Tolkien y la música de Blind Guardian, que más tarde llegaría a zanjarse en una relación inseparable. La canción Guardian Of The Blind, mientras, está basada en It de Stephen King. Battalions Of Fear irrumpe con cierto éxito en el underground de Alemania, pero no más allá de eso. “Tocamos nuestros primeros conciertos -ocho fechas, junto con Grinder- en todo el país y llamamos la atención de varios fanáticos de la escena (Hansi)”.

Lanzado al año siguiente, Follow The Blind es uno de los álbumes más rudos que Blind Guardian ha entregado. “Pasábamos escuchando Testament, Forbidden y Holy Terror todo el día. Sí, fue nuestra época Thrash (Marcus)”. En el segundo trabajo aparece una nueva fuente, la saga Stormbringer extraída de las series de Elric of Melnibone escritas por Michael Moorcock, patente en Damned For All Time y Fast To Madness. Este álbum es considerado por algunos como el más débil de la discografía, refiriéndose al estándar histórico del grupo.

Salvo Banish From Sanctuary y Valhalla, más la colaboración de Kai Hansen en voces y guitarras en esta última y Hall Of The King, el resto del LP no posee ningún otro punto sobresaliente y pocos son los momentos en que se escuchan trazos melódicos, a pesar de la utilización de sintetizadores, es lo que se argumenta. Sin embargo y gracias al performance de Hansen, Follow The Blind capta nuevos adherentes para Blind Guardian en Alemania y, sorprendentemente, en Japón, donde el álbum se mantiene durante varios meses rankeado en los charts, lo que habla muy bien de este LP. Lamentablemente, la banda no realiza ningún tour este año debido a que Marcus y André son reclutados en el servicio militar alemán. Ello quedaría para el siguiente álbum…

EL RENACIMIENTO DE LOS BARDOS

Después de Battalions Of Fear y Follow The Blind, llega 1990, el año clave en la carrera de Blind Guardian. El 16 de julio, Tales From The Twilight World sale a la venta. Este tercer esfuerzo representa un enorme salto evolutivo en la música, lejos lo mejor que haya hecho hasta ese entonces y, probablemente, el cambio más significativo de Blind Guardian que ayudaría construir las bases de los discos que llegarían. Marcus: “Twilight es el primero en donde alcanzamos nuestro real estilo. Los dos anteriores fueron entretenidos de grabar y todavía nos gustan, pero no estaban definidos”.

Tales From The Twilight World derrocha velocidad y melodía del Power Metal con la precisión técnica del Speed. La voz de Hansi muestra un gran progreso y los coros alcanzan una gran elaboración, a la vez que las segundas voces juegan un papel más relevante, estampa característica de Blind Guardian de los noventa. Es en este LP donde André Olbrich empieza a desarrollar su ahora inconfundible estilo de tocar los lead breaks.

También se trata del debut del pintor alemán Andreas Marschall (Running Wild, Grave Digger, Destruction) que se encarga de crear la carátula para Blind Guardian, la primera de muchas en las que contribuiría en el futuro, ilustrando un submundo atestado por repulsivas criaturas adorando a un pérfido ser. Algunos de los temas que se pueden nombrar son Welcome To Dying, Goodbye My Friend, Lost In The Twilight Hall nuevamente con la participación en guitarras y voces de Kai Hansen, y Lord Of The Rings, escrita por Hansi y Marcus, en donde se aprovecha el progreso a la hora de componer para lograr el ambiente adecuado que acompañase las letras inspiradas en los libros del mismo nombre. Como dato curioso de la canción, Hansi Kursch utiliza sin razón alguna la frase seven rings to the gnoms in their halls made of stone, cuando en realidad es seven rings to the dwarves… Además, otra vez recurren a Stephen King para los versos de Tommyknockers.

Twilight World es la primera gran obra maestra de Blind Guardian, y venden 30 mil copias en Alemania, pero seis meses después del lanzamiento, No Remorse Records se hunde en la bancarrota y desaparece. El grupo se las arregla para salir del contrato, recupera los derechos sobre su catálogo y queda libre de negociar con cualquier otra compañía. Mientras tanto, Virgin Records distribuye el disco. Como en 1989, Blind Guardian en el ‘90 tampoco realiza gira. El tour estaba fijado justo después de la salida de Tales…, pero Thomen se somete a una intervención quirúrgica a uno de sus pulmones lo que lo imposibilita tocar por ese año. Recién en 1991 Blind Guardian hace su primera gira por Europa con los norteamericanos Iced Earth y se origina una amistad que no sólo duraría hasta hoy, sino que también entregaría jugosos dividendos musicales en el futuro.

Negociar un nuevo contrato era el objetivo después del tour e, increíblemente, la misma compañía que se había “apiadado” de Blind Guardian cuando No Remorse había quebrado, Virgin Records, un sello de alta envergadura y presupuesto, hace una muy buena oferta y la banda acepta. Blind Guardian contaría con mayores sumas de dinero para concretar sus proyectos, pero no falta, y con razón, la voz temerosa que advierte que podrían cambiar su estilo a uno más comercial a cambio de grandes estudios para grabar, edición de ciento de miles de copias, etc. Pero Hansi Kürsch se atreve a correr el riesgo. “Cuando llegamos a Virgin, la gente esperaba que cambiásemos de ser una banda de Heavy Metal a una del mainstreem. Afortunadamente, el sello nunca nos pidió que hiciéramos eso. No habríamos firmado con ellos si nos lo hubieran exigido… tuvimos el privilegio de no ser interrumpidos”.

Con un nuevo y mucho más ventajoso contrato, Blind Guardian entra a Karo Studios de Hamburgo, el mismo de siempre, entre marzo y mayo de 1992 para dar forma a Somewhere Far Beyond, una de las piedras angulares del Power Metal de los ‘90 y la pólvora que detona la popularidad de la banda. En palabras del propio Marcus, con Somewhere Far Beyond tratan de hacer el Tales… aún mejor, más preciso, pero sin mayores cambios. El álbum sin embargo significa otro paso adelante en el desarrollo musical de los Bardos y cuenta con una puesta en escena más fantasiosa, mágica y melódica que su antecesor gracias a canciones como Time What Is Time, Journey Through The Dark y Somewhere Far Beyond.

Por última ocasión se escucha la guitarra de Kai Hansen en una colaboración con Blind Guardian en The Quest For Tanelorn, inspirado nuevamente en la saga Stormbringer y escrita por el mismo Kai y la banda. Se descubre además a Blind Guardian haciendo composiciones atípicas como Black Chamber y Theatre Of Pain con importantes arreglos de orquesta. Pero los momentos más recordados de este cuarto álbum son sin duda las dos canciones conocidas como The Bard’s Song: In The Forest y The Hobbit. La primera, una balada que emula aquellos círculos de bardos -escena ilustrada en la portada-, se convierte en un gran hit y hoy es un punto obligado en cada uno de los shows. Cabe destacar la primera guitarra de Olbrich que en Somewhere Far Beyond consigue patentar definitivamente su estilo de lead breaks al armonizar los solos con octavas y utilizando el pedal wah.

Inmediatamente realizado el álbum, salen de gira por Europa, otra vez con Iced Earth, hasta que en diciembre tocan por primera vez fuera del Viejo Continente, en Japón para ser exactos. Estas presentaciones no significan sólo para Blind Guardian una de sus más excitantes e inolvidables experiencias, “llegar al otro lado del mundo y tocar ante cuatro mil fanáticos enloquecidos”, sino que además escogen dos de esos recitales para grabar un álbum en vivo, como Deep Purple, Judas Priest y Iron Maiden lo hiciera en su oportunidad. Lo titulan Tokio Tales y aparece en las tiendas en febrero de 1993. El disco consta de una compilación en directo de varios de los mejores temas de Blind Guardian, entre ellos Journey Through The Dark, Traveler In Time y Welcome To Dying, aunque se echa de menos la presencia de canciones del Somewhere Far Beyond -solamente hay tres-, especialmente The Bard’s Song – In The Forest.

Es durante la mezcla de Tokio Tales cuando la ruptura de relaciones entre Blind Guardian y Kalle Trapp, se hizo evidente. Trapp había sido el responsable de grabar Tokio Tales y cuando les enseñó el tema Banish From Sanctuary, los integrantes la detestaron: “¡Sonaba igual a la versión de Follow The Blind! ¡Igual que a la de estudio! Un álbum en vivo debe ser como un álbum en vivo y no como uno de estudio (Marcus)”. La banda sintió que Trapp se había alejado de la visión que tenían -hacia una música más compleja- y que no aprenderían más de él, por lo que el momento de buscar a un nuevo productor había llegado.

El reemplazante lo encuentran en Flemming Rasmussen, hombre detrás de notables discos como Ride The Lightning, Master Of Puppets y …And Justice For All, de Metallica. La primera experiencia de Blind Guardian con Rasmunssen no obstante fue atípica: Hansi, Marcus, André y Thomen querían con ansias grabar nada menos que Mr. Sandman de Walter Valentino Liberace antes de entrar de lleno en el álbum. El nuevo productor odiaba tanto la canción que cuando trabajaban en ella, mandaba a un ingeniero asistente para terminarla. Cuando la finalizaron, decidieron que Mr. Sandman aparecería como lado B del single para el CD que grabarían. Resultó que cuando enviaron el cover a Virgin, los ejecutivos se enamoraron de la canción y por primera vez estuvieron dispuestos en gastar grandes sumas de dinero para promocionar un tema del grupo con un video clip. Hansi: “Dijimos OK, pero para hacerle un video tendríamos que incluir Mr. Sandman en el próximo álbum, lo que echaría a perder la actitud del disco”. De este modo, decidieron que debería estar en otro LP especial y fue así que surgió la idea de The Forgotten Tales…

LA CONSOLIDACIÓN DE BLIND GUARDIAN Y SALVACIÓN DEL POWER METAL

Pero el nuevo disco “en serio” es la prioridad de los Blind Guardian que trabajan desde agosto del 1994 hasta marzo del año siguiente en Sweet Silence Studios, Dinamarca, en lo que sería la primera superproducción del grupo. El tres de abril de 1995 aparece Imaginations From The Other Side, un álbum complejo lírica y musicalmente, denotando una búsqueda premeditada hacia la perfección. Se trata de un disco que habla difusamente en algunas canciones de lo que Hansi llama “The Other Side”, en donde están todas las fantasías -y temores- del ser humano, además de tocar tópicos religiosos (The Script For My Requiem, Another Holy War) y la Leyenda del Rey Arturo en Mordred’s Song y la canción que se transformaría en el primer single CD de la carrera Blind Guardian, A Past And Future Secret, una especie de réplica de The Bard’s Song – In The Forest pero más terminada y con más elementos “bardos”. Las letras son simplemente extraordinarias, entre oscuras, íntimas y épicas a la vez, por lo que a Hansi se le reconoce como uno de los grandes letristas del metal europeo.

El trabajo de la batería y percusión de Thomen Stauch alcanza nuevos niveles de complejidad, los solos de André Olbrich se vuelven más elaborados, los efectos de sintetizadores más prominentes y Kürsch canta con más fuerza y energía que nunca… sin dejar de lado los poderosos coros y las líneas vocales. Imaginations From The Other Side es el trabajo más nebuloso, carismático e intrigante de Blind Guardian, y los músicos pasan como quieren desde la melodía más sobrecogedora hasta descargas de poderío en un mismo tema, como en Bright Eyes.

En 1995, año en que el Power Metal pasa por sus días más negros, Iron Maiden trabaja sin Dickinson, Judas Priest y Metallica no dan signos de vida y Iced Earth a punto de disolverse, Blind Guardian, junto con Gamma Ray y su Land Of The Free (en el que Hansi aparece cantando en Farewell) se afianza como una de las bandas más sólidas del metal melódico en Europa, levantando alto el estandarte del Power Metal.

El estándar sin embargo parece no afectarles y, ante muchos ojos atentos, se dan el lujo de concretar al año siguiente el proyecto que se había originado con la grabación de Mr Sandman, The Forgotten Tales. En el peculiar disco se encuentran canciones de Uriah Heep (The Wizard), The Beach Boys (Surfin’ USA) Mike Oldfield (To France) y otros covers que habían hecho a lo largo de su trayectoria, además de temas propios en versiones acústicas y orquestadas, como Lord Of The Rings, oportunidad que Hansi aprovecha de corregir la frase donde ocupa la palabra gnoms y utiliza correctamente dwarves. También aparece The Bard’s Song – In The Forest en vivo, remediando el error de no incluirla en Tokio Tales. A pesar de correr el riesgo de ser calificados de oportunistas, The Forgotten Tales se transforma en todo un éxito de ventas, tal como Imaginations From The Other Side.

Así llega, al final de 1996 y primera mitad de 1997, un momento de distensión para Blind Guardian. Durante las vacaciones, Thomen Stauch presta sus ya reconocidos baquetazos para la nueva banda del ingeniero asistente y músico invitado en varios de los discos de Blind Guardian, Piet Sielck, llamada Iron Savior. En Krefeld mientras tanto, se construye un estudio de grabación exclusivo para los Bardos, Twilight Hall Studios, el cual no estaría listo sino hasta después del lanzamiento de Nightfall In Middle Earth.

La acción que más consecuencias trae en este período es el comienzo del proyecto entre Hansi Kürsch y el guitarrista rítmico estadounidense y líder de Iced Earth, Jon Schaffer. Antes de que empezaran las sesiones del próximo trabajo de Blind Guardian, Jon visita a Hansi en Krefeld por unos días durante el descanso de la gira de Days Of Purgatory (1997). A la mañana siguiente después de una fiesta en la casa de Kürsch, aburrido, Jon toma una guitarra y empieza a improvisar unos rasgueos, luego se le une Hansi en las voces y en un poco más de dos horas ya tienen listo un tema: My Last Sunrise. Este chispazo de creatividad hace ver en ambos un gran potencial y acuerdan realizar un álbum. No obstante, el proyecto que se denominaría Demons & Wizards -como un antiguo disco de Uriah Heep- tendría que esperar a causa de las convulsionadas agendas de Blind Guardian y Iced Earth…

UN HOMENAJE AL PROFESOR…

Haciendo retrospectiva, 1998 es el año clave del Power Metal, en el que se produce la gran explosión del género en Europa. Los festivales empiezan a quedar chicos por el alza de las concurrencias y ya no resulta un anacronismo confeccionar brazaletes y cadenas como en la época dorada de Judas Priest. Al incluir a Gamma Ray, Stratovarius, Rhapsody con Symphony Of Enchanted Lands, Hammerfall y su Legacy Of Kings, Edguy presentando Vain Glory Opera, algunas revistas especializadas hablan de la Generación del ‘98, igual que aquel movimiento literario intelectual español de finales del siglo XIX.

En este competitivo y emergente “mercado”, Nightfall In Middle-Earth de Blind Guardian es considerado hoy el álbum más importante y referente de la explosión del Power Metal. Cuando todos esperaban una réplica en la línea de Imaginations From The Other Side, Blind Guardian causa un shock en la escena, el más radical y confuso de los virajes estilísticos de los que ha hecho la banda.

Nightfall In Middle-Earth es un álbum conceptual basado en El Silmarillion de Tolkien. En once canciones y mismo número de interludios, instrumentales y recreación de escenas, se relata desde la huida de Morgoth y Ungoliath de Valinor con los silmarils hasta el final de la Quinta Batalla, por medio de complejas instrumentalizaciones y desbordes de magia, emoción y todos los sentimientos expresados en el libro como orgullo, dolor, traición y lealtad impregnados en las letras. La portada, de Andreas Marschall, muestra el momento en que Beren y Luthien intentan arrebatar un silmaril de la corona de Morgoth, el señor oscuro, quien observa hechizado el seductor baile de la elfa. No es condición leer El Silmarillion para entender el álbum, pero ayuda a apreciarlo mucho mejor, especialmente el trabajo lírico de Hansi Kürsch. Por eso mismo, Nightfall In Middle Earth cuesta comprenderlo en su totalidad. Into The Storm, Nightfall, The Curse Of Feanor, el single Mirror Mirror, Times Stands Still (At The Iron Hill) y When Sorrow Sang son algunos de los temas más sobresalientes.

Cabe destacar la presencia de un nuevo miembro, aunque no oficial, que se encarga a partir de este trabajo en adelante y también en las giras, de tocar el bajo que Hansi Kürsch decide no interpretar más. Su nombre es Oliver Holzwarth. Las razones: “No había quedado conforme con mi desempeño en el bajo en Imaginations, por lo que antes de entrar a grabar Nightfall le comenté al resto de la banda de que si queríamos hacer algo mejor que el álbum anterior, tendríamos que conseguir a un nuevo bajista”. En ese momento, el en ese entonces mezclador asistente Charlie Bauerfeind intercede ante Blind Guardian a favor de su amigo Oliver y el grupo se transforma en sexteto, porque también se incluye a Mathias Wiesner para los teclados en estudio y a Andreas Kuck (Iron Savior) para los conciertos.

Con NIME, los horizontes de Blind Guardian se amplían, el disco y el catálogo completo es editado por primera vez en EE.UU. y la banda realiza giras por Europa continental, Japón, sudeste asiático, México, Brasil y Argentina. Debido a la agotadora gira, Hansi sufre una lesión que le afecta al sentido de la audición, pero se recupera completamente tras unos meses de descanso. “¡La enfermedad no tuvo nada que ver con el volumen de los amplificadores!”.

Luego de su mejoría, Hansi retoma Demons & Wizards. Intercambiándose cintas entre Estados Unidos y Alemania, Schaffer escribe la música y Kürsch, las líneas vocales y en julio de 1999, se juntan en Florida y graban las 13 pistas que formarían el primer álbum de Demons & Wizards, el cual se edita en enero del 2000 en Europa y febrero en los Estados Unidos, a través de SPV Records. Schaffer se encarga de la guitarra rítmica y el bajo, el productor Jim Morris de la primera guitarra y Mark Prator, baterista de sesión de Iced Earth, de los tarros. En Demons & Wizards se reconocen Heaven Denies, Blood On My Hands, la balada de atmósfera “barda” Fiddler On The Green y The Whistler basada en El Flautista de Hamelin, más la trilogía Tear Down The Wall – Gallows Pole – My Last Sunrise que trata de un duende creador del mundo que decide destruirlo ya que ningún hombre cree en él.

El LP homónimo es fantásticamente recibido, lo que le vale al dúo una nominación al Grammy alemán. La banda, con la incorporación del eximio batero Richard Christy (Death, Control Denied, Iced Earth), hace una pequeña pero muy exitosa gira por Europa y antes de que terminara el año, Demons & Wizards logra vender 200 mil copias del disco.

De forma paralela, se anuncia mundialmente la adaptación al cine de la trilogía de El Señor de Los Anillos, bajo la dirección de Peter Jackson. De inmediato, el círculo metalero levanta las manos por los Bardos para realizar la banda sonora de la película. Las posibilidades resultan ciertas, hasta incluso se rumoreaba una posible participación de Hansi Kürsch como extra siendo un guardia de la ciudadela de Minas Tirith. Jackson dirige su mirada a esta poco conocida banda de Heavy Metal cuando se da cuenta que Blind Guardian aparecía entre los candidatos más votados en Internet para escribir la música. Se contacta con Virgin Records y pide un demo con algunas ideas por parte de los alemanes. No obstante las negociaciones no prosperan y la banda sonora se la adjudica Enya. “En ese momento estábamos trabajando en las canciones de A Night At The Opera, y si hubiéramos tenido que hacer la banda sonora, no habría existido disco de Blind Guardian el 2002 (Marcus)”.

A NIGHT AT THE OPERA & FOURTEEN MONTHS AT THE STUDIO

Después de la salida de Nightfall In Middle-Earth, trasformado rápidamente en icono de idolatría, las miradas se fijan con enorme expectación en lo que haría Blind Guardian en el futuro… o lo que no haría. La salida de un nuevo trabajo se agenda para finales del 2000, después se atrasa para principios del 2001 y luego, a medida que avanza el proceso de preproducción y para desgracia de los fanáticos, se vuelve a anunciar para noviembre del mismo, la cual tampoco sería la fecha definitiva. La euforia por Nightfall In Middle-Earth y el intervalo de cuatro años sin que Blind Guardian sacase un álbum, hace de A Night At The Opera un disco muy esperado.

La banda entra a sus estudios, Twilight Hall, en octubre del 2000 y no salen de él hasta diciembre del 2001, es decir, 14 meses. A modo de disculpa, en noviembre lanzan el single And Then There Was Silence, un tema de estruendosa mitológica épica griega, de 14 minutos, basado en La Iliada, aunque se había dicho preliminarmente que iba a hablar acerca de Tolkien. Se demoran cuatro meses en producirla y ocupan nada menos que 128 pistas para dar conjunto a las toneladas de coros y arreglos que lleva consigo. Como lado B cuenta con la balada Harvest Of Sorrow y la portada se le acredita a Anry.

La espera termina en marzo del 2002 con la salida del noveno disco oficial que iba a ser llamado The Soulforged, pero se lanza como A Night At The Opera, título sacado de un álbum de Queen quienes, a su vez, lo habían tomado de la comedia musical con el mismo nombre, de los hermanos Marx, 1935. La superproducción, llevada por Charlie Bauerfeind (Angra, Gamma Ray, Helloween, Rage) es monstruosa y justifica todos los meses de trabajo en el estudio. La enorme cantidad de arreglos orquestales, la omnipresencia de la voz de Hansi y los coros hacen ver un álbum de sofisticación llevada a su esencia y perfección. ANATO es otro fuerte quiebre en el estilo de Blind Guardian y, aunque hay canciones “reconocibles” a la línea de la banda como Battlefield y Punishment Divine, hay otras que resultan ser toda una nueva experiencia como Sadly Sings Destiny y Precious Jerusalem.

A diferencia de Nightfall, A Night At The Opera no cuenta con un concepto o línea narrativa, ya que “lo experimentamos con Nightfall In Middle-Earth y las letras conceptuales determinan la música y quitan cierta libertad -comenta Marcus-. Cuando tienes un episodio triste, no vas a hacer una canción alegre…”

De Harvest Of Sorrow, Blind Guardian hace dos versiones en inglés, dos en castellano (Cosecha del Dolor para Sudamérica y Mies del Dolor para España) y otras en italiano y en francés, las cuales sacan como bonus track en los países en que se habla la lengua. A Night At The Opera se instala alto en los rankings europeos. La banda se embarca en un tour mundial por territorios nunca antes visitados por los bardos alemanes; empezando en su tierra natal, la gira los llevó a recorrer Europa por algunos meses antes de dirigirse a Brasil para comenzar el tramo sudamericano. En el marco de la misma, el domingo 18 de agosto del 2002, Blind Guardian se presenta por primera vez en Santiago, en un show que seguramente permanecerá en la memoria del los metaleros chilenos como uno de los más íntimos y emotivos que se hayan presenciado bajo la luz de la Estrella Solitaria. Más de 2 mil 200 fanáticos formaron el círculo de los bardos aquella noche en que el puesto de la batería fue llenado por Alex Holzwarth (Rhapsody), quien debió suplir a Thomen producto de una lesión en la muñeca de este último.

COMPLICATED MUSIC = SIMPLE TITLE!!!

El catálogo de Blind Guardian, contenía ya a estas alturas un disco en vivo. Sin embargo, nueve años después se hace casi necesario para los fanáticos alrededor del mundo contar con un registro oficial de los conciertos más actuales de los bardos. Algunos de los discos más aclamados de la banda habían salido después de Tokio Tales, y salvo por las versiones de Imaginations From the Other Side y And the Story Ends contenidas en el single Mirror Mirror, no había más material en directo de la agrupación con piezas creadas entre el ‘94 y 2002, más allá de los múltiples bootlegs. Dichas grabaciones, por carencia de tecnología adecuada a las circunstancias, no eran completamente justas con un grupo que hacía gala de una solidez impresionante en sus presentaciones, a un nivel que los hace ser elegidos como la mejor banda en vivo del 2002 por los lectores de la Rock Hard Magazine…

El momento era perfecto para lanzar nuevo material en directo y los Bardos no lo desaprovecharon. Tras el lanzamiento del sencillo The Bard’s Song: In the Forest, que contenía una nueva versión de estudio y tres en vivo del mismo tema (con lo que queda definitivamente cerrado el tema de Tokio Tales), proceden a lanzar su segundo disco en directo. Titulado simplemente Live, esta nueva entrega, en doble CD, registra fielmente y con un sonido demoledor, gracias otra vez al trabajo de Charlie Bauerfiend en las perillas, lo presentado en la gira mundial de nueve meses. Una nueva pintura de Andreas Marschall sirve como bienvenida gráfica a un disco que muestra cómo Blind Guardian logra convertir las pomposas líneas musicales del ANATO en versiones más sencillas, sin perder su esencia y haciéndolas más agradables al oído de los más puristas.

Pero Live no sería todo. Durante la espera del doble CD en vivo, la banda anuncia que, luego de tocar en prácticamente todos los festivales metaleros importantes del mundo, organizará un Blind Guardian Open Air en la ciudad de Coburg, Alemania, figurando como la principal atracción del evento de dos días con actos del calibre de Grave Digger, Rage y Primal Fear, además de grandes de otros estilos como Tankard y Napalm Death. “Alguien vino con la idea: ¿Por qué no hacer nuestro propio festival? Nos gustó la propuesta y obviamente era la oportunidad de filmar el DVD porque podríamos presentarnos exactamente de la manera que queríamos en ambos días (Marcus)”. Así, el 13 y 14 de junio de 2003 se lleva cabo el festival en el cual se graba “Imaginations Through The Looking Glass”, el DVD en directo del cuarteto.

Este concierto, cuyo tracklist fue elegido en una votación realizada a través de la página oficial del grupo, muestra la finalización de la gira de ANATO con los bardos ejecutando temas que los fans habían pedido desde hace mucho tiempo sin respuesta, siendo The Last Candle el principal ejemplo. Sin embargo, el momento cúlmine es la performance absolutamente perfecta de And Then There Was Silence. En palabras de Marcus: “Definitivamente queríamos tener esta canción en el set porque cuando lanzamos A Night At The Opera, un montón de gente dijo que nunca podríamos ser capaces de tocar este tema. (…) Nos hubiese encantado tenerlo en el CD en vivo, pero no tuvimos tiempo suficiente para ensayarlo apropiadamente así que decidimos poner otras cosas y dejarlo para el festival”.

“KEINE NACHRICHTEN SIND GUTE NACHRICHTEN…”

El 2004 transcurre, aparentemente, sin mayor movimiento en lo creativo. Aparte del lanzamiento del DVD y del accidente en el que Marcus se fracturó la pierna en cuatro partes (realizando el increíblemente difícil truco de girar a la derecha sobre una tabla de skate, afuera de su casa), no se escucharon más cosas de Blind Guardian. Al año siguiente es cuando llegan novedades…

“No News is Good News…” es el título del comunicado con el que, a través de la página oficial, la banda informa a sus fans una noticia que no dejó a ninguno indiferente. El tres de abril de 2005 se pudo leer en el nombrado website: “Luego de caminar juntos por los mismos senderos musicales por más de veinte años y después de varias discusiones largas, abiertas y honestas entre los cuatro miembros de la banda, todos (incluyendo Thomen) hemos llegado a la conclusión de que ahora lo mejor para Thomen es dejar la banda (Hansi)”.

Argumentando diferencias musicales irreconciliables, una de las agrupaciones que había permanecido con su formación clásica perdía una pieza clave en el desarrollo de su particular sonido. “De ahora en adelante iremos en caminos separados, al menos musicalmente. Debo admitir que es una decisión triste, pero necesaria, para poder mantenernos como amigos (Stauch)”.

Durante este tiempo oscuro para Blind Guardian, Hansi y Jon Schaffer lanzan el segundo de Demons & Wizards, Touched By the Crimson King. A decir de Kürsch: “lo más importante del nuevo disco para mí es que hemos dado un importante paso alejándonos del sonido de Blind Guardian y Iced Earth, estableciendo nuestro propio estilo. Hay canciones como Wicked Witch o Beneath These Waves que poco tienen que ver con Iced Earth o Blind Guardian y eso es lo principal para mí porque hace justicia a la banda, es la meta para el futuro, buscar la identidad del grupo”.

El CD recibe críticas que quizá no son tan buenas como las de su antecesor, pero aún así tiene una buena acogida por parte de los fans, y ventas buenas para los estándares de las bandas metaleras. Así, debuta en los charts alemanes en el número 29. La banda lanza, además, un video promocional del tema Terror Train, en el que escenas de la banda interpretando la canción se mezclan con animaciones digitales de un tren guiado por energía nuclear, en su camino a la autodestrucción. Un dato a mencionar es que a pesar de que varias de las letras de los temas se refieren a historias escritas por Stephen King para su saga The Dark Tower, la banda ha negado en reiteradas ocasiones que su segundo disco sea uno conceptual en base a la mencionada historia.

RESPUESTAS EN EL CIRCO SALVAJE

Desde la partida de Thomen en adelante, todo es confusión y tristeza para los leales fanáticos de Blind Guardian. ¿Qué habría pasado? ¿Qué hecho habría motivado una decisión tan drástica? Las respuestas no llegarían sino hasta algunos meses después… y crearían más preguntas.

El 29 de agosto de 2005, Savage Circus, la nueva banda de Thomen Stauch y el conocido Piet Sielck, lanza su primer material titulado Dreamland Manor. Grande es la sorpresa para los fanáticos de la ex agrupación de Thomas que tienen la posibilidad de escuchar este LP en aquel momento. Con sólo unos giros, el disco ya muestra ciertos riffs y pasajes melódicos que bien podrían haber sido incluidos en alguna producción de los bardos entre el Somewhere… y el Imaginations… Savage Circus suena claramente como una mezcla del Blind Guardian en su época más aplaudida e incluso también a Iron Savior… De hecho, el vocalista de la banda, suena por momentos demasiado parecido a Kürsch…

La similitud provoca reacciones encontradas entre los fanáticos de los bardos; algunos critican a la banda por su poca originalidad, otros alaban el hecho de que Savage Circus les entregue la posibilidad de escuchar material que les recordase a los viejos tiempos.

Ciertamente, un período de cambios comienza para el grupo alemán que decide  separarse de Virgin, su compañía disquera por años, para pasar a engrosar las filas de Nuclear Blast. André explica lo sucedido. “Las estructuras de Virgin en Alemania cambiaron y la gente que había trabajado con nosotros todos estos años dejó la compañía. Así que al final no había nadie realmente a cargo de Blind Guardian, ni nadie que realmente supiera acerca de la escena metalera. Y después, el lanzamiento del DVD fue algo así como un desastre para nosotros, porque nada realmente funcionó como queríamos. Ahora estamos con Nuclear Blast, una compañía derechamente metalera, en la que todos conocen la escena y saben qué hacer. Pienso que será mucho más fácil y nos traerá mucho éxito”.

A mediados de 2005 un joven baterista se acerca a la banda y le entrega un DVD en tocando Journey Through the Dark, Time Stands Still y And Then There Was Silence. El músico causa una gran impresión en los miembros del grupo por su capacidad para acomodarse al estilo de Thomen, sin dejar de entregar su propia visión de las canciones, característica que lo hace adueñarse del puesto. El nombre del percusionista es Frederik Ehmke, quien además toca gaita y es integrante de la banda Folk Metal Schattentantz. Ahora todo estaba listo para comenzar con las sesiones de grabación del nuevo disco…

UN GIRO EN EL CAMINO A SER MITO

A finales de agosto de 2005 la reformada alineación entra a los Twilight Hall Studios para comenzar a grabar, nuevamente con Bauerfind como encargado de la producción, lo que sería su más siguiente LP. La primera señal de vida que Hansi da de desde el centro de operaciones es una primitiva planificación de lo que serían los próximos meses para el conjunto, agenda cuyo punto importante es el lanzamiento de un single entre febrero y marzo del 2006.

Poco a poco se fueron entregando más detalles del mismo, como la increíble ilustración de la portada y, al fin, el 26 de febrero del mencionado año, Fly debuta en los charts consiguiendo llegar a la cuarta posición en España y al tope de las listas en Japón. En una entrevista, Hansi afirma que la inspiración lírica para este sencillo es nada más y nada menos que la historia de Peter Pan. El vocalista afirma que desde niño tiene una fuerte afinidad con Peter Pan, pero que no se trata solo del personaje sino también del autor, James M. Barrie y de la película En busca de la Tierra de Nunca Jamás. “Traté de combinarlo con el objetivo principal de la película que es acerca de a dónde puede llevarte la inspiración. Como he estado muy inspirado por literatura y música fantástica, traté de expresarlo en las letras” (Kürsch)”.

Con un título poco común para Blind Guardian, como el mismo Hansi se encarga de decirlo alguna vez, el track que da el nombre al single muestra una faceta nueva, con ritmos y percusiones que no pueden asimilarse a nada hecho anteriormente por ellos pero que, sin embargo, no deja de sonar a Guardian. El disco contiene además una balada que sigue las líneas de las clásicas A Past and Future Secret y The Bard`s Song – In the Forest, titulada Skalds and Shadows, y una versión del clásico de Iron Butterfly, In a Gadda da Vida, uno de los temas favoritos de los padres de André.

Originalmente, el álbum se lanzaría entre abril y mayo del 2006. No obstante, y producto de un severo resfriado (con infección al oído medio incluida) que afecta a Kürsch durante los últimos meses del 2005, y que le impide terminar las pistas de voz a tiempo, es el primero de septiembre de 2006 que sacan A Twist in the Myth, el octavo disco de estudio de una de las bandas más importantes del metal a nivel mundial.

En esta placa, la banda hace gala de una versatilidad única, pasando desde la fuerza de This Will Never End a la majestuosidad de Carry the Blessed Home (en la que Frederik hace gala de sus habilidades como gaitero), con momentos progresivos en temas como Another Stranger Me, elegido para grabar un video que sorprende por su calidad, tanto en el aspecto estético como por lo interesante de su trama. Este largaduración es una elegante muestra de las múltiples etapas de Guardian, que entrega su filosofía donde más importa: en su música.

Seguidamente,  la banda realiza una gira mundial de promoción del “A Twist…” que los trae a Sudamérica para realizar algunos conciertos en Brasil, y otro en Buenos Aires, Argentina, el cual tuvo que ser cancelado por problemas de programación en sus pasajes de vuelta a Alemania, prometiendo en ese país volver para el mes de octubre… Lamentablemente, Chile no estaba incluido en la lista de países a visitar en el marco de este tour.

BLIND GUARDIAN, SU ALTER EGO Y UNA DOCENA DE FESTIVALES

Cuatro años debieron pasar antes de que los bardos entregaran un nuevo esfuerzo. En el ínterin de esa espera, la agenda del grupo se engorda de actividades alrededor del globo terráqueo para hacer acto de presencia en un cúmulo de festivales de renombre. Además, anuncian que ocho de sus trabajos anteriores serán re-lanzados por EMI en junio de 2007 para celebrar su vigésimo aniversario. Estos serían Battalions Of Fear, Follow The Blind, Tales From The Twilight World, Somewhere Far Beyond, Tokyo Tales, Imaginations From The Other Side, The Forgotten Tales y Nightfall In Middle-Earth. La idea era re-masterizados digitalmente y que su contenido incluyera fotos nuevas, bonus tracks, nuevo diseño de folleto, entre otras cosas. Adicionalmente, las placas del ’88 y ’89 fueron re-mezcladas.

Aquel año también sale a luz la participación de Hansi en el CD de celebración de las veinte primaveras de Nuclear Blast Records. El compacto se titula Into The Light, cuya composición, grabación y producción  se le encarga a Victor Smolski (Rage). El álbum contiene diez canciones y la colaboración de vocalistas como Tarja Turunen, Tobias Sammet, Mats Leven, Peavy Wagner, Andi Deris, Tony Kakko, entre otros. El tema interpretado por Kürsch es Slaves of the Desert. Otro gran performance fue el que realizaron en agosto en el Wacken Open Air de 2007.

Entra el 2008 y Blind Guardian se prepara para nuevas aventuras. Y es que su encanto por la fantasía los lleva a trascender más allá de la música y la literatura. Ahora los bardos se hacen presentes en una convención de juegos de rol en Münser, Alemania. “Como nosotros mismos somos fans de esos juegos, es un privilegio poder presentar allí el tema que hemos grabado para “Sacred 2 – Fallen Angel”… Para nosotros la canción supone una mezcla perfecta de sonidos místicos  y explosiones orquestales. Estamos seguros de que la presentación del tema en combinación con las secuencias visuales seleccionadas del juego serán uno de los puntos álgidos de la convención”, afirma Hansi.

Con el afán de promover dicho tema, CDV Software Entertainment y Nuclear Blast Records, anuncian que Hansi y André tomarán parte de la sesión de autógrafos de Sacred 2 en la convención anual de cómics, Comic-Con International, en San Diego, California el 25 y 26 de julio de ese mismo período. “Hemos sido fans de la música de Blind Guardian durante mucho tiempo. La oportunidad de que una de nuestras bandas favoritas escriba una canción e incluir su alter ego en el juego ha sido una experiencia maravillosa. Esto también refleja cómo la buena música y los buenos videojuegos pueden unirse para entregar una mejor experiencia a los jugadores”, indica Holger Flöttmann, fundador de Ascaron Entertainment. De hecho, en agosto del 2008 surge un primer tráiler del RPG, con parte de la canción de Blind Guardian que aparecería en el juego, lanzado en octubre de ese año.

Pero a todo esto, ya hacía falta una nueva entrega del guardián ciego. Los alemanes confirman sus shows en actividades como Metalway Festival en España; Graspop Metal Meeting en Bélgica; Bang Your Head en Alemania; Bloodstock Open Air y otro puñado de espectáculos, pero no dan razón de una nueva placa. Sólo, se dedican a mostrar el registro del video clip de Sacred 2: Fallen Angel, donde utilizan tecnología de la compañía para ser digitalmente animados y, de ese modo, aparecer dentro de una taberna del juego, dando un concierto a todos los seres que habitan el mundo de Ancaria.

Sólo eso, hasta que en marzo de 2009 informan la conclusión de ocho nuevos cortes para una siguiente pieza discográfica. “Necesitaremos dos o tres pistas más antes de que podamos llamarlo un álbum completo, sin embargo, estando tan adentrados en el proceso de composición, ya hemos hecho los primeros planes para iniciar la producción en septiembre u octubre 2009”, señala el frontman. La noticia en todo caso, da una señal de que la espera sería larga porque, además de continuar en el proceso de composición, los bardos tenían que cumplir con sus compromisos en diversos festivales, hasta encontrar un espacio libre en su apretada agenda.

Y de hecho, pasa septiembre y octubre, pero las noticias del inicio de la producción salen a relucir hasta mediados de noviembre a través de una declaración de Kürsch: “Finalmente hemos empezado la producción del noveno álbum de Blind Guardian… Quién sabe si esta vez entregaremos el master terminado antes de la fecha límite… Así que todavía hay problemas (por ejemplo: demoras) por delante”. Asímismo, Hansi dice sentirse líricamente tentado de apelar a una de las mejores series de fantasía, La Rueda del Tiempo (Wheel Of Time), escrita por Robert Jordan. Para hacer la espera menos ingrata, la banda procura proveer información constantemente acerca del progreso de la grabación, así como algunos samples de vez en cuando.

Para febrero de 2010, ya no es secreto que los guardianes ciegos viajan en hartas ocasiones a Praga para hacer grabaciones orquestales. Todo apuntaba a una placa plenamente brillante pero que, ciertamente, estaba al borde del tiempo.

AL BORDE DEL TIEMPO

Now there is no end
The wheel will turn, my friend

En marzo empiezan a dar rienda suelta a una serie de videos del tipo “behind the scenes” de las sesiones, llamados “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song”. Finalmente, en julio de 2010 ve la luz el tan esperado compacto, bajo el nombre At The Edge Of Time. Al respecto del tiempo que les tomó la realización de este material Hansi comenta, “es difícil decir con exactitud, nos tomó casi doce meses la producción y después otros seis a doce meses, tiempo en el que la composición continuó, así que algo así como 24 meses”.

El tiempo pasaba inexorablemente y tras el lanzamiento de At The Edge Of Time la entrega encuentra camino en las carteleras alemanas hasta alcanzar el segundo puesto, la más alta posición de Blind Guardian en su tierra natal. Por si fuera poco, tan solo en la primera semana de incursionar en las tiendas de música, el disco vende alrededor de 4 mil 400 copias sólo en Estados Unidos. Además, escala hasta la primera casilla del chart Top New Artist Albums, que da cuenta de los álbumes con mejores ventas que son lanzados por bandas nuevas o en desarrollo, es decir, aquellas que nunca han aparecido en el top 100 de The Billboard 200. “At The Edge Of Time es un hito en nuestra historia y estoy orgulloso de que tanta gente comparta esta opinión”, expresó Kürsch.

Pero este no es lo último que los bardos han ofrecido a sus fans. Al filo de marzo, no sólo estrenan el documental Travelers at The Edge Of Time en un festival de cine independiente metalero en Los Ángeles, California, pues el eminente frontman después aprovecha de señalar: “el próximo viaje nos llevará a una dirección más clásica. Habrá más viajes a Praga si es necesario para finalizar todas las grabaciones de nuestro proyecto clásico…”. Así es, viene un álbum conceptual, acompañado nuevamente por la Filarmónica de Praga. En palabras de Hansi, “todo proyecto con orquesta requiere de un concepto y tal concepto demanda una historia grandiosa. Para conseguir que esa historia encaje a la perfección con nuestra majestuosa música, unimos fuerzas con el mejor autor fantasioso de Alemania, Markus Heitz (revisen su serie Die Zwerge)”.

Así es como los guardianes conjugan todos los elementos que dan como resultado una fórmula que no tiene una dirección definitiva, una pócima que le deja abierta la entrada a toco cuanto traiga creatividad. Para ellos, es el mejor concepto que pueden tener. De otra manera, se estarían limitando a cierto estilo. Algo que, evidentemente, no quieren que suceda.

A causa de las estruendosa instrumentalización y cantidad de arreglos que se encuentran en los últimos trabajos, el sonido en vivo de Blind Guardian es diferente a lo que se escucha en estudio, y otras, son simplemente imposibles de interpretar. Siepen argumenta: “Es verdad, ha sido así desde Tales From The Twilight World, cuando empezamos a ocupar coros y armonías. En escenario sólo tenemos dos guitarras y tratamos de hacer las segundas voces lo mejor posible, pero va a ser distinto (…) En todo caso, así sonamos más “crudos y heavy”, y con respecto a los coros, en cada show tenemos a 2 mil personas que cantan con nosotros…”

Mirando hacia atrás en su trayectoria y comparando cada álbum y las etapas de Blind Guardian, cómo a través del tiempo la banda ha ampliado su estilo, logrado alcanzar nuevos niveles y se ha reinventado a sí misma, Hansi Kürsch saca las siguientes conclusiones: “Todavía estamos muy orgullosos de Battalions Of Fear y Follow The Blind, pero cuando los escucho, hasta yo mismo me asombro de cómo nos fuimos en una dirección completamente diferente. Se puede explicar a razón de que estamos más viejos y hemos ganado experiencia, pero pienso que es sólo en parte porque otros conjuntos no varían tan drásticamente. Cada miembro de la banda ha estado enfocado a metas específicas y ello nos ha permitido crecer”.

Y al existir álbumes con propuestas diferentes, el estilo de Blind Guardian, en palabras de Marcus Siepen, trasciende el Power Metal: “Muchos nos preguntan que tipo de metal tocamos. ¿Es Speed? ¿Progresivo? ¿Clásico? ¿Power? Personalmente, no me gustan las clasificaciones porque te limitan en todo lo que haces. Tenemos progresivo, speed, power, baladas, todo lo que quieran en cada unos de nuestros discos. Somos simplemente una banda de metal”.

BLIND GUARDIAN, J.R.R. TOLKIEN Y EL SEÑOR DE LOS ANILLOS.
(Citas de Hansi Kursch extraídas del sitio oficial de LOTR movie)

Running and hiding I’m left for the time
To bring back the order of devine
Hunted by goblins no Gandalf to help
With swords in the night
Oh the last part of the game
Decision of death and life
Blood for Sauron they’ll call tonight
The final battle cry…

Majesty, Battallions Of Fear.

Como muestra esta canción de 1986, desde los días de Krefeld que los miembros de en ese entonces los llamados Lucifer’s Heritage, son aficionados a la literatura épica fantástica. Las novelas de Michael Moorcock, sagas como Dragonlance y la Leyenda del Rey Arturo han inspirado algunas de las letras de Blind Guardian, pero uno de los reconocimientos más grandes de la banda es haber compenetrado a una propuesta “metalizada” los sentimientos y emociones de la obra de J.R.R. Tolkien. Ese ha sido siempre el objetivo primordial y clásico de Blind Guardian.

Majesty fue el primer intento en mezclar música y versos basados en emociones de la banda cuando Frodo estaba en búsqueda del Monte del Destino. Pero en esta etapa “estábamos muy lejos de ser perfectos, desafortunadamente aún lo somos… Éramos muy jóvenes y no contábamos con experiencia. Apenas podíamos captar el espíritu de la historia, era demasiado temprano”. A pesar de aquello, el público reaccionó positivamente ante la mezcla: letras fantasiosas inspiradas en Tolkien conocieron el metal melódico.

Pero, como más de alguno diría, ¿no es esta una manera poco ortodoxa, casi irrespetuosa se podría afirmar, de homenajear a Tolkien a través del metal? Hansi asegura que cada palabra escrita en la Tierra Media esconde una música que es difícil de no percibir, y las composiciones de Blind Guardian son como sienten sus cuatro miembros esas emociones. “Todo lo que creamos puede ser sólo bajo un aspecto: el nuestro. A algunos les puede gustar y a otros no, pero no deben olvidar que siempre tratamos de honrar al mundo de Tolkien, no contaminarlo”.

Dos años después de Battalions Of Fear, Blind Guardian volvió a acudir a Tolkien en Tales From The Twilight World, cuando escribieron Lord Of The Rings, nuevamente dedicada a Frodo. “Lo hicimos mucho mejor (…) Aunque Frodo es intelectualmente más elevado que sus amigos hobbits, él sigue siendo uno más de La Comarca. Esa es la razón por la que decidimos hacer una canción folklórica y simple como tributo a Tolkien y su fantástico mundo”.

Para Somewhere Far Beyond crearon The Bard’s Song – The Hobbit, un muy buen ejemplo de cómo la banda había mejorado como músicos y compositores. Nightfall In Middle-Earth se atrevieron a dedicarlo completamente a El Silmarillion. “Me siento muy orgulloso de este, se narra la historia de una manera adecuada (…) Si me pidiesen que recomendara algún álbum como para una primera “experiencia Guardian”, propondría escuchar el Imaginations o Twilight World, pero para un fanático de Tolkien, Nightfall In Middle Earth”.

Ahora, si los Blind Guardian hubiesen tenido la oportunidad y el tiempo para escribir la banda sonora para la película basada en “El Señor de los Anillos” y dirigida por Peter Jackson, no lo habrían pensado dos veces. “En el caso de que tuviéramos la chance, dudo que vaya a ser de Heavy Metal. Será algo único que nunca jamás se haya escuchado”. Hansi estaba consciente de que no podían competir con la sabiduría orquestal de compositores de la talla de Williams y Goldsmith, pero “somos fanáticos de la trilogía, tenemos garra, frescura, y trabajamos con mayor flexibilidad”.

El punto era el siguiente: Blind Guardian ya había empezado a trabajar en un proyecto clásico… adivinen sobre qué… “esté en las películas o no. El Señor de los Anillos merece una nueva música alejada de clichés y categorías” y ellos estarían dispuestos a concretarla. “Con André (Olbrich) hemos trabajado algunas partes para cada personaje (…) y lo que puedo decir es que será un viaje por casi todos los estilos, muy parecida a la Música de los Ainur, viva y colorida pero fría y majestuosa (…) He preparado coros a lo Carmina Burana como otras piezas folklóricas para una sola voz (…) Yo, como cantante, voy a tener que mantener mi boca cerraba la mayor parte del tiempo, pero las partes vocales serán tomadas de textos de Tolkien narrados en Quenya, Sindarin o cualquiera otra lengua que se adapte mejor (…) No será una banda sonora de Heavy Metal ni al estilo Hollywood, será algo simplemente más allá de nuestra imaginación”.

Peter Jackson optó a favor de Enya para realizar la banda sonora de su película. Sin embargo, Blind Guardian pretende, en un futuro no fijado, lanzar este proyecto en un álbum. No obstante, debido en parte a lo difícil que resulta obtener los derechos para adaptar obras basadas en El Señor de Los Anillos, Blind Guardian hace algunos años desiste de la intención que inspirar derechamente su disco orquestado en la obra de Tolkien, y hace unas semanas informa que trabajará con el autor Markus Heitz, justamente por toda la influencia que sus libros muestran de Tolkien. “Si escuchas algo de la música de Blind Guardian, siempre percibirás esa vibra tolkieniana”, explica Hansi, “la mostremos o no en las letras. Es parte de nuestro carácter, así es cómo miramos al arte,  la fantasía y la literatura en general, además de la música. Diría que una canción como Sacred Worlds por ejemplo, o Wheel Of Time, pudo haber merecido temáticas de Tolkien, al igual que otra como And Then There Was Silence. Hubo razones por qué no las puse en ese entonces, ¡pero escúchalas!, ¡ya tienen ese feeling tolkieniano!”.

Son muchos los ejemplos. Existen bandas que llegan a la cima de éxito en los primeros años de su carrera, sacan espléndidos trabajos y sacuden a todo el mundo sin que nadie se explique cómo. Pero al pasar el tiempo, esos mismos jóvenes de antaño se vuelven viejos y su música decae. No vuelven a repetir, por más que lo intenten, el éxito de antes. Son bandas que empiezan a vivir del pasado.

En cambio hay otras que tienen un notable debut y su marca. Pasan los años y siguen manteniendo o, incluso, suben su nivel. Evolucionan sin perder su línea y consiguen mantenerse totalmente vigentes. Ejemplos hay varios y GRAVE DIGGER es prueba de ello. Esta veterana y legendaria banda germana ha sacudido las cabezas de sus fanáticos por más de 30 años y se perfila para seguir haciéndolo por muchos más. Esa es la razón por la qué Grave Digger es hoy una de las agrupaciones más idolatradas en Alemania y Europa.

LA ERA DEL HEAVY METAL BREAKDOWN

Los comienzos se remontan a noviembre de 1980, cuando el joven de 18 años nacido en Gladbeck, Chris Boltendahl –poseedor de una peculiar forma de cantar, cuyo estilo se haría único–, decide dar vida a Grave Digger, reclutando a Peter Masson para encargarse de la guitarra, Willi Lackmann en el bajo y Albert Eckardt detrás de los platillos.

En 1983, la banda graba el tema “Violence” para el compilatorio Rock From Hell, en el cual actúa también Running Wild. Gracias a esta canción es que el grupo obtiene su primer contrato con el sello alemán Noise Records. De este modo, Grave Digger lanza al año siguiente Heavy Metal Breakdown, su primer disco que, a pesar de su descuidada producción, se ha convertido en objeto de culto para los fanáticos y no es para menos. Cortes como “Headbanging Man” y “Heavy Metal Breakdown” son considerados himnos del metal germano. En esta época además, Grave Digger gira acompañando a Warlock, Sinner y Running Wild.

Willi Lackmann abandona la banda, C.F. Franck entra como sustituto y Witch Hunter es lanzado en 1985. Estos dos discos iniciales se caracterizan por ser de una naturaleza más bien directa, sencilla en arreglos pero furiosa en carácter. Sin embargo, esto empieza a cambiar tras el alumbramiento en 1986 de War Games, primer trabajo con Uwe Lulis y el batero Jörg Michael –actualmente en Stratovarius–. Es la primera incursión de Grave Digger en discos conceptuales: todo el segundo lado del LP trata sobre la bomba atómica tirada en Hiroshima. Por otro lado, los arreglos se vuelven algo más complejos y experimentan por primera vez con coros a varias voces –estampa característica del Grave Digger de los noventa–. Pero para los fanáticos de ese entonces War Games es calificado como un acercamiento a un sonido más comercial. Mientras, Grave Digger hace gira con la  banda de Hamburgo, Helloween.

Pero el desastre se produce en 1987, cuando la banda cambia de nombre –simplemente a Digger– y sacan el controvertido Stronger Than Ever, de corte comercial. Hasta la carátula da miedo: una versión robotizada del Pato Lucas usando una gorra y enseñando sus músculos. La banda recibe una tonelada de malas críticas y se separa. A cuenta de eso, Digger desaparece de la escena metalera, pero Chris y Uwe siguen escribiendo canciones y grabando demos, mas ningún sello firma con ellos. Es lo único que se sabe de la época de silencio. Tras cinco años entregando cintas y cerrándoseles puertas, el dúo decide volver a formar el añorado Grave Digger…

THE RETURN OF THE REAPER
We’re back, back to the roots… HEAVY METAL RULES!!

Es 1991, Chris y Uwe se reúnen con Jörg Michael y el bajista Thomas Göttlich para resucitar a Grave Digger. Graban el demo Return Of The Reaper y en 1993 firman el anhelado contrato con G.U.N Records, a la vez que Noise saca a la venta una selección de los mejores temas del grupo llamado The Best Of The Eighties. Ese mismo año Grave Digger vuelve con más fuerza que nunca (ahora sí… stronger than ever) con The Reaper. El álbum es elogiado por la crítica alemana. Brutal, rápido y pesado, como en los viejos tiempos… perfecto regreso.

La misma formación, en 1994, entrega el excelente mini LP Symphony Of Death, el cual reúne temas escritos durante el receso y giran por Alemania nada menos que con los reyes de metal, Manowar. Además, es primera vez que aparece en portada de Grave Digger la “mascota” de la banda, The Reaper.

Jörg Michael se va del cuarteto para enfocarse exclusivamente en Running Wild e ingresa Frank Ulrich tomando su lugar. Heart Of Darkness (1995) es el nuevo título de Grave Digger, disco lleno de oscuros pensamientos de muerte y destrucción, pero también de sonidos. Este álbum es un salto evolutivo referente a la música y producción, canciones de mayor duración, más vanguardista en comparación con The Reaper y con una pincelada más fuerte de Power Metal.

Together we stand, steel in our hands,
Fighting forever, forever we stand!!

Grave Digger no se satisface sólo con continuar la línea de sus trabajos anteriores y sigue experimentando. Sin embargo, ninguna fórmula hasta entonces le había dado tanto éxito como la de Tunes Of War, primer disco de lo que se conocería como la “Trilogía Épica” de Grave Digger, en la cual, durante los años siguientes, la banda haría tres placas conceptuales sobre historias, sucesos y leyendas de la Edad Media. El comienzo de esta época coincide con el arribo de Stefan Arnold a la batería y la inclusión de un quinto miembro: el tecladista H.P. Katzenburg.

El primero de la serie es Tunes Of War, basado en la guerra de los clanes de Escocia luchando por su libertad e independencia en contra de los ingleses. En la saga se pueden encontrar personajes tales como William Wallace, la Reina Mary y The Bruce, entre otros. Incluso, la música está acompañada por gaitas, efectos de sonido imitando marchas y batallas, algo nunca visto hasta ese entonces. De hecho, esas mismas gaitas y marchas de rebelión escocesa se hacen sentir en todo el mundo… ya que es la primera vez que Grave Digger realiza una gira mundial, pasando también por Sudamérica.

Luego, en 1998, presentan Knights Of The Cross, que aborda temas relativos a las cruzadas y la Orden del Temple bajo un sonido bastante melódico, temas con variedad compositiva y con la incorporación de Jens Becker en el bajo. De este trabajo destacan “Lionheart”, “The Battle of Bannockburn” y el tema homónimo del disco. La banda no demora y en 1999 lanza Excalibur, álbum acerca de la Leyenda del Rey Arturo y la Mesa Redonda, el trabajo más Power Metal que la banda había hecho hasta esa fecha. Antes de terminar el siglo, Grave Digger se consolida como institución del Metal Europeo.

The grave is open, the digger smiles
He takes me under, the deadly skies…

Con la llegada del nuevo milenio, Grave Digger celebra su 20 aniversario con un concierto a lleno total en la ciudad de Bochum, Alemania. En definitiva, este concierto deja una huella en la historia de la banda, que se ve en serios problemas en ese año. Esto, porque poco tiempo después Boltendahl y Lulis se juntan una vez más para escribir las canciones del próximo LP pero Chris quería tomar un rumbo distinto al que Grave Digger se dirigía, alejarse de los conceptos épicos y volver al sonido Heavy, mientras que Uwe aparecía con bases y riffs muy similares a los trabajos épicos anteriores.

Las dos mentes creativas del veterano grupo entran en conflicto. Ninguna de las partes cede, por lo que se ve venir una ruptura inminente. El resto de la banda decide quedarse al lado de Boltendahl y Uwe se queda solo. Es lógico pensar que Lulis debía retirarse, pero anuncia en Internet al nuevo Grave Digger, con él mismo a la cabeza y con toda una tropa de nuevos integrantes, incluyendo nuevo vocalista (¡imagínense a Grave Digger con otro cantante por favor!). También se dice que hubo problemas legales con respecto a quién iba a quedarse con el nombre de la banda. A final de cuentas, Uwe Lulis recibe la desaprobación de los fanáticos y toma conciencia de que no tenía nada más que hacer. Así, después de casi 14 años, el guitarrista abandona Grave Digger.

Pasado el lamentable incidente, Grave Digger sale sorprendentemente fortalecido y se encierra a trabajar para la materialización del próximo álbum. Ese mismo año, tomando el puesto dejado por Lulis, ingresa Manni Schmidt, conocido entre los fanáticos por su desempeño en Rage.

Todo material escrito por Boltendahl y Lulis durante el 2000 es desechado -cerrando así la trilogía épica de Grave Digger- y en sólo siete días Chris, Manni y Jens componen los temas que aparecen en The Grave Digger (2001), bajo el sello Nuclear Blast. Como se lo habían propuesto, el álbum, de principio a fin, es un latigazo de Heavy Metal, retornando en cierta medida a las raíces del grupo y recreando un ambiente oscuro y tenebroso basado en la obra del poeta y escritor Egdar Allen Poe. Entonces, Grave Digger ahora con experiencia se encuentra con aquel de la misma actitud de los ochenta, logrando una mezcla explosiva.

EL CAVADOR DE TUMBAS Y EL ANILLO DEL NIBELUNGO
Killing, fighting for victory; killing, fighting the enemy…

Desde diciembre de 2001 anuncian el lanzamiento del primer material en vivo, el cual se grabó durante su presentación en el Wacken Festival, a través de G.U.N. Records en agosto de ese año. Asimismo, informan que esa disquera sacaría una compilación a finales de enero, hecho con el que la banda asegura no estar de acuerdo por creerlo una manera de robar el dinero de sus fans.

Para el 2002, la banda tiene planeada una gira por Europa y participar en festivales norteamericanos, además de lanzar su primer disco oficial en vivo –tras 22 años de trayectoria-, actuación grabada precisamente en la versión 2001 del prestigioso festival. El CD/DVD Tunes Of Wacken aparece en marzo de 2002 y su contenido se enfila principalmente en los álbumes de la “Trilogía Épica”.

Posteriormente, se enfocan en finalizar la producción de su próximo disco a grabarse entre octubre y diciembre en Principal Studios bajo la producción de The Resetti Brothers. Durante ese período renuevan su relación contractual con Nuclear Blast Records.

La siguiente entrega, Rheingold, sale a luz en junio de 2003 y gira en torno al ciclo de cuatro óperas denominado El anillo del Nibelugno, compuesto por Richard Wagner. La obra wagneriana está conformada por El Oro del Rin (Das Rheingold), La Valquiria (Die Walküre), Sigfrido (Siegfried) y El Ocaso de los Dioses (Götterdämmerung) y en síntesis, da cuenta de historias mitológicas de origen germánico. Rheingold es un álbum variado, con gigantes arreglos de excelente calidad, líneas melódicas basadas en la ópera, y temas como “Liar”, “Giant”, “Rheingold” y “Twilight Of The Gods”, “Maidens Of War” y “Murderer”. En general, un trabajo que ofrece una atmósfera épica, desde las líricas hasta la ejecución.

Let my sword rule the earth, I’m your soul savior
Turn around and spread my word…

Luego del exitoso tour empujado para promocionar Rheingold, el grupo graba una nueva placa que da a conocer en 2005 con el nombre de The Last Supper. Este lanzamiento es un cambio drástico en comparación con el anterior ya que carece de arreglos orquestales y es más bien directo, alineado a un sonido de carácter más clásico. Aunque no es un disco conceptual, el eje temático apela a la historia de los últimos días de Jesucristo, específicamente la última cena, la crucifixión y, por supuesto, la muerte. Quizá no sea de las mejores composiciones de Grave Digger pero tiene temas de altura como “Hell To Pay”, “Desert Rose” y “Soul Savior”.

La portada de The Last Supper es cosa aparte. La carátula realizada por Gyula Havancsak para este álbum se pone en línea el 18 de noviembre de 2004 en la página oficial de la agrupación y si bien recibe un cúmulo de respuestas positivas, una contraparte de fans que señala su decepción porcreerla satánica. De esa cuenta, la banda declara que no es un mensaje contra el cristianismo sino que representa a Jesús deprimido y en completa soledad en la antesala de su muerte.

Un mes después de este lanzamiento, la banda se embarca en un viaje de doble propósito: promover The Last Supper y celebrar su aniversario 25. The Last Supper Tour 2005 inicia el 11 de febrero en Andernach, Alemania junto a Astral Doors y Stormhammer como bandas soporte. La grabación del show en el TV Direct Music Hall de Brasil sirve después para conmemorar ese cuarto de siglo de fogueo en la arena del Power Metal. El CD/DVD 25 To Live, de 27 cortes en directo, sale a la venta el 14 de octubre de ese año vía Nuclear Blast Records y su registro es una muestra de la entrega del público en esa ocasión y el repaso y coreo de todos los discos de Grave Digger hasta ese momento.

Ya en el 2006 los alemanes anuncian sus trabajos para tener listo un nuevo álbum, comunicando que no sería lanzado a través de Nuclear Blast. No mucho después dan la noticia acerca de su nuevo contrato a largo plazo con el sello español Locomotive Records.

Freedom Belongs To All Minkind

Por primera vez en la historia de Grave Digger, y por medio de su nueva casa disquera, introducen al mercado un single titulado Yesterday 2006. Este contiene una nueva versión de su clásico del Heavy Metal Breakdown de 1984; “The Reaper’s Dance”; el cover “No Quarter” que hicieron para un álbum tributo a Led Zeppelin y la versión orquestada de “Yesterday”. Además de los temas mencionados, el single también incluye un DVD especial de su presentación en el festival español Rock Machina Festival en el 2001.

Liberty or Death ve la luz el 12 de enero de 2007 y, en comparación con la semi caída en picada a causa de The Last Supper, este largaduración se defiende con el ambiente oscuro, parsimonioso y siniestro creado por su sonido y de hecho, se aferra a la posición número 30 del German Media Control Chart (esa es la segunda posición más alta en la historia de Grave Digger, Excalibur estuvo el puesto 21). Sobresalen canciones como “Ocean Of Blood”, “Highland Tears” y “The Terrible One” que, además, cuentan con un excelente nivel de producción.

Algo llamativo de Liberty or Death es que, evidentemente, el título del álbum está inspirado en el libro Freedom Or Death del escritor griego Nikos Kazantzakis. Además, el corte homónimo tiene referencias de Creta y la revolución griega y del himno nacional de Grecia. Entre otras cosas, esta placa aborda temas concernientes a Alemania y el tratamiento a los judíos en la Segunda Guerra Mundial, la primera guerra Judeo-Romana, el Holocausto, la Revolución Francesa, etc. Todos los cortes están relacionados con hechos en los que la búsqueda de la libertad implica la muerte y también viceversa.

A finales de 2007 Grave Digger se presenta en el Wacken Open Air y en octubre, Manni da la noticia de que se une al grupo su viejo amigo, Thilo Herrmann (ex-Risk, Faithful Breath, Holy Moses, Running Wild), como segundo guitarrista. En febrero del siguiente año dan a conocer que la química con Thilo fue estupenda en sus sesiones de composición, las cuales tienen lugar en los estudios Graveyard en Holanda. Gracias a estas sesiones, la banda empieza a escribir nuevos temas y logra componer la estructura de siete canciones del siguiente álbum.

Los temas a interpretar en los conciertos venideros ya estaban arreglados para ejecutarlos en dos guitarras. Las ansias de presenciar en vivo las canciones del ahora sexteto eran efervescentes en Chile, donde la banda programa un recital para el 30 de julio de 2008. Sin embargo, un mes y medio antes de la presentación avisan oficialmente que el show se cancela a razón de la escasa venta de entradas. Por acuerdo mutuo entre el management y el promotor, el concierto queda programado para Brasil, a causa de la demanda sobresaliente en el país de la samba. Así, en aquel año se desvanece la ilusión del debut de Grave Digger en Chile.

LAS BALADAS DEL AHORCADO
Scream and die at the gallows pole

El 15 de agosto de 2008 el grupo entra a un estudio en Munster y empieza a dar vida al nuevo trabajo, para así poder lanzarlo en enero del próximo año. Entre tanto, se separan del sello Locomotive y firman un contrato discográfico con Napalm Records. “Estamos convencidos de que Napalm traerá lo mejor de nosotros y por eso entregaremos una obra maestra de verdadero metal Alemán”, comentó Boltendahl. Cumpliendo con la fecha establecida, publican Ballads Of A Hangman, un disco que a todas luces brinda un sonido que retoma su buen camino pero sin llegar a alcanzar su total plenitud.

Aunque sin mucha novedad, los cortes contienen riffs que levantan el polvo del suelo como los escuchados en el propio “Ballad Of A Hangman”, “Grave Of The Addicted” e “Into the War”. Destaca también “Lonely The Innocence Dies” a dueto con Verónica Freeman de Benedictum. No cabe duda de que con este álbum Grave Digger mantiene su peculiaridad y es que, si bien no es una entrega honorífica, sí hace hincapié en la premisa de que la banda germana sabe arreglárselas para pasar la prueba del tiempo y mantenerse vigente.

Say farewell to a fallen angel
Funeral for a useless soul

Tan solo unas semanas después del lanzamiento de Ballads Of A Hangman, anuncian la salida de Thilo: “Después de toda la euforia por el segundo guitarrista, las primeras dudas sobre la situación actual de la banda comenzaron a aparecer poco a poco. Había muchas cosas diferentes, empezando por el espacio libre en el escenario y pasando por los aspectos musicales que han sido observados por todos los miembros viejos de la banda de forma independiente y que, finalmente, nos hizo sentir que íbamos a tener que separarnos de Thilo”. El motivo era claro y fue una declaración en nombre de todo el conjunto, el cual aseguró que no era ningún problema de tipo personal sino, más bien, lo difícil que resultaba la integración para un nuevo músico. Entonces, la alineación queda conformada nuevamente por quienes desde el 2001 son el motor de Grave Digger.

Pero unos meses más tarde otro comunicado sacude los cimientos que dan soporte a esta veterana agrupación. Se trata de una noticia que nadie esperaba: los desacuerdos entre Manni y Chris estaban siendo cada vez más fuertes, lo cual como resultado podía afectar la productividad y creatividad de la banda y por eso, Manni decide dejar Grave Digger, hecho que, al parecer, fue consentido por toda la banda. El problema apunta a que el ambiente interno era decadente y la música estaba siendo afectada. Lo anterior no fue motivo para cancelar los shows de su agenda inmediata así que, de manera temporal, contratan a Axel Ritt (Domain) para ejecutar las seis cuerdas.

EL CLAN SE LEVANTA DE NUEVO
Rise, we reign with steel and pain!

Para enero de 2010 revelan que Axel será el guitarrista oficial de Grave Digger porque “su forma de tocar y su comportamiento fuera del escenario” los convenció de que era el músico correcto para el “trabajo”. Además, dicen estar en medio del proceso de composición de su siguiente placa. En mayo de ese año empiezan a grabar en Principal Studio ubicado en Senden, Alemania, bajo la producción de Chris y mezclado por Jörg Umbreit.

Aquel año fue el marco de la celebración de sus 30 años de trayectoria musical y por eso, festejaron a lo grande en la edición 2010 del Wacken Open Air, el cual se ofició del 5 al 7 de agosto. En el festival, la banda tocó en directo por primera y única vez todo el repertorio de Tunes Of War, uno de sus álbumes más exitosos, acompañado de invitados ilustres como Doro Pesch, Hansi Kürsch, el grupo metalero a capella Van Canto y la banda de veinte integrantes Baul Muluy Pipes & Drums. En esa ocasión también interpretaron grandes hits como “Ballad Of A Hangman”, “Heavy Metal Breakdown” y “Excalibur”.

Pasada la gran festividad de aniversario, el cuarteto lanza The Clans Will Rise Again, y que, en general, es un disco que rememora los días gloriosos del triunfante Tunes of War, pero contrario a referirse conceptualmente a la historia escocesa, trata sobre Escocia en sí, su misticismo y su gente. Este larga duración registró la posición 28 en la cartelera alemana durante su primera semana en el mercado. Las últimas y más recientes entregas de Grave Digger son el EP Ballad Of Mary y el DVD/CD The Clans Are Still Marching que captura las imágenes y audio recabados de su presentación en el Wacken Open Air del 2010.

Este año por fin se cumple el deseo de ser testigos del debut de los veteranos en Santiago. La convocatoria es para el 28 de julio en Club Rock & Guitarras a las 21 Hrs. Un show esperadísimo por el clan chileno y es que, al tratarse de Grave Digger, nos referimos a una de las bandas con más historia y peso del Heavy Metal Alemán, de esa misma, joven y agresiva de los ochenta que sobrevivió a un largo período de silencio, de la misma que estuvo totalmente vigente durante la década de los noventa. Cuatro décadas de trabajo, experiencia y aprendizaje no pasan en vano.

En los años ‘80, el apogeo del metal a nivel mundial unido a otros factores de índole económica producía un maravilloso efecto para los fans: las bandas lanzaban discos prácticamente en razón de uno al año. Ejemplos hay demasiados: los cinco primeros discos de Iron Maiden fueron lanzados en cinco años consecutivos, y así Metallica, Manowar, Slayer y tantas otras cumplían casi con un 100% de eficacia aquel ritmo de producción. Pero en los años ‘90 otros factores comenzarían a regir la industria del metal: las giras mundiales, los consecuenciales discos en vivo, la generalidad de las crisis de originalidad compositiva y la necesidad de promocionar mejor las producciones discográficas, entre otros, trajeron como consecuencia que las bandas comenzasen a disminuir paulatinamente su producción, siendo hoy lo normal que ningún grupo relativamente mainstream (contextualicemos este concepto sólo en el metal) saque un disco con menos de tres años pasados del lanzamiento de su placa anterior.

¿Qué tiene que ver todo lo anterior con la banda de este mes? Que Rage es, sin lugar a dudas, la banda más prolífica de la historia del Power Metal a nivel mundial. Rage se ha transformado en una banda de culto para varios metaleros cuya bolsa del pan dejó de ser arrastrada hace muchos años, con un estilo único. Un Power Metal distinto al común de las bandas alemanas, siendo influenciado poderosamente por el sector más thrash de la escena germana y adoptando durante gran parte una estructura de trío que hoy en día (en que los quintetos y sextetos dominan la escena) pareciera estar en desuso.

La historia de Rage dista poco de ser la historia de un personaje en particular: Peter “Peavy” Wagner. Nacido el 22 de Diciembre de 1964 en la localidad de Herne, ubicada en la región de Ruhr, Alemania, Peavy tomó un temprano contacto con el mundo de la música, pues sus padres (ambos profesores) dedicaban gran parte de su tiempo a ésta. De hecho su padre, Paul, conducía un grupo musical que cultivaba la música renacentista, con lo cual Peavy y sus tres hermanos (dos mujeres) estaban familiarizados con instrumentos clásicos y coros en su niñez.

Los intereses de Peavy apuntaban a la guitarra, tomando lecciones con Dirk Zdebel (profesor de la Universidad de Dortmund). Pero los estudios de guitarra no eran algo demasiado entretenido para el inquieto y joven Wagner, quien pretendía tocar sus propias canciones en guitarra eléctrica, lo cual causó más de alguna controversia familiar, como el propio Peavy nos contó hace años en una entrevista exclusiva con PowerMetal.cl: “… nadie en mi familia me llevó a este tipo de música. Mi padre era muy estricto en cuanto a la música, no le gustaba para nada el rock, sino la música clásica. Mientras más intentó alejarme del rock, más me interesé, y eso quedó de manifiesto cuando cambié mi guitarra clásica a una eléctrica y empecé con mi primera banda. Yo era un fan del metal por mí mismo, porque amaba la música, y la sigo amando”. Desde joven Peavy Wagner cultivaría además otros intereses, aprendiendo jardinería y asistencia para ciertas patologías (de hecho sus ramos favoritos en el colegio eran los relacionados con la biología), y desarrollando un escalofriante hobby: coleccionar calaveras y huesos.

Las influencias musicales de Wagner eran obvias: desde bandas como los Beatles y The Police a otras como Rush, Motörhead, Sex Pistols y la NWOBHM (particularmente Judas Priest). Todo decantaba para que Peavy se decidiese por el Heavy Metal más bien clásico, formando su primera banda, denominada Dark Lights e, inspirado por el legendario Lemmy Kilmister, cambiando la guitarra por el bajo. Dark Lights era una banda de calidad más bien “escolar” que nunca llegó a lanzar material de forma más o menos profesional. Pero Peavy empezaría a tomarse todo un poco más en serio a partir de 1983, cuando una catorcena de bandas integrada por veinteañeros se juntaba en una vieja villa para ensayar. Casi todos los asistentes se conocían y tocaban en varias bandas. Para muchos era sólo un rato de entretenimiento pero para otros significaba algo más.

En 1983 ciertos jóvenes de los que ensayaban en la villa se unieron a Peavy. Eran los únicos que realmente buscaban algo más en la música. Sus aspiraciones no les restaban ser todavía principiantes. De hecho, como casi todas personas que inician el sueño de ser rock stars, su vestimenta era totalmente de cuero complementada con púas, aunque la usaran solamente para ensayar. De cualquier forma, sus deseos de brillar en un escenario fue motivo hasta para usar luces en sus prácticas con el fin de recrear la sensación y ambiente de un verdadero show.

Ese año Peavy formaría su primera banda “de verdad” junto a sus amigos Jochen Schröder y Alf Meyerratken: Avenger, banda con la que graba su primer demo, llamado “Faster Than Hell” (obviamente autoproducido), junto a miembros que harían su debut y despedida como Peter Burtz en voces, Klaus Müller en bajo y Jan Yildiral en batería. En 1985 lanzarían otro demo (sin título) y -lo más importante- su primer e único LP, llamado “Prayers Of Steel”, apoyados por el sello Wishbone, con Peavy Wagner asumiendo la totalidad de las voces y el bajo, Schröder y Meyerratken en guitarras y un jovencísimo Jörg Michael Musielak (más conocido simplemente como Jörg Michael) en batería, a quien reclutaron gracias a un aviso de revista que informaba sobre la búsqueda de un batero. Jörg se contactó con ellos y no hubo necesidad de hacer algún tipo de audición. Lo curioso de todo esto, apunta Peavy, es que era el primer grupo de metal en el que Jörg estuvo porque antes solo había tocado punk.

“Prayers…” es un disco con bastantes carencias pero con algunos temas interesantes como “Battlefield” (que posteriormente sería parodiada por los propios Rage como “Bottlefield” en el EP “Extended Power”…). En un principio no trabajaban de manera tan profesional, solamente hacían rock’n’roll y la pasaban bien. Tanto era así que en una ocasión hicieron una especie de concurso interno para escribir las letras más desquiciadas y el ganador fue Peavy. El resultado fue la serie de líricas con tinte pseudo-satánico de Prayers of Steel del que años más tarde el vocalista comentó que de haber sabido que iban a grabarlo hubiera escrito algo mejor… Un ejemplo es el coro del tema “Assorted By Satan”:

Assorted by Satan
We pray the message of hell
Assorted by Satan
We bring satanic spell

Después de su segundo lanzamiento (antes del cual Meyerratken abandona la banda, siendo reemplazado por Thomas “Guinness” Grüning) y el EP llamado “Depraved To Black”, la disquera Noise Records tomó interés ofreciéndoles un buen contrato discográfico, pero exigiéndoles cambiar el nombre de la banda, pues ya existía un “Avenger”. Así, en 1986 pasaron a ser oficialmente reconocidos como Rage. En realidad, el cambio de nombre iba a ser  Furious Rage, pero al final eligieron la ruta corta.

El primer material fue Reign of Fear, aparecido en 1986, combinando thrash con tintes melódicos y es recordado como un correcto (no mucho más que ello) debut, destacándose temas como el potente opening track “Scared To Death” o “Deceiver”, y obteniendo un dignísimo 12º lugar en los rankings de los lectores de la revista germana “Rock Hard”. Con cortes como “Raw Energy” y “Suicide”, Reign of Fear logró sobrevivir en el terreno tudesco en el que imperaban agrupaciones de la talla de Scorpions, Accept, Grave Digger y otras que se plantaban como una medida a sobrepasar, o al menos a igualar.

El cuarteto empezó a viajar de manera intensa y, a falta de costumbre, no sabían cómo comportarse con respecto a su salud y fuerza física. Esto porque tomaban cada día a manera de fiesta y luego no comprendían por qué no tenían la condición necesaria que implica montar un recital. No obstante la sed de Rage era insaciable y a mediados de 1987 se aventuran a sacar Execution Guaranteed, un trabajo que manifestaba el camino que la banda se estaba imponiendo, con arreglos más elaborados y más fuerza, destacando “Down by Law”, “Execution Guaranteed” y “Before the Storm”. Era una demostración de lo poderosa que su música podía sonar para mantenerse al flote entre las aguas repletas de oferta musical. En este material Rudi Graf (guitarrista en ese entonces de Warlock) tomó el lugar de Thomas Grüning en las seis cuerdas.

Execution Guaranteed comienza a marcar una evolución en la banda, pues si bien el sonido continuaba siendo más bien thrasher (relativamente parecido a los inicios de Blind Guardian), los arreglos son de mayor calidad melódica sin perder la innata agresividad que esta banda llevaba consigo. Pero 1987 sería un año complicado para Peavy Wagner, que sufriría la partida de los restantes miembros de la banda. Schroeder abandonó la escena, Graf intentaba formar otra banda más orientada al Hard Rock (sin mucho éxito pues no encontró los músicos adecuados y no obtuvo un contrato) y Jörg Michael continuaría junto a Mekong Delta, y posteriormente como sabemos ha tocado en bandas como Grave Digger, Running Wild, Axel Rudi Pell y por supuesto Stratovarius.

Pero lejos de rendirse, Peavy buscó dos nuevos guitarristas y un baterista. Así, un batero con raíces griegas llamado Christos “Chris” Efthimiadis (ex Atlain) se uniría a Rage, y la primera plaza de guitarrista sería llenada por Manfred Albert Schmidt, más conocido simplemente como Manni Schmidt, hombre con cuyo talento en las seis cuerdas (unido a la dificultad de encontrar un segundo guitarrista de nivel) convencería a Peavy de sentirse completo con una sola guitarra, dando origen a la prolífica primera era de Rage como trío.

En palabras de Peavy, ese terceto fue sin duda la alineación más creativa y de la cual emergió “Don’t Fear the Winter”, uno de los temas clásicos de Rage que no puede faltar en las presentaciones. En aquel tiempo, el trío estaba reunido en Westerwal Area porque Manni tenía un trabajo allí y no quería dejarlo, ya que sus ingresos como músico no eran muy buenos. Manni tenía un apartemento y un cuarto de ensayo, así que Chris y Peavy se mudaron con él. En realidad los ensayos los hacían en una habitación que estaba cerca de un establo, por lo que “Don’t Fear the Winter” nació en medio del mugido de las vacas. Lamentablemente, el dueño del lugar se cansó del ruido que hacían y los echó.

En síntesis, Perfect Man abrió abrió una nueva etapa para la banda, un período que se extendería hasta bien entrada la década de los 90 y que puso los puntos sobre las ìes en la carrera de Rage. Indiscutiblemente, Perfect Man marcó una sección importante de cara al desarrollo de Rage y su completa inmersión en la industria musical. Esto porque el trabajo mostraba una sólida mejora en el sonido y arreglos. Según Peavy, este álbum puso una base a toda la carrera porque los trabajos anteriores habían sido como piezas de práctica ya que, aunque contenían buenas canciones, el estilo no estaba claramente definido.

Con Perfect Man dan un gran paso adelante, debido no sólo a la calidad como instrumentistas de los nuevos integrantes, sino a que el nivel de composición crece notablemente (de hecho, Manni compuso seis temas junto a Peavy), y es considerado por no pocos fans como uno de los mejores trabajos de la banda. El respectivo tour de este material fue un poco más largo que los anteriores y aunque dieron un salto cualitativo con esa entrega, seguían ignorando las consecuencias de su comportamiento en las giras lo que resultaba en problemas de salud y efectos negativos en los conciertos: ¡en un recital en Bremen Peavy tuvo que retirarse sel escenario varias veces para vomitar!

Al siguiente año hace su entrada Secrets In A Weird World (aunque previamente lanzó “Invisible Horizons” como single), continuando el estilo de su antecesor y preparando el terreno para más entregas exitosas con elementos más melódicos (Peavy cantando mejor) y destacándose cortes como la propia “Invisible Horizons” (otro clásico) y la extensa “Without a Trace”, entre otras. Aquí es donde sale a luz una característica  sobresaliente de Rage y es que, pese a estar rodeados de un estilo dominante en esa década como el marcado por Helloween, este trío buscaba seguir sonando a sí mismos. Así que Secrets In A Weird World siguió trazando y ampliando el camino propio de los alemanes.

Ya en 1990 afloran algunos cambios con la salida de Reflections Of A Shadow, un esfuerzo que quizá rayó un poco en lo comercial y en el que la banda opta por un camino algo menos heavy y un poco más melódico, con mayor presencia de elementos progresivos e incluso con la inclusión de un tecladista invitado, Ulli Köllner. El disco en todo caso es de calidad y posee cortes interesantes como “That’s Human Bondage”, “True Face In Everyone”, y las muy power “Wild Seed” y “Saddle the Wind”.

Peavy reconocía que era complicado hacer realidad todas las ideas como trío, lo cual era una gran limitante, comenzando a gestarse la idea de invitar a formar parte de la banda como segundo guitarrista a Spiros Efthimiadis, hermano menor de Chris, lo cual causaría molestia en Manni, quien deseaba a toda costa mantener la estructura de trío. Al mismo tiempo, Noise Records comenzó a desencantarse de la banda, debido a que siempre vieron a Rage como una banda más bien thrash y no veían con buenos ojos el giro melódico que estaban tomando. Al año siguiente, 1991, la banda se toma un pequeño respiro, haciendo shows junto a Running Wild, U.D.O., Motörhead y Saxon, y “sólo” lanza un EP, Extended Power, que cuenta con cinco temas.

Con una creciente e impetuosa base de fans, el grupo presenta Trapped! en 1992, una de las mejores placas de principios de los ‘90: un disco realmente ideal para que quienes no conocen a la banda se inicien en ella, con lyrics inspirados en H. P. Lovecraft. El disco no sólo fue votado “álbum del mes” en Metal Hammer, sino que consiguió buena crítica en Japón, lo que los llevó de tour a la tierra del sol naciente. En la carátula del disco aparece una suerte de declaración de principios que pone en claro la intención del disco: “No Keyboards!”. Peavy nos contaba en la entrevista: “… como utilizamos algunos sonidos de teclados en el disco anterior, quisimos dejarlos de lado para que el siguiente disco fuera sólo con el poder de la guitarra…”. El propio Peavy califica a Trapped! -junto a The Missing Link- como una de las obras maestras de Rage.

Trapped! detonó el nombre de Rage alrededor del mundo, llevándolos a visitar Rusia, Sudamérica y Asia. Ese año hicieron su primer tour en ciudades niponas y no sabían qué esperar de esos lejanos lares. No se imaginaban que gozaban de pleno estrellato entre los adolescentes japoneses, quienes los recibieron en cada show con una gran dosis de euforia y especialmente corearon temas como “Enough is Enough”, “Take Me To The Water”, “Beyond The Wall Of Sleep” y, por supuesto, destacaba el cover de Accept “Fast As A Shark”.

Una de las cosas interesantes del tour fue que, contrario a la lista de lugares que usualmente visitan las bandas cuando van a Japón, Rage se presentó también en otros sitios menos frecuentados como Hiroshima, Sapporo y Toyama, ubicada en la costa oeste. Una de sus más destacadas actuaciones fue la de Tokyo en Kan’i Hoken Hall. A partir de entonces el país asiático se convirtió en una parada obligatoria para cada gira.

La banda seguía en pie en 1993 a pesar del declive por el que estaba pasando el Metal a causa del apogeo del grunge. Ese año sacan el EP Refuge, cuyo contenido estaba integrado por el tema homónimo y tres covers (uno de los cuales es a The Police, “Truth Hits Everybody” ; el single The Missing Link. También emprendieron la introducción al mercado de The Missing Link, el cual tuvo tal grado de aceptación que generó comentarios acerca del excelente balance entre melodía y agresividad. Lo anterior era la señal de que, con The Missing Link, conjugaron todos los elementos de la fórmula que da como resultado un éxito redondo. Si en un principio la idea de Peavy era hacer algo verdadero a través de la música, ese era el momento de mirar atrás y comprobarlo.

“The Missing Link” trata en sus letras -inspiradas nuevamente en Lovecraft- la presencia de una raza existente en la tierra después de los dinosaurios y antes de los mamíferos, el “verdadero eslabón perdido”. Este disco acentúa el poder y los matices melódicos de Trapped!, con excelentes temas como “Firestorm”, la mencionada “Refuge”, la ambiciosa “Lost In The Ice” y “From The Underworld”. Pero no contentos con esto, se lanza un disco en vivo que contiene material no sólo de Rage, sino además de Gamma Ray, Helicon y Conception, llamado Power Of Metal, que contiene registros grabados en los recitales efectuados conjuntamente con las bandas señaladas, denominado “Melodic Metal Tour”.

El año 1994 trae dos momentos significativos para Rage. El primero es que se cumplen 10 años de carrera de Rage. El segundo es que la desgastada relación de Peavy con Manni Schmidt hizo que éste último abandonara la banda y, por consiguiente, reclutaron no uno sino dos guitarristas: Sven Fischer (ex Pyracanda) y Spiros Efthimiadis, hermano del baterista. Nacidos ambos en 1971, podrían otorgar a la banda (particularmente a Peavy) una infinidad de nuevos horizontes y expectativas. Los nuevos integrantes debutaron en el álbum Ten Years In Rage, el último trabajo con Noise Records. Si bien tiene nombre de disco compilatorio, califica como LP, pues contiene temas antiguos no lanzados anteriormente, más algunos nuevos, la versión ‘94 de “Prayers Of Steel” de Avenger y un excelente medley de temas clásicos llamado “The Blow In A Row”. No cabía duda de que era una buena producción, pero la sombra de Manni aún estaba demasiado presente.

Un año más tarde se lanza el single The Crawling Chaos, bocadillo previo al primer disco con la nueva alineación, el alucinante Black In Mind, ya bajo el alero de G.U.N. Records. Este material no pasó desapercibido para los fanáticos porque la tropa dirigida por Peavy seguía desplegando ferocidad. Un disco solidísimo con todas sus letras, muy variado, con un sonido por momentos más oscuro y sin perder esos matices thrasheros y agresivos que marcan el código genético de Rage. Pueden destacarse muchos temas: “Black In Mind”, “Sent By The Devil”, “Forever”, “Start!” y sobre todo la maravillosa balada “All This Time”, que cierra el disco.

Los cambios en la alineación trajeron un nuevo aire. De hecho Peavy comenzó a retomar su ancestral background de música clásica. Por azares del destino, con el álbum anterior conocieron justamente a Christian Wolff, un músico de estudio y arreglista que había orquestado un tema para Rage y gracias al cual la disquera había autorizado presupuesto extra para que pudieran grabar más temás así. De esa cuenta, en abril de 1996 se lanza Lingua Mortis: Rage and the Symphonic Orchestra of Prague, un trabajo que llamó rápidamente la atención por ser el primer álbum de una banda metalera de Alemania en grabar junto a una orquesta sinfónica. Contiene temas de Rage con arreglos orquestales, y ejecutados por la banda conjuntamente con la Orquesta Sinfónica de Praga, República Checa. Rage llevaría a cabo un par de shows orquestados en Austria y Alemania, lo cual causaría gran revuelo entre los fans. Fue algo totalmente innovador ya que ninguna banda del género lo había hecho antes, por tanto es un proyecto que manda a callar a quienes celebraban la originalidad de Metallica con su dudoso “S&M”.

Durante la gira promocional de Lingua Mortis, la reacción del público fue tan frenética en uno de sus recitales en Eindhoven, Holanda que tuvieron que tocar el set dos veces para satisfacer a los cautivados asistentes. Hubo también otros shows ofrecidos en Alemania junto a músicos de la Folkwang Musikschule. Pero fue hasta luego de algunos conciertos que encontraron la alineación perfecta de la orquesta. Y es que al principio los músicos eran de edad mayor y solamente se dedicaban a hacer su trabajo. Pero después lograron que la formación de la orquesta estuviera integrada por gente joven.

Pero en 1996 no sólo se lanzaría Lingua Mortis. La banda ya tenía preparado otro LP, y no sería cualquiera. End Of All Days, otra sensacional placa que muestra a una banda en plena madurez, con quizás menos agresividad que sus anteriores trabajos, pero con una mayor sensibilidad y un Peavy cantando como nunca. Rage alcanzaba un equilibrio asombroso con este disco de más de 70 minutos, en el que destacan “Under Control”, “End Of All Days”, “Higher Than The Sky” (uno de los mejores temas de Rage y preferido de Peavy Wagner) y la fantástica balada “Fading Hours”. Peavy en la entrevista nos comentó sobre esta última: “… una noche soñé, tanto con la música como con las letras. Aquél año, además me desperté, tomé mi guitarra y me puse a tocarla, tal como la recordaba de mi sueño. Fue un poco terrorífico: además de las melodías que escuchaba, me veía a mí mismo muerto, tumbado en un ataúd, y algunas fotos mías en una mesa que estaba al lado. Yo estaba dentro de las personas que estaban ahí para enterrarme, y trataba de decirles a todos que aún estaba vivo, pero nadie podía verme ni escucharme, tal como si yo fuera sólo un alma…”.

En 1997 la banda se toma otro pequeño “respiro” y publica el single Higher Than The Sky, que contiene el tema homónimo y covers de Jawbreaker de Judas Priest y The Trooper de Iron Maiden, entre otros; y un EP denominado Live From The Vault, que contiene fragmentos de un show en vivo en Alemania y que como curiosidad incluye un simpático cover de Motorbreath de Metallica.

El giro más orquestado de Rage comienza a tomar mayor forma en marzo de 1998 con la salida de XIII, que deja de lado la faceta más thrash y explora sonidos más hard rockeros, melódicos, oscuros, todos acompañados por momentos de sutiles elementos orquestados. Un disco incomprendido por muchos fans de la vieja escuela pero ensalzado por varios como una gran obra, que marca el inicio de otra era. XIII llegó al 21º lugar en los Media Control Charts alemanes, e incluye entre otros temas la mencionada “From The Cradle To The Grave”, “Days Of December”, “Turn The Page” y una sui generis versión de “Paint It Black” de los Rolling Stones.

Aquél año, además, se lanza el single In Vain y Noise Records saca un compilado de Rage llamado The Best Of The Noise Years, un grandes éxitos de la era Noise que culminó en 1994. Llegado 1999, la banda comenzaría a sufrir un nuevo quiebre. Los hermanos Efthimiadis y Sven Fischer deseaban abandonar la banda para dedicarse a otros proyectos musicales. Esto representó un período muy duro para Peavy, a quien dejaron con la mitad del álbum terminado y quien debió pagar las horas de estudio por su propia y única cuenta. Aun así, Rage alcanza a terminar de grabar otro disco, que ahonda más en la tendencia orquestada de XIII.

Ghosts, el nuevo larga duración, sale a la venta en octubre de 1999, consiguiendo críticas variadas y siendo calificado como otro de los discos “incomprendidos”. Peavy lo define como “… uno de nuestros álbumes orquestados. Creo que es un muy buen material, sólo desearía que hubiese tenido una producción más Heavy…”, y cuenta con cortes interesantes como “Beginning Of The End”, “Back In Time” o “Fear”. Tras la salida de Ghosts, los Efthimiadis y Fischer abandonan Rage para formar otro proyecto, pero no de metal sino literalmente pop, llamado Sub7even.

Pero todo fue para mejor. Peavy encontró inmediatamente a dos músicos realmente fantásticos para reformar a Rage. En un principio, Wagner contrató a Victor Smolski para que terminara la grabación de las guitarras pero, literalmente, salvó el álbum y se quedó en la banda. Victor Smolski, guitarrista (en realidad multi-instrumentista) nació el 2 de Enero de 1969 en Minsk, Bielorrusia. Hijo del profesor Dmitry Smolski (reputado compositor clásico ruso), Victor comienza a estudiar piano y cello a los seis años y posteriormente guitarra, alcanzando un nivel ptrofesional a los once años. A los 15 años toca con la banda local Pesniary, consiguiendo ventas de 10 millones de discos y girando por la -en ese entonces- Unión Soviética, durante nueve meses. En 1988 forma la banda Inspector, con lo cual viaja por primera vez a Alemania para hacer algunos shows, causando interés en compañías disqueras germanas, lo cual no fructificó debido a problemas con las visas. Tras lanzar en 1993 Russian Prayer con Inspector, Smolski decide permanecer en Alemania, uniéndose en 1995 a Mind Odyssey, banda germana de metal progresivo, con la cual lanza dos discos: “Nailed To The Shade” y “Signs”, en los cuales Smolski compuso la mayoría de las canciones y tocó las guitarras, cítara y teclados. Además, Smolski ha trabajado como productor de bandas como GB Arts o Delirious y para el vocalista norteamericano DC Cooper (Silent Force). Todo esto lo compatibiliza con una interesante actividad extraprogramática: corre en autos de carrera, con lo cual ha recorrido Europa y se ha desempeñado con éxito en connotados circuitos como Spa-Francochamps o Nürburgring. Se une a Rage (a Peavy Wagner, en todo caso) en junio de 1999.

Mike Terrana es un potentísimo baterista con una tremenda carrera. Nació en Nueva York, Estados Unidos y se trasladó a Los Angeles en 1987 en busca de mejores expectativas musicales, comenzando una productiva trayectoria que cuenta con participaciones en discos desde 1985 (junto a Hannover) hasta hoy en Rage, tocando, entre otros, junto a Tony Macalpine, Yngwie Malmsteen, John West, Artension, Axel Rudi Pell, Roland Grapow (con quien vino a Chile en 1999), Metalium, Squealer, Savage Circus, Masterplan y Tarja, entre otros.

Wagner, Smolski y Terrana cierran aquella cosmopolita alineación de Rage. Al ser dos músicos con una gran trayectoria, no se trataría de sólo un par de músicos de sesión para Peavy Wagner, sino que miembros de la banda cuyas opiniones valen lo mismo que la de Peavy. Así al menos éste nos confesaba en la entrevista: “… ambos son parte de Rage, tal como yo, con una voz que pesa tanto como la mía. Esa es la razón por la cual ellos tienen la misma importancia e influencia en lo que hacemos…”. Después de una exitosa presentación debut en el Festival de Wacken en 1999 y de algunos conciertos en Rusia el 2000 (junto al grupo Aria), el nuevo trío estaba preparado para lanzar su primer disco (el decimotercer LP).

En febrero de 2001 se lanza Welcome To The Other Side, sólido disco que marca el renacimiento de Rage como banda de metal, volviendo un poco a las raíces más metaleras, destacando Smolski individualmente (incluso tocando cítara) y contando con un sonido más convincente que el de sus anteriores placas, resaltando cortes como “The Mirror In Your Eyes”, “A Tribute To Dishonour” (que consta de cuarto partes) y “No Lies”. En abril del mismo año la banda sale de gira por Alemania y otros países europeos, terminando el tour con algunas fechas en Japón.

Tras esta gira, la banda se pondría en campaña para lanzar su décimocuarto LP. Así, el 21 de octubre de 2002 sale a la venta Unity, primer trabajo bajo SPV/Steamhammer. Unity es un sensacional disco que recoge lo mejor de Rage: la agresividad y garra, el virtuosismo de Smolski y la potencia de Terrana se unen para conformar un trabajo solidísimo, que cuenta por momentos con elementos progresivos que calzan perfecto en Rage. Peavy comenta: “… me encanta la música progresiva, al igual que Mike, así que pienso que todos queríamos que el disco apuntase hacia esa dirección. Quizás la palabra ‘progresivo’ produzca algún tipo de confusión, quizás la gente piense que queremos llegar a ser una banda del estilo de Dream Theater… me gustaría decir que nosotros tratamos de crear nuestras canciones tan ‘musicales’ como sea posible, con arreglos interesantes y un poco ‘inusuales’, pero siempre poderosas y agresivas…”. En Unity podemos encontrar notables y muy variados temas como el single “Down”, la sensacional “Set This World On Fire” o la impecable y sorprendente instrumental title track “Unity”.

Rage continúa con su frenético ritmo y el 27 de agosto de 2003 lanza Soundchaser. Con una carátula que hace pensar que no es más que una continuación de Unity, este trabajo no sólo pule lo ya pulido, sino que juega con conceptos que en discos anteriores se encontraban dispersos. No sólo conceptos relativos a las letras sino que el disco, más que un conjunto de temas, es una unidad compacta que adquiere mayores réditos si se escucha entero. Resaltan inmediatamente la intro “Orgy Of Destruction”, “War Of Worlds”, “Human Metal”, “Flesh And Blood” y la propia “Soundchaser”.

En 2004 la banda sufrió un grave percance: Victor Smolski contrajo una severa infección en un testículo, que se trató médicamente hasta conseguir estabilizarlo. Pero en medio de un show en Bolonia, Italia, el testículo simplemente “explotó”, debido a lo cual Smolski debió ser trasladado inmediatamente y de urgencia a un centro asistencial. El guitarrista pasó algunos días con riesgo vital pero afortunadamente se recuperó satisfactoriamente de tan aciago e inverosímil incidente.

Antes de la terrible situación vivida por Smolski, Rage ya había tomado la sabia decisión de lanzar un trabajo en vivo (con shows grabados en Alemania en enero) para celebrar nada menos que el vigésimo aniversario de la banda. Entonces lanzaron a nivel mundial From The Cradle To The Stage, que no sólo consiste en un disco doble en vivo, sino que ha salido en versión DVD, en un material indispensable para los fans de la banda e interesante para quienes no conocen demasiado de las virtudes de este trío de talentosos. Más de dos horas de material en vivo, además de entrevistas y bonus de aquellos que siempre agradan y entretienen a los fans. El tour realizado en 2004 garantizó la buena impresión de la audiencia hacia Rage.

La siguiente entrega del terceto fue Speak Of The Dead, la cual dieron conocer en 2006. Una pieza pesada y oscura que a la vez integra acertadas melodías, todo cargado de una obstinada precisión. Y es que es un disco interesante en el sentido de que los primeros ochos temas forman parte de la “Suite Lingua Mortis” que grabaron con la Orquesta Sinfónica de Minsk y fue escrita por Peavy y su virtuoso Smolski, en lo que fue el regreso de las orquestas a Rage. Un punto destacable de esa sección es que lograron que la orquesta realmente fuera parte del trabajo y no sólo música de relleno. Ahora bien, el segundo apartado es directo muy típico de Rage, la misma agresividad en los instrumentos y en la voz. Las opiniones en cuanto a Speak Of The Dead fueron dicotómicas. Hubo quienes pensaron que era una obra maestra, pero también hubo críticos que sugirieron que las dos partes que lo componían no encajaron del todo y que debieron haber sido lanzadas como dos álbumes distintos.

En diciembre de 2006 la banda anunció que, por motivos personales, se separaron de Mike Terrana y en enero de 2007 dieron la noticia que en su lugar entró André Hilgers. Pero mientras Rage estaba de gira, promocionando Speak Of The Dead por Europa y todavía con Mike en las baquetas, aprovecharon a grabar un concierto a lleno total que ofrecieron en San Petersburgo. Los imágenes y audio registrados en aquella ocasión fueron después editados y publicados como un DVD doble y un CD llamado Full Moon in St. Petersburg 2007. El DVD 1 contiene 27 ejecuciones que incluyen también video clips y performances en el Master of Rock Festival del año 2006. El DVD 2 es prácticamente un acopio de diferentes documentales de viajes por Europa, Rusia, el makin off de San Petersburgo, entre otras informaciones. Entre tanto, el CD recopila 17 temas y un bonustrack a menra de taller de guitarra dirigido por Victor.

Los primeros shows de André con Rage fueron con la “Lingua Mortis Orchestra” en Rusia, Ucrania, República Checa y también en el Wacken Open Air de Alemania en agosto de 2007, en el cual el número de asistentes ascendió a 100 mil. Esa presentación fue grabada y lanzada completa como un bonus DVD del trabajo de estudio del 2008, Carved In Stone. Éste álbum también contiene dos videos extra: “Lord Of The Flies” y “Open My Grave”. Carved In Stone pretendió desde el primer momento echar mano del sonido de sus raíces pero sin dejar a un lado la esencia aportada por Smolski. El resultado fue un disco contundente cuyo primer plano no era ya mostrar los tecnisismos de los que son capaces de ejecutar, sino más bien de demostrar la madurez musical que habían alcanzado, a través de un modo simple pero potente como lo demostrado en cortes como “Gentle Murders”, “Lord Of the Flies” y “Long Hard Road”.

En el 2009 Rage celebró sus 25 años en la arena de juego del Heavy-Power-Thrash Metal con una agenda repleta de conciertos. Además, sacaron el EP Never Give Up, cuyo nombre encajó a la perfección con lo que la historia de Rage representa. Este EP cuenta con seis temas principales (dos de ellos en lengua alemana: Gib “Dich nie auf” –Never Give Up- y “Vollmond” –Full Moon-) y dos bonus tracks, de los cuales “Never Give Up” ganó el tercer lugar en el concurso Bundesvision Song, que es una competición anual creada en 2005 por el músico y presentador de televisión Stefan Raab. La competencia consiste en que las estaciones de radio escogen una canción por cada uno de los 16 estados alemanes. Los temas son ejecutados en televisión para que la audiencia vote por teléfono o mensaje de texto y luego se escojan las canciones ganadoras.

El año pasado el trío lanzó el CD Strings To A Web, una producción que rápidamente tuvo éxito en el mercado y que, como era de esperarse, los envío de visita a Europa, Rusia y Japón. De los shows destaca el llevado a cabo junto a la “Orquesta Lingua Mortis” en el festival Rock Hard, en el anfiteatro de Gelsenkirchen. Strings To A Web fue grabado en el Twilight Hall Studio, bajo la minuciosa producción de Smolski y su compañero Charlie Bauerfeind y lanzado vía vía Nuclear Blast Records. Como todos trabajos, está repleto de composiciones de mucha fuerza, como “Empty Hollow”, “Strings To A Web”, “Fatal Grace” y “Connected”. En general, un disco directo combinado con orquestaciones que sin duda ya es uno de los favoritos de la discografía de Rage.

¿Alguna duda de que Rage es la banda más prolífica de Metal del mundo? Al parecer no. ¿Algún atisbo de parar con este frenético ritmo que los ha llevado a tener, como dijimos, 15 LPs, más EPs, material en vivo, etc, y más de 200 canciones? Como se ve, Rage (y sobre todo Peavy Wagner) ha malacostumbrado a sus fans con su increíblemente inagotable caudal creativo. Porque sería una gracia que incluso todos los temas fuesen iguales entre sí… ¡pero además no lo son! Sin embargo sería injusto circunscribir la importancia de Rage sólo a ser una banda muy productiva. Es una banda que ha encarnado durante toda su carrera un espíritu incombustible ante los problemas, combatidos con creatividad, agresividad y tenacidad. Y musicalmente ha mantenido un ADN musical durante todo este tiempo, matizándolo sí, es cierto, pero creando un sonido distintivo y característico.

El territorio alemán ha sido testigo de la majestuosidad creada por íconos de la música clásica como Bach, Beethoven y Wagner; también de grandes poetas, pintores, filósofos y científicos eminentes. No por casualidad es llamada “la tierra de poetas y pensadores” (Das Land der Dichter und Denker). Pero también es la nación en donde se originó Accept, uno de los patrimonios del Heavy Metal y una influencia predominante en la década de los 80’s. Un estilo vocal único y un sonido genuino que conquistó el mundo como un “murmullo que en el alma se eleva y va creciendo como volcán que sordo anuncia que va a arder”*.

La década de los setenta avanzaba frenéticamente: los nuevos movimientos musicales se desplazaban y transformaban los sonidos a su paso. El rock y el heavy metal se asomaban a pie juntillas ganando una creciente popularidad a medida que transcurría el tiempo y en Solingen, “la ciudad con alma de acero”, empezaba a germinar la semilla de Accept de la mano de Udo Dirkschneider.

La realidad es que la espina que dio origen a la banda que hoy referimos tuvo lugar en 1968 con Udo y el guitarra Michael Wagener, quienes crearon una agrupación llamada Band X. Junto a ellos integraban la alineación Jan Komet también guitarrista y el batero Birke Hoe. Por las filas de Band X también pasó el bajista Dieter Ruback y luego se unió Frank Friedrich. Fue en 1971 que adoptaron definitivamente la denominación “Accept” como su sello de reconocimiento. A partir del desarrollo del nombre, ofrecieron presentaciones ocasionales de tipo amateur en diversos lugares de su ciudad natal. La agrupación pasó por bastantes cambios en su formación antes de poder encontrar su esencia e identidad grupal. Por si fuera poco, las cosas avanzaban de forma lenta pese a que era notorio el espíritu lleno de aspiraciones.

Fue hasta 1976 cuando la vida les cambio de la noche a la mañana. Para entonces el conjunto estaba compuesta por Udo Dirkschneider en la voz, Wolf Hoffmann en la guitarra, Peter Baltes en el bajo, Frank Friedrich en la batería y Gerhard Wahl en la segunda guitarra. Recibieron una invitación para tocar en el festival germano Rock am Rhein en donde una inmensa marea de asistentes fue testigo del inicio en plena manifestación del estilo que Accept derrochaba y que, en definitiva, se encargaría de desarrollar en lares teutónicos. Un estilo que en aquella oportunidad asomaba sus garras bajo la sombra del anonimato.

En esa oportunidad los alemanes lograron captar la atención de una renombrada compañía disquera con la que meses más tarde, luego de firmar un contrato discográfico, se embarcaron en la grabación de su primera placa. Entonces se adentraron a explorar los rincones de la industria musical, ámbito que conocían someramente pero que iría formando parte inherente de sus vidas. El primer resultado del grupo fue conocido en 1979 y como en no raras ocasiones al tratarse del trabajo inicial, fue titulado Accept. En realidad, este trabajo estaba mal producido y las composiciones eran mezquinas por lo que aportó muy poco o casi nada a la banda. Tras este primer atropello, Friedrich y Wahl decidieron salirse, argumentando que no tenían las mismas ambiciones musicales que el resto de integrantes.

Las vacantes fueron ocupadas no mucho después por el guitarrista Jörg Fischer y el batero Stefan Kaufmann. Con estos nuevos elementos se encaminaron a grabar su próximo álbum que se conoció en 1980 como I’m a Rebel y para el cual contaron con Dirk Steffens como productor. Con este material la fama de la banda creció y capturó la vista de los medios de comunicación, siendo invitados así a sus primeros shows televisivos. También se las arreglaron para distribuirlo por los sellos Passport y Logo, de Estados Unidos e Inglaterra, respectivamente. I’m a Rebel continuaba en el camino de la búsqueda hacia su verdadero sonido. Otro dato interesante de este álbum es que el tema homónimo fue compuesto por Alex Young, el mayor de los hermanos guitarristas Angus y Malcolm Young de AC/DC. Según Hoffmann, lo anterior se debió a que luego del primer larga-duración les sugirieron incluir un tema que pegara en las radios y Young se los ofreció.

La agresiva voz de Udo junto a la ferocidad desplegada por las guitarras y la batería eran los cimientos de un nuevo estilo musical que empezaba a identificarlos bajo la expresión británica “heavy metal”. Ya para 1981 preparan su primer compilatorio titulado Metal Masters, compuesto por quince de sus temas y haciendo un total de 58 minutos de metal.  En ese año también sale su tercer lanzamiento, Breaker, con el apoyo en producción de Michael Wagener. “Son of a Bitch” fue el track que más se popularizó y dotó al grupo de mayor celebridad. Además, Udo ofrecía un sello distintivo: una voz de sonido penetrante combinado con cierta aspereza o carraspera. Aunque éste era un trabajo contundente aún le faltaba esa pizca de condimento tan necesario para optimizar el momento de su germinación.

Durante ese periodo también firmaron con Portrait, una subsidiario de la mundialmente reconocida CBS Records. Sumado a eso, consiguieron la gestión profesional de Gaby Hauke, quien bajo el pseudónimo de Deaffy ayudaría a la banda a escribir la mayor parte de las letras. Otro evento relevante se sumó a la trayectoria de 1981. Y es que Accept autofinanció su propia gira como soporte de Judas Priest,  una oportunidad que no podían darse el lujo de perder para ganar más terreno europeo. Casi sin ningún tipo de promoción por parte de la disquera, los alemanes lograron generar buenas críticas. Pero la aventura no fue fácil. En varias presentaciones fueron listados como “Attack” en vez Accept y hubo choques de personalidad entre los integrantes que condujeron a la salida de Fischer al término del viaje.

PRIMIGENIO DEL SPEED METAL

Antes de dar inicio al registro de su siguiente placa, entra Jan Koemmet en reemplazo de Fischer pero su estadía en Accept no duró mucho tiempo. De hecho, las grabaciones fueron producto de Hoffmann en su totalidad. Tras el desencantó de Koemmet, se unió Herman Frank, justo cuando se estaba definiendo la salida de la nueva pieza, por lo que todavía alcanzó a aparecer en los créditos -aún cuando no participó en la grabación-. Era 1982 cuando el compilado de 18 temas, Restless The Best, hizo su aparición en el mercado musical y más tarde, ese mismo año, dejó el camino para Restless and Wild, considerada una de las entregas top del Heavy Metal. Este álbum fue la piedra angular de la esencia de su sonido revolucionario finalmente decubierto, que abasteció de notoriedad a Accept y les abrió paso al verdadero estrellato. De los temas de Restless and Wild destacan “Princess of the Dawn”, “Neon Nights”, la propia “Restless and Wild”, “Demon’s Night” y, por supuesto, “Fast as a Shark”, que para muchas personas es el primigenio del speed metal por el uso del doble bombo. Un tour mundial fue el siguiente paso.

El culmen del quinteto alemán se manifestó con el resultado de su quinta entrada al estudio. En diciembre de 1983 Balls to the Wall afianzó el éxito de la agrupación, aunque con un tinte un poco más orientado a lo comercial, dependiendo de la lupa con que se vea. Asimismo, fue el primer álbum en el que aparecía Deaffy como co-autora de las letras, pero para ese entonces nadie imaginaba que se trataba de Gaby Hauke, la manager y ahora esposa de Hoffmann. Política, sexualidad y relaciones humanas son temáticas que salieron a relucir en este material y que, en alguna medida, los llevaron a figurar en titulares de revistas americanas por ser controversiales. Este trabajo destilaba fuerza y agresividad unido a un tono provocativo. Cortes como “Head Over Heels”, “Balls to the Wall”, “Losers and Winners”, “Love Child”, “Turn me On” y “Guardian of the Night” daban cátedra de lo que debía conocerse como un buen Heavy Metal.

En 1983 también hubo otros dos lanzamientos. Se trata de dos compendios: Besto Of y Midnight Highway. Por otro lado, durante un concierto realizado en Solingen, la banda se encontró con Jörg Fischer por casualidad y por insistencia de Gaby le pidieron que se uniera de nuevo al conjunto. Tras esto, emprendieron un viaje de un año cargado de shows en diversas partes del globo, como Japón, Estados Unidos –junto a Motley Crue, Kiss y Ozzy Ozbourne- y de hecho,  una histórica presentación en el festival Monsters of Rock en Inglaterra.

El quinto larga duración fue Metal Heart, producido por Dieter Dierks –de reconocida trayectoria por su trabajo con Scorpions- y publicado en 1985. De acuerdo con Hoffmann, el concepto del álbum radica en la idea de un corazón artificial y de un día en el que todo el mundo tendría un corazón computarizado. Desde aquellos tiempos se planteaba la manera en la que la humanidad perdía oportunidades frente a las máquinas. Cabe señalar que el corte Metal Heart fue bastante aclamado por contener alusiones a las piezas clásicas Para Elisa de Beethoven y la Marcha Eslava de Tchaikovsky.

Con características más comerciales y más melodías, Metal Heart conquistó terrenos gringos, en donde emprendieron una exitosa gira. El tour se extendió en Japón, cuyos recitales se grabaron y para el álbum en directo llamado Kaizoku-Ban que lanzaron también en 1985. Un año más tarde emerge su séptimo lanzamiento con el nombre Russian Roulette que, contrario a los dos anteriores, fue un decaído intento de regresar a su estilo más agresivo. Lo que siguió fue un periplo mundial que incluyó fechas en Inglaterra con Dokken como teloneros y en Alemania con UFO como banda soporte.

LA SALIDA DE UDO

Tras el intenso tour por Europa, los teutones anunciaron que se tomarían un receso para que Udo pudiera trabajar en su proyecto solista. Esto suponía algo que estaba más allá de un simple receso. Mucho antes se rumoreó que la agrupación daba señales de la tensión que existía tras bambalinas y, al parecer, era el momento en el que todo estaba explotando. Una de las hipótesis que corrieron como agua que lleva el río fue que Dirkschneider no estaba conforme con la orientación comercial en la que se estaba inclinando Accept.

En una entrevista, Wolf comentó que tras la inconformidad de Udo, Gaby dispuso arreglar una banda para él como solista teniendo el consentimiento de todos los involucrados en la decisión: el resto de la banda, la casa disquera, entre otros. Así, Hoffmann asegura que el trato que hicieron fue que escribirían un disco para Udo para que pudiera dar inicio a su carrera y los demás continuarían con un nuevo vocalista en Accept. Fue entonces cuando el conjunto compuso un álbum entero que salió a luz como Animal House de U.D.O. Se cree que muchas de las canciones del  debut de U.D.O. fueron aquellas descartadas para el Russian Roulette por ser “muy pesadas”. Ante todo esto surgía una gran interrogante: qué haría Accept sin la persona que hasta el momento había sido su figura peculiar, aquel hombre de estatura baja y vestido con ropa de tipo militar….

Por su parte, Accept anunció como nuevo vocalista a Rob Armitage (ex Baby Tuckoo) pero tanto las y los fans como la prensa empezaron a cuestionar sobre su capacidad para adaptarse a la música del grupo. Antes de que se pudiera haber demostrado o no tal habilidad, dieron el aviso de que Armitage ya no estaría más en el proyecto. Sin embargo, no mucho después encontraron a David Reece (ex Dare Force) con quien se aventuraron en la creación de la octava placa. Eat The Heat se exhibe en 1989, con una reformada alineación que, además de Reece, contaba con el americano Jim Stacey en la segunda guitarra debido a que Jörg Fischer optó por separarse otra vez.

Las cosas marchaban bien para los germanos, quienes iniciaron un recorrido en Estados Unidos en alianza con W.A.S.P. Pero había una mancha en lienzo de su panorama: la venta de su álbum era complicada sin Udo al frente. Además, otra dificultad se presentó en el camino ya que la gira fue paralizada cuando Stefan Kaufmann sufrió una seria lesión de espalda. A partir de ese incidente, el baterista Ken Mary continuó el tour. Todo lo sucedido llevo a Hoffmann, Baltes y Gaby a determinar que Reece no era un aporte estable y que, de cualquier forma, Kaufmann necesitaba tomar un descanso. Accept detuvo su rumbo.  Era el final y no había marcha atrás.

Corría 1990 cuando el mundo del metal vio un chispazo con la salida del directo Staying a Life. Este rememoraba la época dorada de Accept con su alineación original, en un show realizado en Osaka, Japón en 1985. Si bien la venta de este material era una evidencia del interés que Accept todavía despertaba, era solo una falsa ilusión: en los tres años siguientes Accept se hundió en el silencio.

EL REENCUENTRO

Una visita en Alemania fue clave para el resurgimiento de Accept. Udo se reunió con sus ex compañeros de fórmula y luego de algunas pláticas resolvieron que se reunirían. Dirkschneider, Hoffmann, Baltes y Kaufmann estaban dispuestos a retomar las riendas. Tras esta decisión dieron vida a Objection Overruled, lanzado en 1993. El álbum era un éxito, era el disco de regreso y en Europa tuvo una buena acogida, aunque en Estados Unidos las ventas encontraron un mercado un tanto hostil a causa de movimiento de rock alternativo que estaba acaparando las masas. Pero el ahora cuarteto no se rendía ni bajaba los ánimos y emprendieron una travesía por Japón, Rusia, Bulgaria, Europa, Sudamérica y pese a las malas ventas, también visitaron Estados Unidos.

En 1994 dieron otra muestra de lo que aún tenían para dar y entonces sacan Death Row. De esta entrega se puede destacar que no trascendió demasiado, quizá porque para muchas personas Accept había cedido al movimiento Grunge que imperaba en esa década. Aún con un contexto poco alentador dispusieron realizar la gira correspondiente. Lamentablemente, Kaufmann se vio imposibilitado para tocar en la gira promocional de Death Row a razón de su espasmo lumbar, por lo que en su lugar debió estar Stefan Schwarzmann como reemplazo temporal.

El contexto daba a entender que otra pausa sería el siguiente anuncio de Accept. Pero no fue así. El grupo sostuvo varias sesiones de grabación en Estados Unidos hasta que en 1996 dieron a conocer Predator. El nombre del nuevo trabajo puso los puntos sobre las íes: Accept demostraba ser un depredador que se aferraba fervientemente a sus fans. En Predator las baquetas estuvieron a cargo de Michael Cartellone (Damn Yankee’s) y otro hecho sorpresivo fue que Peter tomó el control de la voz en algunas pistas.

Durante el “Predator Tour” se hizo evidente que las relaciones entre los integrantes no estaban en su mejor momento. A pesar del gran esfuerzo de todos por redirigir la embarcación hacia un nuevo puerto, la marea de inconsistencias fue más fuerte que su deseo. Los últimos conciertos del tan proclamado y ahora fallido reencuentro tuvieron lugar en Norte y Sudamérica, Europa y Asia. El último concierto de esta etapa fue en Tokyo en un recinto que se llenó en su totalidad.

LA PAUSA Y LA REUNIÓN EN VIVO

Entre 1997 a 2005, el lienzo en el que se pinta la historia de Accept se quedó incompleto. Cada integrante se zambulló entre las actividades que mejor hacía en solitario. Pero aún desde lejos la bandera de la banda se mantenía en el aire, izada, y no sólo porque en 1997 sacan un disco doble  en vivo, All Areas- Worldwide, que da cuenta de las giras de Objection Overruled y Death Row; también porque de alguna manera fueron los albañiles que construyeron un nuevo rumbo para el metal. Tanto así que en 1998 los black metaleros de Dimmu Borgir les rindieron homenaje al incluir una versión de “Metal Heart” en su álbum Godless Savage Garden. Además, el sello Nuclear Blast lanza en agosto de ese año un material de tributo a Accept que incluye la participación de Hammerfall, Axxis, Grave Digger, Primal Fear, Therion, Sinner y Sodom, entre otros.

Tal vez a manera de no dejar morir el recuerdo, en 1998 exhiben el EP Breakers on State, con cuatro temas ya conocidos. Luego lanzan el All Areas – Worldwide en U.S.A. y Japón pero bajo el título The Final Chapter. En  el 2000 vendieron la compilación Bestseller, el split Take 2: Accept & Quiet Riot y otro compendio llamado Classics, Rocks ‘N’ Balladas (Hot and Slow). Ya en el 2002 lanzan el EP Rich & Famous, cuyo tema homónimo es el bonus track que Objection Overruled destinó para Japón, y contiene una versión acústica de “Writing on the Wall” y una versión demo de “Breaker”.

Además, Accept publica su primer DVD al cual nombraron Metal Blast from the Past. Éste DVD ofrece material audiovisual de su concierto en Osaka, Japón en 1985, también un set de tres cortes interpretados en Bulgaria en 1993, siete video clips, tomas “detrás del escenario”, galería de fotos, biografía, discografía y letras de canciones. Una de las particularidades de Metal Blast form the Past es que es un disco dual, por lo también funciona como un CD de nueve cortes inéditos provenientes del álbum Breaker, una versión acústica y otras cosas.

El 2004 trajo nuevas y buenas noticias pues se confirmó que la alineación original de Accept se reuniría para participar en los festivales europeos del verano. De esa cuenta, realizaron una ráfaga de actos en Rusia, se presentaron en el “Sweden Rock” en Sölversborg, en el evento italiano “Gods of Metal”, en el festival “Tuska” de Finlandia y otras fechas en Japón. El último show de esta serie fue llevado a cabo en agosto de 2005 en Kavarna, Bulgaria, específicamente en el “Kaliakra Rock Fest”. Durante esa temporada también entregan otro disco de éxitos, esta vez titulado Sharkbite – Best Of. Luego vino un alto en la travesía, esta vez porque Udo debía continuar con sus obligaciones de su banda.

REGRESO TEUTÓNICO

El paréntesis de Accept se extendió hasta entrado el 2007. En mayo de ese lapso se rumoreaba otra posible junta de Accept para componer y grabar una nueva placa. Sin embargo, Udo manifestó de forma tajante en una entrevista realizada por el e-zine Lords of Metal, que “eso sería un problema” y señaló: “entiendo que la gente quiere un nuevo álbum de Accept, pero componer canciones juntos sería un desastre. De esa manera destruiríamos en vez de crear algo.  Tenemos una buena relación y es mejor mantenerlo así”. En ese sentido, quedaba más que claro que Dirkschneider declaraba oficialmente que no participaría en un posible reencuentro.

Las esperanzas de un nuevo disco parecían desvanecerse hasta que a finales de mayo de 2009, Peter Baltes dijo que había pasado un fin de semana junto a su compañero de las seis cuerdas, Wolf Hoffmann. El éxito de los recitales del 2005 les había dejado la espinita de que podían seguir, de que un nuevo álbum podría nacer para hacer brillar el nombre de Accept otra vez. Sin duda, querían que el corazón de metal latiera de nuevo.

Entonces, casi por casualidad,  mientras Peter y Wolf trabajaban en un estudio de Nueva Jersey alguien les sugirió que se comunicaran con Mark Tornillo para reclutarlo en la voz. Con el deseo de encontrar un vocalista que se adaptara al estilo de Accept, sin parecer un clon del sonido de Udo, deciden llamar a Mark y probar suerte. Tornillo tocaba en TT Quick, una “club band” popular en los ochenta en el área de Nueva York y Nueva Jersey. Era conocida principalmente por la voz de Mark y por el buen trabajo en guitarra de David Dipietro. Cuando Tornillo se apersonó para una sesión informal de jamming con Accept la pasaron muy bien. Tan pronto como empezó dar sus primeras tonadas, Mark impresionó al resto del grupo y rápidamente pensaron que podría ser la nueva voz de Accept.

La noticia de un impetuoso regreso de Accept dio la vuelta al mundo. El 2009 explotó no sólo con el aviso de un nuevo frontman, sino también por la salida de un nuevo larga duración que tan esperado había sido por las y los fans más tenaces del conjunto originado en Alemania. Así, en noviembre de ese año entran al estudio Backstage en Derbyshire, Inglaterra con el apoyo del productor y guitarrista Andy Sneap para dar el banderazo a la grabación del nuevo trabajo.

El 2010 arranca con la puesta en el mercado de la recopilación The Accept Collection. Luego se da un salto cualitativo con el EP The Abyss, con dos pistas desconocidas hasta entonces y el primero desde hacía mucho tiempo en ofrecer nuevas composiciones. Así mismo, dieron a conocer que firmaron un contrato con Nuclear Blast Records, así que el nuevo trabajo venía con nuevo sello, el debut de Mark Tornillo y el regreso de Herman Frank en la segunda guitarra. Gaby Hoffmann y Deville Schober, managers de Accept, declararon que apreciaban mucho la cooperación de Nuclear Blast porque Accept finalmente había encontrado un poderoso compañero con el cual podían crear un gran impacto internacional.

Por su parte, Tornillo expresó “no trataré de llenar los zapatos de Udo Dirkschneider. Soy diferente. Lo que haré es ser yo mismo. Aunque cuando interpretemos los temas clásicos trataré de serle fiel al original porque los fan se lo merecen”. Su debut en directo fue el ocho de mayo de 2010 en un concierto totalmente vendido en el Gramercy Theatre ubicado en la Gran Manzana, ante un público de cientos de interesados que se deleitó con clásicos y algunos temas del nuevo material. Algunos días más tarde estrenaron su video “Teutonic Terror” que escaló a la posición cinco de las carteleras mundiales de videos de todos los géneros musicales de MySpace. También se coronó primero en la cartelera de videos de metal de la misma red social.

Después de catorce años sin un auténtico lanzamiento –desde el Predator en 1996-, en agosto de 2010 Blood of the Nations hace su entrada con todos los astros alineados, siendo calificado mundialmente como el mejor disco del año en la categoría de metal y hard rock. Un inmenso tour le siguió a este lanzamiento y en ochenta días la agrupación se presentó ante casi 450,000 seguidores y seguidoras. A finales de octubre del año pasado estuvieron en el festival nipón Loudpark junto artistas de la talla de Ozzy, Motörhead y Stone Sour. Indiscutiblemente, Blood of the Nations vino a reforzar el tan esperado regreso a los escenarios de la leyenda teutónica.

Ya sabíamos que el 2011 sería un año fulminante pero la dinamita sigue con la primera visita de Accept a Chile. Un show que promete descargar una gran dosis de adrenalina y más aún al saber que están emocionados porque, según Hoffmann, siempre han escuchado “cosas grandiosas de Sudamérica”. El comando de Blood of the Nations le ganó la batalla al esceptisismo y los chilenos debemos recibirlo con los honores que se merece este 13 de mayo en el Club Kadilac.

*Cita de G. A. Becquer

Si existiera la aristocracia del Power Metal, Stratovarius formaría parte de ella, pues sus coros potentes, melodías y arreglos sinfónicos serían parte del número reducido de aquello “mejor calificado”. Sin caer en hipérbole de ninguna clase, las composiciones de estos finlandeses se han plantado como un objeto de arte -si no perfecto- muy bien pulido.

Existen dos hechos principales que se deben resaltar de esta banda: el primero que es una de las precursoras del sonido que nos convoca, hasta el día de hoy, en PowerMetal.cl y, el segundo, que durante la sombría década de los noventa, mantuvo izada la bandera del True Metal, en la cual nuestra música sufrió su más ardua prueba de supervivencia. Además, Stratovarius fungió como agrupación pionera que luego abrió la brecha para que otros grupos de Finlandia ingresaran a la escena metalera.

CON TOLKKI EN LA VOZ…

Corría 1984 cuando en Finlandia se fundaba un grupo de nombre Black Water aunque, curiosamente, ninguno de los miembros actuales estuvieron en aquella banda, la cual sería solamente la primera piedra de un megaproyecto que aún no tenía las piezas claves para su evolución. Así, Black Water pasó por una serie de cambios de integrantes, de estilo e incluso de nombres hasta que finalmente encontraron su propia voz. Los guerreros finlandeses que dieron origen a la historia que a continuación relatamos fueron Tuomo Lassila, Staffan Stråhlman y John Vihervä. Poco después de los primeros ensayos un cambio determinante marcó la entonces entusiasta pero poco definida agrupación, ya que en el bajo quedaba una vacante y el nuevo bajista que llegaba, Jyrki Lentonen, había sido compañero del guitarrista Timo Tolkki en Road Block.

Con esto, se comenzaba a concatenar la cadena de la historia y ya al poco tiempo Staffan optó por separarse de Black Water, por lo que Tuomo Lassila decidió invitar a Timo Tolkki para integrarse y la respuesta afirmativa no se hizo esperar. Tolkki nació en Finlandia el tres de marzo de 1966. A sus cortos siete años empezó a tocar guitarra, tiempo en el que sus influencias eran ABBA, The Beatles y The Shadows. Era tal su afición, que practicaba ocho horas diarias. Su disciplina lo hizo progresar rápidamente y no mucho después se interesó por la guitarra eléctrica, siendo “Smoke on The Water” uno de sus “crushes” musicales. Antes había tocado en Antidote, Thunder y la mencionada Road Block.

Al principio de su carrera con Stratovarius, Tolkki entró como vocalista/guitarrista rítmico y, además, su llegada estremeció a la banda desde el primer momento, orientándola hacia un nuevo rumbo, hacia el naciente Melodic Metal.

Para 1985 el nombre del grupo ya había cambiado. Éste se le había ocurrido a Tuomo al combinar dos conceptos: las guitarras Stratocaster y los violines Stradivarius, con los cuales surgió Stratovarius. Por otro lado, Timo se convirtió en el motor y cerebro de la banda e incorporó sus influencias de rock combinadas con un tinte neo-clásico.

El primer demo de Stratovarius fue producido en 1987 con fines de conseguir una compañía que se interesara en ellos. Llevaba de título Future Shock y contenía dos temas: “Future Shock” y “Witch-Hunt”. El material logró su misión al ser acogido por CBS Finland. Dos años más tarde el mundo vio nacer el debut Fright Night, el cual promocionaron con una pequeña gira en Europa.

Se podría decir que no hubo pleno éxito pero tampoco fue un fracaso; aunque, desafortunadamente, les valió ser despedidos de CBS. Luego el grupo pasó por una serie de cambios en su alineación y los integrantes se las arreglaron para editar un segundo álbum con otro sello. Así, tras afrontar algunos problemas, en 1992 sale a la luz Twilight Time, material que conquistaba Europa y Japón y daba señales de que iban por el camino correcto. Inicialmente, Twilight Time había sido lanzado un año atrás bajo el nombre II, pero de éste solamente se produjo un lote de mil copias en vinilo y posteriormente fue sacado con el título que se le conoce.

Al año siguiente, otro hito importante acontece con la llegada de Jari Kainulainen a la banda. Jari entra en reemplazo de Jari Behm, quien había sustituido, en su momento, a Jyrki Lentonen. En su llegada, el grupo ya estaba adentrado en el proceso de grabación de su tercera placa, por lo que solamente se hizo cargo de una parte de las canciones porque Tolkki ya tenía listo el resto. Dreamspace salió en 1994, estrenando a Kainulainen como bajista y siendo el último en tener a Timo como vocalista, ya que habían decidió buscar una voz que se ajustara mejor a las nuevas ideas musicales y que permitiera a Tolkki concentrarse más en su instrumento y en las composiciones.

TEMPORADA DE CAMBIOS: EPISODIO HACIA LA ETERNIDAD

Después de echar un vistazo a un aviso publicado en las calles de la fría capital finlandesa, un ambicioso vocalista joven llamado Timo Kotipelto decide hacer una llamada a Tolkki para acordar una audición. Kotipelto había realizado sus estudios vocales en el conservatorio de jazz y pop de Helsinki y por algún tiempo cantó con Filthy Asses, una banda amateur de covers. Su entrada a Stratovarius corresponde con el período en el que el conjunto empieza a afianzar un significativo nivel de fama internacional.

Con el nuevo cantante, la banda dispuso la creación de su cuarta placa, pero también adentrarse en una nueva dimensión. En ese sentido, Fourth Dimension apareció en marzo de 1995 y se convirtió en un verdadero éxito. Este material fue el último en el que se escucharon los coros a cargo de Tokki, quien después dejó completamente de lado el micrófono para dedicarse de lleno a las seis cuerdas. Entre otras cosas, Fourth Dimension se alejó un tanto de los primeros lanzamientos, dando lugar a que el grupo adoptara una forma más orientada al estilo neo-clásico y sinfónico que posteriormente sería uno de sus diferenciales más importantes.

Es por eso que ese es considerado el material que da las primeras señales de la nueva dirección hacia la cual se estaban dirigiendo. Ejemplo de ello son los temas: “Twilight Symphony” -en el cual una orquesta participó por primera vez en sus grabaciones-; “Stratovarius”, “Lord Of The Wasteland” y “Distant Skies”. Pero también hubo temas como “Winter” y “Galaxies” que aún daban cuenta de sus trabajos pasados. Así el primer álbum con Kotipelto a cargo de la voz se volvió muy popular en la escena heavymetalera de Europa y dando lugar a que empezara una larga carrera al frente de la banda.

Aunque Fourth Dimension fue un éxito palpable, ya comenzaban a mermar en el ánimo de la banda las profundas diferencias entre Timo Tolkki y Tuomo Lassila, las que se arrastraban de hacía mucho tiempo, particularmente con relación a dirección musical. Al final, la decisión fue dura pero necesaria para poder continuar, así que el último fundador vigente se despidió: Tuomo Lassila, miembro original Black Water partió y junto a él salió también quien hacía las veces de tecladista, Antti Ikonen.

Lassila e Ikonen dejaron a Stratovarius la tarea de encontrar a quienes ocuparían sus lugares. Entonces aparecen dos músicos, uno sueco y otro alemán, que llenarían dichas vacantes. El reemplazo de Lassila fue Jörg Michael, de reconocidísimos actos teutones como Rage, Grave Digger y Running Wild, por lo que no existía ninguna objeción para no reclutarlo.

Por otro lado, Tolkki pensaba en un tecladista que permitiera crear las atmósferas más melódicas que deseaba, características que encontraron totalmente en el pianista de jazz, Jens Johansson, hermano del baterista Anders. Jens daba la talla requerida por Stratovarius y su estilo mostraba influencias de rock clásico, específicamente de tecladistas como Don Airey, Eddie Jobson y Jon Lord. Su experiencia versaba en distintas agrupaciones que iban desde jazz fusion con Slem hasta el metal de Silver Mountain. Quizá los factores más llamativos de su trayectoria eran el haber sido integrante de Rising Force, la banda del afamado guitarrista Yngwie Malmsteen desde 1983 hasta 1989; de Dio desde 1989 a 1990, entre otros proyectos de buen reconocimiento.

De esa forma aparece Mr. Jens Johansson en escena, dando como resultado una pieza magistral en la historia del Metal: Episode, con temas que definitivamente marcaron el estilo de Stratovarius como “Father Time“, “Tomorrow” y “Forever“. Episode evidenciaba que habían logrado encontrar su sonido enfocado en un estilo sinfónico, además, era un gran proyecto que desplegaba la participación de un gran coro y de una orquesta de cuerdas en temas como “Season of Change” y “Forever” y del cual se desprenden algunos de los grandes éxitos de Stratovarius como “Father Time”, “Speed Of Light” y “Will The Sun Rise?”.

FIN DE SIGLO: EL PINÁCULO DE STRATO

En 1997 dan a conocer su sexto trabajo titulado Visions, el cual marca la pauta del Power Metal en Europa, Japón y Sudamérica, región que empieza a conocer bien a Stratovarius. De aquel notable disco sobresalen “The Kiss Of Judas”, “Black Diamond” y “Visions (Southern Cross)”, una canción de corte épico de diez minutos de duración y, hasta ese entonces, la más larga de Stratovarius. De la gira promocional de Visions por Europa –puntualmente de sus conciertos en Italia y Grecia- extrajeron grabaciones para Visions Of Europe, el conocido CD en vivo que fue lanzado al año siguiente. Otro material que sacaron en 1997 fue la primera compilación de la banda, The Past and Now, cuyo contenido contaba con doce pistas dentro de las cuales se encuentra “Fire Dance Suite”, que originalmente había sido compuesta para Stratovarius en 1986 pero al final fue incluida en el álbum solista de Timo Tolkki llamado Classical Variations and Themes, aparecido en 1994.

El ‘98 veía una banda con mayor solidez que podía producir álbumes mucho más elaborados y profundos en contenido. En ese sentido, Destiny fue el resultado de este momento y su esplendor fue reflejado al alcanzar la posición número uno de las carteleras finlandesas. Este disco cobijó el temazo “S.O.S.” que es una excelente forma de explicar qué significa el Power Metal: “Why don’t we see what is going on? There are so many years to be wasted, until the damage is done and the beauty is gone… save our souls”. Otras piezas de gran impacto fueron “Rebel” y la homónima “Destiny”, la segunda composición más larga de Stratovarius. Como complemento innato, el tour correspondiente fue realmente mundial. De hecho, esa gira los trajo a Chile por primera vez el 17 de marzo de 1999 para ofrecer un concierto en el teatro Monumental, con un sonido de alto nivel. Asimismo, había llegado la hora del respectivo álbum recopilatorio al que nombraron The Chosen Ones y contenía 16 selecciones. Éste compendio fue el último que hicieron de la mano de la casa Noise Records.

Para el cambio de milenio la banda tenía preparada una gran sorpresa: el larga duración llamado Infinite, con un estilo musical muy similar al de los anteriores pero con una temática más contemporánea y directa. Al igual que Destiny, la octava placa tuvo gran aceptación, alborotando los carteles de Finlandia y estrenando nuevo sello discográfico, Nuclear Blast. Entre los grandes temas acuñados por Infinite estaban “Hunting High And Low”, “A Million Light Years Away” e “Infinity”, este último, que continuaba la tendencia de incluir piezas de larga duración.

Antes del lanzamiento de Infinite, surgió una serie de rumores que señalaba que la banda tenía conflictos internos. Pese a lo anterior, Stratovarius inició el “Infinite Tour”, el cual fue aún más extenso que su predecesor, elemento que certificaba que el acto estaba en su época de oro. Y es que cada vez se hacía más fuerte su red de fans fuera de la región de los países nórdicos, propiamente en Japón. Valiéndose de su progresiva fama en el territorio nipón, lanzaron solamente allí el compilatorio 14 Diamonds en septiembre de 2000. Ese año la banda nos visitó nuevamente y realizaron dos conciertos en Santiago: el primero se llevó a cabo el domingo 22 de octubre en el Estadio Chile y el segundo el martes 24 de octubre en la Laberinto. En este último, Kotipelto se encontraba enfermo de la garganta, pero eso no fue motivo para demostrar una gran entrega. Además, en esa ocasión ejecutaron temas que no interpretaban normalmente en directo, como “Hold On To Your Dream”, “Distant Skies”, entre otros.

Al año siguiente dieron a conocer Intermission, una recopilación de “lados B”, bonus tracks, covers –de Rainbow y Judas Priest-, material inédito, etc. No mucho tiempo después, la banda anunció que se tomaría un descanso de aproximadamente un año de su labor de componer nuevo material. Aunque para algunos no fue un receso en el pleno sentido de la palabra. Tolkki aprovechó de lanzar su segundo álbum solista, Hymn to Life, y ejecutar su aparición como invitado en The Metal Opera de Avantasia. De igual forma, Kotipelto inició su propio proyecto con la salida de Waiting For The Dawn en el año 2002.

ENTRE SUPERPRODUCCIONES

Ya para el 2003, Stratovarius arranca los preparativos para el lanzamiento de su novena placa, pues el proceso de post producción ya estaba culminado. La idea inicial era editar de manera doble, sin embargo, en primera instancia lanzaron el Elements, Pt. 1, el 27 de enero de 2003. Tras el receso que se había tomado el grupo, era obvio que las expectativas eran altas, sobretodo si se toma en cuenta que Stratovarius ya estaba rayando en ofrecer entregas con contenido muy similar y que, por tanto, la pausa les serviría para renovar ideas. En fin, Elements Pt. 1 significó para algunas personas el máximo alcance del estilo sinfónico y “progresivo” del Power Metal, mientras que para otras fue más simplemente un disco muy bien hecho. Cabe resaltar que este CD presentaba “Elements”, la pieza más larga que Stratovarius hubiera compuesto hasta ese entonces, con doce minutos.

Con motivo de promocionar este trabajo, Stratovarius visitó Chile por tercera vez. El recital tuvo lugar el 17 de agosto de 2003 en el Gimnasio Municipal de San Miguel y fueron teloneados por los nacionales de Alquimia y Magnalucius. La producción de este evento contaba con un buen manejo de luces robotizadas y una pantalla en la que se desplegaban imágenes de apoyo. Desde el inicio encendieron el fuego de los asistentes, no obstante las evidentes fallas de sonido. Entre el repertorio de aquella noche estuvieron -por mencionar algunas- “Eagleheart”, “The Kiss Of Judas”, “Against The Wind”, la balada “Forever”, “Coming Home” y “Destiny”, “Black Diamond”, “Hunting High And Low”, etc. Una de las cosas que llamó la atención de ese show fue que Tolkki se mostró un tanto distante con la audiencia y se mantuvo muy estático en su lado del escenario, en tanto que Kotipelto y Johansson fueron el foco de esa noche. En general, fue un buen show de donde el público salió feliz a pesar del problemático manejo de consola.

Lo que estaba detrás de esa apatía de Tolkki iba más allá de lo que uno se podía imaginar. Los problemas de la banda eran algo que con frecuencia rondaban las páginas de noticias pero realmente esa noche puso de manifiesto que el mainman ya no se sentía a gusto. “Pienso que ya era bastante evidente que no todo estaba OK. O sea, ya había una mala energía allí y traté de lidiar con ella como un profesional, pues no deseas mostrarle tales cosas a la gente que compra su entrada y llega a ver el espectáculo. Somos humanos y si estás en un matrimonio largo, a veces te separas, y el proceso del divorcio toma harto tiempo, no sale así nomás”, explicó años después en una entrevista para un medio chileno.

El cuatro de noviembre de ese mismo año aparece Elements Pt. 2. Este álbum tenía la presión de superar su malogrado predecesor, por lo que generó una gama de críticas diversas. Si bien hubo algunos altibajos en estos “elementos”, era cierto que Stratovarius estaba experimentando sonidos y aunque estos trabajos fueron desacreditados por un buen número de personas, también hubo una contraparte que los estimó. Pero, en definitiva, fue el primero y último intento de los nórdicos de lanzar un álbum doble. Sin embargo, el contexto de Elements Pt. 2 era crucial, una neblina empañaba el camino de la banda y algunos hechos insólitos empezarían a desencadenarse frente a los ojos de sus fans.

EL ESCÁNDALO MEDIÁTICO: LA MANCHA DE STRATOVARIUS

La tensión entre los miembros de Stratovarius se incrementaba cada día. De hecho, en noviembre de 2003, sólo semanas después de haber firmado un importante contrato con Sanctuary, Johansson colocó un mensaje en el sitio web oficial del grupo en el cual declaraba: “Hemos acordado que Timo (Tolkki) será quien decida quién toca en la banda, es decir en las grabaciones, en vivo, etc… para mí es un acuerdo útil, incluso aunque como resultado yo resulte despedido (…) Si Timo quiere tener nuevas personas en el grupo yo estaría muy triste porque disfruto trabajar con ellos. Pero no puedo hacer nada al respecto de los sentimientos de la gente”.

El testimonio anterior desdibujaba la participación y el control que nadie aparte de Tolkki podría tener en el conjunto. Cuestiones como esas empezaron a invadir el escenario de Stratovarius, dejando a sus fans cada vez con más incertidumbre sobre su futuro. Esto estalló en los primeros días de diciembre de 2003, cuando Jörg y Kotipelto anunciaron oficialmente su separación del grupo. Según el vocalista, esto se debía a “dificultades irrevocables” entre él y Tolkki, y que era una decisión que se había acordado para preservar al menos parte de la integridad de Stratovarius. Por su parte, Jörg manifestó que los problemas crecientes eran la principal razón por la que decidía salirse.

Ante esto, Tolkki expresó de manera frívola que había empezado una nueva era para Stratovarius, en la cual el futuro se veía brillante y prometedor. “He compuesto algunas de mis mejores canciones durante el último mes. Si todo sale bien, supongo que he canalizado las emociones hacia esta situación que ha sido muy fuerte para todos”. Además, aprovechó para contarle a sus fans que había estado teniendo problemas mentales pero que ya se sentía mejor gracias a la medicación anti-depresiva que le había recetado su terapeuta. También aseguró que se encontraba activamente buscando reemplazos para la voz y batería.

Con todo esto, la fama de Stratovarius parecía estar empañada, pero los sucesos siguientes elevaron la atención mediática. Por ejemplo, cuando Tolkki habló con el diario finlandés Ilta-Sanomat acerca de la división de la banda, dijo que él y el vocalista habían tenido una riña tres semanas antes de la disolución debido a que Kotipelto quería participar más tanto en las composiciones como en los asuntos de negocio de la banda. Según Tolkki, luego de ese incidente llegaron a la conclusión de que no podían seguir trabajando juntos. Pese al quiebre, los finlandeses debían cumplir con los conciertos de los festivales de verano que habían anunciado con anterioridad.

Como en todas partes, los rumores empezaron a aflorar con respecto a los nuevos integrantes de Stratovarius, especialmente de quien se creía que podría ser la nueva figura en la voz. Tras la declaración que Tolkki hizo, “estoy en contacto con un vocalista alemán”, los ojos saltaron rápidamente hacia Michael Kiske. Sin embargo, él mismo desmintió el rumor a través de su página web. Entre tanto, Tolkki dijo no estar en contacto con el ex–Helloween a quien respetaba mucho pero que, en definitiva, no era lo que él buscaba y estaba seguro de que tampoco lo que Mr. Kiske quería.

Para entonces, Tolkki ya había recibido un cúmulo de propuestas para la voz y batería, que incluía a tres mujeres interesadas en el puesto. El guitarrista dejó un espina clavada en la mente de los fans al señalar que “una de ellas sonaba increíblemente talentosa y que tenía una apariencia que mataba”. Por sus palabras, Tolkki dejaba muy abierta la posibilidad de que una mujer se uniera a Stratovarius y la duda no se hizo esperar más. El seis de enero de 2004, la idea de que una muchacha enfilara el camino de Stratovarius corrió como agua que lleva el río. La noticia, todavía no oficial, se expandió luego de que Tolkki sostuviera una conversación con Klaus Flaming, conductor del programa radial finlandés llamado “Metalliliitto”, en el after party de los premios Sirkkelirock, celebrados en el país nórdico, tras mencionar que la nueva vocalista era una mujer muy talentosa.

A pesar de que la afirmación de la hizo cuando estaba ebrio, no se pudo evitar el enorme revuelo por parte de los fans, hasta que el 15 de enero de ese año, anunciaron oficialmente a los reemplazantes del grupo a través de un enunciado que ponía las cartas sobre la mesa ante cualquier especulación. “La nueva vocalista de Stratovarius es Miss K. El talento vocal de esta sensual dama finlandesa varía desde el rock hasta clásica y operática. Su rango vocal es de tres octavas y es capaz de transformar el sonido de Stratovarius en algo único, algo que jamás se haya escuchado en el metal”, atestiguaba el informe. Asimismo, comunicaron que el nuevo baterista sería Anders Johansson y que entrarían en estudio en mayo para grabar un álbum cuyo título sería PopKiller.

Adicionalmente, rondaba en la web la información de que Miss K, Katriina Wiiala, había sido la frontwoman de la banda de hard rock melódico, Aurora K, durante cuatro años. Con este grupo había realizado varias presentaciones y grabado un sencillo de dos canciones titulado “11th Hour”. Los demás datos de la vocalista dibujaban la poca experiencia que Miss K tenía en el área musical como para unirse a una banda de la talla de Stratovarius. Al menos eso era lo que reclamaban las y los seguidores acérrimos.

Algunos días después, subieron una entrevista a su página oficial en la cual figuraba Tolkki, Kainulainen y Miss K. Al ser cuestionados acerca del rechazo de la nueva formación, Timo aseguró que había recibido una veintena de correos amenazantes y que realmente estaba sorprendido por la cantidad de odio que había causado el cambio en las y los aficionado. Por su parte, Miss K negó prestarle demasiada atención al ambiente hostil en su contra.

Todavía no terminaba el primer mes de 2004 y la polémica seguía efervescente. Otro hecho que causó alboroto mediático fue que Anders Johansson abandonó oficialmente la banda a menos de una semana de haberse unido. Anders le hizo una llamada a Tolkki para decirle que no podía comprometerse de lleno a Stratovarius porque se sentía feliz con HammerFall. De acuerdo con Tolkki, era posible que su reputación hubiera influido en aquel momento para que Anders tomara tal determinación.

Un par de días más tarde, Jörg Michael ofrece un comunicado en el que relata las razones de toda esta disputa. Desde su punto de vista, la ingesta de alcohol tuvo mucha culpa de todo ello porque los había llevado –a él y a Kotipelto- a sumergirse en discusiones controversiales acerca de la banda. Luego Tolkki, también en estado de ebriedad, se les unió y posteriormente hubo una pelea a combos en la calle. Aunque Jörg estaba consciente que los problemas iban más allá del alcohol, afirmó que nada como lo de aquel día había sucedido antes, pues estaban acostumbrados a resolver las cosas sin llevarlas al límite. No obstante, esa vez fue diferente y ninguno de los Timo quiso dar su brazo a torcer.

El escándalo continuó cuando Tolkki dio a conocer que Kotipelto se negaba a ensayar con él para los conciertos agendados. Sin embargo, Kotipelto respondió que “estoy obligado a hacer algunos shows de Stratovarius este año. Daré mi 100% en esos conciertos para los fans… Esos festivales podrían ser mi última oportunidad de cantar para tantas personas (uno nunca sabe lo que el futuro le traerá) así que los disfrutaré tanto como me sea posible”. Pese a lo que el guitarrista había afirmado, Kotipelto lo desmintió mucho tiempo después al asegurar que sí había asistido a los ensayos y que Tolkki lo había tergiversado todo. Además, como Kotipelto había comentado en una entrevista que Tolkki “se había pasado”, el guitarrista reaccionó a la defensiva, creando más controversia al asegurar que el cantante era el verdadero dictador de Stratovarius, porque siempre quería hacer su voluntad aún en contra de la de todos. Además, manifestó que nunca volvería a tocar con Kotipelto y que “patearía su trasero” en Piorno Rock…

VISIONES Y DEBACLE

A todo esto, la aversión hacia la polémica Miss K no se disipaba. Tanto era así que, sumado a los correos electrónicos con palabras de odio y desagrado, también recibió un paquete desde Brasil que, según propias declaraciones de Tolkki, contenía excremento. Por si fuera poco, Anders Johansson había expresado que el mainman de Stratovarius necesitaba ayuda profesional pero el altercado creció cuando Fred Derf, el webmaster de la banda, posteó un mensaje en la página en el que daba cuenta que Tolkki se encontraba en un “estado mental confuso”.

Tras esto, aparece una larga nota del guitarrista en la que, entre otras cosas, relata que al medio de un ataque de pánico, escucha una voz diciéndole “Cabalá, Cabalá, Cabalá”, creyendo que era la voz de Jesús. “Sentí ondas cálidas en mi cuerpo, me sentí feliz y seguro. La voz me dijo que me tomara una foto ensangrentada en honor a su memoria. Luego, me pidió que fuera a mi biblioteca y uno de los libros cayó frente a mí. Yo no recordaba que lo tenía, era sobre las enseñanzas del Cabalá. Creo que ahora he encontrado la verdad única, completa y universal”, aseguraba Tolkki. Otros mensajes de corte sensacionalista siguieron apareciendo en la web oficial, causando diversas opiniones.

A finales de febrero de 2004 el momento había llegado: debían presentarse en el festival Piorno Rock de España. Luego de unos incidentes en plena ejecución, como que Tolkki preguntara “¿qué diablos pasa?” mientras algunos asistentes le tiraban botellas y tirara el micrófono al aire, o el mismo Jens Johansson orinara en los pies del guitarrista, los pormenores de la presentación dieron vuelta al mundo. Y la suerte del mainman no parecía estar en sus mejores momentos porque más encima, fue atacado con un arma blanca mientras caminaba en Granada el domingo siguiente al concierto, por lo que fue llevado a un hospital donde lo atendieron de emergencia por las heridas en su brazo y la contusión en su cara. No faltaron los incrédulos que señalaron que todo eso era sólo una pantalla para llamar la atención…

El diez de abril de 2004 se dio a conocer que el líder de Stratovarius había ingresado a Mehiläinen, un hospital ubicado en Helsinki, a causa de una depresión crónica y “pensamientos suicidas”. Siete días más tarde apareció un anuncio en la página oficial en que Jens Johansson revelaba que Jörg Michael tocaría para el próximo álbum y que, de hecho, las grabaciones de la batería ya estaban casi listas y en espera de que Tolkki las aprobara apenas superara su crisis. De acuerdo con Jörg, Timo le había pedido que lo ayudara con unas canciones, porque había audicionado a varios bateristas sin encontrar a nadie adecuado. Sería algo como hacer los demos y, si todo resultaba bien, podrían usarlas para la mezcla real.

Ya el tres de mayo de aquel año turbulento -y luego de haber tenido bastante tiempo para pensar y analizar la situación-, el caudillo de Stratovarius colgó un video en el que reflexionaba sobre que la verdadera banda consistía en Timo Kotipelto, Jens Johansson, Jörg Michael, Jari Kainulainen y, por supuesto, él mismo. También garantizó no cancelar los shows programados con la conocida alineación, así como tratar de resolver los problemas con Kotipelto. En caso de que se negara a continuar, sería el final de Stratovarius, dijo el artista.

NADA MÁS QUE STRATOVARIUS

Tras unos meses de pausa para calmar las agitadas aguas que trajinaban su tripulación, los integrantes de Stratovarius se reunieron en Helsinki del 9 al 11 de diciembre de 2004 para discutir el futuro. Así, iniciaron un 2005 con un porvenir más atractivo que el que se había vislumbrado anteriormente. El 13 de enero de ese nuevo período la alineación clásica confirmó que estaban unida otra vez y trabajando en un álbum. Era evidente: los problemas estaban solucionados.

Uno de los primeros inconvenientes que tuvieron con el alistamiento del nuevo material fue que la compañía disquera se estaba negando a autorizar la inclusión de un tema que contenía un discurso de Hitler. Por otro lado, el manager envío la letra de la canción y el discurso que se quería incluir al Ministro del Interior de Alemania para saber si lo aprobaba, pues éste se inclinaba mucho por prevenir que la juventud se expusiera a la ideología nazi. En ese sentido, quedaba en manos de los alemanes decidir si la canción era inapropiada o no para su lanzamiento.

Antes de que apareciera el tan esperado nuevo material, Stratovarius confirmó en junio de ese año los rumores filtrados: Jari Kainulainen se separaba del grupo. Esto se debía, principalmente, a que su prioridad no era la banda y nunca se había involucrado tanto en el proceso de composición, entre otras cosas. Su sustituto sería Lauri Porra, un músico nacido el 13 de diciembre de 1977 en Helsinki. Porra empezó a estudiar música desde los seis años, cuando tocaba chelo. Luego, en 1993, comenzó a tocar bajo eléctrico y continuó sus estudios en el Conservatorio de Pop y Jazz de Helsinki.

Stratovarius, apareció en el mercado el 5 y 13 de septiembre de 2005 en Europa y Estados Unidos, respectivamente, y era indiscutible que los temas no tenían mucha conexión con los trabajos anteriores. No presentaba la firma neoclásica y sinfónica característica de Tolkki, la participación de Johansson era reducida, el doble bombo de Jörg se había quedado corto y Kotipelto no daba notas muy altas. En alguna medida, reflejaba los terribles acontecimientos mediáticos de los que la banda había sido parte.

No importando el tropiezo que este CD podría representar, la agrupación inició una gira mundial. Vinieron a Chile por cuarta ocasión el 21 de agosto de 2005. El show fue en el Teatro Caupolicán, teniendo como teloneros a los nacionales de Delta y Transylvania (banda tributo a Iron Maiden). La noche fue exitosa para Stratovarius pese a los problemas de sonido con los que se inicio y cabe resaltar que Lauri Porra demostró un buen performance, dejando en claro la diferencia entre él y su antecesor. Por su parte, Kotipelto se mostró una vez más muy empático con el público, cuestión que obviamente le hace ganar muchos puntos entre los fans. En el setlist pesaron más temas del Visions y del Episode ante solo tres de Stratovarius que fueron “Maniac Dance”, “The Land of the Ice and Snow” y “United”.

REVOLUCIÓN: ¿QUE ME SIGAN LOS BUENOS?

A finales de octubre de 2006, Tolkki ya tenía escritos once temas para Stratovarius y planeaba entrar al estudio en febrero del siguiente año. El mainman dio una pista sobre el nombre del álbum: era de dos letras que empezaban con “R”, “R…. R….”. Aunque todo daba la impresión de estar en clama, los problemas internos -que eran un secreto a voces- brotaron nuevamente y, tras tener algunos registros para el siguiente disco, todo quedó detenido hasta que en marzo de 2008 se divulgó que Tolkki había formado una nueva banda bajo el nombre de Revolution Renaissance, que tendría como invitados en su debut a personalidades como Michael Kiske y Tobias Sammet. Claro, el nombre del nuevo grupo estaba formado por dos palabras que empezaban con “R”. ¿Qué estaba pasando?

Todo salió a luz en abril de 2008. Tolkki escribió que la carrera de Stratovarius había caducado. Según el guitarrista, en octubre les había avisado a sus compañeros de la decisión, la cual respondía a su decepción de ver que la banda no caminaba y sobretodo, que existía una verdadera amistada ni emoción que los mantuviera unidos como banda. Mientras, el resto de los integrantes alegaba que las cosas no habían sucedido como Tolkki las relataba. Según ellos, Sanctuary empezó a tener problemas financieros hasta el punto de colapsar y, de hecho, realizaron cien conciertos sin contar con el presupuesto de la disquera. Cuando la crisis de Sanctuary estaban al tope, los músicos entablaron un proceso legal en su contra para poder lanzar el siguiente álbum, provocando que el espíritu de la banda decayera. Luego se encontraron con la noticia de que Tolkki había dejado el grupo, a quien señalaron de haberlos dejado con deudas y de haber presentado el material que previamente habían grabado sólo para su beneficio propio y fundar así Revolution Renaissance.

Aconteció entonces una lluvia de dimes y diretes, en la que los miembros no daban su brazo a torcer con relación a continuar sin Tolkki y éste en cuanto a concederles el permiso para conservar el nombre. Finalmente, Timo les otorgó los derechos del nombre el 20 de mayo de 2008, por lo que pusieron a la vista una carta abierta en la que le agradecían también por haber renunciado a cualquier regalía.

UNA NUEVA ESTRELLA EN LA HISTORIA DE STRATOVARIUS, PERO ¿LA MÁS BRILLANTE?

El 21 de agosto de 2008 la banda anunció oficialmente a Matias Kupiainen como el nuevo guitarrista de Stratovarius, un joven oriundo de Helsinki interesado por la guitarra desde que tenía cuatro años. Estudió teoría y tecnología musical en distintos lugares, uno de ellos la famosa Sibelius Academy. Además era co propietario de un estudio de grabación y contaba con dos proyectos solistas, Fist in Fetus y Shred Circus.

Pronto empezó a tomar forma el primer álbum con el nuevo miembro y la placa fue grabada en el 2008 en Helsinki y mezclada de la mano de Mikko Karmila. El 20 de mayo de 2009 fue lanzado Polaris en Japón y posteriormente en Europa y los Estados Unidos. Una de las primeras sorpresas era el logo. Sí, le faltaba la flor de lis que años tras año fue fiel acompañante del emblema. Pero eso era algo secundario. Lo que realmente pesaba era conocer cómo era Stratovarius sin Tolkki. En resumidas cuentas, Polaris ofrecía melodías poderosas, buenos arreglos, una base consistente y veloz y algunas remembranzas del pasado. Si bien es un álbum compositivamente sólido deja un sabor de boca que hace notoria cierta fragilidad en el trabajo como conjunto, quizá por la ausencia de una guía que marcara una pauta específica o porque hubo demasiada libertad para incluir todo lo que cada integrante quería aportar. En fin, es dable de diferentes apreciaciones.

Sin más ni más el quinteto se abalanzó hacia otra gira en cuyas fechas estaba incluido Chile. Nuestro terreno los recibió el 16 de octubre de 2009 en Espacio Broadway junto a las presentaciones de los compatriotas de Alto Voltaje, Delta y Grim. El evento fue singular porque pese a que la hora estimada de inicio era a las 20:00 Hrs., empezó mucho tiempo antes causando que algunas personas no pudieran escuchar a los nacionales. El turno de Stratovarius empezó a las 20:30 Hrs. con un público entusiasta que se deleitó con temas clásicos como “Hunting High and Low”, “Speed Of Light”, “The Kiss Of Judas”, entre otros, y del nuevo trabajo “Deep Unknown”, “Winter Skies”, “Forever is Today”, etc. Se debe rescatar que Kupiainen realizó una buena ejecución en el escenario, probando así su habilidad con las seis cuerdas.

A todo esto, Timo Tolkki había propagado “su verdad” de todo aquel escándalo mediático del 2004: la despedida de Kotipelto, la entrada de Miss K, las contestaciones, etc., habían sido un “truco publicitario”, aseguraba. “Hubo una completa maquinaria desplegada ahí, la banda entera, el management, el sello… se planificó cada movida y que una gran equivocación por parte del grupo y para los fans”. El guitarrista reconoció que esas acciones habían sido un gran error y que, sin embargo, no podía regresar el tiempo y cambiar los hechos, sólo le quedaba pedir disculpas. De hecho, el ex mastermind de Stratovarius indicó que el disco homónimo publicado en el 2005 era una farsa que funcionaba como apoyo del ardid publicitario.

EL PRESENTE:
I’ve left my past behind / I’m reaching for the light / I’m not afraid to live my life – I’ll take what is mine.

Aún sin haber terminado el tour promocional de Polaris, los escandinavos anunciaron que el 2010 traería una nueva placa. Pero esa no era la única noticia: el 21 de mayo del año pasado Polaris fue re lanzado a manera digipack compuesto por dos CD. A diferencia del álbum original, esta versión contenía un disco con la historia de la banda y material en directo, con una duración de 75 minutos recabados en la gira de Polaris.

A propósito de dicho tour, mientras se llevaban a cabo todas las presentaciones agendadas, aprovecharon para escribir 20 canciones que serían candidatas para su próxima entrega. Las grabaciones se realizaron en 5-by-5 Studios en Pitäjänmäki, Helsinki. El entremés fue el EP “Darkest Hours” constituido por el tema homónimo, “Infernal Maze” y dos cortes en vivo. Elysium vio la luz en enero de 2011, siendo el territorio nipón el primero en recibirlo y, posteriormente, el resto del mundo. Este trabajo cuenta con el track más largo en la historia de Stratovarius, “Elysium”, de 18 minutos. En general, el esfuerzo viene a afianzar las bases –iniciadas con Polaris- del prácticamente nuevo Stratovarius de cara al giro tomado con la salida de Tolkki. Y es que no se puede ocultar que el quinteto perdió una pieza fundamental de la estricta esencia de Stratovarius. De lo contrario, sería como intentar tapar el sol con un dedo.

Con el fin de promover el álbum iniciaron una gira como invitados especiales de los emblemáticos Helloween en su “7 Sinners World Tour”. Pero no todo era viento en popa. En octubre pasado se supo que Jörg Michael había sido diagnosticado de cáncer de tiroides y fue el primer obstáculo que divisaron para la vanagloriosa gira. No obstante la terrible vicisitud que los obligó a empezar sus conciertos sin Jörg, éste superó rápidamente su convalecencia y se unió a sus colegas tan pronto como pudo. Pero otro albur los azotó cuando una bacteria proveniente de un servicio de catering de Europa quebrantó la salud de Timo Kotipelto, provocando la supresión de algunos recitales en enero, así como el reajuste del setlist para no comprometer las cuerdas vocales del cantante.

El quinteto escandinavo se presentaen suelo santiaguino el próximo viernes 29 de abril en el Teatro Teletón y ante esta oportunidad, PowerMetal.cl no pudo evitar preguntarle a Timo Kotipelto sobre su condición de salud para ese recital. El frontman respondió “por suerte estoy con medicamentos y espero que de aquí a un mes mi voz vuelva a ser la misma. ¡Ha sido un proceso más lento que la cresta!, ¡jamás me había pasado una cosa así antes!, ¡ha sido extraño! Sin embargo, sólo tendré un par de tocatas acústicas cuando vuelva a mi casa desde Japón, por lo que en el fondo podré descansar dos semanas antes de embarcarnos a Sudamérica. ¡Ojalá eso ayude!”.

No queda duda de que Stratovarius ya está entre los grandes del Metal Mundial. Si bien su carrera ha estado rodeada de altibajos, no les ha quitado el mérito de ser el absoluto paradigma del Power Melodic Metal y por tanto uno de los grupos más influyentes en su especialidad. Más de tres millones de discos vendidos, tres discos de oro, pionero desde su territorio y consecutivas giras mundiales colocan a este caballo de batalla en la trinchera del campo de guerra del Power Metal.

Dos guitarras en armonía, batería rápida, voz aguda (ojalá con segundas voces también armónicas) y un bajo que no se limita sólo a marcar. ¡Cuántas bandas utilizan hoy en día este “modelo de negocio”! Pero a pesar de que hay muchas bandas anteriores cronológicamente, que adoptaron la estructura de las dos guitarras, si hay una banda que fundamenta la existencia de este webzine, esa banda es Helloween. Y por ello, es menester que revisemos su historia.

Todo parte en Alemania (particularmente la ciudad de Hamburgo) a finales de los años ‘70 (específicamente en 1978), donde un par de quinceañeros formaron una banda llamada Gentry, que contaría con amigos como músicos invitados. Uno de esos colegiales era Piet Sielck, actualmente líder de Iron Savior (vocalista y guitarrista) e ingeniero de sonido de bandas como Grave Digger o Blind Guardian, entre otras. Y el otro “pingüino” es quizás uno de los más grandes motivo del nacimiento de la música que profesamos: un joven de cabello claro y ojos color café, nacido el 17 de enero de 1963, en Hamburgo, llamado Kai Michael Hansen. Este jovencillo comenzó a interesarse por la música aproximadamente a los diez años de edad, cuando intentaba tocar batería con unas cajas vacías. Como la idea de tener un constante sonido de cajas en la casa obviamente no agradaba en demasía a los padres de Kai, a los doce años, sin quererlo, la familia Hansen iniciaba los “cursos causales” para el nacimiento del Power Metal: Kaicito recibía una guitarra clásica de regalo. Tras ello, comenzó a tomar lecciones para aprender a ejecutar el instrumento y un par de años más tarde formaría su primera banda llamada Katherine Wheel, para lo cual adquirió su primera guitarra eléctrica: una sencilla Ibanez Les Paul blanca. Después de tocar aproximadamente un año con Katherine Wheel, llega 1978, año al que hacíamos referencia, produciéndose el segundo hecho fundamental para el nacimiento del Power Metal: Kai Hansen conoce a Piet Sielck, actual líder de Iron Savior.

Piet y Kai eran fans de bandas como Uriah Heep, Sex Pistols, Slade, Black Sabbath, UFO, AC/DC y Deep Purple, entre otras. El repertorio de Gentry, por lo tanto, se basaba en covers de las bandas mencionadas, además de un par de temas propios. Kai compatibilizaba su emergente labor como músico con la de repartidor de diarios, con lo cual ganó algo de dinero, lo suficiente como para evolucionar desde su Ibanez Les Paul a una Fender Stratocaster, y para comprarse un amplificador Marshall. Y al parecer (como se vería a la larga) estos bisoños rockeros deseaban trascender en algo más que una banda de covers, por lo que intentaron profesionalizarse y prescindieron de los servicios de su primer baterista, llegando a estar alrededor de seis meses sin quien dominara las baquetas. Tras ello apareció un jovencito inexperto que quería tocar con ellos y que en realidad no poseía demasiados conocimientos técnicos, pero su entusiasmo y su facilidad para aprender le permitirían llegar a formar parte de Gentry: tal muchacho era nada menos que Ingo Schwichtenberg, nacido el 18 de mayo de 1965, quien a la larga terminaría sus días, como veremos, en forma más que trágica, antes de cumplir los treinta años. Y como a Piet y a Kai les resultaba algo incómodo intercambiarse el bajo y la guitarra tocata por medio, decidieron buscar un bajista, enrolando a un “chico” de aproximadamente 196 centímetros de altura y con cabello rizado: Markus Grosskopf, nacido el 21 de septiembre de 1965 en Hamburgo. Así se compone, por tanto, la primera formación “oficial” de Gentry. A fines de 1978, la banda incluso llega a ganar un premio en un festival.

GENTRY CAMBIA DE NOMBRE

Dos años más tarde la banda se percata que su nombre no era demasiado “ganchero” y deciden cambiarlo por el de Second Hell (nombre bajo el cual escribieron “Murderer” y algunas partes de lo que posteriormente se transformaría en “Heading For Tomorrow”) y posteriormente por el de lron Fist, ya en 1982, con el que gestaron temas como “Metal Invaders”, “Gorgar”, “Victim Of Fate” y “Priest Of Satan” (que a la postre se transformaría en “Save Us”).

A fines del mismo año se produce el primer gran “quiebre”: Piet decide dejar la banda en busca de otros horizontes y Kai se va a hacer el servicio militar, después de aprobar sus exámenes en el Goethe Gymnasium de Hamburgo. Y es, curiosamente, en una noche de franco, en medio de una fiesta, donde Kai Hansen conoce a quien, por muchos años, sería su “media naranja musical”, un joven guitarrista que tocaba en una banda de medio tiempo llamada Powerfool: Michael Ingo Joachim Weikath, nacido el 7 de agosto de 1962 en Hamburgo. Weiki intenta persuadir a Kai para unirse a Powerfool, pero la persuasión de Kai fue más fuerte y finalmente Weikath termina uniéndose a Markus y a Ingo. Después de un corto tiempo, Iron Fist pasaría a llamarse Helloween, con Kai en las voces y guitarras.

En 1984, el cuarteto lleva a la compañía Noise Records un demo, que contenía los temas “Metal Invaders” (de Kai) y “Oernst Of Life” (de Weikath, que en 1996 fue re-lanzado en un compilado llamado “12 Years In Noise”), que a la larga aparecerían en un compilado llamado “Death Metal” (junto a Hellhammer, Dark Avenger y nada menos que Running Wild).

La banda logra fichar con la prestigiosa compañía y al año siguiente se encontraba ya lanzando su primer trabajo oficial: un EP con cinco fantásticos temas (”Starlight” -con su notable comienzo, que hace imaginar a un rockero despertando con una tremenda “caña” y, para pasarla, nada mejor que abrir una buena cerveza…-, “Murderer”, “Warrior”, “Victim Of Fate” y “Cry For Freedom”) titulado simplemente “Helloween“.

El año siguiente sería importantísimo: la banda lanzaría su primer LP. Con una introducción que ha pasado a convertirse en una especie de “grito de guerra” (aunque no es grito ni es de guerra) de la banda (”el puente se va a caer, a caer, a caer” transformado en “happy happy Helloween, o-o-ooh“), comienza una de las piedras angulares de nuestra música, nada menos que “Walls Of Jericho“, disco indispensable en la colección de un metalero que se precie de tal.

A pesar de que en aquellos entonces Kai Hansen poseía una voz que dejaba bastante que desear, el disco cuenta con joyas del más alto nivel como, por nombrar algunas, la intensa “Ride The Sky“, el himno “Heavy Metal (Is the Law)” o la emotiva “How Many Tears“. Helloween inventaba un estilo: agregaba melodía al speed metal (casi cercano al thrash por momentos), creando los cimientos de algo que en aquellos tiempos intentó definirse como un “powerful speed melodic heavy metal”, lo que comenzó a ser reconocido por los medios especializados europeos como Power Metal, un par de años antes de que en Estados Unidos el grupo Pantera lanzase un disco titulado homónimamente. Pero más allá de esta discusión doctrinaria, la importancia histórico-musical que tiene este disco eventualmente sólo puede ser superada, a ese respecto, por los dos posteriores.

Continuando con la historia, unos meses después, tras el lanzamiento del segundo EP de la banda, “Judas“, comienza a producirse una situación muy particular. Kai Hansen comenzaba a sufrir el stress de cantar y tocar guitarra (¡y en una banda como Helloween no es tan sencillo como hacer dos acordes en una banda punk!). Ante ello, Kai propone a la banda comenzar la búsqueda de un vocalista que se ajustase a los propósitos de la misma, y los ojos se pusieron en un “pendejo” de dieciocho años poseedor de un registro vocal que hasta el día de hoy lo convierte en uno de los más grandes vocalistas de la historia del Metal en general, que cantaba en una banda rockera llamada Ill Prophecy, junto a sus amigos Karsten Nagel (batería), Uli Schulz (guitarra), Reiko Ebel (guitarra) y Patrick Hampe (bajo): Michael Kiske, nacido el 24 de enero de 1968, en Hamburgo.

En un principio, Kiske desecha la oferta de Kai Hansen de unirse a Helloween, por considerar que el estilo de la banda era demasiado rápido y que le costaría adaptar su voz, por lo que la banda apuntaría a contratar a otro vocalista -que cantaba en Tyran’ Pace-, Ralf Scheepers. Ralf desecha la oferta (a pesar de que acompañó a la banda en un show), por lo que volvieron a la carga por Kiske, consiguiendo ficharlo a principios de 1987 tras la insistencia de Michael Weikath.

En estos tiempos, Kai Hansen estudiaba Derecho en Hamburgo, pero comenzó a percatarse que su proyecto musical estaba yendo demasiado viento en popa, razón por la cual comenzó a no dar pruebas ni mucho menos asistir a clases, por lo que decidió sumergirse completamente en las templadas aguas del Metal, dejando los estudios del positivismo jurídico de Hans Kelsen y los textos legales absolutamente de lado. Comenzaría lo que a la larga sería, para muchos, la etapa más gloriosa de Helloween.

LOS GUARDIANES DE LA SIETE LLAVES

La banda pretendía, ya en 1987, lanzar con su nuevo vocalista un disco doble, pero Noise Records se negó, por lo que a la larga la banda lanzaría, en dos años consecutivos, dos de los más grandes trabajos de Heavy Metal de la historia. En 1987 Helloween lanza “Keeper Of The Seven Keys, Part I”, disco que con apenas cuarenta minutos de duración ha pasado a constituir una piedra angular en el desarrollo del Heavy Metal. Si bien en “Walls Of Jericho” la banda había tenido un fenomenal debut, “Keeper I” marca el verdadero nacimiento del Power Metal, con la mezcla de elementos como las armonías de las guitarras de Judas Priest y Maiden, voces extremadamente melódicas, baterías con dobles bombos desenfrenados, mucha garra y hasta elementos de música clásica.

Resulta inoficioso y hasta un poco hereje destacar temas de este trabajo, pero a grandes rasgos, cortes como las energéticas y poderosas “I’m Alive“, “Twilight Of The Gods“, la casi irónica felicidad extrema de un clásico de clásicos como “Future World” y la impresionante maestría épica de “Halloween” (con uno de los mejores -sino el mejor- dueto de guitarras de la historia), todos temas de autoría de Kai Hansen, pueden considerarse como lo más destacado dentro de un disco genial. El disco vendería 150.000 copias… ¡sólo en Inglaterra! Es decir, estamos ante un disco de proporciones históricas, que impulsaría a Helloween a la elite del Metal mundial, hecho que se vio recalcado con la aclamación de la crítica y de los mismos fans, puesto que además de tocar en muchos lugares de Europa, fueron invitados a Estados Unidos al MTV’s Headbanger’s Ball Tour, abriendo un show en el que además tocaron Armored Saint y Grim Reaper.

Pero no contentos con esto, luego de la exitosa gira de “Keeper I”, las calabazas lanzarían uno de los más grandes discos de la historia del metal. La segunda parte de la saga, “Keeper Of The Seven Keys, Part II“, es sin duda el trabajo que terminó de catapultar al quinteto germano al Olimpo. Se ha sindicado a este trabajo como el que terminó de crear el estilo conocido como Power Metal, al que ya hemos hecho referencia en reiteradas oportunidades en esta historia. Nuevamente caemos en la herejía de mencionar algunos temas (sabemos que es extremadamente injusto con los temas no nombrados, todos de una calidad excepcional): la indescriptible “Eagle Fly Free” (el más grande himno Power Metal de la historia), las gancherísimas “Dr. Stein“, “I Want Out“, “Rise And Fall” (las letras son un prototipo del humor alemán), “Halloween II” y “Keeper Of The Seven Keys“, que cierra de manera perfecta un disco insuperable que ha traspasado generaciones. Gracias a este trabajo, la banda consigue no sólo ratificar sino que incrementar de forma notoria el éxito alcanzado con “Keeper I”, siendo incluso invitados a tocar en el mítico Festival de Donington, Gran Bretaña, junto a bandas como Iron Maiden, Megadeth, Skid Row y Kiss, entre otras.

Durante el tour “Pumpkins Fly Free” (que los lleva a Estados Unidos, Europa y Japón), la banda graba en Escocia uno de los más notables álbumes en vivo de la historia (es cierto, hemos repetido muchas veces la palabra “historia”, pero el caso sin dudas lo amerita), el cual sería editado en 1989 con tres nombres distintos: “Live In The U.K.” en Europa, “Keepers Live” en Japón y “I Want Out Live” en Estados Unidos (este último viene con sólo seis temas, no se incluye “Rise And Fall”). Pero antes de la salida de este disco en vivo, la banda sufría un severo cambio.

BYE BYE KAI

Como señalamos anteriormente, tras el Keeper II, comenzaron a notarse ciertos quiebres al interior de Helloween. Kai Hansen sólo compuso tres temas de este maravilloso trabajo (”Save Us” -que, recordemos, viene de los tiempos de Iron Fist-, “March Of Time” y “I Want Out”, tema muy emblemático del momento que vivía Hansen), en comparación a que “Keeper I” fue prácticamente compuesto por él en su totalidad. Si bien los tres temas son increíbles, significaban “poco” para lo que Kai nos estaba acostumbrando.

Ello era un revelador síntoma de las tensiones que comenzaron a vivirse en la banda, tanto por factores netamente relativos a relaciones interpersonales (lo que ha sido una constante en la historia de Helloween, quizás Hansen haya intuído eso), como por problemas con el management de la banda. Ello traería como consecuencia un creciente stress de Hansen, el que desembocaría en una “fatiga por las largas giras”. El último show de Kai en Helloween sería en Birmingham, Inglaterra, el 8 de Noviembre de 1988.

A principios de 1989, Kai Michael Hansen anuncia su desvinculación de Helloween, en el momento más glorioso de la banda, lo cual causó una tremenda conmoción en el medio. Según Hansen, venía analizando la posibilidad de dejar la banda desde julio de 1988 y que no lo había hecho, en gran parte, por pedido de sus compañeros, pero que debido al desgaste que todo lo anterior le estaba provocando, consideró que era el momento exacto para abandonar la banda. En aquellos tiempos se señaló que la separación se había producido en términos amistosos, tanto así que el mismo Hansen ayudó a buscar a su reemplazante, el que resultaría ser el mecánico de autos y guitarrista de Rampage hasta 1982, Roland Grapow, quien nació el 30 de agosto de 1959, en Hamburgo. Viejo amigo de la banda, se enteró de la vacante en un aviso de una revista.

Algunos meses después de la partida de Kai, quien formaría Gamma Ray junto a Ralf Scheepers, se lanza el disco en vivo al que hacíamos referencia, conocido mayoritariamente en Sudamérica como “Live In The U.K.“, una brillante ejecución en directo, cuyos siete temas dejan con un enorme gusto a poco debido a su enorme calidad.

BURBUJAS ROSADAS Y CAMALEONES

Más allá de la partida de Kai Hansen, la banda sufría conflictos de otro tipo. Un serio inconveniente con Noise Records tuvo a la banda prácticamente inactiva hasta principios de 1991, lanzando sólo material compilatorio como “Pumpkin Tracks” o “The Best, The Rest, The Rare” (material en el que aparecen algunos temas inéditos y un par de versiones antiguas cantadas por Kiske), con lo cual los rumores de separación se acrecentaron. Pero en el citado año 1991 la banda finalmente firma con EMI Records y lanza su cuarto disco en estudio. “Pink Bubbles Go Ape“, el muy esperado disco post-keepers, no tuvo la repercusión esperada ni por los fans ni por la crítica especializada, pues el estilo de Helloween se encausaba hacia un camino algo menos metalero, y bastante más hard rockero y lúdico en cuanto a las letras. De todas maneras, “Pink Bubbles Go Ape”, a pesar de ser un trabajo considerado mayoritariamente como irregular, posee una buena cantidad de temas a la altura de una banda como Helloween, como “Someone’s Crying“, “Mankind” o “The Chance“.

Las tensiones al interior de Helloween fueron creciendo con los malos resultados de ventas de “Pink Bubbles”. Además, Ingo Schwichtenberg comenzó a empeorar en su estado de salud, sufriendo un paulatino agravamiento de su hereditaria esquizofrenia debido al consumo de cocaína y otras drogas. Y además, las diferencias musicales entre las dos opiniones más fuertes en la banda, la de Kiske y la de Weikath, comenzaron a pesar, y mucho. En este contexto, Helloween lanza en 1993 “Chameleon“, su quinto disco en estudio, un trabajo totalmente diferente a lo que habíamos escuchado anteriormente de los germanos, alejándose a pasos agigantados del metal más puro y experimentando con sonidos más cercanos, por momentos, al pop, incluyendo temas como “First Time“, “Step Out Of Hell“, “Giants“, quizás las más rockeras, y -tratando de no ser peyorativos, pues no son temas derechamente malos- baladas de parroquia como “I Don’t Wanna Cry No More” o “Longing“, entre otros.

SE ACABA EL EXPERIMENTO, VUELVE EL METAL

Luego de “Chamaleon“, las diferencias musicales con Weikath llevaron a Michael Kiske a abandonar la banda, generando una “viudez” en algunos fans que incluso llega hasta el día de hoy. Viudez en cierto modo comprensible, pues sin duda se trata de una de las mejores voces de todos los tiempos, que posteriormente se dedicaría a proyectos solistas cada vez más alejados del metal, como SupaRed o Place Vendome, teniendo pequeñas incursiones metaleras, destacando lo realizado como Lugaid Vandroiy en Avantasia. Además, la salud de Ingo Schwichtenberg empeoraba, llegando al punto de sufrir una incontrolable crisis de llanto tras un recital en Japón, por lo cual tuvo que ser reemplazado en el final de la gira por un batero llamado Riad “Richie” Abdel Nabi. Tras esto, se decide que Ingo abandonase la banda para tratar su enfermedad médicamente y desintoxicarse.

Luego la partida de Ingo y Michael Kiske, la banda encontró rápidamente sus reemplazantes. Andreas “Andi” Deris, nacido el 18 de agosto de 1964 en Karlsruhe, Alemania, ex vocalista de Pink Cream 69, quien tendría la titánica -hasta el día de hoy- labor de reemplazar en las voces de Helloween a Michael Kiske. A los 15 años Andi se desempeñó en su primera banda, llamada “Paranoid”, que un par de años después modificó su nombre a “Nameless”. Junto a su amigo baterista Ralph Maison, formó un par de años después una banda llamada “Kymera”, la cual fue abandonada poco tiempo después por Maison, siendo éste reemplazado por Kosta Zafiriou, con quien en 1987 se une a Pink Cream 69, banda con la que ganó en 1988 el premio “Metal Hammer newcomer” in Ludwigsburg, Alemania, y llegó a grabar tres discos: “Pink Cream 69″, “One Size Fits All” y el excelente “Games People Play” en 1993.

La vacante dejada por Ingo en la batería, que recordemos fue tomada interinamente por Richie Abdel Nabi -quien no era lo que la banda estaba buscando-, sería finalmente ocupada por Ulrich “Uli”Kusch, nacido el 11 de marzo de 1967 en Aachen, Alemania, batero de dilatada trayectoria, quien vivió durante muchos años en Bélgica, y en cuya carrera destacan dos hitos fundamentales: el primero, el haber tocado en una estupenda banda thrash de los ‘80 llamada Holy Moses (donde canta una buenamoza señorita llamada Sabina Classen, cuya voz no tiene nada que envidiar a Tom Araya o a Mille Petrozza); y el segundo, haberse desempeñado nada menos que en Gamma Ray, junto a Kai Hansen.

Con la nueva formación ya consolidada, la banda lanza el sexto disco de su trayectoria, un trabajo que resultaría crucial para determinar la ruta de navegación de la misma. La expectación era bastante grande: o se seguía y profundizaba en el estilo insinuado en “Pink Bubbles” y consolidado en “Chameleon”, o se volvía a las raíces, más metaleras. Y la respuesta que entregó Helloween en 1994 con “Master Of The Rings” fue bastante contundente. Un trabajo que sin lugar a dudas posee una enorme importancia, con un esclarecedor mensaje a quienes pensaban que Helloween estaba muerto: la banda volvía a hacer metal, y del bueno, en un trabajo en el que destacan “Where The Rain Grows“, la simpática “Perfect Gentleman” o la declarativa de principios “Still We Go” (”on the metal highway…“), entre otras. Punto aparte es el aporte compositivo de Andi Deris y en menor medida de Uli Kusch, aporte sin el cual, probablemente, Helloween no hubiese resurgido de esta manera, marcando incluso la vuelta de la banda al mercado estadounidense y obteniendo excelentes resultados en Japón.

TRAS EL PUNTO NEGRO, MIRANDO AL FUTURO

1995 fue un año durísimo para Helloween. A los 29 años de edad, tras sufrir los últimos años de su vida de una esquizofrenia de carácter hereditario, agravada por el consumo de drogas, y tras la repentina muerte de su padre, el 8 de marzo de 1995, Ingo Schwichtenberg decide terminar con su vida, lanzándose a la línea férrea en Hamburgo, cerca de la estación de metro de Friedrichsberg, usando una polera de Helloween. El golpe para la banda, como es obvio, fue devastador, y toda la comunidad metalera europea reaccionó con desazón ante la partida al más allá de este talentoso batero, que lamentablemente no pudo vencer sus problemas crónicos y su lamentable adicción a drogas como la cocaína y el hachís. A la derecha, se ve la lápida de Ingo.

Pero el show debía continuar. Helloween lanza en 1996, como homenaje a Ingo (mientras Gamma Ray lo homenajeaba por medio del excelente tema “After Life” y Michael Kiske a través de la hermosa balada “Always”), su séptima placa en estudio, titulada “The Time Of The Oath“, uno de los mejores trabajos de la banda a lo largo de su carrera. Un disco bien concebido, de principio a fin, mostrando una notable gama de recursos musicales y manteniendo la línea de vuelta al metal iniciada por su anterior placa, destacando temas como el clásico “Power” (¿dedicada a Kai Hansen?), las muy power “We Burn“, “Kings Will Be Kings“, “Before The War” y la sólida “The Time Of The Oath“. La excelente recepción de este trabajo llevó a la banda a lanzar su segundo disco en vivo, esta vez doble, para no dejar a nadie con gusto a poco, llamado “High Live“, grabado en Girona y Pamplona, España, y Milán, Italia.

A fines de 1997, la banda entraba a estudios para lanzar en 1998 su octava placa llamada “Better Than Raw“, disco que muestra en su portada un dibujo de una estupenda brujilla haciendo una pócima. En este trabajo, Helloween comienza a experimentar con sonidos algo más oscuros y ciertamente más densos, por momentos, sin perder su espíritu power, como se ve en temas como “Push“, la enorme “Revelation“, el single “I Can“, la muy power “Falling Higher” (”metal will never die…“) y la pintoresca “Lavdate Dominum“, cantada enteramente en latín e inspirada en un salmo (de hecho, el título significa algo así como “que te alaben, señor”). Como anécdota, podemos recordar que “I Can” fue votada en la extinta Radio Concierto como “la canción del Mundial” para Chile, que en aquellos entonces participó en el Mundial de Fútbol de Francia ‘98, situación que causó hilaridad y alegría en Markus Grosskopf al enterarse de la noticia.

Tras el lanzamiento de este trabajo tuvimos la oportunidad de ver, por primera vez en Chile, a una banda de Power Metal. Y esa banda tenía que ser Helloween. Así, en el contexto de un Monsters Of Rock que incluía nada menos que a Iron Maiden (performance que se caería días antes debido a la recomendación del gobierno inglés a sus connacionales de no tocar en Chile debido a coyunturas políticas de aquellos entonces, siendo reemplazados por Anthrax) y a Slayer, el 10 de diciembre de 1998 Helloween se presentó en Chile por primera vez, en el Velódromo del Estadio Nacional, en un show bastante corto -menos de una hora- y que contó con un sonido memorablemente precario, a pesar de lo cual quienes tuvimos la posibilidad de asistir, vibramos con la emoción de ver por vez primera a Helloween en nuestro terruño.

Ya en 1999, quizás debido a compromisos comerciales, tras lanzar un álbum doble en versiones karaoke de sus grandes éxitos, Helloween graba un disco de covers, llamado “Metal Jukebox“, en el cual homenajea a artistas tan diversos como Los Beatles, Abba, Faith No More, Jethro Tull, Scorpions, Focus y Cream, entre otros. Después de este trabajo, el 30 de octubre de 2000 Helloween lanza su noveno álbum de estudio, “The Dark Ride“, ya habiendo firmado para Nuclear Blast. Siguiendo sugerencias principalmente del management, la banda comienza a concebir este trabajo, bajo la producción de Roy Z y Charlie Bauerfeind, desarrollando un material bastante más oscuro que sus predecesores, con afinaciones más graves y con temas más densos, como “Escalation 666” o “Mirror Mirror“, y otros algo más “Helloween”, como la excelente “The Dark Ride” o “Salvation“, entre otras. Pero como veremos, este cambio de giro no generaba unanimidad dentro de la banda, más aun considerando que este trabajo era, hasta esa fecha, el peor vendido de Helloween desde “Chameleon”.

EL ÚLTIMO GRAN QUIEBRE…

Michael Weikath era totalmente contrario a este giro que estaba tomando la banda. Por otra parte, Roland Grapow y Uli Kusch estaban conformes con lo que se estaba haciendo, pues se condecía con la dirección musical que deseaban para Helloween. Esta situación interna llegó a tal punto que incluso Weikath ofreció dejar la banda para comenzar una nueva, encontrándose con la negativa de Grosskopf y Deris, señalando que Helloween no sería lo mismo sin él. El “efecto Y2K” golpeaba duramente a Helloween.

En medio de esta tensión, la banda visitó Chile por segunda vez, esta ocasión para llevar a cabo un concierto propiamente tal, en el Estadio Chile. En esta oportunidad, en la que aproximadamente asistieron 2.500 a 3.000 personas, quienes asistimos no podemos evitar recordar el apocalípticamente pésimo sonido que lamentablemente tuvo ese show. A pesar de que la banda presentó un interesante tracklist e hizo vibrar a los asistentes, hubo momentos en los que no se entendía absolutamente nada. Y además, la tensión era palpable en el escenario. Dicho y hecho. Terminado el tour, se anunció la partida de Grapow y Kusch de Helloween, quienes posteriormente formarían Masterplan.

La tarea de encontrar reemplazantes se tornó titánica. En primer término, Weikath apuntó a su amigo Henjo Richter, guitarrista de Gamma Ray, para tomar la plaza de Grapow en las guitarras, en lo que habría sido una bombástica transferencia. Pero tras la amistosa negativa de Richter, y siguiendo los consejos de Charlie Bauerfeind, reclutó, tras un par de ensayos en los estudios de Andi Deris, llamados “Mi Sueno”, ubicados en Tenerife, al ex Freedom Call, Sascha Gerstner, quien además por hobby se ha desempeñado como… modelo. Más allá de este pintoresco detalle, Sascha prometía llenar la plaza dejada por Grapow de buena manera, pues aparte de ser un sólido primer guitarrista, es un compositor más que respetable, y coadyuvaría a hacer retornar a Helloween a un estilo quizás menos oscuro.

Pero la búsqueda del baterista tuvo sus aristas complejas. En primer término, se selló la incorporación del británico Mark Cross -que cronológicamente fue anterior a la confirmación de Sascha como el nuevo guitarrista-, pero poco tiempo después, cuando comenzaban las grabaciones de lo que sería el décimo álbum en estudio de Helloween, a principios de 2003, a Cross se le diagnosticó una mononucleosis, enfermedad que afecta a todos los órganos y que impide realizar labores que exijan algún tipo de esfuerzo físico, y cuya recuperación es de larga data. Ergo, Cross no pudo seguir en las grabaciones, para las cuales se reclutó de urgencia al mítico Mikkey Dee (Motörhead, ex King Diamond) para completarlas. Las grabaciones para este trabajo continuaron con Mikkey, pero se informó a la banda que la recuperación de Mark Cross sería más larga de lo previsto, por lo que se vieron forzados -presionados por el management-a buscar un nuevo baterista, que grabase algunos temas para Lados B, por lo que se invitó a Stefan Schwartzmann (ex Accept y UDO), quien aceptó gustoso unirse a Helloween.

Así, tras estos avatares, sacar este disco fue como sacar un conejo de un sombrero. Y dicha analogía se vio reflejada en el título del décimo disco de Helloween, llamado “Rabbit Don’t Come Easy“, lanzado en mayo de 2003. En esta placa, Helloween vuelve a un sonido más inspirado en los tiempos de los Keepers, menos denso, más digerible y ciertamente menos oscuro -notándose el cambio con Sascha Gerstner respecto a Roland Grapow-, con temas muy “happy happy Helloween” como “Just A Little Sign“, “Open Your Life“, la excelente “Do You Feel Good” o la muy Motörhead “Liar“, entre otros cortes. Tras el lanzamiento de “Rabbit…”, Helloween se embarcó en un tour mundial, que originalmente los traía a Chile, pero el concierto lamentablemente debió ser cancelado, perdiendo la oportunidad de ver a Helloween con uno de sus mejores setlist de todos los tiempos, pues en esa gira fundamentalmente se dedicaron a rememorar temas de sus épocas más pretéritas.

Ya en Octubre de 2004, la banda comienza la preproducción de su décimoprimer disco en estudio. Pocos meses después, Stefan Schwarzmann decide abandonar la banda debido a que a pesar de que las cosas iban extremadamente bien en la parte humana, no compartía con el resto de la banda la misma visión musical. Stefan decidió ayudar a la banda hasta que se encontrase un reemplazante, el que finalmente se halló en febrero de 2005 en Daniel “Dani” Löble, respetadísimo baterista nacido en Zürich, Suiza, el 22 de febrero de 1973, y que se desempeñaba en Rawhead Rexx, y que incluye en su currículum haber tocado junto a Blaze Bayley, entre otros connotados músicos.

Con Dani Löble asentado como baterista, Helloween anunciaría el lanzamiento de su décimoprimer disco en estudio. Se confirmaban los rumores que indicaban que se haría referencia directa a los legendarios “Keeper”: tras el lanzamiento el single “Mrs. God” el 4 de julio de 2005 en Asia, el 31 de octubre de 2005 se lanza a nivel mundial “Keeper Of The Seven Keys – The Legacy“, como un disco doble con casi 80 minutos de nuevos temas, entre los cuales se incluyen la épica “King For a Thousand Years“, la happy/melancólica “Silent Rain“, la experimental “Occasion Avenue” y la notable “Invisible Man“, por nombrar sólo algunos.

Con Keeper Of The Seven Keys – The Legacy“, Helloween generó los más variados comentarios, incluyendo el nada novedoso binomio excelente-pésimo. Las expectativas eran muy fuertes en torno a este compacto, porque aludía a los dos discos pasados que llevaban la misma frase principal. Sin embargo, tal vez ese haya sido el error que impidió que “The Legacy” obtuviera mayor reconocimiento.

Este último trabajo trajo a Helloween a Chile, en un Teatro Caupolicán que pudo y debió haber tenido un marco de público acorde al espectáculo que, ¡por fin!, nos mostró a Helloween en toda su expresión. Un show realmente sólido en todas sus líneas, emocionante, entretenido y por momentos sobrecogedor, con una banda que al fin pudo desplegar en Chile todo su potencial, saldando una deuda que sin duda poseían con el público nacional. Tras ello, la banda comenzaría a crear su próximo trabajo en estudio.

La banda aprovechó aquel viaje para grabar las presentaciones ofrecidas en Sao Paulo, Brasil; Sofia, Bulgaria y Tokio, Japón para lanzarlas más tarde como material en directo: un CD titulado “Live in Sao Paulo” y un DVD bajo el nombre “Live On 3 Continents”, lanzamientos que tuvieron éxito en las carteleras de países como Francia, Alemania y Suecia.

JUGANDO CON EL DIABLO

Debido a que Helloween ha permanecido durante tanto tiempo en la escena power-metalera, los fanáticos esperan que cada álbum sea igual o mejor que el anterior. Por lo tanto, “Gambling With The Devil”, el décimo segundo material discográfico ofrecido para el 2007, tenía la presión no sólo de los once discos anteriores, sino también de devolverle a algunos de sus seguidores la confianza que quizá habían perdido de forma mínima con el trabajo previo.

“Al final del día, la vida es como un juego con el diablo” apunta Andi Deris con respecto al título de este último álbum, que a grandes rasgos se caracteriza por seguir guardando el estilo melódico tan peculiar de la banda, así como la  utilización de varios efectos de sintetizadores e interludios semi-clásicos en los temas, excelentes solos de guitarra y ciertamente, un poco más pesado que los anteriores más recientes.

El disco arranca con “Crack The Riddle”, una introducción narrada por Biff Byford (Saxon), seguido de de “Kill It”, tema vigoroso en el que la voz tiene un parecido a la de Rob Halford (Judas Priest). “The Saints” es un tema de corte épico donde Dani Löble destaca su habilidad con el doble bombo, dándole dinamismo y madurez a la misma, claro, sin dejar a un lado las armonías creadas por el resto del grupo. En este escenario rápido también ocupan un lugar “Paint a New World” con agresividad, “Can Do It” y “Dreambound” muy al estilo power.

El primer sencillo de “GWTD” es “As Long As I Fall”, que baja las revoluciones del ritmo a la vez que trae memorias de “If I Could Fly”. El carácter comercial de este tema es fácilmente detectado por el tipo de composición. Del mismo modo es “Final Fortune”. Fuera de los parámetros tradicionales de Helloween, se encuentran composiciones como “The Bells Of The Seven Hells” que, seguida de “Fallen To Pieces” y “I.M.E”, constituyen una trilogía eminentemente lírica a la que Deris llama “Trinidad”, la cual es una apreciación crítica a la “carencia de ideologías y a la proliferación de la obediencia ciega”. Con “The Bells Of The Seven Hells” y “I.ME.” se percibe cierto interés por dar un sonido del tipo “The Dark Ride”. Para cerrar con broche de oro, “Heaven Tells No Lies” empieza muy melódicamente y brinda emotividad y euforía gracias a los riffs veloces, con lo que logra satisfacer al escucha al mismo tiempo que, musicalmente, hace recordar a los ya desaparecidos de Queen. Con este material era más que notorio que los integrantes habían hecho una magnífica ejecución en cada instrumento. Además, cada tema dejaba de manifiesto que Andi Deris había mejorado su trabajo vocal. Pero, sobre todo, esta placa permitió reconocer que Helloween tiene algo por seguro: siempre tendrán la influencia de ellos mismos, disco tras disco.

Con este material bajo el brazo se zambulleron en una gira que los condujo a Europa, Asia, algunas fechas en Estados Unidos y Sudamérica, por lo que Chile recibió nuevamente a la calabaza en la tarde/noche del 13 de abril de 2008 en una visita singular, pues el sueño de centenares de fans se hizo realidad al enterarse que venía junto a Gamma Ray como “invitados especiales” en el marco del “Hellish-Rock Tour 2008”, un show que, como era de esperarse, prometía ser inolvidable. Éste fue iniciado por los nacionales de The Shrink y Human Factor ante casi tres mil frenéticos asistentes. Luego salió a escena Gamma Ray para saciar las ansias de un público que ya para ese entonces se mostraba más que excitado. Tras una entrega de alta calidad, sonido y recepción y luego de una sufrida espera de 45 minutos, el telón cae finalmente para dar paso a la tan esperada aparición de Helloween.

Con el Caupolicán repleto de entusiasmo y una audiencia que para ese entonces ya sumaba casi cuatro mil almas, sucedió un desfile de temas que repasó tanto el pasado como el presente de Helloween, cuyos integrantes calmaron a sus extasiados seguidores y seguidoras. Para cerrar el tremendo recital por todo lo alto harían algo histórico: luego de un encore de unos minutos aparece Löble y luego se le une el resto de la banda, después aparece Richter, Schlächter y Hansen. Así, cuatro guitarras y dos bajos interpretaron “Future World”, en el que Deris interpretó algunas partes y Hansen, otras. La oportunidad de volver a ver al binomio Hansen-Weikath en el mismo escenario se extendió con “I Want Out” y así el octeto denominado Hello-Ray puso punto final a un show histórico que aún llena de emoción a quienes lo contemplaron, aunque sin duda hizo falta la presencia de Zimmermann.

Para diciembre de 2009 la banda ya tenía lista la edición de Unarmed-Best of 25th Anniversary, disco compilatorio que lanzaron en Japón en diciembre de ese año y en Norte América hasta el 30 de marzo de 2010 a través de The End Records. Sobre este trabajo la banda comentó: “No somos una de esas bandas que se celebran a sí mismas, solo queremos agradecer en nuestra propia forma especial a todos los que nos han seguido durante los pasados 25 años”. De esa cuenta, en vez de hacer una compilación de “grandes éxitos” para celebrar el aniversario, los managers les dieron la idea de re-arreglar y re-grabar completamente algunos de sus grandes temas. “Fue un enorme reto y una gran experiencia y nos divertimos mucho grabando nuestros temas más importantes en una forma totalmente nueva y con nuevos arreglos”, dijo la banda.

De la mano del productor Charlie Bauerfeind y con la participación de músicos notables emprendieron esta celebración de aniversario y uno de los destacados de este material fue la participación de la Orquesta Sinfónica de Praga –con sus 70 integranates- ejecutando un “Keepers Medley”, un mix consistente en “Halloween”, “Keeper Of The Seven Keys” y “The King for A 1000 Years” y también en “A Tale That Wasn’t Right”. Como algo no tan extraño para la calabaza, este lanzamiento recibió fuertes críticas tanto positivas como negativas. Quizá más de las segundas que de las primeras, aún para quienes no los habían escuchado desde el inicio de su carrera. Además, alegaban que era una burla hacía sus temas más clásicos al ser interpretados en diferentes estilos.

7 PECADOS Y 13 TEMAS

Ya para mayo de 2010, anunciaron en su sitio que estaban trabajando en un nuevo álbum de estudio, el cual finalmente fue conocido el 31 de octubre del año pasado en Europa y tres días después en U.S.A. El CD fue grabado en el estudio de Andi Deris, Mi Sueno Studios, ubicado en Tenerife, España. La pre-producción de este compacto incluyó la composición de más de una veintena de canciones, de la cual después seleccionaron los 13 temas que serían parte de 7 Sinners.

Los argumentos ofrecidos sobre el diferencial de este nuevo trabajo generaron altas expectativas en la audiencia. La banda lo había calificado como el más rápido, el más duro y el más melódico de su trayectoria. De hecho, Grosskopf señalaría antes del lanzamiento: “Para aquellos que encontraron el CD Unarmed muy suave y tranquilo, les tengo buenas noticias: el nuevo álbum será un golpe directo a la cara. Será muy pesado y contendrá el sello de Helloween”. Aunque el hecho de que las agrupaciones se den la tarea de vanagloriar cada entrega antes de su lanzamiento ya se ha convertido en algo común, es importante dejar claro que si bien el décimo tercer trabajo presenta algunos altibajos, cumple con lo que ofrecieron: metal y claro, metal del bueno. Sobresalen temas como “Who Is Mr. Madman?”, “If A Mountain Could Talk”, “The Sage, The Fool, The Sinner” y “Far In The Future”.

Antes de la salida física, la banda puso 7 Sinners a disposición de todas y todos sus fans alrededor del mundo a través de su página de Myspace, cuestión que no fue para nada un impedimento para que el compacto vendiera aproximadamente 1900 copias en los Estados Unidos, tan solo durante la primera semana en el mercado. Incluso, el CD llegó a la posición No. 7 de la cartelera Top New Artist Album, que da cuenta de los álbumes mejor vendidos por artistas que no han aparecido en el top 100 de The Billboard 200.

Sobre el nombre de 7 Sinners, Weikath comentó que antes de decidir cómo titular esta placa se encontraron con que tenían el tema escrito por Deris, “Where The Sinners Go” y su tema llamado “The Sage, The Fool, The Sinner” y fue entonces cuando decidieron que no cambiarían ninguno de los dos títulos pero que podrían usar el término “Sinner” para todo el álbum. Luego, cuando Weikath colocó una imagen de una estrella de siete puntas en su iPhone, se dieron cuenta que se veía bien y pensaron que sería idóneo un diseño que hiciera alusión a esa estrella. Entonces les saltó la idea de “7 Sinners” ligada a los 7 puntos de la estrella. La idea de aludir a los siete pecados capitales acredita al disco como un verdadero álbum de metal, luego del no muy bienvenido disco de aniversario.

Y bien, The 7 Sinners World Tour nos trae de vuelta a Helloween y esta ocasión estarán acompañados por los finlandeses de Stratovarius. “Tuvimos un gran paquete con Gamma Ray la vez pasada y estamos muy orgullosos de tener a Stratovarius esta vez”, manifestó Andi Deris con respecto a esta gran fiesta de Power Metal. En Chile la función tendrá lugar en el Teatro Teletón, a las 21 horas del 29 de abril de este año. Este evento en el que se presentarán los maestros y los discipulos se suma a la extensa lista de conciertos que este año ¡no nos podemos perder!

Con veinticinco años de historia, trece álbumes, incontables conciertos por todo el mundo y millones de copias vendidas ¿qué más puede decirse de Helloween? Es poco más lo que puede agregarse a lo ya dicho, una banda que ha marcado una escuela, un estilo, un camino, un referente a seguir. Es de esperar que la calabaza continúe con su avasalladora carrera, y que siga transitando por la carretera del metal hasta el fin de los tiempos. Al menos, lo hecho ya en el pasado, los ha hecho inmortales.

Este marzo hacemos homenaje a una de las diosas del metal; una mujer que ha puesto las cartas sobre la mesa y ha enfrentado un batallón mayoritariamente masculino…

La sutileza del canto lírico combinada con la fuerza del power metal sinfónico tienen un punto de unión: Tarja Turunen. La ex–vocalista y co-fundadora de Nightwish logró conquistar rápidamente los escenarios metálicos gracias a su calidad de interpretación vocal pero sobretodo, por su carisma y habilidad de comunicarse con su público.

“Sing me a song
of your beauty
of your kingdom
Let the melodies of your harps
caress those whom we still need”

Tarja nació el 17 de agosto de 1977 en la ciudad de Kitee, Finlandia. Su nombre completo es Tarja Soile Susana Turunen Cabuli (el último es su apellido de casada). Ella cuenta que su primer “concierto” fue a los tres años, cuando se puso cantar en un lugar que ya no recuerda. Empezó sus estudios musicales desde los seis años y sus padres notaron rápidamente que le gustaba la música porque siempre estaba cantando, por eso, comenzó a recibir clases de piano y a practicar con temas de música clásica.

A los diez años inició sus estudios de historia y teoría musical. Sus padres la llevaban a la ciudad cinco veces a la semana después del colegio para que pudiera tomar sus clases, en las que aprendió música coral, flauta, banjo y piano. Cuando cumplió 15, entró en la Escuela de Música y pudo costear los cursos porque había trabajado durante el verano de los años anteriores, precisamente para poder pagarlos. Más tarde, se dio cuenta que para llegar lejos debía inscribirse en una universidad o instituto musical, pero donde ella vivía no había nada de eso. La ilusión permaneció en su mente como motor de sus deseos. Mientras tanto, en su adolescencia cantó diversos estilos: desde música sacra en iglesias hasta funk, rock y soul en distintos lugares. Eso lo hacía con bandas locales o grupos formados en la escuela.

Un día su voz desapareció completamente y se asustó. Se preguntó a sí misma qué era lo que estaba haciendo mal y de ahí brotó su interés por aprender canto clásico y técnicas vocales. Como su pasión siempre había sido el canto lírico, se mudó a Kuopio para estudiar ese estilo en la Academia Sibelius. Fue ahí donde se empezó a germinar la semilla de la ahora afamada banda Nightwish. Tan solo seis meses después de haber entrado a la Universidad, Tuomas Holopainen la invitó a grabar un demo de su proyecto acústico. Al aceptar, Tarja emprendió el camino hacia un rumbo que después la llevaría a la cima de la fama finlandesa y del resto del mundo. Rápidamente, y tan solo con su primer demo lograron conseguir contrato con la casa productora Spinefarm.

No mucho tiempo después, la mencionada disquera lanzó el primer álbum Angels Fall First, que fue una exitosa revelación por la voz de registro soprano y estilo operático de Tarja mezclados con doble bombo y rápidas melodías de guitarra y teclado. Para ese entonces, Tarja formaba parte del Coro del Festival de Ópera Savonlinna en el que interpretaba obras de Wagner, reconocido compositor de dramas musicales, y Verdi, autor de la famosa opera La Traviata. Esto significaba una nueva etapa en su vida ya que debía encontrar una manera de unificar dos estilos totalmente diferentes de música y, sobretodo, tener aceptación.

“I will die for the love of the mermaid
Her seduction, beauty and scorn
Welcome to the end of your life
- Hail the Oceanborn!”

El siguiente álbum de Nightwish fue Oceanborn con el cual se hicieron acreedores de un disco de platino por las ventas alcanzadas gracias a sencillos como “Sleeping Sun” y el cover “Walking In The Air” de Howard Blake, fue utilizado para la película animada llamada “The Snowman”. Oceanborn fue el pase de total aceptación de Nightwish en la escena finlandesa, pero ello se debió principalmente al carisma de Tarja y su excelente habilidad de manejar al público. Tanto así, que la consideraban la cantante favorita de metal alrededor del mundo.

Además, el triunfo de su talento la llevó hasta una gran cantidad de portadas de revistas como Rock Brigade, Metal Hammer, Metallian, Rock Hard, Roadie Crew, Rumba, Flash, Epopeya, Close Up Magazine, Maelmströn, Scream Magazine, Hard N´Heavy, Rock Tribune, Inferno, Sue, Legacy Magazine, Aardschok, Orkus, Blue Wings, Heavy Oder Was!? y Hell Awaits. En ellas, fue etiquetada como una de las mejores vocalistas, especialmente de Finlandia. En el 2002, en una encuesta de la revista Soundi Magazine Tarja fue elegida como la mejor vocalista finlandesa y como la artista más carismática. Uno de los atractivos que más sobresalen de Tarja, además de su belleza física, es su manera de vestir tan elegante y a la vez extrovertida, que siempre combina con el color de sus micrófonos. Eso le suma originalidad y produce admiración en sus fans.

El hecho de que Nightwish fuera cada vez más reconocido no fue un obstáculo para que Tarja continuara sus estudios y otros proyectos. A finales de 1999, participó como solista en “The Evankeliumi”, una producción de ballet moderno de la Casa Nacional de Ópera de Finlandia. La presentación fue escrita y dirigida por el famoso coreógrafo Jorma Uotinen junto a Kärtsy Ataca de la banda finlandesa Waltari. Todas las entradas de las presentaciones de “The Evankeliumi” se agotaron.

A principios del 2000, Nightwish quedó en segundo lugar en el concurso de Eurovisión, con “Sleepwalker”. La popularidad de Tarja y la banda se hizo notar con los votos que recibieron a través de llamadas telefónicas. Otro de los programas televisivos que contribuyeron al buen reconocimiento de Tarja como una nueva sensación en el metal fueron Lista Yle Tv, Kokkisota MTV3, Hotelli Sointu TV1, Vaarallinen risteys MTV3, Huomenta Suomi MTV3 y Jyrki MTV3.

La tercera y quizá más exitosa placa, Wishmaster, fue lanzada en mayo del 2000 y estuvo en las principales carteleras de todo el mundo. Sólo unas semanas después de la salida, recibió en Finlandia el status de platino, y vendió 150,000 en todo el mundo. Aquel año fue bastante ajetreado para Tarja y Nightwish ya que estuvieron de gira promocionando Wishmaster por Europa, Finlandia, Canadá y Sudamérica, llegando por primera vez a Chile en junio de ese año.

La primera grabación de Nightwish en vivo fue para la víspera de año nuevo 2000-2001 en el club Pakkahuone en Tampere, Finlandia. Fue una época en la que la demanda de conciertos de Nightwish era cada vez mayor. Así que con el material recopilado sacaron un DVD y VHS, bajo el nombre From Wishes to Eternity – Live y en Finlandia también salió a la venta una CD de edición limitada. Cada uno de los formatos alcanzó un alto porcentaje de ventas llegando a ser disco de oro en Finlandia y DVD de oro en Alemania.

“Ever felt away with me
Just once that all I need
Entwined in finding you one day
Ever felt away without me
My love, it lies so deep
Ever dream of me”

Antes de publicar la cuarta placa, los y las fanáticas de Tarja y Nightwish disfrutaron de un mini disco titulado Over the Hills And Far Away que también obtuvo la categoría de platino en Finlandia. Luego de eso, Nightwish empezó a trabajar en su cuarto material discográfico Century Child. Tarja por su parte aprovechó el tiempo que les llevó la composición de letras y música para continuar sus estudios de canto y se inscribió en la Universidad de Música Karlsruhe en Alemania (Hochschule für Musik Karlsruhe). En Karlsruhe los horarios académicos son bastante rígidos, pero eso no fue motivo para que Tarja dejara de cumplir con su parte de la grabación, así que organizó su tiempo y grabó no solo para Century Child sino también para el álbum “Infinity” del bajista argentino Beto Vázquez, lo cual le dio aún más renombre a Nightwish, pues la voz de Tarja fue escuchada en Rusia, países orientales, Europa y Sudamérica.

En el 2002, la banda visitó nuevamente las tierras chilenas para promover Century Child, otro disco de oro,  pues apenas unas horas después de su aparición en las tiendas entró en las primeras posiciones de los rankings de Finlandia. Ese mismo año, Tarja regresó a Sudamérica, específicamente a Argentina y Chile, para dar un concierto de Lied llamado “Noche Escandinava” junto a Marjut Paavilainen, Ingvild Storhaug y la pianista Izumi Kawakatzu. En él, interpretaron obras de Jean Sibelius, Ture Rangström, Johannes Brahms, Leevi Madetoja, Hugo Wolf, Oskar Merikanto, Feliz Mendelssohn, Richard Strauss y Gustav Mahler. Los conciertos fueron auspiciados por las Embajadas de Finlandia, Noruega, Japón, Alemania y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Es importante mencionar que las entradas de los conciertos se agotaron y la simpatía de Tarja atrajo una gran cantidad de público y se llevó la atención de la gran mayoría de preguntas de periodistas y corresponsales.

Después, con la gira World Tour of the Century Tarja y Nightwish estuvieron durante tres meses en diez países del mundo y dieron 25 conciertos para 150,000 personas. Al concluir, estaban tan cansados que decidieron tomar un largo descanso para que cada uno de los miembros de la banda tuviera un poco de tiempo para sí mismos. Mientras tanto, Tarja regresó a Karlsruhe para seguir especializándose en el canto. Sin embargo, en enero del 2003 la gran demanda de las y los seguidores obligó a la banda a complacerlos con dos shows adicionales para 15,000 personas en Oberhausen Arena  y Múnich. Posteriormente, en junio inició el tour Summer of Innocense con el que llevaron su música a 14 países y unas 400,000 presenciaron los conciertos.

Un documental sería la próxima producción de la banda. Con éste podrían mostrar a sus admiradores la historia recabada hasta ese momento, incluyendo escenas de sus diferentes giras por el mundo. Para entonces Mape Ollila, un periodista especializado en música que había seguido los pasos de Nightwish desde el principio, pidió una entrevista a fondo con la banda. Toumas accedió y la entrevista se llevó a cabo en la casa de campo de Holopainen con Nightwish y todo su equipo. La entrevista junto al material de las giras generó un documental de dos horas y quince minutos.

El 2003 fue un año victorioso para Tarja, tanto así que fue invitada por la presidenta de Finlandia, Tarja Kaarina Halonen, y su esposo, Dr. Arajärvi, para que asistiera al Palacio Presidencial a la fiesta del Día de la Independencia Finlandesa, el acontecimiento social más importante de ese país que se celebra cada año. Dicha invitación le adjudicó a Tarja una elevada posición en la sociedad ya que en la página oficial de Yle TV la nombraron, de acuerdo a los votos del público, “la dama con el atuendo más impresionante”. Así mismo, Ilta Lehti e Ilta Sanomat, los diarios más importantes de Finlandia, la reconocieron como “la reina de la noche” y la segunda dama con el atuendo más impactante.

Para Tarja, las iglesias son un lugar “donde se puede escapar del ruido y el alboroto… se puede ser completamente uno mismo, escuchar los pensamiento íntimos y agradecer”. Así que para cerrar ese año con broche de oro, dio un concierto navideño el 19 de diciembre en la iglesia Valkeala, donde 600 personas llenaron el lugar de cálidos aplausos para la cantante, luego de que interpretara -por una hora- temas navideños tradicionales de Finlandia de grandes y reconocidos compositores como Kotilainen, Melartin y Sibelius. También cantó algunas arias de Bach y Mozart.

“My fall will be for you
My love will be in you
If you be the one to cut me
I will bleed forever”

Tarja grabó su voz para el álbum siguiente al Century Child que, sin saberlo, sería el último que grabaría para Nightwish. Luego de ello, viajo a Buenos Aires, Argentina para dar un curso de canto de un mes de duración para músicos ya entrenados. En el 2004, Tarja viajo a Chile, Argentina, Brasil y Rumania debido a la segunda gira con su alineación de “Noche Escandinava”. Las entradas se agotaron para cada show.

El quinto álbum de Nightwish, Once, fue lanzado en junio de ese año y condujo a Tarja a varias sesiones fotográficas, conferencias de prensa y entrevistas tanto en Finlandia como en el resto del mundo. Eso era tan solo una muestra de lo que se venía con el nuevo tour, que sería el más grande acto finlandés en el extranjero. Con una agenda extremadamente ocupada, Tarja debía encontrar tiempo para coproducir y cantar en el álbum debut de su hermano, Timo. Igualmente, el primer disco de su carrera como solista saldría a luz y tendría como motivo la Navidad. Hasta ese entonces, las estadísticas dictaban un gran triunfo de Nightwish ya que las ventas excedían el millón de copias, y la audiencia que había estado frente a Tarja llegaba al medio millón de personas alrededor del mundo. Además, la cobertura de la celebración del día de la independencia en la Palacio Presidencial había dado a conocer a Tarja a más de dos millones de personas en Finlandia, según lo declaró Yle TV Station.

En el otoño del 2005, Nightwish ofreció varios conciertos, incluso estuvo de gira por Sudámerica, pero Chile no estuvo incluido. El último concierto de la gira Once World Tour fue el 21 de octubre frente a 11,500 personas en Hartwall-Arena Helsinki y fue grabado para lanzarlo como DVD bajo el nombre de End of an Era. Y vaya que era el final de una era, pues ese también fue el último concierto de Tarja junto a Nightwish.

Tras nueve años de relación musical, Tuomas, Marco, Jukka y Emppu expulsaron a Tarja de la banda luego de esa presentación y por medio de una carta abierta al público. Según ellos, la razón se debió a que durante el tour para promocionar Once las actitudes y acciones de Turunen y de su manager y esposo, Marcelo Cabuli, eran todo lo contrario a lo que Nightwish representaba. La despedida de Nightwish significó algo muy desagradable para Tarja. En las conferencias de prensa que dio acerca de su expulsión se observó su tristeza y confusión ya que no pudo evitar que las lágrimas se le escaparan de los ojos al tratar de dar explicaciones de lo sucedido.

Otra de las quejas de Nightwish hacia Tarja era que no quería viajar junto a ellos y que no compartía como una integrante de la banda, más bien se comportaba como una súper estrella. A ello, Tarja respondió que una cantante debe cuidar su voz y que ahora que tenían la posibilidad de viajar por avión era de mucho beneficio para ella, pues andar en un bus lleno de humo de cigarro y bulla le podía afectar en las presentaciones ya que considera que la falta de sueño la afectan en su actuación. No obstante lo anterior, Tarja continúo con su vida artística. Y en diciembre interpretó varios conciertos de Navidad en Finlandia, Alemania, España y Rumania.

El 2006 no fue precisamente un año de descanso para Tarja, además de grabar un álbum de navidad y de grabar para su hermano, participó en el Festival de Ópera Savonlinna. El 16 de septiembre del mismo año asistió a un Meet and Greet para promocionar el sello Spinefarm UK, en el cual los y las fans que llegaron tuvieron la oportunidad de hacerle preguntas a Tarja y también de ser los primeros en escuchar ocho de las canciones de su nuevo álbum antes de que este fuera publicado oficialmente.

“Put all your angels on the edge
Keep all the roses, I’m not dead”

Por fortuna, la siguiente tormenta en la vida de Tarja estuvo acompañada de una fuerte lluvia de victorias para su carrera solista, pues en noviembre de 2007 estrenó su primer larga duración (sin contar el álbum navideño), K. Éste alcanzó rápidamente las primeras posiciones de las carteleras finlandesas, así como el estatus de oro el mismo día del lanzamiento. El disco fue editado en los estudios Universal Music y en él participó Torsten Stenzel en los teclados, Alex Scholpp en la guitarra, Doug Wimbish en el bajo y Earl Harvin en la batería.

Es una producción muy bien lograda en donde hay influencias de su banda anterior mezcladas con orquestaciones y principalmente, su estilo peculiar en la voz. El disco es tan variado como los gustos de Tarja, y no se puede negar que cada canción demuestra su solidez. Turunen decidió incluir en el disco un cover de Alice Cooper, en concreto el tema Poison, el cual logró encajar muy bien en su álbum. Esa fue la primera vez que Tarja escribió sus propias canciones y de hecho señaló que se sentía bien de poder usar su rango vocal completo: “Nunca había cantado tan bajo como lo hice en una de las canciones del nuevo álbum y hay una canción en la que canto mis notas más altas. Realmente he usado un rango vocal amplio en este álbum –alrededor de tres octavas- porque los ánimos fueron cambiando en cada canción y eso lo refleja”. Además, ocho de los temas de My Winter Storm fueron compuestos por ella. Fue un trabajo que realizó de la mano de maestros y compositores quienes daban el visto bueno, mejoraban las ideas o simplemente las obviaban. En el 2007 también grabó el tema “In The Picture” del disco compilatorio, “Into The Light”, que conmemora el 20 aniversario de la casa disquera Nuclear Blast.

Después de cuatro años, Tarja Turunen regresó a Chile para promocionar My Winter Storm, en el marco del Primer Festival de Metal Sinfónico en Chile. En su setlist estuvieron incluidos algunos temas de Nightwish que nunca fueron tocados en vivo y otros con nuevos arreglos. La virtuosa alineación que la acompañó estuvo integrada por el increíble guitarrista Kiko Loureiro, el bajista Doug Wimbish (Living Colour), Mike Terrana en la batería, Max Lilja (ex–Apocalyptica) en el cello y en el piano María Ilmoniemi. En aquella ocasión Tarja aseguró que no sería un concierto ni de heavy metal ni clásico pero que, en definitiva, sería muy emotivo. También afirmó que sus nuevos temas no serían tocados justamente en la forma como fueron grabados en el disco debido a que a ella le gusta revitalizar las composiciones cuando se trata interpretarlas en directo.

Al finalizar la primera parte del Storm Tour, Tarja se dedicó a componer nuevas canciones, dos de las cuales fueron reveladas en su blog: “Wisdom Of Wind” y “Enough”; ambas fueron incluidas en una edición extendida de My Winter Storm. A finales del año 2008 salió a la venta el EP, The Seer, vía Spinefarm, cuya distribución se limitó a mil copias y su disponibilidad fue únicamente en el Inglaterra. The Seer contiene un dúo con la aguerrida Doro Pesch, grabaciones en directo y remixes de My Winter Storm.

Ya para enero de 2009 la cantante anunció en su blog que durante los últimos meses había estado escribiendo temas para su nueva placa. “Escribir canciones es siempre una experiencia de aprendizaje y ha sido un placer discutir la música con diferentes personas”, expresó Tarja e indicó que el título del siguiente material sería What Lies Beneath y bajo ese título inspirador se desprendería todo el concepto, tal como lo había hecho con My Winter Storm. Luego del descanso, la finlandesa retomó la segunda parte de su gira, a la cual denominó Summer Storm y en la que aprovechó para promocionar “If You Believe”, tema que sería incluido en What Lies Beneath. En una entrevista, Tarja explicó que en este nuevo trabajo se podrían escuchar elementos más trabajados y que sería un álbum más maduro y más personal que el primero.

“Find the comfort in the storm
No reason to be sorry”

En mayo de 2009 Tarja anunció que tenía veinte canciones listas para grabar, pero fue hasta el enero de 2010 que Spinefarm Records UK confirmó que la cantante había ingresado al estudio para la grabación de su nuevo álbum. Las sesiones finalizaron el 14 de abril de ese año, pero el proceso de mezcla conllevó un par de meses más porque fue realizado en tres países diferentes, por tres distintos ingenieros en sonido.

Por si fuera poco, Tarja hizo más noticia en el mundo del metal cuando se dio a conocer que recibió una llamada para realizar una colaboración especial con los legendarios alemanes de Scorpions en el tema “The Good Die Young” de su última producción, Sting In The Tail. Fue el propio Klaus Meine quien se comunicó con Turunen para invitarla y, en abono a la participación en un tema, le hicieron saber que también usarían sus melodías y armonías vocales. Después, el 12 de junio de 2010, antes del lanzamiento de What Lies Beneath, Tarja se presento en el concierto “Classic and Divine” del Miskolc Opera Festival junto a su banda, una orquesta y un coro sinfónico.

El segundo disco solista de Tarja, What Lies Beneath, finalmente vio la luz en septiembre de aquel año, a través de Universal Music. Vendió aproximadamente mil trescientas copias en los Estados Unidos durante su primera semana y alcanzó  la posición No. 24 de la cartelera Top New Artist Albums.

Con el motivo de promocionar su última placa, Tarja ofrecerá un concierto en Chile en el Teatro Teletón el miércoles 23 de este mes. Así, la “reina de la noche”, la “dama de atuendos impresionantes”, la voz que dio vida a Nightwish sigue ocupando grandes escenarios que le rinden honor y admiración por ser una mujer que ha levantado la voz tan alto que ha llegado hasta las más altas montañas de silencio.

La agrupación de la tierra de los anglos ha dotado a la historia del rock con una cantidad considerable de material discográfico, cuya amalgama de temáticas hace gala del lema que enaltece su estilo: sexo, drogas y rock and roll. Con su largo recorrido de 35 años, el power trío ha afianzado su imagen como un referente del Rock And Roll británico, motivo por el que en esta nueva década la banda debe ser reconocida como una leyenda, la leyenda de Motörhead.

Es necesario hacer un flashback hacia la niñez de su fundador, Ian Fraser “Lemmy” Kilmister, para dar cuenta del origen de Motörhead pero sobre todo, de su esencia. Kilmister, a quien desde pequeño apodaron “Lemmy” por su constante exigencia de dinero (“lend me…”), nació el 24 de diciembre de 1945 en Burslem, Inglaterra. Su padre fue un sacerdote que lo abandonó cuando tenía solo tres meses y tras ese incidente, Lemmy creció bajo una actitud rebelde. Con el paso de los años se interesó por el rock, le llamaba la atención el negocio y las mujeres bonitas que siempre acompañaban el concepto de esa música. Fue entonces cuando descubrió a The Beatles, The Rolling Stones y otros grupos. Durante la década de los sesenta, Lemmy tocaba guitarra en diferentes bandas –Sam Gopal, Opal Butterfly- y, en efecto, grabó con The Rockin´Vicars. Otro hecho de la trayectoria pre-Motörhead de Kilmister fue su trabajo como “roadie” del mítico Hendrix.

En 1971 Lemmy se integró como bajista y vocalista de la banda Hawkwind con la que participó en grabaciones como “Space Ritual”, “Hall Of The Mountain Grill” y “Warrior On The Edge Of Time”. Desde aquel tiempo empezó a disfrutar del éxito y buenos comentarios y, de hecho, el grupo llegó a pactar con Atlantic Records. Aunque todo parecía ir de maravilla, resultó que Lemmy tenía conflictos con los integrantes de la banda y por ende, el ambiente no era del todo acogedor. La gota que derramó el vaso fue el hecho de que Kilmister fue apresado en Canadá bajo el cargo de posesión de drogas. Pero la realidad era otra. En aquella ocasión Lemmy tenía en su poder sulfato de anfetamina, cuestión que en Canadá no representa conflictos legales, sin embargo, los agentes de la policía creyeron que era cocaína y lo encerraron por cinco días, hecho que provocó que Hawkwind cancelara algunas shows de su gira. No obstante la confusión, al salir de la cárcel Hawkwind decide beneficiarse de las circunstancias para desterrarlo.

Era 1975 y tras su expulsión Lemmy regresó a Inglaterra dispuesto a fundar su propia banda para evitar cualquier intento de ser despedido nuevamente. Entonces reclutó al guitarrista Larry Wallis y al baterista Lucas Fox. En un principio pensaron que Bastard podría ser el nombre del grupo pero el mánager, Douglas Smith, sugirió que era poco llamativo así que optaron por llamarse Motörhead, denominación que Lemmy había usado para un tema que compuso para Hawkwind y cuyo significado hace referencia a diversas acepciones, una de ellas es “speed freak”. El estilo de Motörhead era tosco, y no era de extrañarse, pues la mira de Kilmister estaba destinada a ser la banda rock`n`rollera más sucia del mundo.

Motörhead dio su primer concierto el 20 de julio de aquel año en Chalkfarm Roundhouse, Londres y, después de diez shows, fueron teloneros de Blue Öyster Cult en Hammersmith Odeon. Durante ese periodo también tocaron junto a Pink Fairies, The Damned y The Adverts. Sin embargo, los comentarios de los críticos de música no fueron nada halagadores, todo lo contrario. Pese a los señalamientos que la prensa especializada les hacía como “la peor banda del mundo”, Motörhead fue cosechando un buen número de seguidores y seguidoras y continuaron el camino que se habían trazado.

El trío firmó contrato con United Artists a través de Andrew Lauder y posteriormente, entre diciembre de 1975 y enero de 1976, empezaron a grabar su primer larga duración en Rockfield Studios en Monmouth con el productor Dave Edmunds. Las sesiones significaron la prueba de fuego para Fox, quien no cumplió las expectativas por lo que fue reemplazado por Phil “Philthy Animal” Taylor, a quien Lemmy conocía desde antes y que aportaría su peculiar estilo rítmico. Al concluir las grabaciones la disquera no estaba conforme con el producto final así que no autorizó el lanzamiento del material que, solo años más tarde, se integraría al mercado musical.

Ante el desaliento causado por la negativa de la disquera, el trío dispuso que era necesario un guitarrista rítmico que le diera fuerza a la música mientras Larry hacía los solos y fue así como pusieron a prueba a “Fast” Eddie Clarke durante un ensayo. Lemmy y Phil se dieron cuenta de inmediato que funcionaban muy bien los tres juntos. Larry llegó un poco tarde al lugar donde estaban realizando la audición y luego de presentarse y tocar un tema con los demás consideró que, debido a la mala imagen de Motörhead en los medios de comunicación, le convenía más unirse al grupo Pink Fairies. De esa cuenta, Motörhead quedó conformado por Lemmy, Taylor y Clarke, alineación que se consagró como la clásica de la banda.

Mientras su mánager, Tony Secunda, intentaba conseguirles un nuevo contrato con algún sello, el reformado trío continuó ofreciendo conciertos, los cuales aprovechaban para mejorar su sonido. A finales de 1976 resuelven grabar los temas “White Line Fever” y una versión de “Leaving Here” (de los compositores de Motown, Brian Holland, Lamont Dozier y Edward Holland) como propuesta de sencillo para Stiff Records. Frente a eso y a pesar de haberles denegado la publicación de su álbum debut, United Artists se interpuso para impedir el lanzamiento ya que la banda aún mantenía un contrato con ellos. A todo esto se sumaba la opinión pública desfavorable hacia Motörhead pues la banda había ganado la encuesta de la revista de música, NME, sobre “la mejor peor banda en el mundo”.

A fin de cuentas Stiff Records lanzó más tarde las dos canciones en dos discos diferentes en vez de darle la oportunidad a Motörhead de publicarlo como sencillo. Desanimados, dispusieron disolver el grupo pero antes le pidieron ayuda a Ted Carrol, jefe de Chiswick Records, para documentar su último concierto que tomaría lugar en The Marquee Club de Londres. Ted estuvo de acuerdo con la idea pues de esa manera tendrían un registro de que Motörhead realmente había existido. Pero las cosas no sucedieron como habían sido planeadas debido a que Ted no grabó el concierto por falta de recursos. No obstante, les ofreció dos días en Escape Studios en Kent para que pudieran producir un sencillo. Los músicos tomaron ventaja de su constante práctica y aprovecharon el tiempo para grabar el set completo que tocaban en vivo. El hecho anterior provocó que Ted Carroll quedara impresionado por los cassettes y, de hecho, accedió a trabajar horas extras en Olympic Studios para terminar de grabar las voces de lo que luego se convertiría un sencillo, un álbum y posteriormente un EP. Con esto la determinación de los británicos había dado fruto pues no solo habían salvado el grupo, también contaban con algo para darle a escuchar a sus fans.

Corría el año 1977 cuando el grupo hizo un tour como invitado de Hawkwind y precisamente, coincidió con el lanzamiento del sencillo “Motörhead” / “City Kids” y su primer LP Motörhead, bajo la entera producción de Speedy Ken vía Chiswick Records, pues sus obligaciones contractuales con United Artists ya habían expirado. Inmediatamente salieron de gira con The Count Bishops pero al haber pasado cuatro conciertos, Phil Taylor se quebró la muñeca así que sus fechas fueron canceladas. Con el álbum listo para ser promocionado, la banda se dio a la tarea de seguir presentándose tan pronto como Phil se recuperó.

En primera instancia, este primer material marcaba el particular sonido áspero y estridente de los británicos combinado con ciertas pinceladas psicodélicas provenientes de la influencia de Lemmy en su tiempo con Hawkwind. Incluso algunos cortes incluidos habían sido compuestos por Kilmister para dicha banda, tales como “Motörhead” y “The Watcher” aunque, por supuesto, con diversos arreglos que los que contenían los originales. La carátula fue obra de Joe Petagno, quien según las indicaciones de Lemmy diseñó el célebre Snaggletooth.

Se vislumbraba un camino prometedor en 1978 ya que el trío se mantuvo dando conciertos por diversos lugares anglosajones. Tony Secunda logró hacer registro de un show llevado a cabo en febrero en The Roundhouse y que cinco años después vería la luz con el título What’s Words Worth? Pero, como en toda historia, los obstáculos aparecieron nuevamente cuando Tony dejó pasar la ocasión para hacer un segundo álbum con Chiswick. Lemmy, Phil y Eddie decidieron despedir a Secunda y, otra vez, Motörhead se quedó sin sello discográfico, prácticamente en medio de la nada. Como todo un guerrero, Kilmister no se quedó con los brazos cruzados y le pidió a Doug Smith, mánager de Hawkwind, que se hiciera cargo de la banda. Aunque un poco renuente, Smith aceptó la propuesta y les consiguió un contrato para un sencillo con la monstruosa Bronze Records.

De esa cuenta, editaron y publicaron el sencillo “Louie, Louie” / “Tear Ya Down”, el cual generó tanta demanda como para estar en el puesto 68 del listado de ventas de Inglaterra y aparecer en el programa “Top Of The Pops”. Por su parte, Chiswick re lanzó el álbum debut para sacar partido de la fama que estaban ganando. Mientras tanto, Motörhead se alistó para encabezar una gira completa por el Reino Unido. Además, el éxito del single mencionado dio lugar a que Bronze Records alargara el contrato para apostar por un segundo álbum. En diciembre de 1978 entraron a Roundhouse Studios guiados por el productor Jimmy Miller.

A manera de entremés, el nueve de marzo de 1979 se dio a conocer el tema “Overkill” en Top Of The Pops para promover el lanzamiento del sencillo antes de la completa salida del álbum. El 24 de marzo el mercado recibió el álbum Overkill y rápidamente entró en el top 40 de las carteleras inglesas y alcanzó la posición 24. Incluso, la revista Sounds acreditó este álbum con cinco estrellas. Sin duda, Overkill derramaba la esencia del trío y era otro ejemplo de la habilidad de Lemmy con las líricas. Otro factor importante que trajo este lanzamiento fue que, con el número creciente de personas adeptas de Motörhead –tanto del metal como del punk,- le demostraron a la prensa que aquella “peor banda del mundo” estaba gustando cada vez más. El trajín de los lanzamientos dio lugar a otro periplo por el Reino Unido, acompañados de las rockeras de Girlschool como teloneras.

Tras la fama de Overkill, Bronze Records solicitó otro álbum así que entraron al estudio y durante julio y agosto el trío se concentró en su siguiente gran publicación. Solamente hicieron un receso en la grabación para presentarse en The Reading Festival. El 27 de octubre de 1979 el tercer álbum, Bomber, ya estaba disponible en las tiendas de música. Bomber también tuvo una buena acogida de parte de las y los fans quienes contribuyeron a que llegara a la posición 12 de las carteleras inglesas. Después iniciaron The Bomber Tour por Inglaterra y el resto de Europa, teniendo a Saxon como banda soporte. Cada show de Motörhead ofrecía algo especial y es que, al momento de interpretar el tema “Bomber”, utilizaban un equipo de iluminación que simulaba un avión bombardero que volaba sobre el escenario. Por otro lado, mientras estaban de gira, a United Artists se le ocurrió reunir lo que habían grabado en las sesiones del ’75 en Rockfield Studios y distribuirlo con el título On Parole. Para fortuna de ese sello, On Parole llegó al puesto 65 de las carteleras británicas.

El inventario de Motörhead ya contaba con tres entregas que de a poco iban contribuyendo a incrementar la fama del terceto. El año 1980 empezó con el pie derecho: la banda seguía de gira y, en ese punto, cabía preguntarse si alguien hubiera imaginado que después una puerta cerrada se les hubieran abierto tantos caminos. Entre tanto, Bronze decidió lanzar el EP, The Golden Years, que contenía cuatro temas: “Leaving Here”, “Stone Dead Forever”, “Dead Men Tell No Tales” y “Too Late, Too Late”. El número positivo de ventas del EP puso de manifiesto la popularidad de la banda y se colocó en el octavo lugar de las carteleras. Motörhead estaba disfrutando su despegue y, por si fuera poco, para celebrar la acreditación que recibió Bomber como disco platino, lideraron la fiesta Top Heavy Metal Brain Damage en Bingley Hall, Staffordshire.

Seguidamente, ingresaron a Jackson’s Studios en Rickmansworth para grabar su tercer vinilo –de la mano del productor Vic Maile- que fue conocido el 8 de noviembre de 1980 como Ace Of Spades. En definitiva, esté álbum se convertiría en el clásico de la banda y, además, los postuló como una de las bandas más aclamadas de aquellos tiempos no solo de Europa sino también de América. De los doce cortes sobresalió el emblemático “Ace Of Spaces” que posteriormente se consolidó como el himno de la banda, así como “(We are) The Road Crew”, “Shoot You In The Back” y “The Hammer”. Cabe resaltar que Ace of Spades recibió el status de oro y, a manera de festividad, Bronze publicó una edición limitada en vinilo de oro. Luego iniciaron el Ace Up Your Sleeve’UK Tour en Europa junto a Girlschool y Vardis y aprovecharon para grabar tres conciertos en Leeds y Newcastle para un álbum en directo. Paralelamente a la salida de Ace Of Spades el sello Big Beat, que había heredado el catálogo de Chiswick, compiló cuatro temas que habían sido registrados durante las sesiones de 1977 en Escape Studios y las distribuyó bajo el nombre Beer Drinkers and Hell Raisers. También salió a la venta “The St. Valentines Day Massacre Ep”, que contenía la  colaboración con las Girlschool en una versión del tema “Plase Don’t Touch” de Johnny Kidd And The Pirates; “Bomber” a cargo de las rockeras y “Emergency” por Motörhead.

El álbum los condujo a otro viaje y esta vez llegaron por primera vez a Norte América, acompañando a Ozzy Osbourne en el marco de la gira de su álbum debut como solista. Durante su estadía en tierras norteamericanas les llega la noticia de que su entrega en directo, No Sleep ‘Til Hammer había acaparado la primera posición. Luego regresaron a Inglaterra, en donde encabezaron The Havy Metal Holocaust en el estadio Port Vale. Motörhead terminó 1981 con una gira por Europa y Escandinavia, haciendo su base de fans cada vez más y más grande.

Tras una intensa jornada de conciertos, Motörhead decide empezar los trabajos para su próximo vinil, pero la situación no era sencilla porque no habían tenido el suficiente tiempo para ensayar, pero sobre todo, no contaban con una productora independiente. Pese a las dificultades, los ingleses se embarcaron en una auto-producción que primero tuvo lugar en Ramport Studios y finalizó en Morgan Studios en febrero de 1982. Dos meses después apareció el single “Iron Fist” seguido del lanzamiento del álbum homónimo el 17 de abril. Ambos ocuparon un buen lugar en las carteleras y fueron los últimos trabajos que hicieron con la formación clásica integrada por Lemmy, Clarke y Taylor.

Motörhead inició una gira por Inglaterra para luego continuar en Norteamérica hasta el 14 de mayo, día en el que Clarke tocó so último repertorio con Motörhead en el New York Palladium. Clarke había dispuesto salirse de la banda debido a que Lemmy dio luz verde a una colaboración para un single con Wendy O Williams y su banda The Plasmatics, en el que interpretarían el cover “Stand By Your Man” de Tammy Wynette. Para Clarke, dicha participación ponía en tela de juicio los principios del grupo y se negó a intervenir en la misma. Luego de varias llamadas telefónicas para remediar la situación, Lemmy y Taylor se contactaron con el guitarrista de la banda Thin Lizzy, Brian Robertson, quien se encontraba grabando como solista en Canadá. Robertson estuvo de acuerdo en ayudarlos a terminar el tour, en el que debutaron en los estadios de Wrexham y en Hackney.

Con la nueva formación se prepararon para su siguiente entrega que resultó ser Another Perfect Day, que estuvo a cargo del productor Tony Platt y debutó el 4 de junio de 1983. Ya con las pilas recargadas se enlistaron para un viaje a América y Europa. Todo parecía haber vuelto a la normalidad para la banda, sin embargo, aunque Robertson ofrecía un excelente aporte melódico, no logró encajar completamente por dos motivos: el primero era su apariencia pues utilizaba el cabello corto, shorts, medias y zapatillas de ballet, lo cual fue rechazado por las y los fans debido a que no concordaba con la imagen que tenían de Motörhead; el segundo motivo fue que se rehusó a tocar los clásicos que la agrupación solía tocar en directo. Este último fue el detonante para que, de manera amistosa, determinaran que la mejor opción sería que se separara de la banda. Por lo tanto, su último show fue el 11 de noviembre en Berlín.

Por tercera ocasión se vieron en la necesidad de recurrir a un proceso de audición para elegir al nuevo miembro de la banda. Las audiciones arrojaron a dos posibles integrantes y terminaron por escoger a ambos. Ellos eran el galés, Phil Campbell, y el londinense, Mick Burston, mejor conocido como Würzel. Una vez completada la alineación, grabaron en febrero de 1984 la canción “Ace Of Spades” para el prestigioso show de comedia “The Young Ones”. Pero el cuarteto no permaneció por mucho tiempo en línea ya que hubo algunos problemas entre Lemmy y Taylor y éste último dejó la banda. Afortunadamente, Campbell había conocido al ex baterista de Saxon, Peter Gill, a quien no dudaron en proponerle que se les uniera. Los ensayos con Gill estuvieron de maravilla y rápidamente decidieron que él sería el reemplazo ideal.

Para Bronze Records los cambios constantes que habían azotado a la banda eran prácticamente un suicidio y por eso quería publicar un álbum compilatorio. Pero Lemmy intervino e insistió en que la nueva formación debía grabar algo nuevo para incluirlo al final de cada lado de la compilación. Las sesiones de grabación se realizaron entre el 19 y el 25 de mayo de 1984 en Britannia Row Studios en Londres. Los cuatro músicos grabaron seis temas para los “lados B” de los sencillos y para el álbum. El single  “Killed By Death” emergió y se consolidó como un nuevo himno para la banda y sus fans. El 15 de septiembre de ese año apareció el álbum doble, No Remorse, el cual fue platino en Inglaterra. A pesar de que el lanzamiento había tenido éxito, el cuarteto no estaba conforme con la forma en la que Bronze Records los estaba tratando y por esa razón deseaban terminar el contrato.

En ese sentido, los problemas regresan a la historia del cuarteto en gran parte porque lo que continuó estuvo repleto de conflictos legales. La disputa llegó a tal grado que Bronze Records interpuso una orden judicial para impedir que Motörhead grabara. Mientras encontraban una solución favorable, el grupo no se quedó con los brazos cruzados, por el contrario decidió irse de gira para recaudar algunos ingresos. Así, los destinos fueron Australia, Nueva Zelanda y Hungría. Luego montaron el Death On The Roads Tour, entre octubre y noviembre. Después se dirigieron a América, junto a los metaleros de Exciter y Mercyful Fate y, finalmente, en diciembre, terminaron el año con cinco shows en Alemania.

El siguiente año traería buenas noticias. Motörhead ganó la batalla legal en contra de Bronze y el manager Douglas Smith inició su propio sello: GWR. En abono a las buenas noticias, la banda celebra el 28 y 29 de junio su décimo aniversario a través de dos conciertos realizados en Hammersmith Odeon. Lo conmemorativo de la fiesta de aniversario fue que en el encore aparecieron todos los integrantes que hubieran estado una vez en Motörhead, exceptuando a Larry Wallis. El video de la segunda noche fue lanzado posteriormente con el nombre de The Birthday Party. Seguido de la fiesta, el cuarteto emprende otro recorrido en el marco del “It Never Gets Dark Tour” y durante el otoño se fueron a una gira americana junto a Wendy O Williams.

Ya en 1986 el cuarteto se dispone a grabar otro plástico con su nueva disquera. Las sesiones tuvieron lugar en Master Rock Studios y junto a los productores Bill Laswell y Jason Corsaro dieron vida a Orgasmatron, cuyo sonido era muy similar a los de sus primeros trabajos aunque mayormente orientado al estilo heavy metalero de la época. Indiscutiblemente, otra travesía fue el siguiente paso de la banda que, además de los correspondientes recitales en el Reino Unido, tocó junto a Megadeth durante dos meses y a fin de año en Alemania.

El segundo álbum con el sello GWR fue Rock’n’Roll. Éste fue hecho público el 5 de septiembre de 1987, después de un intenso trabajo en el estudio. Varios temas de Rock’n’Roll se volvieron bastante populares. También se debe mencionar que el segundo corte de este vinilo era “Eat the Rich”, que había sido grabado por la banda para la película del mismo nombre y en la que Lemmy actuó haciendo el papel de un hombre mafioso. Además, para júbilo de las y los headbangers, éste álbum marcaba el regreso de Philty Animal Taylor en la batería.

El año 1988 empieza con un tour de dos meses por América junto Alice Cooper, seguido de Europa junto a Girlschool y Destruction. Es durante ese año que deciden grabar otro álbum en directo y lo hacen el dos de julio en Hämeenlinna, Finlandia durante su presentación en el Rock Festival de dicho país. Así, el 15 de octubre de aquel año el registro fue lanzado como No Sleep At All. Aunque con un sonido pobre, No Sleep At All demostraba el poder de la banda, reforzado con la dureza y rapidez de las guitarras. El cuarteto continuó sus acostumbrados viajes por América –compartiendo escenario con Overkill y Slayer-, Alemania e Inglaterra. Lamentablemente otra vez brotaron problemas entre el grupo y su –relativamente-nueva disquera. Por tanto se abrió un caso legal contra GWR que no fue resuelto hasta mediados de 1990. Por tal causa el año 1989 estuvo repleto de conciertos que promovían el directo No Sleep At All y que les permitieron presentarse en lugares que no habían visitado como lo fue Brasil, en donde dieron cinco recitales.

Una vez terminado el litigio con GWR se dirigieron a América con su nuevo mánager, Phil Carson y ganaron un contrato con la multinacional Sony/Epic. Las grabaciones de su nueva entrega dieron inicio a medio 1990 pero justo antes de principiar las sesiones, su antiguo mánager, Doug Smith, publicó el concierto grabado durante el décimo aniversario del grupo, pese a que ellos le habían expresado desde 1986 que no querían hacerlo. No obstante el mal rato, el cuarteto se concentra en grabar. Cuando hubieron grabado cuatro canciones con el productor Ed Stasium debieron despedirlo debido a que Lemmy se percató que en la mezcla del tema “Going To Brazil” se escuchaban otros instrumentos que Stasium había agregado sin el consentimiento de ninguno de los cuatro músicos. La versión de Stasium fue que había llegado al límite de su paciencia por el abuso que Lemmy hacía del alcohol y que eso había provocando su renuncia.

A fin de cuentas fue Peter Solley el que continuó con el trabajo de Stasium y para el dos de febrero de 1991 la nueva placa titulada 1916 ya tenía un lugar en los almacenes. 1916 pasó a integrar la lista de favoritos de muchos fanáticos de Motörhead, incluso codeándose con el exitoso Ace of Spades, tanto así que fue nominado para un Grammy en la categoría “mejor disco de metal”. No se puede dejar de mencionar que 1916 significó el renacimiento de la banda en la década de los ’90; a cada canción se le dio el tiempo debido, el tiempo necesario para llegar a ser lo que fue. Además, llamó mucho la atención la balada del mismo nombre porque era algo nuevo y desafiante para la banda y cuya letra fue inspirada por la Batalla de Somme, librada en la I Guerra Mundial. La subsiguiente serie de shows les posibilitó compartir con The Almighty, Alice Cooper, Judas Priest y Sepultura.

Tras bastidores las cosas no eran tan buenas como parecían. La banda pasó por un continuo cambio de mánagers y, en efecto, la relación interna tampoco iba viento en popa. Campbell, Würzel y Taylor presionaban a Lemmy para que despidiera a Doug Banker y de repente, apareció en escena Todd Singerman, quien insistió en administrar la banda a pesar de no tener experiencia en ese ramo. Después de debatirlo, el grupo se reúne con él para aceptar su propuesta. Entre tanto, los británicos se hunden en Music Grinder Studios para arreglar una nueva placa. Fueron tres los bateristas que tuvieron parte en la hechura ya que Taylor fue expulsado por su poca voluntad; luego escogieron a Tommy Aldrige para grabar la mayoría de material que faltaba y por último Michael Kiriakos Delaouglou, más conocido como Mikkey Dee, interpretó el tema “Hellraiser”. El resultado fue March Ör Die que fue conocido el 14 de agosto de 1992 y que, si bien contaba con la participación de Ozzy Osbourne y de Slash, no tuvo la aceptación esperada ya que el destellante 1916 era muy difícil de opacar.

En seguida, Mikkey Dee quedó como sustituto de Philthy. Dee había tocando con bandas de la talla de Kind Diamond y se había unido a Don Dokken para su álbum solista. Su primer concierto con Motörhead fue llevado a cabo el 30 de agosto de 1992 en el anfiteatro Saratoga Performing Arts Center de Nueva York. Pese a que los primeros conciertos del tour le resultaron un poco complicados por falta de ensayo, demostró que tenía la potencia necesaria para quedarse como baterista de Motörhead. En dicho tour tuvieron fechas junto a Ozzy Osbourne, Skew Siskin, Exodus, Metallica, Guns N’ Roses y Saxon. Aún cuando cada concierto del viaje abastecía a la banda de mayor renombre fueron despedidos de Sony, junto con otras bandas. Esta vez el mal sabor de boca era peor que antes ya que Sony no era cualquier sello y aunque no se encontraban en medio de la nada gracias a su calurosa fama, no les caía en gracia tener que volver a hacer todas las gestiones para ganarse un nuevo contrato.

Valiéndose de la actitud aguerrida que los caracteriza se las arreglaron para establecerse en Los Ángeles y empezar a grabar nuevas canciones mientras buscaban otra casa disquera. Además, también aprovecharon el tiempo con otra gira que los llevó hasta Argentina, toda Europa y finalizó con broche de oro en su regreso a E.U.A., en donde se presentaron en el famoso New York Ritz. Luego de la extensa travesía y el arduo trabajo siguieron con el proceso de grabación. En el ínterin de su búsqueda apareció Howard Benson, quien sería el productor de sus próximos cuatro plásticos. El cuarteto grabó con sus propios medios en A&M Studios y en Prime Studios en Hollywood y el 29 de noviembre de 1993 lanzaron Bastards.

Para la distribución de Bastards buscaron a la compañía alemana ZYX, la cual contribuyó en gran medida pero se negó a pagar copias promocionales, por lo que la banda tuvo que enviarlas por sí misma. El trabajo de los músicos en esta placa era espléndido, Dee aportaba un gran desempeño con las baquetas y el sonido general de la banda derramaba fuertes cantidades de agresividad. Lo que siguió fue un extenso recorrido por Estados Unidos junto a Black Sabbath y Morbid Angel, luego Argentina, Japón y Europa.

El año 1995 principió con presentaciones en Europa y un segundo tour con Black Sabbath. Motörhead regresa a Los Ángeles, específicamente a Cherokee Studios en Hollywood para dar vida a su consecuente lanzamiento, que se haría bajo el sello Steamhammer / SPV y CMC en Estados Unidos. Sin embargo, durante la grabación se vaticinaba el desánimo de Würzel, quien poco tiempo después de haber concluido decidió dejar la banda. Finalmente, Sacrifice vio la luz el 11 de julio de ese año y la banda dispuso seguir como un trío. Así, se aventuraron en un prometedor tour mundial que los condujo por primera vez a Chile en el Teatro Monumental. Más tarde, ese mismo año, Lemmy celebró su cumpleaños número 50 en el conocido club nocturno de California, Whiskey A Go Go. Metallica tuvo parte en esta celebración, presentándose con el nombre “The Lemmy’s”.

En marzo de 1996, Motörhead ingresa a Ocean Studio para seguir con el ritmo de trabajo acostumbrado y proveer a sus fans de más rock’n’roll. La grabación es interrumpida por la participación del terceto en algunas fechas del Summer Festival de Europa. No fue sino hasta el 15 de octubre que dieron a conocer Overnight Sensation, que era el primer trabajo de la banda como un trío desde la salida del Another Perfect Day. El año fue concluido con otro periplo por América y Europa junto al eminente Dio. El tour se explayó hasta bien entrado 1997 y durante esa segunda parte se presentaron en Rusia, en donde nunca antes habían tocado.

Aquellos shows eran simplemente espectaculares y la banda lograba transmitir toda su energía. Los lugares de sus conciertos eran cada vez más grandes y con eso se alimentaba no solo el buen sentir de Motörhead sino también su reputación como uno de los mejores exponentes del rock’n’roll y afirmando su prestigiosa postura como precursores de la nueva ola del heavy metal británico. De hecho, los promotores ingleses sabían que invertir en los shows de Motörhead era un negocio muy rentable. En ese contexto determinan grabar otro álbum en vivo pero antes editan Snake Bite Love y lo lanzan el 10 de marzo de 1998. Un cúmulo de shows se avecinó, incluyendo The OzzFest, el Summer Festival y el concierto en The Docks en Hamburgo, de cuya entereza se desprendió el disco doble en directo, Everything Louder Than Everyone Else, a la venta desde el 9 de marzo de 1999 y considerado por las y los fans el mejor de Motörhead en su tipo.

En el 99 el grupo giró desde abril hasta junio y luego se metió a Karo Studios en Brackel, Alemania a grabar el siguiente disco. Pero antes del lanzamiento vuelven a tomar el toro por los cuernos y se embarcan en otro tour. Finalmente, completan los arreglos del nuevo material en Los Ángeles y sacan al aire el video “God Save The Queen” (en la versión de los Sex Pistols) en Londres acompañando al primer single de la próxima placa. El 16 de mayo del año 2000 sale a luz We Are Motörhead al cual le sucedió otra “docena” de conciertos en América, Europa, Japón, etc., etc.,… We Are Motörhead era el molde perfecto de la banda: destilaba un rock potente y agresivo.

Mientras la banda estaba de viaje el sello Metal-Is lanzó al mercado un disco doble denominado The Best Of Motörhead que, a manera de celebración del vigésimo quinto aniversario, compilaba 40 temas remasterizados digitalmente que daban cuenta de todas las etapas importantes de la historia de la banda hasta ese momento, incluyendo cortes con la colaboración de Girlschool, la versión de “God Save The Queen” y otras curiosidades. El 22 de octubre de 2000 Motörhead celebró sus 25 años de trayectoria con un concierto en Brixton Academy en Londres. Esa noche tuvieron como invitados a “Fast” Eddie Clarke, Brian May, Doro Pesch, entre otros y, además, el soporte visual de luces de “Bomber” enriqueció la atmósfera. El concierto fue grabado y lanzado en formato DVD el 13 de noviembre de 2001 bajo el nombre 25 & Live Boneshaker y dos años después en CD como Live At Brixton Academy.

En medio de una gran oleada de frenesí la salud de Lemmy se vio afectada, tanto así que debieron posponer algunos recitales debido a la seria advertencia de los médicos. Antes de reemprender el recorrido aprovechan para tocar “The Game”, el tema introductorio del luchador Triple H, en Wrestlemania que es el evento deportivo más importante de la lucha libre profesional y es organizado por la World Wrestling Entertainment. El performance fue televisado a nivel mundial y de esa forma Motörhead ganó más fans de las nuevas generaciones. Tras un mes de descanso, el trío se encierra de nuevo hasta que, el 9 de abril de 2002, dan a conocer Hammered, un disco que, aunque más relajado que el anterior, contiene variedad de temas contundentes y melódicos, sin dejar de mencionar la voz del luchador Triple H en “Serial Killer” y el teclado de Dizzy Reed en “Mine All Mine”. Durante la promoción de Hammered en E.U.A. se presentaron junto a Morbid Angel y Speedealer mientras que en Europa el mayor número de fechas fue con Anthrax. En el tour pudieron confirmar que el número de seguidores y seguidoras iba al alza.

Durante abril y mayo de 2003 continuaron promocionando Hammered pero Campbell se vio obligado a faltar durante tres fechas a causa de la muerte de su madre, por lo que Todd Youth lo sustituyó en esos días. Luego, dieron inicio a otro tour en Estados Unidos acompañados de Iron Maiden y Dio. Así mismo, en octubre aparece Stone Deaf Forever!, una entrega quíntuple que compila 99 cortes de Motörhead desde 1975 hasta 2002, incorporadas rarezas, 19 temas inéditos y un folleto de 60 páginas que contenían fotos no publicadas, entre otras cosas.

Los “bastardos” fueron invitados a tocar en un prestigioso evento en la Royal Opera House de Londres el 22 de febrero de 2004 y luego pasaron a organizar la producción del siguiente larga duración. Antes del lanzamiento enfilaron un arsenal de recitales alrededor del mundo y el 22 de junio, mientras se encontraban en medio de una veintena de festivales de verano, aparece Inferno con una maravillosa producción a cargo de Cameron Webb, cargado de furia, poder y al margen estricto de la marca clásica de Motörhead. Además, en los temas “Terminal Show” y “Down On Me” se puede deleitar las interpretaciones del ilustre Steve Vai, a quien Lemmy invitó al encontrárselo de manera casual en el Rainbow Bar & Grill de Hollywood. A toda la algarabía de Inferno se suma otro rimero de conciertos.

El 2005 le trajo a Motörhead su primer Grammy en la categoría “mejor interpretación de metal” de los Awards of 2005. Esto gracias al cover que realizaron del tema “Whiplash” de Metallica. Desde marzo hasta mayo anduvieron con Corrosion of Conformity en tierras gringas. Luego, se presentaron en no menos de veinte festivales y después arrancaron su “30th Anniversary Tour” con un show celebrado el 16 de junio en el Hammersmith Apollo de Londres. Mientras transcurría la aventura azotaron las tarimas con Mondo Generator, In Flames, Girlschool y Mötley Crüe. Aquel año también fueron entrevistados para un reportaje de una hora que conformaba la serie de documentales Live Fast, Die Old transmitida en el canal británico, Channel 4. La BBC Radio también sacó partido de Motörhead al publicar las apariciones de la banda en el álbum recopilatorio BBC Live & In-Session.

Durante el 2006 hicieron, junto a Meldrum, un pequeño tour de cuatro fechas en las salas de conciertos de House of Blues. A la vez, se preparaban con la grabación de la próxima placa. Seguidamente se dirigieron a Europa para asistir a varios festivales al aire libre; tuvieron una interpretación en The Rock Freakers Ball en Kansas y después viajaron al Reino Unido con Clutch y Crucified Barbara. El 29 de agosto, mientras continuaban de gira, apareció Kiss Of Death vía Sanctuary Records. Los temas de Kiss Of Death son tan enérgicos como sucios y mantienen un sonido duro, el sonido fielmente apegado a las raíces de la banda. Es por eso que este material viene a consolidar la premisa de que Motörhead no se enfoca en innovar sino en dar a sus fans lo que siempre han esperado de la banda. El trayecto finalizó el 25 de noviembre con un concierto en Brixton Academy.

El beso de la muerte propuso una visita a Sudamérica, ocasión en la que los bastardos volvieron por segunda vez a territorio chileno para presentarse en el Estadio Víctor Jara en mayo de 2007. Tras esto zarpan a Europa, en donde ofrecen un show en el Royal Festival Hall en el marco del Meltdown, un festival que se desarrolla de forma anual en Inglaterra y que incluye una gran variedad de música, filmes y otras interpretaciones artísticas que en su conjunto llegan a ocupar 85 mil metros cuadrados.

El 16 de julio de ese año sale Better Motörhead Than Dead – Live At Hammersmith, disco doble que conmemora los momentos de la larga noche en la Ciudad de Londres, en la que festejaron su aniversario número 30. Éste contiene 23 tracks que, en gran medida, constituyen los clásicos del grupo, como  “Bomber”, “Ace Of Spades”, “Overkill” y “Iron Fist”. Aunque claro, también recoge temas de Inferno y otras singularidades. El 2007 terminó, como de costumbre, con conciertos en Japón y Australia, en la compañía de Rose Tattoo, para luego rematar en Europa.

A principios de 2008 una reedición de No Sleep ‘Til Hammersmith fue lanzada a través de un CD doble y, a mediados del mismo, Motörhead se reunió con Cameron Webb en Los Ángeles para empezar las operaciones de su nuevo álbum. Comprometidos con sus fans entablan una serie de presentaciones, destacando el Download Festival en Europa y el Metal Masters Tour en América junto a Judas Priest, Heaven & Hell y Testament.

Motörizer fue publicado el 26 de agosto de 2008 y no es más que otra entrega con el sello distintivo del power trío, que ha sabido mantener su propio estilo sin rayar demasiado en la auto-repetición. Durante el 2009 continuaron con su faena de “motorizar” al mundo entero y, de esa cuenta, llegaron por primera vez al medio oriente para ser parte del Dubai Desert Rock Festival. En ese año también se empezó a grabar el documental Lemmy: 49% Motherfucker, 51% Son Of A Bitch, dirigido por Greg Olliver y Wes Orshoski. El documental reúne anécdotas de la vida del frontman, así como entrevistas a sus familiares, amigos y el propio Lemmy relatando su historia. Además en octubre fueron objeto del contenido de un reportaje de 10 páginas en la prestigiosa revista Rolling Stones, siendo la primera vez que se les concedía semejante espacio.

Entre tanto ajetreo, disponen hacer una pausa para componer su vigésimo álbum, The Wörld Is Yours, grabado en Longwave Studios y conocido desde el 13 de diciembre de 2010. El reciente CD abraza 11 tracks cuyo review pueden leer aquí. Ahora Motörhead realiza una extensa lista de actividades con un calendario a reventar que los trae una tercera vez a Chile, el sábado 9 de abril en el Teatro Caupolicán, gracias a la nueva edición del Big Metal Fest.

Y a estas alturas, con tres décadas sobre los hombros, solamente se puede concluir que el mítico trío ha sabido subsistir en el terreno del rock y el metal, siendo ahora íconos de su propio estilo, inspiración de grupos eximios, venerados por sus feligreses y respetados por una prensa que en un principio no apostó por ellos. En ese sentido, han cobrado una gran factura a la historia del rock, sin dar señales de bajar el puño de hierro y demostrando, sobre todo, que Motörhead nació para ganar.

De Trieste, la pequeña ciudad al norte de Italia, se dice que fue uno de los escenarios de la narración épica del Vellocino de Oro. También se cree que fue uno de los lugares donde desembarcó Diomedes y Antenore luego de la Guerra de Troya. Lo cierto es que es un lugar de esencia mística que sirvió de inspiración  para los griegos y romanos y de cuna para la banda que hoy conocemos como Rhapsody of Fire.

Muchas personas consideran que estos italianos tienen la capacidad de dar cátedra de la perfección a la que puede llegar el Power Metal y de las posibilidades que ofrece ese estilo. Y no es para más: sus composiciones impresionan tanto desde el punto musical como literario debido a que rescatan relatos de la Edad Media y de lugares mágicos. También dan cuenta de héroes orgullosos que están en alerta constante y siempre listos para hacer frente a cualquier guerra producida por las fuerzas del mal.

La batalla de esta banda comenzó cuando el guitarrista Luca Turilli y el tecladista Alessandro Staropoli se conocieron en un curso sobre el poder del alma. Allí conversaron sobre sus creencias en la energía del alma y la conexión de ésta con el cosmos, pero también hablaron sobre sus gustos musicales. Ambos admiraban a los compositores que habían sido capaces de transmitir en sus trabajos el más alto nivel de pasión musical, verbigracia: Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach y Niccolò Paganini. Este hecho contribuyó a su desarrollo y orientación artística. Por un lado, Turilli se empeñaba en realizar adaptaciones de obras clásicas para poder ejecutarlas con su guitarra. Así, mientras la  mayoría de los guitarristas preferían improvisar en la escala pentatónica, Luca inclinaba su concentración en composiciones del periodo clásico y barroco. Por su parte, Staropoli tenía mucha habilidad para componer y hacer arreglos porque desde los diez años se había dedicado a aprender y estudiar piano, teniendo predilección por la música clásica.

Desde un principio, Staropoli y Turilli congeniaron en gustos musicales. Pero había algo más: también les gustaba el rock y el heavy metal, especialmente de grupos como Helloween y Europe. Sus gustos musicales confluyeron de tal manera que ambos músicos decidieron crear algo que nunca antes hubiese existido en la escena metalera. El reto era capturar la energía de la música clásica y barroca y combinarla con el peculiar sonido del heavy metal. La fórmula no era simple pero a lo lejos se atisbaba una señal que les indicaba que ese era el camino que debían seguir.

Turilli y Staropoli fundaron el grupo en 1993, inicialmente con el nombre Thundercross y bajo la narrativa de que el mal puede ser encontrado en todas partes, pero no ganará si existen suficientes almas valientes para combatirlo. A ellos se había unido el baterista Daniele Carbonera y el bajista Andrea Furlan. Al principio, Luca no solo tocaba la guitarra sino también hacía el papel de vocalista de la banda. Luego de cinco meses, Thundercross ya tenía en su haber diez composiciones épicas de speedmetal –todas escritas por Alex y Luca- y se presentaban en escenarios impresionantes, aunque aún no tenían posibilidad de tocar en las ciudades más importantes de Italia.

Todo parecía estar encajando perfectamente, sin embargo, la salud de Luca se vio seriamente afectada. Luego de algunos meses de incertidumbre Turilli estaba nuevamente de pie y con su energía renovada. Pero mientras  estaba convaleciente apareció un joven llamado Christiano Adacher, quien fue reclutado como vocalista de Thundercross. Con Adacher en la voz se dieron la tarea de grabar cuatro temas para Land Of Immortals, su primer demo publicado en 1994.

Con el demo en mano, los italianos no vacilaron en encontrar un público perfecto para su estilo musical, espacios en revistas de rock y el interés de sellos discográficos. Así, llamaron  la atención de Limb Schnoor de “Limb Music Products & Publishing” de Alemania, quien rápidamente les envío una propuesta interesante y como la banda tenía referencias positivas sobre Limb así que decidieron aceptar la oferta. Fue entonces cuando se dieron cuenta que el nombre Thundercross ya no se adaptaba a su estilo melódico y por eso, decidieron que debían encontrar una denominación que se acoplara en todo sentido con el grupo y que diera significado a lo que estaba por venir.

El nombre que saltó a los ojos de los integrantes fue Rhapsody y, sin duda alguna, se ajustó completamente a lo que la banda buscaba ya que contribuía a exaltar su apego hacia la música académica y hacia la literatura. Esto porque la rapsodia era estilo del período romántico que se conformaba de varias partes que habían sido compuestas libremente y luego unidas sin ninguna relación; y, etimológicamente, la palabra viene del griego rhapsOidia (de rhaptein y aidein que significan ensamblar y canción, respectivamente) que apela a las “canciones ensambladas”. Además, el término también está vinculado con los rapsodas, quienes recitaban los poemas de Homero en la Antigua Grecia.

Algún tiempo después, el grupo decidió volver al estudio para crear más material y cumplir con lo establecido con Limb. De esa cuenta, compusieron tres temas que pasaron a ser parte del segundo demo lanzado en 1995 y titulado Eternal Glory.  Este recibió numerosos reviews de distintas partes del mundo, los cuales hablaban a favor de la banda. Medios especializados como “Sentinel Steel”, “Experience The Power” y “Singing Swords” elogiaban las composiciones de los italianos con excelentes comentarios; sin embargo, antes del lanzamiento Christiano Adacher y Andrea Furlan deciden retirarse de la banda.

En medio de la lluvia de cumplidos y alabanzas provenientes de la prensa y de los fans que habían capturado, la banda decidió continuar trabajando en Gate Studios en Alemania, con la vista puesta en su primer larga duración. En marzo de 1997, cuando llegó el momento de necesitar a alguien para la voz, contactaron a Fabio Lione, un cantante de Pisa que contaba con un amplio rango vocal y una voz muy versátil. Lione los había impresionado cuando lo escucharon en el álbum “Piece of Time” de Labyrinth, en cuya banda se hacía llamar Joe Terry.

Fabio viajó a Alemania y el grupo lo recibió en la estación de Wolfsburg donde, la primera impresión fue la de una persona amable. Pero más tarde, en el estudio, cuando Lione estaba dando las primeras tonadas de “Land of Immortals” tiró repentinamente el micrófono y gritó “¡esto es una mierda!”. Aunque ahora esta anécdota es motivo de risa para el grupo, les trae recuerdos de lo difícil que fue trabajar con Fabio al principio.

En octubre de ese año entró al mercado el álbum debut, Legendary Tales, el cual fue grabado bajo la certera dirección de Sascha Paeth, quien también colaboró con las partes del bajo. Los diez temas de esta primera placa contenían una amalgama compuesta por el sonido de flautas, clavicémbalos, chelos y coros combinados con leyendas ancestrales, elementos fantásticos y heavy metal. Como resultado, se tenía una extraordinaria narrativa épica que daba inicio a la saga que relata las crónicas de Algalord, la sacra ciudad de las tierras encantadas, la que se une con Irengard, Elgard y Ancelot para luchar contra el Rey Negro… En definitiva, fue un trabajo que marcó un patrón para el metal influenciado por la música clásica y otros componentes interesantes.

A la excelente aceptación y reconocimiento que obtuvo Legendary Tales se le sumó la buena noticia de que, por fin, habían encontrado un bajista que cumpliera con los requisitos de calidad que exigían. El bajo estaría ahora a cargo de Alessandro Lotta, a quien conocieron en Trieste gracias a Daniele Carbonera.

LA SINFONIA DE LAS TIERRAS ENCANTADAS

Con Lotta en escena, emprendieron una nueva aventura que los llevó nuevamente al estudio para trabajar en su segundo material, con el que desarrollaron y explotaron aún más su sonido distintivo. Como una prueba de lo que estaba por venir, publicaron sin más ni más el sencillo “Emerald Sword”, que incluía el tema homónimo, “Where Dragons Fly” y un remake de “Land of Immortals”. Tras lograr mantener encendidas las expectativas de sus seguidores y seguidoras, lanzaron su segunda placa el 26 de octubre de 1998 bajo el nombre de Symphony of Enchanted Lands.

No hay duda de que detrás de este álbum se esconde una ostentosa producción a cargo de Miro (Michael Rodenberg) y Sascha Paeth. Este último, además de producir, también participó en la grabación de partes de guitarra acústica, mandolina y balalaica. Otros de los ilustres invitados que contribuyeron a la magnificencia de Symphony of Enchanted Lands fueron: el coro ruso Don Cossack; el coro Helmstedter; un ensamble de cuerdas comprendido por un violín, una viola, un chelo, un contrabajo y clavicémbalo; también varios flautistas y un percusionista para los tambores de marcha.

Symphony of Enchanted Lands incorpora influencias de melodías rusas antiguas y danzas celtas, así como música al estilo de películas cinematográficas de terror y fantasía. Con lo anterior, cayeron en cuenta de que habían creado un nuevo estilo para su speed metal sinfónico: el “Hollywood metal”. Según el grupo, esta nueva forma musical se caracteriza por tener un sonido pesado, combinado con música clásica, folklórica y elementos orquestales muy parecidos a los típicos de las películas recientes de Hollywood. Cabe mencionar que las composiciones de Jerry Goldsmith, uno de los compositores más importantes en lo referente al cine y John Williams, escritor de bandas sonoras famosas (Tiburón, La Guerra de las Galacias, etc.) fueron fundamentales para el crecimiento musical de la banda y para dar el enorme paso compositivo que dieron con su segundo álbum.

La narración iniciada en el primer material continuó con Symphony of Enchanted Lands, álbum en el que cada canción va revelando más partes de la historia. El gran tema “Emerald Sword” es la punta de lanza de esta gran producción; pero también posee notables clásicos como “Wisdom of the Kings” y la brillante “Symphony of Enchanted Lands”, cuya producción requirió más de sesenta pistas separadas y su sola mezcla tomó casi una semana. Por otro lado, este disco también acaparó la atención, prueba de ello es la entrada a las carteleras europeas, la posición 54 en Alemania y un buen volumen de ventas.

El AMANECER DE LA VICTORIA

El siguiente año fue de pausa para el grupo por dos razones. La primera porque fue testigo de los discos que Fabio y Luca grabaron separadamente para sus proyectos solistas; la segunda porque, después del breve receso, les llegó la invitación para acompañar en un tour a los maestros del power metal: Stratovarius. Esto significó algo emocionante para los italianos por el hecho de que, hasta entonces, solo existían como una banda de estudio, es decir, no se habían presentado en directo como tal. De hecho, la idea de un tour había estado rondando y las personas que gustaban de su música manifestaban su interés en verlos ejecutar sus composiciones. Un ejemplo es el de la revista alemana “Rock Hard” que, en la primavera de 1999, llevó a cabo una encuesta en la que preguntaban a sus lectores qué banda querían ver en el “Wacken Open Air” de ese año. Los resultados arrojaron a Rhapsody como la tercera más popular. No obstante, el grupo sentía que debía prepararse más -logística y mentalmente- para emprender una gira.

Originalmente estaban interesados en hacer un tour que no durara más de dos semanas para que así pudieran ganar experiencia con respecto al trajín que conllevaban los conciertos. Pero, luego de discutirlo con su casa disquera, llegaron a la conclusión de que ésta era una oportunidad que no podían dejar pasar así nada más; entonces, a finales de octubre firmaron el contrato. La decisión de irse de gira no fue la única que tomaron. También decidieron cambiar de baterista debido a que no se sentían a gusto con la personalidad de Daniele Carbonera. Consultaron con su productor, Sascha Paeth, para que les sugiriera un integrante idóneo para el grupo y él les recomendó al baterista alemán, Alex Holzwarth, a quien había conocido en la producción del disco Angels Cry de los brasileños de Angra. Así mismo, reclutaron al guitarrista francés, Dominique Leurquin, para que tocara las partes rítmicas en el tour. Dos semanas antes de emprender su primera gira a nivel europeo, comenzaron a ensayar en Gate Studios y a principios de abril del 2000 iniciaron el recorrido que los llevó a tierras vikingas, romanas, galas, españolas entre otras.

La travesía terminó en mayo y el siguiente paso fue cumplir con la fecha tope que el contrato con la disquera exigía en cuanto al lanzamiento del próximo material.  Por tanto, el 30 de octubre de ese año aparece la obra maestra Dawn of Victory, con la cual obtuvieron mayor reconocimiento incluso en la esfera internacional. Dawn of Victory fue producido en Gate Studios y Pathway Studios en Wolfsburg y nuevamente bajo la dirección de Sascha y Miro. Otra vez fue invitado el coro de cámara Helmstedter y Jay Lansford como narrador.

Cortes como el propio “Dawn of Victory” y “Holy Thunderforce”, se constituían como evidencia del nivel que habían alcanzado. Si bien los discos anteriores habían sido relativamente más orquestales, con Dawn of Victory no olvidaron el lado cinematográfico de su música, la cual combinaron con arreglos de guitarra más vigorosos junto a una actitud más agresiva. Justo como lo dice el mago Aresius en el prólogo del álbum, este disco representa una “nueva saga de valor y coraje”.

Este trabajo les valió la posición 32 de las carteleras alemanas, mientras que en Japón escalaron hasta el cuarto lugar. Teniendo ese preámbulo de éxito para promocionar Dawn of Victory, en la primavera de 2001 abordaron una gira por Europa y por Sudamérica. Así fue como visitaron Chile en donde, en su primera visita, ofrecieron tres conciertos curiosamente en dos fechas, 18 y 19 de julio, que llenaron completamente el -en ese entonces- Teatro Providencia (hoy Teatro “Nescafé de las Artes”). Se dice “curiosamente” porque se presentaron dos veces en un mismo día, agendando una presentación para el inaudito horario de las 15:00 horas y otro en el normal horario nocturno.

Luego del intenso tour, se preparan para introducir en el mercado su próximo material el cual fue conocido el 13 de noviembre de 2001. Se trataba de Rain of a Thousand Flames, cuyo contenido estaba conformado únicamente por siete temas, razón por la que muchas personas lo consideran un EP. El álbum cuenta una parte de la saga “Emerald Sword” pero en un sentido paralelo, por lo que no interfiere con la historia principal pero si prepara el terreno para la cuarta y última parte de la misma. Rain of a Thousand Flames presenta un balance entre el estilo de Dawn of Victory y el de Symphony of Enchanted Lands y, como era de esperarse, conserva elementos del “Hollywood Metal”. Por otro lado, el diferencial de este disco lo configuran las partes en italiano que acompañan algunos temas, las cuales contribuyen a darle peso al tono épico de las entregas.

La continuación y desenlace de la saga “Emerald Sword” tuvo lugar con Power of the Dragonflame, lanzado a nivel mundial en marzo de 2002. El éxito de esta creación se hizo notar enseguida alrededor del mundo gracias a sus 60 minutos de gran inspiración y excelente desempeño musical. En adición a su característica gama de ensambles corales e instrumentales, incluyeron una canción cantada completamente en italiano llamada “Lamento Eroico”, l